El exitoso musical homenaje a Michael Jackson MICHAEL’S LEGACY creado por la Jackson Dance Company llega el próximo 15 de mayo al Teatre Poliorama.
MICHAEL’S LEGACY, espectáculo musical avalado por el Club de Fans de Michael Jackson en España es un tributo creado por la Jackson Dance Company. Se trata del primer homenaje a Michael Jackson, del que este año se conmemora el 15º aniversario de su muerte, que ofrece al público el concepto de espectáculo que realizaba el Rey del Pop en sus giras, con voces y música en directo. Es un musical apto para todos los públicos, con una escenografía muy cuidada y réplicas exactas de las canciones originales interpretadas por una banda de 4 músicos y voces en directo, junto a un gran cuerpo de baile formado por 8 bailarines.
MICHAEL’S LEGACY cuenta con la participación de Ximo MJ, uno de los mejores impersonators del Rey del Pop, con un gran parecido físico y capaz de realizar a la perfección cada movimiento y gesto de Michael Jackson sobre el escenario.
Ximo MJ y el resto del elenco consiguen transmitir fielmente los mensajes que el Rey del Pop hacía llegar al público en cada una de sus actuaciones, haciendo vivir al espectador una increíble historia haciéndole sentir el protagonista.
MICHAEL’S LEGACY llega al Teatre Poliorama tras una gira ininterrumpida iniciada en el año 2017, que ha llevado el espectáculo a grandes recintos y a los teatros más importantes de nuestro país, sumando más de 500.000 espectadores.
Avalado por el Club de Fans de Michael Jackson en España como “el mejor doble español de Michael Jackson en la actualidad”, Ximo MJ representa con sentimiento, respeto, constancia y admiración a su gran ídolo encima de los mejores escenarios de nuestro país.
«Michael’s Legacy» se representa en el teatre Poliorama del 15 al 26 de mayo de 2024
Grupo artístico: Jackson Dance Company Coreografía: Nuria Carreras Dirección musical: Nuria Carreras y Ximo Fillol Cantantes: Alejandro Trinidad y Amanda de la Mano Músicos: Teclista y Director Musical: Samuel Gil Bajista: Diego Barbera Guitarra: Javi Navarro Batería: Víctor Llorens Cuerpo de baile: Edgar Solaz, Adrián López, Enrique Enguidanos, Nuria Carreras, Jessica Carreras, Lidia Garrido, Antonella Boria, María Buges, Laia Navarro, Arantxa Carbonell, Marta Castillo, Lucas Darás
El paso del tiempo es seguramente una de las cuestiones que más abruman al ser humano. Las consecuencias de las decisiones que tomamos en la vida y el gradual abandono de la juventud nos afectan, de una forma u otra, a todos. Casa Calores, estrenada el pasado 10 de abril en la Sala Beckett, nos plantea una reflexión sobre ello, con una propuesta escrita y dirigida por Pere Riera e interpretada, entre otros, por Rosa Renom y Jordi Boixaderas.
“Los veranos son estaciones preciadas. Dicen que la juventud es la más preciada de las etapas vitales. Y cuando eres joven, una de las mejores cosas que te pueden pasar, es vivir los veranos cerca del mar. Si, encima, has nacido en un pueblo con barcas y espigón, es posible que todos los veranos de tu juventud estén amarados de un recuerdo cálido y salobre. En Casa Calores pasan los años, las macetas se marchitan y la ropa deja de mecerse en los tendederos. Los mayores que sobreviven, se hacen viejos; y los jóvenes que no ven la hora de crecer de una vez, intentan poner freno al inexorable paso del tiempo. Un tiempo que los enfrenta al más preciado de los peligros: el pasado”
La Beckett nos presenta una reflexión sobre la vida que seguro nos tocará la fibra emocional. Quien no recuerda los veranos de su juventud, asociados a los disfrutes del periodo estival y, sobre todo, a las amistades que, en aquellos momentos, parecían imperecederas. Riera, pues, juega con las emociones escénicas para tejer un texto sobre la memoria que, seguro, nos permitirá realizar un viaje por nuestros más preciados recuerdos de la infancia y la juventud.
La trama de la obra nos sitúa en una localidad cerca del mar en verano. En ella se condesa la vida de sus habitantes como las gotas de sudor cuando hace mucho calor. La existencia se reduce a un ciclo diario de actividades pocas veces interrumpido. Riera nos muestra el día a día de un grupo de jóvenes amigos, Emma Arquillué, Júlia Bonjoch, Arnau Comas y Eudald Font que han alcanzado aquel momento de la vida en el que se está abandonando la infancia y se aproxima a la época adulta. Muchos son los cambios que se producen, poco a poco, en los cuerpos y en las personas, y también son muchas las decisiones que se han de tomar y que marcarán, sin duda la vida adulta.
En Casa Calores la presencia de los adultos, en este caso Jordi Boixaderas y Rosa Renom, también es importante. Las elecciones tomadas a lo largo de la vida, acertadas o no, también han marcado su presente, y nos dejan claro que el drama del paso del tiempo y las elecciones vitales marcan la existencia de todos, los personajes de la obra y, también, del público asistente.
Riera ha creado una pequeña joya teatral que nos hará recordar, nos hará pensar y nos hará disfrutar en partes iguales a todos. Como escenario una azotea en la que trascurre, a través de diversas escenas, la vida de todos los personajes y que nos permiten ser conscientes del paso del tiempo. Los primeros amores, las primeras decisiones sobre el futuro, la importancia de la familia, las primeras decepciones…
Algunas escenas protagonizadas por los personajes más jóvenes que se concatenan con otras interpretadas por los personajes más adultos vinculados a la Casa Calores, una terraza condenada a desparecer con el tiempo, como el tiempo hace desaparecer la infancia y la juventud y nos enfrenta a las vidas que, en gran medida, escogemos vivir.
La propuesta de Riera y la Beckett no defrauda, no nos quiere convencer con finales felices o con finales redondos, tan solo intenta mostrar, poéticamente diría yo, la vida, y nos intenta conmover a través de la memoria, a través del recuerdo de lo que fuimos cuando aún no éramos lo que somos ahora.
Solo por eso, pero por mucho más, vale la pena ver Casa Calores, por contemplar el escenario-azotea donde se desarrolla la acción, por asistir a un ejemplo más del drama vital humano y para disfrutar de una historia que, seguro, nos toca a todos y nos recuerda que el pasado y la juventud no es nada más ni nada menos que una burbuja repleta de posibilidades y de sueños, que de una forma u otra, han marcado nuestra existencia. El pasado, siempre el pasado.
«Casa Calores»se representa en la Sala Beckett del 10 de abril al 19 de mayo de 2024
Autoría y dirección: Pere Riera Reparto: Emma Arquillué, Jordi Boixaderas, Júlia Bonjoch, Arnau Comas, Eudald Font y Rosa Renom Voz en off: Pablo Derqui Escenografía: Sebastià Brosa Iluminación: Guillem Gelabert Sonido: Jordi Bonet Vestuario: Marian Coromina Caracterización: Clàudia Abbad Producción: Sala Beckett
Horario: De miércoles a sábado, 20 h y Domingo, 18:30 h Duración:1 hora y 40 minutos Espacio: Sala de baix Precio: de 11 € a 22 € Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 9,5 ——
De nuevo, y como cada año, como ya sabéis, regresa el día del libro!! Un día muy especial dedicado a la cultura y especialmente a la lectura.
Puede que llueva, es posible, pero aún así vale la pena salir y recorrer las principales calles de vuestra ciudad y encontrar la rosa y el libro perfectos. Mañana ya será tarde!!
— «Los libros tienen un alma que comparten contigo cada vez que los lees»
Es lícito y hasta necesario llevar a cabo reinterpretaciones del pasado, ya sea de periodos de la historia o de personajes históricos en concreto. De ello el teatro da buena cuenta con propuestas que analizan la historia y, más importante aún, popularizan personajes o etapas históricas. Este es el caso de Salomé, obra estrenada el año pasado en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, y que se representó del 19 al 24 de marzo en el teatre Goyade Barcelona, con dirección de Magui Miras y en la que Belén Rueda dio vida a uno de los personajes más desdeñados de la historia bíblica.
“En los primeros años del Siglo I de nuestra Era, los romanos dominan las tierras que rodean el Mediterráneo. Colocan monarcas que gobiernan a sus gentes. Llegan a Judea. Y allí una princesa, Salomé, apoya en secreto a los rebeldes que resisten al gobierno del Rey Herodes, ese títere corrupto nombrado por Roma. Un hombre sin moral que gobierna sin ley.
Juan el Bautista, líder espiritual de su pueblo, grita contra el invasor y se descarna cautivo en la prisión del Palacio de Herodes. Da la vida por un Tiempo Nuevo. Es un Profeta. Dice que la esperanza es el aliento de todos los sueños. Y enciende el deseo de la princesa. Salomé, perdida en la cabeza de su amado Juan el Bautista, sufre. Rechazada por él se transforma en una mujer sangrante. Salomé, expresión del Poder Sensual Absoluto, extrema su deseo por el Bautista. Un deseo que se desborda en muerte”.
La versión de Magüi Mira es una propuesta arriesgada, ya que se basa en la biografía de una figura maltratada por la tradición y caracterizada por esa pulsión femenina hacia el deseo y la destrucción, asignada a las mujeres en otras épocas. Pero la obra se inserta en la tendencia que redefine o reinterpreta al personaje y el periodo con los ojos de la modernidad, tan alejada del propósito original del texto bíblico.
Asistimos, pues, a una obra que aúna una representación dramática con toques cómicos e, incluso, con ingredientes de musical, de la mano de Pablo Puyol, que da vida a Juan el Bautista, el foco de atención de Salomé en el episodio bíblico. Mira se propone deconstruir el personaje tal como nos ha llegado en la tradición y darle un toque más actual que le permita ser mejor comprendido por el público del siglo XXI.
La propuesta lo consigue por momentos, ya que sus diversos ingredientes, drama, comedia y musical, rompen lo que podría ser una representación más lineal. La clave de todo está en la reinterpretación de la historia y en la lectura que se hace de ella.
Salomé se representa en un único escenario minimalista que se transforma en los diversos espacios que requiere la obra, como si fuera el papiro en blanco en el que se escribe la Biblia. Por él pasarán reyes, reinas, princesas, profetas, agoreros, dioses y soldados.
En lo que respecta a la interpretación, el peso principal lo lleva a cabo Belén Rueda, que se esfuerza en darle a Salomé una credibilidad escénica más allá de la simbología femenina que le atribuye la Biblia. Así Salomé se transforma en una mujer independiente y seguidora del nuevo mundo por el que lucha Juan el Bautista. Solo el rechazo de este provocará el final trágico de la historia y de la misma Salomé. Rueda está acompañada de un reparto a la altura, en el que destacan Luisa Martín como Herodías y Juan Fernández como el débil y malévolo Herodes, que representan con nota el fondo de disolución moral que tanto critica la Biblia. Pablo Puyol está acertado en su interpretación del Bautista, en el que hayamos los principios y la convicción propia del personaje. La obra incorpora a Sergio Mur que encarna a la divinidad que nos relatará en parte la historia y que da a la representación los toques más poéticos.
Salomé, sin embargo, pierde integridad y realismo en su voluntad de re-interpretar un personaje, símbolo bíblico del poder y del deseo sexual femenino, la voluntad del cual queda significativamente alterada por la visión transformadora de la actualidad. Algo, por otra parte, muy habitual en los tiempo que vivimos, que gusta de revisionar a los personajes históricos dotándoles de voluntades y puntos de vista sin duda espurios, más propios del siglo XXI que de los tiempos a los que pertenecen.
Si exceptuamos este último elemento de valor histórico y religioso, aún siendo conscientes de su importancia, Salomé es una oportunidad de acercarnos a una representación de carácter bíblico con una alta calidad de producción y con una interpretación coral que no nos defraudará, que nos permitirá reflexionar sobre el cambio que se está produciendo en los roles femeninos, en los que las reivindicaciones de igualdad y empoderamiento del movimiento feminista están consiguiendo, poco a poco, crear un espacio de equidad necesario en cualquier sociedad que pretenda ser democrática.
“Salomé” se representa en el Teatre Goya del 19 al 24 de marzo de 2024
Texto y dirección: Magüi Mira Composición musical: Marc Álvarez Reparto: Belén Rueda, Luisa Martín, Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández y Jose de la Torre Escenografía: Curt Allen Wilmer y Leticia Gañan (Estudio deDos AAEE) Diseño de vestuario: Helena Sanchis Iluminación: José Manuel Guerra Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos
Horarios y precios: Web teatre Goya Idioma: castellano Duración: 90 minutos NOTA CULTURALIA: 6
El Museo Centro Gaiás exhibe la exposición Tesoros Reales. Obras maestras del Terra Sancta Museum, una exposición internacional que acerca a Santiago de Compostela el extraordinario y poco conocido tesoro artístico del Terra Sancta Museum de Jerusalén, compuesto de donaciones de las monarquías católicas europeas a lo largo de 500 años. Será la primera vez y única que estas piezas procedentes de Jerusalén se puedan ver en España, exhibiéndose en el Gaiás entre el 22 de marzo y el 4 de agosto de 2024.
A lo largo de medio milenio, las casas reales europeas donaron recursos materiales y financieros así como suntuosas piezas de arte sacro a la Basílica del Santo Sepulcro en Jerusalén, lugar de profunda simbología espiritual e importante centro de proyección de la devoción y del poder de los reyes y príncipes católicos.
Teniendo como eje central estas donaciones, la exposición muestra parte de este tesoro artístico, compuesto por valiosos objetos religiosos, cálices, joyas, códices, ornamentos, vestiduras sagradas de rara manufactura… Piezas únicas de incalculable valor que fueron custodiadas durante más de 800 años, desde la llegada de los franciscanos a Palestina, pero que raramente han podido ser vistas por el gran público. La muestra permite también recorrer la historia de la Basílica del Santo Sepulcroy el papel de la Custodia de Tierra Santa, la comunidad de frailes de la Orden de San Francisco que se asume como guardiana de este singular patrimonio arqueológico, artístico y litúrgico.
En su estancia en Galicia, la exposición se completa también con piezas arqueológicas, pictóricas y otras obras singulares de instituciones gallegas como el Museo de las Peregrinaciones o el Convento de San Francisco de Santiago de Compostela, y también de fuera de Galicia como el propio Museo Calouste Gulbenkian. El proyecto se acerca así al nexo que une grandes ciudades de peregrinación como son Jerusalén y Santiago de Compostela.
Tras su paso por Compostela, la muestra viajará a otros dos destinos internacionales aún por anunciar, en Europa y Estados Unidos. Posteriormente, estas obras compondrán el núcleo de la colección histórica del Terra Sancta Museum, que prevé abrir sus puertas al público en la ciudad vieja de Jerusalén.
El proyecto del Terra Sancta Museum nació con la voluntad de dar mayor visibilidad a la historia de la presencia cristiana en Tierra Santa y como un lugar de encuentro y diálogo entre distintas religiones. Consta de un núcleo arqueológico en el Convento de la Flagelación, donde ya exhibe sus colecciones, y de un núcleo histórico-artístico, que mostrará el Tesoro del Santo Sepulcro así como colecciones de arte cristiano oriental en el convento de San Salvador en Jerusalén.
COMISARIADO INTERNACIONAL
● Jacques Charles-Gaffiot | Historiador del arte, autor e integrante del Comité Científico del Terra Sancta Museum. ● André das Neves Afonso | Conservador de las colecciones de Orfebrería y Joyería del Museo Calouste Gulbenkian en Lisboa.
COMISARIADO LOCAL [comisarios ejecutivos]
● Esperanza Gigirey Liste | Directora del Museo de las Peregrinaciones y de Santiago. ●Juan Manuel Buján | Ministro provincial de la orden de los franciscanos en Santiago de Compostela.
Exposición: Tesoros Reales. Obras maestras del Terra Sancta Museum
Localización: Museo Centro Gaiás Fecha de inicio: 22/03/2024 Fecha de fin: 04/08/2024 Horario: De martes a domingo | De 10 a 20 h Organiza: ● Xunta de Galicia ● Fundación Cidade da Cultura ● Fundación Gulbenkian ● Custodia de Terra Santa
La editorial Almuzara publica El rey morirá en Sevilla, de Juan Cartaya, una intriga en la Sevilla del siglo XVI que puede acabar con la vida del rey Felipe II.
Sevilla, 1570. Con el trasfondo de la guerra de las Alpujarras, el rey Felipe II se dispone a visitar la ciudad, en donde hará una entrada solemne que los humanistas sevillanos desean equiparar a los triunfos de la antigüedad. Pero una conjura urdida por los rebeldes granadinos, apoyados por el sultán Selim II, amenaza su vida: sus enemigos tratan de impedir que se configure la Liga Santa que podría derrotarles en el Mediterráneo, y preparan un atentado que acabe con el monarca.
Unos días antes de la llegada del rey, el cadáver torturado de un joven es encontrado en el río: el jurado Fernando de Medina y el clérigo Francisco Pacheco deberán resolver el asesinato por orden del asistente de la ciudad. Pero las cosas no son lo que parecen, y el crimen se solapa con una conspiración que, a menos que ambos lo impidan, podría lograr la muerte de Felipe II. ¿Conseguirán los dos pesquisidores evitar el atentado que pretende eliminar a la cabeza de la monarquía?
¿Quién está detrás de la conjura para matar a Felipe II en Sevilla?
Y el marco de todos estos hechos es Sevilla, una ciudad que se percibe a lo largo de estas páginas como la capital del mundo que fue durante el siglo XVI: asistiremos a la entrada del rey en una ciudad rica y poderosa; pero también conoceremos sus bajos fondos, sus crímenes y sus pasiones, sus calles y sus gentes. Una ciudad como nunca la habíamos visto hasta ahora surge ante nosotros tal y como fue en el momento de su mayor esplendor.
Juan Cartaya Baños es Doctor en Historia Moderna y Licenciado en Historia del Arte. Es miembro de la Real Academia Matritense de Heráldica y Genealogía, Academias Andaluza de la Historia, Sevillana de Gastronomía y Turismo y Belgo-Espagnole d`Histoire. Dentro del grupo de investigación del PAIDI de la Universidad de Sevilla HUM202, su línea de trabajo es el estudio de las élites sevillanas en los siglos XVI y XVII.
Autor de «Para ejercitar la maestría de los caballos. La nobleza sevillana y la fundación de la Real Maestranza de Caballería en 1670» (2012); “Mayorazgos: Riqueza, nobleza y posteridad en la Sevilla del siglo XVI” (2018); “La nobleza de las letras: don Diego Ortiz de Zúñiga, un historiador en la Sevilla del Seiscientos” (2021); o «La pasión de don Fernando de Añasco: limpieza de sangre y conflicto social en la Sevilla de los Siglos de Oro» (2014) Mantiene el blog temático «ARISTOCRACIAS.
Título: El rey morirá en Sevilla Autor: Juan Cartaya Baños ISBN: 978-84-11314-75-6 Páginas: 400 Tamaño: 15 x 23 cm Encuadernación: rústica con solapas Publicación: 05/05/2023 Colección: Novela Histórica Temáticas: novela histórica Precio: 21,95 €
El teatro Romea estrenó el pasado 25 de febrero Voltaire/Rousseau. La Disputa, sin duda una de las joyas teatrales de la temporada. Una propuesta que nos plantea reflexionar sobre la vida y la sociedad de la mano de dos de los más destacados filósofos de la Ilustración, Voltaire i Rousseau.
«Un panfleto anónimo acusa Jean Jacques Rousseau de haber abandonado a sus cinco hijos. Rousseau recurre a Voltaire para averiguar juntos quién es el autor de esta abominación. Una situación que proporciona la oportunidad de asistir a una gran escena doméstica donde los dos filósofos enfrentan sus ideas sobre Dios, la igualdad, la educación y el teatro. Dos maneras igualmente generosas, pero muy diferentes, de concebir la sociedad».
Voltaire/Rousseau. La Disputa es una obra-discusión en la que todo está tal y como debe estar. Una delicia teatral que comienza con la visita del joven Rousseau a Voltaire en busca de ayuda para identificar el autor del panfleto escrito contra su persona. Este hecho permitirá que ambos personajes expongan sus ideas filosóficas, todo ello aderezado, a medida que la discusión avanza, con las opiniones que cada uno de ellos tiene de su adversario.
Jean-François Prévand ha creado una joya dialéctico-teatral que para ser creíble necesitaba de dos magníficos actores para encarnar a Voltaire i Rousseau. Al primero le da vida un magnífico Josep Maria Flotats, que provee a su personaje de una locuacidad intelectual e interpretativa que brilla por sí misma. Pep Planas encarna a un apesadumbrado Rousseau que, aunque de origen más humilde y de carácter más sombrío, muestra sobre el escenario un aguerrido espíritu intelectual.
Ambos están geniales en sus respectivos papeles, a lo que ayuda un texto que, aunque trata de forma concéntrica sobre la autoría del libelo contra Rousseau, irá avanzando y enriqueciéndose al desarrollar las teorías filosóficas de ambos personajes, que discutirán sobre temas tan diversos como la religión, la sociedad, la cultura, el teatro, la tolerancia, la igualdad o los derechos. Todo ello engarzado de forma soberbia en el espléndido texto de Prévand, y llevado a la genialidad por la dirección del propio Josep Maria Flotats, que en esta ocasión eleva el horizonte escénico de la representación a unas cotas teatrales difíciles de alcanzar.
Así, pues, la obra no necesita de grandes avatares escénicos ni efectos de ningún tipo, si exceptuamos la magnífica interpretación de los dos únicos actores. Toda la acción se representa, además, en el salón de la residencia de Voltaire, definido con un escaso atrezo y una imagen tapiz que nos muestra el lugar donde se produce el encuentro.
No hay palabras, os lo confieso, para valorar una magnífica obra como Voltaire/Rousseau. La Disputa. Tan solo queda apremiar a los últimos y las últimas rezagadas a aprovechar la última semana de representación de la obra en el Romea para saber quién es el verdadero autor del libelo contra Rousseau y disfrutar de una representación teatral digna de los filósofos a los que hace referencia.
«Voltaire / Rousseau. La disputa» se representa en el teatre Romea del 25 de febrero al 1 de abril de 2024.
Autoría: Jean-François Prévand Dramaturgia y dirección: Josep Maria Flotats Traducción: Salvador Oliva Reparto: Josep Maria Flotats, Pep Planas, Arnau Puig (Voz en off) Espacio escénico: Josep Maria Flotats Vestuario: Renato Bianchi Iluminación: Insuel Producción: Teatre Romea
Horarios: Web teatre Romea Precio: A partir de 18,40€ Idioma: catalán Duración: 90 minutos NOTA CULTURALIA: 9,9
Todos hemos sido niños y niñas, y todos hemos soñado alguna vez con protagonizar una aventura fantástica. Esta es la clave de La Historia interminable el musical, un espectáculo producido por Beon Entertainment que se estrenó en el Apolo el pasado mes de noviembre, y que nos traslada al reino amenazado de Fantasia, que solo podrá ser salvado por el valor y la audacia de un joven guerrero.
“La Nada está haciendo desaparecer los paisajes y las criaturas mágicas del mundo de Fantasia. Para evitarlo, la Emperatriz Infantil envía a Atreyu el guerrero a buscar una solución en una aventura heroica y desesperada. Esta es la historia del libro que Bastian, un niño que ama la lectura, descubre en la librería del señor Koreander. ¿O es el libro quien ha llamado a Bastian? Seres fantásticos, brujas, silfos nocturnos, gigantes comerrocas, dragones voladores… Bastian queda fascinado por el libro mientras lee las aventuras de Atreyu como si las estuviera viviendo él mismo. Ojalá él pudiera ayudar a la Emperatriz Infantil…”
Estamos ante una propuesta escénica de gran formato, básica para recrear el mundo de fantasía y las aventuras del joven guerrero Atreyu. Beon Entertainment lo ha puesto todo de su parte para llevar a cabo una adaptación a la altura de la novela del escritor alemán Michael Ende publicada en el año 1979, llevada a la gran pantalla en el año 1984 y que se convirtió en un gran éxito del cine fantástico de aventuras.
Y se nota. Si en algo destaca la propuesta es en la construcción escénica y los efectos especiales. Los diversos personajes de la novela se han recreado para el musical, desde la tortuga Morla, el comerrocas, el enano Gluckuk y caracol de carreras, el caballo Ártax, o el dragón blanco volador Fújur. La productora ha conseguido recrear sobre el escenario un mundo de fantasía con gran acierto. Pocas veces he visto en el teatro personajes fantásticos tan bien representados, más diría yo… tan mágicamente representados.
En lo que corresponde a la escenografía todo está también a la altura de las circunstancias. Se ha recreado el mundo mágico de Fantasia de una forma creíble y funcional. Todo ello hará que los más pequeños, aquellos a los que va dirigida la obra principalmente, disfruten de la representación como nunca, en un espectáculo acrecentado con toda una serie de temas musicales interpretados en directo.
El reparto también acompaña. Desde Atreyu, el héroe de la historia o la emperatriz infantil, hasta el hombre lobo Gmork o los gnomos Enguivuck y Urgl, todos están bien afinados ya sea en sus actuaciones o interpretando los temas musicales que harán que las aventuras de Bastian y Atreyu se conviertan en inolvidables.
Sin embargo, el eslabón débil de la propuesta es la adaptación en sí de la novela de Ende. Iván Macías y Félix Amador han creado una historia que a veces es difícil de seguir, sobre todo en la segunda parte del espectáculo, hecho este que confunde, seguro, a los más mayores y a los más pequeños, sobre todo si tenemos en cuenta que el musical está especialmente dirigido a estos últimos, despojándole de parte de la magia que la propuesta requiere.
Un hándicap, sin embargo, que queda minimizado por una puesta en escena espectacular y unas construcción escénica, que harán las delicias del público asistente y que transporta a los más adultos a otra época, aquella en la que vimos y disfrutamos de la Historia Interminable y cantamos, seguro, el Neverending story de Limahl como un símbolo de la magia que todos y todas llevamos dentro, aunque a veces su recuerdo esté muy lejano.
“La Historia interminable, el musical” se representa en el Teatro Apolo del 22 de noviembre de 2023 al 7 de abril de 2024.
Autoría: Michael Ende Dirección artística: Federico Barrios Fierro Reparto: David Sarnago, Marcos Sarnago, Marta Porris, Pablo Castiñeira, Alicia Scutelnicu, Karina Scutelnicu, Martina Hernàndez, Noelia Rincón, Rocío Barroso, Teresa Abarca, Alba Cuartero, Josean Moreno, Teresa Ferrer, Álex Forriols, Paco Arrojo, Noemi Mazoy, Joselu López, Pablo Badillo, Gerard Mínguez, Natàlia Zarco, Ruth Ge, Ernesto Pigueiras, Noelia Marlo, Gustavo Rodríguez, Tamara Suárez, Belén Marcos, Ernesto Santos, Joan López, Marta Castro, Irene Barrios, Guillermo Pareja, Rocío Margón, Briel González, Elena González, Nil Carbonell Dirección técnica: Pablo Santos Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda Iluminación: Felipe Ramos, Jesús Díaz Sonido: Alejandro Martín Caracterización: Aarón Domínguez Vestuario: Antonio Belart Coreografía: José Felix Romero Movimiento: José Felix Romero Música: Iván Macías Letras: Félix Amador Producción: Dario Regattieri, Beon Entertainment
Comienza el año y con él publicamos las primeras críticas de teatro. Y en esta ocasión iniciamos el recorrido con Els Buonaparte, obra que nos narra el encuentro de los hermanos Bonaparte (Napoleón y José) en Vitoria tras la retirada del segundo de Madrid, en el contexto de la Guerra de la independencia.
“Tras invadir la península Ibérica y destronar a los Borbones, Napoleón Bonaparte sienta en el trono de España y de las Indias a su hermano mayor José. José I llega a Madrid el 20 de julio de 1808. El día 29, nueve días más tarde, la victoria del ejército español en Bailén, provoca revueltas contra el nuevo monarca que le obligan a huir de Madrid. José se refugia con su corte en Vitoria. Napoleón, enterado de la fuga de su hermano, viaja de París a Vitoria para exigirle su regreso inmediato a Madrid. Los dos hermanos se encuentran la noche del 5 de noviembre en una casa solariega en las afueras de Vitoria. Estaban solos, no hubo testigos; pero todo hace presagiar que fue una noche de confesiones, celos, disputas y desconfianzas”.
La historia es, muchas veces, muy teatral y el teatro se aviene muy bien a hablarnos de la historia. De aquí que Ramon Madaula en el guión y Sílvia Munt en la dirección nos muestren el encuentro de dos monarcas de la misma familia, un rey y un emperador, necesitados el uno del otro, ya sea como hermanos o como aliados políticos.
En encuentro escénico nos permite presenciar la reconstrucción de un episodio de intimidad histórica del que no conocemos nada. Así, en este encuentro privado conoceremos las ambiciones políticas y las necesidades del uno y del otro. Un Napoleón que sueña con imponer la revolución al mundo y un José quebrantado por su pobre aceptación como rey de España y de las Indias.
Madaula construye un texto y unos personajes creíbles históricamente y teatralmente, y basa la fuerza de la obra en una conversación entre dos personajes que nos acercan no tanto a las grandes figuras políticas como a sus fueros internos, sus anhelos, sus miedos, sus éxitos y sus fracasos. Magnífica la visión francesa sobre la realidad española de la época (la visión negativa sobre las costumbres hispanas y su admiración por la gastronomía española del momento).
Sílvia Munt ha conseguido dar consistencia dramática a un texto que fluye fácilmente, sin obstáculos, de forma natural, como una conversación privada entre conocidos o familiares. Y en ello no son ajenos los tres protagonistas. Pau Roca se mimetiza con Napoleón, confirmando de nuevo el interés que el actor tiene por las obras teatrales históricas. David Bagés encarna a la perfección a un devastado José Bonaparte al que las fuerzas han abandonado en su cometido real y que necesita del abrazo emocional de su hermano para seguir adelante. Oriol Guinart es el tercero en discordia e interpreta en esta ocasión al esclavo mameluco de Napoleón que provee a la obra de los comentarios y las reflexiones más sarcásticas, un punto de vista más mundano y popular que da a la obra un registro cómico que facilita su desarrollo y la recepción por parte del público.
Como se desprende de lo ya escrito, Els Buonaparte es, sin duda alguna, una excelente propuesta para comenzar el año teatralmente, que nos permitirá disfrutar de una muy sugestiva obra de teatro y de una reflexión histórica y emocional de altura, de aquellas que dejan un muy buen sabor de boca.
“Els Buonaparte” se representa en el Teatre Akadèmia del 20 de desembre de 2023 al 14 de enero de 2024.
Autor: Ramon Madaula Dirección: Sílvia Munt Reparto: Pau Roca, David Bagés y Oriol Guinart Espacio escénico: Sebastià Brosa y Paula Bosch Iluminación: Lluís Serra Espacio sonoro: Sergi Andrades Vestuario: Carlota Ricart Producción: Teatre Akadèmia
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: a partir de 22€ Idioma: catalán Duración: 1 hora y 15 minutos NOTA CULTURALIA: 8,5 ——
Teatro e historia van muchas veces de la mano, solo hace falta fijarse en las versiones de obras de Shakespeare que se representan en la actualidad en todo el mundo. Depende de cómo, la historia nos puede decir mucho del mundo en el que vivimos. No por otra Ramon Madaula vuelve a los escenarios con un guión escrito por él mismo en el que la ficción y la historia están muy presentes.
“Conqueridors» es una comedia épica sobre el afán de conquista que todos llevamos dentro. La acción tiene lugar en un plató de televisión donde se graba una serie sobre la figura de Jaume I el Conqueridor. Se trata de una gran producción audiovisual, sin embargo, el rodaje se encuentra en un punto muerto: el actor que encarna a Jaume I no logra conectar del todo con el personaje. No consigue una interpretación creíble del monarca. Por esta razón, los productores empiezan a ponerse nerviosos: han invertido mucho dinero en el proyecto y el protagonista les está fallando. ¿Qué pasaría si de repente aparece el propio Jaume I con la intención de contar su propia historia?
Y es que el trabajo de actor es muy duro, y más si eres la clave de una producción ambientada en la Edad Media, y más concretamente en los tiempos de uno de los referentes históricos de la Corona de Aragón. El actor principal parece no estar a la altura de las circunstancias y del personaje, de ahí que necesite un empujoncito. Y este se lo dará el propio Jaume I, que regresa del siglo XIII a la actualidad para ayudar a recrear su historia, con todas las incidencias que ello comporta y os podéis imaginar: el comportamiento del monarca en un plató políticamente correcto, las contradicciones del propio personaje y el rechazo que provoca en la mayor parte del reparto y del equipo técnico.
Madaula ha querido poner sobre el escenario las discordancias entre las dos épocas, la medieval y la actual, a través de un personaje (Jaume I) que no se acabará de adaptar al mundo actual: su forma de hablar, su opinión sobre la convivencia entre cristianos y musulmanes, su manifiesto desprecio ante la igualdad de géneros… todo ello genera la clave de humor de la comedia.
Pero su objetivo se cumple a medias. Asistimos a una propuesta bien trabada y original en el sentido del personaje (Jaume I), la situación (la grabación de una serie que no “tira”)… y las contradicciones que provoca la presencia del auténtico conde de Barcelona en el estudio de rodaje. Si bien la comicidad no acaba de explotar del todo ni en las situaciones ni en los giros de la obra. Madaula como autor y Josep Maria Mestres como director no acaban de hacer arder la pólvora humorística que tienen entre manos.
Con un reparto, además, capacitado para algo más. El que más destaca es el propio Madaula, que provee a la figura de Jaume I de una presencia portentosa que marcará el transcurso de la obra. Roger Coma cumple con su papel de actor superado por la grandeza de su personaje. A ellos les acompañan Vanessa Segura que da vida a la directora no del todo interesada en la producción o Xavier Bertran que interpreta a diversos personajes que pululan por el estudio de filmación con la comicidad acostumbrada en él. Sin olvidarnos por supuesto, de Tilda Espluga y Mònica Glaenzel, acertadas en sus roles respectivos de regidora de grabación y de personal de limpieza respectivamente
Por desgracia todo queda empañado con un “final feliz” que no cuadra demasiado con el transcurso de la obra, aunque posee algo poético, que descoloca en gran medida al público.
Una propuesta, sin embargo, válida para estos días de celebración navideña, si lo que queremos es pasarlo bien con una comedia que podría haber llegado a más en las manos de Madaula, pero que sin duda nos dejará un buen sabor de boca…
“Conqueridors” se representa en el Teatre Goya del 17 de noviembre de 2023 al 21 de enero de 2024
Autoría: Ramon Madaula Dirección: Josep Maria Mestres Reparto: Moha Amazian, Xavier Bertran, Roger Coma, Tilda Espluga, Mònica Glaenzel, Ramon Madaula y Vanessa Segura Escenografía: Ignasi Camprodon, Cesc Colomina Iluminación: Ignasi Camprodon Sonido: Jordi Bonet Caracterización: Helena Fenoy y Marta Ferrer Vestuario: Nidia Tusal Producción: Bitò, Focus
Horarios: lunes a las 19:00 horas; de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:30 horas Precio: desde 16,20€ Duración: 90 minutos Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 6.5 ——
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