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Crítica serie TV: Otra vida, Netflix

No podía faltar en Culturalia un especio dedicado a la crítica de series. Por este blog han pasado series naciones e internacionales como Hispania la leyenda, The Walking Dead, Hijos de la Anarquía, El Ministerio del tiempo, Turno de noche o la más reciente Ascension. Hoy os hablamos de otra serie de ciencia-ficción, Otra vida, producida por Netflix y que, de momento, dispone de 10 capítulos de la primera temporada y tiene confirmada una segunda.

“La comandante Niko Breckinridge (Katee Sackhoff) debe dirigir la primera misión interestelar de la humanidad en busca del planeta de origen de un misterioso artefacto alienígena que ha aterrizado en la Tierra, mientras que su marido (Justin Chatwin) intenta establecer contacto con él”.

Antes que nada, lo primero es deciros que Otra vida tiene el valor añadido de hacer regresar a Katee Sackhoff a una serie de ciencia-ficción galáctica, después de su participación en el remake de Battlestar Galactica (2005 – 2009). Un reclamo este con peso, seguro, en el mundo fandom.

Por lo que respecta a la trama esta se divide, algo cada vez más habitual, en dos subtramas principales. La primera es la que transcurre en la nave Salvare, cuya tripulación ha sido enviada al planeta Canis majoris para investigar el origen de la señal de comunicación que parte de la nave extraterrestre que ha llegado a la Tierra. La segunda se centra en la investigación llevada a cabo por los científicos de la Tierra para descubrir la naturaleza del artefacto alienígena y comunicarse con sus ocupantes.

Ya desde un buen principio vemos que la trama galáctica flaquea, ya que tiende a centrarse más en las relaciones personales establecidas entre los miembros de la tripulación de la Salvare que en el avance mismo de la misión espacial. Algunos, muy ácidamente y no sin razón, hablan de ella comparándola con una Beverly Hills, 90210 en el espacio, por el interés que la serie muestra por las relaciones personales post o re-adolescentes.

Otra vida_serie_1En este contexto una de las subtramas es la del liderazgo de la capitana Breckinridge (Sackhoff) en la nave espacial, el cual será puesto en duda por la tripulación desde el minuto uno. Por desgracia, la temática del avance de la misión queda, normalmente, en segundo plano. Sorprende, además, el comportamiento poco técnico y científico de la tripulación en algunos momentos, hecho este que hace perder seriedad a esta parte de la trama.

La acción que transcurre en la tierra tiene otro cariz. Aquí los esfuerzos por acceder al artefacto alienígena y comunicarse con él, los problemas de seguridad que su llegada provoca y las continuas interferencias del periodismo, encarnadas en la figura de la influencer global Harper Glass, interpretada por Selma Blair, le dan a la serie un enfoque algo más serio y formal. A ello se suma también el tratamiento de la relación familiar rota con la marcha de la Salvare, que provoca la separación de la familia compuesta por Katee Sackhoff, Justin Chatwin y la hija de ambos, interpretada por la joven Lina Renna.

El registro de interpretaciones de la serie no es para lanzar cohetes. El equipo de casting ya buscó toda una serie de actores y actrices jóvenes con los que desarrollar la aventura espacial y la gestión de las emociones. No esperéis, pues, interpretaciones intensas, tan solo correctas y adecuadas a las necesidades del guión. A destacar, sin embargo, las interpretación quebrada y frágil de Sackhoff como capitana contestada de la Salvare y la interpretación de Samuel Anderson, que da vida al ordenador de a bordo, sí como oyen, en un toque de originalidad de la serie.

Los decorados son irregulares, esto es, el interior de la nave es adecuadamente espacial y asfixiante, pero los exteriores y/o superficies de los planetas pecan de un aspecto demasiado terráqueo. Los efectos especiales están bien, sobre todo cuando nos muestran la aventura espacial, no tanto los que nos narran lo acontecido en la Tierra.

Netflix, la reina actual de la series de televisión, nos propone una aventura espacial que no lo es tanto, una trama de invasión que no lo es tanto y una trama de relaciones juveniles fuera de contexto y que a veces hace despistar o abruma al espectador.

Aún así, Otra vida merece un visionado, al menos una oportunidad, sobre todo por parte de aquellos que disfrutan con las tramas de misterio y ciencia-ficción, en este caso salteada, a veces excesivamente, con los exabruptos y sinsabores de las emociones de una tripulaciónespacial amenazada, cuando el futuro de la vida en la Tierra está en juego.

Título: Otra vida
Año: 2019
País: Estados Unidos
Dirección: Aaron Martin (Creador), Omar Madha, Sheree Folkson, Allan Arkush, Metin Hüseyin, Mairzee Almas
Guión: Aaron Martin, Sabrina Sherif, Amanda Fahey, Naledi Jackson, Alejandro Alcoba, Jackie May, Romeo Candido, Gorrman Lee, Lucie Pagé, Lauren Gosnell
Música: Trevor Morris
Fotografía: Ryan McMaster
Reparto: Katee Sackhoff, Justin Chatwin, Samuel Anderson, Selma Blair, Alexander Eling, Tyler Hoechlin, Blu Hunt, Elizabeth Ludlow, Alex Ozerov, Jayr Tinaco, Lina Renna, Greg Hovanessian, Katerina Katelieva, Mathias Retamal, Jake Abel, Dion Riley, Parveen Dosanjh, Chanelle Peloso, Cassandra Cavalli, Jessica Camacho
Productora: Halfire-Core Entertainment
Distribución: Netflix
Género: Ciencia ficción, Aventura espacial

NOTA CULTURALIA: 5,9
NOTA IMDB: 4,9
NOTA ROTTEN TOMATOES:
• Crítica: 6%
• Audiencia: 60%
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Jorge Pisa

Crítica literaria: El incendio de Alejandría, Jean-Pierre Luminet, Ediciones B

El incendio de Alejandria_ Jean_Pierre Luminet_1Hace tiempo llegó a mis manos una novela interesante, El incendio de Alejandría, de Jean-Pierre Luminet. Esperé, pues, a disponer del tiempo necesario para iniciar su lectura, y por suerte no me defraudó.

El incendio de Alejandría es un libro que nos narra de forma novelada la historia de la Gran Biblioteca de la Antigüedad. La trama nos sitúa en el año 642, durante la conquista musulmana de Egipto y la llegada de las tropas islámicas dirigidas por Amr ibn al-As a Alejandría. El general victorioso ha de recopilar información que permita al califa Omar decidir sobre el futuro de la Biblioteca: ¿La Institución científica pagana ha de sobrevivir o no?

Para tomar la mejor decisión Amr cita a tres de los sabios que se encargan de la gestión de la Biblioteca, el filósofo cristiano Filopón, el médico judío Rhazes y la filosofa Hipatia, con el objetivo de que le expliquen la historia de la Institución y le den argumentos para salvar la Biblioteca de un final trágico.

Este pretexto permite a Luminet narrar el origen de la Biblioteca en época ptolemaica, la historia de los sabios que estudiaron en ella y los fascinantes descubrimientos que llevaron a cabo. Así conoceremos la vida y las obras de académicos tan insignes como Demetrio de Falero, Zenodoto de Éfeso, Euclides, Aristarco de Samos, Eratóstenes de Cirene, Filón y Herón de Alejandría, Claudio Tolomeo o Galeno y descubriremos los avances en los ámbitos de las matemáticas, de la astronomía, de la geografía y de la medicina en época helenística y romana.

Luminet, gracias a su especialización en el mundo de la astrofísica y a su experiencia como novelista y divulgador, consigue relatar la historia del progreso del conocimiento helenístico de una forma entendible para el público general y describe diversos de los avances de la ciencia antigua de forma amena y precisa: el cálculo de la distancia de Tierra al sol, la afirmación de la esfericidad de nuestro planeta, la medición del diámetro de la Tierra, o la afirmación de que esta gira alrededor del sol.

Un conocimiento científico y en gran parte pagano que se vio abocado al olvido con la aparición y consolidación de las grandes religiones monoteístas, el cristianismo y el islamismo, tema este que también aparece en la narración de Luminet.

Hay que tener en cuenta, sin embargo, que el envoltorio y gran parte del relato de las vidas de los científicos antiguos se enmarca en la leyenda o la ficción. Los personajes que narran la historia de la Biblioteca al general Amr son ficticios o semi-ficticios, como lo es también el relato de la vida de los sabios reseñados. El mismo autor nos indica este hecho en el postfacio del libro, donde informa al lector de que la vida de los académicos y autores antiguos se conoce, la mayor de las veces, de forma muy fragmentaria.

Incluso la elección del momento histórico por parte del autor para situar la trama, la llegada de los invasores musulmanes a Alejandría en el año 642, introduce el ingrediente de leyenda en la novela, ya que la mayoría de los especialistas considera que la Biblioteca de Alejandría, o más bien las Bibliotecas, ya que existieron dos, la del Museo y la del Serapeo, fueron destruidas en época romana, ya fuera en tiempos de Julio César o en el período del Bajo Imperio. La narración de la destrucción por parte de los conquistadores musulmanes no es más que una leyenda elaborada en época de Saladino, en el siglo XIII.

Para facilitar la lectura de la novela se incluyen dos apéndices finales, uno que incluye una breve reseña de los personajes principales, ficticios o no, y un cuadro sinóptico de los reyes y los sabios que se mencionan. Si bien lo importante de esta novela no es su historicidad, sino el compendio que el autor hace del saber del mundo antiguo y el papel central que la Biblioteca de Alejandría tuvo en su progreso.

Aún así, es posiblemente la relación que se establece entre los tres sabios encargados de la Biblioteca y el general musulmán, la parte menos creíble de la novela. De la misma forma, la elección de una pseudo-Hipatia fuera de época en la trama y su trágico final es una forma algo extraña y dramática de narrar el final de la Biblioteca. Finalmente hay que indicar también que la visión que tiene el autor de la época de dominio romano no es demasiado histórica, sino que se basa, como pasa habitualmente, en toda una serie de prejuicios e ideas comunes asentadas de forma general. Una lástima!!

Aún así Luminet consigue arrastrar al lector al mundo del saber antiguo, que domina de forma muy notable, y le permite conocer una parte de la historia de la ciencia antigua, cuyo mayor centro de irradiación no fue otro que el la Gran Biblioteca de Alejandría.

Título: El incendio de Alejandría
Autor: Jean-Pierre Luminet
Formato: Tapa blanda
Páginas: 288
Editor: B de Bolsillo (Ediciones B)
Fecha de publicación: noviembre de 2010)
Idioma: Español
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica libro: Apocalypse Domani, Ángel Sala (coord.), Editorial Hermenaute

Apocalypse domaniSí, el fenómeno vintage se ha consolidado con fuerza en la actualidad. Todo lo que hace referencia al pasado “reciente” y/o a nuestra infancia o juventud adquiere una patina dorada de universal agrado.  Este es el caso, también, del cine de explotación italiano de los años 70 y 80, que con presupuestos escuálidos y una capacidad creativa (y emulativa) sin límite, convirtió a este país en una de las mecas de la producción cinematográfica global.

De eso trata Apocalypse Domani, La década de la explotiation italiana de ciencia ficción (1977 – 1990), una obra colaborativa coordinada por Ángel Sala, escritor, guionista, crítico de cine y director del Festival de Cine de Sitges, y publicada por la editorial Hemenaute.

El libro hace un repaso y analiza el fenómeno de cine de ciencia-ficción explotiation italiano, una producción que copiaba, a veces de forma sorprendente (y que cada uno interprete el adjetivo a su gusto), los grandes éxitos del cine de ciencia-ficción made in Hollywood como La Guerra de las Galaxias; Alien, el octavo pasajero; La Cosa; 1997: Rescate en Nueva York y otros éxitos internacionales como la saga australiana de Mad Max, para elaborar y estrenar productos de bajo presupuesto pero que en muchas ocasiones se convertían en éxitos internacionales, gracias a una publicidad altamente engañosa pero muy efectiva (seguramente la edad de oro de las carátulas y los pósters de cine), y al canal de alquiler de los prósperos videoclubs de la época.

Directores como Luigi Cozzi, Enzo G. Castellari, Joe D’Amato, Lucio Fulci, Sergio Martino, Antonio Margheriti o Bruno Mattei produjeron un cine de consumo con mucho éxito que daría a la cinematografía italiana dos décadas de éxito y presencia internacional.

Como ya he dicho, Apocalypse domani es una obra colaborativa compuesta por una serie de artículos dedicados a temáticas concretas como los inicios de la ciencia-ficción italiana; los vínculos de géneros como el péplum, el spaguetti western, el horror y la ciencia-ficción del país alpino; los mundos postapocalípticos de explotación italiana; las películas ambientadas en el Bronx realizadas por Enzo G. Castellari; los films de invasiones alienígenas o el marketing y la distribución del cine explotiation.

El libro contiene también tres entrevistas realizadas a los directores Enzo G. Castellari, Sergio Martino y Luigi Cozzi, en la que nos narran en primera persona las características y las anécdotas de estas producciones. Asimismo, incluye 17 fichas que tratan brevemente algunas de las películas de explotiation de ciencia-ficción de más éxito, como Star Crash, choque de galaxias: Alien 2: Sobre la Tierra; 1990, Los guerreros del Bronx; El desafío de Hércules; El exterminador de la carretera o Roma Año 2072 D.C. Los Gladiadores.

Apocalypse Domani se convierte así en un tributo a una época y una forma de hacer cine italiano explotiation de éxito internacional, de lectura amena y fluida, que aunque peca de repeticiones e iteraciones, al ser escritos los diversos capítulos por distintas manos, nos permite tener una visión de ese tipo de producción bastante completa, al menos en referencia a los títulos de mayor éxito, y entender cómo se vivía y se hacía este tipo de cine en Italia en las décadas de los años 70 y 80, y más aún cómo se promocionaba y consumía, en una época muy alejada aún del mundo digital que forma parte indisociable ya de nuestra sociedad del siglo XXI.

Título: Apocalypse domani. La década de la explotitation italiana de ciencia ficción (1977-1990)
Autores: Ángel Sala (coordinador) Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Jesús Palacios, Domingo López, Diego López, Manlio Gomarasca, Mònica Garcia i Massagué, Desirée de Fez
Editorial: Hermenaute
Ilustraciones: Miki Edge
ISBN: 978-84-120819-0-9
Páginas: 260
Precio: 22 €
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica serie TV: Ascensión, SYFY (2014)

Hoy os hablamos en Culturalia de Ascension, una miniserie de ciencia-ficción producida en el año 2014 por SYFY, y estrenada en España dos años más tarde por Netflix.

“La serie narra en tres capítulos la investigación policial del asesinato de una mujer joven que se lleva a cabo en una nave espacial generacional llamada Ascension y lanzada al espacio en plena Guerra Fría para colonizar un nuevo mundo. La indagación evidenciará las condiciones de vida en el interior de la nave y la verdadera naturaleza del proyecto, a medida que la misión se acerca al punto de no retorno”.

Ascension es una miniserie que en varios aspectos recuerda a otra serie, Battlestar Galactica, no solo por la presencia de la atractiva Tricia Helfer interpretando uno de los roles principales, sino por el tratamiento de la acción en el interior de la nave espacial.

La trama de la miniserie, se divide, para variar, en dos subtramas principales. La primera es la investigación del asesinato de una joven en extrañas circunstancias en la nave espacial. La segunda trama se centra en la gestión de la misión que se lleva a cabo desde la Tierra.

Ascension_1Es la primera trama, la que transcurre en el interior de la nave, la que tendrá más peso a lo largo de la serie. La investigación del asesinato nos perimirá descubrir cómo ha evolucionado la vida en el interior de la nave espacial generacional. Han pasado 50 años desde el despegue y la asignación de las obligaciones del viaje estelar ha llevado a la creación de clases sociales favorecidas y desfavorecidas, lo que ha generado un ambiente social claustrofóbico en la nave.

Así pues, los esfuerzos del capitán (Brian Van Holt) para mantener su cargo, los entresijos de la política en el interior de la nave, el tráfico de influencias, los intereses creados y la división de los pasajeros en clases altas y clases bajas con trabajos asignados a cada una de ellas, repercutirá en el avance de la investigación, llevada a cabo por el oficial de seguridad de a bordo (Brandon P. Bell). A ello e sumará el extraño comportamiento de Christa (Ellie O’Brien), una adolescente que comienza a desarrollar misteriosas capacidades.

Por su parte, en la trama que transcurre en la Tierra, se nos mostrarán las tareas de control de la misión espacial. Aquí los protagonistas principales son Gil Bellows que interpreta al jefe de misión, Wendy Crewson que encarna a la responsable del proyecto y delegada de la Corporación que lo ha llevado a cabo y Lauren Lee Smith, que investiga las irregularidades que se están dando en el centro de control.

La doble investigación, en el interior de la nave y en el Control de Misión en la Tierra, irá arrojando dudas sobre qué ha pasado en la nave en los últimos 50 años. Asimismo, es interesante el tratamiento que hace la serie sobre la crisis vital de los pasajeros en tránsito espacial, debido a la falta de un futuro propio e individual que afecta, sobre todo, a los descendientes de los primero pioneros, al darse cuenta de que ellos no llegarán a ningún destino.

Ascension_2Algo sorprendente, si lo pensamos, es la época en que se envía la nave al espacio, los años 60, en plena Guerra Fría, en un momento en el que la tecnología de viajes espaciales daba sus primeros pasos. Un enigma que tendrá, también respuesta a medida que avance la ficción.

La serie con varios directores (Mairzee Almas, Nick Copus, Robert Lieberman, Vincenzo Natali y Stephen Williams) la podríamos considerar una mezcla entre ciencia-ficción, thriller con toques de fantasía y terror.

El resultado final, aunque sorprendente en su idea y en el avance de la trama, nos muestra una serie con ambición en la que el ritmo no siempre es el adecuado. Se generan, además, diversas subtramas que ralentizan el avance de la historia general, y que no tendrán solución hasta el mismo final de la miniserie. Si bien, no todas las incógnitas quedarán resueltas, ya que SYFY decidió no renovar la serie con nuevos capítulos en una segunda temporada.

Aunque los escenarios, sobre todo el interior de la nave espacial, y las actuaciones son correctas, la serie se hace en algunos momentos algo lenta, hecho que pretende sorprender al espectador con los cliffhanger o giros que se producen al final de cada capítulo.

Aún así, la serie alcanza el objetivo inicial, intrigar al público con todo aquello que pasa a bordo de la nave generacional y en el Centro de Misión, mantiene e incrementa el nivel de intriga y por tanto la tensión dramática y desarrolla un interesante relato, esto es, la posibilidad de un viaje generacional a través de espacio y cómo se desarrollaría la vida en su interior. Lástima que SYFY cancelara el proyecto.

Una oportunidad de ver una trama de thriller – misterio – ciencia ficción original si bien desarrollada de forma algo espesa en determinados momentos.

Título: Ascension
Año: 2014
Duración: Miniserie de 3 capítulos
País: Estados Unidos
Dirección: Adrian Cruz (Creador), Philip Levens (Creador), Mairzee Almas, Nick Copus, Robert Lieberman, Vincenzo Natali, Stephen Williams
Guión: Adrian Cruz, Philip Levens, Melody Fox
Música: Trevor Morris
Fotografía: Pierre Gill
Reparto: Al Sapienza, Brad Carter, Jessica Sipos, Michelle Mylett, Ellie O’Brien, Amanda Thomson, Aliyah O’Brien, Rachael Crawford, Lauren Lee Smith, Cynthia Preston, Andrea Roth, Tiffany Lonsdale, Ryan Robbins, Tricia Helfer
Productora: Blumhouse Productions / Levens / Sea to Sky Entertainment. Distribuida por Syfy
Género: Ciencia-ficción, thriller, misterio

NOTA CULTURALIA: 7
NOTA IMDB: 7,2
NOTA ROTTEN TOMATOES:
• Crítica: 62%
• Audiencia: 72%
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Justícia, en el TNC

¿Qué momento o episodio de la vida da inicio a la biografía de una persona? ¿En qué momento una persona da el primer paso hacia el resto de su vida? Estas son las preguntas que intenta responder Justícia, la obra escrita por Guillem Clua y dirigida por Josep Maria Mestres que se estrenó el pasado 13 de febrero en el TNC.

La propuesta nos permite repasar la biografía de Samuel Gallart (Josep Maria Pou), un juez de carrera y diputado retirado del Parlament afectado por algún tipo de demencia. De ahí que la representación se desarrolle en dos líneas temporales, la primera la celebración familiar en la actualidad de la trayectoria del juez Gallart, en la que se nos muestran las interioridades de una familia burguesa catalana, y una segunda en la que la mente del protagonista repasa algunos de los momentos decisivos de la historia familiar, desde el final de la Guerra Civil Española y la llegada de las tropas franquistas a Barcelona hasta, justamente, la cena de celebración.

A través de ese doble relato, Justícia nos narra la evolución de la vida del abogado y político Gallart y su progresión hacia la falsedad, la autorepresión y, como colofón final, la corrupción. De esta forma los diferentes episodios de la vida del juez nos permitirán entender como una vida se marchita y se corrompe, condicionada por la sociedad y la realidad en la que vive.

Clua ha estructurado un texto complejo que se desliza por el escenario de forma firme y sólida. La escenografía, que representa un hogar, una casa y una familia, se deconstruye a lo largo de la representación y nos permite contemplar lo que pasa en su interior y conocer los entresijos de los diferentes personajes y de la familia.

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Un doble relato temporal que muestra también el avance de la degradación del personaje principal, el juez Gallart, en cuya mente presente y pasado se fusionan de forma aleatoria. Una degradación y descomposición de los lazos familiares que se nos revela en el pasado y también en el presente, mostrándonos a una familia de clase alta en parte desestructurada, cuyos miembros también están afectados o amenazados por el engaño, la falsedad y por el qué dirán.

Justícia es además valiente al tratar la corrupción en la política catalana. En este aspecto vale la pena felicitar a Clua por lo atrevido de su propuesta, por cómo lo hace y por dónde lo hace. Las referencias están muy claras, la corrupción vinculada a Jordi Pujol y Convergència, que tropieza con el relato de la historia familiar para enturbiarlo todo. Magnífico el momento en el que el juez Gallart recomienda a su nieto que está iniciandose en la política, que en su primer discurso público utilice conceptos como Pàtria, Futuro y Libertad, según él, palabras vacías que ya se encargarán lo demás de llenar de sentido, en una más que clara referencia a la situación actual que vive la política catalana y española.

Como patriarca, Josep María Pou destaca en la interpretación del personaje central de la obra, cuyas contradicciones emocionales afectarán de una forma u otra al resto de miembros de la familia. De nuevo Pou se distingue con una interpretación sólida y compleja. El resto del elenco interpreta a diversos personajes de la historia familiar del pasado y del presente: Vicky Peña que encarna a la mujer y a la madre del juez Gallart; Pere Ponce que interpreta al padre y al yerno del juez o Manel Barceló, Anna Sahun, Roger Coma y Anna Ycobalzeta entre otros.

La dirección de Mestres pone orden en una propuesta asimismo compleja, permitiendo al público diferenciar entre las escenas actuales y las ubicadas en el pasado, ayudándose de juegos de luces y cambios de vestuario.

Justícia es una de aquellas obras que requieren una lectura atenta y reflexiva, ya que nos permite reflexionar sobre la vida de un país, España y Cataluña, desde la perspectiva de la historia de una familia bien situada. Todo tiende a empeorar, sobre todo cuando nuestros actos, nuestras ideas y nuestros sentimientos se degradan y desmoronan por el camino.

“Justícia” se representa en el TNC del 13 de febrero al 22 de marzo de 2020.

Autoría: Guillem Clua
Dirección: Josep Maria Mestres
Con: Manel Barceló, Alejandro Bordanove, Marc Bosch, Roger Coma, Vicky Peña, Pere Ponce, Josep Maria Pou, Anna Sahun, Anna Ycobalzeta y Katrin Vankova
Escenografía: Paco Azorín
Vestuario: Gabriela Salaverri
Iluminación: Ignasi Camprodon
Sonido: Jordi Bonet
Caracterización: Noemí Jiménez
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Horarios: miércoles a las 19:00 horas; jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 14,5€; entrada general 29€
Duración: 2 horas y 50 minutos, entreacto incluido
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: A Chorus Line, en el teatro Tívoli

Llega al Tívoli de Barcelona A Chorus Line, el musical creado por James Kirkwood y Nicholas Dante con música de Marvin Hamlisch y dirigido, en esta ocasión, por Antonio Banderas, que nos muestra los entresijos del mundo del espectáculo.

A Chorus Line es uno de aquellos grandes musicales que han cosechado un gran éxito desde el día de su estreno en el año 1975. Un musical made in Broadway que habla del espectáculo, y más concretamente de las vidas de los que se dedican al teatro, de los que forman la línea del coro.

Una propuesta, la de Banderas, esplendida desde cualquier punto de vista. Hacía tiempo que no veía un espectáculo tan completo como A Chorus Line. El musical tiene todo lo que ha que tener un buen musical. No hace falta que hable de la trama: un grupo de aspirantes a coristas en medio de una audición en un teatro de Broadway. El director quiere tomar la mejor de las decisiones, quiere conocer a las personas y las vidas que hay detrás de cada uno de ellos y de ellas. De esta forma conoceremos las experiencias y los dramas vitales que han llevado a los aspirantes hasta el teatro.

La representación nos sitúa de pleno en la prueba de selección, donde Zach (Pablo Puyol), el director, se esfuerza por hacer el mejor casting entre los aspirantes, de ahí que los ensayos sean agotadores y que Puyol entre y salga de escena constantemente.

Así, pues, A Chorus Line nos permite enfocar el interés del público en la realidad y los sueños, a veces truncados, que hay detrás de las grandes producciones teatrales, y que normalmente quedan ocultas tras las bambalinas.

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Para ello la producción de la obra, Soho CaixaBank, ha llevado a cabo un casting minucioso, ya que los actores de la versión española del musical no solo han de bailar y cantar bien, sino que han de interpretar bien. Y el resultado no es otro que magnífico. El elenco, demasiado amplio para ser citado aquí, canta, baila e interpreta a la perfección, sin que haya ningún momento en que se pierda la intensidad, haciendo evidente a los espectadores los dramas, los sacrificios y, también, los éxitos que dan vida a las chicas y los chicos del coro.

Banderas, además, ha afinado la dirección ya que siendo la obra coral, cualquier desequilibrio afecta al global de la representación. Y lo ha conseguido con creces. En A Chorus Line todo está muy bien afinado: la interpretación de los actores y actrices, el ritmo de la obra y la escenografía y los juegos de luces que, aunque minimalistas, envuelven y refuerzan a la perfección las historias que nos son narradas.

Por lo que respecta a la música, la orquesta dirigida por Arturo Diez-Boscovich suena maravillosamente bien. Tan bien que creo que nunca había oído en teatro musical una orquesta que sonara tan bien como la de A Chorus Line. De nuevo un excelente!!

Como les digo todo luce perfecto. Los número musicales, la interpretación de los actores y actrices, que conectan, seguro, con las vivencias del público, y como no la apoteosis final, en la que la línea del coro interpreta a la perfección One, el tema final, el que conocemos todos, y que ha ido sonando en un in crescendo a lo largo de la representación.

Como os podéis imaginar, no me queda nada más que quitarme el sombrero ante una esplendida propuesta de espectáculo musical. No os la podéis perder, si queréis disfrutar de verdad del teatro (musical) bien hecho y si, además, queréis conocer y os queréis conmover con las vidas de los chicos y chicas de la línea del coro.

“A Chorus Line” se representa en el teatro Tívoli del 21 de febrero al 29 de marzo de 2020.

Concepción, dirección y coreografía originales: Michael Bennett
Reposición de la dirección y coreografía originales: Baayork Lee
Libreto: James Kirkwood y Nicholas Dante
Música: Marvin Hamlisch
Dirección: Antonio Banderas
Reparto: Pablo Puyol, Alberto Escobar, Fran Del Pino, Anna Coll, Enric Marimón, Cassandra Hlong, Ivo Pareja-Obregón, Sarah Schielke, Kristina Alonso, Albert Bolea, Angie Alcázar, Lorena Santiago, Daniel Délyon, Juan José Marco, Diana Girbau, Beatriz Mur, Roberto Facchin, Fran Moreno, Estibalitz Ruiz, Miguel Ángel Belotto, Lucía Castro, Pol Galcerà, Daniel Garod, Fernando Mariano, Graciela Monterde, Marcela Nava, Lucrecia Petraglia, Zuhaitz San Buenaventura y Aida Sánchez
Dirección musical: Arturo Díez-Boscovich
Escenografía: Robin Wagner
Iluminación: Tharon Musser y Carlos Torrijos
Sonido: Javier G. Isequilla y Francisco Manuel Rubio López
Caracterización: Sandra Lara
Vestuario: Theoni V. Aldrege, Marian Milla y Phil LaDuca
Producción: Teatro del Soho CaixaBank

Horarios y precios: Web Grup Balañà
Duración: 130 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Aquella nit, en La Villarroel

El pasado 4 de enero se estrenaba en La Villarroel Aquella nit, una historia de amor posmoderna escrita por David Greig, dirigida por David Selvas e interpretada por Ivan Massagué y Marta Bayarri.

Helena es una abogada de divorcios, que se entiende desde hace años con un hombre casado. Bob malvive haciendo trabajos ilegales, y ha dejado atrás, ya hace tiempo, sus planes para ser escritor. Después de conocerse en un bar, los dos vivirán un fin de semana de transformación, que cambiará sus vidas por siempre jamás”.

Una historia romántica y urbana ambientada en la realidad líquida actual. Selvas nos propone una historia muy cercana por lo que nos cuenta y por la utilización de un escenario central rodeado por dos gradas laterales, en la que la acción transcurre de una forma muy próxima al público, lo que permite la interacción con los espectadores.

La historia da inicio con la presentación de los propios actores-personajes, de sus vidas y de la noche en que se conocieron. Serán, así, los propios personajes los que nos relatan, rompiendo constantemente la cuarta pared, la acción que ellos mismos interpretan. De esta forma iremos conociendo cómo se vinculan sus vidas y cómo su historia de amor se va concretando de forma progresiva. Porque la clave de la obra está aquí, en la forma posmoderna y actual en que se desarrolla la “historia de amor” entre Helena y Bob y en cómo es narrada al público.

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Las historias de amor se nos han contado, como ya saben, incontables veces y de muy diversas formas, si bien Greig desarrolla un alegato del amor posmoderno en el que la clave no está en lo ordinario o en lo convencional, sino en lo “desarticulado”, fiel reflejo así de la sociedad en la que vivimos. Él, un cuarentón que se gana la vida trapicheando, ella una abogada especializada en divorcios enamorada de un hombre casado. No será hasta que se vean forzados a sentir algo el uno por el otro, que sus vidas podrán rehacerse y avanzar de nuevo.

Como les decía el escenario, casi vacío, es la plataforma sobre la que los actores y sus personajes no narrarán su historia, provocando parones en la representación e incluso contradicciones, ya que la memoria y nuestros yo respectivos deforman y reinterpretan nuestros propios recuerdos. Y es esta característica de la representación la que la hace más real y más fresca.

A ello no es ajeno la interpretación de Massagué y Bayarri, clave para que la propuesta tire adelante. Aquí La Brutal acierta en la elección de un Massagué que interpreta a un golfillo con aspiraciones fallidas y una Bayarri como una abogada arrumbada por la realidad en la que vive. Ambos hacen creíbles sus roles con nota, en parte debida a la dirección de Selvas, que en esta ocasión sabe sacar lo mejor de las situaciones y de los actores y al pintoresco acompañamiento musical de la representación.

Todo ello da forma a un espectáculo afligido en su naturaleza pero alegre y empoderador en su mensaje, ya que apela a aquel sentimiento de mejora y superación que todos deberíamos llevar dentro: aquello de que las segundas oportunidades existen y que solo requieren que las identifiquemos de alguna forma y que nos arriesguemos por ellas, sino la vida tiende a transcurrir en el sopor provocado por la inercia y la falta de estímulos, algo cada vez más común en la sociedad y el tiempo en el que vivimos.

Aquella nit es una propuesta que le gustará, seguro, y que le hará, eso espero, reflexionar sobre la vida, la de los otros y también sobre la suya propia, Una propuesta a tener en cuenta.

“Aquella nit” se representa en La Villarroel del 4 de enero al 8 de marzo de 2020.

Dramaturgo: David Greig
Compositor y letrista: Gordon McIntyre
Dirección: David Selvas
Traducción: Cristina Genebat
Intérpretes: Ivan Massagué y Marta Bayarri
Músicos: Aurora Bauzà y Pere Jou (TelemannRec.)
Escenografía: Blanca Añón
Vestuario: Maria Armengol
Iluminación: Mingo Albir
Diseño de sonido: Roger Àbalos
Producción: La Brutal y Minoria Absoluta

Horarios: de lunes a jueves a las 20:30 horas: viernes a las 21:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: a partir de 24€
Duración del espectáculo: 1 hora y 30 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Concierto: CaixaBanK Polo Music Festival 2020

Hoy os informamos de las novedades acerca de la nueva edición del CaixaBank Polo Music Festival.

La edición de este año presenta un programa interesante y variado que incluye las actuaciones de Juan Magán, Hombres G, Antonio José, Sofia Ellar, Aitana, Lighthouse Family, Ara Malikian, Maestro y Alejandro Sanz.

El CaixaBank Polo Music Festival se celebra del 22 de mayo al 7 de junio en las instalaciones del Real Club de Polo de Barcelona.

Más información:
Web CaixaBank Polo Music Festival

CaixaBanK Polo Music Festival 2020_1

Estreno cine: Otra vuelta de tuerca, de Floria Sigismondi

El próximo 17 de abril llega a cines españoles Otra vuelta de tuerca, un film de terror sobrenatural que adapta la obra literaria de Henry James ‘The Turn of the Screw’, producida por Steven Spielberg y dirigida por Floria Sigismondi.

Miles y Flora son dos jovenes hermanos que se quedan huérfanos. Por ello su tío contrata a una institutriz para que se haga cargo su cuidado. Todo comienza a oscurecerse cuando la institutriz comienza a ver sombras que se mueven por los jardines de la casa que amenazan a los niños y a ella misma.

La película está protagonizada por Finn Wolfhard (Stranger Things, It), Mackenzie Davis (Tully, Blade Runner 2049) y Brooklynn Prince (The Florida Project, One and only Ivan) y está dirigida por Floria Sigismondi (American Gods, El cuento de la criada).

Título: Otra vuelta de tuerca
Estreno en España: 17 de abril de 2020
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Floria Sigismondi
Guion: Chad Hayes, Carey Hayes (a parttir de la novela de Henry James)
Música: Nathan Barr
Fotografía: David Ungaro
Reparto:   Mackenzie Davis, Finn Wolfhard, Brooklynn Prince, Niall Greig Fulton, Denna Thomsen, Mark Huberman, Barbara Marten
Género: Terror

Exposición: “TOI el TOI 30 años”

Aún estás a tiempo de visitar una exposición muy especial: “TOI el TOI 30 años”, una muestra que nos hará viajar a nuestra infancia para recordar el que muchos consideran el predecesor del lenguaje SMS y los emoticonos actuales.

La exposición “TOI el TOI 30 años” es un recorrido por la génesis, historia y evolución del TOI, un personaje popular que apareció en diversas campañas de Panrico, en cromos dentro del Bollycao y que se convirtió en un fenómeno de masas a principios de los años noventa.

Exposición TOI el TOI 30 años_1

El autor del TOI es el colegiado Jordi Català, pionero de la infografía periodística y el TOI es un diseño de autoencargo que tuvo un gran éxito comercial y de público en su desarrollo.

El Col·legi Oficial de Disseny Gràfic de Catalunya acoge la exposición “TOI el TOI 30 años” que nos muestra 30 años de historia de un fenómeno de comunicación popular, un claro predecesor del lenguaje SMS y de los emoticones modernos.

Exposición: “TOI el TOI 30 años”
Fechas: del 12 de diciembre de 2019 al 12 de febrero de 2020
Lugar: Col·legi Oficial de Disseny Gràfic de Catalunya
•  Calle del Paradís, 5
Horario: De lunes a jueves, de 10:00 a 14:00h y de 16:00 a 19:00h, viernes de 10:00 a 15:00h
Precio: Actividad gratuita