Historia: El águila y los cuervos: La caída del Imperio romano, José Soto Chica, Desperta Ferro Ediciones

Hoy os presentamos en Culturalia El águila y los cuervos, de José Soto Chica, uno de los libros más interesantes que se han publicado en nuestro país sobre el fin del Imperio romano. Lo edita Desperta Ferro ediciones, todo un seguro de calidad, y cuenta ya con una segunda edición.

La caída del Occidente romano es uno de los temas más abundantemente tratados por la historiografía, desde Gibbon hasta nuestros días, y sigue fascinándonos como fascina mirar a un abismo: ¿cómo un imperio tan poderoso, y en apariencia tan sólido, se debilitó hasta caer en apenas setenta años?

Las respuestas a esta cuestión han sido múltiples y se han planteado desde numerosos prismas, achacándose culpas sea a bárbaros, sea a cristianos, sea a ambos; enfatizándose factores climáticos, desequilibrios sociales o marasmo económico; apuntando a la erosión de los viejos valores, a las innúmeras guerras civiles o a la corrupción de las élites…

Esta pléyade de respuestas subraya el desafío que supone tratar de comprender y explicar por qué Roma cayó, un desafío que asume José Soto Chica, uno de nuestros mayores expertos en la Antigüedad Tardía y autor de libros señeros como Imperios y bárbaros. La guerra en la Edad Oscura o Los visigodos. Hijos de un dios furioso, para plantear, a su vez, otra pregunta: por qué el «imperio gemelo», la Roma de Oriente, Bizancio, sobrevivió y prosperó, mientras Occidente se hundía y disgregaba.

Alrededor de este eje, El águila y los cuervos desarrolla un relato vibrante sobre el convulso tiempo que medió entre el reinado de Juliano el Apóstata y el día del año 476 en que Odoacro depuso al último emperador de Occidente, el niño Rómulo Augusto, para enviar las insignias imperiales a Constantinopla. Un relato que integra los distintos aspectos que tener en cuenta para entender el proceso que quebró al Imperio –políticos, militares, sociales, religiosos, económicos o culturales–, pero en el que la erudición no ahoga un ritmo frenético, con personajes trágicos de la talla de un Aecio –«el último de los romanos»– o una Gala Placidia, con emperadores funestos como Valentiniano III y otros como Mayoriano que trataron desesperadamente de salvar los restos del naufragio, con bárbaros como el godo Alarico o el vándalo Genserico, saqueadores de una ciudad cuyos muros no había hollado ningún enemigo en ochocientos años. Porque lo impensable pasó: Roma cayó, y los cuervos se enseñorearon sobre el águila.

José Soto Chica fue militar profesional. Es doctor en Historia Medieval por la Universidad de Granada, profesor contratado doctor e investigador del Centro de Estudios Bizantinos de Granada. Es autor de más de cincuenta artículos y capítulos de libro en obras especializadas y ha publicado seis libros de historia, entre los que destacan Imperios y bárbaros. La guerra en la Edad Oscura y Los visigodos. Hijos de un dios furioso. También es autor de novela histórica y recibió el Premio Edhasa 2021 por El dios que habita la espada.

Título: El águila y los cuervos
Autor: José Soto Chica
Páginas: 520 + 8 a color
ISBN: 978-84-124830-3-1
Formato: Rústica con solapas, 155 x 235 mm
Año de publicación: 2022
Precio:
Papel: 26,95€
Ebook: 11,99€

Exposición: Sorolla a través de la luz, en el palacio Real de Madrid

El Palacio Real de Madrid se suma a los actos del Año Sorolla con ‘Sorolla a través de la luz’, una muestra inédita para el público de Patrimonio Nacional y para los seguidores del artista. En la exposición su obra original dialoga por primera vez con recreaciones digitales, como una sala sensorial y otra de realidad virtual.

Patrimonio Nacional, Fundación Museo Sorolla, Museo Sorolla y Light Art Exhibitions organizan esta exposición comisariada por Consuelo Luca de Tena, exdirectora del Museo Sorolla, y Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del pintor. Está incluida en el programa de actividades de la conmemoración del centenario de la muerte de Sorolla (1863-1923), declarada Acontecimiento de Excepcional Interés Público por el Ministerio de Cultura y Deporte.

El Palacio Real de Madrid acoge en cuatro salas un total de 24 obras originales, en su mayoría procedentes de colecciones particulares y expuestas por primera vez. La selección representa los temas favoritos del pintor, como el mar, los jardines, los retratos y las escenas costumbristas. Las obras dialoga con recursos tecnológicos de vanguardia mediante espectáculos de imagen y sonido que intensifican la percepción del espectador.

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Recorrido de la exposición
La sala de introducción incluye una cronología ilustrada que resume la vida y la trayectoria artística de Joaquín Sorolla.

La sala sensorial ofrece imágenes de sus principales cuadros en altísima resolución, combinadas y animadas, que envuelven al espectador en una apasionante experiencia de luz y color.

Las 24 obras originales del pintor se exponen a lo largo de cuatro salas, agrupadas en tres áreas temáticas:
Retratos de familia
Retratos reales y jardines
El mar
Sala de realidad virtual, que traslada al visitante a la época de Sorolla

Exposición: Sorolla a través de la luz
Lugar: Palacio Real de Madrid
Fechas: Del 17 de febrero al 30 de junio de 2023

Organiza: Patrimonio Nacional, Fundación Museo Sorolla, Museo Sorolla y Light Art Exhibitions
Comisarias: Consuelo Luca de Tena y Blanca Pons-Sorolla

Horarios:
Lunes a sábados: de 10.00 a 20.00 (último acceso 18.45)
Domingos: 10.00 a 18.00 (último acceso 16.45)

Venta de entradas: Web Patrimonio Nacional

Crítica concierto: Homenaje a Ennio Morricone & Nino Rota, en el Palau de la Música Catalana

Cada vez son más frecuentes los conciertos de bandas sonoras. En la actualidad predominan los conciertos de compositores como Hans Zimmer, John Williams, Ennio Morricone o la música de Disney, debido a la contundencia compositiva de los primeros y a la delicadeza musical de Morricone y de los compositores de las bandas sonoras de las películas de Disney.

El Palau de la Música Catalana apuesta por esta línea de programación, ampliando el catálogo de autores con un concierto que incluyó, a finales del año pasado, las obras de los compositores italianos Ennio Morricone y Nino Rota. Una velada de música cinematográfica que permitió al público asistente disfrutar de algunos de los grandes temas de ambos autores.

El concierto estuvo magistralmente interpretado por la Orquesta Simfònica del Vallès, acompañada, en esta ocasión, de la Coral Antiga y la Coral Sinera. El conjunto se completó con la participación de la soprano Andrea Martí, la mezzosoprano Marta Cordomí y la harmónica de Sergi Raya, necesarios para la interpretación de los famosos temas vinculados a los spaghetti western de Morrricone.

Por lo que os voy diciendo, el repertorio ya os lo podéis ir imaginando: En la primera parte del concierto se interpretaron varios de los grandes temas compuestos por Morricone como Cinema Paradiso, Érase una vez en América, la Misión o Novecento, acompañados por las bandas sonoras de La Strada, Amarcord y Ensayo de orquesta de Rota.

La segunda parte del concierto se centró en la etapa spaghetti western de Morricone con la interpretación de los temas principales de La muerte tenía un precio, Hasta que llegó su hora y El bueno, el feo y el malo, a las que acompañaron el gran clásico de El padrino y Fellini 8 1/2 de Rota y la interpretación del tema de amor, de nuevo, de Cinema Paradiso.

Lo que singularizó esta velada de música de cine fue la magnificencia de las interpretaciones que integraron la orquesta sinfónica, los coros y los solistas y que alcanzaron una gran brillantez. A lo que se sumaron la visualización en una gran pantalla de las imágenes de las películas seleccionadas y las narraciones que entre interpretación e interpretación llevaba a cabo Salvador Vidal, que contextualizaban las diferentes piezas o bien recitaban parte de los diálogos de los films cuya música se interpretaba, creando todo ello una atmósfera cinematográfica de primera en El Palau.

Una velada musical y cinematográfica que permitió al auditorio disfrutar «de verdad» de la música de dos grandes genios de las bandas sonoras, uno Morricone, omnipresente habitualmente en este tipo de conciertos y otro, Rota, que no es tan habitual, pero cuyas bandas sonoras han dado forma, también, a un tipo de cine y de películas que ha quedado en la retina musical de muchos y muchas.

Un acierto, sin duda, que esperamos se repita en el futuro!! Felicidades!!

Homenaje a Ennio Morricone & Nino Rota
Palau de la Música Catalana
Ciclo: Sinfónicos en el Palau
Sábado 19 noviembre 2022 a las 18:30 h
Sábado 3 diciembre 2022 a las18.30 h

Orquesta Simfònica del Vallès
Coral Antiga
Coral Sinera
soprano Andrea Martí (soprano)
Marta Cordomí (mezzosoprano)
Sergi Raya (harmónica)
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Una terapia integral, en el Teatro Fígaro (Madrid)

El coaching y las terapias de crecimiento personal están cada vez más presentes en nuestras vidas. Podemos mejorar en nuestro día a día, en nuestro trabajo, en nuestras relaciones sociales y de pareja… Ahora el Teatro Fígaro de Madrid nos propone Una terapia integral basada en la elaboración del pan, interpretada por Antonio Molero, Marta Poveda, Esther Ortega y César Camino.

«Toni Roca lleva más de diez años impartiendo cursos para enseñar a hacer pan. Hay pocas plazas y bofetadas para apuntarse. Los alumnos que se inscriben saben que los cursos de Toni Roca son únicos, el método parte de una simple y curiosa premisa: “Para hacer un buen pan, no hace falta la mejor harina o la levadura más fresca, para hacer un buen pan solo es necesario estar bien con uno mismo”. Así de sencillo. Si quieres hacer un buen pan, debes arreglar todo aquello que no funciona bien en tu vida. Tres nuevos alumnos se han apuntado al curso de este año, tres alumnos con intereses, voluntades y momentos vitales totalmente distintos».

La propuesta escrita por Cristina Clemente y Marc Angelet y estrenada en el Teatre Villarroel de Barcelona la temporada pasada, nos plantea una comedia en la que la harina, la masa madre y el estado anímico de los protagonistas estarán muy presentes y en la que veremos cómo podemos enfrentarnos a nuestros miedos y limitaciones y vencerlos… o no. O es solo esa necesidad que tenemos todos y todas de creer en algo superior a nosotros, algo que nos puede guiar en nuestras vidas desordenadas y, a veces, sin una dirección clara.

La representación da inicio justo en el «taller de crecimiento personal» en el que Marta Poveda, Esther Ortega y César Camino, cada uno con sus carencias y limitaciones, iniciarán una terapia de superación personal basada en la elaboración del pan. Una excusa, esta, muy bien escogida ya que muestra el esfuerzo que deben llevar a cabo los personajes a través de las diversas pruebas o fases de la panificación para conseguir mejorar sus vidas liberándose de sus respectivos lastres vitales.

El texto y la idea de base (elaboración pan – mejora personal) está muy bien trazada, si bien al desarrollo de la trama le falta algo de intensidad cómica para ser del todo resolutivo, algo que se equilibra con las buenas interpretaciones del cuarteto protagonista. Molero encarna apropiadamente al influencer – gurú que nos hará dudar de sus procedimientos. Por su parte, Poveda, Ortega y Camino dan mucho de sí al encarnar a los alumnos necesitados de guía vital, todo ello favorecido con un ritmo correcto y unas situaciones a veces disparatadas, originadas en las diversas personalidades de los protagonistas y los retos que tendrán que superar.

Así, pues, ya lo sabéis, si queréis aprender a elaborar pan y solucionar alguna situación y/o impedimento en vuestras vidas, Una terapia integral os puede ayudar, al menos durante los 90 minutos de representación. Una propuesta así no se encuentra todos los días.

«Una terapia integral» se representa en el Teatro Fígaro de Madrid del 1 de diciembre de 2022 al 2 de abril de 2023.

Autoría: Cristina Clemente y Marc Angelet
Dirección:
Marc Angelet y Cristina Clemente
Reparto:
Antonio Molero, Marta Poveda, Esther Ortega y César Camino
Con la colaboración de Juli Fàbregas
Diseño escenografía y vestuario:
Jose Novoa
Diseño iluminación:
Sylvia Kuchinow
Diseño sonido:
Ángel Puertas
Producción:
Carlos Larrañaga

Horarios: Miércoles y jueves a las 20:00 horas; Viernes a las 20:30 horas; Sábados a las 19:15 y a las 21:15 horas y Domingos a las 19:15 horas
Precio: A partir de 16€
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Concierto: La gran antología de la zarzuela, en el Palau de la Música Catalana

El Palau de la Música Catalana programa el próximo martes 21 de febrero la velada musical La Gran Antología de la Zarzuela, de la mano de NKProdarte y la Orquesta Festival de Zarzuela.

Una noche de canto y música española con este singular género escénico de amor y sátira, sobre temas históricos y cotidianos de la tradición nacional; para deleitar al público con las mejores zarzuelas de todos los tiempos.

Vuelven, con esta emblemática puesta en escena, grandes temas como La boda de Luis Alonso, No puede ser, De este apacible rincón de Madrid, Doña Francisquita, Por el humo se sabe donde está, Mis dulces sueños de adolescente, Como en la calle de la paloma, entre otros.

Concierto: La Gran Antología de la Zarzuela. Las mejores romanzas, dúos y preludios

Espacio: Palau de la Música Catalana
Día: Martes 21 de febrero de 2023 a las 20:00 horas
Organiza: NKProdarte
Ciclo: Prodarte
Precio: de 28 a 59€

FICHA ARTÍSTICA
Orquesta Festival de Zarzuela

Soprano: Ruth Terán
Tenor: Miguel Borrallo

Concierto: Víctor Manuel, La vida en canciones, Tour 75 Aniversario, en el Palau de la Música Catalana

Víctor Manuel aterriza en el Palau de la Música Catalana con La vida en canciones, el Tour 75 aniversario que celebra su extensa trayectoria de éxitos musicales.

Barcelona tendrá la oportunidad de disfrutar del inmenso repertorio de espléndidas canciones compuestas o interpretadas por Víctor Manuel, que todos tenemos grabadas para siempre en nuestro cerebro y en nuestro corazón. Un emocionante espectáculo lleno de recuerdos imborrables en el Palau de la Música Catalana.

LA VIDA EN CANCIONES (El escenario lo cura todo) pretende abarcar, resumir, largos años de canciones y carretera. De “Soy un corazón tendido al sol” a “La sirena” “Planta 14” “El abuelo Vitor” “Paxarinos”; del “Solo pienso en ti” a “La madre” “Luna” “Ay amor” “Canción pequeña”; del “Cuélebre” a “Nada sabe tan dulce como su boca” “Cruzar los brazos” “Allá arriba al Norte” “Digo España”; de “Danza de San Juan” a “No seré nunca juguete roto” “Quien puso mas” “Bailarina” o “Déjame en paz”; de “El hijo del ferroviario” a “Como voy a olvidarme” “Adonde irán los besos” “Nada nuevo bajo el sol” o “Tu boca una nube blanca”…

El escenario lo cura todo, subtítulo del concierto, es un verso de “No seré nunca juguete roto” canción que Ana y yo cantamos en “Para la ternura siempre hay tiempo” (1986). Efectivamente, el escenario cura todo menos lo incurable. Dicho esto y habiendo llegado hasta aquí uno agradecería que suavemente, antes de que hagan mas ruido las bisagras, el amado público fuera advirtiéndonos de cuando debemos irnos a casa, aunque siempre ejerza de juez implacable, cuando pones una entrada a la venta y no la compran… Esa debería ser para cualquiera la señal definitiva. Aunque sea muy triste la verdad, lo que no tiene es remedio… ¿Dónde habré escuchado yo esto …?

Concierto: Víctor Manuel, La vida en canciones, Tour 75 Aniversario, en el Palau de la Música Catalana

Espacio: Palau de la Música Catalana
Día: Jueves 9 de febrero a las 21:00 horas
Precio: de 20 a 58€
Organiza: Espectacles la Traca

Compra de entradas: Web Palau de la Música Catalana

Novel·la: Esperant el diluvi, de Dolores Redondo

Entre els anys 1968 i 1969, l’assassí a qui la premsa batejaria com a John Bíblia va matar tres dones a Glasgow. Mai no se’l va identificar i el cas encara continua obert avui dia.

A la novel·la, a principis dels anys vuitanta l’investigador de policia escocès Noah Scott Sherrington aconsegueix arribar fins a John Bíblia, però un problema de cor a l’últim mo­ment li impedeix detenir-lo. Tot i el seu estat de salut fràgil, i contra els consells mèdics i la negativa dels seus superiors perquè continuï la persecució de l’assassí en sèrie, en Noah segueix una intuïció que el durà fins al Bilbao del 1983, just uns quants dies abans que un autèntic diluvi arrasi la ciutat.

A qui no li entren ganes de submergir-se en aquest thriller literari, després de llegir la sinopsi que ens presenta Columna Edicions de la novel·la Esperant el diluvi de Dolores Redondo.

Dolores Redondo es defineix com «una escriptora de tem­pestes» i amb aquesta nova novel·la, basada en fets reals, ens condueix fins a l’epicentre d’una de les tempestes més grans del segle passat, alhora que retrata una època en plena ebullició política i social. És un homenatge a la cultura del treball, ple de nostàlgia per un temps en què la ràdio era una de les poques finestres obertes al món i, sobretot, a la música. I és també un cant a la camaraderia de les quadrilles i a les històries d’amor que neixen d’un pressentiment.

Una obra enlluernadora amb uns personatges que ens porten de la crueltat més espantosa a l’esperança en l’ésser humà.

Dolores Redondo (Donostia – Sant Sebastià, 1969) és l’autora de la Trilogia de Baztan, el fenomen literari més impor­tant dels últims anys. Les tres entregues d’aquesta trilogia, El guardià invisible, El llegat dels ossos i Ofrena a la tempesta, han arribat a tres milions de lectors fidels, i entre el 2017 i el 2020 se’n van estrenar amb èxit les tres adaptacions cinematogràfiques. A la trilogia la va se­guir Et donaré tot això (Premi Planeta 2016), la novel·la guanyadora d’aquest guardó més venuda dels últims temps. El 2019 va pu­blicar La cara nord del cor i va tornar a l’uni­vers de Baztan. L’adaptació de la novel·la s’està desenvolupant com a sèrie televisiva a Hollywood. El 2021 es va reeditar Els privilegis de l’àngel, la seva primera novel·la. Avui ja són 38 els idiomes als quals s’han traduït les seves obres a tot el món.

Títol: Esperant el diluvi
Autora: Dolores Redondo
Pàgines: 576 Editorial: Columna edicions Idioma: Català Enquadernació: Tapa dura ISBN: 9788466429849 Publicació: 2022 Traductora: Núria Parés Sellarés Preu:
• Tapa dura amb sobrecoberta: 22.90 €
• eBook (Epub 2): 10.99 €

Crítica teatro: Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, en el Teatro Goya

El vínculo entre el cine y el teatro es evidente, solo hace falta pensar en las obras de teatro adaptadas al cine y viceversa. Y por ello el Teatro Goya nos presenta Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, una obra que nos habla del cine y no de cualquier película, si no de Lo que el viento se llevó, un clásico del cine norteamericano allá donde los haya.

El rodaje de “Lo que el viento se llevó” es un auténtico desastre. El productor cinematográfico, David O. Selznick, ha decidido frenarlo en seco para poder reconducirlo y que la película no deje de ser la que él siempre soñó. Pero el tiempo corre en su contra y cada segundo de parón le está costando una auténtica fortuna.
Acompañado de su aguda e infalible secretaria, la Srta. Poppenghul, decide convocar en su oficina a dos grandes de la época para intentar resolver la situación: su gran amigo y excelente guionista, Ben Hetch y el talentoso director, aunque de carácter imposible, Victor Fleming.
Una fascinante historia sobre el dorado Hollywood de los años 30.

Hacía tiempo que no disfrutaba tanto en el teatro, debido en esta ocasión a la calidad de la propuesta y, claro está, a su temática: los intrincados problemas de producción de un gran clásico del cine. La obra nos traslada a las entrañas de la Metro-Goldwyn-Mayer en el año 1939, y más concretamente a la oficina del productor David O. Selznick. Las incidencias en la producción de Lo que el viento se llevó son muchas, entre ellas un director, George Cukor, que discrepa del productor y un guión que parece no estar a la altura. O. Selznick está en un verdadero aprieto, y lo único que lo salvará será forzar al director Victor Fleming y al guionista Ben Hetch para rehacer el proyecto desde el principio. En cinco días han de redactar un nuevo guión o todo puede venirse abajo.

Platanos_cacahuetes y Lo que el viento se llevo_1

Esta es la excusa con la que Ron Hutchinson ideó esta obra basada en la verdadera historia de la producción de Lo que el viento se llevó, que nos permite aproximarnos a la época del Hollywood clásico, divertirnos y reflexionar sobre el cine. La adaptación española de la obra corre a cargo de Daniel Anglés y la dirección está en manos de José Troncoso, que han sabido dar forma a un espectáculo cautivador sobre uno de los más legendarios episodios del Séptimo Arte.

En ello no es ajeno el reparto en el que destacan Gonzalo de Castro, genial dando vida a un desesperado O. Selznick, artífice principal de la película y Pedro María Sánchez espléndido interpretando a Ben Hecht, el reacio guionista que ha de crear un nuevo guión para la película a partir casi de la nada. Ambos están acompañados por José Bustos que encarna al director Victor Fleming y Carmen Barrantes, que da vida a la Srta. Poppenghul, la servicial secretaria de O. Selznick.

Lo que os decía, es una auténtica delicia asistir al encierro creativo en el que productor, director y guionista darán lo mejor de cada uno de ellos (a veces también lo peor) para sacar adelante el proyecto.

La trama nos sitúa, pues, en “la cocina” del Hollywood clásico y trata de uno de sus grandes símbolos y de algunas de sus figuras más destacadas. Asimismo, la obra plantea temas incómodos como las tensiones que afectaban a las grandes producciones Made in Hollywood o los delicados temas raciales y sociales que trataba el film, ya sea el trato a los negros o la visión folletinesca del Sur anterior a la Guerra de Secesión. A lo que se suma la discriminación de la sociedad estadounidense de principios del siglo XX hacía los judíos.

Brillante el debate originado entre O. Selznick, Fleming y Hecht, sobre las dificultades que comportaba la realización de una película de esta envergadura o en manos de quién residía la genialidad creativa de un film, en resumen, sobre qué es una película y qué misión tiene cada uno de sus artífices sobre la propuesta final.

La obra, por otra parte, muestra un esfuerzo de producción de empeño, con una escenografía minimalista que nos muestra la oficina del propio O. Selznick, donde se desarrolla toda la acción.

En resumen, una auténtica gozada poder revivir, aunque solo sea durante la hora y media que dura la representación, las entrañas productivas del Hollywood dorado, gracias a una excelente propuesta magistralmente llevada a cabo en la que tanto el equipo productivo como el elenco, seamos nosotros justos también con ellos, alcanzan un desempeño teatral ni mucho menos habituales sobre los escenarios.

No os la podéis perder…

“Plátanos, cacahuete y Lo que el viento se llevó” se representa en el teatre Goya del 23 de diciembre de 2022 al 5 de febrero de 2023.

Autoría: Ron Hutchinson
Dirección: José Troncoso
Reparto: Gonzalo de Castro, Pedro Mari Sánchez, José Bustos, Carmen Barrantes
Adaptación: Daniel Anglès
Dramaturgia: José Troncoso
Escenografía: Silvia de Marta
Iluminación: Javier Alegría
Sonido: Mariano Marín
Caracterización: Chema Noci
Vestuario: Guadalupe Valero
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: A pafrtir de 21,25€
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 30 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Pretty Woman, el musical, en el Teatre Apolo

El pasado mes de septiembre llegaba a Barcelona el musical basado en la película Pretty Woman, adaptación del film dirigido en 1990 por Garry Marshall e interpretada por Julia Roberts y Richard Gere, una comedia romántica enriquecida con ingredientes de superación personal que se ha convertido en un clásico en su género.

«Una joven prostituta, conoce por accidente a un rico y apuesto hombre de negocios, el cual contrata a la joven por 3.000 dólares durante una semana como su acompañante. Parece una relación comercial normal y nadie sospecha que esa semana cambiará sus vidas para siempre, y se enamorarán, aunque provengan de mundos totalmente diferentes».

La moda “adaptación musical” está en auge, y más después de la pandemia. De ahí que el año pasado se estrenaran en Barcelona espectáculos musicales como Ghost, Golfus de Roma y, ahora, Pretty Woman, una propuesta, esta última, que incluye amor romántico, coaching emocional y grandes dosis de fantasía urbana. La trama, muy simple, se centra en la extraña historia de amor entre un alto ejecutivo sin conciencia y una prostituta con grandes sueños de futuro. Su unión accidental llevará al inicio de una relación sentimental que cambiará de raíz la vida de ambos.

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Ya lo veis, la trama perfecta para que cada uno de nosotros y nosotras veamos representados en los personajes del musical nuestros sueños de mejora y realización personal. De ahí que el film tuviera el éxito que tuvo. En esta ocasión a la trama original se le suma el contenido musical que enriquece, con mucho, la propuesta.

Vamos paso por paso. Lo primero la adaptación teatral de la mano del propio Garry Marshall y J. F. Lawton, y en la versión española de Jordi Arqué y Marc Gómez y la dirección de Carline Brouwer son muy acertadas, ya sea como la historia que nos relata o por el acierto escénico del espectáculo, con un atrezo impactante pero poco intrusivo. A lo que se suman las canciones creadas por Bryan Adams y Jim Vallance.

Segundo las interpretaciones muy logradas, ya sea en el ámbito interpretativo como en el musical. Roger Berruezo y Cristina Llorente acertadísimos como Edward y Vivian, los protagonistas de la fábula, acompañados de secundarios de altura, ya sea Erika Bleda, la prostituta compañera de Vivian o Rubén Yuste, que aporta un valor muy cómico y familiar a la historia, a lo que se suma un afinado cuerpo de baile.

Tercero, los números musicales. Un 10. Pretty Woman es el primer musical que reseño que, aún no basándose en un film musical, acierta de pleno en las canciones y su representación, entre las que destacan la escena de la ópera o la de la conversión de Vivian ayudada por el staff del hotel en el que se aloja Edward. Los números musicales son de excelente.

Y cuarto, por la delicadeza con la que se ha creado y se representa el musical, que demuestra el buen hacer de la productoras Smedia y Veniu Fama.

Todo ello me lleva a felicitar de muy buen grado a los responsables de la propuesta por el trabajo hecho y recomendar a todos aquellos y aquellas a los que les gustó, mejor dicho, les cautivó el film, les gustan los musicales o les gusta soñar despiertos, a no perderse Pretty Woman, una fábula moderna sobre el amor en los tiempos desmitificados en los que vivimos. Una fábula que, por supuesto, se ha de interpretar como algo difícilmente inalcanzable. Pero que nos permite soñar en hacer realidad nuestros sueños, por muy imposibles que nos puedan parecer.

«Pretty Woman el Musical» se respresenta en el Teatre Apolo del 22 de septiembre de 2022 al 26 de febrero de 2023.

Dirección: Carline Brouwer
Autoría: Garry Marshall, J. F. Lawton
Reparto: Cristina Llorente, Roger Berruezo, Rubén Yuste, Erika Bleda, Javier Ibarz, Sergio Escribano, Natán Segado, Edgar Martínez, Ariel Juin, Tatiana Monells, Cristina Gallego, Aleix Maria, Esteban Verona, Margarida Silva, Imanol Fuentes, Elena Rueda, Lara Sagastizabal, Andrea Enrich, Carmen Prados, Sol Carner, Carlos Salgado, Raffaele Ruilosso, Ana Lagares, Raimon Ferrer
Composición musical: Will Van Dyke
Adaptación: Jordi Arqué
Dirección musical: Arnau Vilà
Escenografía: Carla Janssen Höfelt
Iluminación: Francesco Vignati
Sonido: Armando Vertullo
Caracterización: Ivan Stefanutti
Vestuario: Ivan Stefanutti
Coreografía: Denise Holland Bethke, Giulio Benvenuti, Carla Janssen Höfelt
Música: Simone Manfredini, Andrea Calandrini
Letras: Bryan Adams, Jim Vallance
Producción: Smedia y Veniu Fama

Horarios: de martes a jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 17:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: A partir de 29,60€
Idioma: castellano
Duración: 150 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,5

Jorge Pisa

Critica llibre: Cambó. L’últim retrat de Borja de Riquer

Sinopsi: Cap al 1930 tots van voler ser Francesc Cambó. Autèntic protagonista de la vida política espanyola, va ser el més rellevant i modern dels regeneracionistes, el dirigent més influent del catalanisme emergent, un parlamentari brillant i documentat. La seva ambició el va fer imaginar una reforma i modernització de l’estat compatible amb l’existència d’una plena autonomia catalana.

Voler perfilar la vida publica i privada d’una persona és difícil, i més si aquesta està emmascarada per biografies oficials, exageracions, mentides i floritures. Borja de Riquer amb L’últim retrat, publicat per Edicions 62, aconsegueix fusionar, després de 30 anys de documentació i recerca, una part de la realitat del personatge.

I és que Cambó és un personatge complex, amb molts matisos, però Riquer aconsegueix construir a partir de la seva correspondència política i privada un identitat narrativa pròpia que atrapa al lector, fent un retrat acurat de la seva vessant tant pública com privada.

Coneixem, gràcies a la recerca acurada i a l’afany de l’autor per perfilar la personalitat del personatge, la seva fortuna, els buits intencionats alhora d’escriure les seves memòries, les seves amants… i ens ho presenta amb els documents que ho corroboren i donen validesa a les seves afirmacions. Però aquests fets, que per al lector són interessants, els presenta de forma aleatòria i s’escapen del relat per perfilar el caràcter d’un Cambó que fa l’afecte que està més interessat en alimentar el seu ego i posició social que no pas aconseguir una autonomia real per a Catalunya. I potser és això el que passa, que existeixen dos Cambó, un que és creu el relat que defensa a Catalunya i lluita per la autonomia, i un altre que es ven als favors del règim Espanyol per engreixar les seves butxaques. Com per exemple el capítol on Riquer ens parla dels període entre 1917-1922, quan Cambó opta per fer fort el règim d’Alfons XIII, quan té l’oportunitat de lluitar pels interessos Catalans.

I és gràcies a aquest suport a una monarquia ofegada que aconsegueix fer la fortuna amb la creació de la CHADE, i es pot permetre construir-se una casa a l’estil art deco i viure sense cap restricció financera ni moral dins l’Europa més rica, desenfadada i poderosa dels feliços anys 20.

Riquer conclou en el seu llibre que Cambó va fracassar com a polític nacionalista, possiblement és així, ja que no va aconseguir la autonomia que reclamava per a Catalunya, però va triomfar com a personatge influent dins un regim arcaic, aconseguint fortuna, i posició social, bandejant critiques, sobrevivint a un atemptat I navegant entre dos bandes. Va ser per al catalanistes una figura que intentava defensar els interessos de la nació i per als espanyols una figura que donava la possibilitat d’obrir-se a la política més regeneracionista. Per mi, un clar exemple de les estretes vinculacions entre la política i els interessos econòmics que malauradament 100 anys després segueixen vigents. I es que llegint L’últim Retrat es fa inevitable establir paral·lelismes, més que plausibles, amb la política actual.

Borja de Riquer i Permanyer és catedràtic emèrit d’Història Contemporània de la Universitat Autònoma de Barcelona. Entre les seves publicacions destaquen Lliga Regionalista: la burgesia catalana i el nacionalisme (1977), L’últim Cambó: 1936-1947 (1996), Alfons XIII i Cambó. La monarquia i el catalanisme polític (2015), Cambó a Argentina: negocis i corrupció política (2016) i Anar de debò. Els catalans i Espanya (2016). Entre les distincions hi ha la Medalla d’Honor de la Universitat Autònoma de Barcelona i la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya (2017). És president de la Reial Acadèmia de Bones Lletres de Barcelona.

Títol: Francesc Cambó. L’últim retrat
Autor: Borja de Riquer i Permanyer
Editorial: Edicions 62
Publicació: 2022
Presentació: Tapa dura amb sobrecoberta
Pàgines: 960
ISBN: 9788429780697
Preu:
• Tapa dura: 24.90€
• eBook:12.99€
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Tere Gilisbars

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