Crítica teatral: À la ville de… Barcelona, en el Teatre Lliure.

cartell_a_la_villeEsta semana finalizan las representaciones de À la ville de… Barcelona, un homenaje del Teatre Lliure a la ciudad de Barcelona en forma de music hall cómico creado y dirigido por Joan Ollé e interpretado por Joan Anguera, Ivan Benet, Marta Betriu, Laura Guiteras, Oriol Genís, Enric Majó, Victòria Pagès y Jordi Vidal, una troupe que nos hará viajar por la historia y por los rincones más simbólicos de la ciudad condal en un itinerario marcado por el buen humor, por la música y por las ganas de reírnos de mostros mismos. Un empeño que se corona con un muy grato resultado escénico que enlaza directamente lo que acontece sobre el escenario con las vivencias de los que se hallan en el patio de butacas.

À la ville de… Barcelona, nos propone un periplo por las edades de la ciudad y de sus habitantes. Como anfitrión de este viaje escénico por el tiempo nos hallamos, al inicio de la representación, a un patricio de la ciudad romana de Barcino que, togado, nos da la bienvenida para que comience un recorrido que nos llevará desde las Ramblas al Paralelo, del Zoo al Born y el barrio de la Ribera; de Montjuïc a la Barceloneta, pasando por el puerto, los mercados, El Molino, o el Liceo.

La obra está conformada por una sucesión de sketchs que mezclan el humor con un cierto dramatismo, unos ingredientes, además, compartidos por los espectadores ya que hacen referencia, sin duda, a sus vivencias personales. El espectáculo aunque comienza, como he dicho, en época romana, se centra especialmente en el siglo XX, y yo diría que sobre todo en la segunda mitad de esa centuria, donde, claro está, tanto el dramaturgo como los espectadores pueden hallar muchos más elementos de sátira más cercanos y cotidianos. Entre ellos, por ejemplo, encontramos la invasión de las hordas de turistas que cada vez se apropian con mayor afán de los espacios más significativos de la ciudad; la acción política «de postín» de los alcaldes de Barcelona, un gag excelentemente interpretado por Ivan Benet; los efectos de la corrupción que cada vez parece más omnipresente; las incomodidades experimentadas por los monumentos barceloneses o la subjetiva degradación que sufren algunos de los barrios de la ciudad, con la resolutiva interpretaciónen in crescendo de Victòria Pagès.

villebcn_ruano_020La representación se construye a partir de una actuación coral, en la que cada uno de los actores tiene su/s momento/s, con un ritmo que se mantiene en tensión a lo largo de la obra, con finales de sketchs y principios de otros que se entrelazan constantemente. Por el escenario pasarán personajes como las estatuas de Colón y de la Dama del paraigües, el mundialmente famoso Floquet de neu, varios de los alcaldes de Barcelona, el defenestrado Millet, formando un más que cómico Angelus pictórico y toda una serie de personajes anónimos que han paseado y pasean su estampa por las calles de la ciudad, a través de una pasarela conformada por un acertado paso de cebra, elemento ubicuo en la metrópolis.

Sin embargo la obra, o lo que es lo mismo, el torbellino de sketchs y gags, no goza de un adecuado equilibrio entre el dramatismo y la comicidad que poseen las escenas individuales, por lo que la firme apuesta hacia la vertiente más humorística del conjunto hace que sus escenas más dramáticas no consigan crear el momento de tensión que les son necesarios, aguando de esta forma sus intentos de llegar al espectador. Por su parte, el peso humorístico del conjunto se impone, lo que genera una sensación, esta vez sí que acertada, de comicidad en el público asistente.

La obra también está planteada como un music hall en el que oiremos viejos éxitos de la música más popular escuchada en la ciudad interpretados en directo por una pequeña banda de músicos, lo que le da al espectáculo un toque de varieté que la asemeja, en parte al Taxi… Al TNC!, la obra con la que dio comienzo la temporada el Teatre Nacional. Y es seguramente esta una forma más que adecuada para dar comienzo a un año del que parece que podemos esperar algo más que en los últimos, para que germine en él la dicha propia de tiempos mejores, unos tiempos presentes y futuros que también formarán parte de la historia de Barcelona y a los que puede que dentro de unos años o tal vez de de muchos, alguien haga referencia en forma de obra de teatro, ¿no les parece?

«À la ville de… Barcelona» se representa en el Teatre Lliure Montjuïc del 10 de octubre al 3 de noviembre de 2013.

Creación y dirección: Joan Ollé
Reparto: Joan Anguera, Ivan Benet, Marta Betriu, Laura Guiteras, Oriol Genís, Enric Majó, Victòria Pagès y Jordi Vidal
Músicos: Joan Alavedra, Eduard Altaba, Salvador Boix, Oriol Camprodon-Montserrat Margalef, Jerôme La Voix-Clara Luna y Xavier Maureta-Ahmed Al’Tortahad
Escenografía: Eugenio Szwarcer
Vestuario: Míriam Compte
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Lionel Spycher
Sonido: Damien Bazin
Coreografía y movimiento escénico: Andrés Corchero
Dirección musical y arreglos: Lisboa Zentral Cafè
Producción: Grec 2012 Festival de Barcelona, L’Auditori de Barcelona y Bitò Produccions

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 22 a 24,65 €
Idioma: catalán
Duración: 2 horas sin pausa
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Jorge Pisa Sánchez

Entrevista radiofónica: El emperador Domiciano. Luces en la Oscuridad.

Captura12Os dejamos aquí con el enlace de la entrevista grabada en el programa de radio Luces en la oscuridad de Gestiona Radio que trata de la figura y el reinado del emperador romano Domiciano (81 – 96 d.C.).

Espero que os guste!!

En el siglo I d. C. Tito Flavio Domiciano fue emperador del Imperio romano durante 15 años, siendo el reinado más largo desde el emperador Tiberio. Asímismo fue el último emperador de la dinastía Flavia la cual gobernó el Imperio romano desde el año 69 al 96 d.C., y que abarcó el rerinado de su padre Tito Flavio Vespasiano y el de su hermano mayor Tito. Las fuentes clásicas describen a Domiciano como un tirano cruel y paranoico ubicándole entre los emperadores más odiados al comparar su vileza con las de Calígula o Nerón. Pero ¿cómo se originó la dinastía de los Flavios? ¿Cómo consiguió llegar al poder en Roma? ¿Cuáles fueron los traumas de Domiciano durante su adolescencia? ¿Qué tipo de edictos referentes a la moralidad de los romanos dictó al llegar al poder? ¿Fue realmente un tirano? ¿Qué importancia tuvo la religión durante su mandato?

enlaceEl emperador Domiciano y la dinastía Flavia

“El acompañamiento” en Cincómonos Espai d’Art: Música, ¡aprendices!

Las penas compartidas son menos penas.
Pero, ¿qué hay de las alegrías? ¿Estamos preparados para que nos trasciendan? ¿Pueden contagiarnos cuando es otro el que las consiguió con su propio esfuerzo?
Cincómonos Espai D’Art de Barcelona tiene una respuesta. Y podemos conocerla acudiendo a su llamada los sábados a las 21 h.

Para ello, disponen un escenario atiborrado de cachivaches. El amontonamiento, prodigioso a la hora de mantener el equilibrio físico, es la prueba evidente de que nos hemos trasladado a un lugar en el que moraremos bien encerrados.

Pero no se trata esta de una historia de claustrofobia emocional. Más bien todo lo contrario.

Asistiremos de la mano de Lucía Jurjo a un cara a cara entre dos amigos que hace tiempo que no practican. Pero impacientes por recuperar el tiempo que no estuvieron disponibles. Y el público será árbitro a lo largo del espectáculo a la hora de valorar la fidelidad y la evolución de su relación.

Jurjo acaricia el texto de Carlos Gorostiza con suma cautela: Sabe que pertenece casi por entero a sus intérpretes. Y lo que sobre, esas migajas en que consiste lo que no está escrito ni escenificado y que suele proseguir a los aplausos, nos lo llevamos los espectadores. Para intentar ser mejores personas. Para reconocer al regresar a casa que también nosotros fuimos sus personajes.

Este “Acompañamiento” opone a Jorge Salinas (entusiasta, arrollador, histrión encantador) bajo la piel de Tuco, empeñado en “cumplir su sueño día a día”, a Hector Grimber (cauto, gracioso, considerable en su contención), cuyo Sebastián aparece como conciencia políticamente correcta y que saldrá convenientemente ajusticiado del lance.

Lo demás es una excusa para abrir el debate: ¿Qué debe prevalecer en nuestra vida, la felicidad individual o bien la satisfacción del bienestar del entorno social?. Ese “demás” incluye una trama deliciosamente disparatada (un hombre decide enclaustrarse en la buhardilla de su casa para dar rienda suelta a su fantasía de juventud); un puñado de momentos entrañables (las gárgaras con vino para aclarar la voz musical; la soledad del quisquero de fondo ante la despreciable tipología de su clientela; el concierto desafinado por fin de ambos compinches de sueños no más rotos puesto que acaban de empezar a pegar; la guitarra imaginaria que acompaña los mejores deseos del aspirante a cantor) y algún que otro desbarajuste de ritmo (la compenetración de los actores sobrepasa a veces la identidad de los personajes).

 Por Juan Marea

ImageHector y Jorge, rozando su concierto 

http://www.cincomonos.org/index.html
http://www.cincomonos.org/el-acompanamiento.html

Crítica teatral: Terra de ningú, en el TNC.

_DSC3561_EditEl estreno de un Pinter siempre es una buena ocasión para ir al teatro sobre todo si en su puesta en escena hallamos el despliegue de medios del TNC y a actores de la talla de Josep Maria Pou y Lluis Homar sobre el escenario, y más si nos hallamos ante una de sus obras más inquietantes, como es el caso de Terra de ningú, una reflexión existencial repleta de interrogantes y reservas.

Terra de ningú nos presenta una situación, claustrofóbica por momentos y arcana en muchos otros. La acción da inicio de forma abrupta, como si en verdad la representación ya hubiera comenzado antes de presentarla al público. De repente vemos entrar a dos personas, las cuales parece que acaban de conocerse hace poco. La conversación que mantienen está marcada por lo extraño de la misma y regada extensamente con alcohol. Una charla extraña a la que parece que el público no puede acceder del todo, excepto a través de sus pinceladas de poesía y de sus toques de humor.

El espacio donde se desarrolla la acción es el majestuoso salón de la casa de uno de ellos. El invitado, Spooner (Lluís Homar), que no comparte el mismo nivel social que su anfitrión, Hirst (Josep Maria Pou), un literato enriquecido gracias al éxito, lo ha seguido hasta allí. Su diálogo es interrumpido en algún momento por los amigos/secretarios/criados del primero, Briggs (David Selves) y Foster (Ramon Pujol). Ambos parecen no estar complacidos con la irrupción del extraño en la casa. Al final el alcohol deja fuera combate al anfitrión que debe abandonar la sala ayudado por uno de sus criados.

Spooner se ha quedado a dormir, no sabemos por qué, encerrado en el salón de la casa. Después se almorzar volverá a encontrarse con su anfitrión, esta vez sobrio, que lo confunde con un antiguo amigo de juventud (bien, puede que en verdad lo fuera). Y da inicio una nueva conversación en la que la poesía, la ofensa, la caballerosidad y el alcohol vuelven a ser sus componentes. Todo ello en lo que parece ser una tierra de nadie.

_DSC3592_EditTerra de ningú nos presenta una situación, una atmósfera, que parece que está fuera de la realidad. Un espacio ocupado por varias personas que parece que no tiene substancia, como no la tienen los pensamientos o la memoria. En él, estas cuatro personas interactúan y conversan entre ellas aunque parece que nada de ello tenga demasiado sentido, como si el espacio colmase de irrealidad a todo lo que pasa o existe en él. De aquí que podamos decir que la obra, dirigida por Xavier Albertí, nos adentra, gracias a su asombroso texto, en un limbo misterioso del que al espectador le costará salir o hallar un sentido cierto o al menos real. Algo con lo que el autor, Pinter, jugó conscientemente.

Terra de ningú, parece así, un juego escénico, una composición en el que los fantasmas, los miedos y los anhelos de Pinter toman forma, aunque tenue y borrosa, como con la voluntad de mostrarnos tan solo una parte de su interior, una que ciertamente no podamos discernir del todo, como una invitación a poner de nuestra parte lo que no hallamos sobre el escenario.

La adaptación de Albertí está hecha con el buen gusto propio del TNC. Un espacio, el salón de la casa que parece flotar en un limbo intangible, en el que la interpretación de sus cuatro protagonistas, Lluís Homar, Josep Maria Pou, Ramon Pujol y David Selvas es tan estática e incorpórea como un texto de este tipo requiere. En ellas, como no podría ser de otra forma, destacan las de Pou, como el anfitrión alcoholizado que parece haber perdido el rumbo de una vida malograda por el éxito, y resplandece la de Homar, que construye un personaje sórdido e indescifrable del cual nunca acabaremos de conocer cuáles son sus intenciones. Pujol y Selvas encarnan a los dos amigos/criados que residen en la casa con una relación cuyos flecos tampoco llegaremos a conocer nunca.

Tras Taxi… Al TNC! el Teatre Nacional de Catalunya encamina su programación hacia un horizonte teatral que suma enteros con la elección de Terra de ningú, de Harold Pinter, una obra inquietante que traslada al espectador a un mundo entre la realidad y el sueño, por una senda que si bien puede parecer dificultosa consigue dirigir la mirada del público hacia la esencia del teatro y al examen que este puede hacer de sí mismo.

«Terra de ningú» se representa en el TNC del 17 de octubre al 24 de noviembre de 2013.

Autor: Harold Pinter
Dirección: Xavier Albertí
Reparto: Lluís Homar, Josep Maria Pou, Ramon Pujol y David Selvas
Traducción: Joan Sellent
Escenografía: Lluc Castells
Vestuario: María Araujo
Iluminación: David Bofarull
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 11,5 a 23 €
Duración: 1 hora y 40 minutos (sin entreacto)
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica cinematogràfica: Tots volem el millor per a ella, de Mar Coll

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L’any 2009, una jove sorgida de l’Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC) presentava la seva primera pel·lícula, Tres dies amb la família, un debut magnífic amb el qual Mar Coll es va guanyar els millors elogis tant de crítica com de públic. Ara, quatre anys després d’aquella estrena, arriba als cinemes el seu esperat nou film: Tots volem el millor per a ella, una delicada història, a mig camí entre el drama i la comèdia, en què la directora barcelonina aprofundeix amb èxit en les crisis personals i la necessitat de seguir endavant amb les nostres vides malgrat els entrebancs inevitables del destí.

És evident l’interès de Coll en desconstruir les famílies i posar en relleu les carències afectives entre els seus membres, els mateixos que pretenen amagar les seves misèries i guardar les aparences. Així ho va fer en el seu debut cinematogràfic, on oferia una visió de les relacions familiars a partir de la mirada juvenil de la protagonista, i ara trobem una situació similar, però des dels ulls experimentats de la Geni, l’heroïna d’aquest relat que intenta superar les seqüeles de l’accident que va patir un any abans i que li ha destrossat el genoll, a més de provocar-li certes dificultats en la memòria i en la parla. Res no és fàcil des d’aquell desgraciat incident, ni per a ella ni per al seu entorn més immediat, començant pel Dani, el seu sacrificat marit, qui no sap com afrontar l’estat actual de la seva dona. Tots voldran ajudar la Geni, tots voldran el millor per a ella, però ella no ho tindrà tan clar: ¿volen el millor per a ella o el millor per a ells mateixos?

Nora Navas i Valeria Bertuccelli, en una imatge de la pel·lícula
Nora Navas i Valeria Bertuccelli, en una imatge de la pel·lícula

La seva nova situació farà que es replantegi moltes coses del seu dia a dia, ella s’adona que no és la mateixa persona que era abans de l’accident –i no només pels problemes físics–, i creu que ha arribat el moment d’acceptar els canvis. A més, la trobada casual amb la seva millor amiga de l’adolescència li mostrarà com podria haver estat la seva existència si hagués seguit els seus passos; d’aquesta manera, la Geni dubtarà si és massa tard per a fer un gir radical en la seva vida, un desig que la seva família s’encarregarà de torpedinar una vegada i una altra per a què torni a ser la d’abans i, així, restablir l’ordre existent previ a aquell succés que va trasbalsar els plans de tots ells.

Rodada amb una senzillesa exquisida, Tots volem el millor per a ella ofereix una visió esperançadora sobre la necessitat de seguir els nostres impulsos malgrat que això signifiqui haver d’enfrontar-nos al nostre entorn més proper, aquell que pretén guiar els nostres passos per a retornar a la comoditat del passat. Coll confirma el seu talent per a commoure l’espectador amb aquest relat amarg sobre la recerca de la identitat personal que encara podria haver estat més dramàtic –l’humor necessari l’aporta una brillant Àgata Roca com a Raquel, entestada en ajudar la seva germana tot i estar tan desorientada com ella–; tot això, però, no hauria estat possible sense Nora Navas, extraordinària interpretant un paper que, de ben segur, l’acompanyarà tota la vida: la Geni, la fràgil –i a estones esbojarrada– protagonista que, malgrat la por i la incertesa, no deixarà que ningú prengui les decisions per ella, un personatge de gran tendresa que el públic s’estimarà des del primer instant, desitjant-li, evidentment, tot el millor per a ella.

Títol: Tots volem el millor per a ella
Direcció: Mar Coll
Intèrprets: Nora Navas, Valeria Bertuccelli, Pau Durà, Àgata Roca, Jordi Costa, Clara Segura
Guió: Mar Coll, Valentina Viso
Any: 2013
Durada: 105 minuts

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Escrit per: Robert Martínez

Crítica teatral: I LOVE TV, en el teatro Capitol.

ILOVETVCasi todos los jóvenes-adultos de hoy en día hemos querido a la televisión. Muchos de nuestros gratos recuerdos de infancia y juventud van ligados a míticos programas o a series televisivas. Tal vez la generación adolescente actual será la que esté menos atada a este aparato porque de pantallas para distraerse tienen de sobras. Probad a poner a una persona que pase de los treinta alguna sintonía de algún éxito televisivo de sus años mozos, la sonrisa bobalicona aflorará en su rostro. Con esta premisa el trío de actores compuesto por Francesc Ferrer, Alba Florejachs y Sergio Matamala no lo tienen difícil para hacernos sonreír con la obra teatral I love TV.

El espectáculo se compone de pequeños sketches donde en clave de humor recordaremos series añejas de dibujos animados, escucharemos extraños análisis de series americanas, seremos testigos de las barbaridades que suceden en un casting de Gran Hermano, y como no, nos sumergiremos en la ronda de preguntas del Un Dos Tres. Porque la obra explora tanto los programas de televisión como lo que hay detrás de ellos: cómo nuestras relaciones personales pueden verse condicionadas por la TV; las diferentes maneras de ver la tele o cómo esta abandona a sus estrellas cuando ya están en decadencia.

Hasta ocho guionistas han intervenido en la elaboración de las diferentes piezas de que está formada la obra, por lo que habrá para todos los gustos, algunas mejores que otras pero absolutamente todas nos arrancarán alguna sonrisa ya que presentan discursos e ideas originales. La mayoría, eso sí, se centran en recuerdos ochenteros.

La televisión actual es rapidez e inmediatez y esta obra también lo es. No te has recuperado de un sketch que ya se da paso al siguiente, en el que gracias al buen hacer de los actores nos situamos de lleno en breves instantes. Con tanta variación de registros no hay tiempos muertos para aburrirse, es como si hiciéramos zapping y sin apenas cambiar el decorado: un salón comedor un poco como los de antes en el que reina, en el centro, un antiguo aparato de televisión. Sin duda el espacio perfecto para una obra como esta.

Qué decir del prólogo de la obra, en el que de forma cercana pero que muy cercana al público los actores conversan, como si estuvieran en un foro de internet, sobre la serie El coche fantástico. Igual de logrado que el número que cierra el espectáculo con una Alba Florejachs en su salsa.

¡Si amas o amaste la Televisión no te puedes perder I love TV!

«I love TV» se representa en el Club Capitol del 17 de octubre al 15 de diciembre de 2013.

Dramaturgia: Blanca Bardagil, Marta Buchaca, Jordi Casanovas, Cristina Clemente, Guillem Clua, Jordi Galceran, Llàtzer Garcia, Marc Crehuet y Alberto Ramos. A partir de una idea de Jordi Casanovas
Dirección: Cristina Clemente y Carles Mallol
Producción: FlyHard Produccions
Escenografía: Albert Pascual y Marta Soto
Fotografía: Roser Blanch Gallego
Idea original: Jordi Casanovas
Iluminación: Fernando Portillo
Sonido: Lluís Rovirola
Vestuario: Marta Soto
Vídeo: Pablo Lammers

Horarios: de jueves a sábado a las 22:30 horas y domingos a las 19:30 horas.
Precio: 20 €
Idioma: català
Duración: 80 minutos
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Escrito por Taradete

Crítica: Lepanto. La batalla de los tres imperios, de Alessandro Barbero, ed. Pasado y presente

71IYUjf-tHL._SL1400_Lepanto es sin duda alguna una de las batallas más conocidas de la Historia Universal. Una de esas que le suenan a todo el mundo, aunque la historia, militar o no, no le interese en lo más mínimo. En octubre de 2011 se publicó la penúltima de las aportaciones a la bibliografía de este combate: Lepanto. La batalla de los tres imperios.

El autor, Alessandro Barbero, es un reputado medievalista italiano con una abultada obra a sus espaldas, dedicada mayoritariamente a la Edad Media pero con incursiones en otros periodos históricos, como el interesante Barbari. Immigrati, profughi, deportati nell’imperio romano. El autor ya contaba con tres obras históricas traducidas al castellano: Carlomagno; La batalla: Historia de Waterloo y El día de los bárbaros, las dos últimas, por cierto, absolutamente recomendables.

Aunque no sea tan evidente en su último libro, ya que tiene un carácter más descriptivo que analítico, Barbero destaca como un excelente divulgador con una gran capacidad para explicar conceptos complejos de una manera totalmente accesible para el público no especializado. El primer capítulo de El día de los bárbaros es la mejor introducción a la crisis del Imperio romano y a las relaciones entre romanos y bárbaros que conozco y no requiere de ningún conocimiento histórico previo por parte de lector.

Al contrario que la mayoría de libros dedicados a Lepanto, la obra de Barbero no se limita a la campaña de 1571, sino que comienza con los rumores, que llegaron a las cortes occidentales en el otoño de 1569, de que la flota otomana se estaba preparando para llevar a cabo una operación de envergadura la siguiente primavera y cubre los dos primeros años y medio de la guerra entre el Imperio otomano y la República de Venecia y sus aliados.

Sin duda alguna el texto se merece la manida expresión de que “se lee como una novela histórica” ya que el lector se ve rápidamente atrapado en la espiral de acontecimientos que provocaron la guerra y en su posterior desarrollo: la invasión otomana de Chipre, el largo asedio de Famagusta (cuyo rescate era el objetivo principal de la flota cristiana), los movimientos de las diferentes flotas por todo el mediterráneo, las interminables negociaciones que precedieron la formación de la Santa Liga por venecianos, españoles y el papado, los problemas de mantener una coalición formada por miembros con unos intereses tan diferentes…Todo ello aderezado por un sinfín de intrigas y conspiraciones, entre enemigos y aliados por igual, que Barbero puede seguir con gran detalle gracias al estudio de la correspondencia de los principales protagonistas del bando cristiano.

Precisamente la sistemática utilización de las fuentes primarias del periodo es uno de los principales puntos fuertes del libro y permite a Barbero construir un rico mosaico de personajes; desde el disoluto Selim II al irascible Sebastiano Venier, pasando por el intrépido Marco Quirini, el astuto Uluch Alí y el arrogante Marco Barbarigo.

El autor realiza un verdadero esfuerzo por reflejar los puntos de vista de los diferentes participantes, especialmente en el caso de los otomanos, cuyo papel ha aparecido desdibujado en la mayoría de obras que han tratado Lepanto con anterioridad y, para ello, incorpora parte de la bibliografía producida por historiadores turcos en las últimas décadas. El único pero es que se trata de una obra algo desequilibrada, ya que de las 650 páginas de texto (el libro tiene un total de 843), menos de treinta se dedican al desarrollo de la batalla y unas 570 a los acontecimientos anteriores.

Battle_of_Lepanto_1571
Representación de la Batalla de Lepanto (1571).

Esto no quiere decir que la batalla reciba un mal tratamiento. Al contrario, la descripción que hace Barbero es correcta y, en cualquier caso, no puede decirse que Lepanto sea una batalla difícil de explicar (a fin de cuentas se trató de dos enormes flotas de galeras asaltándose frontalmente, con unas pocas maniobras en los flancos). Pero después de casi 600 páginas el lector no puede evitar la sensación de que la batalla se despacha demasiado rápido. Realmente el autor no hubiera podido acercarnos a los movimientos de las dos flotas con más detalle, pero donde sí hubiera podido extenderse más es en la descripción de las decenas de combates galera contra galera y en las innumerables tragedias y anécdotas que en ellos sucedieron.

Por lo que respecta al apartado gráfico, el libro cuenta con dos mapas, uno del Mediterráneo y otro de la batalla, que son suficientes para poder seguir el relato. Con todo hubiera sido de agradecer la inclusión de reproducciones de ilustraciones de la época, ya que la victoria de Lepanto tuvo una enorme repercusión en toda la cristiandad, se celebró incluso en los países protestantes, y como consecuencia decenas de gravados se distribuyeron a una muchedumbre ansiosa de conocer los detalles de la más grande victoria sobre los poderosos turcos otomanos.

En cualquier caso, estos detalles no disminuyen la valía de una obra que supone una significativa aportación al estudio de la batalla de Lepanto y, al mismo tiempo, un libro de historia que es una verdadera delicia de leer.

Pese a todo esto, un libro de esta envergadura quizás no sea el más adecuado para acercarse por primera vez a la batalla de Lepanto. Esta función introductoria la puede cubrir a la perfección Lepanto 1571. The greatest naval battle of the Renaissance (Ed. Osprey 2003) de Angus Kostam, con menos de un centenar de páginas y con ocho detallados mapas –tres de ellos de la evolución de la batalla–, tres láminas reproduciendo otros tantos episodios del enfrentamiento y decenas de ilustraciones de la época, incluyendo retratos de los principales protagonistas y de los diferentes tipos de naves utilizados con el único inconveniente de estar escrito en la lengua de Shakespeare.

En cambio, para aquellos que ya tengan unas mínimas nociones sobre esta batalla, se trata de un libro imprescindible, que ampliará sus conocimientos sobre la guerra entre venecianos, españoles y turcos y sobre las complejas relaciones entre las diferentes potencias mediterráneas durante la segunda mitad del siglo XVI, además de proporcionarles un adecuado relato sobre la batalla misma.

Título: Lepanto. La batalla de los tres imperios
Autor: Alessandro Barbero
Traducción: Teófilo de Lozoya y Juan Rabasseda
Editorial: Pasado y presente
Número de páginas: 843
ISBN: 9788493914301
Publicación: Octubre 2011
Precio: 36 euros
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Borja Pelegero Alcaide

“Desiertos” en el Almeria Teatre: Perdidos y sin poder saciar la sed.

¿Cuántas veces hemos necesitado que un profeta viniera a casa a sacarnos de nuestro encarcelamiento voluntario?
¿A que le hemos abierto la puerta de par en par cuando ha soltado su discurso tendencioso espiritual?
¿Y qué sucede entonces cuando ello conlleva que se hundan los cimientos de la comodidad doméstica?

La directora Anna Sarrablo acampa en el escenario del Almeria Teatre hasta el 27 de este mes intentando crear un oasis escénico para tres personajes a punto de la insolación por el caluroso consumismo, que se arrastran entre dunas de hermetismo emocional y sin más empuje que el espejismo de una nueva forma de vida supuestamente más auténtica y, por extensión, redentora.

Desiertos” es el panorama dramatúrgico que constituye la arena de este espectáculo. Y en él, el dramaturgo Josep Pere Peyró juega de manera algo artificiosa con una pareja socialmente respetable pero que se desprecia en la intimidad por cuanto solo les une pagar unas facturas a medias. Él es un Xàvier Pàmies dinámico en sus soliloquios manipuladores iniciales, y patéticamente creíble al soltar una y otra vez su discurso de pragmatismo materialista. Ella, una Carla Ricart perseverante en su repulsa a romper el modus vivendi y cansina en su histrionismo. Y el recién llegado (Òscar Bosch), poco seguro en el alelamiento mental de su personaje, la luz que cegará a tan desquiciada pareja y también evidencia de los efectos secundarios de haber alcanzado la cima del éxito laboral.

La obra discurre por las vías de la tragicomedia más grotesca y logra sus momentos más insólitos cuando suelta amarre hacia una vertiente surrealista. Pero la condición marciana de la propuesta (y su mayor baza) se ve malograda por una dirección muy poco arriesgada al encorsetar la naturaleza alienante del texto dentro de los parámetros de la funcional comedia situacional (incluso vodevilesca). Tampoco ayuda la pobre dirección de actores, incapaces de escapar del estereotipo con que deben lidiar a lo largo de la función.

Pero algunos apuntes de la puesta en escena nos advierten de lo que estos “Desiertos” podrían haber llegado a sofocar la impasibilidad del público: la contundencia de los fogonazos visuales que introducen las diferentes escenas; el recurso a la cámara lenta cuando el ritmo es más enloquecido; el acierto de un decorado que resalta en las impersonales paredes del piso donde sucede el cataclismo argumental el vacío cotidiano de sus moradores; y ese dormitorio entrevisto a través de una cuarta pared superpuesta a la que separa a las criaturas escénicas de los desconcertados espectadores, y que señala con timidez la preocupante incomunicación de sus protagonistas durmientes.

 Por Juan Marea

Imagedecidida Ricart, iluminado Bosch y traicionado Pàmies

http://www.almeriateatre.com/desiertos.htm

Novetat editorial: El ninot de neu, de Jo Nesbø

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Sovint una imatge o una situació extravagant viscuda durant la infantesa pot donar lloc a un relat fosc i pertorbador. Jo Nesbø (Oslo, 1959) n’és plenament conscient, i així ho explica quan parla del seu últim llibre, El ninot de neu, una història que va començar a escriure en recordar els dies en què un company de classe es delectava torturant mosques fins a matar-les; aquella anècdota li va servir per a considerar que la crueltat de l’home no té límits i, de pas, gestar la darrera aventura del detectiu Harry Hole, una novel·la amb psicòpata protagonista que acaba d’arribar a les llibreries del nostre país amb l’esperança de convertir-se en l’èxit de vendes que ja ha estat a Noruega.

L’arribada de les primeres nevades a Oslo convida els seus habitants a confeccionar els tradicionals ninots de neu, i així ho han fet el marit i el fill de Birte Becker al jardí de casa, tal i com ella mateixa comprova una nit en tornar de la feina. L’endemà, però, la senyora Becker ja no hi és, ha desaparegut del domicili, i d’ella només en queda la seva bufanda rosa col·locada en aquella sinistra figura de neu. El detectiu Harry Hole sospita que aquest cas té massa coincidències amb altres desaparicions de dones succeïdes en els darrers anys. La investigació requerirà que Hole deixi de banda el personal infern d’addiccions que el turmenta dia i nit, a més de superar les diferències que el separen professionalment de la seva nova companya, la Katrine, amb qui té més punts en comú del que ell mateix desitjaria.

L'escriptor Jo Nesbø
L’escriptor Jo Nesbø

Ja han passat setze anys des que Jo Nesbø (ex-agent de borsa i estrella de rock al seu país) debutava com a escriptor amb el primer cas del carismàtic inspector Harry Hole (Flaggermusmannen, traduït aquí com L’home ratpenat), iniciant d’aquesta manera una sèrie de novel·les negres que ara, amb El ninot de neu, arriba a la seva setena entrega. Nesbø, convertit en l’actualitat en tot un referent del gènere, signa una sòlida i complexa història que aconsegueix atrapar el lector des del primer instant, un relat que ja ha seduït fins i tot Martin Scorsese, interessat en produir l’adaptació cinematogràfica d’aquest trepidant llibre.

Podeu llegir la crítica d’aquesta novel·la aquí.

Títol: El ninot de neu / El muñeco de nieve
Autor: Jo Nesbø
Editorial: Proa / RBA
Pàgines: 312 pàgines
Data de publicació: Agost 2013
ISBN: 9788475884172
Preu: 21,00 €

Crítica cinematográfica: Retornados, de Manuel Carballo.

1381394309Si el género de zombis fue reinventado hacia finales de los años 60 por George A. Romero, que convirtió a estas criaturas en devoradores antropófagos infatigables, el siglo XXI ha hecho de ellos uno de los seres más aterradores del cine, proveyéndoles de una velocidad pavorosa y de una furia inéditas en épocas anteriores. En estos últimos años el inventario de opciones ha aumentado con revisiones, experimentos y superaciones, que han hecho del zombi un frecuente compañero de pantalla.

El próximo 15 de noviembre se estrena en España Retornados un thriller-dramático  de producción hispano canadiense dirigido por Manuel Carballo con el tema de los zombis/infectados como telón de fondo. En él el mundo fue asolado por una plaga que convirtió a una parte importante pero indeterminada de la población en zombis agresivos. Una vez controlada la plaga se ha podido tratar a los infectados «cogidos a tiempo». La vacuna contiene el avance de la infección en el cuerpo pero no acaba con ella, así que los «retornados», aquellos que han sido contagiados y han sufrido los primeros estadios de la infección, han de medicarse cada día, sin excepción, para evitar convertirse en un zombi. Esta situación ha generado rechazo en parte de la sociedad que ve en los retornados una «bomba de relojería» vírica que puede estallar en cualquier momento.

1377156850Las cosas se complican al comunicar el Gobierno que las vacunas, extraídas de las médulas de los infectados no tratados, se están acabando cuando aún no se ha desarrollado una proteína sintética, lo que obliga al gobierno a recluir a los retornados en centros militares de control. Kate, que trabaja en una unidad de investigación intentando encontrar urgentemente una vacuna definitiva y Alex, un ex-paciente que es su actual pareja, optarán por no acatar las órdenes y huir, iniciando una cuenta atrás entre la vida y la infección.

Retornados es un thriller-dramático que utiliza a los zombis para hablarnos de los temores víricos que acechan a la sociedad actual, constatados con crisis como la del SIDA a partir de los años 80; la gripe aviar o la más reciente gripe A. Así, pues, no piensen que se van a encontrar con una turbamulta de zombis violentos atacando a los humanos como en Guerra Mundial Z (Marc Forster, 2013) o las sagas Resident Evil o 28 días después, sino más bien con un film de corte realista que aprovecha el auge del género para narrarnos una intriga al respecto.

Lo primero que sorprende son los países que participan en la producción de la película, Canadá y España, lo que da como resultado un film con tensión que consigue dar forma a una trama a veces asfixiante y a veces «aterradora». La fotografía y las tonalidades que nos muestran la acción son gélidas y predominan en ella los colores fríos necesarios para explicarnos una historia dura como la que se nos narra. Los dos protagonistas principales son Kate (Emily Hampshire) y Alex (Kris Holden-Ried), ella una investigadora que lucha por hallar la curación de la enfermedad y que hará todo lo necesario para salvarle la vida a su pareja, y él un retornado infectado accidentalmente. Ambos intentarán sobrevivir al creciente estado de histeria social que vive el mundo en contra de los retornados y a las cuantiosas dificultades para encontrar la vacuna sintética que acabe con la pesadilla vírica.

1377157274Retornados es, así, una película de zombis atípica y un thriller diferente que suma los ingredientes de los dos géneros para hablarnos de los miedos contemporáneos, aquellos que aunque pueden tener apariencia humana actúan de forma implacable, por lo que generan aún más terror. Nos habla también del miedo a la infección, en la línea de films como Cabin Fever (Ti West, 2002) o Infectados (David y Àlex Pastor, 2009) pero de una forma más realista. Aunque también reflexiona sobre el miedo y la incomprensión hacia lo diferente, por lo que podemos hacer un símil con respecto al racismo que invade cada vez más, como una infección vírica, el mundo occidental.

Otro de los temas a los que nos remite el film es al debate sobre la sanidad. En la película es el Estado (y el ejército) el que se hace cargo, ayudado por patrocinadores privados, de la investigación sobre la vacuna en cuestión. El argumento nos plantea lo costoso de la misma y si vale la pena seguir con su estudio, que genera, asimismo, un destacado rechazo social, igual que la reinserción de los retornados, por la amenaza que comportan. La película nos muestra, incluso, la existencia de grupos armados terroristas que actúan en contra de los retornados. Aunque el tema principal lo constituyen las ansias de seguir vivo y sano del protagonista principal, lo que le hará embarcarse en una carrera contrarreloj por la supervivencia repleta de obstáculos y dificultades.

Si bien, el final del film, que no desvelaremos, le da a la trama un giro que no concuerda demasiado con la historia que nos ha ido contando, dándole un vuelco de género que no se merece. Algo que se debe, sin duda, a las imposiciones de muchos de los films de terror al uso, a los que un final sorpresa les provee del atractivo que no poseen, y a la experiencia cinematográfica de su director, Manuel Carballo, que cuenta en su breve carrera con varias películas que van del thriller al terror como El último justo (2007), Trece miedos (serie de televisión, 2007) o La posesión de Emma Evans (2010).

Aunque Retornados propone al gran público una trama original, con cierto parentesco a la propuesta por la miniserie británica de la BBC In the flesh (2013), también es verdad que el ritmo de la historia podía haberse potenciado un poco, para darle más intensidad a su desarrollo, uno de los puntos débiles del film en diversos momentos. Sin embargo Retornados es una buena propuesta tanto para aquellos a los que les gusta el género Z, que se verán sorprendidos por el tratamiento de la temática «infecciosa»; para aquellos a los que les gustan los thrillers de intriga ya que el film es original al respecto; y para todos aquellos que quieran pasar un mal rato (por la temática de la película) en el cine.

Título: Retornados
Título original: The Returned
Director: Manuel Carballo
Reparto: Emily Hampshire, Kris Holden-Ried, Shawn Doyle, Claudia Bassols y Melina Matthews
Guión: Hatem Khraiche Ruíz-Zorrilla
Productores: Julio Fernández, George Ayoub, Gary Howsam y Bill Marks
Director de Fotografía: Javier Salmones
Música: Jonathan Goldsmith
Género: Thriller, terror, zombis, infeción
Nacionalidad: España y Canadá
Estreno en España: 15 de noviembre de 2013
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Jorge Pisa Sánchez

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