Archivo de la categoría: Cine

Estrenos de cine y críticas de películas.

Concientos de Navidad: Barcelona Christmas Gala y 100 años de Bernstein

Se acerca la Navidad y como cada año os informamos de los conciertos navideños que darán inicio a las celebraciones festivas. Nos fijamos este año en la Barcelona Christmas Gala en el Palau de la Música y el concierto homenaje 100 años de Bernstein y el musical americano en el Auditori.

Barcelona Christmas Gala_ Palau de la Música
Barcelona Christmas Gala, Palau de la Música
Fecha: Miércoles 19 Diciembre de 2018
Horario: 20:30 horas
Ciclo: Barcelona Classic Festival Nights
Precios: de 28 a 68 €
Organiza: Fundación Excelentia

Ficha artística
Director: Kynan Johns
Miguel Borrallo, tenor
Isabel Ortega, soprano
Coral Cármina
Orfeó Gracienc
Orquesta Clásica Santa Cecilia

Programa
J. S. Bach: Jauchzet frohlocket! del “Oratorio de Navidad”
G. Donizetti: Una furtiva lagrima de “L’elisir d’amore”
V. Bellini: Casta Diva de “Norma”
G. F. Haendel: For unto us a child is born de “El Mesías”
G.Bizet: Agnus Dei
G. Caccini: Ave Maria
W. A. Mozart: Gloria de la “Misa de la Coronación” K.317
C. Franck: Panis Angelicus de la “Messe Solennelle”
W. A. Mozart: Laudate Dominum de las “Visperas Solemnes”
A. Adams: Cantique de Noel
Popurrí Navideño:
– “A Christmas Festival” de L. Anderson
– “Happy Christmas” (A war is over) de J. Lennon
– “White Christmas
– “Aleluyah” de L. Cohen
– “Amazing Grace
– “O Holy Night
– “Santa Claus is coming to town
– “Guten Abend, gut Nacht” de J. Brahms
– “We wish you a merry Christmas
– “Noche de Paz” (en varios idiomas)
– “Adeste Fideles” (Coro y Solistas)
– “Feliz Navidad” de J. Feliciano
G. F. Haendel: Hallelujah de “El Mesías”

Más info: Barcelona Christmas Gala

100 años de Bernstein y el musical americano_LAuditori
100 años de Bernstein y el musical americano, L’Auditori
Las mejores voces del West End interpretan las grandes melodías de Broadway

Fecha: Viernes 21 de diciembre y sábado 22 de diciembre de 2018
Horario: 20:00 horas
Precios: de 10 a 60€

El centenario de Leonard Bersntein vuelve a ser un buen motivo para llenar el escenario de luz, de color, de ritmo, de ternura y de buen humor. Fragmentos de West Side Story, Candide o On the town y grandes musicales norteamericanos se dan cita en este concierto que homenajea a grandes melodías de Broadway.

Ficha artística
Director: Alfonso Casado
Director escénico: Mariano Detry

Intérpretes y artistas invitados
Julian Ovenden
Gerónimo Rauch
Scarlett Strallen
Rebecca Trehearn
Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC)

Programa
BERNSTEIN: Wonderful Town: Overture
BERNSTEIN: West Side Story: Something’s Coming, Maria, A Boy Like That
BERNSTEIN: On The Town: Ballet, New York, NY
BERNSTEIN: Wonderful Town: A Little Bit In Love, One Hundred Easy Ways
BERLIN: Annie: Get you Gun. They say it’s Wonderful
LOESSER: Guys & Dolls. I’ve never been in Love before
WILSON: The Music Man: Till there was you
BERLIN: Annie: Get you Gun, The Girl that I marry
PORTER: Kiss Me Kate: So In Love
BERNSTEIN: West Side Story: Mambo

BERNSTEIN: Candide: Overture I, Glitter and Be Gay, Nothing More than This
SONDHEIM: A Little Night Music. Overture and Night Waltz, Send in The Clowns
SONDHEIM: Follies. Too Many Mornings
SONDHEIM: Passion. Happiness
SONDHEIM: Company. Being Alive
BERNSTEIN: Candide. Quartet Finale

Más info: 100 años de Bernstein y el musical americano

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Estreno cine: Glass (Cristal), de M. Night Shyamalan

glass_cristalEl próximo 18 de enero (de 2019) llega a las carteleras españolas Glass (Cristal), la nueva película de M. Night Shyamalan que recupera personajes de algunos de sus antiguos éxitos.

La trama de la película continúa donde la dejó Múltiple. Glass (Cristal) sigue los pasos del guardia de seguridad David Dunn (Bruce Willis) mientras busca a la figura superhumana de La Bestia, la personalidad más peligrosa y desatada de las veinticuatro que comparte en su interior Kevin Wendell Crumb (James McAvoy). En la sombra, Elijah Price (Samuel L. Jackson), al que David ya se enfrentó en una ocasión anterior, parece emerger como una figura clave que conoce los secretos de ambos. Glass (Cristal) es una secuela tanto de ‘El protegido’ como de ‘Múltiple’, películas de M. Night Shyamalan. Ahora ambos films del aclamado director de ‘El sexto sentido’ y ‘El bosque’ convergen en un nuevo y explosivo thriller.

Título: Glass (Cristal)
Título original: Glass
Director: M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan
Reparto: Sarah Paulson, Bruce Willis, Anya Taylor-Joy, James McAvoy, Samuel L. Jackson, Spencer Treat Clark, Luke Kirby, Charlayne Woodard, Rob Yang, Kyli Zion, Jane Park Smith, Adam David Thompson, Shayna Ryan, Diana Silvers, Aurora Karine

País: EE.UU.
Género: Thriller, Suspense
Estudios: Blumhouse Productions, Touchstone Pictures
Distribuidora: Buena Vista Internacional
Fecha de estreno España: 18 Enero 2019

Exposición: Stanley Kubrick en el CCCB

Llega a Barcelona (CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona) la exposición que repasa la trayectoria creativa del director Stanley Kubrick. La muestra es un recorrido cronológico por la obra de un genio del cine, creador de obras maestras en una gran diversidad de géneros cinematográficos.

Presenta una cuidada selección de más de seiscientos ítems entre imágenes en movimiento (unos cuarenta audiovisuales); objetos y material procedentes de los archivos personales del director (documentos de investigación y producción, guiones, fotos fijas, utillaje, vestuario, maquetas, cámaras y objetivos…).

Toda la carrera del director está documentada y representada, desde sus inicios con los cortodocumentales hasta su última película, Eyes Wide Shut (1999) u obras maestras como 2001: Una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975) y El resplandor (1980).

Los seguidores de Kubrick encontraran piezas icónicas, utilería y vestuario original como el Niño de las Estrellas y el disfraz de hombre mono, de 2001: Una odisea del espacio; los vestidos de las hermanas gemelas y el hacha de Jack Torrance de El resplandor; el casco con el lema «Born to kill», de La chaqueta metálica (1986), y las máscaras de Eyes Wide Shut.

Exposicio Stanley Kubrick_CCCBEn la exposición se pueden observar varias piezas del equipo de grabación con el que trabajaba Kubrick: cámaras de mano, cámaras de estudio, una mesa de montaje Moviola y una selección de objetivos de cámara, incluido el objetivo Zeiss de alta velocidad con el que se grabaron las escenas de Barry Lyndon a la luz de las velas.

Los proyectos inacabados de Stanley Kubrick, Napoleón y Los papeles arios, también se presentan en detalle. El material recogido propiedad del director documenta hasta qué punto había avanzado el trabajo de investigación y preproducción en la película sobre el emperador francés y en la adaptación cinematográfica de la novela de Louis Begley, Wartime Lies.

La exposición también se adentra en la carrera de juventud de Kubrick como fotógrafo. En aquella época, trabajó para la prestigiosa revista Look, a la que contribuyó con miles de fotografías.

El crítico de cine y escritor Jordi Costa es el responsable de su adaptación en el CCCB de Barcelona, que incorpora contenidos inéditos. Entre otros, nuevos materiales del filme 2001: una odisea del espacio (1968), que este año cumple su cincuenta aniversario; storyboards de Barry Lyndon; entrevistas inéditas a actores y directores colaboradores de Stanley Kubrick o una instalación audiovisual biográfica, firmada por Manuel Huerga.

«Stanley Kubrick» es una exposición del Deutsches Filmmuseum, Frankfurt am Main, Christiane Kubrick, Jan Harlan y el Stanley Kubrick Archive de la University of the Arts London, con la colaboración de Warner Bros. Entertainment Inc., Sony-Columbia Pictures Industries Inc., Metro Goldwyn Mayer Studios Inc., Universal Studios Inc., y SK Film Archives LLC. La muestra ya se ha podido ver en diferentes ciudades de todo el mundo como Ciudad de México, Los Ángeles, Seúl o París.

Exposición: Stanley Kubrick
Dónde:
CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Cuándo: Del 24 octubre 2018 al 31 marzo 2019

Comisarios: Hans-Peter Reichmann, Tim Heptner, Deutsches Filminstitut (Fráncfort)
Comisario en Barcelona: Jordi Costa i Vila
Diseño de espacios: AV Diseño de Espacios Culturales

Precio: 6€ / 4€ reducido

Visitas comentadas
Catalán – Domingos y festivos, 11.30
Castellano – Sábados, 11.30
Gratuitas con la entrada a la exposición.

Ciclo “Cine e Historia” en la Muestra de Cine Europeo de Segovia

La Muestra de Cine Europeo de Segovia (MUCES 2018) que se celebra del 14 al 20 de noviembre incluye un ciclo dedicado al Cine y la Historia.

En su voluntad por promover nuevos aspectos de la producción cinematográfica, la 13 Muestra de Cine Ciudad de Segovia añade a sus características secciones cuatro ciclos que vinculan el cine con otras artes: “Cine e Historia”, “Cine y Literatura”, “Cine y Arquitectura” y “Cine y Deporte”, acompañadas de presentaciones y conferencias que integran a diferentes instituciones segovianas como el colegio de arquitectos, asociación de libreros y editores de Segovia, asociación de la prensa deportiva, historiadores y a la ciudadanía para profundizar en los diferentes temas que abordan las películas seleccionadas.

Ciclo “Cine e Historia”

Tomando la Historia como excusa y el Cine como coartada, “Cine e Historia” dirige la mirada hacia cómo construimos nuestro imaginario y el papel del cine en él, sobre cómo la industria del cine bebe de los hechos históricos mientras la sociedad construye y reconstruye su historia teniendo el cine como fuente inspiración.

David Corominas junto con Jesús Izquierdo, Alexa Portillo, Sebastián Bettosini y Pilar Ruiz conforma el grupo de expertos creadores de este ciclo exclusivo para MUCES compuesto por cuatro películas en torno a dos líneas convergentes: “Aprender a leer el Cine, aprender a ver la Historia”, con la proyección de dos películas sobre hechos históricos y charlas previas a modo de talleres participativos en los que se explica cómo se puede utilizar el cine en la didáctica de la historia.

Rojo y Negro, de C. Arévalo (20 de noviembre en el Edificio Santiago Hidalgo), una de las películas malditas de la guerra civil, no sólo por tratarse de la única ficción falangista de la época, sino porque la película desapareció misteriosamente tres semanas después de su estreno, en mayo de 1942, en el cine Capitol de Madrid aparentemente retirada por el propio régimen franquista. La última carga, de T. Richardson (15 de noviembre en el Edificio Santiago Hidalgo) de 1968, un largometraje sobre Historia vista por el Cine. Además, bajo el concepto de “La mirada en el otro” también se proyectarán otros dos ejemplos sobre la subalternidad de la mujer en la Historia: El proceso de Juana de Arco, de Bresson (16 de noviembre en San Quirce), una película indispensable de 1962; y El secreto de Vera Draker de M. Leigh (19 de noviembre en San Quirce), de 2004.

Cada sesión constará de una presentación del tema en términos historiográficos y didácticos. A continuación se comentará la película, el motivo de la elección y cómo su visión puede mostrarnos claves críticas para un mejor conocimiento del tema histórico que se ha querido ilustrar con ella.

La ultima cargaProyección: La última carga, de Tony Richardson (125’)
Jueves, 15 de noviembre. 11:00h
Ponentes: José María Lozano Muñeiro (Universidad de Alcalá)

El sacrificio de la Brigada Ligera en 1854 durante la Guerra de Crimea, exaltada por poetas y pintores como paradigma de la épica victoriana, alienta a los creadores del free cinema a mirar airadamente la codicia imperial del siglo XIX y, a su través, la historia del siglo XX.

El proceso de Juana de ArcoProyección: El proceso de Juana de Arco, de Robert Bresson (65’)
Viernes, 16 de noviembre. 20:00h
Ponentes: Noelia Adánez (dramaturga, editora y doctora en Políticas y Sociología) y Pilar Ruíz (realizadora, guionista y escritora)

“Quiero traer al presente las cosas del pasado”, dijo sobre su película el propio Robert Bresson, quien nos hace asistir al duelo dialéctico entre una mujer, Juana, y sus acusadores, en las postrimerías de la Guerra de los Cien Años. Verdad y manipulación, legalidad frente a justicia, se convierte en poesía del cine en manos del director francés, a través de la mirada de su protagonista: la mujer que se convirtió en el mito fundacional de la Francia más nacionalista.

El secreto de Vera DrakeProyección: El secreto de Vera Drake, de Mike Leigh (125’)
Lunes, 19 de noviembre. 20:00h
Ponentes: Jesús Izquierdo (Universidad Autónoma de Madrid – UAM) y Elisa Puerto (Escuela Internacional de Cine y Televisión – EICTV)

Mike Leigh hace un recorrido por el pasado, donde la mujer ha vuelto a ser recluida en el seno de la domesticidad, en el lugar pequeño de su función reproductiva tras su corta apropiación del trabajo masculinizado durante la II Guerra Mundial, cuando las fábricas se llenaron de mujeres en sustitución del hombre combatiente. Allí se aloja la vida cotidiana y familiar de Vera Drake, mujer que apuesta decididamente por ayudar a mujeres anónimas a practicar abortos que les permiten eludir una vida que las condena o que las faculta para continuar abriéndose paso en un horizonte masculino: dilema que, aunque parezca superado, por un presente radicalmente moderno, reaparece para apelarnos con recurrencia ética.

Rojo y negroProyección: Rojo y Negro, de Carlos Arévalo (80’)
Martes, 20 de noviembre. 11:00h
Ponentes: Sebastián Bettosini y Miguel Ángel Pastor (profesores de Historia en enseñanza secundaria)

Película realizada por los vencedores de la Guerra Civil, en el período de mayor represión de la posguerra, que defiende una posición conciliadora. Muestra una sociedad dirigida por hombres, pero protagonizada por una mujer. Rojo y Negro presenta una fotografía expresionista, con un aspecto formal inspirado, cuando no copiado, en las vanguardias rusas, para defender sus tesis antisoviéticas. La película contiene errores básicos de montaje, que 20 años después se considerarían rupturistas en la nouvelle vague francesa. ¿Es Rojo y Negro una obra maestra? ¿Un accidente? Se trata de una película única en el panorama del cine español durante el franquismo; parte fundamental de nuestra historia y cine.

* Las sesiones de la mañana se celebrarán en el Edificio Vicerrector Santiago Hidalgo – Antigua Escuela de Magisterio (Paseo San Juan de la Cruz, s/n). Las de la tarde serán en el Aula de San Quirce (Calle de Capuchinos Alta, 4).

* Aunque la actividad está dirigida al público general, con entrada libre y gratuita, en las sesiones matutinas tendrán preferencia los grupos de educación secundaria, previa reserva. El público podrá acceder a la sala siempre que queden asientos libres.

Tour Film Symphony Orchestra 2018 – 2019: especial john williams

Llega a Barcelona la Film Symphony Orchestra con una gira sin precedentes en España: el FSO TOUR 2018/19: Especial John Williams que incluirá más de 4 horas de música en directo divididas en 2 programas diferentes.

Film Symphony Orchestra, orquesta sinfónica líder en Música de Cine, ‎regresa de gira presentando su FSO TOUR 2018/19: Especial John Williams. ‎Un tour con más de 60 conciertos por toda España y Portugal en el que se rinde el mayor ‎tributo al compositor, ganador de 5 Premios Óscar y poseedor de 59 nominaciones a estos. Se ‎trata de una gira muy especial en la que se interpretarán los mejores temas del genial ‎compositor, de la mano del carismático director de orquesta Constantino Martínez-Orts. ‎Como novedad, el FSO TOUR 2018/19 incluirá más de 4 horas de música en ‎directo divididas en 2 programas distintos. En este tour, la FSO ofrecerá el ‎doble de música, de espectáculo y de emoción.‎

Repertorio concierto 30 de septiembre de 2018 (Barcelona)
Summon the Heroes
Lincoln
La Ladrona de Libros
Star Wars: Los Últimos Jedi
Nacido el 4 de Julio
Atrápame si Puedes
El Mundo Perdido: Jurassic Park
Indiana Jones y la Última Cruzada
The Cowboys
Tiburón
Harry Potter y la piedra filosofal
Un Horizonte muy Lejano
La Lista de Schindler
1941
Mi Amigo el Gigante
Superman
The Mission Theme
Hook, el capitán garfio
Intérpretes y artistas invitados
Film Symphony Orchestra
Constantino Martínez-Orts, director

Repertorio concierto 3 de febrero de 2019 (Barcelona)
El Violinista sobre el Tejado
Fanfarria Olímpica y Tema
El Patriota
JFK
Las Aventuras de Tintín
Las Brujas de Eastwick
War Horse
Memorias de una Geisha
Munich
Parque Jurásico
Las Aventuras de Indiana Jones
Las Cenizas de Ángela
Indiana Jones y el Arca Perdida
La Terminal
Encuentros en la Tercera Fase
La Batalla de Midway
E.T
Star Wars: Una Nueva Esperanza

Concierto: Film Symphony Orchestra tour 2018/19: especial John Williams
Cuándo: 30 de septiembre de 2018 y 3 de febrero de 2019
Dónde: L’Auditori de Barcelona
Horario: 19:00 de la tarde
Precio: de 28€ a 52€ (por concierto)

 

CALENDARIO Y ENTRADAS CONCIERTOS TOUR FSO 2018/2019 JOHN WILLIAMS: España y Portugal

https://www.filmsymphony.es/es/entradas/

Crítica cinematográfica: Star Wars: The Last Jedi

Analizar una película que forme parte de la franquicia Star Wars siempre es complicado, se trata de un punto etéreo donde conectan diversas sinergias nostálgicas. Los que nos hemos criado con las obras que forman parte de la trilogía original -o bien con las precuelas- hemos convertido esta saga en referencial. Este muro de subjetividad ha encontrado grietas en el momento en que ha sido creada una nueva trilogía de películas. Ante la novedad de la misma, todos partíamos de la misma base: no sabíamos nada. Esto responde al hecho de que el argumento que se nos presenta es contemporáneo a los hechos de las dos trilogías anteriores y es nuevo a ojos de todos.

El primer filme de esta nueva trilogía -titulado The Force Awakens– fue estrenado la Navidad de 2015. La película recibió valoraciones positivas en cuanto a la crítica profesional; pero toda obra que forme parte del universo Star Wars debe superar el umbral más conflictivo y polémico: el de la comunidad fan. Este grupo se mostró decepcionado en gran parte, sobre todo por el conservadurismo que desprendía su argumento, muy plano y similar al del archiconocido y parodiado Episodio IV. También existían voces discordantes con este planteamiento que alababan la obra, pero quedaban rápidamente enterradas tras las argumentaciones de críticos furibundos.

El director JJ Abrams pasó el testigo a Rian Johnson, quien se ha encargado de dirigir la continuación. El nombre que otorgó a la obra fue The Last Jedi, toda una declaración de intenciones que quería romper con el continuismo imperante y nocivo que había implementado el largometraje anterior.

Rian Johnson intentó abrirse camino en Hollywood tras la positiva Looper, una obra que intentaba plasmar el universo de la ciencia ficción a la gran pantalla de una manera novedosa y pionera, como ya se vio en Harry Potter y su universo mágico, en el Señor de los Anillos y su aura épica o en el universo del casino de Bond: Diamantes para la eternidad.

La película fue estrenada esta Navidad en un contexto altamente similar: la crítica especializada alabó la obra de manera unánime, pero el momento de la verdad llegaría nuevamente cuando los fans fueran los encargados de desgranarla. Como si se tratase de la fuerza, los detractores y los partidarios de la obra originaron un cisma que todavía hoy se mantiene irreconciliable. En esta ocasión la película era criticada por su heterogénea en comparación a lo que se había visto previamente en la saga. Los fans que exigían una terapia de choque aplicada a la franquicia ahora criticaban su aplicación.

La octava entrega de la saga profundiza en los hechos que mostró su antecesora, y se intentan esclarecer muchas incógnitas planteadas. El exilio de Luke Skywalker se intenta resolver de la mejor manera posible y vemos como la Resistencia intenta establecerse como fuerza hegemónica en el universo con el liderazgo de la Princesa Leia. Todos los personajes que ya vimos en The Force Awakens siguen una evolución y se profundiza en su historia.

Desgraciadamente, ciertos elementos no se resuelven de la mejor manera posible y muchas incógnitas que la comunidad quería ver resueltas quedan en el aire. Por suerte, la trilogía todavía se guarda una última bala, el episodio IX, que nuevamente será escrito y dirigido por JJ Abrams. Cuando el lienzo quede estirado del todo y los detalles hayan sido explicados en su contexto global podremos analizar su mensaje definitivo. Sin embargo, las casi tres horas de metraje son autocomplacientes y el deseo de querer más queda, en parte satisfecho.

Personajes nuevos como Rose Tico (Kelly Marie Tran) o DJ (Benicio del Toro), no aportan nada nuevo a la historia y quedarán grabados como un pie de página en la historia de la saga. La implementación de un tipo de humor Marveliano tampoco acaba de encajar dentro del tono de la película y puede descontextualizar el mensaje que se está explicando. La evolución de Kylo Ren (Adam Driver) es quizás el elemento más potente de la obra y uno de los aspectos que vale la pena alabar.

La perfección técnica de la obra queda fuera de toda duda, con una implementación digital que brilla con luz propia. Los efectos especiales establecen un umbral difícil de superar.

La sensación final es agridulce, de un intento fallido de reconducir la franquicia y postrarse al nivel de obras anteriores. Como ya hemos mencionado, tendremos que esperar hasta visualizar el último capítulo de la nueva trilogía para ubicarla en su contexto global. Entre el negro de The Force Awakens y el gris de The Last Jedi existen una gran tonalidad de grises que vale la pena tener en cuenta.

Título: Star Wars: The Last Jedi
Director: Rian Johnson
Guión: Rian Johnson
Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Óscar Isaac, Mark Hamill, Carrie Fisher,Kelly Marie Tran, Domhnall Gleeson, Benicio del Toro, Laura Dern, Andy Serkis,Gwendoline Christie, Lupita Nyong’o, Anthony Daniels, Frank Oz, Warwick Davis,Justin Theroux, Billie Lourd, Lily Cole, Navin Chowdhry, Temirlan Blaev, Sara Heller,Josiah Oniha, Joseph Gordon-Levitt
Género: Acción, Aventuras, Ciencia Ficción
Nacionalidad: EE.UU.
Año: 2017
Estreno: 15 de diciembre de 2017
NOTA CULTURALIA: 6,5
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Joan de Buen

Crítica cinematográfica: Wonder Wheel, de Woody Allen

A sus ochenta y dos años recién cumplidos, Woody Allen sigue en buena forma y mantiene la cita anual con sus seguidores con el estreno de Wonder Wheel, un espléndido drama con toques de tragedia griega ambientado en Coney Island durante los primeros años cincuenta, un film que sigue la línea establecida en 2013 con Blue Jasmine y que, como aquella, a buen seguro reportará enormes alegrías a su protagonista, una Kate Winslet sensacional, capaz de defender un personaje (Ginny) emocionalmente inestable y que sostiene la película con su presencia en la mayoría de las escenas.

A punto de cumplir los cuarenta, Ginny comprueba que su vida nada tiene que ver con aquello que había soñado en su juventud: fracasó en su intento de ser actriz, su primer matrimonio no funcionó, encontró refugio en otro hombre desdichado (Humpty, responsable de los caballitos del parque), pero tampoco él supo hacerla feliz; además, es incapaz de controlar las tendencias pirómanas de su hijo. En ese momento de máxima frustración vital aparece en su camino Mickey (narrador de esta historia), un socorrista aspirante a escritor que se convertirá en el hombre que tanto anhelaba. Sin embargo, la llegada de su hijastra (Carolina), perseguida por la mafia, pondrá en riesgo ese momentáneo oasis de felicidad.

Justin Timberlake y Kate Winslet, en una imagen de la película.
Justin Timberlake y Kate Winslet, en una imagen de la película.

Wonder Wheel es el desolador retrato de una mujer compleja, voluble, protagonista de una historia de pasión, de celos, de arrebatos que implican consecuencias imprevistas, un personaje que Winslet (capaz de eclipsar a sus compañeros de reparto) hace brillar, con dos soliloquios impresionantes ante su amante (el primero, cuando le confiesa su pasado, y, el segundo, en la conversación final entre ambos); su contrapunto es Carolina, a quien Juno Temple dota de una especial dulzura e inocencia desde el primer instante en que aparece en pantalla (rímel corrido y con la famosa noria a su espalda). Por su parte, James Belushi defiende con acierto a Humpty, mientras que Justin Timberlake es el seductor aspirante a escritor (Mickey) que interpela al espectador desde su puesto de vigilancia en la playa.

Allen presenta una visión pesimista y oscura de la vida, utiliza un entorno en apariencia idílico (el parque de atracciones de Coney Island) para esbozar un drama desprovisto de cualquier indicio de sentido del humor (tan solo el niño pirómano funciona como gag recurrente), con guiños cómplices a las piezas de Tennessee Williams y al cine de la época (Winchester 73), y en el que destaca el enorme trabajo de Vittorio Storaro para iluminar ese parque de atracciones de aire crepuscular.

Así, un año más Woody Allen firma una nueva película (¡y ya van cuarenta y siete!). Y un año más, surgirá la misma pregunta: ¿Está al nivel de sus mejores films? Esta es, sin duda, una cuestión difícil de responder si tenemos en cuenta que entre sus cintas más clásicas hay indiscutibles obras maestras. Sea como sea, lo que sí es cierto es que Wonder Wheel no desentonará entre los títulos más recordados del cineasta neoyorquino.

Título: Wonder Wheel
Dirección: Woody Allen
Intérpretes: Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, James Belushi, Max Casella, Marko Caka, Jack Gore
País: USA
Duración: 101 minutos
Género: Drama
Guión: Woody Allen
Fotografía: Vittorio Storaro

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Escrito por: Robert Martínez

Crónica concierto: Film Symphony Orchestra Tour 2016, en el Auditori de Barcelona

El pasado 8 de enero finalizaba el tour 2016 de la Film Symphony Orchestra, un gira que ha recorrido el país desde el 7 de octubre del año pasado y que sigue poniendo en valor uno de los patrimonios musicales, el de la música de cine, más propios del siglo XX.

Para esta ocasión la orquesta ha presentado un programa que aúna, siguiendo la línea de anteriores conciertos, los temas más clásicos con los más modernos y actuales. De nuevo Constantino Martínez-Orts, ataviado con una gabardina al estilo Matrix, deleitó a los asistentes al concierto no tan solo con una dirección ajustada y cinematográfica sino con, y esto es una novedad, toda una serie de comentarios sobre las bandas sonoras que fue interpretando, hecho este que provee a la velada de un mayor provecho para el público asistente.

De entre las bandas sonoras interpretadas, que fueron un total de 16, a las que se sumaron 3 bises, destacó la obertura con Silverado de Bruce Broughton, una fanfarria al estilo Elmer Bernstein para un western de los años 80; Los odiosos 8, en la que el auditorio pudo comprobar de nuevo la genialidad de Ennio Morricone; Gremlins del formidable Jerry Goldsmith, del que es siempre un placer degustar sus bandas sonoras; La lista de Schindler de John Williams y la que fue sin duda la banda sonora de la noche, la interpretación del tema inicial que Basil Poledouris compuso para Conan del bárbaro.

film-symphony-orchestra-barcelona_1A estos temas se unieron los de Psicosis; Cinema Paradiso; La gran evasión; Sherlock Holmes: un juego de sombras; Star Trek into Darkness; Chocolat; Chicken Run: evasión en la granja; Star wars VII: el despertar de la fuerza; Harry Potter y la piedra filosofal; El caballero oscuro o Capitán América. A los que se sumaron, como bises, tres de los grandes temas de la época dorada de John Williams, Superman, Indiana Jones y La Guerra de las galaxias.

Como cada año, el concierto de la Film Symphony Orchestra confirma el valor musical de las bandas sonoras, el apego del público interesado en el género y, por supuesto, en el cine, y la capacidad que la música cinematográfica tiene para trasladar al espectador hacia mundos e historias aún por descubrir.

Y no hay nada mejor que al acabar una gira comiencen a calentar los motores de la siguiente, que no es otra que la titulada “La música de las Galaxias”, en la que la Film Symphony Orchestra con Constantino Martínez-Orts a la cabeza harán las delicias de todos aquellos que disfruten con las bandas sonoras, conla ciencia-ficción y con el mundo musical que John Williams supo componer para una de las sagas más famosas del cine.

NOTA CULTURALIA: 9

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Jorge Pisa

Crítica cinematográfica: Passengers, de Morten Tyldum

passengers-248x370Tras firmar el biopic sobre el matemático británico Alan Turing (The Imitation Game), el cineasta noruego Morten Tyldum prueba suerte ahora con una aventura límite en el espacio: Passengers, una entretenida propuesta galáctica, a medio camino entre el drama de supervivencia personal y la romcom más típica (esto es: chico conoce a chica inalcanzable y se las tendrá que ingeniar para conquistarla), aderezada con elementos de suspense y que se sustenta, principalmente, por la química evidente entre sus intérpretes, los taquilleros Chris Pratt y Jennifer Lawrence.

Con la Tierra agonizando a causa de su inevitable superpoblación, los protagonistas se embarcan (junto a otros 5.000 pasajeros) hacia un nuevo planeta en el que empezar de cero, un viaje de 120 años para el que deberán utilizar unas sofisticadas cámaras de criogenización. Tras una serie de turbulencias, la cámara que ocupaba el mecánico Jim Preston (Pratt) falla, por lo que este se despierta 90 años antes de llegar al destino. Desorientado, deberá luchar por su vida en solitario hasta que encuentra a Aurora Dunn (Lawrence), una joven escritora que emprendió el viaje con la finalidad de vivir nuevas experiencias que enriquecieran sus relatos.

Jennifer Lawrence y Chris Pratt, en un fotograma de la película
Jennifer Lawrence y Chris Pratt, en un fotograma de la película

Passengers se desenvuelve de forma irregular en sus casi dos horas de metraje, mucho más interesante en su primera parte, cuando Preston se encuentra cual náufrago sin esperanzas encerrado en una jaula de oro, momento en el que la película propone al espectador un dilema moral envenenado: ¿qué estaríamos dispuestos a hacer para sobrevivir a una situación desesperada o, como mínimo, para conservar algo de cordura y humanidad? Sin duda son esos los mejores momentos de este film, cuando podemos ver el declive físico y psíquico de Pratt, al borde de la más absoluta desesperación; superados el desconcierto y la soledad del principio, la aparición de Lawrence hace virar el argumento hacia la comedia romántica (citas en restaurantes o desafíos virtuales de baile a dos) que culmina en un thriller con una preocupante falta de tensión. Con todo, Passengers será recordada por un buen número de secuencias de gran belleza, como esa piscina convertida en burbuja asfixiante por la falta de gravedad o esa excursión romántica por el espacio, con los protagonistas paseando de la mano y realizando piruetas imposibles, elementos que, junto al acierto en el reparto, salvan esta correcta propuesta.

Título: Passengers
Director: Morten Tyldum
Intérpretes: Jennifer Lawrence, Chris Pratt, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Inder Kumar, Jamie Soricelli, Vince Foster, Julee Cerda, Robert Larriviere, Barbara Jones
Guión: Jon Spaihts
País: EE UU
Año: 2016
Duración: 116 minutos

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Escrito por: Robert Martínez