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Exposición: Zuloaga, Goya y Aragón: La fuerza del carácter, en La Lonja de Zaragoza

Hoy os recomendamos en Culturalia la muestra Zuloaga, Goya y Aragón, expuesta en la Lonja de Zaragoza hasta el próximo 8 de enero, una muestra que pretende ahondar en las sinergias que emanan de la relación entre Zuloaga y Goya, tanto a través de sus obras como de sus perfiles biográficos, prestando una particular atención al referente aragonés.

Esta muestra parte de la fascinación que Ignacio Zuloaga sintió hacia Francisco de Goya, sentimiento que plasmó de diversas formas: conmemoraciones, investigación, restauración, pedagogía, coleccionismo, colaboración en espectáculos goyescos de ópera y tauromaquia… Una dedicación que se convirtió en pasión, y que duraría toda su vida. Zuloaga ya copió una obra de Goya con dieciséis años, durante su primera visita al Museo del Prado, pero cumplidos los treinta se erigió en experto sobre su obra, adquirió algunos cuadros suyos, autentificó otros y asesoró a coleccionistas sobre Goya, reuniendo además numerosos libros, fotografías, postales y documentos sobre el maestro.

Una exposición inédita, de gran envergadura, destinada al gran público y a los expertos en arte y en historia de España, que incluye un total de 192 obras (óleos, dibujos, acuarelas, esculturas, documentación y diversos elementos de artes decorativas), de las cuales 39 son de Ignacio Zuloaga y 18 de Francisco Goya, además de obras de Daniel Zuloaga y otros autores. Un espacio expositivo, presidido por el cuadro La víctima de la fiesta (flanqueada por dos proyecciones inmersivas), y que se divide en los siguientes apartados:

1 – Admiración por Goya
2 – Los Goya y los Zuloaga. Orígenes familiares
3 – La inquietud político-social
4 – Clientes
5 – Diversiones y espectáculos
6 – Metáfora de España
7 – Ansó, Fuendetodos y el paisaje Aragonés
8 – Ignacio Zuloaga y los pintores aragoneses

Se trata de una gran retrospectiva monográfica, ordenada temáticamente, que cuenta con obras procedentes de 31 colecciones.

Exposición: Zuloaga, Goya y Aragón: La fuerza del carácter

Sala de Exposiciones La Lonja
Pza. Nuestra Sra. del Pilar, s/n / calle Don Jaime I, 47

Horarios:
de martes a sábado de 10:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 21:00 horas
Domingos y festivos: de 10:00 a 14:30 horas
Cerrado: Lunes 25 de diciembre y 1 de ener

Precio: entrada gratuita

Más información: https://www.zaragoza.es/sede/servicio/cultura/evento/240016

Exposición: Vampiros, La evolución del mito, en CaixaForum Barcelona

CaixaForum Barcelona inaugura la exposición Vampiros, La evolución del mito, que permanecerá abierta hasta el 31 de enero de 2021.

El mito del vampiro y el cine han estado vinculados a lo largo de los siglos XX y XXI en una relación simbiótica e ilusoria. Esta exposición permite al visitante sumergirse en el mundo de los vampiros y conocer las relaciones entre las diferentes facetas de estos seres maléficos, a partir de diferentes disciplinas artísticas.

A principios del siglo XX, la recién nacida industria cinematográfica se apropió rápidamente del mito del vampiro, surgido de antiguas supersticiones griegas y árabes, extendido en Europa Central durante la Edad Media y reforzado durante el siglo XVIII en escritos científicos y en novelas del romanticismo inglés del siglo XIX. La película expresionista Nosferatu (1922), de F. W. Murnau, una adaptación libre de la novela Drácula, de Bram Stoker, se convirtió en la obra fundamental de la relación entre el cine y el mito del vampiro.

Desde entonces, el cine y el vampirismo han estado vinculados en su aproximación sobre el personaje y representan dos facetas de una misma narrativa estética. Muchos de los grandes cineastas han sucumbido a la tentación de representar su propia visión del mito para transmitir algo sobre su práctica artística, como Dreyer, Browning, Tourneur, Polanski, Herzog, Coppola, Burton, Bigelow y Weerasethakul. Drácula es sin duda el vampiro más recurrente de esta historia cinematográfica, y ha contado con producciones en todo el mundo (Hollywood, Europa, México, Filipinas, Nigeria, Hong Kong, etc.).

La exposición reúne una selección de la vorágine de películas de fantasía que el mito ha propiciado, desde proyectos de vanguardia hasta blockbusters. Relata las tensiones entre el cine y este mito, consciente de las metamorfosis del vampiro que están intrínsecamente ligadas a las transformaciones del medio cinematográfico. Además de mostrar películas y obras literarias, la exposición expone una selección de apariciones del vampiro en otras disciplinas artísticas, como los collages surrealistas de Max Ernst, algunos grabados de Los Caprichos de Goya, las inquietantes pinturas del artista contemporáneo Wes Lang o la icónica imagen de Drácula interpretado por Bela Lugosi usada por Andy Warhol en su litografía titulada The kiss.

El diálogo y los encuentros entre películas y obras de arte proporcionan los fundamentos de esta exposición multidisciplinar, que coloca el cine como eje narrativo principal.

Exposición: Vampiros, La evolución del mito
Espacio: CaixaForum Barcelona
Fechas: del 29 de octubre de 2020 al 31 enero de 2021

Reabren la Colección del Museo Ruso, el Centre Pompidou y la Casa Natal de Málaga

La Colección del Museo Ruso, el Centre Pompidou Málaga y la Casa Natal abren de nuevo sus puertas desde el 26 de mayo en su horario habitual.

En los tres espacios la entrada será gratuita durante la primera semana de apertura para el público en general y el personal sanitario y los miembros de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad acreditados podrán acceder a ellos de forma gratuita durante un año.

La oferta expositiva incluye:

En la Casa Natal se puede ver la exposición temporal Trozo de piel. Cela-Picasso, pasiones compartidas. Colección Gabarrón. Esta muestra presenta una historia de amistad entre dos genios, Pablo Picasso (1881-1973) y Camilo José Cela (1916-2002), entre el mayor artista del siglo XX y el premio Nobel de Literatura, dos cumbres de la cultura española. En ella se podrán contemplar documentos e imágenes que visualmente simbolizan las afinidades y pasiones compartidas por dos amigos y creadores que confluyeron en diversas colaboraciones y proyectos.

En la Colección del Museo Ruso, los visitantes pueden disfrutar de dos exposiciones temporales inéditas.

Rompiendo el silencio_El cine mudo en Rusia

Rompiendo el silencio. El cine mudo en Rusia

La Colección del Museo Ruso muestra una selección de obras artísticas que transcienden a la propia imagen y a la estética. Como vehículo de transmisión cultural, el cine ha sido durante décadas un potente medio para atraer al público, bien sea para adoctrinarlo o con un fin lúdico. Lejos de su raíz ideológica, las imágenes promocionales del cine mudo ruso se han convertido con el paso del tiempo en iconos universales. La muestra se completa con producciones estadounidenses e italianas, que darán una visión general sobre el poder de unos símbolos para captar la atención del pueblo.

Andrèi Tarkovsky_Maestro del Espacio

Andrèi Tarkovsky. Maestro del Espacio

En el Espacio 3 se puede ver una muestra sobre el director de cine Andrèi Tarkosvky, una de las figuras más importante de la filmografía universal y uno de los artistas rusos más influyentes del siglo XX. Fue el precursor de técnicas innovadoras en el cine de la época, añadiendo procesos en el montaje para hacer más dinámica la película. Además de fotogramas de sus películas e imágenes reveladoras de sus trabajos, también se pueden ver pinturas realizadas por él mismo.

De Miró a Barcelo_Un siglo de arte español

En el Centre Pompidou Málaga se puede disfrutar de la exposición semipermanente De Miró a Barceló. Un siglo de arte español.
Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí y Luis Buñuel fueron precursores de nuevas formas de ver y de crear y su legado aún perdura. Este recorrido cronológico a través de un siglo de arte español muestra que la generación de artistas contemporáneos ha mantenido vivo el espíritu de la vanguardia con una energía extraordinaria.

Medidas de Seguridad en los espacios de exposición

La Colección del Museo Ruso, el Centre Pompidou Málaga y la Casa Natal de Picasso han implantado una serie de medidas de seguridad para velar por la seguridad de los visitantes y los trabajadores de estos tres espacios.

Estas acciones se resumen en la colocación de una cámara de control termográfico; disposición de un termómetro manual para una segunda verificación; catenarias separatorias para controlar la entrada y salida del espacio, gel con solución desinfectante hidroalcohólica en los mostradores de la recepción y en varios puntos de cada centro; instalación de mamparas protectoras en los puestos de recepción o alfombras desinfectantes en la entada.

Además, se han instalado paneles informativos en los vestíbulos, con pictogramas y textos en español e inglés, en el que se hace un recordatorio sobre la necesidad de mantener el espacio de seguridad y otras medidad de protección.

El pago de la entrada se realizará de forma preferente con tarjeta o móvil, y se han dispuesto líneas pintadas en el suelo para garantizar la separación de los usuarios.

El personal del centro usará en todo momento equipos de protección, que consisten en mascarilla, visera protectora y guantes desechables.

También se ha eliminado el soporte informativo físico, como son las audioguías y los folletos de mano.

Las actividades en el salón de actos, auditorios, salas y bibliotecas están suspendidas.

Por otro lado, se incrementará la frecuencia en la limpieza y el uso de desinfectantes en los espacios comunes y espacios de exposición.

Aforo
En cuanto a los aforos, los tres espacios han tenido en cuenta el número de usuarios que pueden estar de forma simultánea en cada uno de los espacios, más allá de la restricción del 30% del aforo permitido.

Horarios:

Centre Pompidou Málaga: De lunes a domingo, excepto los martes, de 9:30 a 20:00 h

Colección del Museo Ruso: de martes a domingo de 9:30 a 20:00 h

Casa Natal: de lunes a domingo de 9:30 a 20:00 h

El Centro Botín en Santander abre de nuevo sus puertas en la Fase 1 de la desescalada

El Centro Botín en Santander abre de nuevo sus puertas para contribuir a la reactivación de la actividad cultural y para que los ciudadanos de Santander y Cantabria puedan volver a disfrutar de su propuesta artística, formativa y cultural.

La apertura del Centro Botín en la Fase 1 de la desescalada espera ayudar a la recuperación paulatina del turismo en Santander. El centro posee una fuerte vocación local ya que 140.000 cántabros tienen ya su Pase permanente, hecho este que encaja con la reorientación hacia el propio entorno que la situación de «retorno a la normalidad» después del confinamiento está provocando en museos y centros de arte de todo el mundo.

El Centro ha adaptado su funcionamiento y el desarrollo de sus actividades para que los visitantes puedan disfrutarlo de una forma tranquila y segura. Las exposiciones que en este momento se muestran son AS YOU GO (Châteaux en Espagne), del artista albanes Anri Sala; Coleccionando Procesos. 25 años de Itinerarios y la sala permanente Retratos: Esencia y Expresión.

Según el director general de la Fundación Botín, Íñigo Sáenz de Miera, “La Fundación Botín ha querido abrir el centro de arte en cuanto ha sido posible para contribuir a la reactivación de la actividad y de la economía convencida de que, ahora más que nunca, las artes pueden jugar un papel fundamental en el desarrollo personal y social”.

Con la vista puesta en esta reapertura, el Centro Botín ha adaptado su funcionamiento y el desarrollo de sus actividades para que los visitantes puedan disfrutar del arte y la cultura de una forma tranquila y segura, con un horario provisional de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas.

EXPOSICIONES ACTUALES:

Anri Sala_As You gou_Chateaux en Espagne

Sala 2: ANRI SALA. AS YOU GO (CHÂTEAUX EN ESPAGNE)
Comisario: Benjamin Weil, director artístico del Centro Botín

El albanés Anri Sala (Tirana, Albania, 1974) propone en este nuevo proyecto una reflexión sobre nuestra forma de relacionarnos con la imagen en una era caracterizada por la saturación mediática. La muestra implica una doble idea de movimiento: el inherente a una obra basada en el tiempo, que se apoya en la música y la imagen fílmica; y el del visitante, que crea una experiencia propia al entrar en la sala de exposiciones.

Coleccionando Procesos 25 años de Itinerarios

Sala 1: COLECCIONANDO PROCESOS: 25 AÑOS DE ITINERARIOS
Comisario: Benjamin Weil, director artístico del Centro Botín

El Centro Botín inauguró a finales de 2019 esta exposición que conmemora el vigésimo quinto aniversario de la serie Itinerarios, realizando para ello una cuidada selección de veinticinco artistas, antiguos beneficiarios de las Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín en estos veinticinco años de existencia, reflejando así el compromiso de la institución con el arte más reciente y dando testimonio de la historia del arte contemporáneo en el cambio de siglo.

En la muestra pueden verse obras de Lara Almarcegui, Basma Alsharif, Leonor Antunes, Javier Arce, Erick Beltrán, David Bestué, Bleda y Rosa, Nuno Cera, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Karlos Gil, Carlos Irijalba, Adrià Julià, Juan López, Ro¬gelio López Cuenca, Renata Lucas, Mateo Maté, Jorge Méndez Blake, Regina de Miguel, Leticia Ramos, Fernando Sánchez Castillo, Teresa Solar Abboud, Leonor Serrano Rivas, Jorge Yergui y David Zink Yi.

Retratos_esencia y expresion

Sala 1: RETRATOS: ESENCIA Y EXPRESIÓN
Exposición permanente

Una selección de ocho obras procedentes de la colección de arte de Jaime Botín, patrono de la Fundación Botín, se exponen de forma permanente en el Centro Botín. Cronológicamente, el conjunto refleja casi en su totalidad el arte del siglo XX, iniciándose con Figura de medio cuerpo, creada por Isidre Nonell en 1907, y cerrándose con Self Portrait with Injured Eye, pintada por Francis Bacon en 1972. Otras obras que se exponen ya en esta sala son Femme espagnole (1917) de Henri Matisse; Arlequín (1918) de Juan Gris; Al baño. Valencia (1908) de Joaquín Sorolla; Mujer de rojo (1931) de Daniel Vázquez Díaz; El constructor de caretas (1944) de José Gutiérrez Solana y Retrato de mi madre (1942) de Pancho Cossío.

Arte en pantalla en la Sala Virtual de Cine

Arte en Pantalla llega en exclusiva a la Sala Virtual de Cine con algunos de sus títulos más exitosos. Los espectadores ya pueden ver desde sus casas los primeros títulos de la colección Los Grandes del Arte en el Cine que incluye títulos como Pintores y reyes del Prado, dirigida por Valeria Parisi y con la participación de Jeremy Irons, Frida. Viva la vida dirigida por Giovanni Troilo y con participación de Asia Argento, la exitosa Caravaggio: En cuerpo y alma de Jesús Garcés Lambert, y Michelangelo de David Bickerstaff.

El público podrá acceder a las películas mencionadas por 4,99€, sólo 3,95€ aplicando el cupón de uno de los cines participantes. De esta forma, la Sala Virtual de Cine sigue sumando contenido, con la colaboración de los cines adheridos a la iniciativa, que de momento suman más de 80.

Además de las nuevas incorporaciones, también está disponible La Pasión en el arte, el nuevo título de la Temporada de arte 2019-2020. Una conmovedora película que narra no solo la mejor historia jamás contada, sino posiblemente la mejor historia jamás pintada. En este caso, La Pasión en el arte, al ser estreno reciente, está disponible en la Sala Virtual de Cine a precio de entrada normal de cine, 6,95€. También se puede ver a través de las plataformas digitales de Vodafone, Rakuten TV y Huawei Video.

Arte en pantalla en la Sala Virtual de Cine_1

La Sala Virtual de Cine está disponible en la propia web y en la App de Android, Android TV, Apple TV, IOS (con AirPlay) y en la App para iPhone e iPad. Próximamente se sumarán a la iniciativa Amazon Fire TV, LG TV y Samsung Smart TV. Los usuarios podrán alquilar las películas en www.salavirtualdecine.com, y reproducirlas en la propia web o a través de las aplicaciones (Apps) antes mencionadas, durante 72 horas y hasta en 4 dispositivos.

Sala de Cine Virtual es un espacio creado para que el público, desde sus dispositivos móviles y de forma online, pueda ver los estrenos cinematográficos programados para estrenarse en salas de cine convencional, cuyo nivel de actividad es impredecible en las próximas semanas. Es una iniciativa de A CONTRACORRIENTE FILMS, en colaboración con cuantas salas y circuitos de exhibición decidan adherirse a la misma.

De esta forma, el espectador tendrá la oportunidad de poder ver los próximos estrenos cinematográficos directamente desde sus televisores, ordenadores, tablets o teléfonos móviles sin tener que salir de sus casas, dada la situación de confinamiento recomendada en este momento por las autoridades de nuestro país.

Estreno teatral: Art, de Yasmina Reza, en el Teatro Goya

Desde el pasado 20 de octubre el Teatro Goya acoge uno de los fenómenos teatrales más internacionales: Art, de la dramaturga francesa Yasmina Reza, una adaptación firmada por Jordi Galceran y con dirección de Miquel Gorriz.

Art reúne tres grandes nombres de la escena catalana por primera vez encima de los escenarios: Pere Arquillué, Francesc Orella y Lluís Villanueva. Un cuadro en blanco y el precio de su adquisición pondrán a prueba la amistad de tres hombres que parecía imposible de romper.

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Estrenada en 1994 y ambientada en el París de finales de la década de 1980, Art es una comedia inteligente y enérgica sobre el arte y el valor de la amistad. Se ha representado con gran éxito en todo el mundo y se ha traducido a más de 35 lenguas.

Art es el segundo texto escrito por Yasmina Reza que se representará al Teatro Goya. El primero fue Un dios salvaje, interpretado por Ramon Madaula, Jordi Boixaderas, Roser Camí y Vicenta Ndongo, y que se representó en la temporada 2009-2010 de la sala.

«Art» se representa en el Teatre Goya hasta el 15 de enero de 2017.

Autora: Yasmina Reza
Traducción: Jordi Galceran
Dirección: Miquel Gorriz
Reparto: Pere Arquillué, Francesc Orella y Lluís Villanueva

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 24 – 28€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 30 minutos

Crítica teatral: Coses nostres, en la Sala Atrium.

vertic_880_0La sala Atrium es un seguro, hoy por hoy, de un teatro contemporáneo que se apropia de la realidad que nos rodea para analizarla sobre el escenario y hacernos reflexionar sobre nosotros mismos. Un nuevo ejemplo de ello es Coses nostres, la primera obra escrita y dirigida por Ramon Madaula y que nos habla del teatro, de la crítica y de la interactuación entre ambas disciplinas.

«El director de un teatro público y un reputado crítico se encuentran para hablar de «sus cosas». En el transcurso de la conversación aparecen varias cuestiones: ¿Cómo y quién determina la calidad artística? ¿La crítica tiene prejuicios? ¿El éxito o el fracaso de un espectáculo puede depender del tratamiento que le da la prensa? ¿Las ayudas públicas pueden dormir el genio? ¿Qué es más importante para un artista, el coraje o talento? Todas las preguntas tienen un “depende” como respuesta, pero todas son necesarias para ellos. Los dos hombres se necesitan. ¿Llegarán a algún tipo de pacto?»

Madaula nos propone, en su estreno como dramaturgo, un debate sobre el teatro que nos abastece de temas interesantes sobre los que reflexionar y una mirada recelosa hacia la crítica. Todo tiene lugar en el espacio de creación de un teatro público donde se han citado su director y un reconocido crítico. De ahí que se traten temas de debate que parecen ya clásicos: ¿Qué es el arte? ¿Cómo se establece la calidad artística? o si las subvenciones han amortiguado el talento artístico. Madaula trata estos temas poniéndose en parte «a favor» del creador, como no podría ser de otra forma, y aguijoneando al crítico, del que poco a poco iremos conociendo cuáles son sus desvelos y carencias, lo que nos hará dudar sobre si la crítica es objetiva o no.

1429256120De todo ello posiblemente la reflexión más interesante sea la de que, en verdad, el arte tan solo necesita que haya alguien que tenga algo que decir, un razonamiento interesante y eficaz. Si bien, la representación adopta un toque algo maniqueo, sobre todo en su segunda parte, cuando la integridad del crítico se irá resquebrajando ante nuestros propios ojos con aquel razonamiento, seguramente cruel y clásico, de que detrás de todo crítico hay un escritor frustrado. Es aquí donde el debate, hasta ese momento casi entre iguales, se convierte en la oportunidad de Madaula para desquitarse con la crítica, los juicios de la cual han afectado y afectan la carrera de cualquier artista. Algo que queda patente en el acto final de la obra, innecesario y que le roba parte de su madurez creativa.

Algo en lo que el texto tampoco acaba de atinar es en la visión que Madaula da al poder de la crítica en la actualidad. En la obra se entrevé un ecosistema de la crítica, con el gran crítico todopoderoso, que creo, y esta es una valoración personal, que o ya no existe o cada vez existe menos, ya que cada vez más la clásica crítica unidireccional y vertical se está transformado, gracias a las nuevas tecnologías, en una crítica compartida y horizontal, hecho este que le roba parte de veracidad al texto a las alturas del siglo XXI en el que estamos.

Para encarnar a los personajes de su primera obra, Madaula ha escogido a Raimon Molins que interpreta al joven director de teatro asaeteado por la última crítica recibida y a Albert Pérez, siempre correcto, en el papel del crítico, un personaje principal en el que es difícil de ver. Ambos interactúan sobre el escenario dándole a la representación el realismo que requiere. La mano de Madaula, por su parte, se deja en un texto muy personal y en la capacidad de los dos actores para apoderarse de la situación escénica.

Coses nostres es un ejercicio de análisis sobre el teatro y la crítica que aunque pone acertadamente el dedo en la llaga, no acaba de ser lo merecidamente neutral que debería, convirtiéndose, a medida que avanza la representación en algo parecido a una «pataleta» de Madaula en contra de una crítica que no siempre está a la altura de su cometido. Aún así vale la pena asistir a su representación y observar cuáles son las preocupaciones de un actor (y ahora director) con una larga carrera teatral a sus espaldas, y por tanto con algo qué decir al respecto. Diga lo que diga la crítica.

«Coses nostres» se representa en la Sala Atrium hasta el 10 de mayo de 2015.

Autor: Ramon Madaula
Director: Ramon Madaula
Reparto: Raimon Molins y Albert Pérez
Puesta en escena: Ramon Madaula
Técnico luz y sonido: Xavier Alabart
Producción: Intent Produccions

Obra ganadora del premio Recull 2014

Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:00 horas.
Precio: 19 € / Existencia de descuentos
Idioma: catalán

NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Curs: Segle XIX. El somni d’Europa. Del zenit a la barbàrie, Centre Cívic Casa Golferichs

revolucion-industrial-Us proposem un nou curs al Centre Cívic Casa Golferichs que tractarà sobre la Història d’Europa al segle XIX. Us adjuntem el temari del curs, que començarà el proper 27 de gener de 2015 i es desenvoluparà al llarg de 9 sessions.

Segle XIX. El somni d’Europa. Del zenit a la barbàrie
Del 27 de gener al 31 de març de 2015

Sessions: Dimarts de 20 a 21:30 hores

Espai: Centre Cívic Casa Golferichs (Sala A Xalet)

Professor: Jordi Pisa Sánchez

Preu: 74.60 € (IVA inclòs)

El segle XIX és l’època en la que s’imposa la modernitat a Europa. S’inicia el procés d’industrialització i s’acumulen els avenços tècnics i científics. Comença la carrera de descobriment geogràfic del món i el seu apoderament per part dels estats europeus. Les potències del passat deixen definitivament el seu lloc a d’altres que dominaran els segles XIX i XX. Una evolució i un desenvolupament que portarà a la Gran Guerra, el primer conflicte armat del segle XX i a l’inici del món contemporani.

Programació:
1. Primera sessió. Presentació i valoracions inicials.
2. Segle XIX. Una centúria de canvis i transformacions.
3. Art i ciència. Un món de possibilitats, innovacions i creativitat.
4. Europa s’apodera del món. Descobriments geogràfics, colonialisme i imperialisme.
5. L’Europa que declina: Espanya, Imperi Austrohúngar; Itàlia i Turquia.
6. L’Europa que s’imposa: Anglaterra, França i Alemanya.
7. La Gran Guerra. El conflicte que va canviar el món.
8. La crisi arriba per no marxar mai. Crisi en el món modern.
9. Les potències dominadores del present: Els EE.UU., Rússia i la Xina.

Per a més informació: Centre Cívic Casa Golferichs

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Crítica teatral: El policía de las ratas, en el Teatre Lliure.

img_9577¿Cuál es el mundo de las ratas? ¿Cómo viven? ¿Qué clase de comunidad crean? ¿Una parecida a la humana? y si es así ¿qué lugar ocupan en ella el arte o la ciencia? Estos son algunos de los temas por los que transita El policía de las ratas, la adaptación llevada a cabo por Àlex Rigola del cuento de Roberto Bolaño en cartelera en el Teatre Lliure hasta el próximo 24 de noviembre.

Rigola nos presenta una experiencia teatral basada en el texto de intriga y crítica social compuesto por el escritor y poeta chileno en el que Pepe «el Tira», una rata policía, solitaria y perteneciente a una familia de ratas artistas, se enfrenta a un misterio: el hallazgo de dos ratas asesinadas, una hembra y otra bebe. Algo demasiado insólito en una sociedad, la de las ratas, donde el asesinato no existe y donde el trabajo y la colectividad se imponen sobre todo lo demás. Pepe iniciará entonces una investigación para esclarecer la causa de los asesinatos y detener al culpable de los mismos, luchando al mismo tiempo contra los tabús y los espejismos sociales.

El policía de las ratas es una reflexión sobre la realidad social humana, sobre el lugar que ocupan el arte y la ciencia y sobre el papel de la individualidad en el colectivo humano. La propuesta se construye a partir de una atmósfera de intriga y misterio potenciada por la puesta en escena de la obra. La adaptación nos presenta, así, una situación tenebrosa, aunque a veces es también agobiante y poética, construida a partir de una magistral sencillez escénica.

La obra se desarrolla sobre un escenario en el que predominan las tonalidades en blanco y negro, como haciendo referencia al género negro que subyace en la narración de Bolaño. El atrezo es mínimo, casi inexistente, compuesto por dos sillas, dos micrófonos, una bolsa de sangre y el cadáver de una rata. Si a este minimalismo le sumamos el hieratismo proyectado por los actores obtenemos como resultado un espectáculo en el que predomina la palabra, hecho que obliga al espectador a centrar su atención en la figura y la voz de los actores y de esta forma en el desarrollo del cuento escenificado de Bolaño.

img_9509Una historia que nos sirve para reflexionar sobre el papel del individuo dentro de la sociedad. Una cavilación representada en la voluntad de la rata Pepe de ser diferente, de adentrarse en experiencias que la colectividad rechaza y en poner en duda verdades que la comunidad da por establecidas. De ahí que la rata protagonista se empeñe en investigar unas muertes que la mayoría, siguiendo el dogma oficial, da por ataques de animales externos aunque los indicios criminales puedan indicar lo contrario.

La obra, además, nos permite especular sobre cuál es el papel del arte y la ciencia en nuestra sociedad. En el mundo de las ratas, el arte se ve como una peculiaridad extraña, más digna de lástima que de aprobación. Por su lado la investigación que lleva a adquirir conocimientos que pueden contradecir los dogmas oficiales en uso necesarios para mantener el orden y la vida en sociedad se consideran peligrosos para la comunidad, y por tanto se vetan siempre que es posible. Todo ello en una sociedad liderada por una rata reina, una descriptiva metáfora de los poderes políticos y financieros que controlan el mundo de los humanos.

Como ven la idoneidad de la obra no puede ser mayor, un hecho acentuado por el acierto de la puesta en escena y la interpretación sobria y mesurada de sus dos actores. Joan Carreras encarna a Pepe «el Tira», la rata policía que lleva a cabo la investigación en cuestión con una elogiosa formalidad y un perceptible peso interior; Andreu Benito encarna, por su parte, a diversos de los personajes secundarios que acompañan la investigación, con la prestancia y el refinamiento acostumbrados en él. Ambos no solo juegan con la interpretación sino también con la tonalidad y la impostura de sus voces, para proveer de mayor realismo y diversidad a sus interpretaciones.

El policía de las ratas es una ejercicio teatral que conecta con el yo interno e individual de cada uno de nosotros y nos obliga a analizar el funcionamiento de las sociedades humanas, fijándonos, irónicamente, en la colectividad formada por las ratas. Y nos permite reflexionar sobre el peligro que comporta el desarrollo del espíritu crítico en una sociedad como la nuestra dominada por poderes que ven en esta cualidad humana una amenaza para el status quo existente. Un peligro para la propia sociedad sobre todo en una época como en la que vivimos en la que el equilibrio y la justicia social están en retroceso.

«El policía de las ratas» se representa en el Teatre Lliure de Gràcia del 31 de octubre al 24 de noviembre de 2013.

Autor: Roberto Bolaño
adaptación y dirección: Àlex Rigola
Compañía: Heartbreak Hotel
intérpretes: Andreu Benito y Joan Carreras
Escenografía: Max Glaenzel y Raquel Bonillo
Vestuario: Berta Riera
Iluminación: August Viladomat
Producción: Teatre Lliure y Heartbreak Hotel

Idioma: castellano
Duración: 55 minutos sin pausa
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21 horas y domingos a las 18 horas.
Precio: 29 €; miércoles y sábados por la tarde días del espectador, 22 €
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Jorge Pisa Sánchez

Exposición: Entropología, de Miguel Soler.

El Palacio Pimentel de Valladolid inaugura una exposición de la obra de Miguel Soler titulada Entropología, visitable del 18 de octubre al 17 de noviembre de 2012.

ENTROPOLOGÍA
Un proyecto de Miguel Soler
del 18 de octubre al 17 de noviembre de 2012

El ideólogo del vocablo Entropología, fue Claude Lévi-Strauss, quien en 1955 lo citó en su libro Tristes trópicos. Partiendo de este término Miguel Soler, Sevilla (1975) ha realizado un proyecto de investigación, en el que ha analizado tanto su propio proceso creativo, como el de diferentes artistas que han sido referentes en su evolución artística.

La disciplina entropológica tiene como uno de sus objetivos estudiar la sociedad e intentar lograr que las grandes catástrofes o situaciones extremas, aquellas que suponen la extinción, no se vuelvan a repetir; así, el estudio entropológico sirve como ejemplo moralizante de lo que no tiene que suceder en la historia. De igual forma pero desde una perspectiva artística, la disciplina entropológica también intentaría que el mundo no fuese hacia el desastre. Esa sería la determinante función socializadora que realizaría el artista.

Soler ha titulado su exposición ENTROPOLOGÍA, en ella podemos apreciar una selección de obras de los últimos cinco años…

«Miguel Soler (Sevilla, 1975) expone en el Palacio de Pimentel de Valladolid Entropología, su muestra más reciente. El artista, a quien se le ha denominado en el pasado como Entómologo social utiliza este término como punto de partida para su última investigación. Pero ¿qué es la entropología visual? Para acercarnos a una definición concreta, Soler hace referencia a la fórmula de trabajo empleada por algunos artistas-activistas que, con un marcado compromiso social, político y cultural, articulan a través de los nuevos medios de expresión una obra donde concepto y mensaje resultan fundamentales. En una sociedad saturada de información, las noticias y los acontecimientos que tienen lugar a nuestro alrededor nos llegan “multiversionados”, lo que nos impide conocer a fondo la “verdadera realidad” de las cosas. El papel del entropólogo es procurar, pues, la implementación y utilización adecuada de los avances tecnológicos para así contrarrestar los efectos negativos de la mediatización a la que estamos sometidos.»

Exposición: Entropología
Autor: Miguel Soler
Lugar: Palacio Pimentel de Valladolid
Valladolid, del 18 de octubre al 17 de noviembre de 2012
Horario: laborables de 12:00 a 14:00 y de 19:00 a 21:00 horas; domingos y festivos de 12:00 a 14:00 horas; lunes: cerrado.

Más información:

www.miguelsoler.com
www.gatoencerrado.tv