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Crítica teatro: La fortaleza, en el Teatre Lliure Gràcia

El teatro clásico es el pilar sobre el que se puede construir la realidad escénica de cualquier obra. No por otra la Compañía Nacional de Teatro Clásico encargó a Lucía Carballal una actualización de una dramaturgia de El castillo de Lindabridis de Calderón de la Barca, que ha dado como resultado La fortaleza, una obra de reflexión sobre la figura de un padre ausente y el peso de la tradición y la familia.

“¿Cómo se relaciona la autora, que, como Lindabridis, perdió a su padre, con esta historia fantástica? Lo hace de la mano de tres actrices, Natalia Huarte, Mamen Camacho y Eva Rufo, que reflexionan sobre la paternidad y la ausencia en una propuesta autoficcional. En ella, Carballal rastrea la figura de un padre ausente, arquitecto de profesión, a través de los edificios que construyó y, al mismo tiempo, se interroga sobre el sentido del teatro clásico —y de la tradición— en nuestro tiempo. La herencia, ya sea material o inmaterial; aquello que recibimos de nuestros padres o el patrimonio cultural que nos legan las generaciones anteriores son algunos de los temas que atraviesan La fortaleza”.

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Carballal nos propone para este Grec 2026 una reflexión basada en El castillo de Lindabridis, que la autora convierte en La fortaleza, un término con más de un sentido figurado que incluye desde los recuerdos y el patrimonio familiar hasta la capacidad de superación que vamos desarrollando cada uno y cada una de nosotros a lo largo de la vida.

Por eso, como en la obra de Calderón, la ausencia de la figura del padre marca el desarrollo de la representación y las reflexiones de la protagonista, interpretada por tres actrices que consiguen transmitir al público de una forma atrevida a la par que emotiva los recuerdos, los anhelos y las heridas que va dejando la vida a medida que la vamos viviendo y vamos creando nuestros elementos de resistencia, esa fortaleza que da título a la obra.

Y para ello no se necesita nada más que el arte escénico que atesoran las tres protagonistas, un guion que sabe extraer de la vida las reflexiones más sustanciales y un escenario vacío o casi vacío que permite a los espectadores centrar la atención en lo qué se dice y cómo se dice.

La fortaleza es, así, un guiño con el ojo tanto a una obra de referencia, El castillo de Lindabridis, como al público en su conjunto, un propósito que muestra cómo una obra clásica se puede transmutar en una propuesta actual que extrae de los agravios vitales que todos arrastramos a lo largo de la vida una enseñanza, que es justamente esa, la de que todos y todas tiramos hacia adelante superando tanto lo bueno como lo malo, aquello que al final nos hace ser como somos. Una clase de teatro vital que nos deja un poso con el cual enriquecer nuestro criterio, una intención en sí nada desdeñable.

«La fortaleza» se representó en el Teatre Liure Gràcia el 9 y el 10 de julio de 2026.

Dramaturgia y dirección: Lucía Carballal
Interpretación: Mamen Camacho, Natalia Huarte, Eva Rufo
Escenografía y vestuario: Pablo Chaves Maza (AAPEE)
Iluminación: Pilar Valdelvira (AAI)
Diseño de sonido: Benigno Moreno
Vídeoescena: Elvira Ruiz Zurita
Texto videoescena: Pablo Carballal

Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Primera Llei de Newton, en La Villarroel

La vida en un instituto es dura, esto no lo podemos obviar. La diversidad y la complejidad de la misma sociedad hace que las realidades / experiencias que se viven en un centro de educación secundaria pueda ser, para alumnos y también para profesores, una tarea dura. De ahí que el teatro se interese por la realidad educativa con el estreno el pasado 1 de julio de Primera Llei de Newton, una obra que trata el conflicto que acontece en un instituto en relación al comportamiento tramposo de un alumno.

«Un instituto de alta complejidad, recientemente premiado por su proyecto educativo, se ve sacudido por un conflicto que pone en crisis su discurso de oportunidades.
A pocos días del claustro final, se descubre que Izan, un alumno a punto de graduarse, ha copiado sistemáticamente los exámenes de una asignatura. La tensión aumenta cuando la madre de Izan se presenta en el instituto para solicitar un certificado que garantice que su hijo obtendrá el título de la ESO, al mismo tiempo que el centro recibe la visita de una joven influencer interesada en la historia de éxito del instituto».

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Primera Llei de Newton es una obra que toca diversos temas relacionados con la educación de los más jóvenes. Eu Manzanares, con un muy buen ojo clínico, ha creado una realidad escénica que nos obliga a contemplar la “dura” realidad que se vive en nuestros institutos. Una situación particular, el comportamiento tramposo de un alumno y su actitud chuleta, obliga a los profesores a discutir sobre si este se merece o no el título de estudios secundarios para poder ser fichado por un club de futbol, que le puede solucionar la vida a él y a su familia. Como veis, el dilema está servido.

A través de discusiones, flashbacks y algunas escenas de alta tensión, la obra abre un debate tragicómico sobre la sociedad en la que vivimos y nos pregunta sobre si «el todo vale», aunque no sea legal o correcto, es la mejor forma de solucionar los problemas de la vida. Para ello se necesita un guion de altura, obra de Manzanares, que nos encamine hacia el debate sin prejuzgar el comportamiento de los diversos personajes, y que posea la tensión necesaria para mantener el interés del espectador a lo largo de la representación.

Pero todo ello no conseguiría el efecto requerido si el reparto de actores y actrices no estuviera a la altura. Y lo está!! Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun y Max Vilarrasa dan en el clavo en sus interpretaciones, dando vida a los profesores que han de decidir sobre el futuro del alumno fullero; la madre del mismo, que ha de defender la actuación de su hijo, como cualquier buena madre, y la posibilidad de que consiga el certificado de estudios que le abra las puertas de la promoción social; o la joven influencer que se sentirá amenazada en un barrio muy alejado de sus estándares sociales. Un elenco dirigido con maestría por Nelson Valente, que sabe darle a la representación la compostura adecuada.

Primera Llei de Newton es una de esas obras que se revuelve en la actualidad y que sin duda nos obliga, una vez salidos del teatro, a debatir con nuestros acompañantes y si es posible, a opinar… ¿Es lícito hacer trampas cuando el sistema es injusto?

“Primera Llei de Newton” se representa en La Villarroel del 1 de julio al 2 de agosto de 2026.

Autoria y adjunta a dirección: Eu Manzanares
Dirección: Nelson Valente
Reparto: Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun, Max Vilarrasa
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Zaida Crespo
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: David Solans
Caracterización: Toni Santos
Producción: La Villarroel, Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: miércoles y viernes a las 19:30 horas; jueves a las 17:30 y a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 24,10€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El retrat de Dorian Gray, en el Teatre Romea

Llegamos, sin duda, a una de las joyas de este Grec 2026, que no es otra que la versión de El retrato de Dorian Gray que el pasado 30 de junio se estrenó en el Teatre Romea, con una Àngels Gonyalons en estado de gracia.

Àngels Gonyalons se pone en la piel de Oscar Wilde para defender El retrato de Dorian Gray de los ataques de la crítica de su tiempo, y es a través de su voz que vemos a todos los personajes de la controvertida novela. Ella es Dorian, el joven que siente envidia de la belleza de su propio retrato y hace un pacto con el diablo para conservar eternamente la juventud. Ella es Basil Hayward, el pintor del controvertido retrato. Ella es Sibyl Vane, la joven actriz de la que Dorian se enamora. Pero, sobre todo, ella es Lord Henry, el dandi depravado que acompaña a Dorian en su descenso a los infiernos, mientras su retrato se va transformando monstruosamente”.

En verdad fue el título y el cartel de la obra lo que provocó interés en mi persona. Una historia acerca del peligro de la sobreestimación de la belleza. Un clásico de Oscar Wilde con un muy buen maridaje en nuestra época. Hasta que no estuve sentado en la butaca no fui consciente de la arquitectura escénica que Marc Rosich había construido con la obra original y lo bien que casaba con un formato de pequeño musical.

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Del acierto en gran parte es responsable Àngels Gonyalons, cuya veteranía le permite interpretar a todos los personajes principales de la obra con un suave gesto o un simple cambio de tonalidad en la voz. Así que Gonyalons es Dorian, es Basil Hayward, es Sibyl Vane y es Lord Henry, o lo que es lo mismo, consigue hacer creíble un monólogo plural tocado con la magia de diversos temas musicales, que proveen a la representación una sensibilidad soberbia.

Gonyalons está acompañada por un trío vocal interpretativo y musical integrado por Jordi Vidal, Pau Oliver i Pol Blancafort que actúa como un coro clásico para ayudar al avance de la representación, y por un quinteto musical que interpreta la música en directo compuesta por Jordi Cornudella con un carácter íntimo que enlaza perfectamente con la representación de la obra.

Todo en El retrat de Dorian Gray es sedoso y agradable al tacto, con una Gonyalons en estado de inspiración que solo necesita de su dominio sobre el escenario para hacer creíble una historia sobre el culto a lo bello, a lo físico, que se materializa en el cuadro de Dorian Gray y que nos permite ver, a través de los ojos de Oscar Wilde, lo peligroso de centrar nuestros apetitos tan solo en lo material, subsistiendo con vidas vacías que no llevan a ninguna parte, y que por ello son más controlables.

Felicidades al Festival Grec y a Focus, que han sabido dar en el clavo en la elección de la obra y a la hora de darle una tonalidad escénica inmejorable.

«El retrat de Dorian Gray» se representa en el Teatre Romea del 30 de junio al 2 de agosto de 2026.

A partir de la obra de Oscar Wilde
Dirección de escena y dramaturgia: Marc Rosich
Dirección musical y composición: Jordi Cornudella
Intérpretes: Àngels Gonyalons, Jordi Vidal, Pau Oliver, Pol Blancafort
Músicos: Leos Quintet
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Joana Martí
Iluminación: Bernat Jansà
Espacio sonoro: Jordi Ballbé
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea y Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 19:30 horas; sábados a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 27,50€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: L’Albada, en el Teatre La Biblioteca

El teatro y la historia han mantenido desde siempre un abrazo muy intenso, que ha provisto a los escenarios de grandes historias y retratos históricos más o menos remedados. L’Albada, producida por La Perla 29 y el Festival Grec 2026, nos propone, sin embargo, otro tipo de juego basado en un rompecabezas en el que la Guerra Civil Española y los dramas que se vivieron en ella tienen un papel protagonista.

“Durante la preparación de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92, Alba (Clara Mir) está terminando la carrera de Historia y emprende una investigación que la llevará más allá de lo que nunca hubiera podido imaginar. Guiada por un buen profesor (Ramon Vila) de la universidad y acompañada por otro joven historiador que busca sus orígenes sin descanso (Jaume Viñas), se adentrará en la historia más oscura de la España moderna y trazará un camino que la llevará desde la Guerra Civil hasta la euforia olímpica.

L’Albada, escrita por Jaume Viñas y dirigida por Oriol Broggi, nos presenta una historia compleja en la que la historia reciente de España y la investigación histórica están muy presentes. Y si hay un tema protagonista en la historia reciente de España no es otro que el de la Guerra Civil. En esta ocasión, Alba, una estudiante de Historia, inicia una investigación sobre unos milicianos anarquistas que la llevará, poco a poco, a descubrir no solo cómo vivieron ellos el final de la guerra, sino, también, sus propios orígenes.

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Para ello Viñas ha creado una arquitectura guionística compleja en la que veremos cómo dos tiempos históricos confluyen para mostramos un mapa vital de recuerdos, memoria, olvidos y silencios que recorren las venas de todos los personajes de la obra. Una representación que intenta mantener la atención del público a través de una espesura de secuencias, flashbacks y crónicas escénicas que se irán intercalando entre ellas, y que guiarán y a veces dificultarán el descubrimiento de la verdad escénica e histórica.

Y es que hablar de la Guerra Civil y de las consecuencias que esta tuvo en nuestra historia reciente es un propósito en sí mismo complicado y en muchos casos socavado por capas de miedo, vergüenza y silencio, caminos por los que habrán de transitar los protagonistas de la obra. Un reparto que en gran medida es coral, y en el que el buen hacer de once actores y actrices permitirá hacer creíble una historia en la que el drama y las pérdidas están muy presentes. Desde un profesor de historia implicado, a una estudiante de fin de carrera con traumas de infancia, a hombres y mujeres trágicamente afectados por la guerra. Un puzle de memoria y olvido que resume las vivencias de una época muy reciente incluso a principios del siglo XXI.

Si bien, aunque el propósito es digno y voluntarioso, el resultado escénico es demasiado complejo, con múltiples historias que se entrelazan y a las que el espectador ha de estar muy atento, creo que demasiado. Además, la acumulación de historias hace que la obra se alargue hasta 3 horas y 40 minutos, una extensión que no está al alcance de la atención de todos los públicos.

Aún así, L’Albada es un portento en muchos aspectos, y aunque partidista en su confección, es una propuesta que nos obliga a reflexionar sobre nuestro propio pasado más reciente. Y en un mundo en el que la guerra y los conflictos políticos están en auge, y las opciones políticas de ultraderecha están consolidándose, vale la pena repensar las consecuencias que tiene una guerra, cualquiera, y en las vidas que quedan afectadas por ella durante generaciones.

“L’Albada” se representa en el Teatre La Biblioteca del 25 de junio al 30 de julio de 2026.

Autoría: Jaume Viñas
Dirección: Oriol Broggi
Reparto: Cristina Arenas, Patrícia Bargalló, Joan Marmaneu, Clara Mir
Noël Olivé, Eduard Paredes, Maria Ribera, Oriol Ruiz Coll, Ismael Sempere, Ramon Vila, Jaume Viñas
Vestuario: Gina Moliné
Espacio y escenografía: Oriol Broggi i Yaiza Ares
Sonido: Òscar Camí i Oriol Broggi
Producción: La Perla 29 y el Grec Festival de Barcelona 2026

Horarios: Ver web La Perla 29
Precio: a partir de 30€
Duración: 3 horas y 40 minutos (con intermedio)
Idioma: catalán / castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La promesa, en el Teatre Borràs

A veces el teatro es tan solo teatro, es la voluntad de disfrutar de un divertimento, de unas risas o, incluso, de unos recuerdos del ayer. Mucho de esto es lo que propone La promesa, en el teatre Borràs, una comedia, a veces algo trágica, escrita por Yago Alonso y Silvia Navarro y dirigida por Pau Roca.

“Cinco amigos acomodados se encuentran una vez más para compartir una noche temática de los años 90 con un punto de partida: el momento en el que se conocieron siendo casi unos niños. La fiesta es un éxito, pero lo que debía ser una noche de diversión y nostalgia cambia radicalmente cuando Paula, la organizadora, confiesa que el vino que han tomado está envenenado. ¿Por qué lo ha hecho? ¿Por qué ella también ha bebido? ¿Qué más tiene preparado Paula para esa noche?”

La Promesa será un divertimento para muchos y muchas y una decepción para muchos otros y otras. La propuesta comienza con una selección de grandes hits de los 90, con los que una vez llegados los invitados a la fiesta el público disfrutará de temas icónicos de la década e incluso de algunas de sus coreografías. Si bien, a medida que avanza la trama la temática irá virando hacia la intriga que está relacionada con el mismo título de la obra, esto es, por las consecuencias de un acontecimiento de la juventud de los protagonistas que finalizó trágicamente con una promesa. Es alrededor de este segundo tramo de la representación en el que se cuece el meollo del asunto y en el que se harán evidentes las trazas de reflexión social de La promesa.

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Por desgracia la obra es en sí poco creíble. El guion de La promesa es en gran medida artificioso, escrito con la voluntad de crear una obra en dos tramos que incluye una parte inicial de nostalgia musical generacional y una segunda parte que mezcla juego e intriga y que oscila entre la comedia y la tragedia. De ahí, que aún con el esfuerzo de los actores y las actrices y la mano experimentada de Pau Roca en la dirección, no se alcance el efecto teatral requerido.

El reparto, que incluye a Eduard Buch, Marc Rodríguez, Clara Altarriba, Mercè Martínez y Eduardo Lloveras, suma positivos en la interpretación coral. Sin embargo, la pieza que no está a la altura de las circunstancias es el guion, que muestra una variabilidad que le hurta consistencia a la representación. Aún así, las risas y las carcajadas están aseguradas, ya que lo disparatado de la situación, que incluye un intento de envenenamiento y la búsqueda embrollada del antídoto al estilo yincana, permitirá a los actores explotar la vertiente más cómica de la trama.

Así, pues, La promesa es un divertimento con afán de crítica social, aunque, seguro, los espectadores recordarán más a la salida del teatro la comicidad de las diversas situaciones que no la reflexión que la propuesta intenta acometer.

“La promesa” se representa en el teatre Borràs del 23 de mayo al 12 de julio de 2026

Autoría: Yago Alonso y Silvia Navarro
Dirección: Pau Roca
Intérpretes: Eduardo Lloveras, Eduard Buch, Marc Rodriguez, Carol Rovira, Mercè Martinez
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Producción: Sixto Paz, Focus
Espacio Sonoro: Marti Maymó

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 19:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 25,40€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

La Promesa: secretos, nostalgia noventera y humor negro en el Teatre Borràs

El Teatre Borràs de Barcelona presenta La Promesa, una comedia cargada de humor negro, tensión y nostalgia noventera que convierte una aparente reunión de amigos en una inesperada noche de confesiones y cuentas pendientes. Escrita por Yago Alonso y Silvia Navarro y dirigida por Pau Roca, la obra apuesta por un ritmo ágil y una combinación de misterio y sátira generacional que conecta rápidamente con el público.

La historia arranca durante una fiesta temática ambientada en los años 90. Entre música, disfraces y recuerdos compartidos, un grupo de amigos revive viejos tiempos hasta que Paula, la anfitriona, lanza una confesión que cambia por completo el rumbo de la velada: ha envenenado a todos los asistentes. A partir de ese instante, la función se convierte en un juego de revelaciones, reproches y secretos ocultos.

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A medida que avanza la trama, los personajes se enfrentan no solo al miedo y la incertidumbre, sino también a las frustraciones acumuladas durante años. La obra utiliza el humor negro para reflexionar sobre la amistad, las expectativas incumplidas y las promesas personales que muchas veces quedan enterradas bajo el peso de la vida adulta.

Con La Promesa, el Teatre Borràs ofrece una comedia contemporánea que mezcla entretenimiento, misterio y crítica emocional en una función tan divertida como incómodamente reconocible para toda una generación.

«La promesa» se representa en el teatre Borràs del23 de mayo al 12 de julio de 2026

Autoria: Yago Alonso y Silvia Navarro
Dirección: Pau Roca
Intérpretes: Eduardo Lloveras, Eduard Buch, Marc Rodriguez, Carol Rovira, Mercè Martinez
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Producción: Sixto Paz, Focus
Espacio Sonoro: Marti Maymó

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 19:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 25,40€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán

Crítica teatro: Una bufetada a temps, en La Villarroel

La educación de los más pequeños no es algo a tomar a broma. Gran parte del potencial que desarrollará la persona a lo largo de la vida se asienta en las primeras etapas de la existencia. Y es aquí donde la familia y los centros de educación juegan un papel fundamental. Pero ¿qué pasa cuando los adultos no sabemos cómo gestionar esta etapa formativa de los pequeños?

“El abuelo de un niño de ocho años, después de una rabieta de su nieto, le da una bofetada. La escuela convoca a la familia a una reunión y anuncia su intención de presentar una denuncia contra el abuelo. Y esa es la chispa que lo hace estallar todo.
Ramon Madaula y Montse Guallar protagonizan esta comedia que retrata con sentido del humor e ironía lo difícil que es educar a un niño. Un debate de enorme actualidad sobre los modelos educativos y las herramientas disciplinarias que podríamos considerar aceptables”.

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Como veis, la propuesta de Marta Buchaca intenta abrir un debate a partir del humor sobre la educación y los límites que se pueden establecer sobre el comportamiento de los más pequeños. La comedia da inicio en el momento en el que los abuelos y los padres de Roc son convocados a una reunión para analizar un caso de agresión: la bofetada que ha recibido Roc por parte de su abuelo (Ramon Madaula). La discusión deja en evidencia la diferencia de criterios educativos entre los abuelos, los padres y la escuela. El avance de la discusión permitirá descubrir a los espectadores lo complejo del asunto.

Y así, la comedia está servida, con un guion que explota las contradicciones en los carácteres de las generaciones y la forma de educar a las nuevas generaciones. En este dilema, observaremos lo lejos que pueden llegar a estar las visiones antagónicas de las dos generaciones retratadas en la obra.

Buchaca ha creado un guion ágil en el que los planteamientos de los diversos protagonistas se muestran de forma rápida y directa, y revelan cómo ha cambiado el concepto de la educación en las últimas décadas: de una visión dominante de las generaciones más mayores a otra más consciente de las necesidades de los niños y las niñas.

Esto provocará toda una serie de choques entre la pareja de “abuelos”, Ramón Madaula y Montse Guallart y la pareja de jóvenes padres, Marc Rius y Sara Diego Boladeras, que se ven superados ante un tiempo de cambios rápidos en todos los aspectos de la vida. Pero esto no es todo, ya que la trama de Buchaca evoluciona a lo largo de la representación, convirtiendo la reflexión sobre la educación de Roc en un análisis cómico sobre las miserias de la vida.

Una bufetada a temps es un acierto no solo por el tema que presenta y por lo afilado de su guion, sino también por el reparto que lo hace posible, en el que destaca un Ramón Madaula que sabe proveer a su personaje de la templanza y la sorna necesaria para hacerlo creíble. Junto a él Montse Guallart, Marc Rius, Eudald Font y Sara Diego Boladeras completan el quinteto de actores y actrices que, valorando la obra por el nivel de risas que provoca, cumplen de forma efectiva con su cometido, que no es otro que hacer pasar al público 75 minutos de diversión reflexiva sobre los límites de la educación en esta época de posmodernidad.

«Una bufetada a temps» se representa en La Villarroel del 1 de abril al 17 de mayo de 2026.

Autoría y dirección: Marta Buchaca
Reparto: Ramon Madaula, Montse Guallar, Marc Rius, Eudald Font, Sara Diego
Escenografía: Sebastià Brosa Vestuario: Marta Pell
Iluminación: Anna Espunya
Espacio sonoro: David Solans
Producción: La Pocket y La Villarroel

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 29,50€
Duración: 75€
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Critica teatro: Memorias de Adriano, en el Teatre Romea

La historia ha sido un campo fértil de inspiración para las artes, desde la pintura, la escultura, el cine o la literatura. El teatro se ha nutrido en muchas ocasiones de las tramas gestadas por la historia para crear relatos. William Shakespeare, Bertolt Brecht o Lope de Vega son algunos de los grandes dramaturgos que han relatado la historia en sus obras. El caso que nos ocupa hoy, traslada al escenario Memorias de Adriano, la novela histórica escrita por Marguerite Yourcenar, publicada en el año 1951 y que se ha convertido con el paso del tiempo en un hito del género.

«Basado en Mémoires d’Hadrien de Marguerite Yourcenar, Memorias de Adriano es un espectáculo teatral que representa, al mismo tiempo, una emocionante película de romanos y el relato íntimo de un hombre que dialoga con su historia, con la Historia. Un testimonio en primera persona de la vida del emperador romano nacido en Hispania».

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La obra, estrenada el pasado 25 de marzo y producida por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Teatre Romea, propone al público un recorrido íntimo a través de los recuerdos de Adriano, uno de los emperadores romanos más destacados.

Brenda Escobedo en la dramaturgia y Beatriz Jaén en la dirección han conseguido hilvanar un recorrido biográfico a través de las reflexiones del propio emperador, interpretado de forma magistral por Lluís Homar, que presta su físico a un personaje que dominó el mundo antiguo hace 2.000 años. La propuesta, sencilla y en muchas ocasiones conmovedora, sigue de cerca la obra de Yourcenar, de la que absorbe su esencia, siguiendo al emperador desde su infancia en Hispania, pasando por su acceso al poder imperial o su relación con el joven amante Antínoo. Todo ello de una forma profunda e intima.

Dramaturga y directora han conseguido crear desde la sobriedad un contexto en el que el monólogo de Adriano anciano y próximo a la muerte se hace creíble, y se convierte no solo en una meditación sobre la historia, sino, también, en una reflexión sobre la humanidad en su esencia.

Homar, como ya he dicho, consigue transmitir a su personaje una contundencia reflexiva que no está al alcance de cualquiera. Sobre el escenario le acompaña un elenco integrado por Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan y Ricard Boyle que desdoblan su actuación interpretando al equipo técnico de un espacio de grabación y, al mismo tiempo, encarnan a los personajes a los que hace referencia con sus palabras el propio Adriano. De esta forma el monólogo de Adriano/Homar se nos hace más próximo y podemos llegar a entender, al menos en parte, la identidad y el carácter de uno de las personajes más poderosos del planeta de su época.

Memorias de Adriano se convierte, así, en un ejemplo del buen hacer teatral, aquel que convierte la historia en una pieza de investigación histórica y que permite al público revivir, aunque solo sea por un breve espacio de tiempo, la grandeza del pasado, la esencia de la historia y de los personajes que, de una forma u otra, le dieron substancia.

“Memorias de Adriano” se representa en el Teatre Romea del 25 de marzo al 10 de mayo de 2026.

Autoría: Marguerite Yourcenar
Traducción: Julio Cortázar
Dramaturgia: Brenda Escobedo
Dirección: Beatriz Jaén
Intérpretes: Lluís Homar, Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan, Ricard Boyle
Escenografía: José Novoa
Vestuario: Nídia Tusal
Iluminación: Pedro Yagüe
Música original y espacio sonoro: Tagore González Caracterización: Toni Santos Producción: Teatre Romea y Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados y domingos a las 17:30 horas
Precio: desde 21€
Duración: 100 minutos
Idioma: español
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La Presència, en el teatre Borràs

El momento de la muerte es un acontecimiento difícil para cualquier familia. Una situación en la que las tensiones afloran y los momentos se hacen inacabables. Es en este contexto en el que se desarrolla La Presència, una comedia algo trágica interpretada por Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez y Mar Ulldemolins.

Ernest y Sandra se encuentran en la masía de su padre para acompañarle durante sus últimas horas de vida. Miki, la pareja de Sandra, también está allí para apoyarles. Mientras los hermanos, que no tienen mucha relación, se ponen al día, llega la médica del CAP a visitarle. Pocos minutos después, Climent muere. Lo que ninguno espera es que la campana que utilizaba para llamarles vuelva a sonar.  Si el padre está muerto, ¿quién la ha tocado?”.

La obra, escrita por Carmen Marfà y Yago Alonso y dirigida por Pau Carrió, se interna en un contexto familiar arraigado en un pueblo de montaña, en el que las tradiciones y la familia tienen un valor propio. La llegada de Sol, la médica del CAP, y el inicio de toda una serie de fenómenos extraños, crea una situación en la que la verdad se acabará revelando y se harán evidentes las relaciones que se han establecido a lo largo de los años entre los diferentes miembros de la familia.

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La Presència es una comedia bien estructurada y desarrollada en la que los puntos de referencia que el público tiene de los personajes irán cambiando a medida que las diversas revelaciones se vayan haciendo evidentes, lo que provocará estallidos de humor salpimentados por el mundo de las tradiciones y las leyendas propio de las comunidades de montaña.

El texto de Marfà y Alonso se despliega de forma apacible pero hábil y posibilita al público irse haciendo una idea creciente de la historia de la familia y de lo que está pasando sobre el escenario. A lo que se suma la dirección de Carrió que permite lucirse a los actores y las actrices con una alta atmósfera de comicidad que envuelve toda la representación.

El reparto de la obra es reducido, como los miembros de una pequeña familia, pero consigue dotar a la obra de un alto grado de realismo humorístico. Pau Roca (Ernest) y Mar Ulldemolins (Sandra) interpretan a los dos hermanos que han perdido el contacto, pero que vuelven a reunirse ante la cercana muerte de su padre, ambos afectados, de una forma u otra, por el inexplicable abandono que sufrieron en la infancia por parte de su madre. Marc Rodríguez da vida a Miki, la pareja de Sandra, un urbanita agobiado por una carrera profesional insatisfactoria. Finalmente, Anna Sahun (Sol) interpreta a la “peculiar” médica cuya llegada provocará un extraño y paranormal giro de los acontecimientos.

La Presencia es, así, un juego de espejos teatral, en el que la identidad de los personajes irá transformándose, y en el que las relaciones de familia, las tradiciones y los roles sociales que todos y todas vamos adoptando en la vida, se aúnan para crear una propuesta de alto voltaje cómico, en la que el público se verá obligado a poner algo de su parte para desentrañar cuál es la presencia a la que hace referencia su título, un arcano teatral que seguro os hará reír a la par que reflexionar.

«La Presència» se representa en el Teatre Borràs del 11 de marzo al 12 de abril de 2026.

Autoría: Carmen Marfà i Yago Alonso
Dirección: Pau Carrió
Intérpretes: Anna Sahun, Pau Roca, Marc Rodríguez, Mar Ulldemolins
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Iluminación: Guillem Gelabert
Espacio sonoro: Guillem Rodriguez
Producción: Sixto Paz Produccions y La Villarroel

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: A partir de 23€
Duración: 80 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Memorias de Adriano: una travesía íntima por la historia y la memoria en el Teatre Romea

En plena temporada teatral de primavera en Barcelona, el Teatre Romea acoge una de las propuestas más evocadoras de la cartelera: Memorias de Adriano, una adaptación escénica de la célebre novela de Marguerite Yourcenar que ha conquistado público y crítica por igual.

Protagonizada por Lluís Homar, figura señera del teatro español, la obra despliega un monólogo íntimo y profundo en el que el emperador Adriano —tan sabio como contradictorio— dialoga con su pasado, sus decisiones y sus heridas. Más allá de una simple reconstrucción histórica, el montaje propone un viaje sensorial que nos enfrenta a las tensiones esenciales de la condición humana: el poder, el amor, la memoria y la finitud.

Dirigida por Beatriz Jaén y con dramatúrgia de Brenda Escobedo, la puesta en escena se aleja de la espectacularidad superficial para centrarse en la resonancia interior del personaje. Así, el espectador no solo observa la historia de un líder romano, sino que se ve invitado a escuchar su propia voz interior reflejada en la del emperador.

En esencia, Memorias de Adriano es mucho más que teatro histórico: es una experiencia emocional y filosófica que revive el pasado para hablarnos del presente, haciéndonos sentir que las preguntas que nos planteamos hoy ya resonaban en los pasillos del poder hace dos mil años.

«Memorias de Adriano» se representa en el Teatre Romea del 25 de marzo al 10 de mayo de 2026.

Autoría: Marguerite Yourcenar
Dirección: Beatriz Jaén
Traducción: Julio Cortázar
Dramaturgia: Brenda Escobedo
Reparto: Lluís Homar, Clara Mingueza, Álvar Nahuel, Marc Domingo, Xavi Casan, Ricard BoyleEscenografía: Jose Novoa
Iluminación: Pedro Yagüe
Espacio sonoro: Tagore González
Caracterización: Toni Santos
Vestuario: Nídia Tusal
Producción: Teatre Romea y Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados y domingos a las 17:30 horas
Duración: 1 hora y 40 minutos
Idioma: español