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Crítica libro: Star Trek, el viaje de una generación, Doc Pastor, Dolmen Editorial

portada-star-trek1Existen muchas series, como no podía ser de otra forma, en una época en la que la televisión vive una época dorada. Pero no todas llegan a dejar una estela de entretenimiento y devoción como la clásica Star Trek, ficción que nos mostraba los viajes de exploración espacial de la nave estelar Enterprise y su tripulación liderada por el capitán Kirk (William Shatner), el oficial científico vulcaniano Spock (Leonard Nimoy) y el médico de a bordo McCoy (DeForest Kelley). En 2016 Doc Pastor publicaba Star Trek: el viaje de una generación, obra editada por Dolmen editorial que analizaba en profundidad la saga original de Star Trek.

Así, a primera vista, el libro destaca por su portada, que con una edición sencilla pero elegante consigue llamar la atención del lector. Si después de ser persuadidos por la portada nos dirigimos al índice del libro, vemos que este es muy completo y abarca aspectos muy variados de la serie: Pastor nos presenta a la figura del creador de la serie, el mítico Gene Roddenberry y sus esfuerzos por echar a andar la serie; la concepción de Star Trek y los roles de sus protagonistas principales, estos es, los miembros de la tripulación y varios de los personajes secundarios más destacados, que aportaron a la serie una amplísima variedad temática y actoral como, entre otros, Harry Mudd, Sarek, la enfermera Christine Chapel o el mismísimo Zefram Cochrane, el genio que inventó el motor warp.

El autor dedica, además, un capítulo a los temas, muchas veces profundos y complejos, que trató la serie, y que seguro que inició en la ciencia-ficción a muchos televidentes de la época.

Tras ello, Pastor trata de la cancelación de la serie en el año 1969 y del nacimiento del fenómeno fandom, que produjo toda una variedad de trekkies que desde entonces pueblan el mundo. A partir de ahí, el libro analiza las aventuras espaciales cinematográficas interpretadas por el casting original, que comenzaron con la considerada injustamente lenta y falta de ritmo Star Trek, la película y acabó con la melancólica Star Trek Generations. El autor acaba su análisis analizando la creación de la nueva franquicia de Star Trek en el año 2009, de la que ya hemos podido ver tres entregas.

Star Trek: el viaje de una generación es una antología analítica del fenómeno Star Trek, centrado principalmente en la serie clásica, que permite al lector obtener una visión completa de la creación, desarrollo y final de una serie que ha generado legiones de seguidores en el mundo. Pastor, especializado en la redacción de libros relacionado con las series y el cine, utiliza un estilo muy ameno a la hora de tratar la evolución del fenómeno Star Trek, con capítulos y apartados cortos o muy cortos que tratan las diversas temáticas indicadas en el índice. El tono de Pastor se sitúa en el ámbito del humor serio, con una visión no demasiado apasionada sobre el mundo de Star Trek y en ningún caso farragosa.

El texto viene acompañado por un amplísimo aparato de imágenes, algunas de ellas curiosas, y con toda una serie de recuadros con informaciones curiosas sobre la serie y sus protagonistas.

Star Trek: el viaje de una generación, es un tributo a una serie que, seguro, cambió la forma de ver el mundo y el futuro a diversas generaciones, una propuesta que permite al lector realizar un viaje nostálgico al centro de la televisión, a aquella televisión clásica de los años 60 que vio nacer a una de las series más duraderas y populares de la historia.

Star-Trek-viaje-de-una-generación_Doc PastorTítulo: Star Trek: el viaje de una generación
Autor: Doc Pastor
Editorial: Dolmen Editorial
Colección: Ensayo
Fecha de publicación: 2016
ISBN-10: 8416436797
Precio: 19,95€
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica libro: Apocalypse Domani, Ángel Sala (coord.), Editorial Hermenaute

Apocalypse domaniSí, el fenómeno vintage se ha consolidado con fuerza en la actualidad. Todo lo que hace referencia al pasado “reciente” y/o a nuestra infancia o juventud adquiere una patina dorada de universal agrado.  Este es el caso, también, del cine de explotación italiano de los años 70 y 80, que con presupuestos escuálidos y una capacidad creativa (y emulativa) sin límite, convirtió a este país en una de las mecas de la producción cinematográfica global.

De eso trata Apocalypse Domani, La década de la explotiation italiana de ciencia ficción (1977 – 1990), una obra colaborativa coordinada por Ángel Sala, escritor, guionista, crítico de cine y director del Festival de Cine de Sitges, y publicada por la editorial Hemenaute.

El libro hace un repaso y analiza el fenómeno de cine de ciencia-ficción explotiation italiano, una producción que copiaba, a veces de forma sorprendente (y que cada uno interprete el adjetivo a su gusto), los grandes éxitos del cine de ciencia-ficción made in Hollywood como La Guerra de las Galaxias; Alien, el octavo pasajero; La Cosa; 1997: Rescate en Nueva York y otros éxitos internacionales como la saga australiana de Mad Max, para elaborar y estrenar productos de bajo presupuesto pero que en muchas ocasiones se convertían en éxitos internacionales, gracias a una publicidad altamente engañosa pero muy efectiva (seguramente la edad de oro de las carátulas y los pósters de cine), y al canal de alquiler de los prósperos videoclubs de la época.

Directores como Luigi Cozzi, Enzo G. Castellari, Joe D’Amato, Lucio Fulci, Sergio Martino, Antonio Margheriti o Bruno Mattei produjeron un cine de consumo con mucho éxito que daría a la cinematografía italiana dos décadas de éxito y presencia internacional.

Como ya he dicho, Apocalypse domani es una obra colaborativa compuesta por una serie de artículos dedicados a temáticas concretas como los inicios de la ciencia-ficción italiana; los vínculos de géneros como el péplum, el spaguetti western, el horror y la ciencia-ficción del país alpino; los mundos postapocalípticos de explotación italiana; las películas ambientadas en el Bronx realizadas por Enzo G. Castellari; los films de invasiones alienígenas o el marketing y la distribución del cine explotiation.

El libro contiene también tres entrevistas realizadas a los directores Enzo G. Castellari, Sergio Martino y Luigi Cozzi, en la que nos narran en primera persona las características y las anécdotas de estas producciones. Asimismo, incluye 17 fichas que tratan brevemente algunas de las películas de explotiation de ciencia-ficción de más éxito, como Star Crash, choque de galaxias: Alien 2: Sobre la Tierra; 1990, Los guerreros del Bronx; El desafío de Hércules; El exterminador de la carretera o Roma Año 2072 D.C. Los Gladiadores.

Apocalypse Domani se convierte así en un tributo a una época y una forma de hacer cine italiano explotiation de éxito internacional, de lectura amena y fluida, que aunque peca de repeticiones e iteraciones, al ser escritos los diversos capítulos por distintas manos, nos permite tener una visión de ese tipo de producción bastante completa, al menos en referencia a los títulos de mayor éxito, y entender cómo se vivía y se hacía este tipo de cine en Italia en las décadas de los años 70 y 80, y más aún cómo se promocionaba y consumía, en una época muy alejada aún del mundo digital que forma parte indisociable ya de nuestra sociedad del siglo XXI.

Título: Apocalypse domani. La década de la explotitation italiana de ciencia ficción (1977-1990)
Autores: Ángel Sala (coordinador) Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Jesús Palacios, Domingo López, Diego López, Manlio Gomarasca, Mònica Garcia i Massagué, Desirée de Fez
Editorial: Hermenaute
Ilustraciones: Miki Edge
ISBN: 978-84-120819-0-9
Páginas: 260
Precio: 22 €
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Exposición: Stanley Kubrick en el CCCB

Llega a Barcelona (CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona) la exposición que repasa la trayectoria creativa del director Stanley Kubrick. La muestra es un recorrido cronológico por la obra de un genio del cine, creador de obras maestras en una gran diversidad de géneros cinematográficos.

Presenta una cuidada selección de más de seiscientos ítems entre imágenes en movimiento (unos cuarenta audiovisuales); objetos y material procedentes de los archivos personales del director (documentos de investigación y producción, guiones, fotos fijas, utillaje, vestuario, maquetas, cámaras y objetivos…).

Toda la carrera del director está documentada y representada, desde sus inicios con los cortodocumentales hasta su última película, Eyes Wide Shut (1999) u obras maestras como 2001: Una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975) y El resplandor (1980).

Los seguidores de Kubrick encontraran piezas icónicas, utilería y vestuario original como el Niño de las Estrellas y el disfraz de hombre mono, de 2001: Una odisea del espacio; los vestidos de las hermanas gemelas y el hacha de Jack Torrance de El resplandor; el casco con el lema «Born to kill», de La chaqueta metálica (1986), y las máscaras de Eyes Wide Shut.

Exposicio Stanley Kubrick_CCCBEn la exposición se pueden observar varias piezas del equipo de grabación con el que trabajaba Kubrick: cámaras de mano, cámaras de estudio, una mesa de montaje Moviola y una selección de objetivos de cámara, incluido el objetivo Zeiss de alta velocidad con el que se grabaron las escenas de Barry Lyndon a la luz de las velas.

Los proyectos inacabados de Stanley Kubrick, Napoleón y Los papeles arios, también se presentan en detalle. El material recogido propiedad del director documenta hasta qué punto había avanzado el trabajo de investigación y preproducción en la película sobre el emperador francés y en la adaptación cinematográfica de la novela de Louis Begley, Wartime Lies.

La exposición también se adentra en la carrera de juventud de Kubrick como fotógrafo. En aquella época, trabajó para la prestigiosa revista Look, a la que contribuyó con miles de fotografías.

El crítico de cine y escritor Jordi Costa es el responsable de su adaptación en el CCCB de Barcelona, que incorpora contenidos inéditos. Entre otros, nuevos materiales del filme 2001: una odisea del espacio (1968), que este año cumple su cincuenta aniversario; storyboards de Barry Lyndon; entrevistas inéditas a actores y directores colaboradores de Stanley Kubrick o una instalación audiovisual biográfica, firmada por Manuel Huerga.

«Stanley Kubrick» es una exposición del Deutsches Filmmuseum, Frankfurt am Main, Christiane Kubrick, Jan Harlan y el Stanley Kubrick Archive de la University of the Arts London, con la colaboración de Warner Bros. Entertainment Inc., Sony-Columbia Pictures Industries Inc., Metro Goldwyn Mayer Studios Inc., Universal Studios Inc., y SK Film Archives LLC. La muestra ya se ha podido ver en diferentes ciudades de todo el mundo como Ciudad de México, Los Ángeles, Seúl o París.

Exposición: Stanley Kubrick
Dónde:
CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Cuándo: Del 24 octubre 2018 al 31 marzo 2019

Comisarios: Hans-Peter Reichmann, Tim Heptner, Deutsches Filminstitut (Fráncfort)
Comisario en Barcelona: Jordi Costa i Vila
Diseño de espacios: AV Diseño de Espacios Culturales

Precio: 6€ / 4€ reducido

Visitas comentadas
Catalán – Domingos y festivos, 11.30
Castellano – Sábados, 11.30
Gratuitas con la entrada a la exposición.

Crítica cinematográfica: Passengers, de Morten Tyldum

passengers-248x370Tras firmar el biopic sobre el matemático británico Alan Turing (The Imitation Game), el cineasta noruego Morten Tyldum prueba suerte ahora con una aventura límite en el espacio: Passengers, una entretenida propuesta galáctica, a medio camino entre el drama de supervivencia personal y la romcom más típica (esto es: chico conoce a chica inalcanzable y se las tendrá que ingeniar para conquistarla), aderezada con elementos de suspense y que se sustenta, principalmente, por la química evidente entre sus intérpretes, los taquilleros Chris Pratt y Jennifer Lawrence.

Con la Tierra agonizando a causa de su inevitable superpoblación, los protagonistas se embarcan (junto a otros 5.000 pasajeros) hacia un nuevo planeta en el que empezar de cero, un viaje de 120 años para el que deberán utilizar unas sofisticadas cámaras de criogenización. Tras una serie de turbulencias, la cámara que ocupaba el mecánico Jim Preston (Pratt) falla, por lo que este se despierta 90 años antes de llegar al destino. Desorientado, deberá luchar por su vida en solitario hasta que encuentra a Aurora Dunn (Lawrence), una joven escritora que emprendió el viaje con la finalidad de vivir nuevas experiencias que enriquecieran sus relatos.

Jennifer Lawrence y Chris Pratt, en un fotograma de la película
Jennifer Lawrence y Chris Pratt, en un fotograma de la película

Passengers se desenvuelve de forma irregular en sus casi dos horas de metraje, mucho más interesante en su primera parte, cuando Preston se encuentra cual náufrago sin esperanzas encerrado en una jaula de oro, momento en el que la película propone al espectador un dilema moral envenenado: ¿qué estaríamos dispuestos a hacer para sobrevivir a una situación desesperada o, como mínimo, para conservar algo de cordura y humanidad? Sin duda son esos los mejores momentos de este film, cuando podemos ver el declive físico y psíquico de Pratt, al borde de la más absoluta desesperación; superados el desconcierto y la soledad del principio, la aparición de Lawrence hace virar el argumento hacia la comedia romántica (citas en restaurantes o desafíos virtuales de baile a dos) que culmina en un thriller con una preocupante falta de tensión. Con todo, Passengers será recordada por un buen número de secuencias de gran belleza, como esa piscina convertida en burbuja asfixiante por la falta de gravedad o esa excursión romántica por el espacio, con los protagonistas paseando de la mano y realizando piruetas imposibles, elementos que, junto al acierto en el reparto, salvan esta correcta propuesta.

Título: Passengers
Director: Morten Tyldum
Intérpretes: Jennifer Lawrence, Chris Pratt, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Inder Kumar, Jamie Soricelli, Vince Foster, Julee Cerda, Robert Larriviere, Barbara Jones
Guión: Jon Spaihts
País: EE UU
Año: 2016
Duración: 116 minutos

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Escrito por: Robert Martínez

Publicación: Star Trek: el viaje de una generación, Doc Pastor, Dolmen editorial

portada-star-trek1Hoy os presentamos en Culturalia Star Trek: el viaje de una generación, un libro a medias entre el análisis cinematográfico y el goce cinéfilo y fan.

Star Trek, y la nave Enterprise, despegó en los años sesenta como una serie de la pequeña pantalla y logró lo que nadie había conseguido hasta entonces, la creación de un fandom. Toda una legión de seguidores que mantuvieron la llama durante décadas, el fuego de la creación de Gene Roddenberry que siempre logra resurgir de sus cenizas igual que el Fénix.

¿Pero quiénes eran realmente? ¿Qué pasó entre los rodajes? ¿Leonard Nimoy era o no era Spock? ¿Y los actores que ahora les dan vida?

Estas son solo algunas de las preguntas que tendrán respuesta al abrir este libro. Un repaso por toda la historia de esta gran franquicia desde sus comienzos en 1966 hasta la actualidad (e incluso más allá). Salpicando el relato de detalles y declaraciones de las personas que pusieron su granito de arena para dar vida a esta conocida space opera.

Título: Star Trek: el viaje de una generación
Autor: Doc Pastor
Editorial: Dolmen editorial
Fecha publicación: octubre 2016
Páginas: 232

 

Crítica cinematográfica: Independence Day: Contraataque, Roland Emmerich

Independence Day Contraataque_Poster TeaserComo la mayoría de vosotros sabéis, el próximo 1 de julio llega a las pantallas españolas Independence Day: Contraataque, de Roland Emmerich, la segunda entrega de una franquicia en ciernes que arrolló las taquillas hace veinte años y que promete intentar hacerlo de nuevo en este 2016.

Independence Day: Contraataque nos propone una aventura de ciencia-ficción / invasión / desastre que nos sitúa veinte años después del primer intento extraterrestre por hacerse con el planeta. La humanidad se ha unido ante la posible amenaza de una nueva invasión y se ha preparado utilizando  la tecnología extraterrestre abandonada en la Tierra. El temido ataque se produce durante la celebración del vigésimo aniversario de la victoria, hecho este que obligará a la humanidad a luchar de nuevo por su supervivencia.

El film de Roland Emmerich pretende transformar una película de megaéxito en su momento en una franquicia con una tercera entrega prevista para el futuro. Si bien el argumento de esta segunda parte no puede discurrir por senderos demasiado diferentes a los marcados por la primera entrega. Como es de esperar los extraterrestres regresan enfadados, por la anterior derrota, y con un armamento mucho más desarrollado, mayor y potente, estrategia cinematográfica esta que es la encargada de sorprender al espectador.

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Y en eso Emmerich tiene experiencia, ya que en su haber cuenta con películas, algunas mejores y otras peores, como Godzilla (1998), El día de mañana (2004), 10.000 (2008) o 2012 (2009). Así, pues, lo que veremos en la película es una mezcla entre cine de ciencia-ficción y de desastres con un ligero toque de comedia, o lo que es lo mismo, un contexto cinematográfico en el que el heroísmo y el patriotismo de marcado tono yanqui tiene terreno abonado, hecho este que puede provocar, sin duda, algo de grima en los espectadores no norteamericanos.

Os podéis imaginar, pues, un inicio de película introductorio que nos mostrará el mundo veinte años después del primer ataque extraterrestre, seguido por el inicio de las hostilidades, lo que dará paso a la estrategia humana (perdón, quiero decir norteamericana) en la que viejos y nuevos personajes sumaran fuerzas para acabar con la amenaza venida del espacio exterior. En este apartado lo único que nos puede sorprender es la presencia en la trama de nuevas razas alienígenas, ya que el film extiende el horizonte del conflicto a una guerra interestelar.

Como decía el film recupera a personajes que ya aparecen en la primera entrega como Jeff Goldblum, Bill Pullman, Judd Hirsch o Brent Spiner. La gran ausencia, la de Will Smith, protagonista principal de la anterior entrega, se cubre con la aparición de Jessie T. Usher, su hijo en la ficción, y por el joven rebelde interpretado por Liam Hemsworth. Por desgracia la relación de amistad-heroísmo en la que se encuadran ambos personajes cae en el tópico, hecho este que resta puntuación al filme.

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Por lo que respecta a los efectos especiales y a las escenas de acción, os podéis imaginar también el resultado final fijándoos tan solo en el presupuesto de la película, que asciende a 165 millones de dólares. Así, pues, los efectos y las dimensiones en Independence Day: Contraataque son impresionantes, si bien nadie ha pensado en innovar un poco en las escenas de acción, por lo que apenas se diferencian de las del original.

Independence Day representa, pues, una propuesta mayor, en lo que respecta al presupuesto, a los efectos especiales y a la enormidad de los sucesos que nos relata, pero no es una película mejor que su predecesora, ya que simplemente prosigue con una historia y con una forma de narrar los hechos que ya vimos en la anterior entrega. Es pues un nuevo mega-exitazo que no hace más que reproducir lo que ya hemos visto, que gustará a los que les gustó Independence Day y defraudará a aquellos a los que les decepcionó la primera entrega.

Para finalizar un poco de información factual: Independence Day: Contraataque alcanza un escaso 6.1 (y parece que a la baja…) como nota en Imdb y un triste 41% (también a la baja) de puntación en el agregador de críticas rottentomatoes, una pobre nota para un proyecto de estas características, no creéis!!??

Título: Independence Day: Contraataque
Director: Roland Emmerich
Guión: Dean Devlin, Roland Emmerich, James Vanderbilt
Reparto: Liam Hemsworth, Bill Pullman, Jeff Goldblum, Joey King, Maika Monroe, William Fichtner, Vivica A. Fox, Charlotte Gainsbourg, Sela Ward, Angelababy, Brent Spiner, Grace Huang, Judd Hirsch, Ryan Cartwright y Garrett Wareing
Género: Acción, Aventuras, Ciencia Ficción
Nacionalidad: EE.UU.
Año: 2016
Estreno: Viernes, 1 de Julio de 2016

NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Crítica cinematográfica: Marte, de Ridley Scott

Marte (The Martian)_Poster FinalEl próximo 16 de octubre llega a las salas españolas Marte, la nueva película de Ridley Scott, un estreno que aunque nos puede inquietar a primera vista si recordamos los resultados algo fallidos de dos de sus propuestas más recientes, Prometheus (2012) y Exodus: Dioses y Reyes (2014), supone el regreso de un director con ganas de aportar y mucho al género de la ciencia-ficción.

“En el transcurso de una misión tripulada a Marte, el astronauta Mark Watney (Matt Damon) es dado por muerto y abandonado por sus compañeros de tripulación tras una violenta tormenta. Sin embargo, Watney sobrevive y se encuentra solo y abandonado en ese planeta hostil. Con escasos suministros, Watney deberá recurrir a su ingenio, humor y espíritu de supervivencia para subsistir y encontrar una forma de comunicar a la Tierra que sigue vivo”.

Scott nos propone una epopeya espacial en la que la superación personal está muy presente. El film está basado en la novela El marciano de Andy Weir, cuya trama nos obliga a realizar un recorrido espiritual a la par que nos embarga con las vistas del enigmático y turbador planeta Marte. Un trayecto que hacemos, principalmente, de la mano de Matt Damon, actor que ha ido consolidando su carrera y su capacidad interpretativa a lo largo de los años y que se desenvuelve en la película con una interpretación casi “en monólogo” capaz de emocionar a los espectadores.

Imagínense, pues, un astronauta abandonado erróneamente en Marte que se ve obligado a idear la forma de sobrevivir una larga temporada en unas instalaciones no diseñadas para ello y que se tiene que comunicar con la Tierra para hacer posible su rescate. Así, pues, en este film de ciencia-ficción no presenciaremos ninguna invasión extraterrestre, no seremos testigos de ningún escenario apocalíptico ni veremos nuevas tecnologías futuras en uso (bueno, algunas sí), sino que nos sobrecogeremos en nuestras butacas contemplando el titánico esfuerzo de un ser humano para sobrevivir en Marte, lo que significa que la acción del film será mucho más realista y cotidiana de lo que podríamos esperar. Un aspecto, este, que potencia el futuro cercano en el que está ambientada la historia.

Es en estas condiciones donde el instinto de supervivencia y el espíritu de superación se hacen más evidentes en la película. Damon tendrá que hacer frente a todos los problemas que se le presenten, algunos de ellos altamente complejos, poniendo en práctica sus conocimientos científicos y su sentido común con el objetivo de regresar sano y salvo a la Tierra. Y es aquí, también, donde Damon da el do de pecho en la interpretación, básica para una película que en gran parte descansa sobre ella.

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El film se divide, por otra parte, en dos subtramas para mostrarnos no tan solo los éxitos y sufrimientos de Damon en la superficie del planeta rojo, sino también todos los esfuerzos que se llevan a cabo en la Tierra para salvar la vida del astronauta. Es en esta parte de la trama donde aparece el resto del reparto, en el que destacan Jeff Daniels, como el director de la NASA, Chiwetel Ejiofor, como director de misiones a Marte, y Jessica Chastain como la capitana de la expedición ARES. Y es también en este apartado donde se nos hace evidente la importancia del conocimiento humano, y más concretamente el conocimiento científico, para llevar a cabo el rescate del astronauta dejado atrás.

Marte nos recuerda como espectadores lo mejor de la ciencia-ficción reciente en la gran pantalla. Viendo la película a uno se le vienen a la cabeza escenas y tramas de películas como Apolo XIII (Ron Howard, 1995); Misión a Marte (Brian De Palma, 2000), Gravity (Alfonso Cuarón, 2013) o Interstellar (Christopher Nolan, 2014). Apolo XIII porque nos evoca los esfuerzos de la NASA por recuperar con vida a los tripulantes de la misión lunar; Misión a Marte por su evidente ambiente marciano; Gravity por su adn de superación personal y por la actuación en solitario de Bullock, e Interstellar por esa sensación de lejanía, solitud y vacío insondable que evoca el espacio. A esto último podemos sumar el hecho de que dos de los protagonistas de Marte, Matt Damon y Jessica Chastain, participaron en el film de Nolan, en roles muy diferentes a los que interpretan aquí, por lo que pueden vanagloriarse de haber actuado en dos de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años. Todo un lujo!!

Marte es una experiencia cinematográfica vivificadora. Les puedo asegurar que se sentirán embargados por la historia que se les cuenta, y llegarán a sentir la solitud y el espíritu de supervivencia que emana a lo largo del film. En este aspecto la película puede considerarse, incluso, educativa, sobre todo en relación a lo que los humanos pueden llegar a hacer para alcanzar sus objetivos. No duden, tampoco, de que la película posee cierto grado de moralina yanqui, si bien este aspecto está bastante contenido e incluso mitigado gracias a la globalización a través de la cual se intenta solucionar el problema “marciano” desde la Tierra.

Marte es una película para ir a ver y para sentirla, y nos recuerda que la ciencia-ficción está viviendo un estado de gracia cinematográfica. Si en 2013 se estrenaba Gravity y en 2014 llegaba a las pantallas  la grandiosa Interstellar, en 2015 desembarca Marte, cinta que recupera lo mejor de Scott y nos muestra la madurez de un director con un peso importante en el género, aunque parecía algo despistado en los últimos tiempos. Y lo que es más importante aún, la película nos muestra que por muy solos que nos sintamos y por muy lejos de los otros que creamos que estamos, siempre hay una posibilidad. Todo depende de nosotros mismos.

Título: Marte (The Martian)
Director: Ridley Scott
Guión: Andy Weir y Drew Goddard
Reparto: Matt Damon, Jessica Chastain, Kate Mara, Kristen Wiig y Mackenzie Davis
Género: Ciencia Ficción / Superación personal
Nacionalidad: USA
Fecha de Estreno: 16 de Octubre de 2015

NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica cinematográfica: Terminator: Génesis, de Alan Taylor

TERMINATOR_GENESIS-posterNo es ninguna novedad que el cine americano se nutre cada vez con más frecuencia de actualizaciones, versiones y reboots de antiguas franquicias que se habían quedado, más o menos apolilladas, en los estantes de las grandes productoras esperando el momento idóneo para su regreso. Si Poltergeist decepcionaba por su excesivo respeto al canon y Mad Max: Furia en la Carretera maravillaba por saber llevar más allá el espíritu de la saga, Terminator era un caramelo que solo requería que Arnold Schwarzenegger decidiera volver a encarnar a uno de sus personajes de mayor éxito en las pantallas.

Finalmente Schwarzenegger se ha decidido y el resultado es Terminator Génesis, un film que ha sabido dar un paso adelante en la franquicia con una trama de acción que seguro que no desagradará a sus fans.

“Cuando John Connor (Jason Clarke), líder de la resistencia humana, envía al sargento Kyle Reese (Jai Courtney) al año 1984 para proteger a Sarah Connor (Emilia Clarke) y salvar el futuro, un inesperado giro de los acontecimientos crea una línea temporal fracturada. Ahora, el sargento Reese se encuentra en una versión nueva y desconocida del pasado, donde descubre aliados insólitos, como el Guardián (Arnold Schwarzenegger), nuevos y peligrosos enemigos, y una misión nueva e inesperada: reconfigurar el futuro…”

Terminator Génesis es un acierto en el desarrollo de una franquicia que con su tercera y cuarta partes, esta última incluso sin la presencia física de Schwarzenegger, daba la sensación de estar entrando en una fase de obsolescencia. La nueva entrega de Terminator parece revivir la franquicia y darle a la idea un giro que seguro que alegrará a la mayoría del público. Y todo ello nace de la idea de desarrollar algo más el tema de los viajes en el tiempo y las paradojas que estos pueden provocar en un argumento ya conocido por todos y establecido en su canon.

De esta forma, aunque en un principio la trama parece que sigue las reglas argumentales de la saga, tras el primer viaje en el tiempo veremos brillar la audacia de los guionistas que se apropian de la esencia de Terminator, esto es, de toda la franquicia cinematográfica, y se dedican a jugar con ella para recrear una historia en la que al espectador le costará avanzarse al propio desarrollo del argumento y en la que se le hará dudar sobre las motivaciones de los personajes y la capacidad de los protagonistas para poder modificar el futuro funesto de la humanidad.

Terminator genesis
Los guionistas, Laeta Kalogridis y Patrick Lussier, de la mano de la dirección de Alan Taylor, con gran experiencia en la realización de series  televisivas, nos han preparado un cóctel que transita y juega con todos los momentos de la saga y en el que veremos a los diversos modelos Terminator conocidos, los famosos T-800 y T-1000, y evidentemente alguno más. La entrega nos presenta, asimismo, a todos los personajes principales de la saga, incluyendo a Sarah Connor, a Kyle Reese y a John Connor. Como os he comentado, el film representa una tentativa de reactivar la franquicia repasando todos lo datos a tener en cuenta. Y la película lo hace de una forma que sorprende, con motivo, al público.

Por lo que respecta a la acción, el film es fiel a los principios de la franquicia y se mantiene al respecto a un nivel alto, sin mostrarse demasiado recargada de efectos digitales, excepto, claro está, los necesarios, y realizando constantes guiños a las entregas anteriores. En la película destacan la escena en la que el canon de la saga se viene abajo y la secuencia de la persecución del autocar escolar, ambas bien diseñadas y bien resueltas.

Terminator Génesis suma, de este modo, a la acción típica de la franquicia lo que podríamos considerar una estratagema o guerra temporal en la que Skynet, el gran enemigo-máquina a batir por parte de los humanos, intenta sobrevivir a los efectos de las primeras entregas de la saga.

Por lo que respecta a las actuaciones, evidentemente lo más llamativo es el regreso de Schwarzenegger a la franquicia, integrando en la trama los evidentes signos de envejecimiento del actor (téngase en cuenta que el tejido que cubre en endoesqueleto de un Terminator es orgánico, por lo que también envejece) y generando algunos de los momentos más cómicos de la película. A esto hay que sumar que el guión del film tiende a resituar a Schwarzenegger en un segundo plano para dar más visibilidad a los personajes principales, un terrorífico John Connor (Jason Clarke), un aceptable Kyle Reese (Jai Courtney) y una poco destacable Sarah Connor (Emilia Clarke), a la cual no le acompaña el físico adecuado.

Terminator Génesis es una más que acertada revitalización de la franquicia. No por otra la película obtiene una nota de 7,1 en IMDB, consigue una puntuación de 7,55 en el portal de cine de terror Abandomoviez, aunque tan solo alcanza un 27% de aprobación por parte de la crítica en el site Rotten Tomatoes, logrando sin embargo un 69% de aprobación de los usuarios en el mismo portal. Todo ello un buen indicativo de que el trabajo se ha hecho bien y de que la franquicia, aunque “envejecida” por el paso natural de los años en los actores, se ha rejuvenecido para llegar a los nuevos públicos del siglo XXI.

Título: Terminator Génesis
Director: Alan Taylor
Reparto: Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Emilia Clarke, Jai Courtney, J. K. Simmons, Dayo Okeniyi, Matthew Smith, Courtney B. Vance y Byung-Hun Lee
Guión: Laeta Kalogridis y Patrick Lussier
Productora: Paramount Pictures y Skydance Productions
Música: Christophe Beck
Fotografía: Kramer Morgenthau
Estreno: 10 de Julio de 2015
Género: Acción, Ciencia Ficción
Nacionalidad: EE.UU.

NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Star Trek. La reelaboración de la franquicia. 2ª parte.

Poster2Factores de producción de la nueva franquicia.
Para asegurar este doble propósito, Paramount encarga el proyecto a un nuevo equipo de producción integrado tanto por fans de la serie (Orci y Lindelof) como no (Kurtzman y Bryan Burk), siendo el caso más destacado el del propio director J.J. Abrams, reconocido fan de la saga de La Guerra de las Galaxias, y productor de éxito de series como Alias, Lost o Fringe y de las películas como Super 8 o Misión Imposible III, cuya elección lo hace idóneo para realizar una relectura externa, fresca y actualizada de la franquicia.

Los presupuestos de la franquicia se habían basado siempre en el número de fans y en su poder adquisitivo, lo que le había impedido mostrar una gran aventura en formato de superproducción. Esta política se modifica con la nueva entrega con el objetivo de posicionarla en la liga de las superproducciones, con un presupuesto de 150 millones de dólares, el más alto de la franquicia.

Para asegurar el interés del público fan el argumento se desarrolla en un entorno mítico (los años de formación de los personajes principales y la llegada de la tripulación a la nave Enterprise), que al mismo tiempo sirve para crear una trama juvenil e inaugural (rejuvenecimiento la franquicia) apta para captar a las audiencias más jóvenes y al público “newcomer“.

El ritmo de la acción de Star Trek ha sido habitualmente más lento, basado en el modelo de batalla naval/submarina, en el que la acción se desarrolla de forma pausada en el puente de mando. Uno de los principales objetivos de la producción era aumentar y actualizar el estilo y el ritmo de la acción/aventura espacial del film, siendo, sin embargo, respetuoso con él para adecuarlo al ritmo habitual en las grandes superproducciones que triunfan en la actualidad.

Otro de los objetivos de la producción era hacer revivir el mensaje optimista propio de Star Trek, esto es, mostrar como gente de diversas razas trabajan juntas y sobreviven de forma pacífica en el futuro y darle un “sentido de familia” representado en la tripulación de la Enterprise. Este mensaje no solo vincula el film con la globalización actual sino que es el leitmotiv de la franquicia.

Aunque el marco de Star Trek se modifica se mantiene su esencia, que no es otra que la relación establecida entre Kirk, Spock y McCoy y el resto de integrantes de la tripulación. Se mantienen las dinámicas clásicas entre los personajes, si bien, de nuevo, el comportamiento de los protagonistas se rejuvenece y se actualiza, para hacerlo próximo a las nuevas generaciones.

Por ello fue un reto el dar con un cast idóneo. Star Trek (2009) sería la primera ocasión en la que los caracteres originales estuvieran protagonizados por nuevos actores, con el peligro de ruptura/rechazo que esto suponía, en unos personajes muy asociados al cast original. Se optó por un elenco de jóvenes figuras con experiencia, en la mayoría de los casos, en la televisión y que estaban iniciando/consolidando su carrera cinematográfica, integrado por Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Simon Pegg, John Cho, Anton Yelchin y el más veterano Eric Bana, que encarna al villano del film.

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Caracteres en la serie clásica y en la nueva franquicia.

Existía, por otra parte, la voluntad de mantener ingredientes propios de la franquicia como el humor, muchas veces vinculado a los personajes y al canon, y la sexualidad soft de los protagonistas, como elementos para vincularlo a las audiencias actuales.

Con respecto a la tecnología mostrada en el film la producción se halló ante dos retos importantes. El primero mitigar el contenido y el argot pseudo-científico de la franquicia para hacer el film más entendible a las nuevas audiencias. El segundo, mostrar una tecnología consistente con la serie original (realizada en la década de los 60 y ambientada en el siglo XXIII) y que pareciera a la vez más avanzada que la actual, para potenciar su realismo y atrapar a los más jóvenes (acostumbrados al uso intensivo de la tecnología).

Podríamos decir que el símbolo representativo de la relectura de la franquicia lo representa el papel interpretado en el film por Leonard Nimoy, el mítico Sr. Spock de la serie original. El argumento de la película está provocado por su actividad en el futuro y su personaje aparece desdoblado en el joven (y nuevo) Spock del pasado y el viejo Spock del futuro, que coexisten, asimismo, en un universo/canon modificado. La relectura se potencia al actuar Nimoy como enlace entre la franquicia clásica y la nueva, como sello de autenticidad de la propuesta.

Por lo que respecta al aspecto visual del film se mantiene el diseño y la disposición original del puente de mando de la nave Enterprise, uno de los escenarios principales y de referencia de la franquicia, aunque se altera estéticamente con colores y una iluminación más brillante, con el objetivo de reflejar el optimismo de Star Trek. Las pantallas de navegación se actualizan teniendo como referencia la tecnología actual de Apple, una clara vinculación con el público más joven.

Para la confección del vestuario se optó por Michael Kaplan, diseñador externo a la franquicia, hecho que permitía dar a la película el doble tratamiento pretendido: proveer al film de un nuevo diseño más actual respetando, sin embargo, el estilo de la serie original, que conectase con lo que la gente recordaba de ella. Para ello se mantuvo el código de colores de los uniformes de la serie, si bien con un diseño de las camisetas más sofisticado.

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Cartel Star Trek 2009

En el aspecto musical pasa algo muy parecido. El compositor escogido fue Michael Giacchino, el colaborador más habitual de Abrams. Giacchino mantiene el tema original de Alexander Courage aunque solo suena en los títulos finales, simbolizando el momento en el que la tripulación se reúne definitivamente en la nave Enterprise y re-comienza/re-inicia su misión, apareciendo, al mismo tiempo, el texto introductorio inicial de la serie. Sin embargo, el resto de la banda sonora es de nueva elaboración y tiene que ver con los nuevos caracteres y por lo tanto con el nuevo contexto actualizado de las aventuras del Enterprise.Comunicación y promoción.
Con respecto a la promoción del film el objetivo principal fue comunicar tanto al público fan como al público general que Star Trek se había reelaborado y actualizado, manteniendo una vinculación de carácter leve con el original, con formato de gran superproducción y accesible para un público amplio e internacional.
Los productores señalaron tres retos principales relacionados con la promoción del film:

  • La poca familiaridad del público más joven con la franquicia.
  • Franquicia vinculada al público fan y al canon de Star Trek.
  • La escasa recaudación internacional de la franquicia. La mayor parte de la recaudación se consigue en USA.

Así, pues, la promoción de la nueva estrega se basó en:

  • Elección del título de Star Trek para el film, que no incluye el dígito de la entrega ni subtítulo, algo habitual en la franquicia, para indicar al público que la propuesta está dirigida al público en general.
  • Indicación de que Abrams no fue/es trekkie. Aporta una visión amplia y externa de la dirección del film.
  • La película posee el presupuesto más alto de la franquicia. Es una gran superproducción.
  • La película no está hecha necesariamente para fans, sino que está abierta al público en general.
  • Voluntad de la productora de ir al extranjero para mostrar el nuevo producto. Abrams realiza un tour internacional por Europa y Norte América mostrando metraje del film para la audiencia nacional, europea e internacional, con el propósito de “rehabilitar” la imagen de la saga.

La realización del film estuvo rodeada de secretismo e invisibilidad, algo típico de Abrams, en el caso de Star Trek con un claro efecto promocional. Se informó básicamente de que el film tendría más presupuesto, más acción y mejores efectos especiales y que pretendía incorporar una mayor audiencia.

Aunque el estreno de la película estaba anunciado para las navidades del año 2008, la productora decidió, después de que algunos de sus responsables asistieran al rodaje y visionaran parte del metraje no editado, posponer su estreno al verano del año siguiente, con un claro objetivo promocional y recaudatorio, ya que en el mercado americano ésta es la época en la que se estrenan las grandes superproducciones con las mayores expectativas de recaudación del año.

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Star Trek clásica y nueva Star Trek

Estreno/Recaudación.
Star Trek (2009) ha obtenido los mayores ingresos de la franquicia hasta el momento. En EE.UU. recaudó 268.783.600 $, mientras que a nivel mundial los ingresos por venta de entrada fueron de 385.494.555 $. La recaudación internacional del film representó el 31% del total, un resultado declarado satisfactorio por Paramount.

Así, pues, el objetivo de reelaborar la franquicia, convertirla en un referente de la ciencia-ficción cinematográfica actual y hacerla accesible a un público general se puede considerar un éxito, culminado con la producción de la primera secuela, Star Trek, into Darkness, que se estrenará en julio de 2013.

La franquicia ha realizado un gran esfuerzo de diseño de producción para reelaborarse a sí misma, actualizarse y llegar a públicos más amplios. Sin embargo, el mayor impacto en la audiencia general repercute, de alguna forma, en el público fan de Star Trek, que pierde en parte elementos de referencia y de vinculación con un producto nuevo que destruye un universo/canon construido e interiorizado a lo largo de varias décadas. Una apuesta, en resumen, que mercantiliza un producto vinculado a un tipo muy concreto y reducido de audiencia para llegar a un público mayoritario, asegurando la inversión económica del estudio y optimizando sus resultados en taquilla.

link-searchingStar Trek. La reelaboración de la franquicia. 1ª parte.

link-searchingCrítica cinematográfica: Star Trek, en la oscuridad (J.J. Abrams)

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Star Trek. La reelaboración de la franquicia. 1ª parte.

startrek_1Star Trek es una serie de ciencia-ficción producida por Gene Roddenberry para la cadena norteamericana NBC, que se emitió entre los años 1966 y 1969 y que narra los viajes de exploración espacial de la nave estelar Enterprise. La serie original estaba constituida por episodios de 50 minutos de duración que poseían una unidad argumental en sí mismos y mantenían una continuidad entre ellos.

Los personajes principales de la serie son: Capitán Kirk (William Shatner), Sr. Spock (Leonard Nimoy) y Doctor McCoy (DeForest Kelley). Como personajes fijos pero secundarios aparecían Montgomery Scott (James Doohan), Uhura (Nichelle Nichols), Sulu (George Takei) y Chekov (Walter Koenig).

Star Trek fue el primer intento de la televisión estadounidense de hacer una serie de ciencia ficción de calidad. Los elementos básicos del producto fueron la ciencia ficción; el drama televisivo; un elenco de caracteres continuo y un escenario familiar en el que se desarrolla la acción.

El éxito de la serie radicaba en la creación de argumentos que unían la acción, la aventura y la ciencia ficción junto con un destacable componente de reflexión filosófica que abarcaba una visión pacifista del futuro de la Tierra, la igualdad racial y de género e incluso la crítica social. Star Trek se fundamentó, además, en la relación de amistad y compromiso establecida entre sus personajes principales (Kirk, Spock y McCoy), un elemento que se convirtió en uno de los ingredientes principales de la serie y que convirtió a sus protagonistas en iconos televisivos.

Evolución de la franquicia.
La serie fue cancelada en el año 1969 debido a sus bajos índices de audiencia, si bien se comenzó a crear un grupo de fans que aunque poco numeroso era muy activo. La clave del éxito de Star Trek se debió a su posterior redifusión en canales locales norteamericanos donde, con un horario de emisión adecuado para un público adolescente, obtuvo muy buenas audiencias.

Star Trek fue vendida a más de 100 países. Pronto comenzó a consolidarse el movimiento fan alrededor de la serie, cuyos miembros son conocidos como trekkies. Star Trek se acabó convirtiendo en un importante producto cultural.

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El elenco original durante la serie de películas.

La franquicia produjo un total de seis series y diez films, desarrollando un destacable universo/canon de consistencia ligado, asimismo, a un gran número de novelas, comics, videojuegos, y multitud de material de merchandising. Este canon vincula la franquicia principalmente a un público fan (trekkie), para el cual su desarrollo coherente es un elemento importante que les permite experimentarla y disfrutarla de forma intensa.

Así, pues, todas las adaptaciones cinematográficas y las serie de televisión son productos hechos para los fans, con coherencia interna y respetando la cronología creada a los largo de 40 años. Esta intensa vinculación entre producción y publico ha marcado la línea principal de desarrollo de la franquicia, cerrando en parte el acceso a un público amplio/generalista.

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Los protagonistas de Star trek, la Nueva Generación.

Crisis y relanzamiento de la franquicia. Star Trek 2009.
Si bien la franquicia se ha desarrollado durante los últimos 43 años, la llegada del siglo XXI pareció no serle muy propicia. La recaudación de las diversas entregas ha seguido una tendencia a la baja, con algunas excepciones, siendo la recaudación de Star Trek Nemesis (2002) la más baja de toda la franquicia . La situación se agravó en el año 2005 al cancelarse la emisión televisiva de Star Trek Enterprise, la última serie en activo de la franquicia. Star Trek había pasado de ser un icono del entretenimiento audiovisual a convertirse en un producto económicamente no rentable.

CapturaEn este contexto de declive de la franquicia Paramount inicia la producción de una nueva entrega cinematográfica de Star Trek. La propuesta es ofrecida a los productores Roberto Orci, Alex Kurtzman, J. J. Abrams y Damon Lindelof. Los objetivos son relanzar y rejuvenecer la franquicia manteniendo al público fan pero ampliando su reclamo a nuevas audiencias, principalmente jóvenes.

Para ello retoman la idea de rodar una precuela a la serie clásica ambientada en la época de formación de los personajes principales en la Academia de la Flota Estelar, un planteamiento recurrente desde los años 60, que evita, asimismo, la creación de un nuevo marco temporal en la franquicia.

El proceso de producción del film está inmerso en un periodo en el que se ha generalizado entre los grandes estudios norteamericanos la relectura y actualización de personajes y franquicias míticas del cine y la televisión del pasado, como Star Wars, Mision Imposible, Transformers, Battlestar Galactica o Desafío total. Una estrategia con la cual las majors norteamericanas tienden a invertir en proyectos probados y con reclamo que aseguran en parte el riesgo de la inversión, adaptándolos y haciéndolos asequibles a un público amplio (y joven) y a contextos socio-culturales diferentes a los que pertenece el original.

Es interesante al respecto detenerse en la amplia y diversa terminología que se ha utilizado para definir la naturaleza de la nueva entrega de Star Trek, que incluye conceptos como remake, revisitación, upgrade, reboot, precuela, re-invigoration, re-vitalization, reborn, re-imaginación o re-invención.

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Cartel publicitario de Star Trek 2009.

Producción.
El objetivo de producción es reelaborar la franquicia para convertirla en un blockbuster, una gran producción con una gran recaudación a nivel mundial, aunque respetando la visión optimista, pacífica y utópica de universo Star Trek. Transformar una vieja franquicia en apuros en una evento actual, fresco y de éxito en pleno siglo XXI.

La estrategia de producción se basa en el desarrollo de un argumento que satisfaga las exigencias de los fans, pero que al mismo tiempo permita llegar a un público más amplio. Para ello el film se encuadra en acontecimientos establecidos por el canon de la franquicia, como son los orígenes de los roles principales (Kirk y Spock), su ingreso en la Academia de la Flota Estelar y el inicio de su servicio en la nave Enterprise junto al resto de la tripulación original, aunque a partir de la deconstrucción y posterior reelaboración libre del propio canon.

Esto se consigue gracias al desarrollo de la línea argumental del film (el viaje temporal de la nave romulana, el principal enemigo de la entrega), que permite re-iniciar una nueva línea temporal desde el mismo origen de la franquicia, re-adaptar la historia establecida en el canon y crear un nuevo marco de acción acomodable a los gustos y exigencias del público actual.

Deconstruyendo, reescribiendo y alterando el canon de la franquicia, sin disipar el referente argumental de la misma, el film se convierte en una lanzadera para llegar tanto a los fans de la saga como al público amplio (y juvenil), al que no le hace falta conocer su desarrollo anterior y al que solo le interesa el nivel de acción y la calidad del film. De esta forma se crea una secuela para los fans, que es al mismo una precuela iniciadora para los no fans, estableciéndose un nuevo set de aventuras para la franquicia que poder adaptar a las nuevas audiencias.

link-searchingStar Trek. La reelaboración de la franquicia. 2ª parte.

link-searchingCrítica cinematográfica: Star Trek, en la oscuridad (J.J. Abrams)


Escrito por Jorge Pisa Sánchez