Archivo de la etiqueta: destacado

Actualidad: Todos los futuros perdidos, de Eduardo madina y Borja Sémper

Todos los futuros perdidos_portada

Hoy os presentamos en Culturalia Todos los futuros perdidos de Eduardo Madina y Borja Sémper, una novedad mediática de la que seguro habéis visto u oído hablar en los medios de comunicación en relación a la conmemoración, la semana pasada, de los diez años del cese definitivo de la actividad de ETA.

Este libro comienza con el recuerdo de un día feliz, el 20 de octubre de 2011, en el que la banda terrorista ETA anunció su cese definitivo. Diez años después de aquella fecha histórica, un centenario caserío en Aretxabaleta, cercano a Mondragón, albergaba esta emocionante conversación sobre uno de los episodios más oscuros de nuestro pasado reciente.

Eduardo Madina y Borja Sémper eligieron un simbólico cruce de caminos en el corazón de Euskadi porque la suya es una historia de vidas paralelas con muchos puntos de conexión. Nacidos en Bilbao e Irun con apenas unas horas de diferencia, su compromiso les convirtió desde muy jóvenes en objetivos de la violencia. Ambos vivieron los años más duros del terrorismo en primera línea y desde distintas formaciones políticas. Nunca se plantearon renunciar, a pesar del coste que supuso en sus vidas.

Todos los futuros perdidos es un conmovedor testimonio contra el miedo, el silencio y el olvido. Un libro imprescindible que reivindica la memoria colectiva de un pasado que no debió existir al tiempo que celebra la mayor de las victorias, la de todos los futuros que se ganaron.

Título: Todos los futuros perdidos
Autores: Eduardo Madina y Borja Sémper
Editorial: Plaza & Janés
Colección: Obras diversas
Páginas: 288
Encuadernación: Tapa blanda con solapas / eBook
Fecha de publicación: 7 de octubre de 2021
Precio:
• Tapa blanda: 18,91€
• eBook: 9,49€


Crítica teatre: Cantando bajo la lluvia, el nou musical de Nostromo Live

S’ha de ser valent i agosarat per portar a l’escena teatral la adaptació de Cantando bajo la lluvia, un dels grans musicals de l’època daurada de Hollywood. Però aquí estem, asseguts al Tívoli, amb les espectatives molt i molt altes per veure la visió del clàssic que Àngel Llàcer i Manu Guix ens proposen.

La aposta és reformular amb una visió més irònica, amb tocs d’humor i gags que fan homenatge a escenes de diferents clàssics com «A night at the opera». És en general un homenatge i seguix una línia continuista amb el musical protagonitzat per Fred Astaire i Ginger Rogers i que narra una història d’amor dels anys 20 del segle passat, quan s’obria pas el cinema sonor.

La seva ambiciosa proposta, a jutjar per la reacció del públic ha estat gairebé perfecta. Tot i que l’espectacle te una bona qualitat, en alguns moments m’ha semblat lent.

A continuació anem a  desgranar una mica cadascun dels aspectes que més m’han agradat.

Destacaria l’orquesta, els 17 músics que van aconseguir des de la primera nota de l’obertura fer callar el públic i captivar-lo. Crec que és un personatge principal més. La sincronització perfecta amb els actors demostra que ells són part de l’escena.

Llàcer segueix amb força fidelitat la pel·lícula, però s’alia amb la tecnologia, les projeccions, per crear escenes genials que et porten al cinema mud dels anys 20.

Personalment, m’hagués agradat que el text fos en català i que si no hi havia més remei que traduir alguna icònica cançó de l’anglès, per allò de fer més entenedora la trama, també fos amb la nostra llengua, però suposo que tot és qüestió de voluntat. I si l’obra ha de fer gira per fora de Catalunya, s’havia de fer un altre esforç econòmic per la feina de tornar a traduir-ho al castellà.

Un dels plats forts d’aquest musical optimista i vital, és precisament aquesta energia positiva que transmet al públic, que pica de mans per acompanyar el ritme de les cançons o son convidats a interactuar amb Mireia Portas en les escenes de dicció.

Pel que fa a l’actuació dels personatges, penso que s’han deixat endur una mica per la forma de gesticular de les pel·lícules dels anys 20. És a dir, els trobo exagerats, amb el to i els gestos. A mi  em posa nerviosa tanta solemnitat ja que em recorda al teatre amateur, on tot i la bona voluntat dels actors, no acaben de ser creïbles. Però com tot, és qüestió de gustos, perquè quan alguna cosa em grinyolava, girava el cap i observava la reacció del públic, i els veia totalment enganxats a l’escena.

Pel que fa a les interpretacions, per mi el que és deixa la veu, els peus i la suor a l’escenari es Ricky Mata. Que juga perfectament en totes les escenes amb l’espectador, i diu en veu alta el que tots estem pensant, fent de el nostre «Pepito grillo» col·lectiu.

I  en la part femenina, em decanto per Sylvia Parejo, amb la seva intervenció de «Beutiful girl» al primer acte, amb una gran qualitat vocal i escènica. Magnifica. 

L’Escenografia d’Enric Planas i  tot l’equip tècnic d’Agustí Custey potser són els grans guanyadors de la nit. Parlàvem abans que els músics eren un personatge més que t’acompanyava durant tota l’obra, però no podem obviar la gran qualitat escenogràfica que ajuda a l’espectador i als personatges a portar un ritme constant que et fa estar entretingut, gaudint de cadascun dels canvis coreografiats a la perfecció.  Estem parlant de 23 actors i ballarins , 29 músics en directe, 190 canvis de vestuari, 75 canvis d’escena i a més un tanc amb 1000 litres d’aigua, i gestionar això amb dos passes en cap de setmana té la seva dificultat.

“Cantando bajo la lluvia” se represent en el teatre Tívoli del del 15 de setembre al 28 de novembre de 2021.

Direcció: Àngel Llàcer
Interprets: Ivan Labanda, Diana Roig, Ricky Mata, Mireia Portas, José Luis Mosquera, Oriol Burés, Clara Altarriba, Bernat Cot, Bittor Fernández, Miguel Ángel Belotto, Júlia Bonjoch, Sylvia Parejo
Autors: Betty Comden y Adolph Green
Traducció i adaptació: Marc Artigau
Direcció musical: Manu Guix y Andreu Gallén
Lletres: Arthur Freed
Música original: Nacio Herb Brown
Bailarins: Diana Girbau, Empar Esteve, Sara Martín, Carmen Soler, Clara Casals, Adrián García, Marc Sol, Albert Escobar, Pablo López, Julia Saura Chema Zamora
Escenografía: Enric Planas
Iluminació: Albert Faura
So: Roc Mateu
Vestuari: Míriam Compte
Coreografía: Myriam Benedited

Horaris i preus: Página Grup Balañà
Duració: 2 hores i 30 min
Idioma: castellà
NOTA CULTURALIA: 8,5
——
Teresa Gilisbars

El teatro musical regresa a los escenarios de Barcelona

Este mes de octubre en Barcelona el teatro comienza a coger impulso con el inicio de una temporada que intenta dejar atrás las trágicas consecuencias y las restricciones provocadas por la pandemia. Y uno de los géneros que destacan en este inicio de temporada es el musical, con estrenos señalados que comienzan, de nuevo, a copar las grandes marquesinas de los teatros.

Os destacamos aquí tres estrenos musicales que creemos que son indispensables para cualquier amante del género:

fama_el-musical

Fama, en el Teatro Apolo

Fama, el musical versión de éxito internacional, el fenómeno de la cultura pop sobre la legendaria escuela de secundaria de artes escénicas de Nueva York.

Concebido y desarrollado por David De Silva, conocido como «Father Fame», este musical de alto octanaje presenta la canción principal ganadora del Oscar y una serie de otros números pop pegadizos.

El espectáculo sigue a la última clase de la célebre High School for the Performing Arts de la ciudad de Nueva York desde su admisión en 1980 hasta su graduación en 1984. Todas las luchas, miedos y triunfos, desde el prejuicio hasta el abuso de sustancias, se representan con un enfoque nítido, mientras los jóvenes artistas navegan por los mundos de la música, el teatro y la danza.

Fama es una sensación internacional que continúa llegando a las nuevas generaciones de artistas y público.

Fama” se representa en el Teatro Apolo del 8 de octubre al 28 de noviembre de 2021

Billy Elliot_el musical

Billy Elliot, en el Teatre Victòria

Billy Elliot. El Musical, llega a el Teatro Victòria de Barcelona tras once temporadas de gran éxito en Londres, cuatro a Broadway y tres en Madrid.

Este musical incluye la exquisita banda sonora compuesta por Elton John, con increíbles coreografías, una puesta en escena espectacular y una historia emocionante en una experiencia teatral única que ha conquistado los corazones de millones de espectadores en todo el mundo.

El musical narra la historia del joven Billy, nacido en una ciudad del norte de Inglaterra en la que los hombres practican el boxeo y trabajan en la mina. Ninguno de ellos baila ni alberga ambiciones de presentarse a la Royal Ballet School. Pero Billy es diferente. Criado por un padre viudo, sin el cariño de una madre, a Billy no le gusta el boxeo pero está cautivado por la gracia y la maravilla del ballet. Con férrea determinación luchará para alcanzar sus sueños, devolviendo la unión a su familia y la fe a una comunidad devastada por el convulso final de la industria minera británica.

“Billy Elliot” se representa en el Teatre Victòria del 9 de octubre al 28 de noviembre de 2021

El Guardaespaldas, en el teatro Coliseum

El Guardaespaldas, el musical, basado en la exitosa película de Whitney Houston y Kevin Costner, llega al teatro Coliseum el próximo mes de noviembre.

“El Guardaespaldas” es un thriller romántico que gira en torno a la estrella y diva del pop Rachel Marron, quien se ve obligada a contratar a un guardaespaldas al verse acosada por un fan. El libreto cuenta con muchas de las canciones de la película, que se convirtió en la banda sonora más vendida de todos los tiempos al vender 48 millones de copias a nivel mundial.

El espectáculo contiene grandes éxitos de Whitney Houston, como “Queen of the Night”, “I Wanna Dance with Somebody” o el inolvidable tema “I Will Always Love You”.

El Guardaespaldas” se representa en el teatro Coliseum del 27 de noviembre al 12 de diciembre de 2021

Bueno, ya veis que la temporada de teatro musical en Barcelona comienza con fuerza. Esperamos, pues, que esto solo sea el inicio de una temporada de teatro musical que nos haga resarcirnos de un periodo que todos y todas, de una forma u otra, pretendemos superar!!

Crítica teatro: Tartufo, en el Teatro Reina Victoria (Madrid)

El teatro es sinónimo, muchas veces, de clásico, aquel texto que se representa una y otra vez a través del tiempo y de las generaciones, ya sea por la belleza de sus formas o por lo destacado de los temas, actuales o universales, que examina. De ahí que siempre se representen los clásicos.

Tartufo se estrenó el pasado 1 de septiembre en el Teatro Reina Victoria de Madrid con la doble intención de interactuar escénicamente con el texto de Molière y de repensar, desde un punto de vista actual, la obra del dramaturgo francés.

“El buen burgués Orgón ha caído bajo la influencia de Tartufo, un falso devoto, que busca quedarse con todos sus bienes. El impostor exagera la devoción y llega a convertirse en el director espiritual de Orgón. Además, pretende casarse con la hija de su benefactor, al tiempo que trata de seducir a la segunda esposa de este, Elmira. Una vez desenmascarado, tratará de aprovecharse de unas donaciones firmadas que Orgón le ha transmitido para intentar echar al dueño de su propia casa. Recurre, incluso, ante el rey, pero éste, hace que Tartufo sea detenido al descubrir que el beatucón no es más que un estafador”.

Ernesto Caballero nos ofrece una adaptación diferente y actual del Tartufo de Molière, en el que la búsqueda del sentido del texto es el objetivo central de la representación. Los actores y las actrices que se preparan para iniciar la interpretación de la obra son abordados por la “chica de la limpieza” del teatro instantes antes de que dé comienzo la representación. Sus comentarios provocarán en ellos una crisis interpretativa que los llevará a reflexionar sobre por qué están representando la obra en cuestión. Y es aquí donde radica la originalidad de esta versión de Tartufo, su vector actual y descontextualizado de lo que sería una representación tradicional del Tartufo de Móliere en la que el juego del teatro – metateatro estará siempre presente.

Caballero acierta, así, con una obra de reflexión teatral para todos los públicos que nos permitirá ver la obra de Molière y al mismo tiempo reconocer el esfuerzo actoral y de dirección a la hora de plasmar una nueva versión de un clásico. Si bien, a la obra le falta algo, como la claridad en la representación, que se descuida a veces y la falta de una resolución enérgica de la propuesta, que impide ver al público el por qué de la representación de la obra tal y como se hace, perdiéndose en actualizaciones no del todo apropiadas.

En el Tartufo, sin embargo, pone mucho empeño el elenco, en el que destaca el cabeza de cartel, Pepe Viyuela, que encarna al pérfido e interesado Tartufo, al que acompañan, entre otros, Paco Déniz, que da vida al crédulo Orgón y Silvia Espigado, que interpreta a Elmira, la resolutiva mujer de este.

Pero el teatro es el teatro, ya lo sabéis, es ficción y artificio, y reelaboración, y reflexión constante, elementos estos que guían está versión de Tartufo, una consideración sobre qué es el teatro válida en una época en la que el ocio cultural ha mutado y en la que lo que valía antaño ya no tiene el mismo poder de convocatoria en un mundo, el nuestro, dominado por lo digital y por la deconstrucción de los valores y las estéticas tradicionales.

“Tartufo” se representa en el Teatro Reina Victoria de Madrid del 1 de septiembre al 3 de octubre de 2021.

Autor: Molière
Adaptación y dirección: Ernesto Caballero
Reparto: Pepe Viyuela, Paco Deniz, Silvia Espigado, Jorge Machín, Javier Mira, Estibaliz Racionero, María Rivera, Germán Torres
Escenografía: Beatriz San Juan
Iluminación: Paco Ariza
Sonido: Luis Miguel Cobo
Vestuario: Fernando Muratori
Producción: Lantia Escénica

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: de 22€ a 26€
idioma: castellano
Duración: 100 minutos
NOTA CULTURALIA: 6,9
——

Jorge Pisa

Crítica teatro: Golfus de Roma, en el Teatro La Latina (Madrid)

El pasado 9 de septiembre se estrenaba Golfus de Roma, en el Teatro La Latina, tras triunfar en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, un musical “made in Broadway” ambientado en la Roma antigua y con un Carlos Latre como actor principal que cambia completamente de registro.

Pseudolus es un esclavo irreverente que intenta conseguir la libertad ayudando a Eros, el hijo de su amo, a ganarse el amor de Philia. Pero hay un problema… o dos: Philia pertenece a M. Lycus quien, a su vez, la ha vendido al general Miles Gloriosus. Y ninguno está dispuesto a renunciar a ella”.

Pues sí, ya era hora de que se estrenara un gran musical con el formato que se merece, y también de que Stephen Sondheim volviera a sonar sobre un escenario en estas latitudes. Y la ocasión se lo merece. Focus y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida han conseguido revivir no solo la Roma imperial sino también un género teatral muy tocado por la pandemia.

Golfus de Roma_1

En esta ocasión el espectáculo ha sufrido una transfiguración al convertirse el espacio escénico en un circo, lo que potencia el elemento cómico de la representación, por lo que veremos la clásica trama creada por Burt Shevelone y Larry Gelbart y musicada por Stephen Sondheim en el año 1962, basada en las comedias del autor latino Plauto, en un contexto circense en el que los payasos y los clowns compartirán espacio con los actores y actrices cómicos.

Y entre ellos destaca, como no, la presencia de Carlos Latre, del que conocíamos muy de sobra su faceta de imitador, en parte incorporada en el musical, pero que en este proyecto se atreve a actuar, a cantar y a bailar. Y su esfuerzo se ve recompensado con buena nota, a la que no son ajenos el resto del reparto, en el que destacan Diego Molero, Eloi Gómez, Meritxell Duró, Ana San Martín, Iñigo Etayo y, sobre todo, la fluidez cómica e interpretativa de Frank Capdet. Así mismo, la dirección de Daniel Anglès y Roger Julià, la dirección musical de Xavier Mestres y las coreografías de Oscar Reyes son sin duda otra de las claves para que el musical se haya podido llevar a cabo y con el resultado tan lustroso que presenta.

Dos elementos ayudan, finalmente, a alcanzar el objetivo requerido, el primero la música en directo y con un efecto muy envolvente, con los músicos apareciendo y desapareciendo en la platea e interpretando, a su vez, a diversos personajes secundarios y un escenario, que aunque algo reducido en La Latina, provee al espectáculo de una gran lucidez.

Así, pues, Golfus de Roma es una merecida ocasión para revisitar el pasado romano en clave de comedia, disfrutar con las vicisitudes y peripecias vitales de Pseudolus, Hysterium, Eros, Lycus y Philia y deleitarse con un clásico del teatro musical de la mano de Stephen Sondheim, uno de los grandes compositores del género musical.

“Golfus de Roma” se representa en el Teatro La Latina del 9 de septiembre al 30 de octubre de 2021.

Dirección: Daniel Anglès y Roger Julià
Adaptación: Daniel Anglès y Marc Gómez
Libreto: Burt Shevelove y Larry Gelbart
Música y letras: Stephen Sondheim
Reparto: Carlos Latre, Diego Molero, Eva Diago, Eloi Gómez, Frank Capdet, Meritxell Duró, Ana San Martín. Iñigo Etayo, OriolO, Mireia Morera, Pol Roselló, Carles Vallès, Gara Roda, Berenguer Aina, Mercedes Olmeda, Eduard Marcet, Alex Iglesias, Curro Ávila, Pablo Zarco, Laura Masferrer, Pablo Rodríguez
Dirección musical: Xavier Mestres
Escenografía: Montse Amenós y Carlota Ricart
Iluminación: Xavier Costas
Sonido: Jordi Ballbé
Caracterización: Núria Llunell
Vestuario: Montse Amenós y Carlota Ricart
Coreografía: Oscar Reyes
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Focus

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes y sábado a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 31 a 54€
Duración: 135 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 9
——

Jorge Pisa

Estreno Cine: Dune, de Denis Villeneuve

Después de otro baile de fechas debido a las restricciones provocadas por la pandemia, finalmente parece que el estreno en las salas españolas de Dune, film dirigido por Denis Villeneuve (La llegada (2016), Blade Runner 2049 (2017), se prevee para el próximo 17 de septiembre. Una gran producción de ciencia-ficción basada en la saga de novelas escritas por Frank Herbert que cuenta en su reparto con Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Zendaya y Stellan Skarsgård, y para la que Hans Zimmer ha compuesto la banda sonora. Una nueva oportunidad para rendir homenaje a una de las series de novelas de ciencia ficción más aclamadas de la historia y que no ha tenido demasiado éxito en las adaptaciones anteriores.

Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a la casa la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida. El duque Leto (Oscar Isaac), la dama Jessica (Rebecca Ferguson) y su hijo Paul Atreides (Timothée Chalamet) llegan a Dune con la esperanza de recuperar el renombre de su casa, pero pronto se verán envueltos en una trama de traiciones y engaños que los llevarán a cuestionar su confianza entre sus más allegados y a valorar a los lugareños de Dune, los Fremen, una estirpe de habitantes del desierto con una estrecha relación con la especia.

Título original: Dune
Año: 2021
País: Estados Unidos
Dirección: Denis Villeneuve
Guión: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Basado en las novelas de Frank Herbert
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Greig Fraser
Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Zendaya, Stellan Skarsgård, Javier Bardem, Jason Momoa, Charlotte Rampling, Dave Bautista, Sharon Duncan-Brewster, Chang Chen, David Dastmalchian
Productora: Legendary Pictures, Villeneuve Films, Warner Bros.
Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción | Fantástico
Fecha de estreno en España: 17 de septiembre de 2021

Crítica novela histórica: Roma eterna, de Marcos López Herrador

Roma Eterna_portada

Parece que últimamente el Imperio romano tardío ejerce una atracción creciente sobre los escritores de novela histórica. Afortunadamente cada vez es más habitual encontrar en las librerías de nuestras ciudades novelas históricas ambientadas fuera del esplendoroso y muy trillado siglo I d.C. Muestra de ello son, por ejemplo, Yo, Julia de Santiago Posteguillo, ganadora del Premio Planeta en el año 2018; El saqueo de Roma, de Pedro Santamaría o la más reciente Frumentarius de Juan Manuel Sánchez Valderrama, todas ellas reseñadas en este blog.

Hoy, sin embargo, nos toca hablar de Roma eterna, de Marcos López Herrador, la primera parte de una trilogía que pretende tratar en formato de novela histórica, el final del Imperio romano desde la derrota de Adrianópolis hasta la deposición de Rómulo Augústulo, el último emperador romano de Occidente.

Nadie podía intuir que aquellos acontecimientos significarían el ocaso de Roma en un futuro tan inmediato. En el año 375 d.C., los hunos irrumpen al norte del Mar Negro, masacran a los alanos, destruyen a los ostrogodos y derrotan a los visigodos encabezados por Atanarico. El resto de los visigodos, liderados por Alavivo y Fritigerno, temiendo por sus vidas, piden autorización para atravesar el Danubio e instalarse dentro de las fronteras del Imperio como federados. Aquella decisión significó el principio del fin de Roma.

Pues bien, estamos ante una propuesta valiosa por meritos propios. Lo primero, y como ya sabéis los que me seguís en Culturalia, es el atrevimiento de escribir una novela histórica (perdón, una trilogía) ambientada en un periodo muy, pero que my alejado de las brumas áureas de la época Julio-Claudia, lo que significa que el autor se adentra en un contexto poco conocido aún por el lector general. Lo segundo, por evitar los clichés o prejuicios que la época y los personajes principales pueden generar. Y lo tercero, por elaborar una trama histórica creíble y con tensión que mantiene el interés en el lector.

Así, en esta primera entrega el autor se centra en los hechos que llevaron a la entrada de los visigodos en territorio imperial romano, durante el gobierno de los emperadores Valente y Graciano y los hechos que llevaron a la derrota de las fuerzas romanas en la batalla de Adrianópolis. Para ello, la trama irá saltando entre los principales centros de poder de la época, esto es, las cortes imperiales de Oriente (Constantinopla) y Occidente (Milán) y los asentamientos visigodos liderados por el caudillo Fritigerno.

Herrador mezcla toda una serie de personajes principales históricos como Fritigerno, rey de los visigodos, los emperadores Valente, Graciano y Teodosio o los diversos oficiales y cortesanos romanos, que nos muestran la realidad histórica del momento, con personajes ficticios tanto en el bando germano, como el guerrero visigodo Róderic, como en el bando romano, como el joven legionario Lucio Caro o el malvado ex auriga Sexto Servio, que permiten a la trama salir de la oficialidad histórica y acercarnos un poco más al día a día de la vida del imperio en aquellas fechas.

El autor consigue así fraguar una historia con tensión histórica que cubre un breve periodo de tiempo, esto es, desde la llegada de los visigodos a territorio imperial hasta los años posteriores a la derrota de Adrianópolis y el nombramiento del hispano Teodosio como emperador de Oriente. Y lo hace con diferentes estilos. Si en la primera parte de la novela predominan la descripción de ambientes y los diálogos entre los personajes, a medida que avanza la trama se imponen los párrafos explicativos que hacen referencia al periodo y las escenas y los diálogos cortos, hecho este que hace ralentizar algo el avance de la lectura.

Aún así, Eterna Roma es una propuesta muy interesante, que nos permite conocer la época, el Bajo Imperio romano, y que nos muestra que cualquier periodo histórico, cualquiera, es merecedor de ser visitado por los autores de novela histórica y sacar de ellos su esencia literaria. Felicidades a López Herrador y al sello editorial Sekotia del grupo Almuzara por su tenacidad y por su voluntad de seguir adelante con una trilogía que hará las delicias de los amantes de la novela histórica ambientada en el periodo (final) del Imperio romano.

Título: Roma Eterna. La caída de Roma (I)
Autor: Marcos López Herrador
Editorial: Sekotia (Grupo Almuzara)
Fecha de publicación: 02/04/2021
Páginas: 552
Encuadernación: rústica con solapas | 15 x 23 cm
ISBN: 978-84-18414-07-7
Colección: Narrativa con Valores
Temáticas: Novela histórica | historia
Precio: 23,95 €
NOTA CULTURALIA: 7,9
——
Jorge Pisa

Crítica teatro: La función que sale mal, en el Teatro Calderón de Madrid

La magia del teatro reside en la suma de muchos elementos, y uno no menor es el correcto desarrollo de la representación, con sus tiempos, sus interpretaciones y con una realidad escénica que se integra apropiadamente con ellos. Esto es lo que no pasa en La función que sale mal, en cartelera en el Teatro Calderón de Madrid hasta el próximo 29 de agosto y que se representará en el Teatro Coliseum de Barcelona a partir del 29 de septiembre.

La función que sale mal hace honor a su nombre. Estamos, en la ficción, ante una compañía universitaria sin demasiada experiencia teatral que intenta representar un espectáculo al estilo Agatha Christie o Sherlock Holmes: se ha producido un asesinato en una mansión. Será trabajo del comisario de turno descubrir quién es el asesino y cuáles son sus motivos. Pero en la representación nada saldrá como estaba previsto. La actuación de los actores no es la que debiera ser; la representación deja mucho que desear y el escenario irá desintegrándose poco a poco a lo largo de la “función que sale mal”. Como veis, todos los ingredientes necesarios para que estalle la comedia desde el minuto uno.

El espectáculo defraudará a muy pocos. Estamos ante una comedia pura en la que los errores, las desgracias y sobre todo, el buen hacer cómico de los actores y de las actrices que integran el reparto, harán que quien más y quien menos se ría de la suma de dificultades que sufrirá el espectáculo, un continuo de pequeños y grandes desastres que progresarán a lo largo de la representación hasta la vorágine final. Una obra de metateatro al estilo Pel davant i pel darrera o Bolulevard.

En este tipo de espectáculos todo ha de estar estudiado y cronometrado para que todo lo que ha de salir mal salga mal, y para que el reparto interactúe con la desgracia de forma cómica. Y lo está, algo que se debe a una acertada dirección de Sean Turner y a la interpretación en clave serio-cómica de todo el reparto, integrado por Héctor Carballo, Carlos de Austria, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, César Camino, David Ávila, Felipe Ansola, Paula G. Lara, Ángel Saavedra y Avelino Piedad en las diferentes actuaciones, que consigue interpretar de forma creíble a unos malos actores que durante la representación sufrirán los infortunios de la musa del teatro.

Nada más y nada menos. Unos 100 minutos de representación en los que el espectador se verá afectado cómicamente por la serie de desastres escénicos que sufrirá en clave de comedia la representación. Tanto es así que al final no importará tanto quién es el asesino sino cómo el elenco sin experiencia (en la ficción) podrá hacer frente a la avalancha de calamidades que se les viene encima.

Un soplo de aire fresco cómico que ha ganado diversos premios internacionales como los Oliver, Tony, Moliere o el Broadway.com, que este mes de agosto está en Madrid y que llegará a la cartelera barcelonesa el próximo mes de septiembre y al que se le puede augurar un gran éxito, no solo por su gancho cómico sino por su capacidad de abstraernos por un breve espacio de tiempo de lo duros que han sido los últimos tiempos en Madrid, Barcelona, Cataluña, España y en el mundo entero y hacernos reír de las desgracias que, ahora sí, les pasan a otros, en este caso a actores y, sobre todo, les pasan en la ficción.

“La función que sale mal” se representa:
• Del 8 de abil al 29 de agosto de 2021 en el Teatro Calderón de Madrid
• Del 29 de septiembre al 24 de octubre de 2021 en el Teatre Coliseum de Barcelona

Director versión original: Mark Bell
Director versión española: Sean Turner
Director asociado: David Ottone
Dramaturgia: Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields
Reparto: Hector Carballo, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, David Ávila, Paula G. Lara, Ángel Saavedra, Avelino Piedad, Manuel de Andrés, Agustín Otón y Fael García
Adaptador de la función que sale mal: Zenón Recalde
Diseño escenografía: Nigel Hook
Iluminación: Ric Mountjoy
Vestuario: Roberto Surace
Diseño de sonido: Andy Johnson
Fotografía: Helen Murray
Producción: Som Produce, NEARCO, Cobre y Olympia Metropolitana

Horarios Teatro Calderón Madrid: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: desde 19€
Idioma: castellano
Duración: 100 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
——
Jorge Pisa

Crónica concierto: Ana Torroja en el Festival Cruïlla XXS 2021

Hace ya mucho tiempo que se espera el regreso de Mecano, un acontecimiento este que cada vez parece más complicado, aunque los diversos tributos y espectáculos musicales basados en los éxitos del grupo son cada vez más numerosos, lo que muestra a las claras que hay ganas de Mecano, uno de los grupos de pop-rock de más éxito de los 80 y principios de los 90 y el creador de algunos de los himnos musicales de la época.

Y es en ese torbellino hispano-vintage que el concierto de Ana Torroja el pasado 25 de julio en el marco del Festival Cruïlla, perteneciente a su gira Volver, representa dos cosas importantes: primero, volver a escuchar los éxitos de Mecano en la voz de la cantante que los hizo inolvidables y segundo, nos muestra el incansable esfuerzo de todos por intentar volver a la normalidad, en este caso en el ámbito de la cultura, con la celebración de un espectáculo musical que cumplió con amplios protocolos de seguridad anti-covid y con un aforo reducido y ordenado.

Y todo ocurrió como tenía que ocurrir. A las 21:00 horas dio inicio el concierto y sonaron los primeros zarpazos de los éxitos de Mecano como Ay qué pesado, Me colé en tu fiesta u Hoy no me puedo levantar, que ya anunciaban el transcurrir de la noche. El concierto, sin embargo, no fue solo un tributo a Mecano, sino que Torroja incluyó varios de sus temas posteriores en solitario, como A contratiempo, Duele el amor, Volver u Hora y cuarto, el reciente tema que la artista canta con Alaska, que se fueron entretejiendo con los grandes clásicos de Mecano, como Club de navajas, El 7 de septiembre, Los amantes, Hijo de la luna o Barco a Venus.

Cabe destacar, tres momentos clave del concierto. El primero, y como no podía ser de otra forma, fue la interpretación de Mujer contra mujer, que fue precedida por un largo y emocionado aplauso. El segundo fue el encadenamiento musical de los temas La fuerza del destino y Un año más, dos canciones con una sustancia e intensidad muy similares, y por último, y como conclusión del concierto, la interpretación de Me cuesta tanto olvidarte, un recordatorio de la profunda huella emocional que dejaron las canciones de Mecano. A destacar, también, la sección a capella en la que la artista interpretó varios temas mecaneros solicitados por el público como Aire, Laika, maquillaje, El fallo positivo o Una rosa es una rosa.

El concierto se desarrolló, así, de forma enérgica y contundente, con versiones más o menos actualizadas, unas más que otras, de los diversos temas interpretados que hicieron las delicias de los y las asistentes.

En resumen, un concierto de verano de alta graduación en el que la emoción y la memoria se unieron para realizar un recorrido por la carrera de una artista a la que conocimos con Mecano y que tras su disolución inició una etapa más personal que perdura hasta la actualidad. Una Ana Torroja muy cercana, agradecida y por momentos embargada por la emoción por los temas que cantaba y por la situación de lucha contra la pandemia que vive el país, que afecta de lleno a la cultura, y que permitió al público revivir una parte de su historia (musical) y por qué no, también una parte de su vida.

Concierto: Ana Torroja (Tour Volver)
Festival Cruïlla XXX
Fecha: 25 de julio a las 21:00 horas
Lugar: Estadi Olímpic (Barcelona)
Precio: A partir de 35€ + gastos de gestión
NOTA CULTURALIA: 9

Crítica teatro: Perdidos, en los Teatros Luchana (Madrid)

La obra Perdidos, escrita por Ramon Madaula, dirigida por Ignasi Riera e interpretada por Agustín Jiménez y Carlos Chamarro se representa en los Teatros Luchana del 27 de agosto al 31 de octubre de 2021.
Horarios: viernes y sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas.

El calor del verano hace que a quien más y a quien menos nos venga en gana un poco de divertimento que nos haga olvidar, como ya he dicho en otras ocasiones, las sofocantes incomodidades del periodo estival. De ahí que ir a ver una comedia sencilla y, sobre todo, bien hecha, se convierta en un refrigerio teatral. Y es justamente esto lo que nos propone Perdidos, una comedia escrita por Ramón Madaula, dirigida por Ignasi Vidal e interpretada por Agustín Jiménez y Carlos Chamarro, dos cómicos de solvencia contrastada.

Ambos interpretan a dos empleados de una empresa de recambios y reparaciones de calderas que se encuentran cada mediodía para comer juntos. Durante una de sus comidas la conversación habitualmente intrascendente les llevará a proponerse un reto: ambos se darán permiso para intentar intimar con la pareja del otro. Una sugerencia que provocará imprevisibles consecuencias que superarán sus expectativas iniciales y harán peligrar su apacible aunque estancada vida familiar

Perdidos_1

Perdidos es, así, una comedia de pequeño formato, solo dos actores y un reducido escenario que nos muestra el local donde ambos comen a diario, pero que os hará reír en gran formato, os lo aseguro. Para ello es clave el texto de Madaula que incide en un humor de género (blanco, por otra parte), algo en lo que ya ha demostrado su desenvoltura, prueba de ello es el reciente éxito de Els Brugarol en el teatro Poliorama de Barcelona. A ello se suma la aguda dirección de Vidal y la vis cómica de los dos actores, Agustín Jiménez y Carlos Chamarro, que la tienen y de sobra, y que aportan una interpretación muy afinada en la que lo que se dice, el cómo se dice y las caras que se ponen al decirlo son las claves del pulso cómico de la obra, acrecentado por lo cotidiano del contexto, que no es otro que el de una amistad de larga duración como la que todos y todas podemos tener.

Las risas están aseguradas, os lo prometo, al contemplar lo perdidos que están los protagonista, ya sea en relación a los misterios y contratiempos de la vida en pareja como a lo relativo a sus ensueños de seducción. De esta forma, pues, la comedia navega entre los prejuicios y los estereotipos de los roles de género, enriquecida por diversos giros en la trama y por lo cómico de las situaciones que se irán produciendo y que irán superando poco a poco a los dos amigos.

Una propuesta, además, de teatro a la fresca del que el público podrá disfrutar hasta el próximo 22 de agosto en la terraza del Patio del Galileo, una inmejorable ocasión para gozar de una comedia sencilla pero profunda que seguro que os hará reír, y tal vez, reflexionar. Y una oportunidad, también, para confirmar que cuando en el teatro se suman las artes de un buen texto, una ágil dirección y el buen hacer de dos actores cómicos, el resultado no puede ser otro que el que vemos en Perdidos.

“Perdidos” se representa en el Patio del Teatro Galileo del 8 de julio al 22 de agosto de 2021.

La obra Perdidos, se representa en los Teatros Luchana del 27 de agosto al 31 de octubre de 2021.
Horarios: viernes y sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas.

Web Teatros Luchana

Dramaturgia: Ramón Madaula
Dirección: Ignasi Vidal
Reparto: Agustín Jiménez y Carlos Chamarro
Escenografía y vestuario: Alessio Meloni
Diseño de iluminación: Ciru Cerdeiriña
Distribución: Fran Ávila
Producción: Octubre

Horarios: de miércoles a domingo a las 22:00 horas
Precio: desde 20€
Duración: 75 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5
——
Jorge Pisa