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Crítica teatro: ‘La morta’ de Pompeu Crehuet, en la Sala Beckett

Bueno, vamos avanzando en esa Nueva Normalidad que, evidentemente, también afecta a las artes escénicas. Si la semana pasada os hablamos de The Scarlet Letter programado en el Lliure en el marco del Festival Grec, hoy lo hacemos de ‘La morta’ de Pompeu Crehuet en la Sala Beckett, espacio que retomó el pasado 1 de julio las representaciones de esta obra estrenada en marzo y suspendida poco después debido a la crisis provocada por el COVID-19.

Marc Crehuet, dramaturgo en plena crisis creativa después del éxito de su obra El rei borni, recibe la visita del espectro de su bisabuelo, Pompeu Crehuet, que también era dramaturgo. Pompeu le pide que dirija su obra más exitosa para que la gente lo reconozca, por fin, como un autor canónico de las letras catalanas. Marc intenta esquivar la propuesta, pero la determinación de su bisabuelo es muy fuerte y se verá obligado a luchar para levantar una obra de principios del siglo pasado que parece no interesar a nadie, bajo la supervisión constante del fantasma de su bisabuelo”.

La Beckett nos ofrece una tragicomedia que trata sobre el teatro y de aquellos que se dedican al teatro, en este caso un dramaturgo en horas bajas, que no consigue retomar el camino del éxito, hecho este que le vincula con la carrera de su bisabuelo, que no superó nunca el éxito de su primera obra de teatro.

La morta de Pompeu Crehuet

La obra se organiza, pues, en diferentes tiempos en los que se nos relata el día a día del dramaturgo Marc Crehuet y su crisis profesional y familiar. Por otra parte la representación incluye la puesta en escena de diversas escenas de La morta de Pompeu Crehuet, personaje no ficticio, que conste, lo que nos permite contemplar una obra de teatro catalán de principios del siglo XX.

El resultado de todo ello es una obra algo confusa en el relato que no acaba de exprimir toda su potencialidad, que la tiene. Y si no piensen: dramaturgo en crisis, fantasma de un antepasado desorientado y con ganas de revancha y un juego constante entre dramaturgia y metadramaturgia. El espectáculo se basa en una buena idea que enlaza con la historia familiar de los Crehuet, aunque no acaba de explotar la comicidad de las situaciones y de las actuaciones. En lo que respecta a las interpretaciones, tenemos a tres “bombas” cómicas, Xavier Bertran, Francesc Ferrer y Betsy Túrnez que no acaban de coger el tono humorístico que reclama la obra. Algo entendible debido al parón que ha sufrido la obra y las situaciones que todos hemos vivido, pero que le roba intensidad cómica a la representación.

Por otra parte destacamos la escenografía digital de la obra, un campo este que ofrece unas posibilidades espectaculares, tal y como podemos contemplar en la representación de la obra. Todo un acierto en la puesta de escena que permite a la obra jugar con el tiempo de representación y con los personajes y meter al espectador en la trama de una forma inesperada.

‘La morta’ de Pompeu Crehuet es una propuesta que aunque no alcanza el ritmo y la intensidad necesaria, se convierte en una opción fresca y en una comedia, algo trágica por momentos, que nos alegrará los calurosos días de julio. Una cierta recuperación de la normalidad que vale la pena.

Y recuerden, llegada y salida escalonada, gel hidroalcohólico y mascarilla en el interior de la sala. Algo que no debemos olvidar…

‘La morta’ de Pompeu Crehuet se representa en la Sala Beckett del 1 al 26 de julio de 2020.

Autoría y dirección: Marc Crehuet
Reparto: Anna Bertran, Xavier Bertran, Francesc Ferrer y Betsy Túrnez
Con la colaboración especial de: Laura Fernández y Eric Crehuet
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: David Bofarull (aai)
Caracterización: Mercè Sánchez
Audiovisuales: Francesc Isern
Producción: Sala Beckett

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas.
Precio: 15€
Duración: 1 hora y 30 minutos
Idioma: catalán y castellano
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Jorge Pisa

Muere el compositor Ennio Morricone

La semana no podía comenzar de peor forma. El compositor Ennio Morricone ha fallecido hoy a los 91 años en Roma, su ciudad natal, a consecuencia de las complicaciones derivadas de una caída reciente en la que se rompió el fémur.

Una muy mala noticia para todos aquellos apasionados, como nosotros, por las bandas sonoras y que han disfrutado de las joyas que el compositor italiano ha dejado a lo largo de más de 60 años de carrera y más de 500 composiciones, que han dado forma musical a géneros del cine italiano e internacional como el spaghetti western, el giallo o el drama, entre muchos otros.

Las últimas noticias que referenciamos aquí en Culturalia sobre Morricone fueron su concierto de despedida celebrado en Madrid y Bilbao el año pasado y la consecución el mes pasado junto a John Williams del premio Princesa de Asturias de las Artes 2020.

Una despedida de uno de los grandes de las bandas sonoras que recordaremos por dar vida musical a películas como El bueno, el feo y el malo, Hasta que llegó su hora, La Misión, Los intocables de Eliot Ness, Novecento, Cinema Paradiso o Érase una vez en América.

Os dejamos aquí, en honor del gran maestro, el enlace a la crónica del concierto Ennio Morricone ‘The Final Concerts World Tour’ que tuvo lugar en el Wizink Center de Madrid en mayo del año pasado y con un video recopilatorio de algunas de sus mejores bandas sonoras.

Una gran pérdida para el cine, para la música y, también, pare el alma humana, tan necesaria en estos tiempos…

Crítica teatral: The Scarlet Letter, en el Teatre Lliure

Bueno, pues ha llegado la nueva normalidad también al teatro, lo que nos ha permitido en Culturalia volver por fin al patio de butacas de la mano del Festival Grec de Barcelona y el Teatre Lliure, para ver The Scarlet Letter de Angélica Liddell, una reflexión escénica sobre la represión de la mujer.

La autora e intérprete se basa en La letra escarlata, obra del siglo XIX escrita por Nathaniel Hawthorne que narra la opresión sufrida por la protagonista al saltarse las normas vigentes en la sociedad puritana de Nueva Inglaterra de principios del siglo XVII. Este pretexto le sirve a Liddell para hacer un recorrido por la represión que ha sufrido la mujer a manos de una sociedad de profunda raigambre y dominio masculino. Este repaso escénico se construye a través de una gran belleza visual que atañe a todos los elementos de la producción: un escenario vacío en el que predomina la coloración escarlata y en el que la masculinidad, materializada en el cuerpo desnudo de ocho hombres, intenta dominar y dar forma a la vida de la protagonista de la novela.

Liddell nos presenta una propuesta atrevida por lo que nos dice y por cómo nos lo dice. La obra mezcla texto recitado con movimientos de danza contemporánea al son de un hilo musical que evoluciona desde los cantos místicos religiosos iniciales a temas más actuales, que nos indican que la reflexión de la autora se extiende más allá de la época en la que se ambienta la novela de Hawthorne.

¿Qué papel ha jugado y juega la mujer en la sociedad occidental? ¿En qué medida la sexualidad ha dado forma a los roles y los espacios sociales ocupados por hombres y mujeres? ¿Cómo la religión y la justicia en el pasado y la ideología en la actualidad aprisionan a la mujer? ¿Qué es el feminismo?

The Scarlet Letter_Teatre Lliure_1

The Scarlet Letter no deja impasible a nadie. Afirmación que se evidencia en los monólogos que la propia Liddell se encarga de interpretar de forma espléndida y de una dureza implacable, y que se completa con una serie de escenas en las que el movimiento y la desnudez de los actores-bailarines nos permite elevar la mirada y visualizar el peso de la sexualidad en la estructuración de la sociedad del pasado y, también, en la nuestra.

El espectáculo, principalmente en castellano, comparte pátina idiomática con otros idiomas, hecho que nos sugiere la universalidad de la reflexión, siempre claro está, basándose en los temas y los personajes de la obra de Nathaniel Hawthorne.

The Scarlet Letter es una propuesta original e híbrida, ya saben que esto último está muy en boga en la actualidad, y aunque demasiado larga en extensión, nos ofrece una reflexión escénica y visual de impacto, en la que la desnudez, del escenario, de los intérpretes y de la realidad que refleja les dejará en algún momento helados en sus asientos.

El Teatre Lliure, por cierto, se ha adaptado concienzudamente a esta nueva normalidad con gestión online de la venta de entradas, presencia de gel hidroalcohólico, reducción del aforo, uso de mascarillas en el interior y con un sistema de salida del público ordenado y escalonado. Algo a lo que nos tendremos que ir acostumbrando…

The Scarlet Letter se representa en el Teatre Lliure del 2 al 4 de julio de 2020.

Texto, escenografía, vestuario y dirección: Angélica Liddell
Inspirado en: The Scarlet Letter, de Nathaniel Hawthorne
Interpretación: Pietro Quadrino, Tiago Costa, Julian Isenia, Angélica Liddell, Borja López, Tiago Mansilha, Daniel Matos, Thomas Conor Doherty , Nuno Nolasco, Antonio Pauletta, Antonio L. Pedraza, Sindo Puche. Con la participación de: Valeri Bernat, Thomas Sgarra, Philomène Troullier
Diseño de la iluminación: Jean Huleu
Diseño del sonido y del vídeo: Antonio Navarro

Horarios: de jueves a sábado a las 20:30 horas
Precio: 15€
Idioma: castellano e inglés, portugués, italiano (con subtítulos en castellano)
Duración: 105 minutos

Crítica serie TV: Devs, HBO (2020)

Ya sabéis que durante este periodo de confinamiento hemos potenciado en Culturalia la información y crítica de películas y series que hemos podido ver en casa. Este es el caso de Devs, serie ofrecida en España por HBO y que podríamos definir como un thriller de ciencia-ficción, creada y dirigida por Alex Garland e interpretada por Sonoya Mizuno, Nick Offerman, Jin Ha, Cailee Spaeny, Stephen McKinley Henderson y Alison Pill.

Lily, una ingeniera informática investiga los secretos del departamento de desarrollo de su empresa, puesto que cree que es responsable de la desaparición de su novio”.

Aunque esta sinopsis pueda pareceros breve y algo convencional, Devs nos propone una reflexión profunda y actual sobre el mundo en el que vivimos, algo, como sabéis, muy propio de la mejor ciencia-ficción. Todo comienza con la desaparición de un trabajador de la empresa de programación Amaya. Su pareja extrañada iniciará una investigación que la llevará a conocer qué es exactamente lo que se está desarrollando en su departamento más secreto llamado Devs.

La serie de 8 capítulos está pensada para ir creciendo poco a poco en intensidad y para alcanzar su clímax en el momento adecuado. No os creáis, sin embargo, que la trama se reduce a un thriller corporativo. A partir de que Lily inicie sus pesquisas el espectador se irá introduciendo en el mundo de la programación informática, la gestión de la información y el Big Data, para hacernos reflexionar sobre la propia existencia del ser humano: ¿Se puede llegar a predecir cualquier evento que se produzca? O lo que es lo mismo, ¿Existe el libre albedrío? ¿Cómo afecta a este el Big Data?

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La serie está construida a partir de pocos personajes, la mayoría de ellos relacionados con la empresa Amaya, dirigida por Forest (Nick Offerman) que aporta a la trama un aspecto no habitual y una interpretación demacrada e intensa. A Forest le acompaña Katie (Alison Pill) su mano derecha, que suma a la serie una interpretación a veces gélida a la que ya nos tiene acostumbrados. El personaje principal y sobre el que gira toda la trama es el de Lily (Sonoya Mizuno) que junto con su ex Jamie (Jin Ha) intentarán descubrir qué es lo que realmente está pasando.

La dirección y el toque de su director Alex Garland se observa a lo largo de toda la serie a la que ha proveído de un ritmo reposado pero intenso, con continuas sorpresas y escenas que provocan desconcierto en el espectador, para mantenerlo enganchado a la trama. La serie destaca también por lo ceñido de las actuaciones y por una puesta en escena en algunos momentos glacial.

Seguramente el único handicap de la serie es su final. Todo avanza correctamente, el argumento se va complicando progresivamente, las expectativas del espectador aumentan y, como pasa en mucha de la ficción televisiva actual, la resolución final decepciona por lo simple que puede llegar a ser. Por desgracia los guionistas saben crear premisas interesantes y complicarlas, a veces en exceso, pero en más de una ocasión el problema está en finalizarlas a la altura de las expectativas creadas.

La banda sonora, realizada por Geoff Barrow, The Insects y Ben Salisbury mezcla música con toques espirituales, muy adecuados para el tema que trata la serie, con otros más convencionales, que proveen a la ficción de un estilo místico que le va muy bien. Otro elemento también muy cuidado es el del aspecto de las escenas. La gigantesca estatua de Amaya, la hija de Forest, que preside los laboratorios ya nos avanza que algo grande y extraño se está tramando en ellos. El set que nos muestra el interior del departamento Devs está muy conseguido y la representación de los alrededores casi nos lo muestran como un santuario.

Devs nos presenta un aspecto de la programación informática que cada vez está más en cuestión en la sociedad tecnificada y globalizada en la que vivimos, y no es otra que qué se hace con todos esos datos que emanan de nuestra vida digital y que las grandes corporaciones están dispuestas a utilizar para redirigir su actividad y, parece que también, para redirigir nuestras vidas. Vale la pena dedicarle un poco de nuestra atención a la serie, no creo que salgan decepcionados.

Título original: Devs
Año: 2020
Duración: 8 capítulos
País: Estados Unidos
Dirección: Alex Garland
Guión: Alex Garland
Reparto: Sonoya Mizuno, Nick Offerman, Alison Pill, Jin-ha Oh, Zach Grenier, Stephen Henderson, Cailee Spaeny
Música: Geoff Barrow, The Insects y Ben Salisbury
Fotografía: Rob Hardy
Producción: FX Productions, Scott Rudin Productions y DNA Films
Distribución: HBO en España
Género: Serie de TV | Ciencia ficción | Thriller | Miniserie

NOTA CULTURALIA: 8
FILMAFFINITY: 7,3
NOTA IMDB: 7,8
NOTA ROTTEN TOMATOES:
• Crítica: 81%
• Audiencia: 76%

Crítica serie TV: Star Trek Picard, Amazon Prime Video (2020)

Star Trek Picard_cartelUna vez más Star Trek regresa. Una vez más la franquicia asalta la parrilla de televisión con una nueva propuesta, Star Trek Picard, una serie con un enfoque que la enlaza plenamente con el mundo de Star Trek, algo que no es de extrañar ya que el personaje principal y que da nombre a la serie es Picard, el capitán de la USS Enterprise (NCC-1701-D) de La Nueva Generación.

Star Trek Picard está ambientada 20 años después de la última aventura del capitán del Enterprise. Una joven perseguida por los romulanos se pone en contacto con Picard en busca de ayuda. Su vinculación con Data le obligará a iniciar una nueva aventura que le enfrentará a los romulanos, a una raza prohibida de sintéticos y a una profecía que amenaza el futuro de toda la galaxia”.

Star Trek Picard es un guiño a los fans de Star Trek. Un guiño que puede que llegue tarde pero que recoge la esencia de una franquicia que había perdido parte de su identidad en sus últimas propuestas. Si es verdad que la nueva saga de películas producida por J.J. Abrams y protagonizada por Chris Pine, Zachary Quinto y Karl Urban ha adquirido poco a poco un tono más acorde con la idea original de Gene Roddenberry, la serie Star Trek Discovery representó un giro total del planteamiento de la franquicia, con el objetivo de adaptarse a los nuevos públicos más jóvenes y acostumbrados a series mucho más impetuosas. La nueva serie, sin embargo, retoma el protagonismo del capitán Picard dos décadas más tarde de su despedida de las pantallas de cine y representa una propuesta que hace referencia a las tramas y a los personajes de La Nueva Generación al mismo tiempo que intenta actualizarse a los nuevos tiempos.

Star Trek Picard_2Star Trek Picard tiene varios punto a favor pero también tiene elementos en su contra. Empecemos por los primeros. La serie hace una apuesta por el canon y el fandom clásico de la franquicia, de ahí que tanto el tema musical original, los protagonistas como las continuas referencias al pasado estén muy presentes en la serie, hecho este que agradará sin duda a los trekkies de toda la vida. Por lo que respecta a la interpretación destaca, como no podría ser de otra forma, la de Patrick Stewart, que vuelve a sus 80 años a encarnar al capitán del Enterprise en un contexto diferente pero ligado a su etapa anterior. La trama también se vincula a la acción de Star Trek Némesis, la última película de la saga anterior y con los protagonistas de La Nueva Generación. De ahí que sea un auténtico gozo volver a ver a Brent Spiner, Jonathan Frakes, y Marina Sirtis interpretando a sus personajes clásicos, eso sí, algo más mayores. A ellos se suma la que podríamos considerar la nueva tripulación de la serie, interpretada por Alison Pill, Isa Briones, Michelle Hurd, Santiago Cabrera y Evan Evagora, este último algo desangelado en esta primera temporada.

La calidad de la producción de la serie es alta y en ella se nota la transformación que ha sufrido la industria televisiva en los últimos años. Buenos y variados efectos especiales, sets de rodaje diversos y a la altura, una dirección a cargo de varios directores, entre ellos dos episodios dirigidos por el propio Jonathan Frakes e interpretaciones más que correctas.

Star Trek Picard_1En la parte no tan conseguida está la trama. La historia que se nos narra en los diez capítulos de la serie es algo compleja y a veces demasiado ligada al canon de la franquicia, hecho este que hace perderse un poco al espectador en la trama. Y el global del argumento no acaba de funcionar del todo. La trama se pierde a veces en trasfondos que no aportan demasiado a la serie, a la que por cierto, le cuesta algo arrancar. Una trama, por otra parte, que vuelve a transitar por algunos de los temas clásicos de la serie, uno principalmente, que no es otro que el derecho a la vida de las máquinas / androides altamente evolucionados, en la serie denominados sintéticos, algo que los más veteranos recordarán como uno de los temas principales asociados al personaje de Data (Brent Spiner).

Star Trek Picard es, así, una alegría a medias. Un regreso a la esencia de Star Trek con el protagonismo de uno de sus personajes más característicos, un formato de serie que recuerda a los clásicos y de la que se ha anunciado una segunda temporada, pero una ejecución que podría haber sido mucho mejor . Aún así es Star Trek, un sello de garantía para todos aquellos que disfrutaron y disfrutan con las aventuras de la/s tripulación/nes de la/s nave/s que exploran intrépidamente el espacio para hacerlo algo más humano, con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva.

Título: Star Trek: Picard
Año: 2020
Duración: 10 capítulos (1ª temporada)
País: Estados Unidos
Dirección: Alex Kurtzman (creador), Hanelle M. Culpepper, Jonathan Frakes, Maja Vrvilo, Akiva Goldsman, Douglas Aarniokoski
Guión: Gene Roddenberry (creador), Michael Chabon, Alex Kurtzman, Kirsten Beyer
Música: Jeff Russo
Fotografía: Philip Lanyon y Darran Tiernan
Reparto: Patrick Stewart, Santiago Cabrera, Isa Briones, Alison Pill, Harry Treadaway, Evan Evagora, Jonathan Frakes, Marina Sirtis, Brent Spiner…
Productora: CBS Television Studios, Roddenberry Entertainment, Secret Hideout
Distribuida (España): Amazon Prime Video
Género: Serie de TV | Ciencia-ficción

NOTA CULTURALIA: 7,5
FILMAFFINITY: 6,6
NOTA IMDB: 7,6
NOTA ROTTEN TOMATOES:
• Crítica: 87%
• Audiencia: 58%

 

 

Crítica cine: El congreso, Ari Folman (2013)

Hoy criticamos en Culturalia El congreso, una película de ciencia-ficción diferente dirigida por Ari Folman, basada en parte en la novela El congreso de Futurología (1971) de Stanislaw Lem e interpretada por Robin Wright, Harvey Keitel, Danny Huston, Paul Giamatti, Kodi Smit-McPhee.

“La necesidad de dinero, lleva a la actriz Robin Wright a firmar un contrato según el cual los estudios harán una copia digital de ella y la utilizarán para hacer películas. Años más tarde, Wright es invitada a un congreso de futurología, que se desarrolla en un mundo que ha cambiado completamente”.

El Congreso_1

El congreso es, como decía, una película diferente porque Stanislaw Lem es diferente, a lo que se suma la visión propia del director Ari Folman que da forma a un film de reflexión sobre el futuro dividido en dos partes: la primera se centra en la comercialización de la imagen digital de una actriz para su posterior explotación comercial, un debate este que puede ser real en un futuro no muy lejano. La segunda parte especula sobre la quimización de la sociedad, un medio para conseguir la libertad del individuo y algo que podría vincularse en la actualidad con la fabricación de realidades paralelas en el ámbito de internet y las nuevas tecnologías.

Como veis, dos temas de reflexión futurológica en un mundo, el nuestro, que avanza a un ritmo cada vez más vertiginoso. Dos reflexiones que se plasman en la pantalla de dos formas diferentes: la comercialización de la imagen digital de la actriz se realiza con personajes de carne y hueso y con un aspecto que mezcla la decadencia y la tecnificación, mostrándonos, además, imágenes muy bellas en la escena de la digitalización. En esta parte los personajes que destacan son los interpretados por Robin Wright y Harvey Keitel, que da vida a su manager.

En la segunda parte del film la realidad de carne y hueso se transforma en animación y es en esta parte donde el adn Lem se reconoce mucho más claramente. Un formato que se adapta muy bien al surrealismo de la novela de autor polaco y que nos muestra un futuro en el que la contaminación química ha hecho posible que todos vivamos en un mundo de libertad y posibilidades cumplidas. Todo se puede hacer y todo se puede ser, tan solo hacen falta la serie de reacciones químicas apropiada que produzca en el individuo la alucinación adecuada.

El Congreso_2

Folman nos presenta una pequeña joya del cine de fantasía y ciencia-ficción que sirve de entretenimiento visual, con especial atención a la animación tan sui genereis de la segunda parte del film que hace notar de forma fastuosa el grado de alucinación al que se somete a la población.

En el apartado de la actuación el registro es positivo. En las escenas de ficción real destacan de nuevo las interpretaciones de Robin Wright y Harvey Keitel, a tener en cuenta el discurso de este último en la escena de la conversión digital.

El congreso es una muy correcta propuesta de reflexión cinematográfica sobre el futuro y, por qué no, sobre el presente. Y no os penséis que es una película lenta o aburrida, al contrario. Incluso la parte animada de la cinta es una explosión de luz y de color poco habitual en el cine comercial. Y qué decir de la base de todo, la novela de Lem, una obra complicada, compleja pero también una crítica afilada a un posible futuro en el que la apariencia y la voluntad de saciar las expectativas y los deseos de cada uno de nosotros pueden llevar a la autodestrucción de la sociedad y del mundo en el que habita.

El congreso es una coproducción europea en la que han participado Francia, Israel, Bégica, Polonia, Luxemburgo, Alemania.

Título: El congreso
Año: 2013
Duración: 122 minutos
País: Francia, Israel, Bégica, Polonia, Luxemburgo y Alemania
Dirección: Ari Folman
Guión: Ari Folman (Novela: Stanislaw Lem)
Música: Max Richter
Fotografía: Michal Englert
Reparto: Robin Wright, Harvey Keitel, Danny Huston, Paul Giamatti, Kodi Smit-McPhee, Michael Landes, Sami Gayle, Matthew Wolf, Jon Hamm, Michael Stahl-David
Producción: Bridgit Folman Film Gang, Pandora, Filmproduktion, Opus Film, Paul Thiltges Distributions, Entre Chien et Loup y Liverpool
Género: Ciencia ficción | Drama | Animación

NOTA CULTURALIA: 7
NOTA ABANDOMOVIEZ: 6,94
NOTA IMDB: 6,5
NOTA ROTTEN TOMATOES:
• Crítica: 73%
• Audiencia: 53%

 

Reflexiones de un emperador romano sobre la pérdida de un ser querido

Cuando estaba estudiando la carrera de Historia allá a finales del siglo XX, una de las cosas con las que más disfrutaba era con la lectura de textos de autores antiguos griegos y romanos. Mi especialización estaba entre la Edad Antigua (Imperio romano) y la Edad Media (Antigüedad Tardía). De ahí mi disfrutre al leer directamente a autores como Séneca, Suetonio, Herodiano, Orosio…

Uno de ellos fue Flavio Claudio Juliano, conocido también como Juliano el Apóstata, emperador romano del siglo IV del cual han llegado a nosotros por suerte varias obras, entre ellas diversas cartas. Y una de estas cartas me afectó hondamente al tratar el emperador de la pérdida y de la muerte a través de la historia del sabio Demócrito de Abdera, conocido como el filósofo “sonriente”.

Un relato que hoy os presentamos en Culturalia y que nos ofrece una reflexión muy adecuada para los tiempos de pandemia que vivimos en la actualidad.

Reflexiones de un emperador romano sobre la pérdida de un ser querido_1

Al prefecto de Egipto Himerio sobre su mujer

No sin lágrimas leí tu carta en la que me escribías sobre la muerte de tu compañera y me comunicabas tu extremo dolor. Pues, además de que lo sucedido sea en sí mismo penoso, que una mujer joven, recatada, encantadora para su esposo y, además, madre de unos hijos admirables sea arrebatada antes de tiempo, como una antorcha brillantemente alumbrada que pierde su llama de improviso, no me parece menos penoso el que precisamente este dolor haya caído sobre ti. Pues nuestro buen Himerio era el hombre de todos que menos merecía probar un dolor así, él que es un hábil orador y el más querido con mucho de nuestros amigos.

Sin embargo, si fuera otro hombre a quien tuviese que escribir en estas circunstancias, necesitaría mayores discursos para hacerle ver que lo sucedido es humano, que es necesario soportarlo y que nada puede conseguirse con un dolor excesivo […]. Aguanta, pues, que te cuente la historia de un sabio, o a lo mejor es un relato auténtico, que quizá no te sea extraño, pero que para la mayoría, como es natural, es desconocido, y, valiéndote sólo de él como de un remedio que hace olvidar la aflicción, puedas encontrar una solución a tu dolor […]

Se dice, en efecto, que Demócrito de Abdera, cuando el rey persa Darío estaba afligido por la muerte de su bella esposa, no pudo encontrar palabras que le bastasen de consuelo, y le prometió volver a traer a la luz a la desaparecida con tal de que quisiera procurarle los medios necesarios para el caso. Él le ordenó no ahorrar nada que pudiese impedirle mantener su promesa y, tras aguardar un momento, dijo Demócrito que tenía todos los medios para la realización de su tarea, pero que le faltaba una sola cosa, que él no sabía cómo hacerse con ella, pero que Darío, como rey de toda Asia, seguramente podría encontrarla sin dificultad. Al preguntarle éste qué podía ser aquello que le estaba sólo a un rey permitido conocer, Demócrito respondió que, si inscribía en la tumba de su mujer los nombres de tres personas que no hubieran soportado una aflicción, al instante su esposa resucitaría, emocionada por la ley de este rito.

Como Darío estuviese en grandes dificultades y no pudiese encontrar ningún hombre que no hubiera tenido que soportar algo penoso, Demócrito, echándose a reír según su costumbre, dijo: «¿Por qué, pues, oh el más absurdo de todos los hombres, te lamentas sin medida como si fueses el único golpeado por semejante dolor, tú que no has podido encontrar ni un solo hombre de los que han vivido en cualquier época que no haya tenido su parte en un dolor familiar?».

Como veis, una buena reflexión sobre el mundo en el que vivimos y sobre la gestión de las emociones y de la aflicción que todos hemos de superar en algún momento de nuestra vida.

Crítica cine: Onward, Dan Scanlon (2020)

La crisis del coronavirus COVID-19 ha afectado de pleno al cine en todos sus ámbitos, ya sea en la producción, la distribución o la exhibición. Uno de los ejemplos más claros ha sido Onward, la última propuesta de Pixar, que se estrenó a nivel mundial a principios de marzo, en los cines españoles el 6 de ese mes, una semana antes de que se aprobara el estado de alarma. Esta situación, como es lógico, ha afectado al recorrido y a la recaudación de la película dirigida por Dan Scanlon y doblada en las voces originales por Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus y Octavia Spencer.

“Dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo en el que viven que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños”.

Onward es una producción Pixar y contiene mucho del adn de esta productora. La idea de la película está basada en las vivencias del propio director Dan Scanlon (Monstruos University, 2013) que perdió a su padre cuando era pequeño, de ahí el sustrato emocional del film. Y de ahí también el contexto de fantasía urbana de la película, en el que solo un atisbo de la antigua magia permitirá a los dos jóvenes hermanos elfos volver a estar, al menos un día, con su padre fallecido.

La película sobrepone un mundo real, o todo lo real que puede ser un mundo de elfos, al mundo de la magia ancestral que los protagonistas tendrán que descubrir para alcanzar su meta. Los dos jóvenes hermanos elfos son muy diferentes entre ellos, uno lanzado y atrevido ante la vida y otro miedoso y emocionalmente afectado aún por la ausencia de su padre. Será a través de los restos de magia contenida en los juegos de rol que ambos personajes se conocerán a sí mismos e intentarán superar juntos los obstáculos vitales a los que se enfrentan.

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La trama de Onward alterna de esta forma la realidad elfa más pausada y convencional con momentos de acción y aventura que le dan al film un ritmo variado pero in crescendo hasta llegar al final, con escenas que nos recordaran películas como Willow, o las saga de Indiana Jones y, evidentemente, El señor de los anillos.

Un film ingenioso e inventivo en su propuesta y conmovedor en varios momentos, sobre todo en su desenlace final, y en el que la familia y los lazos familiares están muy presentes, no por otra es un film made in Hollywood. Todo ello tratado desde el sentido del humor típico de este tipo de producciones. Otro aspecto que destaca de la película es la calidad y el realismo de la animación, que provee al relato, dentro de su fantasía, de un toque de veracidad que le va muy bien.

La buena acogida de la película en la prensa se ha centrado, además, en la química del doblaje original de los dos protagonistas principales, los jóvenes elfos Ian y Barley, o lo que es lo mismo, las voces de Tom Holland y Chris Pratt. Si bien en la versión española no hemos podido gozar de esa interpretación, el doblaje del film mantiene la calidad a la que Pixar nos tiene acostumbrados, siendo las voces de los protagonistas las de los dobladores Mario García y Guillermo Romero.

En resumen, un film cuyo recorrido se ha visto tristemente afectado por la situación de confinamiento provocada por el COVID-19, pero que vale la pena ver, sobre todo en familia. Aprovechad pues vuestro tiempo obligado en casa para ver Onward, seguro que no saldréis decepcionados.

Título original: Onward
Año: 2020
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Dan Scanlon
Guión: Dan Scanlon, Jason Headley y Keith Bunin
Música: Jeff Danna y Mychael Danna
Animación: Sharon Calahan y Adam Habib
Reparto (voces): Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Octavia Spencer, Mel Rodriguez, Kyle Bornheimer, Lena Waithe
Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures
Género: Animación | Aventuras | Comedia | Fantástico | Magia | Cine familiar

NOTA CULTURALIA: 8
NOTA ABANDOMOVIEZ: 7,03

NOTA IMDB: 7,5
NOTA ROTTENTOMATOES:
• Crítica: 88%
• Audiencia: 95%

El Centro Botín en Santander abre de nuevo sus puertas en la Fase 1 de la desescalada

El Centro Botín en Santander abre de nuevo sus puertas para contribuir a la reactivación de la actividad cultural y para que los ciudadanos de Santander y Cantabria puedan volver a disfrutar de su propuesta artística, formativa y cultural.

La apertura del Centro Botín en la Fase 1 de la desescalada espera ayudar a la recuperación paulatina del turismo en Santander. El centro posee una fuerte vocación local ya que 140.000 cántabros tienen ya su Pase permanente, hecho este que encaja con la reorientación hacia el propio entorno que la situación de “retorno a la normalidad” después del confinamiento está provocando en museos y centros de arte de todo el mundo.

El Centro ha adaptado su funcionamiento y el desarrollo de sus actividades para que los visitantes puedan disfrutarlo de una forma tranquila y segura. Las exposiciones que en este momento se muestran son AS YOU GO (Châteaux en Espagne), del artista albanes Anri Sala; Coleccionando Procesos. 25 años de Itinerarios y la sala permanente Retratos: Esencia y Expresión.

Según el director general de la Fundación Botín, Íñigo Sáenz de Miera, “La Fundación Botín ha querido abrir el centro de arte en cuanto ha sido posible para contribuir a la reactivación de la actividad y de la economía convencida de que, ahora más que nunca, las artes pueden jugar un papel fundamental en el desarrollo personal y social”.

Con la vista puesta en esta reapertura, el Centro Botín ha adaptado su funcionamiento y el desarrollo de sus actividades para que los visitantes puedan disfrutar del arte y la cultura de una forma tranquila y segura, con un horario provisional de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas.

EXPOSICIONES ACTUALES:

Anri Sala_As You gou_Chateaux en Espagne

Sala 2: ANRI SALA. AS YOU GO (CHÂTEAUX EN ESPAGNE)
Comisario: Benjamin Weil, director artístico del Centro Botín

El albanés Anri Sala (Tirana, Albania, 1974) propone en este nuevo proyecto una reflexión sobre nuestra forma de relacionarnos con la imagen en una era caracterizada por la saturación mediática. La muestra implica una doble idea de movimiento: el inherente a una obra basada en el tiempo, que se apoya en la música y la imagen fílmica; y el del visitante, que crea una experiencia propia al entrar en la sala de exposiciones.

Coleccionando Procesos 25 años de Itinerarios

Sala 1: COLECCIONANDO PROCESOS: 25 AÑOS DE ITINERARIOS
Comisario: Benjamin Weil, director artístico del Centro Botín

El Centro Botín inauguró a finales de 2019 esta exposición que conmemora el vigésimo quinto aniversario de la serie Itinerarios, realizando para ello una cuidada selección de veinticinco artistas, antiguos beneficiarios de las Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín en estos veinticinco años de existencia, reflejando así el compromiso de la institución con el arte más reciente y dando testimonio de la historia del arte contemporáneo en el cambio de siglo.

En la muestra pueden verse obras de Lara Almarcegui, Basma Alsharif, Leonor Antunes, Javier Arce, Erick Beltrán, David Bestué, Bleda y Rosa, Nuno Cera, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Karlos Gil, Carlos Irijalba, Adrià Julià, Juan López, Ro¬gelio López Cuenca, Renata Lucas, Mateo Maté, Jorge Méndez Blake, Regina de Miguel, Leticia Ramos, Fernando Sánchez Castillo, Teresa Solar Abboud, Leonor Serrano Rivas, Jorge Yergui y David Zink Yi.

Retratos_esencia y expresion

Sala 1: RETRATOS: ESENCIA Y EXPRESIÓN
Exposición permanente

Una selección de ocho obras procedentes de la colección de arte de Jaime Botín, patrono de la Fundación Botín, se exponen de forma permanente en el Centro Botín. Cronológicamente, el conjunto refleja casi en su totalidad el arte del siglo XX, iniciándose con Figura de medio cuerpo, creada por Isidre Nonell en 1907, y cerrándose con Self Portrait with Injured Eye, pintada por Francis Bacon en 1972. Otras obras que se exponen ya en esta sala son Femme espagnole (1917) de Henri Matisse; Arlequín (1918) de Juan Gris; Al baño. Valencia (1908) de Joaquín Sorolla; Mujer de rojo (1931) de Daniel Vázquez Díaz; El constructor de caretas (1944) de José Gutiérrez Solana y Retrato de mi madre (1942) de Pancho Cossío.

Crítica cine: La gran mentira, Bill Condon (2019)

El cine de intriga y suspense nunca ha dejado de estar de moda. Al cabo del año no son pocos los estrenos en cines y televisiones en los que el crimen es cometido y/o perseguido. Lo extraño es que los protagonistas de estas tramas tengan una edad, como diría, avanzada, más de 75 años, como es el caso de La gran mentira, film dirigido por Bill Condon, e interpretado por Helen Mirren e Ian McKellen.

Roy Courtnay (Ian McKellen) es un estafador profesional que no puede creer su suerte: ha conocido online a la adinerada viuda Betty McLeish (Helen Mirren). A medida que ella le abre su corazón, Roy se sorprende a sí mismo al darse cuenta de que alberga sentimientos hacia ella, convirtiendo lo que debería ser una estafa fácil y sencilla en una de las situaciones más complejas de su vida”.

La película adapta la novela de Nicholas Searle plagada de intriga y de misterio, que se irán desarrollando a lo largo del film. Lo que en un principio parece una simple estafa más se irá complicando en una trama repleta de giros y contragiros, que incluso se vincularán con el pasado histórico de la Alemania nazi.

La gran mentira_1

Como decía, uno de los aspectos que más destacan en el film es la edad de los protagonistas, algo no demasiado habitual en el cine actual en el que predomina la juventud de actores y actrices. En este caso la elevada edad de los protagonistas está obligada por las raíces históricas de la trama, permitiendo a Helen Mirren e Ian McKellen desplegar sus encantos en la interpretación. Ella como una viuda reciente de vida gris pero con un patrimonio muy destacable. Él como un estafador sin ningún tipo de escrúpulo que se verá afectado emocionalmente por la estafa que está llevando a cabo. A ellos les acompañan Russell Tovey como el hijo de la viuda Betty McLeish y Jim Carter como el socio en las estafas de Roy Courtnay.

La gran mentira es una película que está bien, que juega con la intriga en todos sus ámbitos y con los giros y contragiros tan habituales en el cine y las series actuales. Y es una buena ocasión para ver a una actriz y un actor maduros protagonizando un thriller criminal, un género en el que se imponen habitualmente edades y perfiles muy diferentes.

Título: La gran mentira
Año: 2019
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Bill Condon
Reparto: Helen Mirren, Ian McKellen, Russell Tovey, Jim Carter, Mark Lewis Jones, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Phil Dunster, Laurie Davidson, Michael Culkin, Aleksandar Jovanovic, Athena Strates, Bessie Carter, Celine Buckens, Sonia Goswami, Ruth Horrocks, Nell Williams, Stefan Kalipha, Dino Kelly, Jag Patel, Lily Dodsworth-Evans, Stella Stocker, Julian Ferro
Guión: Jeffrey Hatcher (Basada en la novela de Nicholas Searle)
Música: Carter Burwell
Fotografía: Tobias A. Schliessler
Productora: Bron Studios / New Line Cinema / Creative Wealth Media Finance
Distribución: Warner Bros.
Género: Intriga | Crimen | Drama

NOTA CULTURALIA: 6
NOTA ABANDOMOVIEZ: 6,8

NOTA IMDB: 6,6
NOTA ROTTENTOMATOES:
• Crítica: 63%
• Audiencia: 85%