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Crítica teatro: María Antonieta, en el Teatre Gaudí

El teatro y la historia tienen una relación más íntima de la que parece a primera vista. Una clara muestra de ello es la adaptación de la biografía de la reina María Antonieta escrita por Stefan Zweig en el año 1932, hecha obra de teatro por Camilo Zaffora y Analía Puentes, dirigida por Jessica Walker e interpretada por la propia Analía Puentes que se representa en la sala pequeña del Teatre Gaudí.

“Un texto original de la actriz a partir de diversas fuentes (la biografía escrita por Stefan Zweig, cartas originales entre María Antonieta y su familia, pasquines periodísticos y proclamas de la época…) sirve de detonante para un trabajo de encarnación poderoso y libre, en la línea experimental del Laboratorio Escuela de Jessica Walker. Un tour de force actoral que atraviesa con honestidad y riesgo las diversas facetas del personaje: La reina, la amante, la extranjera, la derrochadora, la madre, la actriz, la mujer, la inadaptada, la esposa, la adolescente, la condenada”.

La propuesta es de pequeño formato, un monólogo cercano que permite al espectador ser testigo del relato en primera persona de la vida de María Antonieta. El personaje, interpretado intensamente por Analía Puentes, nos recibe desnuda en sus aposentos privados, con peluca señorial y con el cuello enrojecido, preludio del fatal destino que le espera.

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Sobre el lecho María Antonieta nos narra su vida, en la que tienen cabida sus orígenes austríacos, las alegrías y placeres de la juventud, sus conquistas sexuales, los avatares de la corte y de la política del momento que la llevaron a casarse con el príncipe heredero de Francia y a convertirse de esta manera en reina, su azarosa y derrochadora vida en palacio, el inicio de la revolución y la amenaza que finalmente la llevaría a la guillotina.

Analía Puentes pone mucho de sí para fusionarse con el personaje en un escenario minimalista que incluye poco más atrezo que una cama y que enfoca la atención del público sobre ella, para conocer a la mujer que hubo detrás de la reina.

Pero la obra hace todo esto con un ritmo y un relato demasiado rápido, no por otra la representación tiene una duración de 60 minutos. Con ello conseguimos sí, incluir la mayor parte de la biografía del personaje pero a una velocidad y a un registro que no permite al público hacerse íntimamente con el personaje. Una representación que va demasiado deprisa, que descoloca, a veces, al espectador y que le impide identificarse plenamente con lo que ve o escucha.

Aún así, si atendemos al aspecto teatral, que es lo que al final importa, el esfuerzo titánico de Analía Puentes se ve recompensado con una identificación entusiasta y apasionada de la actriz con el personaje al que interpreta y al que envuelve con una nueva piel. Una interpretación honda que hace que el tiempo pase rápido a lo largo de la biografía teatral en vivo y que nos permite reflexionar sobre otros tiempos y sobre personajes históricos deformados, las más de las veces, por el uso interesado de su persona.

“María Antonieta” se representa en el Teatre Gaudí del 10 de febrero al 10 de marzo de 2021.

Dirección: Jessica Walker
Dramaturgia: Analía Puentes y Camilo Zaffora
(Versión libre del texto “María Antonieta” de Stefan Zweig)
Actriz: Analía Puentes

Horarios: martes y miércoles a las 20:00 horas
Precio: 12€
Duración: 60 minutos
Idioma: Castellano

Crítica libro: El cielo de medianoche, Lily Brooks-Dalton, Ed. Blackie Books

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El pasado 11 de diciembre llegaba a las pantallas españolas en estreno limitado Cielo de medianoche, film producido por Netflix, dirigido por George Clooney, interpretado por él mismo, Felicity Jones, Kyle Chandler, David Oyelowo y Caoilinn Springally, y basado en la novela de ciencia-ficción apocalíptica del mismo título de la escritora norteamericana Lily Brooks-Dalton.

La novela, que es la que reseñamos en Culturalia en esta ocasión, nos sorprende con una trama futurista pero no tanto y muy vinculada a los tiempos que estamos viviendo actualmente, dominados por la pandemia y la falta de perspectivas de futuro que vive la humanidad.

Cielo de medianoche se divide en dos tramas que avanzan a la par: en la primera Augustine (Augie) es el último científico que se mantiene en el Ártico tras la evacuación de la base científica en la que trabajaba ante el avance de un cataclismo que está afectando a todo el planeta. Nunca ha sabido relacionarse con los otros y ha preferido siempre las estrellas a los humanos. Su día a día nos mostrará las consecuencias de la soledad, en este caso absoluta, en un espacio natural, el Ártico, solitario y desolado por el frío, y en el que el avance y el retroceso diario del sol difiere del habitual, hecho este que da origen al título de la novela. Su existencia se verá alterada por el descubrimiento de Iris, una niña olvidada durante la evacuación de la base científica. Su compañía llevará al personaje a reflexionar sobre su vida y su capacidad de relacionarse con los demás.

Por otro lado, la tripulación de la nave Aether, de regreso tras una expedición de observación del planeta Júpiter y sus lunas y que ha perdido la comunicación por radio con la Tierra. En esta trama la incomunicación tiene también un papel predominante, en este caso la que se produce entre la nave y la Tierra y la que se establece entre los miembros de la tripulación, a lo que se suma el miedo ante el final, de la vida, de la humanidad, de la Tierra, todo ello con unos personajes avasallados por la inmensidad y el vacío del espacio, un lugar inhóspito para el ser humano.

Lily Brooks-Dalton
Lily Brooks-Dalton

La novela, aunque en un marco de ciencia-ficción, se interesa pues de forma intimista por el espíritu humano, en un momento, un grave cataclismo, puede que una pandemia, en el que los protagonistas pierden el contacto con el resto de la humanidad y en parte con ellos mismos. De ahí que la radio-comunicación adopte una importancia capital en las dos tramas, ya que ese será el único lazo de unión entre los protagonistas.

La presentación de la novela es muy lucida, con un libro de tamaño no muy grande pero con tapa dura y con una edición bien hecha, un acierto por parte de la editorial. Por lo que respecta al estilo, en ella prevalece la reflexión interior a los diálogos que, por falta de comunicación entre los personajes, no predominan en el relato. La autora nos va presentando poco a poco a los protagonistas y sus condicionantes, centrándose en dos de ellos, Augie en el Ártico y Sully en la Aether, sobre los que estructura principalmente la doble trama en un estilo tranquilo, sombrío y que avanza con naturalidad hasta su conclusión.

Ya veis, pues, que la ciencia-ficción, la buena ciencia-ficción, también nos permite reflexionar sobre el presente y sobre el alma humana, en este caso, y como ya he dicho, en un ambiente pesimista, que en diversos momentos me ha recordado On the Beach, novela de Nevil Shute publicada en el año 1957 y adaptada al cine dos años más tarde con el título La hora final, dirigida por Stanley Kramer y protagonizada por Gregory Peck, Ava Gardner y Fred Astaire.

Lily Brooks-Dalton nos ofrece una reflexión sobre el futuro cercano de la humanidad en un momento de crisis extrema en el que priman, aunque no lo parezca, los lazos humanos y la comunicación, y nos ofrece una excusa para reflexionar sobre cómo estamos tratando al planeta, de momento nuestra única embarcación estelar, y los riesgos que corremos al tratarlo de la forma despiadada en la que lo hacemos ahora. Una reflexión sobre la posible extinción de la humanidad con un tono apocalíptico y pesimista.

Título: El cielo de medianoche
Autora: Lily Brooks-Dalton
Editorial: Blackie Books
Número de páginas: 272
Formato: Cartoné, 21 x 14 cm
ISBN: 978-84-18187-29-2
Precio: 21€
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica: Un haz de naciones, El Estado y la plurinacionalidad en España (1830-2017), Xavier Domènech, Ediciones Península

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A nadie se le escapa que en España se viven momentos complejos en lo que respecta a su estructuración política y territorial. El sistema político establecido en el país tras el final de la dictadura franquista durante la Transición, lo que se ha venido a llamar el Régimen del 78, que contemplaba la existencia de un sistema político democrático y la creación del estado de las autonomías, entró en crisis, principalmente, a raíz del proceso independentista catalán que llevó en octubre del año 2017 a la celebración de un referéndum unilateral de independencia, a la posterior activación del artículo 155 por parte del gobierno del PP y a la intervención de la comunidad autónoma. Una situación complicada que, por desgracia, está aún muy lejos de haber sido superada.

Para entender lo que ha pasado en los últimos años en la política española (y catalana, y vasca, y gallega…) Xavier Domènech, político, dirigente de Podemos Cataluña, cargo que abandonó en el año 2018, y profesor en la Universitat Autónoma de Catalunya, publicó el pasado mes de julio Un haz de naciones, El Estado y la plurinacionalidad en España (1830-2017), un intento de análisis de la configuración estatal y nacional del Estado español a lo largo de los últimos dos siglos de historia.

Con su libro Domènech intenta examinar la ordenación política en España desde el inicio del estado liberal, esto es, desde la llegada al poder de los liberales durante el reinado de Isabel II hasta el año 2017, es decir, casi casi hasta la actualidad. Domènech presenta un ensayo que aborda la vertebración política y sobre todo territorial desarrollada en este país y que es la clave del problema actual, la pugna entre el centralismo uniformador del Estado central y los esfuerzos de las comunidades o naciones históricas, de alcanzar un reconocimiento nacional propio.

El análisis de Domènech se estructura como una obra de ensayo, esto es, dirigida a un público con conocimientos previos sobre la historia política (y también constitucional) de España de las últimas dos centurias, ya que el autor profundiza en el análisis de los asuntos que trata dando por conocidas muchas de las referencias que analiza, resultando de todo ello una obra propia de un nivel especializado o universitario.

Xavier Domènech

Así, pues, Domènech baraja en su libro no tan solo el conocimiento histórico como profesor universitario sino su experiencia política entre los años 2016 y 2018, lo que provee a su relato de un conocimiento más profundo de “cómo funcionan las cosas” en la política de este país, obteniendo así el lector una visión más amplia de los tensos episodios políticos vividos en los últimos años relacionados con el Procés independentista que es muy de agradecer.

De su análisis, desde una perspectiva libertaria y de izquierdas, podemos abstraer la clave del problema que ha llevado a la compleja situación política actual, la fallida vertebración política y, sobre todo territorial, del Estado español des del siglo XIX hasta la actualidad, y las tentativas desde las nacionalidades históricas de modificar y/o ampliar la concepción del mismo y progresar en la descentralización política, dinámicas estas que han llevado al avance y al retroceso político continuado del país y a la situación de bloqueo actual. Una perspectiva de análisis, la de Domènech, que se centra principalmente en Cataluña, aunque con continuas y amplias referencias al País Vasco, Galicia o Andalucía, como también, aunque de forma mucho más limitada, a otros territorios o comunidades españolas.

Asimismo, Domènech propone en las últimas páginas del libro posibles salidas a la situación actual en la que vive inmerso el país, planteando de esta forma cuáles podrían ser los caminos de avance en la democratización y normalización de la vida política en España (y Cataluña).

La propuesta es, así, interesante porque nos provee de la valoración franca de un historiador y político que se ha visto implicado en unos acontecimientos políticos claves en la evolución de España y Cataluña en los últimos años. Una visión, no lo olvidemos, marcada por sus convicciones y creencias políticas. Y una oportunidad para intentar comprender mejor la situación de un país, que, y como comenta Domènech en su libro, aunque atesora una de las mayores riquezas históricas, nacionales y culturales de Europa, ha desarrollado uno de los sistemas políticos más centralizados del continente.

Título: Un haz de naciones, El Estado y la plurinacionalidad en España (1830-2017)
Autor: Xavier Domènech
Editorial: Ediciones Península
Colección: Atalaya
Temática: Política | Historia | Actualidad
Número de páginas: 384
Fecha de publicación: 07 de julio de 2020
Idioma: Español
ISBN: 978-84-9942-906-9
Formato: 15 x 23 cm. | Rústica con solapas
Precio:
• Rústica con solapas: 18,90€
• eBook (Epub 2): 10,99€

Conferencia UNED. Las grandes mentiras de la Historia Antigua (Roma)

El próximo día 22 de abril el centro de Girona de La Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) programa la charla online Las grandes mentiras de la historia antigua (Roma), realizada por el historiador Jorge Pisa Sánchez, en la que se analizarán algunas de las falsedades más comunes de la historia de la Roma antigua.

Como no podría ser de otra forma, la historia está repleta de mentiras que se han acabado imponiendo en la cultura popular, sobre todo a raíz del éxito de la literatura y el cine y por el desconocimiento de los mismos medios de comunicación. En esta charla estudiaremos algunas de las mentiras más famosas y consolidadas referentes a la historia Antigua para ver si superan un escrutinio histórico y científico.

Conferencia: Las grandes mentiras de la historia antigua (Roma)
Organiza: Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) Salt/Girona
Conferenciante: Jorge Pisa Sánchez, Historiador. Licenciado en Historia. Máster en Gestión Cultural
Formato: Online. Asistencia online en directo, sin necesidad de ir al centro asociado
Extensión Universitaria
Fecha: 22 de abril de 2021
Horario: 18:00 a 19:30 horas

Más información
UNED Girona
972 21 26 00 / secretaria@girona.uned.es
C/ Sant Antoni 1 (Factoria Cultural Coma Cros).
17190 Salt Girona

Crítica teatro: L’èxit de la Temporada, en el teatro Coliseum

La productora El Terrat cumple 30 años en activo, algo digno de celebrar en un medio tan cambiante como es el de la producción audiovisual y cultural. Y para ello, en medio de estos tiempos de pandemia, ha conseguido poner sobre los escenarios varias producciones, entre ellas Pegados el musical, el pasado año, y actualmente La gran ofensa y L’ èxit de la temporada, obra de la que nos ocupamos en esta crítica.

“Seis amigos que triunfan como cómicos en programas de radio y televisión, deciden unirse para sacar adelante el espectáculo teatral “Romeo y Julieta” y así poder reivindicarse como intérpretes más allá de los lugares comunes donde parece que los encasillan. Un incidente fortuito hace que el espectáculo no se pueda llegar a estrenar.
Veinte años después, estos seis amigos se reencuentran para intentar hacer realidad el espectáculo que no hicieron en el pasado. El mundo ha cambiado, ellos han cambiado, sus relaciones, sus cuerpos, su talento, sus objetivos vitales, su visión del teatro, sus fobias… todo ha cambiado”.

La nueva propuesta de El Terrat, que ha tenido un cocinado lento debido a las restricciones provocadas por la Covid-19, llega finalmente al teatro Coliseum para divertir y hacer pensar en otras cosas al público asistente. La obra dirigida por los jóvenes Enric Cambray y Israel Solà reagrupa a algunos los pesos pesados de la productora, enre ellos a Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez y Jordi Rios a los que se suman energías más jovenes como la de Alba Florejachs y Mònica Macfer.

La trama es de aquellas basadas en la nostalgia de otros tiempos, a la que se suman las dificultades para producir una obra escénica, al estilo de Pel davant i pel darrera o Boulevard. Si a ello le añadimos una reflexión sobre el oficio del teatro y sobre la amistad, tenemos los ingredientes que componen esta comedia, trágica en algunos momentos.

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Entre medio asistimos a una mezcla de realidad y ficción, la primera basada en la trayectoria profesional de los actores y las actrices a lo largo de los treinta años de existencia de la productora, ligada a la sabia dirección del humorista y presentador Andreu Buenafuente. De ahí que las continuas referencias a personajes como la niña de Shrek, El Gilipoyes, Chikilicuatre o la imitación del rugido de un dinosaurio de Fermí Fernández vayan apareciendo y enriqueciendo a su paso la representación. La segunda, la ficción, que nos muestra todos los hándicaps que tendrá que superar la compañía para poner en valor y representar Romeo y Julieta, con unos actores y actrices para los que han pasado 20 años y muestran un interés relativo en el proyecto.

L’Èxit de la temporada es un concentrado de humor y de recuerdos, aquellos que han acompañado al espectador, a unos más y a otros menos, a lo largo de las últimas décadas televisivas, teatrales e incluso radiofónicas. Y funciona, por esta razón, con un público que reconoce a los cómicos y las cómicas y ha reído con ellos y ellas a lo largo de muchas noches, ya sea con programas como Sense títol, La cosa nostra o Late Motif.

Si bien, en algunos momentos a la obra le falta, también, algo de punch, aunque tenga escenas, como la de representación final de la obra, que provoca las carcajadas entre el público. El espectáculo, además, muestra un final algo artificial, que no acaba de cuadrar con el resto de la representación, y que además rompe algo adulteradamente la magia escénica.

Aún así, L’ Èxit de la temporada cumple su cometido, esto es, celebra con nota el reencuentro de actores, actrices y personajes made in El Terrat, y provee de una hora y cuarenta minutos de un divertimento mucho más que merecido a un público fiel a la productora y necesitado, en estas fechas, de humor, en un contexto como el actual anclado en la incertidumbre y el desasosiego provocado por la pandemia de Covid-19.

“L’Èxit de la temporada” se representa en el Teatro Coliseum del 7 de enero al 28 de febrero de 2021.

Dirección: Enric Cambray e Israel Solà
Dramaturgia: Enric Cambray e Israel Solà
Reparto: Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez, Jordi Rios, Mònica Macfer y Alba Florejachs
Escenografía: Mercè Luchetti y Marc Salicrú
Iluminación: Ignasi Camprodon
Sonido: Jordi Bonet y Eudald Gili
Vestuario: Albert Pascual
Producción: El Terrat

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 16€
Duración: 1 hora y 40 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La gran ofensa, en la Sala Barts

Como ya sabéis el teatro en Barcelona ha pasado y está pasando una época complicada, derivada de los efectos provocados por la pandemia de Covid-19. Aún así, y con ganas de mantener su espíritu provocador y combativo, el pasado 28 de diciembre se estrenó en la Sala Barts, La Gran ofensa, una obra de teatro que reflexiona sobre los límites del humor. Una consideración, creo, interesante y oportuna en el mundo en el que vivimos, en el que cómicos como Dani Mateo y Guillermo Toledo, por citar solo los casos más conocidos, han tenido que vérselas en los juzgados.

Sergio (Cristian Valencia) y Bernat (Dani Amor) son dos cómicos que están empezando a despuntar en el dificilísimo mundo de la comedia. Pero cuando todo parecía que iba sobre ruedas son demandados por uno de sus chistes por Mateu (Artur Busquets). Con la ayuda de María Pilar (Betsy Túrnez), una abogada de dudosa reputación, Sergio y Bernat intentarán no acabar en prisión y que la opinión pública no acabe con ellos”.

Pues bien, la obra ya alerta desde un buen principio que los temas que se van a tratar sobre el escenario y la forma en la que se van a tratar pueden “herir sensibilidades”. ¿Estamos capacitados para aceptar que se haga humor, o que se hagan chistes, sobre temas como la violencia de género, la pederastia, el procés independentista y sus consecuencias o, y aquí está el meollo de la cuestión, sobre el atentado terrorista de las Ramblas de Barcelona del año 2017?

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Como veis son temas candentes y “política y socialmente controvertidos” sobre los cuales cuesta esbozar una tímida sonrisa en la butaca, y que permiten recapacitar sobre si el humor requiere de límites o no. ¿Puede lo cómico hacer referencia a cualquier aspecto de la vida personal y/o social por muy comprometida que sea su naturaleza?

El Terrat y La Bendita Compañía han producido este espectáculo que se mueve entre la comedia y, a ratos, la tragedia. Y de dar vida a esta propuesta se encargan en el aspecto actoral Dani Amor y Cristian Valencia que encarnan respectivamente al guionista y al cómico que, para conseguir notoriedad mediática, se disponen a representar un monólogo cómico en la televisión cuyo humor caustico y desacomplejado provocará las iras de Artur Busquets, uno de los afectados en el atentado de las Ramblas de Barcelona. El reparto se completa con la presencia de la abogada María Pilar (Betsy Túrnez / Agnès Busquets), que intentará defender el caso, y cuyo carácter provee a la obra de sus momentos más desenfrenados. Y es aquí donde humor, respeto, consideración y responsabilidad entran en liza. Se puede hacer humor sobre un acontecimiento traumático que ha provocado víctimas. ¿Qué pensáis al respecto?

La gran ofensa es una comedia que funciona y que nos lleva a reflexionar sobre un tema cada vez más candente, debido al auge cada día mayor de los contenidos digitales y de las redes sociales y de la exigencia de notoriedad en esos medios. Aún así, aunque la propuesta funciona y, aunque no lo creáis, os hará reír, a la obra le falta algo de punch cómico, esa energía que hace que la comedia fluya de forma constante. Un descuido, este, atribuible tanto a la creación y la dirección, en este caso en manos de Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia que aunque valiente por la temática que se dispone a tratar, no acaba de despegar, y en parte a la interpretación que no acaba de sentirse del todo a sus anchas sobre el escenario.

Aún así, La gran ofensa nos permite, desde una vertiente cómica, considerar un tema, la linde del humor, en un mundo globalmente desarticulado y en el que el público, de forma interactiva, podrá valorar al final de la función si el humor de la gran ofensa se ha pasado de la raya o no.

“La gran ofensa” se representa en la Sala Barts del 28 de diciembre de 2020 al 17 de nero de 2021.

Dramaturgia: Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia
Dirección: Oriol Pérez y Serapi Soler
Intérpretes: Dani Amor, Artur Busquets / Jon Arias, Betsy Túrnez / Agnès Busquets y Cristian Valencia
Escenografía: Noemí Costa
Diseño de iluminación: Adrià Rico
Producción: La Bendita Compañía y El Terrat

Horarios: de martes a jueves a las 20:30 horas, viernes a las 18:00 y a las 20:30 horas, sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas
Predio: A partir de 22€
Duración: 80 minutos
Idioma: espectáculo en catalán y castellano
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica: Poncio Pilato, Un enigma entre historia y memoria, de Aldo Schiavone, Ed. Trotta

Poncio Pilato_Un enigma entre historia y memoria

La historia comparte con la memoria humana toda una serie de mecanismos de creación y de transmisión de información que hacen que ambas estén muy ligadas. Uno de los acontecimientos históricos en el que este hecho llega a ser más evidente es la historia sagrada cristiana, en la que ambas, memoria e historia, han jugado un papel destacado en el registro, transmisión y llegada de la información a nuestro tiempo.

El libro que tratamos hoy en Culturalia, Poncio Pilato, Un enigma entre historia y memoria, es una novedad interesante al respecto, ya que analiza unos hecho muy concretos, el juicio de Jesús por parte de Poncio Pilato, prefecto de Judea, centrándose en la figura de Pilato para poder entender qué es lo que verdaderamente pasó en esos momentos tan significativos de la historia religiosa cristiana.

El autor, Aldo Schiavone es uno de los historiadores italianos más traducidos a otras lenguas, está especializado en la historia del pensamiento jurídico romano y además enseña en diversas universidades europeas y norteamericanas, por lo que es la persona idónea para analizar unos hechos capitales en la historia del cristianismo.

Schiavone inicia su análisis presentándonos la época y el contexto histórico y geográfico para entender mejor la figura de Jesús y los hechos que marcaron su vida y su muerte. Cabe resaltar que es muy poco lo que conocemos de la vida de Poncio Pilato antes y después de su nombramiento como prefecto de Judea. Aún así Schiavone se esfuerza en presentar todos los datos conocidos del magistrado al que se enfrentó Jesús en el tribunal romano.

Tras la presentación de los personajes y del contexto histórico, el autor procede a analizar paso a paso, versículo a versículo, las diversas fases del interrogatorio al que fue sometido Jesús por parte de Pilato, analizando las preguntas del segundo, las respuestas del primero y el ambiente en el que se produce el interrogatorio, basándose en su amplio conocimiento del mundo romano y de sus estructuras jurídicas para analizar qué hay de cierto y que no en el relato que los evangelios hacen de ese capítulo de la historia sagrada.

De esa forma Schiavone intenta clarificar con argumentos algunas de las afirmaciones que se han hecho de ese momento desde época antigua hasta la actualidad, intentando recomponer el interrogatorio y las actitudes tanto del juez como del juzgado de forma histórica. Y es de esta confrontación entre tradición (o memoria) e historia (o perspectiva histórica) lo que permite al autor realizar una lectura histórica de la tradición cristiana y de uno de los capítulos trascendentales de la religión cristiana.

Schiavone se esfuerza sin duda en el empeño y su gran conocimiento del contexto histórico y jurídico de la época permite al lector conocer mejor qué es lo que posiblemente sucedió en el tribunal de Pilato. Sin embargo, en algunos momentos el autor deja volar su imaginación llegando, incluso, a introducirse en la mente del propio prefecto (… y de su interrogado), hecho este que afecta a la historicidad del análisis de Schiavone, que lo lleva más por el sendero de la psicología e incluso del misticismo que no por el del análisis histórico.

Aun así, el libro está dirigido a todos aquellos interesados en ampliar su conocimiento sobre este episodio de la historia desde una perspectiva más realista e histórica, aunque como digo con algunos excesos a tener en cuenta, en línea con otros estudios de historiadores e historiadoras cuyo objetivo no es otro que entender mejor la historia sagrada cristiana.

Schiavone consigue todo ello con un libro nada farragoso, todo lo contrario, y que con una extensión de 202 páginas consigue de una forma accesible para el lector interesado  comprender algo mejor el tramo final de la vida de Jesús y el nacimiento de una religión que daría forma, a lo largo de la época medieval, al mundo actual.

Título: Poncio Pilato, Un enigma entre historia y memoria
Autor: Aldo Schiavone
Colección: Estructuras y Procesos. Religión
ISBN: 978-84-9879-822-7
Páginas: 202
Fecha de publicación: marzo 2020 (1ª edición)
Dimensiones: 145 x 230 mm, peso 285 g
Materias: Historia y fenomenología de las religiones
Precio:
• Papel: 18€
• eBook: 10,99€
NOTA CULTURALIA: 8

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Jorge Pisa

Crónica concierto: Morricone y otros grandes del cine, en el Palau de la música catalana

Como cada año estamos ya en plena Navidad, tras la celebración de Noche Vieja y a la espera de la llegada de los Reyes Magos, este año de una forma menos habitual de lo acostumbrado, pero aún así una época estrechamente vinculada a la música, ya sea a los villancicos tradicionales o a los Christmas Carols cada vez más presentes en nuestro país. Y como cada año no puede faltar la programación de Fundación Excelentia para estas fechas que incluye toda una serie de conciertos vinculados no solo a las Navidades sino también a la música clásica y, como no, a la música de cine.

De esta forma el pasado lunes 21 de diciembre se celebró en el Palau de la Música Catalana el concierto Morricone y otros grandes del cine, interpretado por la Délica Chamber Orchestra, en un primer homenaje a la música creada para el cine por Morricone y otros grandes de las bandas sonoras.

La gran diferencia con otros conciertos de soundtracks a los que he asistido es que la Délica Chamber Orchestra nos propone un repertorio de bandas sonoras interpretado por un conjunto integrado únicamente por mujeres procedentes de las orquestas más prestigiosas de Europa, con una presentación más reducida, que incluye una selección de cuerdas, piano y batería, por lo que el formato se asemeja más a la interpretación de un grupo de música de cámara que a una gran orquesta, dándole a la interpretación un toque, también más intimista.

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La selección de la velada musical tuvo un intenso acento italiano, no por otra Morricone tuvo una amplia presencia con la interpretación de las bandas sonoras de films como Malena, el tema Rabbia e tarantela de la película Allonsanfan, Cinema Paradiso, Chi mai, La Misión, y una referencia a los spaghetti western de Sergio Leone que incluyó el tema principal de El bueno, el feo y el malo y The Ecstasy of Gold del mismo film. A Morricone le acompañaron Nino Rota con El padrino y Amarcord y Nicola Piovani, del que se interpretó La vida es bella, una de sus bandas sonoras más conocidas.

La selección incluyó, también, temas de otros compositores europeos y norteamericanos, como Downton Abbey de J. Lunn; Memorias de África de John Barry; Brave Heart y Leyendas de pasión de James Horner; Juego de tronos de R. Djawadim; La lista de Schindler de John Williams o Piratas del Caribe de Hans Zimmer. El concierto finalizó con la interpretación de Tu vuò fà l’americano, de Renato Carosone y Nicola Salerno, tema con el que Délica se despidió del público de una forma más festiva, propia de la época.

El concierto fue de aquellos que se recuerdan, ya sea por los temas interpretados, algunos de ellos muy emotivos, por la orquesta que los interpretó, un conjunto más reducido y por ello también más cercano, o por la sala en la que se interpretó, el Palau de la Música Catalana, que como siempre fue el anfitrión perfecto para la ocasión.

Asimismo, el concierto representó un primer homenaje con nota a Ennio Morricone, con unos arreglos e instrumentaciones para una orquesta más reducida que potenció la musicalidad de la velada. Si bien la interpretación de los temas más sinfónicos hicieron notar la falta del viento y de la percusión, también hizo que la grandiosidad sonora se redujera en favor de una interpretación más centrada en los instrumentos de cuerda.

El concierto fue todo un éxito, con un público cada vez más entregado, y como decía antes representó la antesala de otros dos conciertos de la Fundación Excelentia: Homenaje a Morricone y otros grandes del cine que se celebrará el próximo 8 de enero de 2021 y Los diez grandes del cine, programado el 13 de enero también de 2021, ambos interpretados por la Royal Film Concert Orchestra dirigida por Fernando Furones y que tendrán lugar también en el Palau de la Música Catalana.

Así, pues, acaben de disfrutar de las Navidades con los suyos y prepárense para un enero cargado de música de cine y como no, de los grandes temas compuestos por Ennio Morricone.

Concierto: Morricone y otros grandes del cine
Dónde: Palau de la Música Catalana
Cuándo: 21 de diciembre de 2020 20:00 horas

NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Les tres germanes, en el Teatre lliure

Chéjov regresa al Teatre Lliure, y lo hace de nuevo con una versión de Les tres germanes realizada por Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique y dirigida por este último, un análisis del alma humana en una época de cambio y de crisis.

“La historia de tres hermanas (Masha, Olga e Irina) y un hermano (Andrei) es la vida insatisfecha y decadente de las clases privilegiadas en la Rusia rural. Moscú es el principal elemento simbólico de la pieza, siempre idealizado y deseado por los personajes, atrapados en su burbuja, ansiando un nuevo mundo que ya despunta”.

Les tres germanes es una reflexión sobre el alma humana que si originalmente se ambientaba en la Rusia rural de finales del XIX y principios del XX, Manrique se ha dispuesto a sintetizar, actualizar y reconfigurar, como es su habitual, con el objetivo de acercarla más al público del siglo XXI y con ello abarcarnos a todos y todas en la reflexión.

La propuesta nos provee de una ponderación del alma humana elaborada desde el desasosiego que nos presenta a los hermanos, o mejor dicho, a las hermanas Prozorov, que tras la muerte del patriarca se verán obligadas a hacer frente a unas vidas vacías, sin dirección y repletas de sueños rotos. Nadie se salvará del abismo que provocan las vidas no deseadas ya sea por motivos sentimentales, profesionales o existenciales.

La vida en la casa familiar de los Prozorov se irá haciendo con el paso del tiempo más triste y asfixiante: Masha (Maria Rodríguez) con una relación de pareja vacía e inconsistente; Olga (Cristina Genebat) con un trabajo como profesora que no le llena e Irina (Elena Tarrats) con unos anhelos de juventud y de futuro que no llegará a cumplir nunca y que sumirán su vida en la desesperanza. Por su parte, Andrei (Marc Rius), el hermano, no será capaz tampoco de realizarse ni profesional ni familiarmente, una situación que lo atrapará y abocará, también, al desánimo.

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Como veis un panorama triste y demoledor que se completa con la situación de todos los personajes relacionados con la familia, y que se verán también atrapados en vidas mediocres o en situaciones no deseadas. De ahí que la idea de trasladarse a Moscú, la capital, y cambiar de vida será el único anhelo que dará coherencia a sus respectivas existencias. A lo que acompañará una constante reflexión filosófica de varios de los personajes sobre el futuro del hombre y de la humanidad, como una alegoría de su incapacidad para cambiar y mejorar.

Así, pues, Les tres germanes, en las manos de Manrique, se convierte en un análisis de la desesperanza, de la vacuidad de la vida, que no tan solo atañe a los que están sobre el escenario, sino que nos puede afectar a todos y a todas, tan solo al dejar de lado aquello que mueve nuestras entrañas y que hace que nos esforcemos por lo que queremos. Cuando no atendemos a esa energía vital, abrimos las puertas de nuestro ser al vacío y al desasosiego, y en consecuencia al fracaso. Como ven algo muy profundo, nada a extrañar si recordamos que la obra es, en origen, de Chéjov.

La adaptación de Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique ha transfigurado así un texto clásico y, si me lo permiten, delicioso, en una propuesta actual con una puesta en escena contemporánea y con un grupo de actrices y actores que dan mucho de sí en la representación.

A Genebat, Rodríguez, Tarrats y Rius, que conforman el cuerpo principal de las actuaciones, se suma el esfuerzo actoral de Mireia Aixalà, Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Lluís Soler y Jordi Rico, que completan el elenco de la obra.

La escenografía es a la vez sencilla y al mismo tiempo sorprendente, ya que el escenario se convierte en una pecera, en la que veremos como se desarrolla la vida de los personajes, sin capacidad alguna de estos de escapar de ella… Una acertada alegoría a la situación vital que pretende mostrar la obra.

Un empeño, el de versionar a Chéjov, del que ya salió con éxito Manrique en el 2010 al adaptar L’hort del cirerers en el teatro Romea, y que deja un buen sabor de boca en el espectador, aunque el ritmo de la obra no sea siempre todo lo dinámico que debería. Aún así, Les tres germanes es una propuesta a tener en cuenta, un Chéjov, ya sabéis, siempre lo es, y más cuando la obra nos habla de la esencia de la vida, de aquello que nos llena como personas y que nos hace ser lo que somos, cumplamos nuestros anhelos o no.

“Les tres germanes”, se representa en el Teatre lliure de Montjuïc del 10 de diciembre de 2020 al 17 de enero de 2021.

Autor: Anton Chéjov
Adaptació: Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique
Dirección: Julio Manrique
Interpretes: Mireia Aixalà,Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Cristina Genebat, Jordi Rico, Marc Rius, Maria Rodríguez, Lluís Soler y Elena Tarrats
Espacio escénico: Lluc Castells
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure

Horarios: de miércoles a sábados a las 19:00 horas; domingos a las 18:00 horas
• Martes 22/12 y 29/12 a las 19:00 horas
Precio: de 9€ a 29€
Idioma: Català
Duración: 2 horas y 15 minutos
NOTA CULTURALIA: 8

Crítica teatro: L’home de la flor als llavis i…, en el Teatre Akadèmia

Tras el parón teatral debido a la segunda ola de la Covid-19, el pasado sábado asistí a la representación de L’home de la flor als llavis i… una creación colectiva de Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll que reflexiona sobre el teatro y el recuerdo a partir de la figura de Luigi Pirandello.

“Un cine durante la Italia de los años 50 sirve como punto de partida de una aventura y de un encuentro en el que de entre medio del público, el acomodador de la sala, antes actor, divisará una cara conocida, la de la misma Marta Abba. Un reencuentro que los llevará a reflexionar sobre su trayectoria y el oficio de ser intérprete. Recuerdo, ficción y actualidad entrelazan en un espectáculo que profundiza en los valores de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del s. XX”.

El teatre Akadèmia ha vuelto a tejer una obra consistente en la que el teatro, el oficio y la vida de los y de las que se dedican a ello se nos hace palpable desde la sencillez y el buen gusto. Para ello se ha escogido la vida de Pirandello, uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX, del que se ofrece al público una realidad ampliada que abarca su teatro, su vida privada y la relación que mantuvo con algunos de los actores y actrices de su compañía.

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La obra se estructura de una forma atentamente delicada y en varios formatos que incluyen el monólogo, con el que conoceremos a los personajes, Ruggero Ruggeri (Àlex Casanovas), Marta Abba (Montse Guallar) y el propio Pirandello (Xavier Ripoll), el diálogo, en la única escena en la que Casanovas y Guallar comparten escena y la representación teatral dentro de la representación teatral, que nos acerca al juego de desdoblamiento habitual en la obra de Pirandello con la interpretación de una escena de la obra L’home de la flor als llavis.

En esta ocasión todo está llevado a la práctica con una delicadeza extrema, ya sea por respeto a la obra de Pirandello o por la consideración hacia una profesión, la teatral, que ha sido y es uno de los grandes pilares del arte en nuestra sociedad. En la puesta en escena, además, destaca la materialización de la relación epistolar mantenida a lo largo del tiempo entre la actriz Abba y el propio Pirandello, una delicia por como está tratada y por los temas vitales y profesionales que son tratados en ella.

En lo que toca a la dirección y la actuación, L’home de la flor als llavis i… alcanza cotas notables. Gas ha creado un contexto escénico que ha permitido a los tres actores, Casanovas, Guallar y Ripoll, navegar escénicamente de una forma contenida pero a la vez realista e intensa. Magnífica, por otra parte, la caracterización de Ripoll de la personalidad y la imagen de Pirandello.

L’home de la flor als llavis i… es una gozada. La obra solo pretende hacernos disfrutar del teatro por el teatro, de las trayectorias vitales de los actores, de las actrices y de los directores de teatro y que, además, nos regala al reflexionar sobre los valores y las ideas de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del siglo XX. Una pequeña y estimulante gozada teatral.

“L’home de la flor als llavis i…” se representa en el Teatre Akadèmia, en el del 10 de diciembre de 2020 al 10 de enero de 2021.

Dirección: Mario Gas
Autor: Luigi Pirandello
Dramaturgia: Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Traducción: Pau Vidal
Reparto: Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Escenografía: Sebastià Brosa, Paula Bosch, Francesc Colomina y Art Coolers
Figurines: Antonio Belart
Iluminación: Lluís Serra
Sonido: Orestes Gas
Caracterización: Helena Fenoy, Marta Ferrer y Mercè Sánchez
Vestuario: Cornejo, Goretti i Época
Producción: Teatre Akadèmia

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 18:00 horas.
Horarios especiales: consultar web Teatre Akadèmia
Precio: 22€
Duración: 95 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa