Novetat discogràfica: Música de consum, d’Els Surfing Sirles

Música de consum

El passat 10 de juliol una notícia funesta sacsejava el panorama musical català: aquell dia moria Uri Caballero, el guitarrista de la banda de rock’n’roll barcelonina Els Surfing Sirles. Des del primer moment, els seus companys de formació van entendre que, sense el seu talent, el grup com a tal deixava de tenir sentit, i van anunciar la seva dissolució imminent; abans, però, publicarien el seu darrer àlbum, aquell en què estaven treballant aquest estiu, i ara, gairebé quatre mesos després, apareix Música de consum, el tercer i últim treball d’un grup que va recuperar la contundència del so garatge per als escenaris catalans.

El mateix Uri Caballero va ser el responsable de l’elecció del títol; així, Música de consum es refereix a la problemàtica relació entre l’anomenada música “underground” i la “mainstream”, a més de qüestionar la dificultat evident per a discernir quina pertany a un grup i quina a l’altre. D’altra banda, aquest és un disc que impacta ja des de la mateixa imatge de portada: es tracta d’una fotografia del multitudinari enterrament del líder anarquista Buenaventura Durruti a Barcelona, una escena que, en opinió del cantant Martí Sales, encaixava molt bé amb la temàtica de l’àlbum, on la mort és una idea constant en les seves lletres, però tractant-la sempre “d’una forma molt sirlera, amb la desimboltura que ha caracteritzat el quartet en la seva trajectòria.

Els Surfing Sirles, en una imatge promocional
Els Surfing Sirles, en una imatge promocional

A la primavera de 2013, Martí Sales, Uri Caballero, Guillem Caballero i Xavi Garcia estaven llestos per a entrar a enregistrar els seus nous temes, i es van traslladar a l’estudi Calacari del músic Mau Boada (Esperit!) per a gravar a l’aire lliure Minifalda rural i El fons de la qüestió; en aquell moment, però, van creure que seria bona idea enregistrar la resta de les cançons en directe per aconseguir un so més proper al dels anys seixanta, i aquí entrava en acció el segon col·laborador del disc: Joan Pons els oferia aquesta possibilitat al seu estudi, el teatre de Ca l’Eril (on també s’hi va deixar caure Joan Colomo per a aportar-hi el seu granet de sorra a Oda), i cap allà se’n van anar; malgrat les primeres intencions, però, només la instrumental Merda alemanya es va gravar en directe. Instal·lats a Osona, Els Surfing Sirles van polir la resta de cançons fins a completar un total de 12 nous temes, amb Festa amb morts –la primera i única lletra de l’Uri– obrint l’LP, Tinc una secreta devoció i Centre del món exemplificant el so més punk de l’àlbum, Àngel explicant la tràgica història d’un excompany d’escola que va atracar una fleca i en va matar la dependenta, i Epitafi com a cloenda del disc, un tema que Sales destaca amb admiració pel meravellós solo de guitarra que Uri Caballero va gravar al primer intent.

Ara, Els Surfing Sirles entenen que, sense la presència de l’Uri a la guitarra, presentar en directe Música de consum no té sentit, i és per aquest motiu que la banda ha decidit no realitzar cap actuació en directe ni concedir entrevistes promocionals per a parlar d’aquest nou LP, un treball de comiat excel·lent que els seus seguidors podran adquirir en format CD, en doble vinil o en suport digital.

Títol: Música de consum
Autor: Els Surfing Sirles
Edició: Bankrobber
Data de publicació: Octubre 2013
Preu: 15,00 €
Més informació: https://www.facebook.com/Els-Surfing-Sirles

“La Sed” en Carro de Baco: ¡Malditos roedores!

El teatro es un buen remedio para hacer terapia. Pero solo cuando somos incapaces de distinguir quién es el terapeuta y quién el paciente. De este modo, público y artífices van de la mano a la hora de ahondar en la raíz del desequilibrio.

La Sed” es el espectáculo que en esta ocasión utilizaremos para aplacar nuestros conflictos internos. Con “La Sed”, estaremos primero muy atentos, después sufriremos al enrarecerse su atmósfera y finalmente habremos bebido lo que nos merecemos.

Germán Madrid escribe una historia para dos personajes que se retroalimentan en el escenario. Son gato y ratón en continua convivencia porque les vamos a ver persiguiéndose a lo largo de tres actos de suspense creciente y notable recital interpretativo.

Partiendo de un pretexto argumental primo hermano de “La huella”, aquella maravilla de juego escénico pensada por Anthony Shaffer y a la que sacaron punta afilada Laurence Olivier y Michael Caine en 1972 bajo la atenta cuchilla de Joseph L. Mankiewicz, ahora el Espai Escènic Carro de Baco de Santa Coloma de Gramenet añade a ello una reflexión que subraya la importancia del arte interpretativo como sucedáneo de esa vida tan difícil de vivir por (casi) todos encontrando en el folletín de cine negro el modo de ejemplificarlo antes que llevándolo a sus últimas consecuencias.

“La Sed” bebe con control en cuanto a la exquisita puesta en escena de Antonia Castillo disfrutando de la copa y brindando con la platea. El equilibrio entre la dirección de actores (encantador en su arrogancia Àlex Brull, carismático como pobre diablo el propio Germán; estupendo el brío de ambos cuando fingen una pelea a muerte), el espacio escénico (majestuoso desde la simplicidad, muy sugerente utilización del rojo burdeos), la iluminación (bellísima la transición en que el supuesto felino es entronizado miserablemente con mordaza y cinta de carrocero) y la música (cumpliendo una acertada misión narrativa) nos desequilibra de emoción escénica.

A la hora de llenarnos las copas con una dramaturgia obligada a ofrecer la sorpresa constante es cuando pasamos del “puntito” al riesgo de acabar beodos: en su afán por apuntalar bien la sorpresa del espectador, Madrid acomete una recta final curvada por el solapamiento de la revelación del enigma (y vil sacrificio de quien se mostró desde el inicio como irresistible roedor) y la descripción de una terrible historia culebronesca sobre ratitas de vida alegre y trágico final. Y la inverosimilitud se ve obligada a hacer acto de presencia.

Esta noche no podré volver a casa en coche. Lo dejaré aparcado cerca. Voy a seguir bebiendo.

Por Juan Marea

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Germán enciende la llama de una gran amistad con Àlex.

“La Sed” se representa el 15 de diciembre.
http://saladeteatro.wordpress.com/

Crítica teatral: Manicomio. El circo de los horrores.

manicomio-circo-de-los-horroresEs curioso que durante este día de conmemoración y recuerdo de Todos los Santos, me dedique a escribir la crítica de Manicomio, el segundo espectáculo presentado por Circo de los Horrores, que ya visitó la ciudad condal por primera vez en octubre de 2009 con la producción Psicosis. Una curiosidad debida a la coincidencia de temáticas existente entre el espectáculo y las fechas en las que vivimos, en las que el terror y las apariciones de espíritus y almas en pena se materializan por las calles de la Barcelona. Este año, además, el espacio que acoge al espectáculo en cuestión es una carpa situada en el Port Vell, un hecho que le da al evento un toque vetusto y tradicional, gótico si me permiten decirlo, que ayuda y mucho a la imagen global del espectáculo.

Manicomio, el nuevo espectáculo de Circo de los Horrores ha mejorado, además, con respecto a su predecesor en lo relativo a la calidad y la espectacularidad de sus números. Si bien la estructura es la misma, la sucesión de actuaciones de carácter circense amenizadas por el humor del anfitrión de la función, Suso Silva en el papel de Nosferatu y de Bitelchus, y de algunos de sus desquiciados asistentes, que consiguen arrancar las carcajadas del público.

CapturaAsí, pues, el espectáculo da inicio desde el momento en el que el público accede al recinto, en el que los diversos actores y acróbatas interactúan con los espectadores creando una atmósfera adecuada y perversa para que todo se ponga en marcha. A lo que da paso la llegada de Nosferatu, el rey de los vampiros, que parece que también gobierna, de alguna forma, sobre psicóticos, anormales y demás especies ocultas y demenciales. Tras una presentación formal y humorística dan inicio las actuaciones de carácter circense entre las que hallamos acrobacias aéreas de carácter cabelludo; equilibrios y saltos inimaginables sobre patines, objetos y neumáticos; portentosos ejercicios de barras atléticas; composiciones musicales generadas a partir de la percusión de pelotas sobre baterías; majestuosos equilibrios acrobáticos de clave erótico…

Manicomio, Circo de los Horrores es un espectáculo en donde, además, se potencia la interacción, ya sea entre los actores y el público como también en el escenario, donde los afortunados (o desafortunadas) pueden participar en el desarrollo de la representación. Algo que está muy relacionado con el tipo de público que acude a ver el espectáculo gótico-circense humorístico que nos han cocinado los miembros de Circo de los horrores: por el tipo de espectadores que ocupan las butacas de la carpa podríamos inferir que esta es una obra dirigida a un púbico joven, decidido a interactuar y a hablarle de tú a tú a los integrantes de la compañía y dispuestos a disfrutar y a deslumbrarse con cada una de las actuaciones.

1233979_640999035932289_1795898419_nUn resultado que se consigue pues como les decía, el espectáculo ha mejorado en espectacularidad con respeto a su anterior versión, reforzando su barniz de goticismo, que ya poseía, y potenciando acertadamente sus componentes artísticos albergados, en esta ocasión, en la carpa al estilo «circo tradicional» que le da un toque de terror antiguo.

Así que ya lo saben, si quieren pasar un poco de medio, tan solo un poco, esmaltado con un humor fresco y a veces improvisado, y quieren sorprenderse y disfrutar con las artes escénicas que poseen los internos mentalmente afectados del sanatorio, les recomiendo que aprovechen la llegada del frío y que adquieran su entrada (si pueden es mejor ir acompañado o en grupo) para gozar de una visita a una institución artístico-psiquiátrica que les hará reír, y mucho, y asombrarse de lo que son capaces de hacer los internos del manicomio. Y no esperen demasiado, ya que las funciones finalizan el próximo 10 de noviembre!!

«Manicomio, Circo de los Horrores» se representa en el Port Vell del 18 de octubre al 10 de noviembre de 2013.

Calendario Gira:
Tarragona
Parque Francolí, del 21 al 24 de noviembre de 2013.

Idea original y dirección artística: Suso Silva
Reparto:
Suso Silva, Damian Pranay, Andrey Aversuskyn, Ganna Stepavova, Chris Lemon, Morian Hambright, Trío Essence, Barto, Graziella, Troupe Ceban, Carolina Coria y Carlos Pérez
Producción: Suma y Sigue Espectáculos
Producto ejecutivo: Manuel González Villanueva
Dirección de montaje: Circo Hermanos Rossi S.L.
Escenografía: Miguel Brayda
Diseño de luces: Juanjo Llorens
Coreografía: Lola González
Vestuario: Menkes

Más información:
http://www.circodeloshorrores.com/intro/manicomio/manicomiohtml/index.html
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Jorge Pisa Sánchez

Estreno cinematográfico: Pompeya de Paul W.S. Anderson.

weone_foto_galeria_2744full-UOCzWX7Y0jojvHs2El año que viene (2014) eOne Entertainment estrenará en España Pompeya, un film que nos vuelve a trasladar a la ciudad enterrada por la lava del Vesubio en el año 79 d.C. El film está dirigido por Paul W.S. Anderson e interpretado, entre otros, por Emily Browning, Kit Harington, Carrie-Anne Moss, Kiefer Sutherland, Paz Vega, Jessica Lucas y Jared Harris.

Pompeya narra la épica historia de Milo (Kit Harington), un esclavo convertido en gladiador, que contempla impotente cómo su verdadero amor, Casia (Emily Browning), la hermosa hija de un rico mercader, se ha prometido con un corrupto Senador romano. Pero cuando el Monte Vesubio entra en erupción, Milo deberá luchar en una carrera contra el tiempo para salvar a su amada mientras la magnífica ciudad de Pompeya se derrumba a su alrededor.

La película está ambientada en Pompeya en el 79 D.C., en los días previos a la erupción del Vesubio durante el reinado del emperador Tito. Un episodio histórico ampliamente utilizado en el cine, la literatura y la televisión, pero que hacía años que no servía como escenario para una gran producción como parece que es Pompeii, con un presupuesto estimado de unos 100 millones de dólares. El estreno oficial en EE.UU. se prevee para el 21 de febrero de 2014.

Título: Pompeya
Director: Paul W.S. Anderson
Reparto: Emily Browning, Kit Harington, Carrie-Anne Moss, Kiefer Sutherland, Paz Vega, Jessica Lucas y Jared Harris
Guión: Janet Scott Batchler, Lee Batchler y Michael Robert Johnson
Director de fotografía: Glen MacPherson
Diseño de vestuario: Wendy Partridge
Estudios: Impact Pictures y Constantin Film

Crítica: La tragedia de los soldados judíos de Hitler, de Bryan Mark Rigg, Inédita Editores.

00106518017816___P1_600x600La Segunda Guerra Mundial es un conflicto sobre el que existe una ingente cantidad de documentación, que atrae a un gran número de investigadores y que cuenta con una legión de ávidos lectores interesados en sus múltiples aspectos. Como consecuencia de todo esto, una verdadera marea de publicaciones, tanto de investigación como de divulgación, inunda cada año los estantes de las librerías de todo el mundo y existe un amplio público con un buen nivel de conocimientos sobre la última conflagración mundial. Es por ello que resulta difícil encontrar un tema que pueda resultarles una completa sorpresa.

Pero precisamente esto es lo que consigue la obra de Bryan Mark Rigg La tragedia de los soldados judíos de Hitler. El libro trata sobre un aspecto hasta ahora prácticamente inédito de la Alemania nazi: el papel de decenas de miles de alemanes de ascendencia judía en la Wehrmacht, antes de y durante la guerra, y sobre las políticas llevadas a cabo por el Estado nazi para hacer frente a esta realidad. El origen del libro se halla en la tesis doctoral del autor, que realizó una concienzuda labor de investigación tanto en archivos alemanes, especialmente el Bundesarchiv-Militärchiv de Friburgo, como entrevistando a más de un centenar de antiguos militares alemanes de esta condición.

Aunque la existencia de estos soldados alemanes de ascendencia judía, denominados mischlinge (‘mestizos’) por las autoridades nazis, ya era conocida, Rigg defiende de manera convincente que la escala de este fenómeno fue muchísimo mayor de lo que hasta ahora se creía, afectando a un mínimo de 150.000 soldados, entre los que se encontraban un mariscal de campo, veintiún generales y siete almirantes.

También repasa las políticas que ejecutó el nazismo ante este problema mischlinge, mostrando cómo se pasó de una inicial tibieza y flexibilidad, motivada por razones simplemente pragmáticas y oportunistas, a un progresivo endurecimiento de la actitud hacia estos “medio-judíos”. Llama poderosamente la atención que junto a las diferentes leyes prohibiendo a los mischlinge alistarse en la Wehrmacht o que obligaban a abandonarla a los que ya servían en ella, se estableciesen medidas de exención, Genehmigung, que permitían al afectado permanecer en el ejército o incluso declararlo oficialmente ario pese a su ascendencia parcialmente judía, la Deutschblütigkeitserklärung.

Uno de los aspectos más sorprendentes del libro es el rol jugado por Hitler. Es lógico que como autócrata y primer antisemita del país tuviera un papel determinante a la hora de definir los principios y las medidas a tomar con respecto a los mischlinge. Lo que no lo es tanto es que se tomara un intenso interés en analizar personalmente todas las peticiones de exención y se reservara la última palabra a la hora de concederlas o denegarlas, así como en las arianizaciones. Tareas a las que dedicó una significativa cantidad de tiempo incluso durante la etapa final de la guerra.

Reseña_La-tragedia-de-los-soldados-judíos-de-HitlerPetición
Serie de fotografías que acompañaban a las peticiones de Genehmigung.

Pero los verdaderos protagonistas de la obra son los desgraciados mischlinge; sus motivaciones para servir en el ejército de un régimen que los despreciaba y discriminaba, sobre todo para proteger a sus familiares judíos y por patriotismo; sus padecimientos, luchando por mantener su condición en secreto, soportando humillaciones hacia ellos o sus familiares; y sus diferentes destinos: muchos fueron finalmente expulsados de la Wehrmacht, otros consiguieron mantenerse en el servicio activo hasta el final de la contienda, algunos murieron en combate otros sobrevivieron a la guerra y algunos incluso fueron internados en campos de exterminio y pasaron a engrosar el terrible número de muertos del Holocausto.

Precisamente, no puede acusarse a Rigg de rehuir el aspecto más polémico y doloroso de la participación de los mischlinge en la Segunda Guerra Mundial y en su grado de conocimiento, o de desconocimiento, del Holocausto aunque, en mi opinión, se muestra demasiado crédulo ante las alegaciones generales de ignorancia por parte de los veteranos de guerra entrevistados. Además hubiera sido deseable que ampliara este apartado para abarcar todos los crímenes cometidos por la Wehrmacht durante la guerra.

El libro está repleto de situaciones sorprendentes y en ocasiones kafkianas y muestra la dificultad de establecer clasificaciones rígidas en el campo de las identidades colectivas e individuales (quién es judío, quién alemán, qué es un mestizo…). Muchos de estos mestizos profesaban la fe cristiana y no se sentían judíos desde un punto de vista religioso, étnico o cultural, pero fueron víctimas de la concepción pseudo-biológica y racista del término por los nazis.

La gran mayoría de ellos se consideraban buenos alemanes, como muchos judíos de hecho, e hicieron lo posible por ser admitidos en el ejército y luchar por su país. Como consecuencia de estas situaciones tan contradictorias los mischlinge experimentaron una gran variedad de sentimientos, desde la confusión por ser considerados judíos, hasta el desarraigo de ser rechazados por las dos comunidades debido a sus orígenes mixtos.

La obra cuenta con un excelente acompañamiento gráfico en forma de varias decenas de fotografías de mischlinge y de documentos originales de la época. En el apartado de las críticas negativas hay que reconocer que el título del libro La tragedia de los soldados judíos de Hitler es algo engañoso, ya que trata básicamente sobre los alemanes de ascendencia judía, aunque aparecen unos pocos casos de judíos “cien por cien”. Así mismo es de lamentar que en la edición española se haya eliminado el índice de la edición inglesa original, con el resultado que, por ejemplo, si el lector quiere conocer la suerte de alguno de los mischlinge que aparecen en las fotografías, la única opción es volver a leer todo el libro.

En cualquier caso, estos pequeños defectos no empañan el interés de una obra original y polémica, que proporciona una perspectiva totalmente nueva sobre la Wehrmacht y el Estado nazi y que, en definitiva, es completamente recomendable.

Título: La tragedia de los soldados judíos de Hitler
Autor: Bryan Mark Rigg
Editorial: Inédita Editores S.L.
Año de publicación: 2009
Nº de páginas: 426
Encuadernación: tapa dura
Formato: 15,5x24cms.
ISBN: 978-84-96364-68-4
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Borja Pelegero Alcaide

Crítica teatral: À la ville de… Barcelona, en el Teatre Lliure.

cartell_a_la_villeEsta semana finalizan las representaciones de À la ville de… Barcelona, un homenaje del Teatre Lliure a la ciudad de Barcelona en forma de music hall cómico creado y dirigido por Joan Ollé e interpretado por Joan Anguera, Ivan Benet, Marta Betriu, Laura Guiteras, Oriol Genís, Enric Majó, Victòria Pagès y Jordi Vidal, una troupe que nos hará viajar por la historia y por los rincones más simbólicos de la ciudad condal en un itinerario marcado por el buen humor, por la música y por las ganas de reírnos de mostros mismos. Un empeño que se corona con un muy grato resultado escénico que enlaza directamente lo que acontece sobre el escenario con las vivencias de los que se hallan en el patio de butacas.

À la ville de… Barcelona, nos propone un periplo por las edades de la ciudad y de sus habitantes. Como anfitrión de este viaje escénico por el tiempo nos hallamos, al inicio de la representación, a un patricio de la ciudad romana de Barcino que, togado, nos da la bienvenida para que comience un recorrido que nos llevará desde las Ramblas al Paralelo, del Zoo al Born y el barrio de la Ribera; de Montjuïc a la Barceloneta, pasando por el puerto, los mercados, El Molino, o el Liceo.

La obra está conformada por una sucesión de sketchs que mezclan el humor con un cierto dramatismo, unos ingredientes, además, compartidos por los espectadores ya que hacen referencia, sin duda, a sus vivencias personales. El espectáculo aunque comienza, como he dicho, en época romana, se centra especialmente en el siglo XX, y yo diría que sobre todo en la segunda mitad de esa centuria, donde, claro está, tanto el dramaturgo como los espectadores pueden hallar muchos más elementos de sátira más cercanos y cotidianos. Entre ellos, por ejemplo, encontramos la invasión de las hordas de turistas que cada vez se apropian con mayor afán de los espacios más significativos de la ciudad; la acción política «de postín» de los alcaldes de Barcelona, un gag excelentemente interpretado por Ivan Benet; los efectos de la corrupción que cada vez parece más omnipresente; las incomodidades experimentadas por los monumentos barceloneses o la subjetiva degradación que sufren algunos de los barrios de la ciudad, con la resolutiva interpretaciónen in crescendo de Victòria Pagès.

villebcn_ruano_020La representación se construye a partir de una actuación coral, en la que cada uno de los actores tiene su/s momento/s, con un ritmo que se mantiene en tensión a lo largo de la obra, con finales de sketchs y principios de otros que se entrelazan constantemente. Por el escenario pasarán personajes como las estatuas de Colón y de la Dama del paraigües, el mundialmente famoso Floquet de neu, varios de los alcaldes de Barcelona, el defenestrado Millet, formando un más que cómico Angelus pictórico y toda una serie de personajes anónimos que han paseado y pasean su estampa por las calles de la ciudad, a través de una pasarela conformada por un acertado paso de cebra, elemento ubicuo en la metrópolis.

Sin embargo la obra, o lo que es lo mismo, el torbellino de sketchs y gags, no goza de un adecuado equilibrio entre el dramatismo y la comicidad que poseen las escenas individuales, por lo que la firme apuesta hacia la vertiente más humorística del conjunto hace que sus escenas más dramáticas no consigan crear el momento de tensión que les son necesarios, aguando de esta forma sus intentos de llegar al espectador. Por su parte, el peso humorístico del conjunto se impone, lo que genera una sensación, esta vez sí que acertada, de comicidad en el público asistente.

La obra también está planteada como un music hall en el que oiremos viejos éxitos de la música más popular escuchada en la ciudad interpretados en directo por una pequeña banda de músicos, lo que le da al espectáculo un toque de varieté que la asemeja, en parte al Taxi… Al TNC!, la obra con la que dio comienzo la temporada el Teatre Nacional. Y es seguramente esta una forma más que adecuada para dar comienzo a un año del que parece que podemos esperar algo más que en los últimos, para que germine en él la dicha propia de tiempos mejores, unos tiempos presentes y futuros que también formarán parte de la historia de Barcelona y a los que puede que dentro de unos años o tal vez de de muchos, alguien haga referencia en forma de obra de teatro, ¿no les parece?

«À la ville de… Barcelona» se representa en el Teatre Lliure Montjuïc del 10 de octubre al 3 de noviembre de 2013.

Creación y dirección: Joan Ollé
Reparto: Joan Anguera, Ivan Benet, Marta Betriu, Laura Guiteras, Oriol Genís, Enric Majó, Victòria Pagès y Jordi Vidal
Músicos: Joan Alavedra, Eduard Altaba, Salvador Boix, Oriol Camprodon-Montserrat Margalef, Jerôme La Voix-Clara Luna y Xavier Maureta-Ahmed Al’Tortahad
Escenografía: Eugenio Szwarcer
Vestuario: Míriam Compte
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Lionel Spycher
Sonido: Damien Bazin
Coreografía y movimiento escénico: Andrés Corchero
Dirección musical y arreglos: Lisboa Zentral Cafè
Producción: Grec 2012 Festival de Barcelona, L’Auditori de Barcelona y Bitò Produccions

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 22 a 24,65 €
Idioma: catalán
Duración: 2 horas sin pausa
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Jorge Pisa Sánchez

Entrevista radiofónica: El emperador Domiciano. Luces en la Oscuridad.

Captura12Os dejamos aquí con el enlace de la entrevista grabada en el programa de radio Luces en la oscuridad de Gestiona Radio que trata de la figura y el reinado del emperador romano Domiciano (81 – 96 d.C.).

Espero que os guste!!

En el siglo I d. C. Tito Flavio Domiciano fue emperador del Imperio romano durante 15 años, siendo el reinado más largo desde el emperador Tiberio. Asímismo fue el último emperador de la dinastía Flavia la cual gobernó el Imperio romano desde el año 69 al 96 d.C., y que abarcó el rerinado de su padre Tito Flavio Vespasiano y el de su hermano mayor Tito. Las fuentes clásicas describen a Domiciano como un tirano cruel y paranoico ubicándole entre los emperadores más odiados al comparar su vileza con las de Calígula o Nerón. Pero ¿cómo se originó la dinastía de los Flavios? ¿Cómo consiguió llegar al poder en Roma? ¿Cuáles fueron los traumas de Domiciano durante su adolescencia? ¿Qué tipo de edictos referentes a la moralidad de los romanos dictó al llegar al poder? ¿Fue realmente un tirano? ¿Qué importancia tuvo la religión durante su mandato?

enlaceEl emperador Domiciano y la dinastía Flavia

“El acompañamiento” en Cincómonos Espai d’Art: Música, ¡aprendices!

Las penas compartidas son menos penas.
Pero, ¿qué hay de las alegrías? ¿Estamos preparados para que nos trasciendan? ¿Pueden contagiarnos cuando es otro el que las consiguió con su propio esfuerzo?
Cincómonos Espai D’Art de Barcelona tiene una respuesta. Y podemos conocerla acudiendo a su llamada los sábados a las 21 h.

Para ello, disponen un escenario atiborrado de cachivaches. El amontonamiento, prodigioso a la hora de mantener el equilibrio físico, es la prueba evidente de que nos hemos trasladado a un lugar en el que moraremos bien encerrados.

Pero no se trata esta de una historia de claustrofobia emocional. Más bien todo lo contrario.

Asistiremos de la mano de Lucía Jurjo a un cara a cara entre dos amigos que hace tiempo que no practican. Pero impacientes por recuperar el tiempo que no estuvieron disponibles. Y el público será árbitro a lo largo del espectáculo a la hora de valorar la fidelidad y la evolución de su relación.

Jurjo acaricia el texto de Carlos Gorostiza con suma cautela: Sabe que pertenece casi por entero a sus intérpretes. Y lo que sobre, esas migajas en que consiste lo que no está escrito ni escenificado y que suele proseguir a los aplausos, nos lo llevamos los espectadores. Para intentar ser mejores personas. Para reconocer al regresar a casa que también nosotros fuimos sus personajes.

Este “Acompañamiento” opone a Jorge Salinas (entusiasta, arrollador, histrión encantador) bajo la piel de Tuco, empeñado en “cumplir su sueño día a día”, a Hector Grimber (cauto, gracioso, considerable en su contención), cuyo Sebastián aparece como conciencia políticamente correcta y que saldrá convenientemente ajusticiado del lance.

Lo demás es una excusa para abrir el debate: ¿Qué debe prevalecer en nuestra vida, la felicidad individual o bien la satisfacción del bienestar del entorno social?. Ese “demás” incluye una trama deliciosamente disparatada (un hombre decide enclaustrarse en la buhardilla de su casa para dar rienda suelta a su fantasía de juventud); un puñado de momentos entrañables (las gárgaras con vino para aclarar la voz musical; la soledad del quisquero de fondo ante la despreciable tipología de su clientela; el concierto desafinado por fin de ambos compinches de sueños no más rotos puesto que acaban de empezar a pegar; la guitarra imaginaria que acompaña los mejores deseos del aspirante a cantor) y algún que otro desbarajuste de ritmo (la compenetración de los actores sobrepasa a veces la identidad de los personajes).

 Por Juan Marea

ImageHector y Jorge, rozando su concierto 

http://www.cincomonos.org/index.html
http://www.cincomonos.org/el-acompanamiento.html

Crítica teatral: Terra de ningú, en el TNC.

_DSC3561_EditEl estreno de un Pinter siempre es una buena ocasión para ir al teatro sobre todo si en su puesta en escena hallamos el despliegue de medios del TNC y a actores de la talla de Josep Maria Pou y Lluis Homar sobre el escenario, y más si nos hallamos ante una de sus obras más inquietantes, como es el caso de Terra de ningú, una reflexión existencial repleta de interrogantes y reservas.

Terra de ningú nos presenta una situación, claustrofóbica por momentos y arcana en muchos otros. La acción da inicio de forma abrupta, como si en verdad la representación ya hubiera comenzado antes de presentarla al público. De repente vemos entrar a dos personas, las cuales parece que acaban de conocerse hace poco. La conversación que mantienen está marcada por lo extraño de la misma y regada extensamente con alcohol. Una charla extraña a la que parece que el público no puede acceder del todo, excepto a través de sus pinceladas de poesía y de sus toques de humor.

El espacio donde se desarrolla la acción es el majestuoso salón de la casa de uno de ellos. El invitado, Spooner (Lluís Homar), que no comparte el mismo nivel social que su anfitrión, Hirst (Josep Maria Pou), un literato enriquecido gracias al éxito, lo ha seguido hasta allí. Su diálogo es interrumpido en algún momento por los amigos/secretarios/criados del primero, Briggs (David Selves) y Foster (Ramon Pujol). Ambos parecen no estar complacidos con la irrupción del extraño en la casa. Al final el alcohol deja fuera combate al anfitrión que debe abandonar la sala ayudado por uno de sus criados.

Spooner se ha quedado a dormir, no sabemos por qué, encerrado en el salón de la casa. Después se almorzar volverá a encontrarse con su anfitrión, esta vez sobrio, que lo confunde con un antiguo amigo de juventud (bien, puede que en verdad lo fuera). Y da inicio una nueva conversación en la que la poesía, la ofensa, la caballerosidad y el alcohol vuelven a ser sus componentes. Todo ello en lo que parece ser una tierra de nadie.

_DSC3592_EditTerra de ningú nos presenta una situación, una atmósfera, que parece que está fuera de la realidad. Un espacio ocupado por varias personas que parece que no tiene substancia, como no la tienen los pensamientos o la memoria. En él, estas cuatro personas interactúan y conversan entre ellas aunque parece que nada de ello tenga demasiado sentido, como si el espacio colmase de irrealidad a todo lo que pasa o existe en él. De aquí que podamos decir que la obra, dirigida por Xavier Albertí, nos adentra, gracias a su asombroso texto, en un limbo misterioso del que al espectador le costará salir o hallar un sentido cierto o al menos real. Algo con lo que el autor, Pinter, jugó conscientemente.

Terra de ningú, parece así, un juego escénico, una composición en el que los fantasmas, los miedos y los anhelos de Pinter toman forma, aunque tenue y borrosa, como con la voluntad de mostrarnos tan solo una parte de su interior, una que ciertamente no podamos discernir del todo, como una invitación a poner de nuestra parte lo que no hallamos sobre el escenario.

La adaptación de Albertí está hecha con el buen gusto propio del TNC. Un espacio, el salón de la casa que parece flotar en un limbo intangible, en el que la interpretación de sus cuatro protagonistas, Lluís Homar, Josep Maria Pou, Ramon Pujol y David Selvas es tan estática e incorpórea como un texto de este tipo requiere. En ellas, como no podría ser de otra forma, destacan las de Pou, como el anfitrión alcoholizado que parece haber perdido el rumbo de una vida malograda por el éxito, y resplandece la de Homar, que construye un personaje sórdido e indescifrable del cual nunca acabaremos de conocer cuáles son sus intenciones. Pujol y Selvas encarnan a los dos amigos/criados que residen en la casa con una relación cuyos flecos tampoco llegaremos a conocer nunca.

Tras Taxi… Al TNC! el Teatre Nacional de Catalunya encamina su programación hacia un horizonte teatral que suma enteros con la elección de Terra de ningú, de Harold Pinter, una obra inquietante que traslada al espectador a un mundo entre la realidad y el sueño, por una senda que si bien puede parecer dificultosa consigue dirigir la mirada del público hacia la esencia del teatro y al examen que este puede hacer de sí mismo.

«Terra de ningú» se representa en el TNC del 17 de octubre al 24 de noviembre de 2013.

Autor: Harold Pinter
Dirección: Xavier Albertí
Reparto: Lluís Homar, Josep Maria Pou, Ramon Pujol y David Selvas
Traducción: Joan Sellent
Escenografía: Lluc Castells
Vestuario: María Araujo
Iluminación: David Bofarull
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 11,5 a 23 €
Duración: 1 hora y 40 minutos (sin entreacto)
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica cinematogràfica: Tots volem el millor per a ella, de Mar Coll

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L’any 2009, una jove sorgida de l’Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC) presentava la seva primera pel·lícula, Tres dies amb la família, un debut magnífic amb el qual Mar Coll es va guanyar els millors elogis tant de crítica com de públic. Ara, quatre anys després d’aquella estrena, arriba als cinemes el seu esperat nou film: Tots volem el millor per a ella, una delicada història, a mig camí entre el drama i la comèdia, en què la directora barcelonina aprofundeix amb èxit en les crisis personals i la necessitat de seguir endavant amb les nostres vides malgrat els entrebancs inevitables del destí.

És evident l’interès de Coll en desconstruir les famílies i posar en relleu les carències afectives entre els seus membres, els mateixos que pretenen amagar les seves misèries i guardar les aparences. Així ho va fer en el seu debut cinematogràfic, on oferia una visió de les relacions familiars a partir de la mirada juvenil de la protagonista, i ara trobem una situació similar, però des dels ulls experimentats de la Geni, l’heroïna d’aquest relat que intenta superar les seqüeles de l’accident que va patir un any abans i que li ha destrossat el genoll, a més de provocar-li certes dificultats en la memòria i en la parla. Res no és fàcil des d’aquell desgraciat incident, ni per a ella ni per al seu entorn més immediat, començant pel Dani, el seu sacrificat marit, qui no sap com afrontar l’estat actual de la seva dona. Tots voldran ajudar la Geni, tots voldran el millor per a ella, però ella no ho tindrà tan clar: ¿volen el millor per a ella o el millor per a ells mateixos?

Nora Navas i Valeria Bertuccelli, en una imatge de la pel·lícula
Nora Navas i Valeria Bertuccelli, en una imatge de la pel·lícula

La seva nova situació farà que es replantegi moltes coses del seu dia a dia, ella s’adona que no és la mateixa persona que era abans de l’accident –i no només pels problemes físics–, i creu que ha arribat el moment d’acceptar els canvis. A més, la trobada casual amb la seva millor amiga de l’adolescència li mostrarà com podria haver estat la seva existència si hagués seguit els seus passos; d’aquesta manera, la Geni dubtarà si és massa tard per a fer un gir radical en la seva vida, un desig que la seva família s’encarregarà de torpedinar una vegada i una altra per a què torni a ser la d’abans i, així, restablir l’ordre existent previ a aquell succés que va trasbalsar els plans de tots ells.

Rodada amb una senzillesa exquisida, Tots volem el millor per a ella ofereix una visió esperançadora sobre la necessitat de seguir els nostres impulsos malgrat que això signifiqui haver d’enfrontar-nos al nostre entorn més proper, aquell que pretén guiar els nostres passos per a retornar a la comoditat del passat. Coll confirma el seu talent per a commoure l’espectador amb aquest relat amarg sobre la recerca de la identitat personal que encara podria haver estat més dramàtic –l’humor necessari l’aporta una brillant Àgata Roca com a Raquel, entestada en ajudar la seva germana tot i estar tan desorientada com ella–; tot això, però, no hauria estat possible sense Nora Navas, extraordinària interpretant un paper que, de ben segur, l’acompanyarà tota la vida: la Geni, la fràgil –i a estones esbojarrada– protagonista que, malgrat la por i la incertesa, no deixarà que ningú prengui les decisions per ella, un personatge de gran tendresa que el públic s’estimarà des del primer instant, desitjant-li, evidentment, tot el millor per a ella.

Títol: Tots volem el millor per a ella
Direcció: Mar Coll
Intèrprets: Nora Navas, Valeria Bertuccelli, Pau Durà, Àgata Roca, Jordi Costa, Clara Segura
Guió: Mar Coll, Valentina Viso
Any: 2013
Durada: 105 minuts

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Escrit per: Robert Martínez

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