Entrevista: Lorca, de Joel Minguet, en el Teatre Romea

Os presentamos hoy una entrevista con Joel Minguet, actor y alma mater de Lorca que se representa hasta el 5 de mayo en el Off Side del Teatre Romea. Un espectáculo que transita a través de poemas, epistolas y sentiminetos por la amistad que forjaron dos genios como Dalí y Federico García Lorca. Una pequeña pieza pero con grandes dimensiones.

El joven Lorca, Dalí, literatura, pintura, música… Háblanos un poco de cómo surgió la idea y de cómo se desarrolló el proceso creativo.

Topo comenzó hace un par de años. Me rondaba la cabeza la idea de hacer algo sobre Lorca. No sabía qué, no tenía idea. Venía de una época de mucho trabajo y cuando acabé hice una parada. Después comencé a recopilar información, a leer su obra, e hice un poco de inmersión en lo que es la persona de Lorca. Decidí entonces cargar la moto con la guitarra y me dirigí a la costa este de Francia y estuve allí durante un mes. Los últimos 15 días hice campamento base en Cadaqués. Iba leyendo, hablando con gente y me di cuenta de la huella que había dejado Lorca en la zona, de su amistad con Dalí. Me hablaron de un libro que se titula Querido Salvador, querido Lorquito, que recoge la correspondencia que mantenían ellos dos, y a partir de aquí estiré del hilo. Y pude ir acotando la inmensidad de Lorca en sus años de juventud, en la época que vivió en la Residencia de Estudiantes, de 1919 al 1927, cuando conoció a Dalí, Buñuel, Unamuno, Alberti. Seguí tirando del hilo y encontré que podía mezclar estos diferentes lenguajes, desde la poesía, las cartas, el anecdotario que servía de hilo conductor y los monólogos de principio y final que se convierten el envoltorio de la obra. Fue un proceso creativo muy natural, sin una idea de inicio y poco a poco me he ido encontrando lo que ahora mismo es la obra Lorca.

Cantautor, recitador, trovador, cuentacuentos, parlautor (hablautor). Dónde crees que se puede ubicar mejor tu obra?

A mí me gusta mucho el concepto de parlautor (hablautor), que proviene del de cantautor. Todo viene de una anécdota. Hace unos años me propusieron hacer un espectáculo musicando canciones antiguas mías, de hacía unos 20 años. Yo no me acababa de sentir a gusto. Mi tesitura de voz había ido cambiando. Se lo comenté a Marcos Bayón, que es quien me ha producido el disco de Lorca, y él me dijo entonces, claro Joel, tú más que cantar tendrías que recitar. Tienes una voz de actor trabajada. Mira cuáles son tus influencias: Lou Reed, Leonard Cohen, Tom Waits… A partir de aquí fue apareciendo la idea de parlautor, emulando al cantautor, y creo que el espectáculo Lorca tiene mucho de esto.

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Te has empapado de la obra de Lorca para crear este espectáculo. Qué ha quedado de Lorca en Minguet? Cómo te ha afectado? Te ha dejado algún resto?

Tenía muy claro desde el principio que no quería tratar este material de Lorca desde el conocimiento. Existen muchos trabajos y especialistas de Lorca… Yo quería tratarlo desde la barriga, desde un lugar mucho más emocional, porqué ese ha sido el proceso natural con el que me he ido encontrando. Y claro, después de un año y medio picando piedra, trabajando y poniendo el corazón evidentemente te vas empapando. Por ejemplo, cuando hice la elección de los poemas recitados fue como si hiciera una playlist, los poemas me gustaban porque me conectaban con alguna cosa, y cuando tuve los poemas escogidos, fui creando la dramaturgia.

Por eso, si al espectador un verso, una palabra, un acorde de guitarra o una expresión le toca en algún lugar y le hacen volar, el objetivo está conseguido. Y por eso el espectáculo es tan atmosférico, y juego en él con los efectos sonoros, con los delays, el chorus, las reverbs largas para buscar esa emocionalidad y la atmosfera que nos lleva a conectarnos con la emoción. Yo me conecto y de alguna manera es lo que busco con el público. Ir de la mano en este viaje y que nos pasen cosas, que te toquen un lugar y que te olvides de todo lo demás.

Cómo ves la intensa relación de amistad entre Lorca y Dalí? Háblanos un poco más de la etapa lorquiana de Dalí y de la etapa daliniana de Lorca.

En el espectáculo aparece y transitamos por ello, son unos artistas tan polifacéticos y la influencia de uno sobre el otro era tan bestia… Entre Dalí y Lorca la influencia era capital, Por ejemplo, a Dalí se le puso entre ceja y ceja que Lorca dibujara y en 1927 escribe la reseña de la exposición de dibujos que se hace de Lorca en la Galería Dalmau de Barcelona. También Lorca animaba a escribir a Dalí y en 1928 Francisco García Lorca, hermano de Federico y director literario de la revista granadina El gallo, publica en español el artículo San Sebastián de Dalí.

Claro, Lorca son sus poemas, es su teatro, pero también son sus dibujos, su música… Eran artistas multidisciplinarios. En la obra la influencia de ambos se nota, fruto de la amistad, de un juego de seducciones que construyeron entre ambos. Lorca tuvo una época en que estuvo enamorado de Dalí, y todo esto está en ellos. La obra se centra en la época de la Residencia de Estudiantes y en las estancias de Lorca en Cadaqués. Una época en la que la amistad entre los dos y la influencia era brutal. Uno bebía del otro. En esto me he querido centrar en el espectáculo.

Me ha sido imposible no recordar los arreglos de Paco Ibáñez a la hora de musicar los textos. Ha sido una influencia? Háblanos del disco producido al mismo tiempo que la obra. Fue fácil musicar los versos de Lorca?

La influencia de Paco Ibáñez es inevitable. Me emociona lo que dices porque mi padre había sido representante de Ibáñez. Y lo he mamado mucho desde pequeño. He ido a muchos conciertos de Ibáñez a los que me llevaba mi padre. Aún así, la influencia de Paco Ibáñez en el espectáculo no la he buscado, ha salido de forma natural.

Musicar los textos ha sido muy natural, muy espontáneo. Yo comencé a tocar la guitarra con ocho años. Yo de pequeño soñaba con ser músico. Esta era mi ilusión. Pero la vida me llevó hacia la interpretación. Y la música se quedó en un ámbito no profesional. Y ahora con este Lorca es cuando las dos cosas se han unido. Por ello la composición de la música no fue difícil, fue algo muy natural. El espectáculo me pedía guitarra. Por ello me siento muy cómodo. Y por otro lado como la música ha nacido de esta espontaneidad es muy fresca, muy natural, fluye de una manera por mi cuerpo franca y honesta. La música y la palabra van de la mano en la obra.

El resultado musical incluye recitación, canción y toda una serie de onomatopeyas y efectos sonoros y musicales. Háblanos un poco de todo esto. Requerimiento de producción o una voluntad, también, de actualizar a Lorca?

Grabar el disco del espectáculo ha sido el gran trabajo. Yo no había grabado un disco en mi vida, ni pensaba en hacerlo. Pero fue apareciendo a medida que el espectáculo iba creciendo. Cuando Lorca llegó al Off-side del Romea, Jordi Musquera productor y uno de los grandes valedores de la propuesta, me dijo: Joel, hemos de hacer un disco de esto. Gravé los previos de voz y guitarra en Prasat Studio. Los primeros resultados que me envió fueron “guau, es impresionantes, pero para el Sonar de día”. Yo quería que el disco oliera, hiciera olor al espectáculo. Esta ha sido una de las grandes dificultades, al intentar ser fiel a Lorca.

Con el espectáculo no quería tan solo desarrollar la voz y la guitarra sino que quería darle un plus. Y este plus nos lo daba la tecnología. Jugar con los delays, con las reverbs largas, con las que se crea la atmósfera del espectáculo. Por otro lado, el espectáculo tiene un escenario vacío, con dos guitarras, una flamenca y una española y un rack de efectos sonoros en los pies.

Lorca, Margarida Xirgu, Teatre Romea… La elección del escenario fue casualidad o una elección buscada?

Carles Canut, director del Teatre Romea, es el máximo valedor del espectáculo. En el momento en el que le hice la propuesta y la escuchó lo vio clarísimo. Yo buscaba un lugar en Barcelona que tuviera una solera o conexión con la obra. Ciertamente Margadida Xirgu era la actriz fetiche de Lorca. ¿Cuántas noches Margarida Xirgu estuvo en el Romea? Existen muchas historias de la Xirgu en el Romea. Era un sueño que poco a poco se iba haciendo realidad y a la vez poco buscado en un inicio.

Con este espectáculo han ido pasando una serie de cosas de forma natural. La propuesta que le hicimos a Canut fue también muy fácil, ya que él es un gran amante de Lorca. Así, poder cerrar el ciclo Off-side del Romea este año con este espectáculo es un regalo. Y es que todo esto, Lorca, la Xirgu está en el Romea… El espacio es ideal para un espectáculo como Lorca. Siempre hemos intentado que los espacios donde representáramos la obra tuvieran una energía, que por sí solo formen parte de la escenografía.

Cómo crees que viviría Lorca en un mundo como el nuestro?

Lorca está en el imaginario de todos. Lorca, lo digo en el espectáculo, era un ser nacido para la libertad. Yo lo siento tan actual, era tan atemporal… Cómo se sentiría él ahora, esto no lo he querido obviar en el espectáculo. La obra se centra en la época de juventud, pero hago una elipsis al final, un monólogo final que es una bofetada sin mano. Habla de aquellas España, un pueblo de mancos, un país de paletos manipulables. Se lo cargaron. Lo fusilaron con 38 años. Alguien que con 38 años hizo todo lo que hizo, si no lo hubieran matado no me puedo imaginar a dónde hubiera llegado, seguramente hubiera sido un Nobel.

Su obra en general es tan bestia, es tan inmensa que hoy en día forma parte de nosotros. Mi objetivo no es polemizar, el espectáculo tiene otra línea, muy diferente… abarca una época de luz de Lorca, pero no he querido pasar por alto este tema, de cuál fue su final y que fue una tragedia. Hoy en día, creo que estos delays y estos efectos sonoros se le quedarían cortos, experimentaría, era tan avanzado a su tiempo… es que era atemporal.

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Tienes en tu historial trabajo en el teatro, en el cine, en la televisión, como músico, como docente. Dinos en qué estás trabajando, si tienes algún nuevo proyecto y en qué ámbito?

Yo espero que este espectáculo tenga un recorrido largo. Llevamos un año y medio con él, pero justamente ahora está comenzando. Espero que en el Romea lo pueda ver mucha gente, y que a partir de aquí podamos viajar por Cataluña, por España y quién sabe. Pero espero que tenga un largo recorrido. Creo que este espectáculo me acompañará mucho tiempo…

Aún así, en estos momentos he comenzado ensayos de un espectáculo teatral que se llama Human de la productora Dactilar, una producción medio inglesa y medio de aquí, que estrenaremos el 1 de junio en Barcelona. Es una obra de teatro con texto de Pepe Castejón, un texto maravillos. Y ahora en estos momentos estoy compaginando los ensayos de una cosa y la otra, conviven los dos textos en mi cabeza. En Human yo estoy solo como actor, pero Lorca es algo mío que he ayudado a concebir, y estará mucho tiempo conmigo. Espero y deseo que guste, y que tenga su vuelo. A ver dónde nos llevará.
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Jorge Pisa

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Estreno teatral: El hombre, la gran chapuza de Dios, en el Teatro Tívoli

Después del éxito sin precedentes de “Ahora me toca a mí” y de “Novios con solera”, con más de 60.000 espectadores, Justo Molinero vuelve ahora a los escenarios con El hombre, la gran chapuza de Dios.

Justo Molinero, después de 35 años de micrófono en la radio, sigue cumpliendo su sueño de subirse a un escenario. Para esta ocasión reúne de nuevo a un grupo variopinto de amigos y profesionales de Radio TeleTaxi, en una compañía de teatro muy peculiar que tiene un objetivo: acercarse a los oyentes de la radio ofreciéndoles grandes dosis de humor directo, cotidiano y costumbrista.

A esta insólita compañía se le ha dado el nombre de Los Descastaos; un grupo de locutores y amigos de la radio que se unen de nuevo y regresan al teatro con nuevo espectáculo: “El hombre, la gran chapuza de Dios”, que toma nombre de uno de los sainetes del autor José Cedena que se representa.

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En el espectáculo sabremos, de una forma distinta, cómo Dios creó al hombre y la chapuza que hizo; y cómo creó a Eva; y lo de la manzana; y la bondad y la maldad… “El hombre, la gran chapuza de Dios” también habla de Caín y Abel, de cómo Caín mata a Abel. Se supone que el mundo era perfecto antes de que Eva comiera la manzana, el fruto prohibido y luego todo fue mal y se torció. Y vaya chapuza de hombre que creó. Un espectáculo delirante, en clave de humor, en el que se explica el inicio del hombre y como Dios la “cagó”. Unos sainetes donde las risas están aseguradas con un humor sencillo que llega a todo el mundo.

Actores amateurs, locutores de Radio TeleTaxi, amigos de la casa que ya han recorrido toda Catalunya en dos ocasiones, se acercan a los oyentes de la radio ofreciéndoles dos horas de distracción, con humor cotidiano y costumbrista en esta tercera entrega firmada de nuevo por José Cedena, excepto un entremés de los hermanos Álvarez Quintero.

En esta ocasión se suman al elenco, con papel propio, dos de los locutores más queridos por la audiencia de Radio TeleTaxi: María José Cordero y Richard Bertomeu.

Artistas invitados:
Antonio Cortés
Jonathan Santiago
Leo Rubio
Javier Ginés

“El hombre, la gran chapuza de Dios” se representa en el Teatro Tívoli del 13 al 15 de abril de 2018

Dirección: Justo Molinero y Juan Carlos Gil
Autor sainetes: José Cedena
Entremés: Hnos. Álvarez Quintero
Reparto: Justo Molinero y Los Descastaos
Música en directo: Manolo Zafra
Escenografía: Montse Rodríguez y Manolo Púa
Iluminación y sonido: Nord Produccions
Producción: Juan Carlos Gil

Gira 2018
Barcelona Teatre Tívoli 13 al 15 abril
Vilafranca del Penedès Teatre Casal 5 mayo
Olot Teatre Municipal 6 mayo
Granollers Auditori 12 mayo Invitado: JONATHAN SANTIAGO
Reus Teatre Fortuny 19 mayo Invitado: ANTONIO CORTÉS
Santa Coloma de Gramenet Teatre Sagarra 27 mayo
Tortosa Auditori 3 junio Invitado: JAVIER GINÉS
Girona Teatre Municipal 10 junio

Horarios: Viernes a las 20:00 horas; sábado a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingo a las 17:30 horas
Precio: Desde 20€

Crítica teatral: Dirty Dancing, el musical, gira española

Cada vez es más habitual que los grandes éxitos del cine del pasado revivan sobre los escenarios teatrales. Los ejemplos son múltiples, entre los que se pueden destacar Sugar, El guardaespaldas, Priscila la reina del desierto o la misma La Bella y la Bestia. Ahora le llega la ocasión a Dirty Dancing, una de esas joyas cinematográficas de los 80 que la mayoría recuerda con aquellos ojos y sentimientos del amor juvenil, aquel que recorre todos los rincones del cuerpo en una época temprana dejando una huella indeleble.

La producción de la adaptación teatral de Dirty Dancing está a cargo de Letsgocompany, productora que tiene en su cartera obras musicales como Jesus Christ Superstar, La Familia Addams o El jovencito Frankenstein. En el caso de Dirty Dancing, sin embargo, el empeño no ha sido recompensado con el pleno acierto teatral, si bien, es seguro que sí obtenga el éxito económico, si nos fijamos en lo amplio y extenso de su gira internacional y española que aún ha de llevar el espectáculo durante este año 2018 a ciudades como Valencia, Mallorca, A Coruña, Vitoria y Madrid.

“La trama de Dirty Dancing plantea cómo en el verano de 1963, Frances “Baby” Houseman, una jovencita de diecisiete años, se encuentra atrapada en unas aburridas y monótonas vacaciones junto a su familia en las montañas de Catskill, Nueva York. Sin embargo, la situación cambia cuando, durante una fiesta en el hotel, se topa con el guapo y famoso profesor de baile Johnny Castle. Este encuentro no solo permitirá a Baby aprender unos cuantos pasos de baile sino que cambiará su vida para siempre”.

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La base del espectáculo no puede ser mejor, una de aquellas películas que quedaron en la retina emocional de millones de jóvenes y no tan jóvenes de los 80. Además nos narra una historia de principios e ideas que mueven las vísceras de la mayoría. Pero el espectáculo teatral en sí queda un poco frío, no solo porque ya conocemos la historia, sino porque esta nos es narrada casi de la misma e idéntica forma en que ya nos mostrara el cine. Poco se ha innovado creativamente en este Dirty Dancing, algo que aunque entendible (ya sabemos lo reacios que son los cada vez más numeroso fans en relación a cualquier cambio que se plantea sobre las historias que ya conocen y/o desean) fomenta un hieratismo excesivo en el desarrollo del espectáculo. Tampoco ayuda el continuo movimiento de los diversos decorados giratorios sobre el escenario, necesarios para enmarcar el avance de la acción, pero que potencia la frialdad y afecta al ritmo con el que se desarrolla el musical.

Por lo que respecta a las actuaciones, están correctas, Laura Enrech y Christian Sánchez (en el estreno del musical en Barcelona) desarrollan sus personajes en los cauces que ya mostraran Jennifer Grey y Patrick Swayze en el cine. El acompañamiento, Fanny Corral, Antonio Reyes, Lilian Cavale, Jorge Galaz, Pedro Ekong y Enrique Cazorla entre otros, es más que correcto, si bien, en muchos casos no llegan a transmitir al 100% aquellas emociones que sí transmite la película. Tan solo tres momentos alcazan las cotas deseadas: el primero de ellos la escena en la que Castle inicia las clases de baile con Baby y en la que suena el tema Hungry eyes, en el que la nostalgia hace de verdad su primera aparición sobre el escenario; el segundo la escena de la clase acuática, en la que la resolución técnica permite crear de una forma excelente el ambiente que requiere el momento y por último la escena del baile final, aquella en el que se resuelven todas las tramas y en el que suena la mítica (I’ve had) The time of my life. Hecho este que nos permite ser conscientes del destacado papel de la música en el espectáculo. Una música, por cierto y si no recuerdo mal, en parte en directo y en parte enlatada.

Dirty Dancing no es, ni mucho menos, una mala adaptación teatral de la película de los 80, si bien le faltan momentos y elementos que alcen a la producción al nivel del film, entre ellos un global interpretativo con mayor intensidad; una dirección capaz de sacar lo mejor de actores, actrices y escenas (y si es posible, algo más creativa) y un diseño de escenarios más dinámico y menos omnipresente. El resto ya lo tiene. Además la propuesta es poseedora de un as en la manga, y este no es otro que la nostalgia de un éxito cinematográfico que todos llevamos en el recuerdo… por qué, cuándo o en qué época vistes por primera vez Dirty Dancing!!??

Gira española 2018
Pamplona: del 19 AL 22 de abril (Baluarte)
Valencia: del 26 de abril al 20 de mayo (Palau de les Arts)
Palma de Mallorca: del 23 de mayo al 3 de junio (Auditorium)
A Coruña: (del 6 al 10 de junio (Palacio de la Ópera)
Vitoria: del 12 al 15 de julio (Buesa Arena)
Madrid: del 26 se septiembre al 4 de noviembre (Teatro de la Luz Philips Gran Vía)

Director: Federico Bellone
Director Musical: Pedro Arriero
Director de Actores: Esteve Ferrer
Escritura: Eleanor Bergstein
Coreografía: Gillian Bruce
Diseño Escenografía: Roberto Comotti
Diseño Vestuario: Jennifer Irwin
Iluminación: Valerio Tiberí
Diseño Audio: Armando Vertullo
Producción: Letsgo, Lionsgate, Magic Hour Productions y Show Bees
Reparto: Laura Enrech, Pablo Ceresuela, Fanny Corral, Antonio Reyes, Lucia torres, Lilian Cavale, Antonio M. M., Jorge Galaz, Didac Flores, Juls Sosa, Sergio Arce, Pedro Ekong, Enrique Cazorla y Empar Esteve
Músicos: Joseba Llanas (Contrabajo), Alvaro Forcén (Trompeta), Héctor Collado (Saxo) y Miguel García (Batería)

 

 

 

Crítica cinematográfica: Star Wars: The Last Jedi

Analizar una película que forme parte de la franquicia Star Wars siempre es complicado, se trata de un punto etéreo donde conectan diversas sinergias nostálgicas. Los que nos hemos criado con las obras que forman parte de la trilogía original -o bien con las precuelas- hemos convertido esta saga en referencial. Este muro de subjetividad ha encontrado grietas en el momento en que ha sido creada una nueva trilogía de películas. Ante la novedad de la misma, todos partíamos de la misma base: no sabíamos nada. Esto responde al hecho de que el argumento que se nos presenta es contemporáneo a los hechos de las dos trilogías anteriores y es nuevo a ojos de todos.

El primer filme de esta nueva trilogía -titulado The Force Awakens– fue estrenado la Navidad de 2015. La película recibió valoraciones positivas en cuanto a la crítica profesional; pero toda obra que forme parte del universo Star Wars debe superar el umbral más conflictivo y polémico: el de la comunidad fan. Este grupo se mostró decepcionado en gran parte, sobre todo por el conservadurismo que desprendía su argumento, muy plano y similar al del archiconocido y parodiado Episodio IV. También existían voces discordantes con este planteamiento que alababan la obra, pero quedaban rápidamente enterradas tras las argumentaciones de críticos furibundos.

El director JJ Abrams pasó el testigo a Rian Johnson, quien se ha encargado de dirigir la continuación. El nombre que otorgó a la obra fue The Last Jedi, toda una declaración de intenciones que quería romper con el continuismo imperante y nocivo que había implementado el largometraje anterior.

Rian Johnson intentó abrirse camino en Hollywood tras la positiva Looper, una obra que intentaba plasmar el universo de la ciencia ficción a la gran pantalla de una manera novedosa y pionera, como ya se vio en Harry Potter y su universo mágico, en el Señor de los Anillos y su aura épica o en el universo del casino de Bond: Diamantes para la eternidad.

La película fue estrenada esta Navidad en un contexto altamente similar: la crítica especializada alabó la obra de manera unánime, pero el momento de la verdad llegaría nuevamente cuando los fans fueran los encargados de desgranarla. Como si se tratase de la fuerza, los detractores y los partidarios de la obra originaron un cisma que todavía hoy se mantiene irreconciliable. En esta ocasión la película era criticada por su heterogénea en comparación a lo que se había visto previamente en la saga. Los fans que exigían una terapia de choque aplicada a la franquicia ahora criticaban su aplicación.

La octava entrega de la saga profundiza en los hechos que mostró su antecesora, y se intentan esclarecer muchas incógnitas planteadas. El exilio de Luke Skywalker se intenta resolver de la mejor manera posible y vemos como la Resistencia intenta establecerse como fuerza hegemónica en el universo con el liderazgo de la Princesa Leia. Todos los personajes que ya vimos en The Force Awakens siguen una evolución y se profundiza en su historia.

Desgraciadamente, ciertos elementos no se resuelven de la mejor manera posible y muchas incógnitas que la comunidad quería ver resueltas quedan en el aire. Por suerte, la trilogía todavía se guarda una última bala, el episodio IX, que nuevamente será escrito y dirigido por JJ Abrams. Cuando el lienzo quede estirado del todo y los detalles hayan sido explicados en su contexto global podremos analizar su mensaje definitivo. Sin embargo, las casi tres horas de metraje son autocomplacientes y el deseo de querer más queda, en parte satisfecho.

Personajes nuevos como Rose Tico (Kelly Marie Tran) o DJ (Benicio del Toro), no aportan nada nuevo a la historia y quedarán grabados como un pie de página en la historia de la saga. La implementación de un tipo de humor Marveliano tampoco acaba de encajar dentro del tono de la película y puede descontextualizar el mensaje que se está explicando. La evolución de Kylo Ren (Adam Driver) es quizás el elemento más potente de la obra y uno de los aspectos que vale la pena alabar.

La perfección técnica de la obra queda fuera de toda duda, con una implementación digital que brilla con luz propia. Los efectos especiales establecen un umbral difícil de superar.

La sensación final es agridulce, de un intento fallido de reconducir la franquicia y postrarse al nivel de obras anteriores. Como ya hemos mencionado, tendremos que esperar hasta visualizar el último capítulo de la nueva trilogía para ubicarla en su contexto global. Entre el negro de The Force Awakens y el gris de The Last Jedi existen una gran tonalidad de grises que vale la pena tener en cuenta.

Título: Star Wars: The Last Jedi
Director: Rian Johnson
Guión: Rian Johnson
Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Óscar Isaac, Mark Hamill, Carrie Fisher,Kelly Marie Tran, Domhnall Gleeson, Benicio del Toro, Laura Dern, Andy Serkis,Gwendoline Christie, Lupita Nyong’o, Anthony Daniels, Frank Oz, Warwick Davis,Justin Theroux, Billie Lourd, Lily Cole, Navin Chowdhry, Temirlan Blaev, Sara Heller,Josiah Oniha, Joseph Gordon-Levitt
Género: Acción, Aventuras, Ciencia Ficción
Nacionalidad: EE.UU.
Año: 2017
Estreno: 15 de diciembre de 2017
NOTA CULTURALIA: 6,5
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Joan de Buen

Recomendaciones teatrales. Cartelera Barcelona

Hoy os recomendamos en Culturalia algunas de las propuestas imprescindible para aquellos que disfrutan con el ocio teatral. Una recomendación para que no os perdáis lo más destacado del Teatro en Barcelona durante estos tres primeros meses del año.

Dirty Dancing, en el Teatro Tívoli
Hasta el próximo 25 de febrero tienes la oportunidad de revisitar uno de los grandes clásicos del cine romántico-musical de los 80. Una producción que transporta la acción de la película protagonizada por Patrick Swayze y Jennifer Grey sobre el escenario y que os permitirá revivir uno de aquellos episodios románticos gravados en el recuerdo y en los corazones de muchos (y muchas) de vosotros (y vosotras). La versión teatral adapta fielmente las escenas de la película y os sorprenderá sobre todo por su escenografía, su apuesta técnica y el buen trabajo de los protagonistas principales, Christian Sánchez y Laura Enrech. Por no hablar del acompañamiento musical… Una delicia…
Teatro Tívoli, hasta el 25 de febrero de 2018

Moby Dick, en el Teatre Goya
Josep María Pou encarna al capitán Ahab en esta adaptación del clásico de la literatura universal escrito por Herman Melville. Un viaje a la locura humana vestido de obsesión por la destrucción de un símbolo en forma de ballena. Una de las grandes propuestas escénicas de este año dirigida por Andrés Lima y que nos permitirá reflexionar sobre la esencia del alma humana y sobre los designios que nos depara, a cada uno de nosotros/as, la vida.
Teatre Goya, hasta el 8 de abril de 2018

Sexe Oral, en el Almeria Teatre
Sexe oral es una novedosa propuesta de radio teatro erótico que gira alrededor del sexo y de las fantasías acerca de él. La obra nos presenta una doble historia en la que la relación de pareja se analizan a través de las apetencias y las fantasías sexuales que todos y cada uno/a de nosotros/s alimentamos en nuestro foro más interno. A veces se cumplen y a veces no, pero generan un torbellino emocional que llega a veces a afectar a nuestro día a día. Una propuesta de Veus Humanes con Eva Lluch, Silvia Gómez, Ramon Canals y Ramon Hernàndez que se programa los domingos del 18 de febrero al 11 de marzo.
Almeria Teatre, del 18 de febrero al 11 de marzo de 2018

El Fantasma de Canterville, en el Teatre Condal
El cómico Joan Pera regresa al Teatre Condal con una comedia clásica hecha como anillo al dedo. En ella interpreta al fantasma Sir Simon de Canterville, que pretende aguar la estancia de la familia de un empresario norteamericano en su castillo familiar. Una comedia y un personaje que permite a Pera volver a provocar innumerables carcajadas en el patio de butacas. Si te gustan las comedias y el humor “Joan Pera”, esta es una ocasión de oro. No te la pierdas!
Teatre Romea, del 13 de febrero al 8 de abril de 2018.

Frankenstein, en el TNC
Y acabamos esta recomendación con otro clásico de la literatura, en este caso Frankenstein, obra de teatro basada en la novela de terror de Mary Shelley. Un personaje convertido en símbolo y mito de la sociedad moderna e industrial, y una historia adatada por Guillem Morales, dirigida por Carme Portacerli e interpretada por Joel Joan y Àngel Llàcer y que nos permitirá reflexionar sobre la humanidad en una época de cambio constante y de mutación continua.
TNC, del 15 de febrero al 25 de marzo de 2018

Una selección teatral mucho más que recomendable!!

Crítica cinematográfica: Wonder Wheel, de Woody Allen

A sus ochenta y dos años recién cumplidos, Woody Allen sigue en buena forma y mantiene la cita anual con sus seguidores con el estreno de Wonder Wheel, un espléndido drama con toques de tragedia griega ambientado en Coney Island durante los primeros años cincuenta, un film que sigue la línea establecida en 2013 con Blue Jasmine y que, como aquella, a buen seguro reportará enormes alegrías a su protagonista, una Kate Winslet sensacional, capaz de defender un personaje (Ginny) emocionalmente inestable y que sostiene la película con su presencia en la mayoría de las escenas.

A punto de cumplir los cuarenta, Ginny comprueba que su vida nada tiene que ver con aquello que había soñado en su juventud: fracasó en su intento de ser actriz, su primer matrimonio no funcionó, encontró refugio en otro hombre desdichado (Humpty, responsable de los caballitos del parque), pero tampoco él supo hacerla feliz; además, es incapaz de controlar las tendencias pirómanas de su hijo. En ese momento de máxima frustración vital aparece en su camino Mickey (narrador de esta historia), un socorrista aspirante a escritor que se convertirá en el hombre que tanto anhelaba. Sin embargo, la llegada de su hijastra (Carolina), perseguida por la mafia, pondrá en riesgo ese momentáneo oasis de felicidad.

Justin Timberlake y Kate Winslet, en una imagen de la película.
Justin Timberlake y Kate Winslet, en una imagen de la película.

Wonder Wheel es el desolador retrato de una mujer compleja, voluble, protagonista de una historia de pasión, de celos, de arrebatos que implican consecuencias imprevistas, un personaje que Winslet (capaz de eclipsar a sus compañeros de reparto) hace brillar, con dos soliloquios impresionantes ante su amante (el primero, cuando le confiesa su pasado, y, el segundo, en la conversación final entre ambos); su contrapunto es Carolina, a quien Juno Temple dota de una especial dulzura e inocencia desde el primer instante en que aparece en pantalla (rímel corrido y con la famosa noria a su espalda). Por su parte, James Belushi defiende con acierto a Humpty, mientras que Justin Timberlake es el seductor aspirante a escritor (Mickey) que interpela al espectador desde su puesto de vigilancia en la playa.

Allen presenta una visión pesimista y oscura de la vida, utiliza un entorno en apariencia idílico (el parque de atracciones de Coney Island) para esbozar un drama desprovisto de cualquier indicio de sentido del humor (tan solo el niño pirómano funciona como gag recurrente), con guiños cómplices a las piezas de Tennessee Williams y al cine de la época (Winchester 73), y en el que destaca el enorme trabajo de Vittorio Storaro para iluminar ese parque de atracciones de aire crepuscular.

Así, un año más Woody Allen firma una nueva película (¡y ya van cuarenta y siete!). Y un año más, surgirá la misma pregunta: ¿Está al nivel de sus mejores films? Esta es, sin duda, una cuestión difícil de responder si tenemos en cuenta que entre sus cintas más clásicas hay indiscutibles obras maestras. Sea como sea, lo que sí es cierto es que Wonder Wheel no desentonará entre los títulos más recordados del cineasta neoyorquino.

Título: Wonder Wheel
Dirección: Woody Allen
Intérpretes: Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, James Belushi, Max Casella, Marko Caka, Jack Gore
País: USA
Duración: 101 minutos
Género: Drama
Guión: Woody Allen
Fotografía: Vittorio Storaro

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Escrito por: Robert Martínez

Curs: grans mentides de la història

Com no podria ser d’una altra manera, la història està ben plena de mentides que s’han acabat imposant en la cultura popular, sobretot arran de l’èxit de la literatura i el cinema i pel desconeixement que en tenen els mitjans de comunicació. En aquest curs estudiarem algunes de les mentides més famoses i consolidades de la història per veure si superen un escrutini històric i científic.

Curs: Grans Mentides de la Història

Calendari: Dimarts de 17:00 a 18:30 hores

09/01: La tomba de Tutankamon i la maledicció dels faraons
16/01: La veritable democràcia atenesa
23/01: Neró i l’incendi de Roma / Els gladiadors romans
30/01: El misteri de la Biblioteca d’Alexandria
06/02: Les malifetes dels templers
13/02: Rei Artús i els cavallers de la Taula Rodona
20/02: Colom i la descoberta d’Amèrica

Horari: de 17:00 a 18:30 horas
Professor: Jordi Pisa Sànchez
Idioma: Català
Preu: 105€

Professor: Jordi Pisa Sànchez és llicenciat en Història per la Universitat de Barcelona (UB) i té un Màster en Gestió Cultural per la Universitat Oberta de Catalunya (UOC). Especialitzat en l’àmbit de la història Antiga, l’Antiguitat tardana i la Història alt-medieval.
Ha publicat dos llibres de difusió històrica sobre el món antic i col·labora en revistes i publicacions històriques diverses.
Actualment es dedica a la formació amb xerrades i cursos sobre temes d’història i cultura. A més realitza rutes històriques per donar a conèixer el patrimoni i la història de la ciutat de Barcelona.

Localització
Escola d’Humanitats Artkhé
Consell de Cent 295, 08007 Barcelona
Barcelona

Dirty Dancing sale a la calle para realizar una actuación en la estación de Rodalies de Plaça de Catalunya

El espectáculo Dirty Dancing celebra su regreso a Barcelona con una acción especial. Mañana miércoles 13 de diciembre a las 17:00 horas la compañía saldrá del Teatro Tívoli y ofrecerá una representación del espectáculo en la estación de Rodalies de Plaça de Catalunya. El elenco interpretará el inolvidable baile del gran clásico del cine de los 80, el tema “(I’ve Had) The Time Of My Life”.

Baby y Johnny Castle regresan al Teatro Tívoli donde comenzaron las funciones el pasado miércoles 6 de diciembre. El espectáculo vuelve a la ciudad tras un gran éxito en su primera estancia, donde estuvieron desde el 9 de febrero hasta el 12 de marzo de 2017 consiguiendo colgar el cartel de entradas agotadas.

El musical Dirty Dancing se representa en el Teatre Tívoli del 6 de diciembre de 2017 al 15 de nero de 2018.

Funciones: Miércoles y jueves a las 20:30h.
Viernes y sábados a las 18:30h. y a las 22:30h.
Domingo a las 17:00h.
*El domingo 24 de diciembre no habrá función.
*El domingo 31 de diciembre la función será a las 22:00h

Canales de venta: www.dirty-dancing.es, taquilla del teatro y www.grupbalana.com

The Brave You – Tedx Barcelona Women

Que les entrades es van esgotar ràpidament, ho vam veure amb una sala plena de gom a gom, moltes dones i algun home. Totes (si ens permeteu, seguirem en femení doncs la ocasió ho val, i la grandíssima majoria presents érem dones) amb somriures expectants i preparades per escoltar dones poderoses, amb missatges que ens podessin fer pensar, reflexionar, fer sentir i emocionar, i, amb sort, que també ens podessin inspirar algun canvi positiu en les nostres vides.

L’acte va començar amb una frase magistral de la moderadora: “este es un viaje por el mundo de las ideas para difundir que empieza en Barcelona, pero acaba donde tú quieras. Let’s come all together”. Amb aquest missatge tan poderós va iniciar la sessio del TED Women 2017 de New Orleans (EEUU). Quatre dones inspiradores cadascuna amb una experiència a compartir ben diferent: en primer lloc, la directora del Global Fund for Women, Musimbi, qui ens va explicar el significat de la paraula isirika i la importància de la responsabilitat mutua per tenir cura uns dels altres. Seguidament, vam conèixer a l’arquitecta Deanne van Buren, qui treballa en la construcció de centres comunitaris per la reconciliació als Estats Units i que va acabar la seva presentació amb una cita de Cornel West: “justice is what love looks in public”. La poetessa i artista, Sunni Patterson, ens va delectar amb un poderós poema sobre l’empoderament i la llibertat de les dones. I finalment, Anjali Kumar, qui ens va oferir una visió més espiritual i va anar més enllà de les relacions homes-dones per declarar que en el nivell més fonamental som tots iguals i tenim les mateixes necessitats bàsiques: salut, felicitat i amor. En la seva opinió, ens seguim centrant en aquelles coses que ens fan diferents i no ens les que tenim en comú.

Tot seguit va pujar a l’escenari el grup Salt&Soul Duo, musica del mon transportadora. La cantant una dona, que transmetia confiança vital i força, va embriagar el públic que seguia la musica amb atenció i gaudi. Donuts i xocolata van endolcir la pausa que ens portaria a la part més esperada de la nit, dues dones que ens parlarien en directe.

L’escriptora i periodista sueca autora del llibre ¿Quién le hacía la cena a Adam Smith?, Katrine Marçal, ens va fer pensar en un futur on les dones serien les protagonistes: “the future will be female”, posant al centre l’empatia com a base en les relacions socials.

Maria Fernández-Miranda, subdirectora de la revista Cosmopolitan, va tocar un tema sensible – la no maternitat i l’identitat de la dona des de la seva experiència personal, trencant tabús i demanant un canvi de perspectiva: preguntem-nos què ens fa feliços, què ens identifica, què ens emociona. Però deixem de donar per suposat que totes les dones volen (i poden) ser mares. Deixem de disculpar-nos i explicar-nos quan no els tenim. Va acabar la seva presentació amb un missatge que se’ns va quedar gravat: canviem les preguntes!

Els organitzadors molt encertadament van dinamitzar el que quedava de temps amb un Improshow de Planeta Impro i un repàs als missatges del públic sobre que vol dir ser valent (what it means to be brave): tenir confiança, ser autèntic i no deixar de perseguir somnis van ser dels missatges més repetits.

No volem deixar passar l’ocasió d’una petita suggerència per propers events, vam trobar a faltar exemples més propers de dones inspiradores, que podria resultar en conferències o “talks” presencials.

Volem acabar felicitant als organitzadors per un acte impecablement organitzat fins al més mínim detall. La temàtica “the brave you” on la dona era la protagonista de la nit va ser un encert.

 

Alicia Betts i Celia Esquerra

Sorteo: 3 entradas dobles para el estreno de Circo Price en Navidad ‘Los viaje de Marco y Pili’ en el Teatro Circo Price

Culturalia en colaboración con entradasymás te ofrece 3 entradas dobles para asistir al estreno de Circo Price en Navidad ‘Los viaje de Marco y Pili’ en el Teatro Circo Price.

Te invitamos el próximo sábado 30 de noviembre al estreno deL espectáculo Circo Price en Navidad ‘Los viaje de Marco y Pili’ en el Teatro Circo Price de Madrid a las 20:00 horas.

“Con motivo de la llegada de la Navidad, el Teatro Circo Price ofrece un espectáculo especial dirigido a todos los públicos donde grandes artistas circenses brindan una función de acrobacias e imaginación.
La obra sitúa al público en el aula de una escuela. En este lugar, sus dos protagonistas, Marco y Pili, deciden realizar un viaje onírico a través de su imaginación. De la mano de malabarismos y juegos circenses llevan a los asistentes a cruzar desiertos, visitar mercados de Oriente y descubrir ciudades marítimas de conexiones insospechadas. Todo para llegar al corazón mismo de un imperio legendario.
Se trata de un show que deja boquiabiertos a grandes y pequeños y que fomenta en los niños la curiosidad, la voluntad de conocer nuevas culturas y las ganas de descubrir nuevos lugare con este nuevo espectáculo creado por el director y coreógrafo Gilles Brinas”.

Para participar en el sorteo debes:

• Hacer un “Me gusta” en la página de Facebook de Culturalia o seguirnos en Twitter.
• Enviar un mail a concurso_culturalia@hotmail.es antes del lunes 27 de noviembre a las 20:00 horas. En el asunto del mensaje has de indicar Concurso “Circo Price en Navidad” y en el correo has de indicarnos tu nombre completo y tu número de móvil.

De esta forma podrás participar en el sorteo de 3 entradas dobles para asistir al estreno del espestáculo Circo Price en Navidad ‘Los viaje de Marco y Pili’ en el Teatro Circo Price el próximo 30 de noviembre a las 20:00 horas.

“El nombre del ganador aparecerá publicado en nuestro blog”

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