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Crítica teatro: Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, en el Teatro Goya

El vínculo entre el cine y el teatro es evidente, solo hace falta pensar en las obras de teatro adaptadas al cine y viceversa. Y por ello el Teatro Goya nos presenta Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, una obra que nos habla del cine y no de cualquier película, si no de Lo que el viento se llevó, un clásico del cine norteamericano allá donde los haya.

El rodaje de “Lo que el viento se llevó” es un auténtico desastre. El productor cinematográfico, David O. Selznick, ha decidido frenarlo en seco para poder reconducirlo y que la película no deje de ser la que él siempre soñó. Pero el tiempo corre en su contra y cada segundo de parón le está costando una auténtica fortuna.
Acompañado de su aguda e infalible secretaria, la Srta. Poppenghul, decide convocar en su oficina a dos grandes de la época para intentar resolver la situación: su gran amigo y excelente guionista, Ben Hetch y el talentoso director, aunque de carácter imposible, Victor Fleming.
Una fascinante historia sobre el dorado Hollywood de los años 30.

Hacía tiempo que no disfrutaba tanto en el teatro, debido en esta ocasión a la calidad de la propuesta y, claro está, a su temática: los intrincados problemas de producción de un gran clásico del cine. La obra nos traslada a las entrañas de la Metro-Goldwyn-Mayer en el año 1939, y más concretamente a la oficina del productor David O. Selznick. Las incidencias en la producción de Lo que el viento se llevó son muchas, entre ellas un director, George Cukor, que discrepa del productor y un guión que parece no estar a la altura. O. Selznick está en un verdadero aprieto, y lo único que lo salvará será forzar al director Victor Fleming y al guionista Ben Hetch para rehacer el proyecto desde el principio. En cinco días han de redactar un nuevo guión o todo puede venirse abajo.

Platanos_cacahuetes y Lo que el viento se llevo_1

Esta es la excusa con la que Ron Hutchinson ideó esta obra basada en la verdadera historia de la producción de Lo que el viento se llevó, que nos permite aproximarnos a la época del Hollywood clásico, divertirnos y reflexionar sobre el cine. La adaptación española de la obra corre a cargo de Daniel Anglés y la dirección está en manos de José Troncoso, que han sabido dar forma a un espectáculo cautivador sobre uno de los más legendarios episodios del Séptimo Arte.

En ello no es ajeno el reparto en el que destacan Gonzalo de Castro, genial dando vida a un desesperado O. Selznick, artífice principal de la película y Pedro María Sánchez espléndido interpretando a Ben Hecht, el reacio guionista que ha de crear un nuevo guión para la película a partir casi de la nada. Ambos están acompañados por José Bustos que encarna al director Victor Fleming y Carmen Barrantes, que da vida a la Srta. Poppenghul, la servicial secretaria de O. Selznick.

Lo que os decía, es una auténtica delicia asistir al encierro creativo en el que productor, director y guionista darán lo mejor de cada uno de ellos (a veces también lo peor) para sacar adelante el proyecto.

La trama nos sitúa, pues, en “la cocina” del Hollywood clásico y trata de uno de sus grandes símbolos y de algunas de sus figuras más destacadas. Asimismo, la obra plantea temas incómodos como las tensiones que afectaban a las grandes producciones Made in Hollywood o los delicados temas raciales y sociales que trataba el film, ya sea el trato a los negros o la visión folletinesca del Sur anterior a la Guerra de Secesión. A lo que se suma la discriminación de la sociedad estadounidense de principios del siglo XX hacía los judíos.

Brillante el debate originado entre O. Selznick, Fleming y Hecht, sobre las dificultades que comportaba la realización de una película de esta envergadura o en manos de quién residía la genialidad creativa de un film, en resumen, sobre qué es una película y qué misión tiene cada uno de sus artífices sobre la propuesta final.

La obra, por otra parte, muestra un esfuerzo de producción de empeño, con una escenografía minimalista que nos muestra la oficina del propio O. Selznick, donde se desarrolla toda la acción.

En resumen, una auténtica gozada poder revivir, aunque solo sea durante la hora y media que dura la representación, las entrañas productivas del Hollywood dorado, gracias a una excelente propuesta magistralmente llevada a cabo en la que tanto el equipo productivo como el elenco, seamos nosotros justos también con ellos, alcanzan un desempeño teatral ni mucho menos habituales sobre los escenarios.

No os la podéis perder…

“Plátanos, cacahuete y Lo que el viento se llevó” se representa en el teatre Goya del 23 de diciembre de 2022 al 5 de febrero de 2023.

Autoría: Ron Hutchinson
Dirección: José Troncoso
Reparto: Gonzalo de Castro, Pedro Mari Sánchez, José Bustos, Carmen Barrantes
Adaptación: Daniel Anglès
Dramaturgia: José Troncoso
Escenografía: Silvia de Marta
Iluminación: Javier Alegría
Sonido: Mariano Marín
Caracterización: Chema Noci
Vestuario: Guadalupe Valero
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: A pafrtir de 21,25€
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 30 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La Salsa, en el Teatro Aquitania

Todos necesitamos en algún momento algo de salsa en nuestras vidas. El teatro Aquitania lo sabe y nos propone La Salsa, una comedia de Oriol Vila dirigida por Nico & Sunset e interpretada por Agnès Busquets, Alba Florejachs, Francesc Ferrer y Xavier Serrano.

¿Qué harías si al decidir terminar con tu vida se te diera la posibilidad de comenzar de nuevo? La Salsa nos cuenta la historia de dos ancianas que al descubrir por error el elixir de la juventud deciden hacer todo lo que no hicieron en su juventud. Su descubrimiento les dará la oportunidad de reconectar con sus hijos, con los que mantenían relaciones marchitas con el paso del tiempo: ellas incomprendidas y aparcadas en una triste residencia y ellos aparentando vidas que no son lo que parecen ser.

La Salsa es una comedia de pequeño formato que pretende hacernos reír a través de una fábula que trata el tema del paso del tiempo y las relaciones que se establecen entre madres e hijos. La trama se inicia en la residencia donde dos internas, Agnès Busquets y Alba Florejachs, mantienen una extraña y singular amistad. Ambas están esperando la visita de sus hijos respectivos, uno, Xavier Serrano, es un modelo de hijo preocupado por su madre; el otro, Francesc Ferrer, no ha conseguido encontrase en la vida y se dedica al coaching personal sin demasiado éxito. Unas apariencias que caerán por su propio peso cuando sus madres descubran accidentalmente un elixir rejuvenecedor, que les permitirá salir de la residencia y conocer la realidad de la vida de sus hijos en un local de… salsa.

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La nueva propuesta de Nico & Sunset, responsables de las comedias Paradise y Oh, ¡Mami!, incluye humor, rejuvenecimientos y relaciones madre-hijo con el objetivo de hacernos pasar un buen rato con el tropel de enredos y situaciones disparatadas que el elixir rejuvenecedor provocará en los protagonistas.

Para que la receta funcione se requiere a actores y actrices con una vis cómica contrastada, y eso es lo que consigue el cuarteto de protagonistas integrado por Agnès Busquets, Alba Florejachs, Francesc Ferrer y Xavier Serrano, que ofrecen una interpretación cómica que le va muy bien a la obra y que demuestra su efectividad en las escenas que discurren en el local de salsa, donde los cuatro personajes coincidirán y harán evidentes sus carencias y aciertos: madres controladoras, hijos minusvalorados y existencias vacías que será posible reconducir… gracias a la salsa.

La obra se centra, pues, en la interpretación cómica de sus protagonistas más que en los grandes decorados y escenografías y si bien la ficción escénica que nos presenta es convincente, a la función le falta algo de push cómico para convencer del todo.

Aún así, vale la pena verla y reírnos disfrutando de una fantasía que, seguro, todos y todas hemos tenido (seguro que cuanto más mayores más vivamente): ¿Qué haríamos con nuestra vida si pudiéramos rejuvenecer aunque solo fuera por un tiempo limitado? Si queréis conocer la respuesta… os recomiendo La Salsa, en el teatro Aquitania.

“La Salsa” se representa en el teatro Aquitania del 19 de noviembre de 2022 al 29 de enero de 2023.

Autor: Oriol Vila
Dirección: Nico & Sunset
Reparto: Agnès Busquets, Alba Florejachs, Francesc Ferrer y Xavier Serrano

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: A partir de 16€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6,9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La meravellosa família Hardwicke, en La Villarroel

Siempre que la programación teatral incluye un Chéjov o una revisitación de su obra, la cartelera barcelonesa mejora en calidad y prestancia. De ahí que Bitò Produccions, La Brutal y T de Teatre se hayan atrevido a iniciar temporada con La meravellosa família Hardwicke, una adaptación libre y humorística de la obra de Chéjov escrita por Christopher Durang, traducida por Cristina Genebat y dirigida por David Selvas.

«La historia de La meravellosa família Hardwicke gira alrededor de las relaciones de tres hermanas solteras de mediana edad, dos de las cuales viven juntas, y tiene lugar durante una visita de la tercera, Masha. Discuten de sus vidas y de sus amores, y Masha amenaza con vender la casa. Algunos de los elementos del espectáculo están inspirados o hacen referencia a las obras de Antón Chejov, incluidos algunos nombres de los personajes, el escenario de la obra (un huerto de cerezas) y el tema de la posible pérdida de un hogar ancestral».

La meravellosa família Hardwicke es una propuesta que se adapta muy bien al adn T de Teatre, en la que el original de Chéjov Tío Vania es adaptada libremente tras una digestión creativa, con un resultado que no deja impasible a nadie. La adaptación reduce el número de personajes, reubica el escenario y enriquece y actualiza una trama para ubicarla en el universo propio de la compañía.

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De ahí que la trama se centre en las relaciones establecidas entre los miembros de una familia vinculados a una hacienda familiar. La llegada de una de ellas, Masha (Marta Pérez), generará toda una serie de tensiones en la casa que pondrán en riesgo la cohesión familiar entre los miembros.

La adaptación que Durang hizo de la obra de Chéjov convierte la obra en una comedia familiar actualizada para los públicos de hoy. Los roles se modifican en relación al original, igual que el texto y las pautas de comportamiento, situando el eje de la trama en la oposición entre el fracaso y el éxito (figurado o no) que rezuman los personajes. Mientras unos Vania (Albert Ribalta) y Sonia (Carme Pla) han empeñado sus vidas en la gestión de la hacienda y en el cuidado de la familia, Masha ha triunfado en el cine, aunque sus años de gloria parece que han llegado a su fin como musa del cine del terror. Sus respectivas vidas se verán, así, alteradas ante el anuncio de la venta de la hacienda familiar y la finalización de un modo de vida, una temática muy propia, por otra parte, de la obra de Chéjov.

La propuesta es simple y dinámica, con un escenario central rodeado y muy cercano al público. Y los personajes y las interpretaciones muy propios de la compañía que se desarrolla entre la antipatía y el cariño. Muy de destacar, por cierto, la actuación de Albert Ribalta, que provee a su personaje de la dignidad escénica que requiere, y la presencia de dos actores jóvenes como Alejandro Bordanove y Paula Jornet, que ofrecen una frescura interpretativa a la adaptación, ayudando a la trama a ubicarse en el mundo más actual. Lide Uranga interpreta el rol más cómico de la obra, dando vida a la asistenta remolona de la familia favorecida con el don de predecir el futuro.

La meravellosa família Hardwicke es un ejercicio de actualización escénica en el que T de Teatre ha desarrollado una propuesta muy «en su línea» que le permite sumergirse en el histrionismo tan típicamente suyo y que nos permite contemplar un clásico a través de los ojos de la modernidad y reflexionar sobre la vida, los modos de vida y sobre un posible final, en definitiva, sobre el predecible final de una situación o de una familia, en este caso de la maravillosa familia Hardwicke.

«La meravellosa família Hardwicke» se representa en La Villarroel del 9 de septiembre al 27 de noviembre de 2022.

Autoría: Christopher Durang
Dirección: David Selvas
Título original: Vanya and Sonia and Masha and Spike
Traducción: Cristina Genebat
Reparto: Alejandro Bordanove, Paula Jornet, Marta Pérez, Carme Pla, Albert Ribalta, Lide Uranga
Escenografía: Alejandro Andújar, May, Sol Curiel, Rafa Moro
Iluminación: Jaume Ventura
Sonido: Marcel Ferrer
Caracterización: Eva Fernández
Vestuario: Alejandro Andújar, Núria Cardoner, Maribel Rodríguez
Producción: Bitò Produccions, La Brutal, T de Teatre, Jordi Brunet, Josep Domènech

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: Web La Villarroel
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 40 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El secreto, en el teatro Fígaro (Madrid)

El final del verano y el inicio del otoño es un periodo de transición y de progresivo restablecimiento de la rutina diaria después de las vacaciones. Un periodo que puede ser doloroso pero que se atenúa con el inicio de la temporada teatral. Por esa razón en Culturalia os presentamos la crítica de El secreto, comedia estrenada en el teatro Lara y que se representa desde el pasado 21 de septiembre hasta el 20 de noviembre en el teatro Fígaro de Madrid.

«Sara y Sebastián se acaban de jubilar relativamente jóvenes. Su hijo Lucas está casado con Mónica, y tienen un bebé al que Sara y Sebastián cuidan de vez en cuando. Pero un buen día Lucas y Mónica se pelean delante de Sara y Sebastián a causa de una infidelidad. La joven pareja, que los padres creían tan unida, está viviendo momentos críticos. Sara y Sebastián tienen una acalorada discusión: ¿Tiene que divorciarse su hijo? Sebastián está a favor, Sara en contra. Y a Sara, en un lapsus, se le escapa «un secretillo» que provoca un cataclismo en la pareja. A veces, hay cosas que es mejor no saber…»

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El secreto es una comedia ligera, un ingrediente más que adecuado para estos meses de reinicio. Una comedia que podríamos considerar de infidelidades, escrita por Eric Assous, dirigida por Ramón Paso e interpretada por Carlos Chamarro, Susana Hernáiz, Jorge Pobes y Ángela Peirat.

La obra se nos presenta, así, como un plato escénico sencillo e ingenioso que hace disfrutar a todos aquellos que quieran divertirse a costa de las preocupaciones de los demás, en este caso por los contratiempos provocados por aquellas pequeñas infidelidades que a veces se producen en la vida de pareja. De ahí que el descubrimiento por parte de los padres (Carlos Chamarro y Susana Hernáiz) de que la relación de su hijo con su mujer (Jorge Pobes y Ángela Peirat) no es tan ideal como pensaban, provocará el resurgir de infidelidades pasadas que pondrán en duda los vínculos familiares de los protagonistas de la obra.

La clave, pues, reside en el humor generado por las tensas situaciones provocadas por los «secretillos» que han ocultado los protagonistas y la chispa cómica que estas comportan. Ya se sabe que remover el pasado acostumbra a ser un ejercicio incómodo para la mayoría.

La obra es, así, una comedia sin pretensiones que quiere hacernos reír y lo consigue, sobre todo con el tour de force cómico que desarrollan Chamarro y Hernáiz, los padres, que tendrán que lidiar con las consecuencias de la revelación de sus pasados escarceos amorosos.

Jorge Pobes y Ángela Peirat interpretan a la joven pareja cuyas circunstancias amorosas provocarán la acción y el humor de la obra, con interpretaciones frescas y cómicas.

La trama y el humor, pues, están bien engrasados en una comedia de carácter familiar pero a la representación le falta en algunos momentos algo de punch cómico. Aún así las interpretaciones harán reír y disfrutar al público, haciéndole, seguro, olvidar el mal trago del final del verano y el amargo regreso al trabajo, valiéndose, para variar, de las desgracias de los demás.

«El secreto» se representa en el Teatro Fígaro del 21 de septiembre al 20 de noviembre de 2022.

Autor: Eric Assous
Dirección: Ramón Paso
Reparto: Carlos Chamarro, Susana Hernáiz, Jorge Pobes, Ángela Peirat
Traducción y adaptación: Virginia López-Ballesteros
Vestuario: Lana Svetlana
Escenografía: Raúl Suárez Martín y Mario López Pinilla

Horarios y precios: Web Teatro Fígaro
idioma: castellano
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Ser o no ser, en el teatro La Latina

El pasado 17 de marzo el teatro La Latina estrenó Ser o no ser, una comedia que trata sobre el nazismo y en la que Hitler es uno de sus personajes. Una obra, por cierto, creada para el cine por Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer en el año 1942 y versionada en el año 1983 por Mel Brooks, algo que ya de por sí nos puede dar una idea del tipo de obra a la que nos referimos.

«Varsovia, agosto de 1939. La Compañía teatral del matrimonio Tura se instala en un teatro para ensayar ¡Gestapo!, un obra que satiriza la amenaza mundial que suponen Hitler y el nazismo. A la vez, representan Hamlet, cuyo verso “ser o no ser” será la clave de un affaire extraconyugal. Pero los problemas se les multiplicarán tras la invasión alemana de Polonia. Los actores de la Compañía tendrán que ingeniar una doble trama teatral, de guardarropía y suplantación, para desactivar la entrega de un documento a las autoridades nazis que puede acabar con la Resistencia y para huir de Polonia a Inglaterra».

Echanove se atreve con una comedia en la que el auge del nazismo y los inicios de la Segunda Guerra Mundial están muy presentes y en donde los equívocos y las situaciones comprometidas son la clave de la trama. De esta forma veremos como lo grave de la situación política y militar de Europa a finales de los años 30 del siglo pasado se entremezcla con la actividad de la resistencia polaca y con los líos de faldas propios de la compañía de teatro Tura, un mix este que, evidentemente, generará la comicidad de la propuesta.

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Ser o no ser se basa, así, en el humor dentro de lo trágico, de una compañía de teatro que intenta sobrevivir en una situación muy complicada, con la intención de abandonar lo antes posible el país. El humor, así, está servido, y la comedia no dejará de ser un in crescendo de acciones y reacciones que pondrán constantemente en peligro a todos los miembros de la compañía.

Hasta aquí, la trama, todo está bien. La contrariedad comienza con el reparto. No vamos a poner en duda el saber hacer de Echanove, que da vida a Joseph Tura, el personaje principal de la representación, pero la vis cómica del actor no es, seguramente, la más adecuda para una comedia de enredos de este tipo. Este hecho provoca que la propuesta quede tocada. A lo que se suma una adaptación y una escenografía que dificultan al espectador seguir la acción, sobre todo en la consumación final de la trama. El resultado, así, queda afectado escénicamente, aunque en parte es compensado por la pericia y el buen hacer del resto de la compañía, que consigue elevar, ahora sí, el tono humorístico de la obra.

Ser o no ser es una propuesta que gustará, no lo dudo, pero que no acaba de explotar todas las posibilidades de una comedia que tanto Lubitsch como Brooks consiguieron plasmar en todas sus posibilidades. Y es también una oportunidad para confirmar que el humor puede con todo, incluso al adentrarse en una época y en un contexto, el del nazismo, y salirse airoso del intento.

«Ser o no ser» se representa en el teatro La Latina de Madrid desde el 17 de marzo de 2022.

Autoría: Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer
Director: Juan Echanove
Adaptación: Bernardo Sánchez
Reparto: Juan Echanove, Lucía Quintana, Ángel Burgos, Gabriel Garbisu, David Pinilla, Eugenio Villota, Nicolás Illoro
Diseño de escena y vestuario: Ana Garay
Diseño de iluminación: Carlos Torrijos
Técnico de sonido y video: Natalia Moreno
Vestuario: Peris Costumes
Maquillaje y peluquería: Chema Noci
Música: Jose Recacha

Horarios: Miércoles a viernes a las 20:00h; Sábados a las 18:00h y 21:00h y Domingos y festivos a las 19:00h
Precios:
Platea: de 24,00€ a 28,00€
Club: de 20,00€ a 24,00€
Anfiteatro: de 17,00€ a 20,00€
Precios reducidos los miércoles

Duración: 100 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Adeu Arturo, en el Teatro Coliseum

Este año La Cubana regresa a los escenarios con Adeu Arturo, una comedia ambientada en un funeral muy atípico en el que el teatro espontáneo de la compañía conquista de nuevo el Coliseum.

«A partir de la muerte a los 101 años de edad de un polifacético artista muy famoso internacionalmente, Arturo Cirera Mompou, el público conocerá el verdadero guión de la vida de éste conocidísimo escritor, pintor, escultor, coleccionista de arte, poeta, compositor musical, dramaturgo, actor y director».

Pues sí, La Cubana se atreve con un entierro, pero un entierro, como os podéis imaginar, muy especial, en el que nada se parecerá a lo que se ha de parecer y en el que el humor cotidiano de la vida misma, norma de la casa, se apoderará del escenario.

Primero por la personalidad intrínseca del difunto, un «polifacético artista» que ha dejado huella musical y cultural allá donde ha ido y en todo lo que ha tocado. Después por el tipo de ceremonia, alegre y burlesca que se ha programado en el teatro como despedida, y tercero porque es La Cubana. Y ya lo saben, allí donde está La Cubana el humor y las risas están aseguradas.

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El espectáculo está dividido en tres partes o actos. El primero, la propia ceremonia musical del entierro en la que irán pasando y actuando los amigos y conocidos del difunto, una serie de «vejestorios» artísticos típicos de los personajes de la compañía. A ello sigue un relato más escénico que nos mostrará las horas previas y los momentos posteriores a la ceremonia, en los que veremos comportase a los familiares del difunto, con esa combinación de chabacanería y egoísmo propios de los protagonistas de las obras de La Cubana, y en el que conoceremos qué hay realmente detrás de una gran figura artística como Arturo Cirera Mompou.

Como sabéis, La Cubana se nutre de una actuación coral en la que destaca el trabajo humorístico en grupo de la compañía, en este caso integrada por Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Nuria Benet, Alex González, Babeth Ripoll, Montse Amat, Toni Sans, Edu Ferrés y Virginia Melgar, todos ellos y ellas dirigidos en esta ceremonia de entierro por Jordi Milán. Y como siempre el resultado es una cascada de risas y golpes de humor propios de la vida cotidiana menos glamurosa, en el que en La Cubana son unos expertos.

Por eso, y porque es necesario reírse de todo, incluso de un funeral, Adeu Arturo es una propuesta que vale la pena recomendar, siempre y cuando agrade el humor de La Cubana, ya que el espectáculo mantiene la línea de producción habitual de la compañía. Así que no seas perezoso y, aunque no conozcas demasiado al finado, atrévete a ir a este entierro tan peculiar, y a reírte de algo tan serio como la muerte, aunque en manos de La Cubana

«Adeu Arturo» se representa en el Teatro Coliseum del 2 de febrero al 27 de marzo de 2022.

Compañía: La Cubana
Dirección: Jordi Milán
Idea original y dramaturgia: Jordi Milán
Reparto: Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Nuria Benet, Alex González, Babeth Ripoll, Montse Amat, Toni Sans, Edu Ferrés y Virginia Melgar
Escenografía: Taller d’Escenografia Castells y La Cubana
Iluminación: Arnau Aregay y Aleix Costales
Sonido: Jordi Agut
Caracterización: La Bocas
Vestuario: Cristina López
Coreografía: Leo Quintana
Música original: Joan Vives

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 h, sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 12:00 y a las 17:30 horas
Precio: Web Grup Balaña
Duración: 120 minutos
Idioma: Catalán
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El sopar dels idiotes, en el Teatre Borràs

Regresa a los escenarios barceloneses el clásico El sopar dels idiotes, una comedia alocada sobre el idiotismo y las consecuencias de ser idiota, versionada por Paco Mir, dirigida por Pep Anton Gómez e interpretada por David Olivares y Artur Busquets.

«El sopar dels idiotes narra la historia de un ejecutivo que suele cenar semanalmente con amigos –todos ellos hombres de negocios– y un invitado muy particular: un idiota. En esta ocasión, el invitado es un funcionario de hacienda con una obsesión por las maquetas gigantescas de edificios famosos hechos con cerillas y que él mismo construye. La historia se complica cuando, horas antes de la cena, el ejecutivo sufre un ataque de lumbago y el invitado se presenta en su casa. El inicio seguro de toda una serie de desastres…»

Grup Balañá recupera una de aquellas comedias que desde 1993 ha cosechado gran éxito en todo el mundo. En ella el público se verá asediado por las continuas situaciones cómicas y disparates provocados por un idiota cuando campa a sus anchas. Calamidad tras calamidad provocadas por la vanida de un editor, David Olivares, que se reúne cada semana con sus amigos en un concurso a ver quien trae al idiota más idiota, en este caso Artur Busquets. El karma ocasionará que el tiro le salga por la culata al interactuar su idiota con familiares y amigos en su propia casa.

El reparto del El sopar dels idiotes tiene el acierto de escoger a dos actores principales como David Olivares y Artur Busquets. Ambos se meten fácilmente en sus personajes para ofrecer el primer plato cómico de la función. Junto a ellos están Anna Gras-Carreño, Toni González y Ariana Bruguera. Especial atención al personaje interpretado por Jordi Vidal Gómez, el compañero de trabajo del idiota, que ofrecerá alguno de los momentos más hilarantes de la representación.

Y el resto ya os lo podéis imaginar: un escenario que nos muestra el salón donde se desarrollará toda la acción; personajes que entran y salen de escena afectados de alguna forma por los efectos de la idiotez humana y las continuas risas provocadas en el público.

Aunque la adaptación de Paco Mir actualiza en parte la representación, haciéndonosla más cercana, la dirección de Pep Anton Gómez no acaba de ser todo lo punzante que debería, esto es, a la representación le acaba faltando algo del ritmo que la trama cómica requiere, algo que en parte es subsanado con la vis cómica del reparto.

El sopar dels idiotes es, sin embargo, una oportunidad para reírse, y para hacerlo de un idiota, aunque, y este es uno de los puntos fuertes de la obra, a veces no sepamos bien bien quien es verdaderamente el idiota de la representación.

«El sopar dels idiotes» se representa en el Teatro Borràs del 20 de enero al 27 de febrero de 2022.

Autor: Francis Veber
Adaptación: Paco Mir
Dirección: Pep Anton Gómez
Reparto: David Olivares, Artur Busquets, Anna Gras-Carreño, Toni González, Jordi Vidal Gómez, Ariana Bruguera
Escenografía: Joan Jorba
Iluminación: Eudald Gili
Vestuario: Júlia López i Melià
Producción: Vània Produccions

Horarios: de miércols a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: Web Grup Balañá
Duración: 100 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Estreno cine: Cazafantasmas 3: Más Allá

Regresa Cazafantasmas, la franquicia de cine fantastico que hizo las delicias del público allá por los años 80 narrando la historia de un grupo de científicos locos en su lucha contra seres espirituales malvados y ectoplasmas diversos.

De la nueva secuela sabemos que es una continuación de la segunda entrega de 1989, que está dirigida por Jason Reitman, hijo de Ivan Reitman y que en su reparto cuenta con Finn Wolfhard, Carrie Coon, Sigourney Weaver, Bill Murray y Dan Aykroyd.

Os dejamos aquí con lo poco que sabemos de la sinopsis y el trailer del film.

Cuando una madre soltera (Carrie Coon) y sus dos hijos (Finn Wolfhard y Mckenna Grace) llegan a un pequeño pueblo, comienzan a descubrir su conexión con el legado secreto que dejó su abuelo y los Cazafantasmas originales. Algo insólito, ya que no se han visto fantasmas en 30 años, desde que se hiciera famosos el equipo formado por Venkman, Stantz, Winston y Spengler.

Título: Cazafantasmas 3: Más allá
Año: 2021
Duración: 124 min.
País: Estados Unidos Estados Unidos
Dirección: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman, Gil Kenan, Dan Aykroyd, Harold Ramis
Música: Rob Simonsen
Fotografía: Eric Steelberg
Reparto: Finn Wolfhard, Carrie Coon, Mckenna Grace, Sigourney Weaver, Paul Rudd, Celeste O’Connor, Logan Kim, Annie Potts, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Bokeem Woodbine, Oliver Cooper
Productora: The Montecito Picture Company, Columbia Pictures, Ghostcorps, Bron Studios, Sony Pictures Entertainment (SPE).
Género: Fantástico | Comedia | Sobrenatural | Secuela
Estreno España: 3 de diciembre 2021

Estreno cine: Free Guy, de Shawn Levy

El estreno de Free Guy ha sufrido continuos retrasos desde que empezó la pandemia. Su producción terminó en 2019 y el estreno estaba fijado para mayo de 2020, pero el confinamiento lo impidió y se trasladó hasta julio del mismo año. Luego pasó a diciembre y por último, a mayo de 2021. Finalmente la nueva fecha de estreno del film en España se ha establecido para el próximo 18 de agosto.

Hoy os hablamos en Culturalia de Free Guy, un estreno de cine de acción y aventura dirigido por Shawn Levy y protagonizado Ryan Reynolds y Jodie Comer que de nuevo nos permite reflexionar, en clave de comedia, sobre la interacción entre el mundo real y el mundo digital al que estamos tan habituados.

Guy (Ryan Reynolds) es un personaje de reparto del videojuego Free City que trabaja como cajero en un banco. Gracias a un programa insertado en Free City, Guy se da cuenta de que su mundo es un videojuego y toma medidas para convertirse él en el héroe, protagonizando un carrera contra el tiempo para salvar el juego antes de que los desarrolladores puedan cerrarlo.

Título: Free Guy
Año: 2020
País: Estados Unidos
Dirección: Shawn Levy
Guión: Matt Lieberman y Zak Penn
Música: Christophe Beck
Fotografía: George Richmond
Reparto: Ryan Reynolds, Taika Waititi, Jodie Comer, Joe Keery, Lil Rel Howery, Utkarsh Ambudkar, Jamaal Burcher, Bob Gilliam, Matty Cardarople, Camille Kostek…
Producción: Berlanti Productions, 20th Century Studios, 21 Laps Entertainment, Lit Entertainment Group, Maximum Effort
Género: Comedia | Acción | Aventuras | Videojuego

Fecha de estreno en España: 18 de agosto de 2021

Crítica teatro: La función que sale mal, en el Teatro Calderón de Madrid

La magia del teatro reside en la suma de muchos elementos, y uno no menor es el correcto desarrollo de la representación, con sus tiempos, sus interpretaciones y con una realidad escénica que se integra apropiadamente con ellos. Esto es lo que no pasa en La función que sale mal, en cartelera en el Teatro Calderón de Madrid hasta el próximo 29 de agosto y que se representará en el Teatro Coliseum de Barcelona a partir del 29 de septiembre.

La función que sale mal hace honor a su nombre. Estamos, en la ficción, ante una compañía universitaria sin demasiada experiencia teatral que intenta representar un espectáculo al estilo Agatha Christie o Sherlock Holmes: se ha producido un asesinato en una mansión. Será trabajo del comisario de turno descubrir quién es el asesino y cuáles son sus motivos. Pero en la representación nada saldrá como estaba previsto. La actuación de los actores no es la que debiera ser; la representación deja mucho que desear y el escenario irá desintegrándose poco a poco a lo largo de la “función que sale mal”. Como veis, todos los ingredientes necesarios para que estalle la comedia desde el minuto uno.

El espectáculo defraudará a muy pocos. Estamos ante una comedia pura en la que los errores, las desgracias y sobre todo, el buen hacer cómico de los actores y de las actrices que integran el reparto, harán que quien más y quien menos se ría de la suma de dificultades que sufrirá el espectáculo, un continuo de pequeños y grandes desastres que progresarán a lo largo de la representación hasta la vorágine final. Una obra de metateatro al estilo Pel davant i pel darrera o Bolulevard.

En este tipo de espectáculos todo ha de estar estudiado y cronometrado para que todo lo que ha de salir mal salga mal, y para que el reparto interactúe con la desgracia de forma cómica. Y lo está, algo que se debe a una acertada dirección de Sean Turner y a la interpretación en clave serio-cómica de todo el reparto, integrado por Héctor Carballo, Carlos de Austria, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, César Camino, David Ávila, Felipe Ansola, Paula G. Lara, Ángel Saavedra y Avelino Piedad en las diferentes actuaciones, que consigue interpretar de forma creíble a unos malos actores que durante la representación sufrirán los infortunios de la musa del teatro.

Nada más y nada menos. Unos 100 minutos de representación en los que el espectador se verá afectado cómicamente por la serie de desastres escénicos que sufrirá en clave de comedia la representación. Tanto es así que al final no importará tanto quién es el asesino sino cómo el elenco sin experiencia (en la ficción) podrá hacer frente a la avalancha de calamidades que se les viene encima.

Un soplo de aire fresco cómico que ha ganado diversos premios internacionales como los Oliver, Tony, Moliere o el Broadway.com, que este mes de agosto está en Madrid y que llegará a la cartelera barcelonesa el próximo mes de septiembre y al que se le puede augurar un gran éxito, no solo por su gancho cómico sino por su capacidad de abstraernos por un breve espacio de tiempo de lo duros que han sido los últimos tiempos en Madrid, Barcelona, Cataluña, España y en el mundo entero y hacernos reír de las desgracias que, ahora sí, les pasan a otros, en este caso a actores y, sobre todo, les pasan en la ficción.

“La función que sale mal” se representa:
• Del 8 de abil al 29 de agosto de 2021 en el Teatro Calderón de Madrid
• Del 29 de septiembre al 24 de octubre de 2021 en el Teatre Coliseum de Barcelona

Director versión original: Mark Bell
Director versión española: Sean Turner
Director asociado: David Ottone
Dramaturgia: Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields
Reparto: Hector Carballo, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, David Ávila, Paula G. Lara, Ángel Saavedra, Avelino Piedad, Manuel de Andrés, Agustín Otón y Fael García
Adaptador de la función que sale mal: Zenón Recalde
Diseño escenografía: Nigel Hook
Iluminación: Ric Mountjoy
Vestuario: Roberto Surace
Diseño de sonido: Andy Johnson
Fotografía: Helen Murray
Producción: Som Produce, NEARCO, Cobre y Olympia Metropolitana

Horarios Teatro Calderón Madrid: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: desde 19€
Idioma: castellano
Duración: 100 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa