Archivo de la categoría: Teatro

Crítica teatro: Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, en el Teatro Goya

El vínculo entre el cine y el teatro es evidente, solo hace falta pensar en las obras de teatro adaptadas al cine y viceversa. Y por ello el Teatro Goya nos presenta Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, una obra que nos habla del cine y no de cualquier película, si no de Lo que el viento se llevó, un clásico del cine norteamericano allá donde los haya.

El rodaje de “Lo que el viento se llevó” es un auténtico desastre. El productor cinematográfico, David O. Selznick, ha decidido frenarlo en seco para poder reconducirlo y que la película no deje de ser la que él siempre soñó. Pero el tiempo corre en su contra y cada segundo de parón le está costando una auténtica fortuna.
Acompañado de su aguda e infalible secretaria, la Srta. Poppenghul, decide convocar en su oficina a dos grandes de la época para intentar resolver la situación: su gran amigo y excelente guionista, Ben Hetch y el talentoso director, aunque de carácter imposible, Victor Fleming.
Una fascinante historia sobre el dorado Hollywood de los años 30.

Hacía tiempo que no disfrutaba tanto en el teatro, debido en esta ocasión a la calidad de la propuesta y, claro está, a su temática: los intrincados problemas de producción de un gran clásico del cine. La obra nos traslada a las entrañas de la Metro-Goldwyn-Mayer en el año 1939, y más concretamente a la oficina del productor David O. Selznick. Las incidencias en la producción de Lo que el viento se llevó son muchas, entre ellas un director, George Cukor, que discrepa del productor y un guión que parece no estar a la altura. O. Selznick está en un verdadero aprieto, y lo único que lo salvará será forzar al director Victor Fleming y al guionista Ben Hetch para rehacer el proyecto desde el principio. En cinco días han de redactar un nuevo guión o todo puede venirse abajo.

Platanos_cacahuetes y Lo que el viento se llevo_1

Esta es la excusa con la que Ron Hutchinson ideó esta obra basada en la verdadera historia de la producción de Lo que el viento se llevó, que nos permite aproximarnos a la época del Hollywood clásico, divertirnos y reflexionar sobre el cine. La adaptación española de la obra corre a cargo de Daniel Anglés y la dirección está en manos de José Troncoso, que han sabido dar forma a un espectáculo cautivador sobre uno de los más legendarios episodios del Séptimo Arte.

En ello no es ajeno el reparto en el que destacan Gonzalo de Castro, genial dando vida a un desesperado O. Selznick, artífice principal de la película y Pedro María Sánchez espléndido interpretando a Ben Hecht, el reacio guionista que ha de crear un nuevo guión para la película a partir casi de la nada. Ambos están acompañados por José Bustos que encarna al director Victor Fleming y Carmen Barrantes, que da vida a la Srta. Poppenghul, la servicial secretaria de O. Selznick.

Lo que os decía, es una auténtica delicia asistir al encierro creativo en el que productor, director y guionista darán lo mejor de cada uno de ellos (a veces también lo peor) para sacar adelante el proyecto.

La trama nos sitúa, pues, en “la cocina” del Hollywood clásico y trata de uno de sus grandes símbolos y de algunas de sus figuras más destacadas. Asimismo, la obra plantea temas incómodos como las tensiones que afectaban a las grandes producciones Made in Hollywood o los delicados temas raciales y sociales que trataba el film, ya sea el trato a los negros o la visión folletinesca del Sur anterior a la Guerra de Secesión. A lo que se suma la discriminación de la sociedad estadounidense de principios del siglo XX hacía los judíos.

Brillante el debate originado entre O. Selznick, Fleming y Hecht, sobre las dificultades que comportaba la realización de una película de esta envergadura o en manos de quién residía la genialidad creativa de un film, en resumen, sobre qué es una película y qué misión tiene cada uno de sus artífices sobre la propuesta final.

La obra, por otra parte, muestra un esfuerzo de producción de empeño, con una escenografía minimalista que nos muestra la oficina del propio O. Selznick, donde se desarrolla toda la acción.

En resumen, una auténtica gozada poder revivir, aunque solo sea durante la hora y media que dura la representación, las entrañas productivas del Hollywood dorado, gracias a una excelente propuesta magistralmente llevada a cabo en la que tanto el equipo productivo como el elenco, seamos nosotros justos también con ellos, alcanzan un desempeño teatral ni mucho menos habituales sobre los escenarios.

No os la podéis perder…

“Plátanos, cacahuete y Lo que el viento se llevó” se representa en el teatre Goya del 23 de diciembre de 2022 al 5 de febrero de 2023.

Autoría: Ron Hutchinson
Dirección: José Troncoso
Reparto: Gonzalo de Castro, Pedro Mari Sánchez, José Bustos, Carmen Barrantes
Adaptación: Daniel Anglès
Dramaturgia: José Troncoso
Escenografía: Silvia de Marta
Iluminación: Javier Alegría
Sonido: Mariano Marín
Caracterización: Chema Noci
Vestuario: Guadalupe Valero
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: A pafrtir de 21,25€
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 30 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
——

Jorge Pisa

Crítica teatro: Pretty Woman, el musical, en el Teatre Apolo

El pasado mes de septiembre llegaba a Barcelona el musical basado en la película Pretty Woman, adaptación del film dirigido en 1990 por Garry Marshall e interpretada por Julia Roberts y Richard Gere, una comedia romántica enriquecida con ingredientes de superación personal que se ha convertido en un clásico en su género.

«Una joven prostituta, conoce por accidente a un rico y apuesto hombre de negocios, el cual contrata a la joven por 3.000 dólares durante una semana como su acompañante. Parece una relación comercial normal y nadie sospecha que esa semana cambiará sus vidas para siempre, y se enamorarán, aunque provengan de mundos totalmente diferentes».

La moda “adaptación musical” está en auge, y más después de la pandemia. De ahí que el año pasado se estrenaran en Barcelona espectáculos musicales como Ghost, Golfus de Roma y, ahora, Pretty Woman, una propuesta, esta última, que incluye amor romántico, coaching emocional y grandes dosis de fantasía urbana. La trama, muy simple, se centra en la extraña historia de amor entre un alto ejecutivo sin conciencia y una prostituta con grandes sueños de futuro. Su unión accidental llevará al inicio de una relación sentimental que cambiará de raíz la vida de ambos.

pretty woman_1

Ya lo veis, la trama perfecta para que cada uno de nosotros y nosotras veamos representados en los personajes del musical nuestros sueños de mejora y realización personal. De ahí que el film tuviera el éxito que tuvo. En esta ocasión a la trama original se le suma el contenido musical que enriquece, con mucho, la propuesta.

Vamos paso por paso. Lo primero la adaptación teatral de la mano del propio Garry Marshall y J. F. Lawton, y en la versión española de Jordi Arqué y Marc Gómez y la dirección de Carline Brouwer son muy acertadas, ya sea como la historia que nos relata o por el acierto escénico del espectáculo, con un atrezo impactante pero poco intrusivo. A lo que se suman las canciones creadas por Bryan Adams y Jim Vallance.

Segundo las interpretaciones muy logradas, ya sea en el ámbito interpretativo como en el musical. Roger Berruezo y Cristina Llorente acertadísimos como Edward y Vivian, los protagonistas de la fábula, acompañados de secundarios de altura, ya sea Erika Bleda, la prostituta compañera de Vivian o Rubén Yuste, que aporta un valor muy cómico y familiar a la historia, a lo que se suma un afinado cuerpo de baile.

Tercero, los números musicales. Un 10. Pretty Woman es el primer musical que reseño que, aún no basándose en un film musical, acierta de pleno en las canciones y su representación, entre las que destacan la escena de la ópera o la de la conversión de Vivian ayudada por el staff del hotel en el que se aloja Edward. Los números musicales son de excelente.

Y cuarto, por la delicadeza con la que se ha creado y se representa el musical, que demuestra el buen hacer de la productoras Smedia y Veniu Fama.

Todo ello me lleva a felicitar de muy buen grado a los responsables de la propuesta por el trabajo hecho y recomendar a todos aquellos y aquellas a los que les gustó, mejor dicho, les cautivó el film, les gustan los musicales o les gusta soñar despiertos, a no perderse Pretty Woman, una fábula moderna sobre el amor en los tiempos desmitificados en los que vivimos. Una fábula que, por supuesto, se ha de interpretar como algo difícilmente inalcanzable. Pero que nos permite soñar en hacer realidad nuestros sueños, por muy imposibles que nos puedan parecer.

«Pretty Woman el Musical» se respresenta en el Teatre Apolo del 22 de septiembre de 2022 al 26 de febrero de 2023.

Dirección: Carline Brouwer
Autoría: Garry Marshall, J. F. Lawton
Reparto: Cristina Llorente, Roger Berruezo, Rubén Yuste, Erika Bleda, Javier Ibarz, Sergio Escribano, Natán Segado, Edgar Martínez, Ariel Juin, Tatiana Monells, Cristina Gallego, Aleix Maria, Esteban Verona, Margarida Silva, Imanol Fuentes, Elena Rueda, Lara Sagastizabal, Andrea Enrich, Carmen Prados, Sol Carner, Carlos Salgado, Raffaele Ruilosso, Ana Lagares, Raimon Ferrer
Composición musical: Will Van Dyke
Adaptación: Jordi Arqué
Dirección musical: Arnau Vilà
Escenografía: Carla Janssen Höfelt
Iluminación: Francesco Vignati
Sonido: Armando Vertullo
Caracterización: Ivan Stefanutti
Vestuario: Ivan Stefanutti
Coreografía: Denise Holland Bethke, Giulio Benvenuti, Carla Janssen Höfelt
Música: Simone Manfredini, Andrea Calandrini
Letras: Bryan Adams, Jim Vallance
Producción: Smedia y Veniu Fama

Horarios: de martes a jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 17:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: A partir de 29,60€
Idioma: castellano
Duración: 150 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,5

Jorge Pisa

Crítica teatro: La Salsa, en el Teatro Aquitania

Todos necesitamos en algún momento algo de salsa en nuestras vidas. El teatro Aquitania lo sabe y nos propone La Salsa, una comedia de Oriol Vila dirigida por Nico & Sunset e interpretada por Agnès Busquets, Alba Florejachs, Francesc Ferrer y Xavier Serrano.

¿Qué harías si al decidir terminar con tu vida se te diera la posibilidad de comenzar de nuevo? La Salsa nos cuenta la historia de dos ancianas que al descubrir por error el elixir de la juventud deciden hacer todo lo que no hicieron en su juventud. Su descubrimiento les dará la oportunidad de reconectar con sus hijos, con los que mantenían relaciones marchitas con el paso del tiempo: ellas incomprendidas y aparcadas en una triste residencia y ellos aparentando vidas que no son lo que parecen ser.

La Salsa es una comedia de pequeño formato que pretende hacernos reír a través de una fábula que trata el tema del paso del tiempo y las relaciones que se establecen entre madres e hijos. La trama se inicia en la residencia donde dos internas, Agnès Busquets y Alba Florejachs, mantienen una extraña y singular amistad. Ambas están esperando la visita de sus hijos respectivos, uno, Xavier Serrano, es un modelo de hijo preocupado por su madre; el otro, Francesc Ferrer, no ha conseguido encontrase en la vida y se dedica al coaching personal sin demasiado éxito. Unas apariencias que caerán por su propio peso cuando sus madres descubran accidentalmente un elixir rejuvenecedor, que les permitirá salir de la residencia y conocer la realidad de la vida de sus hijos en un local de… salsa.

La Salsa_1

La nueva propuesta de Nico & Sunset, responsables de las comedias Paradise y Oh, ¡Mami!, incluye humor, rejuvenecimientos y relaciones madre-hijo con el objetivo de hacernos pasar un buen rato con el tropel de enredos y situaciones disparatadas que el elixir rejuvenecedor provocará en los protagonistas.

Para que la receta funcione se requiere a actores y actrices con una vis cómica contrastada, y eso es lo que consigue el cuarteto de protagonistas integrado por Agnès Busquets, Alba Florejachs, Francesc Ferrer y Xavier Serrano, que ofrecen una interpretación cómica que le va muy bien a la obra y que demuestra su efectividad en las escenas que discurren en el local de salsa, donde los cuatro personajes coincidirán y harán evidentes sus carencias y aciertos: madres controladoras, hijos minusvalorados y existencias vacías que será posible reconducir… gracias a la salsa.

La obra se centra, pues, en la interpretación cómica de sus protagonistas más que en los grandes decorados y escenografías y si bien la ficción escénica que nos presenta es convincente, a la función le falta algo de push cómico para convencer del todo.

Aún así, vale la pena verla y reírnos disfrutando de una fantasía que, seguro, todos y todas hemos tenido (seguro que cuanto más mayores más vivamente): ¿Qué haríamos con nuestra vida si pudiéramos rejuvenecer aunque solo fuera por un tiempo limitado? Si queréis conocer la respuesta… os recomiendo La Salsa, en el teatro Aquitania.

“La Salsa” se representa en el teatro Aquitania del 19 de noviembre de 2022 al 29 de enero de 2023.

Autor: Oriol Vila
Dirección: Nico & Sunset
Reparto: Agnès Busquets, Alba Florejachs, Francesc Ferrer y Xavier Serrano

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: A partir de 16€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6,9
——

Jorge Pisa

Crítica teatro: The Hole X, en el Port Vell

Llega de nuevo a Barcelona The Hole (en esta ocasión The Hole X, que celebra el décimo aniversario del show), un cabaret producido por Lets Go que mezcla teatro, circo, acrobacia, música, sensualidad, humor y ambiente de Club nocturno con el empeño de encender las noches de la ciudad condal.

The Hole X, que recupera los números más destacados y los personajes más icónicos de ediciones pasadas a los que incorpora novedades, se desenvuelve con un alto grado de sensualidad visual y desparpajo oral, sin duda, la característica que lo singulariza en la cartelera barcelonesa. Así, pues, la propuesta está abierta al público adulto, si bien se dirige especialmente a los espectadores más jóvenes y nocturnos, con ganas de pasárselo bien y de gozar del erotismo que emana de sus actuaciones.

El show está compuesto de varios números que incluyen cabaret, striptease artístico, danza aérea acrobática, humor, saltimbanquis, música o lírica humorística, todo ello salpimentado por el incontinente humor de Alex O’Dogherty (depende de la sesión os encontraréis en su papel a Víctor Palmero, Eva Isanta o Canco Rodríguez), que hace las veces de maestro de ceremonias del espectáculo dotándolo de ironía y afilada comicidad reivindicativa.

La carpa ubicada en el Port Vell se convierte en salón de club nocturno, donde los espectadores pueden acomodarse alrededor de las mesas habilitadas para tal efecto y tomarse una copa mientras gozan del espectáculo sobre el escenario, interactuando, a su cuenta y riesgo, con los artistas.

The Hole X se integra así en una oferta nocturna que provee a la ciudad de la frescura de los espectáculos made in la noche madrileña. Sus osadas actuaciones atraen la atención de un público joven ávido de entretenimiento concupiscente. A destacar el humor cáustico que abarca todo el show, la hilaridad musical de los mayordomos del espectáculo o la danza aérea llevada a cabo por Las supernenas. A lo que se suman las actuaciones de los cabezas de cartel, la seductora Madame Vinila Von Bismark o las atropelladas intervenciones del Pony Loco. Todo ello presentado con un alto voltaje visual y musical que incluye las actuaciones de Almon, Supergold, Las X Girls, Oleg Tatarynov o el Duo Stardust.

El espectáculo estará en cartelera hasta el 22 de enero del 2023, iluminando la noches barcelonesas con una luz libidinosa, descarada y reivindicativa, preparándolo todo para que las aves nocturnas salgan del agujero (o entren en él, según los gustos y las posibilidades) y se diviertan de lo lindo, todo a cargo de la familia artística de The Hole.

«The Hole» se representa en la Carpa del Port Vell del 2 de diciembre de 2022 al 22 de enero de 2023.

Dirección: Gabriel Chamé Buendía
Directora residente: Vinila Von Bismark
Dirección artística: Ernest Coll
Guión: Alex O’Dogherty
Diseño de vestuario: Nicolás Vaudelet
Diseño de escenografía: Miguel Brayda
Diseño de iluminación: Himar Santana
Coreógrafo: Guillermo Weickert
Diseño de música y efectos de sonido: Marc Álvarez
Diseño de peluquería y maquillaje: Olaya Brandon

Reparto:
Maestro de ceremonias: Alex O’Dogherty
El Pony Loco
Vinila Von Bismark
Los mayordomos
Almon
Supergold
Las supernenas
Las X girls
Oleg Tatarynov
Duo Stardust

Horarios: de martes a miércoles a las 20:30 horas; viernes y sábados a las 17:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: A partir de 17,60€
Duración: 120 minutos
Idioma: Castellano
Edad: A partir de: 16 años
NOTA CULTURALIA: 8
——

Jorge Pisa

Crítica teatro: Cruz de Navajas, El último Mecano, en la Cúpula Arenas

Siempre es un placer escribir sobre Mecano, la banda sonora de la juventud de muchos y muchas de nosotros. Y lo es más cuando se estrena un espectáculo homenaje “a lo grande” como Cruz de Navajas, que re-inauguró el pasado 18 de noviembre la actividad escénica de la Cúpula Arenas.

“A las canciones de uno de los mayores grupos españoles solo les podían hacer justicia las voces de los artistas con más talento de la escena musical, los bailarines más expertos y nuevos arreglos musicales que interpreta una banda de músicos en riguroso directo.
Hace más de 30 años de la separación de Mecano. Cruz de Navajas, el último Mecano no es un tributo, no es una imitación, es el mayor reconocimiento al grupo español más grande”.

El escenario de la Cúpula Arenas vuelve a la actividad con un estreno de primera, un espectáculo musical basado en los temas de Mecano. Pero Cruz de Navajas no opta por un espectáculo musical al uso, esto es, con toda una serie de números musicales que jalonan una historia creada para la ocasión, si no que opta por centrarse solo en las canciones de Mecano, que se suceden una tras otra con interpretaciones de alto nivel.

Cruz de navajas_1

Desaparecida, así, la historia de la ecuación, lo que sobresale de Cruz de Navajas es la interpretación de los diversos temas, que queda en manos de un cuerpo de cantantes integrados por Lieta Molinet, Mireia Orrit, Laura Alcoba, Lucía Bentabol, Mikel Herzog Jr., Mireia Orrit, Aser León, Clara Sánchez, Joan Liaño, Sofía Rangone que dan lo mejor de sí para interpretar los grandes clásicos de Mecano. Y lo hacen muy bien, con voces e interpretaciones muy destacadas, con unos chorros de voz, tanto masculinas como femeninas, acompañadas de una potente cortina audiovisual formada por grandes pantallas led de gran resolución que dan al espectáculo un aspecto impactante.

Y ya os podéis imaginar la selección de los temas: Hijo de la luna, Me cuesta tanto olvidarte, Aire, La Fuerza del Destino, Mujer contra mujer, El 7 de septiembre, Barco a Venus, Me colé en una fiesta, No es serio este cementerio (con una michaeljaksonificación que sorprenderá…) y, no podía faltar, Cruz de navajas, pero con toda una serie de arreglos que modernizan y potencian con mucho la emotividad que los temazos de Mecano provocan en el público asistente. Todo un acierto capitaneado por los productores Gonzalo Pérez Pastor y Vértigo360, con Dani Hdz en la dirección musical y Sergio Melantuche en las coreografías, que harán las delicias de todos los que disfrutamos con los éxitos de Mecano.

La única pega de la propuesta es la lentitud en la mayoría de las transiciones entre las interpretaciones de los diferentes temas musicales y los dilatados momentos humorísticos que perjudican la fluidez de la representación.

Por el resto, Cruz de Navajas es un espectáculo de aquellos que harán soñar a los espectadores y las espectadoras en los momentos de sus vidas en que cantaron y disfrutaron los temas de Mecano, actualizados gracias al potente aparato audiovisual y a los arreglos que crean un ambiente sonoro del siglo XXI para el gran tesoro musical que representó Mecano en los añorados años 80 y principios de los 90.

«Cruz de Navajas» se representa en la Cúpula Arenas del 18 de noviembre de 2022 al 29 de enero de 2023.

Dirección musical: Dani Hdz
Reparto: Lieta Molinet, Laura Alcoba, Mikel Herzog Jr., Sofía Rangone, Mireia Òrrit, Aser León, Lucía Bentabol, Tania Simón, Joan Liaño, Clara Sánchez
Coreografía: Sergio Melantuche
Músicos: Dani Hdz, Gabo Olórtiga, Artashes Aslanyan, Sabas Yagüe, Guillem Arnau, Marc Pinyol, Andoni Narváez, Javier Campos
Bailarines/as: Sergio Melantuche, Sara Garijo, Carlos Vela, Cristina Burgos, Alba Rubira, Vicky Gómez
Producción: Gonzalo Pérez Pastor, Vértigo360

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y  a las 21:00 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: a partir de 27,27€
Duración: 150 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5
——

Jorge Pisa

Crítica teatro: Cartes d’amor, en la Sala Versus Glòries

De vez en cuando, aunque solo de vez en cuando, llega a la cartelera una de aquellas discretas obras de teatro que se acaban convirtiendo en una pequeña joya escénica. Y este es el caso de Cartes d’amor, estrenada en la Sala Versus Glòries el pasado 12 de octubre, un melodrama epistolar interpretado por Lloll Bertran y Alex Casanovas que adapta un texto original de A. R. Gurney.

«La obra se centra en dos personajes: Melisa Gardner y Andrew Ladd III, que se leen el uno al otro las notas, cartas y postales en que, desde hace casí cincuenta años, se han explicado las esperanzas, ambiciones, sueños, decepciones, victorias y fracasos que han tenido a lo largo de su vida. Cartas de viaje y postales llenas de esperanzas, ambiciones, sueños, victorias y fracasos son el hilo conductor de esta magistral pieza, llena de humor y de humanidad».

Cartes d’amor es una pequeña delicatesen teatral, una de aquellas propuestas de pequeño formato que se acaba convirtiendo en un gran disfrute. Y uno de sus aciertos es que no aspira a mucho, tan solo a mostrarnos una sencilla relación de amor a través de las cartas que se escriben Melissa y Andy, los personajes principales. A través de la simple lectura de sus cartas veremos como la relación de amistad infantil entre ambos irá progresando a lo largo del tiempo y nos permitirá conocer sus miedos, sus sueños, sus necesidades afectivas y los éxitos y los fracasos que tendrán que acometer.

Cartes d_amor_1

El autor, A. R. Guerney, quedó finalista del premio Pulitzer de teatro en el año 1990 con esta obra, que demuestra como a través de la sencillez, tanto en la forma como en el contenido, se pueden transmitir al espectador sentimientos muy profundos.

La propuesta de la Sala Versus, dirigida por Marc Rosich y Jordi Andújar, insiste en la idea de simplicidad. El escenario está presidido por una gran mesa que divide el espacio en dos, mostrándonos de esta forma los diferentes ámbitos vitales de los dos protagonistas. Sentados a ella, Bertran y Casanovas irán leyendo las cartas que les acompañarán a lo largo de la representación. Tan solo su interpretación y diversos y sencillos cambios de vestuario nos mostrarán el pasar de los años.

Y el contenido ya os lo podéis imaginar: el amor infantil, el despertar sexual, la llegada de la edad adulta, la familia y las responsabilidades. Aunque también se colarán temas más resbaladizos como las adicciones, los problemas mentales o los abusos. Si bien todo ello materializado de una forma atractiva y emotiva que provocará el disfrute del auditorio.

Cartes d’amor es una sencilla obra «como las de antes» pero que llega con intensidad y desenvoltura al público actual, ya sea por lo maravilloso de su texto, por el buen hacer de la dirección y la adaptación de Rosich y Andújar o por la delicadeza interpretativa de Casanovas y Bertran. Una propuesta que emocionará y gustará, estoy seguro, a todos aquellos que valoran la grandeza de las pequeñas cosas bien hechas.

«Cartes d’amor» se representa en la Sala Versus Glòries del 12 de octubre al 11 de diciembre de 2022.

Autoría: A.R. Gurney
Dirección: Jordi Andújar y Marc Rosich
Reparto: Lloll Bertran y Àlex Casanovas
Dramaturgia: Marc Rosich
Dirección musical: Marc Sambola
Escenografía: Anna Tantull
Iluminación: Toti Ventosa
Caracterización: Àngels Salinas, Núria Llunell
Vestuario: Laura Garcia
Producción: Annexa

Horarios: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: a partir de 17€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9
——

Jorge Pisa

Crítica teatro: Golfus de Roma, en el teatre Condal

El pasado 23 de septiembre se estrenaba Golfus de Roma, en el Teatre Condal, tras triunfar el año pasado en el Festival de Teatro Clásico de Mérida y hacer temporada en el Teatro La Latina de Madrid, un musical «made in Broadway» ambientado en la Roma antigua y capitaneado en esta ocasión por el actor Jordi Bosch.

«Pseudolus es un esclavo irreverente que intenta conseguir la libertad ayudando a Eros, el hijo de su amo, a ganarse el amor de Philia. Pero hay un problema… o dos: Philia pertenece a M. Lycus quien, a su vez, la ha vendido al general Miles Gloriosus. Y ninguno está dispuesto a renunciar a ella».

Pues sí, ya era hora de que Golfus de Roma llegara a Barcelona y de que Stephen Sondheim volviera a sonar sobre un escenario en estas latitudes. Y la ocasión se lo merece ya que Focus y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida han conseguido revivir con gran acierto la Roma imperial en clave musical sobre el escenario.

Golfus de Roma_1

En esta ocasión el espectáculo ha sufrido una transfiguración al convertirse el espacio escénico en un circo, lo que potencia el elemento cómico de la representación, por lo que veremos la clásica trama creada por Burt Shevelone y Larry Gelbart y musicada por Stephen Sondheim en el año 1962, basada en las comedias del autor latino Plauto, en un contexto circense en el que los payasos y los clowns compartirán espacio con los actores y actrices cómicos.

Y entre ellos destaca, como no, la presencia de Jordi Bosch, que da vida al atrevido y resuelto Pseudolus en su ambición de alcanzar por fin la libertad. Y su esfuerzo se ve recompensado con buena nota, a la que no son ajenos el resto del reparto, en el que destacan Eloi Gómez, Meritxell Duró, Ana San Martín, Roger Julià, Víctor Arbelo, la incorporación de Mercè Martínez y, sobre todo, la fluidez cómica e interpretativa de Frank Capdet. Así mismo, la dirección de Daniel Anglès y Roger Julià, la dirección musical de Xavier Mestres y las coreografías de Oscar Reyes son sin duda otra de las claves para que el musical se haya podido llevar a cabo y con el resultado tan lustroso que presenta.

Dos elementos ayudan, finalmente, a alcanzar el objetivo requerido, el primero la música en directo y con un efecto muy envolvente, con los músicos apareciendo y desapareciendo en la platea e interpretando, a su vez, a diversos personajes secundarios y un escenario que provee al espectáculo de una gran lucidez.

Así, pues, Golfus de Roma es una merecida ocasión para revisitar el pasado romano en clave de comedia, disfrutar con las vicisitudes y peripecias vitales de Pseudolus, Hysterium, Eros, Lycus y Philia y deleitarse con un clásico del teatro musical de la mano de Stephen Sondheim, sin duda uno de los grandes compositores del género musical.

«Golfus de Roma» se representa en el Teatre Condal del 23 de septiembre de 2022 al 8 de enero de 2023.

Autoría: Stephen Sondheim
Dirección: Daniel Anglès y Roger Julià
Libreto: Burt Shevelove, Larry Gelbart
Adaptación: Daniel Anglès, Marc Gómez
Reparto: Jordi Bosch, Roger Julià, Roger Julià, Mercè Martinez, Eloi Gomez, Frank Capdet, Meritxell Duro, Ana San Martín, Víctor Arbelo
Dirección musical: Xavier Mestres
Escenografía: Montse Amenós
Iluminación: Xavier Costas
Sonido: Jordi Ballbé
Caracterización: Núria Llunell
Vestuario: Montse Amenós
Coreografía: Óscar Reyes

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: a partir de 34€
Idioma: catalán
Duración: 2 horas y 35 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
——
Jorge Pisa

Crítica teatro: La meravellosa família Hardwicke, en La Villarroel

Siempre que la programación teatral incluye un Chéjov o una revisitación de su obra, la cartelera barcelonesa mejora en calidad y prestancia. De ahí que Bitò Produccions, La Brutal y T de Teatre se hayan atrevido a iniciar temporada con La meravellosa família Hardwicke, una adaptación libre y humorística de la obra de Chéjov escrita por Christopher Durang, traducida por Cristina Genebat y dirigida por David Selvas.

«La historia de La meravellosa família Hardwicke gira alrededor de las relaciones de tres hermanas solteras de mediana edad, dos de las cuales viven juntas, y tiene lugar durante una visita de la tercera, Masha. Discuten de sus vidas y de sus amores, y Masha amenaza con vender la casa. Algunos de los elementos del espectáculo están inspirados o hacen referencia a las obras de Antón Chejov, incluidos algunos nombres de los personajes, el escenario de la obra (un huerto de cerezas) y el tema de la posible pérdida de un hogar ancestral».

La meravellosa família Hardwicke es una propuesta que se adapta muy bien al adn T de Teatre, en la que el original de Chéjov Tío Vania es adaptada libremente tras una digestión creativa, con un resultado que no deja impasible a nadie. La adaptación reduce el número de personajes, reubica el escenario y enriquece y actualiza una trama para ubicarla en el universo propio de la compañía.

La meravellosa familia Hardwicke_1

De ahí que la trama se centre en las relaciones establecidas entre los miembros de una familia vinculados a una hacienda familiar. La llegada de una de ellas, Masha (Marta Pérez), generará toda una serie de tensiones en la casa que pondrán en riesgo la cohesión familiar entre los miembros.

La adaptación que Durang hizo de la obra de Chéjov convierte la obra en una comedia familiar actualizada para los públicos de hoy. Los roles se modifican en relación al original, igual que el texto y las pautas de comportamiento, situando el eje de la trama en la oposición entre el fracaso y el éxito (figurado o no) que rezuman los personajes. Mientras unos Vania (Albert Ribalta) y Sonia (Carme Pla) han empeñado sus vidas en la gestión de la hacienda y en el cuidado de la familia, Masha ha triunfado en el cine, aunque sus años de gloria parece que han llegado a su fin como musa del cine del terror. Sus respectivas vidas se verán, así, alteradas ante el anuncio de la venta de la hacienda familiar y la finalización de un modo de vida, una temática muy propia, por otra parte, de la obra de Chéjov.

La propuesta es simple y dinámica, con un escenario central rodeado y muy cercano al público. Y los personajes y las interpretaciones muy propios de la compañía que se desarrolla entre la antipatía y el cariño. Muy de destacar, por cierto, la actuación de Albert Ribalta, que provee a su personaje de la dignidad escénica que requiere, y la presencia de dos actores jóvenes como Alejandro Bordanove y Paula Jornet, que ofrecen una frescura interpretativa a la adaptación, ayudando a la trama a ubicarse en el mundo más actual. Lide Uranga interpreta el rol más cómico de la obra, dando vida a la asistenta remolona de la familia favorecida con el don de predecir el futuro.

La meravellosa família Hardwicke es un ejercicio de actualización escénica en el que T de Teatre ha desarrollado una propuesta muy «en su línea» que le permite sumergirse en el histrionismo tan típicamente suyo y que nos permite contemplar un clásico a través de los ojos de la modernidad y reflexionar sobre la vida, los modos de vida y sobre un posible final, en definitiva, sobre el predecible final de una situación o de una familia, en este caso de la maravillosa familia Hardwicke.

«La meravellosa família Hardwicke» se representa en La Villarroel del 9 de septiembre al 27 de noviembre de 2022.

Autoría: Christopher Durang
Dirección: David Selvas
Título original: Vanya and Sonia and Masha and Spike
Traducción: Cristina Genebat
Reparto: Alejandro Bordanove, Paula Jornet, Marta Pérez, Carme Pla, Albert Ribalta, Lide Uranga
Escenografía: Alejandro Andújar, May, Sol Curiel, Rafa Moro
Iluminación: Jaume Ventura
Sonido: Marcel Ferrer
Caracterización: Eva Fernández
Vestuario: Alejandro Andújar, Núria Cardoner, Maribel Rodríguez
Producción: Bitò Produccions, La Brutal, T de Teatre, Jordi Brunet, Josep Domènech

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: Web La Villarroel
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 40 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
——

Jorge Pisa

Crítica teatro: El secreto, en el teatro Fígaro (Madrid)

El final del verano y el inicio del otoño es un periodo de transición y de progresivo restablecimiento de la rutina diaria después de las vacaciones. Un periodo que puede ser doloroso pero que se atenúa con el inicio de la temporada teatral. Por esa razón en Culturalia os presentamos la crítica de El secreto, comedia estrenada en el teatro Lara y que se representa desde el pasado 21 de septiembre hasta el 20 de noviembre en el teatro Fígaro de Madrid.

«Sara y Sebastián se acaban de jubilar relativamente jóvenes. Su hijo Lucas está casado con Mónica, y tienen un bebé al que Sara y Sebastián cuidan de vez en cuando. Pero un buen día Lucas y Mónica se pelean delante de Sara y Sebastián a causa de una infidelidad. La joven pareja, que los padres creían tan unida, está viviendo momentos críticos. Sara y Sebastián tienen una acalorada discusión: ¿Tiene que divorciarse su hijo? Sebastián está a favor, Sara en contra. Y a Sara, en un lapsus, se le escapa «un secretillo» que provoca un cataclismo en la pareja. A veces, hay cosas que es mejor no saber…»

el-secreto_1

El secreto es una comedia ligera, un ingrediente más que adecuado para estos meses de reinicio. Una comedia que podríamos considerar de infidelidades, escrita por Eric Assous, dirigida por Ramón Paso e interpretada por Carlos Chamarro, Susana Hernáiz, Jorge Pobes y Ángela Peirat.

La obra se nos presenta, así, como un plato escénico sencillo e ingenioso que hace disfrutar a todos aquellos que quieran divertirse a costa de las preocupaciones de los demás, en este caso por los contratiempos provocados por aquellas pequeñas infidelidades que a veces se producen en la vida de pareja. De ahí que el descubrimiento por parte de los padres (Carlos Chamarro y Susana Hernáiz) de que la relación de su hijo con su mujer (Jorge Pobes y Ángela Peirat) no es tan ideal como pensaban, provocará el resurgir de infidelidades pasadas que pondrán en duda los vínculos familiares de los protagonistas de la obra.

La clave, pues, reside en el humor generado por las tensas situaciones provocadas por los «secretillos» que han ocultado los protagonistas y la chispa cómica que estas comportan. Ya se sabe que remover el pasado acostumbra a ser un ejercicio incómodo para la mayoría.

La obra es, así, una comedia sin pretensiones que quiere hacernos reír y lo consigue, sobre todo con el tour de force cómico que desarrollan Chamarro y Hernáiz, los padres, que tendrán que lidiar con las consecuencias de la revelación de sus pasados escarceos amorosos.

Jorge Pobes y Ángela Peirat interpretan a la joven pareja cuyas circunstancias amorosas provocarán la acción y el humor de la obra, con interpretaciones frescas y cómicas.

La trama y el humor, pues, están bien engrasados en una comedia de carácter familiar pero a la representación le falta en algunos momentos algo de punch cómico. Aún así las interpretaciones harán reír y disfrutar al público, haciéndole, seguro, olvidar el mal trago del final del verano y el amargo regreso al trabajo, valiéndose, para variar, de las desgracias de los demás.

«El secreto» se representa en el Teatro Fígaro del 21 de septiembre al 20 de noviembre de 2022.

Autor: Eric Assous
Dirección: Ramón Paso
Reparto: Carlos Chamarro, Susana Hernáiz, Jorge Pobes, Ángela Peirat
Traducción y adaptación: Virginia López-Ballesteros
Vestuario: Lana Svetlana
Escenografía: Raúl Suárez Martín y Mario López Pinilla

Horarios y precios: Web Teatro Fígaro
idioma: castellano
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 7
——
Jorge Pisa

Crítica teatro: Edipo. A través de las llamas, en el teatro Romea

Llega al Romea Edipo. a través de las llamas, una reflexión sobre el héroe y la búsqueda de la verdad que reelabora el clásico de Sófocles desde una perspectiva crítica y postmoderna.

«Edipo duerme, al borde de un camino, hasta que despierta al escuchar la voz de una extraña presencia; un hombre, que, oculto bajo un casco de metal, comienza a hablarle acerca de un monstruo, una ciudad y una recompensa.
Edipo, desconfiado, rechaza la invitación del misterioso caballero, que no duda en seguir insistiendo hasta conseguir que Edipo se desvíe de su camino, se enfrente al monstruo y, convertido en rey, termine entrando en la ciudad de Tebas

Ya sabéis que la revisitación de un clásico tiene siempre la capacidad de hacernos reflexionar sobre nosotros mismos y sobre los problemas que arrastra nuestra propia sociedad. Y la trama del Edipo de Sófocles, que constituye el armazón de la propuesta escrita por Paco Bezerra y dirigida por Luis Luque, no es una excepción, ya que se basa en la tragedia griega para plantearnos la realidad que subyace en el heroísmo y la el conocimiento, valores estos devaluados en el mundo actual.

A través del mito seremos testigos del futuro que le espera al héroe, Edipo, al intentar remediar los problemas de Tebas, la ciudad de la que es rey, impotente ante las consecuencias que sus acciones van a provocar. Vamos, la trama típica que envuelve al héroe clásico griego.

La propuesta que llega al Romea, coproducida por el Festival de Mérida y el Teatro Español, no por otra es la adaptación de un clásico, actualiza el contexto escénico, ubicando la acción en un espacio indefinido, en el que la historia se va desarrollando entre tonos fríos y ante las imágenes que se nos muestran en una gran pantalla, que, sin duda, enlaza la trama con el mundo multipantalla actual. La dirección de Luque hace centrar la atención en los actores y especialmente en la vigorosa interpretación de Alejo Sauras, que encarna al desdichado rey Edipo, que poco a poco irá descubriendo las fatídicas consecuencias de sus acciones. Sauras está acompañado en el rol femenino principal por Mina El Hammani que da vida a la desdichada reina Yocasta. Ambos están acompañados a modo de coro clásico silencioso, de un elenco que representa, en parte, lo ominoso de la existencia humana.

Edipo. A través de las llamas nos permite, así, reflexionar, como ya os dije, sobre el destino que cada uno de nosotros y de nosotras intenta fraguar a lo largo de su existencia, y como a veces, la vida se puede torcer, ya sea por la voluntad de los dioses o por la resistencia propia de la realidad que nos rodea. Y es en esas situaciones en las que el heroísmo personal hace acto de presencia, y nos dirige hacia el destino que cada uno de nosotros y de nosotras debemos alcanzar.

Perdón, me equivocaba!! Eso es tan solo la trama de una antigua tragedia griega, escrita por un antiguo autor griego. Se me olvidaba que en el mundo en el que hoy vivimos la tenacidad, el heroísmo y, sobre todo, la voluntad de conocer la verdad, tienen un valor muy pero que muy relativo.

«Edipo. A través de las llamas» se representa en el Teatre Romea del 6 al 16 de octubre de 2022.

Autor: Paco Bezerra
Dirección: Luis Luque
Coreografía: Sharon Fridman
Composición música original: Mariano Marín
Intérpretes: Alejo Sauras, Mina El Hammani, Julia Rubio, Eduardo Mayo, Jiaying Li, Alejandro Linares, Diego Rodríguez, Omar Zaragoza

Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 30 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
——

Jorge Pisa