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Crítica teatral: Billy Elliot, en el Nuevo Teatro Alcalá

Bueno, comenzamos temporada teatral y lo hacemos con una escapada a Madrid para ver Billy Elliot el musical, espectáculo que inicia su tercera temporada en el Nuevo Teatro Alcalá y que adapta teatralmente la película del mismo título estrenada en el año 2000.

“El musical narra la historia del joven Billy, nacido en una ciudad del norte de Inglaterra en la que los hombres practican el boxeo y trabajan en la mina. Ninguno de ellos baila ni alberga ambiciones de presentarse a la Royal Ballet School. Pero Billy es diferente. Criado por un padre viudo, sin el cariño de una madre, a Billy no le gusta el boxeo pero está cautivado por la gracia y la maravilla del ballet. Con férrea determinación luchará para alcanzar sus sueños, devolviendo la unión a su familia y la fe a una comunidad devastada por el convulso final de la industria minera británica”.

El musical en cuestión posee una manufactura internacional ya que se representa desde hace 11 años en Londres y desde hace cuatro en Broadway. La propuesta está dirigida por Stephen Daldry y adaptada y dirigida en su versión española por David Serrano. Y algo a destacar, y mucho, la música está compuesta por Elthon John con libreto y letras de Lee Hall. Todo un seguro de éxito y brillantez.

Billy Elliot es un espectáculo redondo que nos narra una historia de superación personal en un contexto difícil. El esfuerzo de trasladar el éxito cinematográfico a un escenario teatral se basa en una adaptación de la historia muy acertada y comprensible para el espectador, que desde muy pronto conecta con el espíritu luchador y soñador que todos y todas llevamos dentro. Como bien nos indica la promo del musical, el espectáculo muestra la contradicción de lo rudo del contexto social en el que vive el protagonista, una comunidad minera británica en decadencia, y la voluntad del joven Billy Elliot de hacer realidad sus sueños, que no son otros que dedicarse al ballet. Como os podéis imaginar el contraste entre la familia de Elliot, mineros inmersos en un duro conflicto laboral, y las aspiraciones vitales del joven bailarín no pueden ser más opuestas.

Billy Elliot el musical__1En lo que respecta al elenco de la obra, los aciertos son muchos. Todo el casting sabe lo que ha de hacer, algo más que difícil en una obra en la que los niños y las niñas son la parte sustancial de la trama. Como no podía ser de otra forma, destaca el personaje de Billy Elliot, interpretado en la sesión en la que asistimos por Millan de Benito, que provee a su personaje de la inocencia, la sensibilidad y la técnica de baile adecuada. Junto a él destaca Álvaro de los Santos que da vida a Michael, el mejor amigo de Elliot y que ofrece una de las interpretaciones más sentidas de la obra. Muy dignas también son las actuaciones del resto de actores y actrices infantiles, que le dan a la obra el contexto que necesita.

Por lo que respecta a los actores adultos, todos, vuelvo a decirlo, están mucho más que bien, ya sean los miembros de la familia de Elliot (José Luis Torrijo, Adam Jezierski, Noemí Gallego, y Patricia Clark) y muy especialmente Pepa Lucas, que proporciona al personaje de la profesora de ballet de Elliot un candor y una sensibilidad muy vívidas.

En la obra destaca además una escenografía que aunque muy presente físicamente a lo largo de la representación, no se hace en ningún caso tediosa ni intrusiva y enmarca correctamente el avance de la trama. Y también, como no, destacan algunas escenas como la de la lectura de la carta de la madre de Elliot en la clase de ballet, la discusión en casa de los Elliot, la representación de la lucha obrera en forma de número musical o las escenas del aprendizaje de Elliot. Mención aparte requiere la música interpretada en directo que da vida al musical. Todo ello hace que la representación acabe con el público levantado y aplaudiendo, seguro, en cada función.

Billy Elliot es una experiencia teatral y musical que llena, no solo por la historia de superación que nos narra sino también por la calidad de la producción y la interpretación que atesora. Una oportunidad para ser consciente, de nuevo, de que los sueños están para vivirlos, y de que sea cual sea el contexto en el que vivamos, siempre existe la posibilidad de mejorar y de hacer verdad todo aquello en lo que soñamos.

Felicidades Billy Elliot!!

Billy Elliot” se representa en el Nuevo Teatro Alcalá hasta el 1 de diciembre de 2019.

Dirección: Stephen Daldry y David Serrano
Música: Elton John
Libreto: Lee Hall
Dirección musical: Gaby Goldman
Traducción: Alejandro Serrano y David Serrano
Adaptación: David Serrano
Reparto:
BILLY: Pablo Bravo / Pau Gimeno / Miguel Millán / Óscar Pérez / Diego Rey / Julián Cecilio / Hugo González / Óscar Pérez
Natalia Millán, José Luis Torrijo, Adam Jezierski, Mamen García, Pedro Ángel Roca, David Lorente, Noemí Gallego, Patricia Clark, Pepa Lucas…
Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda y Juan José González Ferrero
Iluminación: Juan Gómez Cornejo y Carlos Torrijos
Caracterización: Laura Rodríguez
Vestuario: Ana Llena
Coreografía: Peter Darling
Producción: SOM Produce

Horarios y precios: Web Ticketea
Idioma: Castellano
Duración: 2 horas y media y entreacto
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

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Crítica literaria: Las hormigas de Bernard Werber, Ed. Plaza & Janes

Bernard Werber_Las hormigas_portadaHoy os presentamos la crítica de Las hormigas de Bernard Werber, un libro curioso publicado en el año 1992 en España (en 1991 en su versió original en Francia). Curioso por su temática ya que la novela nos relata una gran aventura protagonizada por… hormigas.

“La novela nos propone introducirnos en el diminuto mundo de las hormigas. Una gran amenaza se cierne sobre la Bel-o-kan, la ciudad central de la Federación de las hormigas rojas. Un arma secreta amenaza su existencia. Solo tres hormigas serán conscientes del peligro e iniciarán una investigación que pondrá en riesgo sus vidas. Paralelamente Jonathan Wells y su familia heredan el sótano de su tío Edmond, un científico que llevaba a cabo una serie de extraños experimentos”.

El libro me llegó, curiosamente, a través de una mesa de intercambio. No conocía al autor pero me sorprendió el argumento, y de ahí que comenzara su lectura. Werber gracias a sus estudios de criminología, su experiencia como periodista científico y su fascinación por las hormigas, consigue construir un relato que engancha y que describe de forma pormenorizada y en parte científica el día a día de la vida en un hormiguero.

Nunca hubiera pensado que las aventuras de tres hormigas pudieran ser tan interesantes. Werber consigue con un estilo sencillo y comprensible introducirnos en el mundo de las hormigas y crea una “trama criminal” que se podría asemejar a un thriller policiaco.

Sí que es verdad que en algunos momentos la realidad hormiguil parece algo exagerada y en algunos aspectos demasiado parecida a la humana, pero ello no quita para que Werber consiga algo imposible a primera vista: crear una novela curiosa y por momentos adictiva.

Aunque la novela se centra principalmente en la aventura hormiguil, también tiene espacio para la trama humana, en la que el lector se enfrenta al misterio relacionado con la extraña e insondable bodega del sótano que hereda la familia Wells.

Por lo que respecta a los personajes, es difícil hacer una valoración, ya que muchos de ellos son insectos. Lo que sí que puedo decir es que el autor desarrolla el argumento de una forma que hace creíble el comportamiento de los insectos tal y como nos lo muestra. Como episodios curiosos cabe destacar el de la Batalla de las Amapolas, la creación del hormiguero Chli-pu-kan o las investigaciones fuera del hormiguero que nos muestra la interacción de las hormigas con otras especies.

Como decía antes, el autor consigue narrarnos esta gran epopeya de las hormigas rojas de una forma amena y entendible, si bien, uno de los hándicaps de la novela es la resolución final de la trama, en la que el esfuerzo por unificar las dos líneas argumentales acaba resultando bastante irreal.

El éxito de la novela llevó al escritor a escribir dos secuelas más, El día de las hormigas (Plaza & Janés, 1993 y La Révolution des fourmis (1996).

Título: Las hormigas
Autor: Bernard Werber
Género: Novela
Editorial: Plaza & Janés
Fecha de publicación: 1992
Título original: Les Fourmis
Número de páginas: 329
NOTA CULTURALIA: 7,9
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Jorge Pisa

Crítica literaria: La luz de Egipto, León Arsenal, Ed. Edhasa

La luz de Egipto_leon Arsenal_1Hablar de León Arsenal es hablar de novela histórica y es hablar también de aventura y misterios históricos. De Arsenal ya os reseñamos Última Roma (Edhasa, 2012) y ahora nos centramos en La luz de Egipto, una novela ambientada en el antiguo Egipto que nos narra la búsqueda de un antiguo tesoro funerario.

“Durante el llamado Tercer Período Intermedio, Egipto fue un territorio objeto de la codicia de nubios, asirios, del faraón Psamético, de los sacerdotes de Amón en Tebas, y de los pequeños principados y jefaturas.

Este es el escenario en el que se desarrolla la azarosa historia de Snefru, un prometedor “uetuti nesu” (mensajero del faraón) cuyo pasado parece envuelto en tinieblas pero que tiene ante sí un prometedor futuro. Las convicciones religiosas de Snefru, apegado a la tradición de la maat, a cuya decadencia atribuye los males que asolan su tierra, se enfrentarán a una dura prueba y le llevarán a verse inmerso en una peligrosa y arriesgada trama cuyo centro parece ser la sepultura (y los tesoros) del Innombrable“.

De nuevo Arsenal escoge un contexto histórico no habitual en el género de novela histórica para ubicar las aventuras de sus protagonistas. Lejos de optar por la grandeza de los reinados de los Ramsés o de los Tutmosis o del omnipresente Tutankamón, Arsenal opta por el Tercer Periodo Intermedio (c. 1070 – 650 a.C.) y por la figura de un futuro faraón, Psamético I (664 – 610 a.C.), que dio origen al último periodo de historia independiente de Egipto.

Arsenal plantea su historia como una mezcla entre novela histórica, elemento este que le da la consistencia debida a la narración, y aventura de descubrimiento, trama esta que será la principal en la novela. Y esta última no es otra que la búsqueda de los tesoros de la tumba del faraón Innombrable (por si alguien no lo ha captado, la Tumba Real de Akenatón en el Valle Real de Amarna) para financiar la política unificadora del faraón Psamético. De ahí que la novela de Arsenal se asemeje en algo, aunque muy poco, a la trama de La Boca del Nilo, en la que el elemento de investigación y descubrimiento, eran las fuentes del Nilo.

En esta ocasión, sin embargo, la trama potencia el componente de aventura, sin profundizar demasiado, por desgracia, en la investigación que llevan a cabo los protagonistas principales. Una auténtica lástima.

El autor sabe crear, sin embargo, a una serie de personajes marcados por la época en la que viven. Snefru, el personaje principal es un oficial del faraón Psamético marcado por la pérdida de su familia y por la pérdida de los valores antiguos que hicieron grande a Egipto. Snefru es acompañado por Petener, amigo de la infancia y superior suyo, que dirige la expedición. A estos se suman Bakenamon, otro amigo de la infancia y constructor de tumbas y Tamit, una rica viuda favorable a la causa oficialista.

Arsenal nos ofrece, como ya he dicho, una trama en la que no profundiza por exceso. Sí que nos muestra el contexto histórico de la época, un Egipto dividido entre diversos poderes, entre ellos asirios y nubios, y dibuja a la perfección los rincones y las escenas de acción, pero no acaba de perfilar la trama principal, la búsqueda de la tumba de Akenatón, que queda, por ello muy laxa, hecho este que hace que la historia en sí pierda parte de su interés.

Y esto se muestra sobre todo en la búsqueda de la tumba real. Los avances de la investigación quedan tan en el aire y se narran a una velocidad tal que uno no llega a saber nunca cómo se descubre su ubicación. De esta forma, La luz de Egipto se convierte en una novela de aventuras históricas, muy lejos de la detallada narración de la expedición de la novela La boca del Nilo.

El estilo del libro es el correcto para la novela que se nos presenta. Arsenal sabe recrear en su narración los espacios del pasado, en este caso antiguo, e insufla tensión y, a veces, dramatismo, a las escenas de acción, con lo que consigue trasladar al lector a otros lugares y a otros tiempos, algo mucho más que necesario en la novela histórica.

Aún así, La luz de Egipto, se queda a medias a la hora de relatarnos la aventura de Snefru y la búsqueda de la tumba del faraón Innombrable, si bien la novela nos insufla de los perfumes, los escenarios y la calidez tórrida del Egipto faraónico.

Título: La luz de Egipto
Autor: León Arsenal
Editorial: Edhasa
Nº de páginas: 384 págs.
Encuadernación: Tapa dura
Formato: 15.0×23.0cm.
ISBN: 9788435061940
Año edición: 2009

NOTA CULTURALIA: 6.5
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Jorge Pisa

Crítica teatral: Amor mundi, en la Sala Beckett

El verano es una buenba estación para la meditación, algo que nos propone la Sala Beckett con Amor mundi, una reflexión sobre la educación y la violencia en la sociedad actual.

Aurelia, una maestra a punto de jubilarse y con una enfermedad que la está dejando ciega, ha sido expulsada de la escuela donde trabaja por culpa de la reacción violenta que ha tenido con una alumna. Ahora, sola en su casa, con la única compañía de su sobrina y de una monitora joven del colegio, se hace preguntas sobre su carrera y sobre sus propios principios éticos y pedagógicos”.

La Beckett nos plantea con Amor Mundi un debate actual del que muchas veces somos conscientes a través de los medios de comunicación. Y este no es otro que la realidad de la educación de los más jóvenes y la violencia en las aulas, con una presentación escénica sencilla acompañada de un intenso vigor interpretativo.

La obra trata sobre una agresión en un centro educativo y de cómo las personas y la sociedad gestiona este tipo de situaciones. Szpunberg, autora de montajes como Esthetic Paradise (Grec 2004), Boys don’t cry (Grec 2012), L’onzena plaga (2015) o Balena blava (2018) ya nos tiene acostumbrados a un teatro en el que plantea debates aferrados a temas políticos y sociales de actualidad. En este caso escribe y dirige la obra en la que tres mujeres nos darán su opinión sobre un caso de mobbing y violencia escolar.

Amor mundi_sala beckett

Marta Angelat da vida a la profesora que ha protagonizado este suceso, una profesional de la educación que ha optado por tomarse la justicia por su mano en un caso continuado de acoso. Su personaje es sobre el que da vueltas la obra, dejándonos clara la obra desde su inicio que su capacidad de ver y de entender la realidad está debilitándose. A Argelat la acompañan Aina Calpe interpretando a su sobrina, preocupada por la situación y con problemas propios y la joven Blanca Garcia-Lladó que interpreta a una monitora del colegio presente el día de la agresión, con una visión muy diferente del asunto.

Y el debate está servido: ¿Cómo combatir la violencia y el acoso en el colegio? ¿Cuál es el papel del profesorado y de la familia? ¿Se puede combatir la violencia con violencia? ¿Cuál es la función de la Escuela? ¿Hacía donde avanza la sociedad proteccionista en la que vivimos? Como ven un debate actual y que todos podemos conocer de forma más o menos directa.

Como decía, la propuesta escénica es sencilla, un espacio de oscuridad que tanto puede ser un aula del colegio como el interior de una vivienda. La representación se acompaña también de diversos audiovisuales que profundizan en la vertiente filosófica del asunto y en su aspecto más infantil. Unos audiovisuales, por cierto, que se integran de forma algo heterodoxa en la representación.

Amor mundi nos permite pensar y repensar nuestra sociedad y nuestro entorno, no solo acerca de las diferencias generacionales a la hora de comprender e interiorizar la realidad, sino también la problemática de la violencia en las escuelas, y en qué forma se gestionan unos hechos que en parte nos afectan a todos.

Amor mundi” se representa en la Sala Beckett del 26 de junio al 28 de julio de 2019.

Autoría y dirección: Victoria Szpunberg
Reparto: Marta Angelat, Aina Calpe y Blanca Garcia-Lladó
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Paula Miranda
Vestuario: Sílvia Delagneau
Espacio sonoro: Lucas Ariel Vallejos
Producción: Grec 2019 Festival de Barcelona y la Sala Beckett

Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: de 10€ a 20€
Duración: 1 hora y 30 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Novedad: Stranger Things. Mundos del revés. La guía oficial, de Gina McIntyre, Ed. Grijalbo

Stranger Things_ Mundos del revés_La guía oficial_portadaEl sello Grijalbo Ilustrados publica Stranger Things. Mundos del revés, la guía ilustrada oficial de la serie de Netflix más ochentera y exitosa de todos los tiempos.

Stranger Things. Mundos del revés es la guía oficial y el compañero perfecto para adentrarse detrás de las cámaras de Stranger Things.

Presentado por los hermanos Duffer, creadores de la serie, este libro nos ofrece material inédito y exclusivo para entender y descubrir los secretos de la serie mediante mapas y entrevistas con los actores. El cuidado diseño a todo color pretende imitar un clásico libro de suspense de los años 80.

Nos introduciremos en el proceso creativo de los Duffer de la mano de todo el equipo y haremos una profunda inmersión en la cultura y las referencias que inspiraron el ambiente ochentero de la serie. Con referencias constantes a las dos primeras temporadas y algunas pistas sobre el futuro de la serie…

Título: Stranger Things. Mundos del revés
Autor: Gina McIntyre
Editorial: Grijalbo Ilustrados
Fecha publicación: Marzo de 2019
Idioma: Español
Temáticas: Series de televisión
Colección: Ocio y Entretenimiento
Precio:
• eBook diseño fijo: 10.99 €
• eBook Kindle: 10.99 €
• Tapa dura: 24.90 €

Crítica teatral: Les feres de Shakespeare, en el Teatre Condal

Llega, de nuevo, el Festival Grec, y con él una avalancha de estrenos y de actividad cultural. En Culturalia iniciamos la sección “festival Grec 2019” con la crítica de Les feres de Shakespeare, estrenada el pasado 4 de julio en el teatro Condal, una adaptación “libre y en femenino” de La fierecilla domada de William Shakespeare, producida por la compañía Els Pirates Teatre, dirigida por Adrià Aubert e interpretada por Laura Aubert, Lloll Bertran, Mariona Castillo, Ricard Farré, Laura Pau, Lluna Pindado, Arnau Puig i Jordi Vidal.

“Para poder romper con el papel que les ha tocado vivir en la Padua de 1594 y convertirse en lo que deciden ser, a las mujeres sólo les queda una opción: desplegar su furia. Una historia brutal sobre tres mujeres, Caterina, Bianca y Lucenza, que a través de su inteligencia, su valor y su determinación conseguirán transformar su destino. Lucenza se disfraza de hombre y llega a Padua para poder estudiar en la universidad. Bianca inicia un nuevo camino para descubrir su identidad. Catalina se rebela contra una boda forzada y emprende una lucha para liberarse de su verdugo”.

Una propuesta que representa el primer espectáculo de gran formato producido por la compañía Els Pirates Teatre, a los que conocemos ya por otras comedias como “Somni d’una nit d’estiu” y “Nit de Reis (o el que vulgueu)“, basadas también en el repertorio de Shakespeare.

De nuevo una comedia del gran dramaturgo inglés que desde la lejanía del tiempo nos habla de la actualidad, no por otra es un clásico. Adrià Aubert y Ariadna Pastor han adaptado la comedia y la han liberalizado para hablarnos del papel de la mujer y de la individualidad en la sociedad actual. El concepto es más que válido por la vigencia del texto original y por la adaptación llevada a cabo, en la que las tramas y los personajes han sufrido profusas modificaciones.

El espectáculo nos habla de la voluntad de tres mujeres, Caterina, Bianca y Lucenza de luchar contra las limitaciones sociales de su época, el Renacimiento del siglo XVI, y vivir sus vidas centradas en ellas mismas y sus expectativas, algo cada vez más evidente y apuntalado en nuestro mundo actual y que confirma el acierto de la propuesta.

Les feres de Shakespeare_teatre condal

Bodas impuestas a las hermanas mayores con el objetivo de casar a las hermanas menores; pretendientes enamorados y aliados para obtener el amor de su bella dama; aristócratas arruinados que buscan solucionar sus problemas económicos consiguiendo una buena boda (con su buena dote respectiva); jóvenes escapadas del convento que quieren estudiar en la Universidad de Padua, intercambios de roles sexuales y travestismo, todo ello acompañado de diversas coreografías musicales para dar más vistosidad a la representación y de toda una serie de confusiones y engaños al estilo de la comedia clásica.

Y algo que no se puede olvidar, un texto, el de Shakespeare, colmado de bellísimas composiciones que danzan en los oídos del público asistente.

Aún así, el resultado no es todo lo extraordinario que debería ser. La escenografía no ayuda demasiado al avance del relato, ya que aunque impacta visualmente no se acaba de integrar plenamente en la representación. Por su parte, los temas musicales tampoco destacan por su brillantez o agilidad, cosa que le roba entusiamo a la propuesta.

Lo que sí está a la altura debida son las interpretaciones actorales y musicales del reparto, en las que destacan todos y todas: Laura Aubert como la “fierecillla a domar”; Mariona Castillo, que interpreta a la joven que llega a Padua para estudiar en su universidad y que se trasvestirá para acercarse a su amada; Laura Pau que da vida a la alocada y sincera amiga de Lucenza; Lluna Pindado, que interpreta a la bella Bianca y Lloll Bertrán, que encarna a la madre de las dos jóvenes casaderas. En el ámbito masculino también las interpretaciones están a la altura con los espléndidos Ricard Farré, Arnau Puig y Jordi Vidal que interpretan a los díscolos pretendientes.

Una obra que alegra, sin duda, la escena teatral barcelonesa pero que no acaba de dejar aquel tierno y delicado sabor de boca que uno puede esperar. Una propuesta, por otra parte, muy actual.

Les feres de Shakespeare” se representa en el Teatre Condal del 4 al 28 de julio de 2019.

ENTRADAS: Ticketea (22% de descuento!!)

Autor: William Shakespeare
Adaptación y traducción: Ariadna Pastor
Dirección: Adrià Aubert
Reparto: Laura Aubert (Neus Pàmies, cover), Lloll Bertran (Maria Cirici, cover), Mariona Castillo, Ricard Farré, Laura Pau, Lluna Pindado, Arnau Puig y Jordi Vidal
Música: Ariadna Cabiró
Músicos: Ariadna Cabiró, Gemma Pujol, Marcel·lí Bayer / Jordi Santanach
Escenografía: Enric Romaní
Vestuario: Maria Albadalejo
Coreografía: Anna Romaní
Iluminación: Lluís Serra
Sonido: Jordi Ballbé
Producción: Els Pirates Teatre y Grec 2019 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y  a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: A partir de 22€
Idioma: catalán
Duración: 2 horas
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

ENTRADAS Les feres de Shakespeare en el Teatro Condal

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