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Crítica teatro: Ser o no ser, en el teatro La Latina

El pasado 17 de marzo el teatro La Latina estrenó Ser o no ser, una comedia que trata sobre el nazismo y en la que Hitler es uno de sus personajes. Una obra, por cierto, creada para el cine por Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer en el año 1942 y versionada en el año 1983 por Mel Brooks, algo que ya de por sí nos puede dar una idea del tipo de obra a la que nos referimos.

«Varsovia, agosto de 1939. La Compañía teatral del matrimonio Tura se instala en un teatro para ensayar ¡Gestapo!, un obra que satiriza la amenaza mundial que suponen Hitler y el nazismo. A la vez, representan Hamlet, cuyo verso “ser o no ser” será la clave de un affaire extraconyugal. Pero los problemas se les multiplicarán tras la invasión alemana de Polonia. Los actores de la Compañía tendrán que ingeniar una doble trama teatral, de guardarropía y suplantación, para desactivar la entrega de un documento a las autoridades nazis que puede acabar con la Resistencia y para huir de Polonia a Inglaterra».

Echanove se atreve con una comedia en la que el auge del nazismo y los inicios de la Segunda Guerra Mundial están muy presentes y en donde los equívocos y las situaciones comprometidas son la clave de la trama. De esta forma veremos como lo grave de la situación política y militar de Europa a finales de los años 30 del siglo pasado se entremezcla con la actividad de la resistencia polaca y con los líos de faldas propios de la compañía de teatro Tura, un mix este que, evidentemente, generará la comicidad de la propuesta.

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Ser o no ser se basa, así, en el humor dentro de lo trágico, de una compañía de teatro que intenta sobrevivir en una situación muy complicada, con la intención de abandonar lo antes posible el país. El humor, así, está servido, y la comedia no dejará de ser un in crescendo de acciones y reacciones que pondrán constantemente en peligro a todos los miembros de la compañía.

Hasta aquí, la trama, todo está bien. La contrariedad comienza con el reparto. No vamos a poner en duda el saber hacer de Echanove, que da vida a Joseph Tura, el personaje principal de la representación, pero la vis cómica del actor no es, seguramente, la más adecuda para una comedia de enredos de este tipo. Este hecho provoca que la propuesta quede tocada. A lo que se suma una adaptación y una escenografía que dificultan al espectador seguir la acción, sobre todo en la consumación final de la trama. El resultado, así, queda afectado escénicamente, aunque en parte es compensado por la pericia y el buen hacer del resto de la compañía, que consigue elevar, ahora sí, el tono humorístico de la obra.

Ser o no ser es una propuesta que gustará, no lo dudo, pero que no acaba de explotar todas las posibilidades de una comedia que tanto Lubitsch como Brooks consiguieron plasmar en todas sus posibilidades. Y es también una oportunidad para confirmar que el humor puede con todo, incluso al adentrarse en una época y en un contexto, el del nazismo, y salirse airoso del intento.

«Ser o no ser» se representa en el teatro La Latina de Madrid desde el 17 de marzo de 2022.

Autoría: Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer
Director: Juan Echanove
Adaptación: Bernardo Sánchez
Reparto: Juan Echanove, Lucía Quintana, Ángel Burgos, Gabriel Garbisu, David Pinilla, Eugenio Villota, Nicolás Illoro
Diseño de escena y vestuario: Ana Garay
Diseño de iluminación: Carlos Torrijos
Técnico de sonido y video: Natalia Moreno
Vestuario: Peris Costumes
Maquillaje y peluquería: Chema Noci
Música: Jose Recacha

Horarios: Miércoles a viernes a las 20:00h; Sábados a las 18:00h y 21:00h y Domingos y festivos a las 19:00h
Precios:
Platea: de 24,00€ a 28,00€
Club: de 20,00€ a 24,00€
Anfiteatro: de 17,00€ a 20,00€
Precios reducidos los miércoles

Duración: 100 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica teatro: A Chorus Line, en el teatro Tívoli

Regresa al Tívoli de Barcelona A Chorus Line, el musical creado por James Kirkwood y Nicholas Dante con música de Marvin Hamlisch y dirigido, en esta ocasión, por Antonio Banderas, que nos muestra los entresijos del mundo del espectáculo.

A Chorus Line es uno de aquellos grandes musicales que han cosechado un gran éxito desde el día de su estreno en el año 1975. Un musical made in Broadway que habla del espectáculo, y más concretamente de las vidas de los que se dedican al teatro, de los que forman la línea del coro.

Una propuesta, la de Banderas, esplendida desde cualquier punto de vista. Hacía tiempo que no veía un espectáculo tan completo como A Chorus Line. El musical tiene todo lo que ha que tener un buen musical. No hace falta que hable de la trama: un grupo de aspirantes a coristas en medio de una audición en un teatro de Broadway. El director quiere tomar la mejor de las decisiones, quiere conocer a las personas y las vidas que hay detrás de cada uno de ellos y de ellas. De esta forma conoceremos las experiencias y los dramas vitales que han llevado a los aspirantes hasta el teatro.

La representación nos sitúa de pleno en la prueba de selección, donde Zach (en esta ocasión Manuel Bandera), el director, se esfuerza por hacer el mejor casting entre los aspirantes, de ahí que los ensayos sean agotadores y que Bandera entre y salga de escena constantemente.

Así, pues, A Chorus Line nos permite enfocar el interés del público en la realidad y los sueños, a veces truncados, que hay detrás de las grandes producciones teatrales, y que normalmente quedan ocultos tras las bambalinas.

Para ello la producción de la obra, Soho CaixaBank, ha llevado a cabo un casting minucioso, ya que los actores de la versión española del musical no solo han de bailar y cantar bien, sino que han de interpretar bien. Y el resultado no es otro que magnífico. El elenco, demasiado amplio para ser citado aquí, canta, baila e interpreta a la perfección, sin que haya ningún momento en que se pierda la intensidad, haciendo evidente a los espectadores los dramas, los sacrificios y, también, los éxitos que dan vida a las chicas y los chicos del coro.

Banderas, además, ha afinado la dirección ya que siendo la obra coral, cualquier desequilibrio afecta al global de la representación. Y lo ha conseguido con creces. En A Chorus Line todo está muy bien afinado: la interpretación de los actores y actrices, el ritmo de la obra y la escenografía y los juegos de luces que, aunque minimalistas, envuelven y refuerzan a la perfección las historias que nos son narradas. Por lo que respecta a la música, la orquesta dirigida por Pau Baiges suena maravillosamente bien.

Como les digo todo luce perfecto. Los número musicales, la interpretación de los actores y actrices, que conectan, seguro, con las vivencias del público, y como no la apoteosis final, en la que la línea del coro interpreta a la perfección One, el tema final, el que conocemos todos, y que ha ido sonando en un in crescendo a lo largo de la representación.

Como os podéis imaginar, no me queda nada más que quitarme el sombrero, de nuevo, ante una esplendida propuesta de espectáculo musical. No os la podéis perder, si queréis disfrutar de verdad del teatro (musical) bien hecho y si, además, queréis conocer y os queréis conmover con las vidas de los chicos y chicas de la línea del coro.

«A Chorus Line» se representa en el teatro Tívoli del 22 de abril al 29 de mayo de 2021.

Concepción, dirección y coreografía originales: Michael Bennett
Reposición de la dirección y coreografía originales: Baayork Lee
Libreto: James Kirkwood y Nicholas Dante
Música: Marvin Hamlisch
Dirección: Antonio Banderas
Reparto: Manuel Bandera, Angie Alcázar, Miguel Ángel Belotto, Lucía Castro, Alex Chavarri, Aaron Cobos, Anna Coll, Daniel Délyon, Sonia Dorado, Roberto Facchin, Víctor González, Bealia Guerra, Pep Guillem, Cassandra Hlong, Fran Moreno, Estibalitz Ruiz, Lorena Santiago, Sarah Schielke, Javier Cid, Diana Girbau, Daniel Garod, Ariel Juin, Juan José Marco, Graciela Monterde, Aida Sánchez, Tomy Álvarez, Flor Lopardo, Joan López-Santos, Marcela Nava, Mario Rios, Irene Rubio
Dirección musical: Pau Baiges
Escenografía: Robin Wagner
Iluminación: Tharon Musser y Carlos Torrijos
Sonido: Javier G. Isequilla y Francisco Manuel Rubio López
Caracterización: Sandra Lara
Vestuario: Theoni V. Aldrege
Producción: Teatro del Soho CaixaBank

Horarios y precios: Web Grup Balañà
Duración: 130 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El cuidador, en el Teatro Bellas Artes de Madrid

Aunque ya lo hemos escrito en alguna ocasión, vale la pena repetirlo: Un Pinter siempre vale la pena. Y la ocasión se presenta en el Teatro Bellas Artes de Madrid, con el estreno el pasado 16 de marzo de El cuidador, clásico escrito por Pinter en el año 1960.

«El cuidador hace referencia de una manera ambigua tanto a la posibilidad de cuidar a otra persona como a la de cuidar un piso. Los tres personajes de la obra intentarán cuidarse y cuidar la propiedad de una manera que vista desde afuera parece un desastre propio de una comedia clásica en blanco y negro dentro de una película de intriga y suspense».

De nuevo Pinter más que una trama nos presenta una situación en la que analiza la esencia del ser humano y lo absurdo, a veces, de su existencia. Tres personajes, uno mayor y los otros dos más jóvenes, coinciden en un apartamento. A partir de aquí iremos descubriendo la historia de cada uno de ellos y los claro-oscuros que han marcado y marcan sus respectivas vidas: un anciano que malvive con trabajos en precario aunque con ínfulas de grandeza; un joven que le acoge en su apartamento con un historial de tratamientos psicológico que le han dejado secuelas y su hermano, una persona mucho más activa aunque incapaz de tomar decisiones y llevarlas a cabo.

De esta forma el autor utiliza la excusa del “apartamento” en el que conviven los tres personajes, para tratar, con un sutil sentido del humor y la ironía, la base de la existencia humana. Tres vidas perdidas o en camino de perderse, condicionadas ya sea por el pasado, por el presente o por el futuro, tres personajes que buscan compañía ante sus inconsistentes existencias con la que comunicarse, aunque a veces la comunicación sea difícil entre ellos.

El cuidador se convierte así en un tour de force entre los tres actores: Joaquín Climent encarna a un hombre marcado en la piel por el desalentador paso de la vida y que ha llegado a la vejez desconfiando de casi todos; Juan Díaz da vida al personaje más débil de la trama y Alex Barahona aporta el carácter más desenfadado de la representación, aunque incapaz e inconstante.

El escenario nos muestra un apartamento vacío sin muebles, o mejor dicho, con muchos muebles y cachivaches pero amontonados y desordenados, como la vida de los personajes, lo que permite que destaque sobre todo la actuación de los tres actores, bien dirigidos para la ocasión por Antonio Simón, que consigue recrear el efecto Pinter con una sutil dirección de actores.

El cuidador requiere atención por parte del espectador, y es que un Pinter siempre requiere un pequeño esfuerzo por parte del público, aunque una vez en línea con el trasfondo de la trama, la reflexión emana por sí misma, forzándonos a reflexionar sobre la existencia de los personajes que pululan sobre el escenario, y por qué no, sobre lo vacío de un mundo, el nuestro, en el que lo material, en este caso el apartamento, se impone a lo espiritual, en la deriva existencial que muchos y muchas nos vemos obligados a recorrer a lo largo de la vida.

«El cuidador» se representa en el Teatro Bellas Artes de Madrid del 16 de marzo al 24 de abril de 2022.

Dirección: Antonio Simón
Reparto: Joaquín Climent, Álex Barahona y Juan Díaz
Autoría: Harold Pinter
Traducción: Juan Asperilla
Escenografía: Paco Azorín y Alessandro Arganceli
Iluminación: Pedro Yagüe
Sonido: Lucas Ariel Vallejos
Vestuario: Ana Llena

NOTA CULTURALIA: 7,9

Jorge Pisa

Crítica teatro: Una noche con Whitney, en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío de Madrid

No hace falta que os diga que la tecnología está desde hace años en fase expansiva. Y como era de esperar este avance también afecta al teatro y a la música. Esta es la clave para entender el espectáculo Una noche con Whitney, que se representa en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío de Madrid, una recreación en formato holograma de un concierto de Whitney Houston.

“Llega a Madrid el espectáculo musical dedicado a Whitney Houston basado en hologramas, un homenaje a una de las más grandes figuras de la música pop que nos permitirá revivir la magia de sus canciones. Esta temporada teatral tiene un nombre propio: el de Whitney Houston”.

Pues sí, la tecnología digital hace milagros, en este caso revivir en directo una actuación de Whitney Houston. La clave del espectáculo se centra en la pantalla donde veremos el holograma de la diva en concierto, acompañado de los músicos y de un cuerpo de baile en directo, a lo que se suma un juego de luces que recrea una actuación de la cantante. Un formato, que, si lo piensas, podría recuperar “en vivo y en directo” a las grandes figuras de la música de todos los tiempos, como ya funciona con Callas en concierto, un espectáculo basado igualmente en hologramas programado también en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío.

El espectáculo está producido por la compañía americana Base Hologram, dirigido por Fátima Robinson, considerada como una de las «100 personas más creativas en entretenimiento», y con la dirección musical de Keith Harris. Y tiene muchos elementos a favor. El primero, la presencia en holograma de la diva, que convence al público, aunque muestra un aspecto demasiado frontal debido a la pantalla en la que aparece, hecho este que, sin duda, lastra la idea de holograma. El segundo, los grandes éxitos de la cantante, entre los que sonaron, I’m Every Woman, Didn’t We Almost Have It All, Greatest Love Of All, I’m Your Baby Exhale, Saving All My Love For You, Run to You, How Will I Know, I Wanna Dance with Somebody y el invitable I Will Always Love You.

Es espectáculo fomenta el efecto realista con músicos y coros en directo que acompañan al avatar de la cantante y un cuerpo de baile reducido pero que se complementa bien con los temas interpretados, dando un mayor verismo a la actuación. Y todo ello presentado en el solemne espacio de la antigua estación de tren de Príncipe Pío reacondicionada como espacio escénico, lo que provee al espectáculo de un envoltorio de lujo.

La propuesta de Base Hologram es de notable, ya que las y los fans de la Houston, que son muchos, pueden disfrutar de los éxitos de la diva del pop. Si bien el avatar de Houston, que es sin duda el fundamento del espectáculo, queda afectado en sus movimientos e interacción con el escenario por la frontalidad de la pantalla, lo que, al fin y al cabo, resta realismo a la propuesta.

Aun así, es seguramente Una noche con Whitney un augurio de las muchas posibilidades que la digitalización puede brindar al espectáculo teatral y musical. Imaginaos, pues, a dónde puede llegar la tecnología en el futuro…

“Una noche con Whitney” se representa en el Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío del 30 de abril al 28 de mayo de 2022

Dirección: Fátima Robinson
Dirección musical: Keith Harris
Diseño de luces: LeRoy Bennet
Producción y tecnología: BASE Hologram

Horarios: Sábados a las 13:00 horas
Precios: A partir de 18 €
Duración: 75 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Entre el 1 de julio y el 21 de agosto de 2022 tendrá lugar la 68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, dirigido por Jesús Cimarro a través de la empresa Pentación Espectáculos. En esta ocasión, el espectacular Teatro Romano de la ciudad acogerá 9 espectáculos nacionales e internacionales, con gran presencia femenina, entre los que no faltará música, danza y por supuesto, los mejores clásicos.

La edición de este año incluye la programación de varios espectáculos como la versión de Julio César del Complejo Teatral de Buenos Aires; la música y la poesía de Safo con Christina Rosenvinge bajo la dirección de Marta Pazos; una versión de El misántropo de Menandro y a Assumpta Serna protagonizando Minerva. También se programarán en el mes de julio dos espectáculos de danza: Ariadna, al hilo del mito de la mano del Ballet de Rafaela Carrasco y De Sheherazade de la compañía de María Pagés.

El mes de agosto arranca con Miles Gloriosus, dirigido por Pep Anton Gómez y protagonizado por Carlos Sobera. Seguirá El aroma de Roma, un musical protagonizado por Leo Rivera y Agustín Jiménez y el mes finalizará con La tumba de Antígona de María Zambrano, con dirección de Cristina D. Silveira.

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Este año el Festival inaugura un nuevo espacio dentro de la programación teatral, el Teatro María Luisa, que acogerá 5 espectáculos durante el mes de julio. Comenzará la compañía Els Joglars con ¡Qué salga Aristófanes!, espectáculo que conmemora el 60 aniversario de la compañía; seguido de Penélope, del Ballet de Murcia. Continuará una versión de Antígona de la compañía portuguesa Chapitô, tras el que llegará una versión del clásico de Cervantes, Numancia, una coproducción de la compañía Nao d’amores y de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC). Para cerrar la programación de este nuevo espacio contaremos con una versión de Las Bingueras de Eurípides a cargo de Las Niñas de Cádiz.

La edición del Festival cuenta un año más con las sedes en Medellín, Regina y Cáparra donde podrán verse algunas de las obras que triunfaron en la pasada edición como Los Dioses y Dios de Rafael Álvarez El Brujo, Mercado de amores, Las Suplicantes e Hipatia de Alejandría y además una nueva producción en colaboración con la ONCE: 2500 años de Antígonas y Creontes.

A estas, se suma, como cada dos años, la extensión del Festival en Madrid, con representaciones de las obras de las pasadas ediciones Hipatia de Alejandría, Las Suplicantes, Tito Andrónico y 50.000 pesetas en los teatros Bellas Artes y Reina Victoria.

El Festival cuenta, como en las ediciones anteriores, numerosas actividades como cursos, exposiciones y talleres, propuestas infantiles y para adultos y el pasacalle Las Pasiones de Zeus se celebrarán en distintos espacios de la ciudad emeritense.

Como cada año el festival volverá a ser accesible, con funciones audiodescritas, subtituladas, con bucle magnético y amplificadas con auriculares en el Teatro Romano y sus otras sedes.

Os dejamos aquíoel programa de la 68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida:

Nos vemos en Mérida!!

68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Cuándo: Del 1 de julio y el 21 de agosto de 2022
Dónde: Mérida y otras localizaciones
Más información: Web Festival Internacional Teatro Clásico de Mérida

Crítica teatro: Adeu Arturo, en el Teatro Coliseum

Este año La Cubana regresa a los escenarios con Adeu Arturo, una comedia ambientada en un funeral muy atípico en el que el teatro espontáneo de la compañía conquista de nuevo el Coliseum.

«A partir de la muerte a los 101 años de edad de un polifacético artista muy famoso internacionalmente, Arturo Cirera Mompou, el público conocerá el verdadero guión de la vida de éste conocidísimo escritor, pintor, escultor, coleccionista de arte, poeta, compositor musical, dramaturgo, actor y director».

Pues sí, La Cubana se atreve con un entierro, pero un entierro, como os podéis imaginar, muy especial, en el que nada se parecerá a lo que se ha de parecer y en el que el humor cotidiano de la vida misma, norma de la casa, se apoderará del escenario.

Primero por la personalidad intrínseca del difunto, un «polifacético artista» que ha dejado huella musical y cultural allá donde ha ido y en todo lo que ha tocado. Después por el tipo de ceremonia, alegre y burlesca que se ha programado en el teatro como despedida, y tercero porque es La Cubana. Y ya lo saben, allí donde está La Cubana el humor y las risas están aseguradas.

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El espectáculo está dividido en tres partes o actos. El primero, la propia ceremonia musical del entierro en la que irán pasando y actuando los amigos y conocidos del difunto, una serie de «vejestorios» artísticos típicos de los personajes de la compañía. A ello sigue un relato más escénico que nos mostrará las horas previas y los momentos posteriores a la ceremonia, en los que veremos comportase a los familiares del difunto, con esa combinación de chabacanería y egoísmo propios de los protagonistas de las obras de La Cubana, y en el que conoceremos qué hay realmente detrás de una gran figura artística como Arturo Cirera Mompou.

Como sabéis, La Cubana se nutre de una actuación coral en la que destaca el trabajo humorístico en grupo de la compañía, en este caso integrada por Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Nuria Benet, Alex González, Babeth Ripoll, Montse Amat, Toni Sans, Edu Ferrés y Virginia Melgar, todos ellos y ellas dirigidos en esta ceremonia de entierro por Jordi Milán. Y como siempre el resultado es una cascada de risas y golpes de humor propios de la vida cotidiana menos glamurosa, en el que en La Cubana son unos expertos.

Por eso, y porque es necesario reírse de todo, incluso de un funeral, Adeu Arturo es una propuesta que vale la pena recomendar, siempre y cuando agrade el humor de La Cubana, ya que el espectáculo mantiene la línea de producción habitual de la compañía. Así que no seas perezoso y, aunque no conozcas demasiado al finado, atrévete a ir a este entierro tan peculiar, y a reírte de algo tan serio como la muerte, aunque en manos de La Cubana

«Adeu Arturo» se representa en el Teatro Coliseum del 2 de febrero al 27 de marzo de 2022.

Compañía: La Cubana
Dirección: Jordi Milán
Idea original y dramaturgia: Jordi Milán
Reparto: Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Nuria Benet, Alex González, Babeth Ripoll, Montse Amat, Toni Sans, Edu Ferrés y Virginia Melgar
Escenografía: Taller d’Escenografia Castells y La Cubana
Iluminación: Arnau Aregay y Aleix Costales
Sonido: Jordi Agut
Caracterización: La Bocas
Vestuario: Cristina López
Coreografía: Leo Quintana
Música original: Joan Vives

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 h, sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 12:00 y a las 17:30 horas
Precio: Web Grup Balaña
Duración: 120 minutos
Idioma: Catalán
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El sopar dels idiotes, en el Teatre Borràs

Regresa a los escenarios barceloneses el clásico El sopar dels idiotes, una comedia alocada sobre el idiotismo y las consecuencias de ser idiota, versionada por Paco Mir, dirigida por Pep Anton Gómez e interpretada por David Olivares y Artur Busquets.

«El sopar dels idiotes narra la historia de un ejecutivo que suele cenar semanalmente con amigos –todos ellos hombres de negocios– y un invitado muy particular: un idiota. En esta ocasión, el invitado es un funcionario de hacienda con una obsesión por las maquetas gigantescas de edificios famosos hechos con cerillas y que él mismo construye. La historia se complica cuando, horas antes de la cena, el ejecutivo sufre un ataque de lumbago y el invitado se presenta en su casa. El inicio seguro de toda una serie de desastres…»

Grup Balañá recupera una de aquellas comedias que desde 1993 ha cosechado gran éxito en todo el mundo. En ella el público se verá asediado por las continuas situaciones cómicas y disparates provocados por un idiota cuando campa a sus anchas. Calamidad tras calamidad provocadas por la vanida de un editor, David Olivares, que se reúne cada semana con sus amigos en un concurso a ver quien trae al idiota más idiota, en este caso Artur Busquets. El karma ocasionará que el tiro le salga por la culata al interactuar su idiota con familiares y amigos en su propia casa.

El reparto del El sopar dels idiotes tiene el acierto de escoger a dos actores principales como David Olivares y Artur Busquets. Ambos se meten fácilmente en sus personajes para ofrecer el primer plato cómico de la función. Junto a ellos están Anna Gras-Carreño, Toni González y Ariana Bruguera. Especial atención al personaje interpretado por Jordi Vidal Gómez, el compañero de trabajo del idiota, que ofrecerá alguno de los momentos más hilarantes de la representación.

Y el resto ya os lo podéis imaginar: un escenario que nos muestra el salón donde se desarrollará toda la acción; personajes que entran y salen de escena afectados de alguna forma por los efectos de la idiotez humana y las continuas risas provocadas en el público.

Aunque la adaptación de Paco Mir actualiza en parte la representación, haciéndonosla más cercana, la dirección de Pep Anton Gómez no acaba de ser todo lo punzante que debería, esto es, a la representación le acaba faltando algo del ritmo que la trama cómica requiere, algo que en parte es subsanado con la vis cómica del reparto.

El sopar dels idiotes es, sin embargo, una oportunidad para reírse, y para hacerlo de un idiota, aunque, y este es uno de los puntos fuertes de la obra, a veces no sepamos bien bien quien es verdaderamente el idiota de la representación.

«El sopar dels idiotes» se representa en el Teatro Borràs del 20 de enero al 27 de febrero de 2022.

Autor: Francis Veber
Adaptación: Paco Mir
Dirección: Pep Anton Gómez
Reparto: David Olivares, Artur Busquets, Anna Gras-Carreño, Toni González, Jordi Vidal Gómez, Ariana Bruguera
Escenografía: Joan Jorba
Iluminación: Eudald Gili
Vestuario: Júlia López i Melià
Producción: Vània Produccions

Horarios: de miércols a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: Web Grup Balañá
Duración: 100 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El Guardaespaldas. El musical, en el Teatre Coliseum

Ya os comentamos que esta temporada teatral, todavía atenazada por los efectos de la pandemia, destacaba en Barcelona por la programación de teatro musical. Aquí criticamos en su momento Billy Elliot y Cantando bajo la lluvia, Fama El Musical y ahora le toca a El Guardaespaldas, el musical basado en el film del mismo nombre interpretado en el año 1992 por Whitney Houston y Kevin Costner.

«Frank Farmer, antiguo agente secreto reconvertido en guardaespaldas, es contratado por la super estrella Rachel Marron para protegerla de un acosador. Los dos esperan estar al mando de la situación. Lo que no espera ninguno es enamorarse. El Guardaespaldas es un thriller romántico lleno de acción, amor y suspense  que incluye una larga lista de éxitos inolvidables de Whitney Houston.

El espectáculo, producido por Letsgo, dirigido por Federico Bellone e interpretado en los roles principales por Mireia Mambo y Octavi Pujades, adapta fielmente el original cinematográfico al que le suma la clave de la propuesta, que no es otra que la interpretación en directo de los grandes éxitos que marcaron la carrera de Whitney Houston, con una selección ampliada para convertir el musical en un homenaje a la diva que reinó musicalmente en las décadas de los años 80 y 90.

El musical es, podríamos decir, de mediano formato, y nos presenta una escenografía minimalista pero efectiva en la que los efectos de luz crean espacios y escenas vinculadas con la trama de la película original. A ello se suma el acierto en el casting: Mireia Mambo da vida a Rachel Marron o mejor dicho, se mimetiza con Houston física y sobre todo vocalmente. La interpretación de Mambo consigue meter al público en la trama de intriga del film y su chorro de voz emula singularmente a la de Houston, consiguiendo así hacer disfrutar, puede que incluso extasiar, al público. A Mambo le acompaña Octavi Pujades que da vida a Frank Farmer, que también convence a la hora de dar vida al guardaespaldas de la cantante atormentado por los fantasmas del pasado e indeciso a la hora de afrontar un encargo que pondrá sus principios profesionales en duda.

Y como os podéis imaginar la clave de la propuesta reside en la interpretación musical. El Guardaespaldas es un homenaje a los grandes éxitos de Whitney Houston, y en este aspecto el espectáculo reluce especialmente. Mambo interpreta los grandes hits de la cantante entre los que hallareis temas como How Will I Know, Saving All My Love for You, I Have Nothing o I’m Every Woman. Pero si destacan algunas interpretaciones no son otras que las siguientes: La primera, la escena de composición al piano de Greatest Love of All; la segunda, la interpretación a dúo de Run to You por parte de Rachel y su hermana Nicki (Sonia Egea), otra gran voz que destaca en el musical y que ayuda a la escena a alcanzar una apasionada intensidad; y la tercera, claro está, la interpretación final del I Will Always Love You, seguramente el tema por el que Houston será recordada por siempre. A la representación, eso sí, le falta algo de intensidad en las escenas no musicales, en las que la trama de intriga queda algo descafeinada.

El guardaespaldas es una propuesta que tiene muy claro cuáles son sus bazas como espectáculo y las sabe desarrollar, que son otras que los grandes éxitos de Whitney Houston y el recuerdo del film más exitoso que la cantante y actriz americana interpretó. Por eso y por llevarlo sobre los escenarios con la soltura con la que se ha hecho, en Culturalia solo podemos recomendar el espectáculo a aquellos y aquellas a las que les gusta el teatro musical bien hecho, y a todos aquellos y aquellas para las que las canciones de Houston se convirtieron en parte de su banda sonora vital y quieran recordar y disfrutar con la muy conseguida interpretación en directo de sus grandes temas.

«El Guardaespaldas. El musical» se representa en el Teatro Coliseum del 27 de noviembre de 2021 al 23 de enero de 2022.

Dirección: Federico Bellone
Libreto: Alexander Dinelaris
Coreografía: Bill Goodson
Reparto: Octavi Pujades, Mireia Mambo, Sonia Egea, Alonso Nsue, Sergi Albert, Alberto Cañas, Jose M Ygarza, Pablo Ceresuela, Rubén Buika, Antonio Fago, Miguel Mateos, Raúl Pardo, Tatiana Monells, María Reina, Raquel Caurin, Alba Dusmet, Ainhoa González
Escenografía: Gabriel Moreschi
Iluminación: Valerio Tiberí
Sonido: Armando Vertullo
Vestuario: Marco Biesta, Marica D´Angelo
Producción: LetsGo Company

Horarios y entradas: Web Letsgo
Duración: 130 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 8,9

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Jorge Pisa

Crítica teatro: L’habitació tancada, en la Sala Versus Glòries

No es muy habitual que el género de terror llegue a los escenarios de teatro, por lo que el esfuerzo de la Sala Versus Glòries al estrenar L’habitació tancada es, ya de por sí, loable. Para esta ocasión ha adaptado tres relatos cortos clásicos de terror, con los que ha creado un montaje de claro tinte fantástico y de suspense: una historia de deseos con final infortunado; una trama de intriga relacionada con un asesinato llevado a cabo en una habitación cerrada donde solo ha aparecido el cuerpo de la víctima y una historia fantástica sobre la búsqueda de los orígenes del tiempo que pondrá en riesgo la vida del indagador.

La compañía La Salamandra, dirigida por Loredana Volpe y residente en la Sala Versus Glòries, se atreve de esta forma con un género nada habitual, adaptando tres historias de terror e intriga que revisitan el clasicismo del género.

El espectáculo se ha construido ensamblando los relatos The Monkey’s Paw de William Jacobs, Blind Spot de Barry Perowne y The Hounds of Tindalos de Frank Belknap Long, que se irán representando de forma enlazada permitiendo al espectador avanzar poco a poco en la trama de cada una de las historias con la intención de crear un ambiente de creciente suspense. Y en cada una de ellas el reparto de la compañía, que incluye a Marc Pujol, Patrícia Mendoza, Xavier Pàmies, Anna Casas, Chap Rodríguez Rosell e Ignasi Guasch, irá desovillando las tres tramas argumentales para alcanzar un clímax final.

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El montaje es, así, original y atrevido, aunque el resultado no acaba de exprimir todas las posibilidades. La Salamandra se esfuerza a la hora de hacer creíbles sus interpretaciones, ha cuidado el escenario, minimalista pero funcional, algo necesario para representar las tres historias que se narran, pero el montaje, la transición entre las diferentes escenas y el corte constante entre ellas no permite al espectador meterse de lleno en la substancia de intriga y terror de las relatos. Así, aunque las actuaciones son las adecuadas, el público no acaba de zambullirse en la ficción escénica, o lo que es lo mismo, el montaje pierde la magia necesaria para cualquier representación, y más una de este género, en el que la fantasía y el terror tienen un papel fundamental.

La propuesta de La Salamandra y la Sala Versus Glòries se queda, así, a la mitad del recorrido, desarrollando una idea atrayente y poco habitual en el teatro pero con un resultado final que no acaba de convencer del todo. Aún así, un planteamiento a desarrollar en el futuro con el objetivo de integrar nuevos géneros en la programación teatral.

«L’habitació tancada» se representa en la Sala Versus Glòries del 10 de noviembre al 5 de diciembre de 2021.

Autoría y dirección: Loredana Volpe
Intérpretes: Marc Pujol, Patrícia Mendoza, Xavier Pàmies, Anna Casas, Chap Rodríguez Rosell, Ignasi Guasch
Música original y espacio sonoro: Alvar Llusá-Damiani
Escenografía: Alba Cruells
Vestuario: Loredana Volpe
Iluminación: Daniel Gener
Producción: Cia. La Salamandra

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 12€
Duración: 80 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6

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Jorge Pisa

Crítica teatro: Fama El Musical, en el teatre Apolo

Bien, a ninguno se le escapa que el teatro musical está, o sigue estando, de moda, ya sea de pequeño, de medio o de gran formato. Y entre los grandes estrenos de este inicio, aún, de temporada, está Fama el musical, espectáculo que nos narra la historia de los alumnos de la High School for the Performing Arts de la ciudad de Nueva York que se hizo famosa allá por los 80 primero en el cine y después como serie de televisión.

El musical que nos presenta Veniu Fama cuenta con Coco Comin en la dirección artística y la coreografía y con Pablo Salinas en la dirección musical y se centra en la vivencia de los alumnos y la alumnas de la Escuela de Arte y su interacción con los profesores del centro, narrándonos sus sueños, sus sinsabores y sus aspiraciones por triunfar en el mundo de las artes escénicas.

Y los temas que toca el espectáculo son los mismos para todos los alumnos y las alumnas, es decir, el esfuerzo por alcanzar el éxito. Así, conoceremos la vida, las expectativas y los anhelos de los diversos estudiantes a los que dan vida Raudel Raúl, Clara Peteiro, Andrea Malagón, Dianne Kaye, Alexandre Ars, Dídac Flores, Pablo Raya, Morena Visci, Macarena Fuentes Y Joan Martínez, dirigidos por el profesorado del centro, interpretado convenientemente por Betty Akna, Meritxell Valencia, Bernat Mestre y Miquel Malirach.

La producción del espectáculo es de notable, todo está en el Apolo preparado para recibir a los alumnos y a los espectadores y para compartir las vivencias de los aspirantes a artistas, ya sea sus avances en los estudios, la composición de canciones y la creación de bandas de música, la rebeldía que muestran algunos de ellos ante la disciplina de la escuela o el peligroso juego con la droga, temas, como recordaréis, en los que se basaba el argumento de la serie y propios de la época en la que esta fue emitida.

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Y si algo destaca con mucho en el musical son las voces que integran el reparto, que alcanzan en general una muy buena nota, destacando entre todas las de Dianne Kaye y Clara Peteiro, que dan vida a las alumnas Katz y Carmen respectivamente. Una potencia musical que permite al público asistente enloquecer con la interpretación del tema insignia del musical, el archifamoso Fame, interpretado en su versión original por Irene Cara.

El montaje convierte el escenario del Apolo en el interior de la Escuela de Enseñanza Artística más famoso de la televisión y convence a la hora de trasladarnos a la ficción. Si bien a veces el espacio se queda algo pequeño, sobre todo en las coreografías en las que participa el elenco de actores y actrices y el cuerpo de baile al completo.

Y por lo que respecta a las actuaciones y las canciones, Fama el Musical consigue hacer revivir las emociones que todos y todas sentimos en los 80 enganchados a la serie de televisión, aunque el casting no sea, en algunos casos, el más apropiado, y no por la falta de esfuerzo de la dirección interpretativa y musical de la obra, que ha conseguido dar forma a una ficción teatral de las que dejan un buen sabor de boca al público asistente.

Así que ya lo sabéis, si queréis reencontraros en directo, en carne y hueso, con los míticos personajes de la serie, esto es, Leroy Johnson, Danny Amatullo, Doris Schwartz, Bruno Martelli o Coco Hernández entre otros, aunque en el musical posean nombres diferentes, y rememorar su periodo de aprendizaje artístico y de vacilantes sueños juveniles en la High School for the Performing Arts de Nueva York, no os podéis perder Fama el musical, no os decepcionará.

«Fama El Musical» se representa en el teatro Apolo del 8 de octubre de 2021 hasta el 15 de enero de 2022.

Idea original: David De Silva
Traducción y adaptación: Jorge Arqué, Félix Ortiz, Salvador Toscano
Dramaturgia: José Fernández
Dirección artística y coreografía: Coco Comin
Dirección musical: Pablo Salinas
Música: Steve Margoshes
La canción “FAME” escrita por Dean Pitchford y Michael Gore
Letras: Jacques Levy
Reparto: Raudel Raúl, Clara Peteiro, Betty Akna, Meritxell Valencia, Andrea Malagón, Dianne Jacobs, Alexandre Ars, Dídac Flores, Pablo Raya, Morena Visci, Macarena Fuentes, Bernat Mestre, Miquel Malirach, Joan Martínez, Queralt Albinyana, Antonio Buendía, Ferrán González

Horarios y precios: Web Fama el musical
Duración: 165 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 7,9
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Jorge Pisa