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Teatro

Las irresponsables: Cuando una escapada entre amigas se convierte en una auténtica locura

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¿Qué ocurriría si, durante un fin de semana, decidiéramos dejar de lado todas aquellas normas que habitualmente nos impiden hacer lo que realmente nos apetece? ¿Hasta dónde llegaríamos si durante unas horas desaparecieran el sentido común, la prudencia y el miedo a las consecuencias? Sobre estas preguntas se construye “Las irresponsables”, la comedia de Javier Daulte que llega al Teatro Maravillas de Madrid bajo la dirección de Marta Poveda, quien también comparte escenario con Eva Ugarte y Angy Fernández.

La historia comienza con una situación aparentemente sencilla. Lila, una mujer de cuarenta años que acaba de ser abandonada por su pareja, necesita desconectar y sus amigas Núria y Fabi, esta última su hermana, deciden llevársela durante un fin de semana a una casa que unos conocidos les han prestado. El único encargo que reciben parece bastante fácil de cumplir: deben vigilar que el perro de los vecinos no haga sus necesidades en el jardín.

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Lo que comienza como una escapada destinada a ayudar a una amiga acaba convirtiéndose en una cadena de decisiones en la que cada personaje empieza a enfrentarse con sus propios deseos, contradicciones e impulsos. Las protagonistas van dejando progresivamente atrás las convenciones que normalmente regulan nuestro comportamiento y descubren que una pequeña decisión puede conducir a otra mucho más complicada.

“Las irresponsables” utiliza así la comedia para hablar de cuestiones bastante reconocibles: la amistad, la necesidad de sentirse acompañado en los momentos difíciles, los deseos que normalmente mantenemos ocultos y la tensión entre aquello que queremos hacer y aquello que consideramos que deberíamos hacer.

La puesta en escena está dirigida por Marta Poveda, que además interpreta a una de las protagonistas junto a Eva Ugarte y Angy Fernández. La producción corre a cargo de Verteatro, Smedia, Focus, Bitó Producciones y Secuencia 3.

“Las irresponsables” propone, en definitiva, una escapada que comienza como una terapia de amistad y termina poniendo a prueba los límites personales de sus protagonistas. Una comedia sobre esas pequeñas fronteras que separan el deseo de la decisión, la diversión de las consecuencias y la amistad de la complicidad. Una oportunidad para sentarse en el patio de butacas y hacerse una pregunta que quizá sea mejor no responder demasiado rápido: ¿qué haríamos si durante un fin de semana pudiéramos dejar de ser responsables?

«Las irresponsables» se representa en el Teatro Maravillas de Madrid del 4 de septiembre al 29 de noviembre de 2026.

Autoría: Javier Daulte
Dirección: Marta Poveda
Reparto: Marta Poveda, Eva Ugarte y Angy Fernández
Género: Comedia

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 16 €
Duración: 90 minutos
Aviso: el espectáculo utiliza luces estroboscópicas que pueden afectar a personas con fotosensibilidad

Teatro

Crítica teatro: L’òpera de tres rals, en el Teatre Lliure

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El teatro nunca ha sido ajeno a la realidad que le rodea y se ha alimentado desde sus primeros pasos en la antigua Grecia de los problemas, las dificultades, los sueños y las ilusiones de la sociedad como nutriente básico. Es por eso que en una época como la actual una versión de La ópera de los tres centavos de Bertolt Brecht es más que necesaria. Y la versión del Teatre Lliure, dirigida por Marta Pazos, nos propone una apuesta escénica atrevida a la par que arriesgada.

“Mackie el Navalla, el criminal más temido de Londres, se casa en secreto con Polly Peachum, la hija de los usureros que controlan el negocio de los mendigos de la ciudad. Los Peachum, furiosos, moverán hilos para encarcelarle, sin saber que Mackie cuenta con un aliado inesperado: Tigre Brown, jefe de la policía. En un mundo en el que la frontera entre el crimen y el poder es puramente cosmética, todo el mundo tiene un precio y la supervivencia es el único principio moral que cuenta”.

Lo primero que cabe hacer en esta crítica es felicitar al Teatre Lliure y al Festival Grec de Barcelona por plantear una apuesta tan atrevida como la que nos presentan, aun a sabiendas de que podía herir algunas sensibilidades teatrales o despertar los recelos de más de uno. Y no es para menos: la propuesta se atreve a actualizar un clásico del siglo XX cuyo ADN está profundamente marcado por la crítica al capitalismo, las desigualdades que este genera y el inquietante trasfondo del ascenso del nazismo. ¿Y qué mejor escenario para ello que una historia ambientada en los bajos fondos, donde ladrones, mendigos, prostitutas y poderosos confluyen en un relato que mezcla, a partes iguales, instintos, odios, ambición y realidad?

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La valentía de Marta Pazos en la dirección escénica queda patente en el escenario, la caracterización y la interpretación. El drama de L’òpera de tres rals se nos plantea sobre un fondo de color gris, como la realidad que nos muestra, en la que el líder de una banda de ladrones y el corrupto jefe del “negocio” de los mendigos guían el drama. De ese gris solo destacan, como contrapunto, algunos trazos de colores que contradicen la naturaleza de la historia que nos es narrada.

Al esfuerzo de caracterización, con los pobres convertidos en palomas, esto con un clara referencia a la situación social de la mayoría de los personajes, se le suma una actuación afectada en la que el reparto, encabezado por Nao Albet, Marta Bernal, Eduard Farelo y Miriam Moukhles, marcan físicamente la realidad de los personajes, consiguiendo así, en parte, deshumanizarlos. Y todo ello enmarcado en un escenario vacío o casi vacío rodeado por gradas circulares que evocan el teatro del mundo, ese en el que día a día nos movemos los espectadores.

El resultado de todo ello es una crítica social bien ideada, bien dirigida y bien interpretada a la que solo se le puede reprochar su excesiva duración, dos horas y 45 minutos, aunque esta sea debida a la creación original de Brecht y Kurt Weill.

Aun así, L’òpera de tres rals nos permite ser conscientes de que nuestros problemas de ahora, esto es, la precariedad económica, el cada vez más difícil acceso a la vivienda, la corrupción política, o la desigualdad social entre otros, no son una “cosa de ahora”, sino que es algo connatural a la humanidad, y que aunque el final artificial e improbable de la obra solucione la papeleta a Mackie el Navalla, en la vida real tan solo la reivindicación y la lucha permitirán crear una sociedad más justa en la que todos y todas tengamos, al menos, una oportunidad.

“L’òpera de tres rals” se representa en el Teatre Lliure del 17 de septiembre al 11 de octubre de 2026

Escenografía: Marta Pazos
Traducción: Marc Rosich
Reparto: Nao Albet, Roc Bernadí, Marta Bernal, Arnau Boces, Pablo Capuz, Marc Domingo, Joan Esteve Matthias, Eduard Farelo, Clara Mingueza, Miriam Moukhles, Biel Rossel, Júlia Truyol
Vestuario: Agustín Petronio
Caracterización: Johny Dean
Iluminación: Nuno Meira
Espacio Sonoro: Hugo Torres
Coreografía: Mabel Olea
Producción: Teatre Lliure y Festival Grec de Barcelona

Horarios: de miércoles a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: de 14€ a 32€
Duración: Primera parte 1 h 05’ / pausa 15’ / segunda parte 1 h 40’
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El hijo de la cómica, en el Teatro Romea

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El teatro, el buen teatro, a veces hace acto de presencia. Aquella función en la que uno nota una vibración, una conexión que revela que todo está saliendo bien y que estás disfrutando de la representación. Esa sensación es reconocible en El hijo de la cómica, la obra de teatro interpretada por José Sacristán en el teatro Romea basada en las memorias de Fernando Fernán-Gómez.

La propuesta, adaptada, dirigida e interpretada por Sacristán no pretende, ni mucho menos, apabullar, tan solo rememorar los años de infancia y juventud de Fernando Fernán-Gómez, basándose en su libro de memorias «El tiempo amarillo 1921-1943», un retazo de la historia de un país y de una sociedad que se encaminaba poco a poco hacia la barbarie.

Sin embargo, la obra no pretende relatarnos la historia de España a mediados del siglo XX. O mejor dicho, sí, pero a través de los miembros de una familia humilde, la de Fernán-Gómez, que utiliza como espejo para hablarnos de esa época. Y lo hace principalmente a través de las mujeres que marcaron en sus inicios la vida del actor, autor y director de cine, esto es, su abuela y su madre, la cómica a la que hace referencia el título de la obra.

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Sacristán ha condensado en 80 minutos una época y una forma de vida ya desaparecida y lo ha hecho de una forma exquisita, con un monólogo en el que su actuación es la clave de todo. Un arte de actuar, por cierto, esculpido a lo largo de toda una vida y que permite al actor enfrentarse a cualquier proyecto escénico con total garantía de éxito.

José Sacristán es Fernán-Gómez, es su madre (Carola Fernán Gómez), es su abuela, y es, como he dicho, el vivir de una época cada vez más lejana y extraña en un mundo como el nuestro acelerado y artificial.

Esperad, pues, un escenario casi vacío, con una pocas sillas y diversos cachivaches, pero que está lleno de teatro y esperad, también, un José Sacristán magistral que se confunde las más de la veces con su amigo Fernando Fernán-Gómez, tanto es así que el público puede llegar a dudar en algún momento sobre qué personaje se basa realmente la obra. Sacristán pone todo su empeño en ello, para darnos a conocer episodios de la vida de un comediante y de una sociedad anclada en el pasado.

La única concesión a la modernidad es la gran pantalla digital que acompaña el relato de Sacristán, con toda una serie de imágenes que contextualizan visualmente lo que dice. A parte de eso solo está Sacristán que, de nuevo, hace levantarse en un aplauso final a todo el público asistente, fuera de la fecha del estreno, algo que, os puedo asegurar, no es ni mucho menos habitual.

Así que ya lo sabéis, El hijo de la cómica no os propone un gran musical con temas tarareados por todos, no ambiciona impactaros con grandes tramas escénicas ni con giros inesperados, tan solo pretende que un gran actor hable sobre otro gran actor, y a través de sus vivencias hacernos revivir una época en la que la vida era otra cosa, algo muy diferente de lo que es hoy en día, un vestigio del pasado, pero un ejemplo, también de buen teatro.

“El hijo de la cómica” se representa en el teatre Romea del 2 de septiembre al 4 de octubre de 2026.

Basado en: El hijo de la cómica de «El tiempo amarillo 1921-1943» de Fernando Fernán-Gómez
Adaptación y dirección: José Sacristán
Intérprete: José Sacristán
Escenografía audiovisual: Juan Estelrich
Vestuario y atrezo: Picaporte
Iluminación: Tatiana Reverto
Producción: Pentación Espectáculos

Horarios: de martes a sábado a las 19:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 22,05€
Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Teatro

El otro lado de la cama: amor, sexo, mentiras y música sobre el escenario del Teatro Nuevo Alcalá

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¿Qué ocurre cuando el amor, la amistad y el deseo deciden dejar de respetar las reglas? Esa es la pregunta que vuelve a plantear El otro lado de la cama, la comedia musical basada en el célebre guion cinematográfico de David Serrano que llega de nuevo al escenario del Teatro Nuevo Alcalá de Madrid. Una historia de parejas, amistades, infidelidades, secretos y celos que recupera el espíritu de una de las películas españolas más populares de comienzos de los años 2000 y lo transforma en un espectáculo teatral lleno de humor, canciones y enredos. El montaje que está dirigido por Joan Olivé y ha sido adaptado para la escena por Borja Rabanal, estará en cartelera hasta el próximo 25 de octubre.

La historia comienza con dos parejas aparentemente felices. Paz y Ernesto están juntos, mientras Natalia y Guillermo forman la otra pareja y los cuatro mantienen una estrecha amistad. Pero la aparente estabilidad dura poco. Natalia se enamora de otro hombre y decide abandonar a Guillermo. Este, desconcertado y abatido, busca apoyo en Ernesto, su mejor amigo. Lo que no sabe es que precisamente Ernesto tiene mucho más que ocultar de lo que podría imaginar. Mientras Paz cree que su relación funciona perfectamente y que ambos están a punto de comprar un piso juntos, las relaciones entre los cuatro comienzan a complicarse hasta convertir la amistad y el amor en un auténtico laberinto sentimental.

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El montaje conserva uno de los elementos fundamentales que hicieron reconocible a El otro lado de la cama: la combinación de comedia de enredo y música. Los personajes no solamente hablan de sus problemas sentimentales, sino que también cantan y bailan, convirtiendo la historia en una especie de jukebox musical en el que las canciones forman parte de la acción. La dirección musical corre a cargo de Ernest Fuster, mientras que la escenografía está firmada por David Pizarro y Rober de Arte. El resultado busca mantener el ritmo vertiginoso de una historia en la que cada nueva revelación provoca otra complicación.

El reparto actual de la obra está formado por Ariana Bruguera, Mònica Macfer, Nuria Herrero, Agustín Otón, Ricky Mata y Adrià Olay, que interpretan a los seis personajes principales. La adaptación conserva la estructura de relaciones cruzadas y el humor del texto original, pero aprovecha las posibilidades del directo: la proximidad entre actores y espectadores, la música interpretada sobre el escenario y la energía propia de una comedia que necesita del ritmo para que los equívocos se sucedan a toda velocidad. Y hay además un componente de nostalgia generacional que puede resultar especialmente atractivo para quienes recuerdan la película original.

El otro lado de la cama se representa en la Sala 2 del Teatro Nuevo Alcalá, en Madrid. Una oportunidad para volver a meterse en el universo de una historia que convirtió los enredos sentimentales en canciones y que ahora busca una segunda vida sobre el escenario.

«El otro lado de la cama» se representa del 27 de agosto al 25 de octubre de 2026 en el Teatro Nuevo Alcalá.

Dirección: Joan Olivé
Autoría: David Serrano
Adaptación: Borja Rabanal
Dirección musical: Ernest Fuster
Reparto: Ariana Burguera, Ana Villar, Mònica Macfer, Nuria Herrero, María Petri, Agustín Otón, Ricky Mata, Adrià Olay
Escenografía: David Pizarro, Rober de Arte
Iluminación: Néstor González
Sonido: Néstor González
Vestuario: Anna Comma
Producción: Articulos de conya

Teatro

Crítica teatro: La fortaleza, en el Teatre Lliure Gràcia

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El teatro clásico es el pilar sobre el que se puede construir la realidad escénica de cualquier obra. No por otra la Compañía Nacional de Teatro Clásico encargó a Lucía Carballal una actualización de una dramaturgia de El castillo de Lindabridis de Calderón de la Barca, que ha dado como resultado La fortaleza, una obra de reflexión sobre la figura de un padre ausente y el peso de la tradición y la familia.

“¿Cómo se relaciona la autora, que, como Lindabridis, perdió a su padre, con esta historia fantástica? Lo hace de la mano de tres actrices, Natalia Huarte, Mamen Camacho y Eva Rufo, que reflexionan sobre la paternidad y la ausencia en una propuesta autoficcional. En ella, Carballal rastrea la figura de un padre ausente, arquitecto de profesión, a través de los edificios que construyó y, al mismo tiempo, se interroga sobre el sentido del teatro clásico —y de la tradición— en nuestro tiempo. La herencia, ya sea material o inmaterial; aquello que recibimos de nuestros padres o el patrimonio cultural que nos legan las generaciones anteriores son algunos de los temas que atraviesan La fortaleza”.

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Carballal nos propone para este Grec 2026 una reflexión basada en El castillo de Lindabridis, que la autora convierte en La fortaleza, un término con más de un sentido figurado que incluye desde los recuerdos y el patrimonio familiar hasta la capacidad de superación que vamos desarrollando cada uno y cada una de nosotros a lo largo de la vida.

Por eso, como en la obra de Calderón, la ausencia de la figura del padre marca el desarrollo de la representación y las reflexiones de la protagonista, interpretada por tres actrices que consiguen transmitir al público de una forma atrevida a la par que emotiva los recuerdos, los anhelos y las heridas que va dejando la vida a medida que la vamos viviendo y vamos creando nuestros elementos de resistencia, esa fortaleza que da título a la obra.

Y para ello no se necesita nada más que el arte escénico que atesoran las tres protagonistas, un guion que sabe extraer de la vida las reflexiones más sustanciales y un escenario vacío o casi vacío que permite a los espectadores centrar la atención en lo qué se dice y cómo se dice.

La fortaleza es, así, un guiño con el ojo tanto a una obra de referencia, El castillo de Lindabridis, como al público en su conjunto, un propósito que muestra cómo una obra clásica se puede transmutar en una propuesta actual que extrae de los agravios vitales que todos arrastramos a lo largo de la vida una enseñanza, que es justamente esa, la de que todos y todas tiramos hacia adelante superando tanto lo bueno como lo malo, aquello que al final nos hace ser como somos. Una clase de teatro vital que nos deja un poso con el cual enriquecer nuestro criterio, una intención en sí nada desdeñable.

«La fortaleza» se representó en el Teatre Liure Gràcia el 9 y el 10 de julio de 2026.

Dramaturgia y dirección: Lucía Carballal
Interpretación: Mamen Camacho, Natalia Huarte, Eva Rufo
Escenografía y vestuario: Pablo Chaves Maza (AAPEE)
Iluminación: Pilar Valdelvira (AAI)
Diseño de sonido: Benigno Moreno
Vídeoescena: Elvira Ruiz Zurita
Texto videoescena: Pablo Carballal

Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Primera Llei de Newton, en La Villarroel

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La vida en un instituto es dura, esto no lo podemos obviar. La diversidad y la complejidad de la misma sociedad hace que las realidades / experiencias que se viven en un centro de educación secundaria pueda ser, para alumnos y también para profesores, una tarea dura. De ahí que el teatro se interese por la realidad educativa con el estreno el pasado 1 de julio de Primera Llei de Newton, una obra que trata el conflicto que acontece en un instituto en relación al comportamiento tramposo de un alumno.

«Un instituto de alta complejidad, recientemente premiado por su proyecto educativo, se ve sacudido por un conflicto que pone en crisis su discurso de oportunidades.
A pocos días del claustro final, se descubre que Izan, un alumno a punto de graduarse, ha copiado sistemáticamente los exámenes de una asignatura. La tensión aumenta cuando la madre de Izan se presenta en el instituto para solicitar un certificado que garantice que su hijo obtendrá el título de la ESO, al mismo tiempo que el centro recibe la visita de una joven influencer interesada en la historia de éxito del instituto».

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Primera Llei de Newton es una obra que toca diversos temas relacionados con la educación de los más jóvenes. Eu Manzanares, con un muy buen ojo clínico, ha creado una realidad escénica que nos obliga a contemplar la “dura” realidad que se vive en nuestros institutos. Una situación particular, el comportamiento tramposo de un alumno y su actitud chuleta, obliga a los profesores a discutir sobre si este se merece o no el título de estudios secundarios para poder ser fichado por un club de futbol, que le puede solucionar la vida a él y a su familia. Como veis, el dilema está servido.

A través de discusiones, flashbacks y algunas escenas de alta tensión, la obra abre un debate tragicómico sobre la sociedad en la que vivimos y nos pregunta sobre si «el todo vale», aunque no sea legal o correcto, es la mejor forma de solucionar los problemas de la vida. Para ello se necesita un guion de altura, obra de Manzanares, que nos encamine hacia el debate sin prejuzgar el comportamiento de los diversos personajes, y que posea la tensión necesaria para mantener el interés del espectador a lo largo de la representación.

Pero todo ello no conseguiría el efecto requerido si el reparto de actores y actrices no estuviera a la altura. Y lo está!! Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun y Max Vilarrasa dan en el clavo en sus interpretaciones, dando vida a los profesores que han de decidir sobre el futuro del alumno fullero; la madre del mismo, que ha de defender la actuación de su hijo, como cualquier buena madre, y la posibilidad de que consiga el certificado de estudios que le abra las puertas de la promoción social; o la joven influencer que se sentirá amenazada en un barrio muy alejado de sus estándares sociales. Un elenco dirigido con maestría por Nelson Valente, que sabe darle a la representación la compostura adecuada.

Primera Llei de Newton es una de esas obras que se revuelve en la actualidad y que sin duda nos obliga, una vez salidos del teatro, a debatir con nuestros acompañantes y si es posible, a opinar… ¿Es lícito hacer trampas cuando el sistema es injusto?

“Primera Llei de Newton” se representa en La Villarroel del 1 de julio al 2 de agosto de 2026.

Autoria y adjunta a dirección: Eu Manzanares
Dirección: Nelson Valente
Reparto: Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun, Max Vilarrasa
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Zaida Crespo
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: David Solans
Caracterización: Toni Santos
Producción: La Villarroel, Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: miércoles y viernes a las 19:30 horas; jueves a las 17:30 y a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 24,10€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El retrat de Dorian Gray, en el Teatre Romea

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Llegamos, sin duda, a una de las joyas de este Grec 2026, que no es otra que la versión de El retrato de Dorian Gray que el pasado 30 de junio se estrenó en el Teatre Romea, con una Àngels Gonyalons en estado de gracia.

“Àngels Gonyalons se pone en la piel de Oscar Wilde para defender El retrato de Dorian Gray de los ataques de la crítica de su tiempo, y es a través de su voz que vemos a todos los personajes de la controvertida novela. Ella es Dorian, el joven que siente envidia de la belleza de su propio retrato y hace un pacto con el diablo para conservar eternamente la juventud. Ella es Basil Hayward, el pintor del controvertido retrato. Ella es Sibyl Vane, la joven actriz de la que Dorian se enamora. Pero, sobre todo, ella es Lord Henry, el dandi depravado que acompaña a Dorian en su descenso a los infiernos, mientras su retrato se va transformando monstruosamente”.

En verdad fue el título y el cartel de la obra lo que provocó interés en mi persona. Una historia acerca del peligro de la sobreestimación de la belleza. Un clásico de Oscar Wilde con un muy buen maridaje en nuestra época. Hasta que no estuve sentado en la butaca no fui consciente de la arquitectura escénica que Marc Rosich había construido con la obra original y lo bien que casaba con un formato de pequeño musical.

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Del acierto en gran parte es responsable Àngels Gonyalons, cuya veteranía le permite interpretar a todos los personajes principales de la obra con un suave gesto o un simple cambio de tonalidad en la voz. Así que Gonyalons es Dorian, es Basil Hayward, es Sibyl Vane y es Lord Henry, o lo que es lo mismo, consigue hacer creíble un monólogo plural tocado con la magia de diversos temas musicales, que proveen a la representación una sensibilidad soberbia.

Gonyalons está acompañada por un trío vocal interpretativo y musical integrado por Jordi Vidal, Pau Oliver i Pol Blancafort que actúa como un coro clásico para ayudar al avance de la representación, y por un quinteto musical que interpreta la música en directo compuesta por Jordi Cornudella con un carácter íntimo que enlaza perfectamente con la representación de la obra.

Todo en El retrat de Dorian Gray es sedoso y agradable al tacto, con una Gonyalons en estado de inspiración que solo necesita de su dominio sobre el escenario para hacer creíble una historia sobre el culto a lo bello, a lo físico, que se materializa en el cuadro de Dorian Gray y que nos permite ver, a través de los ojos de Oscar Wilde, lo peligroso de centrar nuestros apetitos tan solo en lo material, subsistiendo con vidas vacías que no llevan a ninguna parte, y que por ello son más controlables.

Felicidades al Festival Grec y a Focus, que han sabido dar en el clavo en la elección de la obra y a la hora de darle una tonalidad escénica inmejorable.

«El retrat de Dorian Gray» se representa en el Teatre Romea del 30 de junio al 2 de agosto de 2026.

A partir de la obra de Oscar Wilde
Dirección de escena y dramaturgia: Marc Rosich
Dirección musical y composición: Jordi Cornudella
Intérpretes: Àngels Gonyalons, Jordi Vidal, Pau Oliver, Pol Blancafort
Músicos: Leos Quintet
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Joana Martí
Iluminación: Bernat Jansà
Espacio sonoro: Jordi Ballbé
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea y Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 19:30 horas; sábados a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 27,50€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: L’Albada, en el Teatre La Biblioteca

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El teatro y la historia han mantenido desde siempre un abrazo muy intenso, que ha provisto a los escenarios de grandes historias y retratos históricos más o menos remedados. L’Albada, producida por La Perla 29 y el Festival Grec 2026, nos propone, sin embargo, otro tipo de juego basado en un rompecabezas en el que la Guerra Civil Española y los dramas que se vivieron en ella tienen un papel protagonista.

“Durante la preparación de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92, Alba (Clara Mir) está terminando la carrera de Historia y emprende una investigación que la llevará más allá de lo que nunca hubiera podido imaginar. Guiada por un buen profesor (Ramon Vila) de la universidad y acompañada por otro joven historiador que busca sus orígenes sin descanso (Jaume Viñas), se adentrará en la historia más oscura de la España moderna y trazará un camino que la llevará desde la Guerra Civil hasta la euforia olímpica.

L’Albada, escrita por Jaume Viñas y dirigida por Oriol Broggi, nos presenta una historia compleja en la que la historia reciente de España y la investigación histórica están muy presentes. Y si hay un tema protagonista en la historia reciente de España no es otro que el de la Guerra Civil. En esta ocasión, Alba, una estudiante de Historia, inicia una investigación sobre unos milicianos anarquistas que la llevará, poco a poco, a descubrir no solo cómo vivieron ellos el final de la guerra, sino, también, sus propios orígenes.

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Para ello Viñas ha creado una arquitectura guionística compleja en la que veremos cómo dos tiempos históricos confluyen para mostramos un mapa vital de recuerdos, memoria, olvidos y silencios que recorren las venas de todos los personajes de la obra. Una representación que intenta mantener la atención del público a través de una espesura de secuencias, flashbacks y crónicas escénicas que se irán intercalando entre ellas, y que guiarán y a veces dificultarán el descubrimiento de la verdad escénica e histórica.

Y es que hablar de la Guerra Civil y de las consecuencias que esta tuvo en nuestra historia reciente es un propósito en sí mismo complicado y en muchos casos socavado por capas de miedo, vergüenza y silencio, caminos por los que habrán de transitar los protagonistas de la obra. Un reparto que en gran medida es coral, y en el que el buen hacer de once actores y actrices permitirá hacer creíble una historia en la que el drama y las pérdidas están muy presentes. Desde un profesor de historia implicado, a una estudiante de fin de carrera con traumas de infancia, a hombres y mujeres trágicamente afectados por la guerra. Un puzle de memoria y olvido que resume las vivencias de una época muy reciente incluso a principios del siglo XXI.

Si bien, aunque el propósito es digno y voluntarioso, el resultado escénico es demasiado complejo, con múltiples historias que se entrelazan y a las que el espectador ha de estar muy atento, creo que demasiado. Además, la acumulación de historias hace que la obra se alargue hasta 3 horas y 40 minutos, una extensión que no está al alcance de la atención de todos los públicos.

Aún así, L’Albada es un portento en muchos aspectos, y aunque partidista en su confección, es una propuesta que nos obliga a reflexionar sobre nuestro propio pasado más reciente. Y en un mundo en el que la guerra y los conflictos políticos están en auge, y las opciones políticas de ultraderecha están consolidándose, vale la pena repensar las consecuencias que tiene una guerra, cualquiera, y en las vidas que quedan afectadas por ella durante generaciones.

“L’Albada” se representa en el Teatre La Biblioteca del 25 de junio al 30 de julio de 2026.

Autoría: Jaume Viñas
Dirección: Oriol Broggi
Reparto: Cristina Arenas, Patrícia Bargalló, Joan Marmaneu, Clara Mir
Noël Olivé, Eduard Paredes, Maria Ribera, Oriol Ruiz Coll, Ismael Sempere, Ramon Vila, Jaume Viñas
Vestuario: Gina Moliné
Espacio y escenografía: Oriol Broggi i Yaiza Ares
Sonido: Òscar Camí i Oriol Broggi
Producción: La Perla 29 y el Grec Festival de Barcelona 2026

Horarios: Ver web La Perla 29
Precio: a partir de 30€
Duración: 3 horas y 40 minutos (con intermedio)
Idioma: catalán / castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: La promesa, en el Teatre Borràs

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A veces el teatro es tan solo teatro, es la voluntad de disfrutar de un divertimento, de unas risas o, incluso, de unos recuerdos del ayer. Mucho de esto es lo que propone La promesa, en el teatre Borràs, una comedia, a veces algo trágica, escrita por Yago Alonso y Silvia Navarro y dirigida por Pau Roca.

“Cinco amigos acomodados se encuentran una vez más para compartir una noche temática de los años 90 con un punto de partida: el momento en el que se conocieron siendo casi unos niños. La fiesta es un éxito, pero lo que debía ser una noche de diversión y nostalgia cambia radicalmente cuando Paula, la organizadora, confiesa que el vino que han tomado está envenenado. ¿Por qué lo ha hecho? ¿Por qué ella también ha bebido? ¿Qué más tiene preparado Paula para esa noche?”

La Promesa será un divertimento para muchos y muchas y una decepción para muchos otros y otras. La propuesta comienza con una selección de grandes hits de los 90, con los que una vez llegados los invitados a la fiesta el público disfrutará de temas icónicos de la década e incluso de algunas de sus coreografías. Si bien, a medida que avanza la trama la temática irá virando hacia la intriga que está relacionada con el mismo título de la obra, esto es, por las consecuencias de un acontecimiento de la juventud de los protagonistas que finalizó trágicamente con una promesa. Es alrededor de este segundo tramo de la representación en el que se cuece el meollo del asunto y en el que se harán evidentes las trazas de reflexión social de La promesa.

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Por desgracia la obra es en sí poco creíble. El guion de La promesa es en gran medida artificioso, escrito con la voluntad de crear una obra en dos tramos que incluye una parte inicial de nostalgia musical generacional y una segunda parte que mezcla juego e intriga y que oscila entre la comedia y la tragedia. De ahí, que aún con el esfuerzo de los actores y las actrices y la mano experimentada de Pau Roca en la dirección, no se alcance el efecto teatral requerido.

El reparto, que incluye a Eduard Buch, Marc Rodríguez, Clara Altarriba, Mercè Martínez y Eduardo Lloveras, suma positivos en la interpretación coral. Sin embargo, la pieza que no está a la altura de las circunstancias es el guion, que muestra una variabilidad que le hurta consistencia a la representación. Aún así, las risas y las carcajadas están aseguradas, ya que lo disparatado de la situación, que incluye un intento de envenenamiento y la búsqueda embrollada del antídoto al estilo yincana, permitirá a los actores explotar la vertiente más cómica de la trama.

Así, pues, La promesa es un divertimento con afán de crítica social, aunque, seguro, los espectadores recordarán más a la salida del teatro la comicidad de las diversas situaciones que no la reflexión que la propuesta intenta acometer.

“La promesa” se representa en el teatre Borràs del 23 de mayo al 12 de julio de 2026

Autoría: Yago Alonso y Silvia Navarro
Dirección: Pau Roca
Intérpretes: Eduardo Lloveras, Eduard Buch, Marc Rodriguez, Carol Rovira, Mercè Martinez
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Producción: Sixto Paz, Focus
Espacio Sonoro: Marti Maymó

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 19:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 25,40€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Teatro

La Promesa: secretos, nostalgia noventera y humor negro en el Teatre Borràs

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El Teatre Borràs de Barcelona presenta La Promesa, una comedia cargada de humor negro, tensión y nostalgia noventera que convierte una aparente reunión de amigos en una inesperada noche de confesiones y cuentas pendientes. Escrita por Yago Alonso y Silvia Navarro y dirigida por Pau Roca, la obra apuesta por un ritmo ágil y una combinación de misterio y sátira generacional que conecta rápidamente con el público.

La historia arranca durante una fiesta temática ambientada en los años 90. Entre música, disfraces y recuerdos compartidos, un grupo de amigos revive viejos tiempos hasta que Paula, la anfitriona, lanza una confesión que cambia por completo el rumbo de la velada: ha envenenado a todos los asistentes. A partir de ese instante, la función se convierte en un juego de revelaciones, reproches y secretos ocultos.

La promesa_1

A medida que avanza la trama, los personajes se enfrentan no solo al miedo y la incertidumbre, sino también a las frustraciones acumuladas durante años. La obra utiliza el humor negro para reflexionar sobre la amistad, las expectativas incumplidas y las promesas personales que muchas veces quedan enterradas bajo el peso de la vida adulta.

Con La Promesa, el Teatre Borràs ofrece una comedia contemporánea que mezcla entretenimiento, misterio y crítica emocional en una función tan divertida como incómodamente reconocible para toda una generación.

«La promesa» se representa en el teatre Borràs del23 de mayo al 12 de julio de 2026

Autoria: Yago Alonso y Silvia Navarro
Dirección: Pau Roca
Intérpretes: Eduardo Lloveras, Eduard Buch, Marc Rodriguez, Carol Rovira, Mercè Martinez
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Producción: Sixto Paz, Focus
Espacio Sonoro: Marti Maymó

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 19:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 25,40€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán