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Ya no llama nadie: una novela gráfica sobre la soledad, la vejez y la memoria

Hay historias que hablan de la muerte y, sin embargo, hablan sobre todo de la vida. Es el caso de Ya no llama nadie, la nueva novela gráfica publicada por Astiberri, con guion de Elizabeth Casillas y dibujos de Blanca Vázquez, una obra intimista que se acerca a la vejez desde un territorio muy reconocible: la vida cotidiana, las relaciones familiares, los pequeños hábitos y esas preguntas que aparecen cuando uno empieza a comprobar que a su alrededor cada vez quedan menos personas de su generación.

La protagonista es Mariona, una mujer de 87 años que vive en un pueblo y cuya existencia parece transcurrir dentro de una rutina perfectamente establecida. Sus amigas han ido desapareciendo y su marido, Vicente, atraviesa una situación cada vez más complicada, mientras que ella encuentra buena parte de su entretenimiento en cuidar su jardín, discutir lo justo con su marido y esperar las visitas de su hija durante los fines de semana. Pero bajo esa aparente tranquilidad comienza a crecer una inquietud. Mariona piensa cada vez más en la muerte y, sobre todo, en qué sucederá cuando ella ya no esté. ¿Quién cuidará de su jardín? ¿Qué ocurrirá con sus cenizas? ¿Qué quedará de ella cuando desaparezca?

Uno de los elementos más interesantes de Ya no llama nadie es precisamente que no presenta estas cuestiones desde el dramatismo fácil, sino desde situaciones domésticas y reconocibles.

La historia adquiere además una dimensión social. Según explicó Elizabeth Casillas a EFE, el punto de partida fue precisamente el título, “Ya no llama nadie”, una frase que resume esa sensación de que, con el paso de los años, las llamadas y las visitas de quienes formaban parte de nuestra vida van disminuyendo. La obra se sitúa en el contexto de la llamada España vaciada y presta especial atención a esa soledad que puede instalarse en la vida de las personas mayores entre una visita familiar y la siguiente. No se trata únicamente de estar físicamente solo, sino de experimentar cómo se reduce progresivamente el mundo social que había acompañado toda una existencia.

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Ya no llama nadie propone así una mirada sobre el final de la vida que habla también de memoria, afectos, vínculos familiares y de la necesidad de sentir que nuestra existencia ha dejado alguna huella.

Elizabeth Casillas cuenta con una trayectoria previa vinculada a la novela gráfica y al cómic de temática social y personal. Es autora del guion de La palabra que empieza por A, publicado por Astiberri en 2022, y también de Todas nosotras, realizada junto a Higinia Garay. Por su parte, Blanca Vázquez es autora de Juntas en esto, también publicada por Astiberri. En Ya no llama nadie, ambas construyen una obra en la que texto e imagen se ponen al servicio de una narración especialmente cercana, centrada en los silencios, los gestos cotidianos y las emociones que muchas veces resultan difíciles de expresar con palabras.

Título: Ya no llama nadie
Autoras: Blanca Vázquez, Elizabeth Casillas
Páginas: 160
Tapas: Cartoné
Formato: Cartoné 14 x 21 cm
ISBN: 979-13-87927-41-7
Año de publicación: 2026
Precio: 20€ (Edición en papel)

Las irresponsables: Cuando una escapada entre amigas se convierte en una auténtica locura

¿Qué ocurriría si, durante un fin de semana, decidiéramos dejar de lado todas aquellas normas que habitualmente nos impiden hacer lo que realmente nos apetece? ¿Hasta dónde llegaríamos si durante unas horas desaparecieran el sentido común, la prudencia y el miedo a las consecuencias? Sobre estas preguntas se construye “Las irresponsables”, la comedia de Javier Daulte que llega al Teatro Maravillas de Madrid bajo la dirección de Marta Poveda, quien también comparte escenario con Eva Ugarte y Angy Fernández.

La historia comienza con una situación aparentemente sencilla. Lila, una mujer de cuarenta años que acaba de ser abandonada por su pareja, necesita desconectar y sus amigas Núria y Fabi, esta última su hermana, deciden llevársela durante un fin de semana a una casa que unos conocidos les han prestado. El único encargo que reciben parece bastante fácil de cumplir: deben vigilar que el perro de los vecinos no haga sus necesidades en el jardín.

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Lo que comienza como una escapada destinada a ayudar a una amiga acaba convirtiéndose en una cadena de decisiones en la que cada personaje empieza a enfrentarse con sus propios deseos, contradicciones e impulsos. Las protagonistas van dejando progresivamente atrás las convenciones que normalmente regulan nuestro comportamiento y descubren que una pequeña decisión puede conducir a otra mucho más complicada.

“Las irresponsables” utiliza así la comedia para hablar de cuestiones bastante reconocibles: la amistad, la necesidad de sentirse acompañado en los momentos difíciles, los deseos que normalmente mantenemos ocultos y la tensión entre aquello que queremos hacer y aquello que consideramos que deberíamos hacer.

La puesta en escena está dirigida por Marta Poveda, que además interpreta a una de las protagonistas junto a Eva Ugarte y Angy Fernández. La producción corre a cargo de Verteatro, Smedia, Focus, Bitó Producciones y Secuencia 3.

“Las irresponsables” propone, en definitiva, una escapada que comienza como una terapia de amistad y termina poniendo a prueba los límites personales de sus protagonistas. Una comedia sobre esas pequeñas fronteras que separan el deseo de la decisión, la diversión de las consecuencias y la amistad de la complicidad. Una oportunidad para sentarse en el patio de butacas y hacerse una pregunta que quizá sea mejor no responder demasiado rápido: ¿qué haríamos si durante un fin de semana pudiéramos dejar de ser responsables?

«Las irresponsables» se representa en el Teatro Maravillas de Madrid del 4 de septiembre al 29 de noviembre de 2026.

Autoría: Javier Daulte
Dirección: Marta Poveda
Reparto: Marta Poveda, Eva Ugarte y Angy Fernández
Género: Comedia

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 16 €
Duración: 90 minutos
Aviso: el espectáculo utiliza luces estroboscópicas que pueden afectar a personas con fotosensibilidad

Crítica teatro: L’òpera de tres rals, en el Teatre Lliure

El teatro nunca ha sido ajeno a la realidad que le rodea y se ha alimentado desde sus primeros pasos en la antigua Grecia de los problemas, las dificultades, los sueños y las ilusiones de la sociedad como nutriente básico. Es por eso que en una época como la actual una versión de La ópera de los tres centavos de Bertolt Brecht es más que necesaria. Y la versión del Teatre Lliure, dirigida por Marta Pazos, nos propone una apuesta escénica atrevida a la par que arriesgada.

“Mackie el Navalla, el criminal más temido de Londres, se casa en secreto con Polly Peachum, la hija de los usureros que controlan el negocio de los mendigos de la ciudad. Los Peachum, furiosos, moverán hilos para encarcelarle, sin saber que Mackie cuenta con un aliado inesperado: Tigre Brown, jefe de la policía. En un mundo en el que la frontera entre el crimen y el poder es puramente cosmética, todo el mundo tiene un precio y la supervivencia es el único principio moral que cuenta”.

Lo primero que cabe hacer en esta crítica es felicitar al Teatre Lliure y al Festival Grec de Barcelona por plantear una apuesta tan atrevida como la que nos presentan, aun a sabiendas de que podía herir algunas sensibilidades teatrales o despertar los recelos de más de uno. Y no es para menos: la propuesta se atreve a actualizar un clásico del siglo XX cuyo ADN está profundamente marcado por la crítica al capitalismo, las desigualdades que este genera y el inquietante trasfondo del ascenso del nazismo. ¿Y qué mejor escenario para ello que una historia ambientada en los bajos fondos, donde ladrones, mendigos, prostitutas y poderosos confluyen en un relato que mezcla, a partes iguales, instintos, odios, ambición y realidad?

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La valentía de Marta Pazos en la dirección escénica queda patente en el escenario, la caracterización y la interpretación. El drama de L’òpera de tres rals se nos plantea sobre un fondo de color gris, como la realidad que nos muestra, en la que el líder de una banda de ladrones y el corrupto jefe del “negocio” de los mendigos guían el drama. De ese gris solo destacan, como contrapunto, algunos trazos de colores que contradicen la naturaleza de la historia que nos es narrada.

Al esfuerzo de caracterización, con los pobres convertidos en palomas, esto con un clara referencia a la situación social de la mayoría de los personajes, se le suma una actuación afectada en la que el reparto, encabezado por Nao Albet, Marta Bernal, Eduard Farelo y Miriam Moukhles, marcan físicamente la realidad de los personajes, consiguiendo así, en parte, deshumanizarlos. Y todo ello enmarcado en un escenario vacío o casi vacío rodeado por gradas circulares que evocan el teatro del mundo, ese en el que día a día nos movemos los espectadores.

El resultado de todo ello es una crítica social bien ideada, bien dirigida y bien interpretada a la que solo se le puede reprochar su excesiva duración, dos horas y 45 minutos, aunque esta sea debida a la creación original de Brecht y Kurt Weill.

Aun así, L’òpera de tres rals nos permite ser conscientes de que nuestros problemas de ahora, esto es, la precariedad económica, el cada vez más difícil acceso a la vivienda, la corrupción política, o la desigualdad social entre otros, no son una “cosa de ahora”, sino que es algo connatural a la humanidad, y que aunque el final artificial e improbable de la obra solucione la papeleta a Mackie el Navalla, en la vida real tan solo la reivindicación y la lucha permitirán crear una sociedad más justa en la que todos y todas tengamos, al menos, una oportunidad.

“L’òpera de tres rals” se representa en el Teatre Lliure del 17 de septiembre al 11 de octubre de 2026

Escenografía: Marta Pazos
Traducción: Marc Rosich
Reparto: Nao Albet, Roc Bernadí, Marta Bernal, Arnau Boces, Pablo Capuz, Marc Domingo, Joan Esteve Matthias, Eduard Farelo, Clara Mingueza, Miriam Moukhles, Biel Rossel, Júlia Truyol
Vestuario: Agustín Petronio
Caracterización: Johny Dean
Iluminación: Nuno Meira
Espacio Sonoro: Hugo Torres
Coreografía: Mabel Olea
Producción: Teatre Lliure y Festival Grec de Barcelona

Horarios: de miércoles a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: de 14€ a 32€
Duración: Primera parte 1 h 05’ / pausa 15’ / segunda parte 1 h 40’
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El hijo de la cómica, en el Teatro Romea

El teatro, el buen teatro, a veces hace acto de presencia. Aquella función en la que uno nota una vibración, una conexión que revela que todo está saliendo bien y que estás disfrutando de la representación. Esa sensación es reconocible en El hijo de la cómica, la obra de teatro interpretada por José Sacristán en el teatro Romea basada en las memorias de Fernando Fernán-Gómez.

La propuesta, adaptada, dirigida e interpretada por Sacristán no pretende, ni mucho menos, apabullar, tan solo rememorar los años de infancia y juventud de Fernando Fernán-Gómez, basándose en su libro de memorias «El tiempo amarillo 1921-1943», un retazo de la historia de un país y de una sociedad que se encaminaba poco a poco hacia la barbarie.

Sin embargo, la obra no pretende relatarnos la historia de España a mediados del siglo XX. O mejor dicho, sí, pero a través de los miembros de una familia humilde, la de Fernán-Gómez, que utiliza como espejo para hablarnos de esa época. Y lo hace principalmente a través de las mujeres que marcaron en sus inicios la vida del actor, autor y director de cine, esto es, su abuela y su madre, la cómica a la que hace referencia el título de la obra.

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Sacristán ha condensado en 80 minutos una época y una forma de vida ya desaparecida y lo ha hecho de una forma exquisita, con un monólogo en el que su actuación es la clave de todo. Un arte de actuar, por cierto, esculpido a lo largo de toda una vida y que permite al actor enfrentarse a cualquier proyecto escénico con total garantía de éxito.

José Sacristán es Fernán-Gómez, es su madre (Carola Fernán Gómez), es su abuela, y es, como he dicho, el vivir de una época cada vez más lejana y extraña en un mundo como el nuestro acelerado y artificial.

Esperad, pues, un escenario casi vacío, con una pocas sillas y diversos cachivaches, pero que está lleno de teatro y esperad, también, un José Sacristán magistral que se confunde las más de la veces con su amigo Fernando Fernán-Gómez, tanto es así que el público puede llegar a dudar en algún momento sobre qué personaje se basa realmente la obra. Sacristán pone todo su empeño en ello, para darnos a conocer episodios de la vida de un comediante y de una sociedad anclada en el pasado.

La única concesión a la modernidad es la gran pantalla digital que acompaña el relato de Sacristán, con toda una serie de imágenes que contextualizan visualmente lo que dice. A parte de eso solo está Sacristán que, de nuevo, hace levantarse en un aplauso final a todo el público asistente, fuera de la fecha del estreno, algo que, os puedo asegurar, no es ni mucho menos habitual.

Así que ya lo sabéis, El hijo de la cómica no os propone un gran musical con temas tarareados por todos, no ambiciona impactaros con grandes tramas escénicas ni con giros inesperados, tan solo pretende que un gran actor hable sobre otro gran actor, y a través de sus vivencias hacernos revivir una época en la que la vida era otra cosa, algo muy diferente de lo que es hoy en día, un vestigio del pasado, pero un ejemplo, también de buen teatro.

“El hijo de la cómica” se representa en el teatre Romea del 2 de septiembre al 4 de octubre de 2026.

Basado en: El hijo de la cómica de «El tiempo amarillo 1921-1943» de Fernando Fernán-Gómez
Adaptación y dirección: José Sacristán
Intérprete: José Sacristán
Escenografía audiovisual: Juan Estelrich
Vestuario y atrezo: Picaporte
Iluminación: Tatiana Reverto
Producción: Pentación Espectáculos

Horarios: de martes a sábado a las 19:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 22,05€
Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Exposición: Banquetes. Los ritos del vino entre íberos, griegos y romanos, en el Museo Arqueológico de Murcia (MAM)

¿Qué significaba beber vino en la Antigüedad? Mucho más que una cuestión gastronómica. El vino, los recipientes utilizados para servirlo y los propios banquetes formaban parte de complejos rituales sociales en los que se establecían relaciones de prestigio, poder, identidad y pertenencia. El Museo Arqueológico de Murcia propone descubrir esta dimensión de la cultura antigua con la exposición “Banquetes. Los ritos del vino entre iberos, griegos y romanos”, una muestra que reúne una selección excepcional de piezas arqueológicas vinculadas al consumo del vino y a las celebraciones colectivas. La exposición podrá visitarse hasta el 20 de septiembre de 2026 (AMPLIADA AL MES DE OCTUBRE), con entrada gratuita.

La propuesta permite acercarse a tres maneras diferentes de entender el banquete: el simposio griego, el banquete ibérico y el convivium romano. Aunque cada una de estas culturas desarrolló sus propias normas y rituales, en todas ellas compartir alimentos y vino podía convertirse en una poderosa herramienta de relación social. El vino no era simplemente una bebida: su consumo estaba regulado por determinadas prácticas y acompañado de recipientes específicos, mientras que participar en un banquete podía contribuir a reforzar vínculos económicos, sociales y políticos.

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Uno de los grandes atractivos de la muestra es precisamente su dimensión arqueológica. La mayor parte de las piezas procede del valle del río Segura y muchas fueron encontradas en contextos funerarios ibéricos. Su presencia en las tumbas demuestra el valor que determinados objetos relacionados con el banquete podían alcanzar como elementos de prestigio y como parte del ajuar del difunto. Otras piezas proceden de contextos domésticos de alto nivel y permiten aproximarse a las formas de vida, el poder económico y las costumbres de las élites de las comunidades antiguas de la Región de Murcia y territorios próximos.

Entre las piezas que pueden contemplarse destacan las vajillas griegas y, especialmente, las cráteras, grandes recipientes destinados a mezclar el vino con agua antes de su consumo. La exposición muestra también imitaciones ibéricas de estos recipientes, una interesante evidencia de cómo las comunidades locales no se limitaron a importar objetos y costumbres, sino que incorporaron y adaptaron determinados modelos mediterráneos. A ellas se suma una importante selección de vajilla de bronce, uno de los materiales de mayor prestigio en la Antigüedad: jarras, cazos, bandejas, coladores, calderos e incluso un curioso rallador de queso, procedentes de diferentes ámbitos del Mediterráneo.

El recorrido permite además comprender la dimensión religiosa del vino. En el mundo griego estuvo estrechamente relacionado con Dioniso, mientras que en la tradición romana su figura se identificó con Baco. Sátiros, ménades y otras representaciones vinculadas al dios aparecen en distintos objetos y soportes artísticos, recordándonos que el vino podía situarse en un territorio donde se mezclaban lo cotidiano, lo ritual y lo religioso. La exposición, comisariada por Raimon Graells i Fabregat y Carlos Espí Forcen, plantea así una mirada al mundo antiguo a través de uno de sus espacios sociales más reveladores: el momento de reunirse alrededor de una mesa para comer, beber y establecer relaciones.

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“Banquetes. Los ritos del vino entre iberos, griegos y romanos” es, en definitiva, una oportunidad para descubrir que detrás de una copa, una crátera o una elegante jarra de bronce se esconden historias sobre poder, prestigio, comercio, religión, relaciones sociales y formas de entender la vida y la muerte. Una exposición especialmente recomendable para quienes quieran acercarse a la Antigüedad desde un aspecto aparentemente cotidiano pero fundamental para comprender aquellas sociedades: la cultura del banquete.

Museo: Museo Arqueológico de Murcia (MAM)
Exposición: Banquetes. Los ritos del vino entre iberos, griegos y romanos
Fechas: hasta el 20 de septiembre de 2026 (AMPLIADA AL MES DE OCTUBRE)
Entrada: gratuita
Horario:
● martes a viernes, de 10:00 a 14:00 h y de 17:00 a 20:00 h
● sábados, de 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 20:00 h
● domingos y festivos, de 11:00 a 14:00 h.

El otro lado de la cama: amor, sexo, mentiras y música sobre el escenario del Teatro Nuevo Alcalá

¿Qué ocurre cuando el amor, la amistad y el deseo deciden dejar de respetar las reglas? Esa es la pregunta que vuelve a plantear El otro lado de la cama, la comedia musical basada en el célebre guion cinematográfico de David Serrano que llega de nuevo al escenario del Teatro Nuevo Alcalá de Madrid. Una historia de parejas, amistades, infidelidades, secretos y celos que recupera el espíritu de una de las películas españolas más populares de comienzos de los años 2000 y lo transforma en un espectáculo teatral lleno de humor, canciones y enredos. El montaje que está dirigido por Joan Olivé y ha sido adaptado para la escena por Borja Rabanal, estará en cartelera hasta el próximo 25 de octubre.

La historia comienza con dos parejas aparentemente felices. Paz y Ernesto están juntos, mientras Natalia y Guillermo forman la otra pareja y los cuatro mantienen una estrecha amistad. Pero la aparente estabilidad dura poco. Natalia se enamora de otro hombre y decide abandonar a Guillermo. Este, desconcertado y abatido, busca apoyo en Ernesto, su mejor amigo. Lo que no sabe es que precisamente Ernesto tiene mucho más que ocultar de lo que podría imaginar. Mientras Paz cree que su relación funciona perfectamente y que ambos están a punto de comprar un piso juntos, las relaciones entre los cuatro comienzan a complicarse hasta convertir la amistad y el amor en un auténtico laberinto sentimental.

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El montaje conserva uno de los elementos fundamentales que hicieron reconocible a El otro lado de la cama: la combinación de comedia de enredo y música. Los personajes no solamente hablan de sus problemas sentimentales, sino que también cantan y bailan, convirtiendo la historia en una especie de jukebox musical en el que las canciones forman parte de la acción. La dirección musical corre a cargo de Ernest Fuster, mientras que la escenografía está firmada por David Pizarro y Rober de Arte. El resultado busca mantener el ritmo vertiginoso de una historia en la que cada nueva revelación provoca otra complicación.

El reparto actual de la obra está formado por Ariana Bruguera, Mònica Macfer, Nuria Herrero, Agustín Otón, Ricky Mata y Adrià Olay, que interpretan a los seis personajes principales. La adaptación conserva la estructura de relaciones cruzadas y el humor del texto original, pero aprovecha las posibilidades del directo: la proximidad entre actores y espectadores, la música interpretada sobre el escenario y la energía propia de una comedia que necesita del ritmo para que los equívocos se sucedan a toda velocidad. Y hay además un componente de nostalgia generacional que puede resultar especialmente atractivo para quienes recuerdan la película original.

El otro lado de la cama se representa en la Sala 2 del Teatro Nuevo Alcalá, en Madrid. Una oportunidad para volver a meterse en el universo de una historia que convirtió los enredos sentimentales en canciones y que ahora busca una segunda vida sobre el escenario.

«El otro lado de la cama» se representa del 27 de agosto al 25 de octubre de 2026 en el Teatro Nuevo Alcalá.

Dirección: Joan Olivé
Autoría: David Serrano
Adaptación: Borja Rabanal
Dirección musical: Ernest Fuster
Reparto: Ariana Burguera, Ana Villar, Mònica Macfer, Nuria Herrero, María Petri, Agustín Otón, Ricky Mata, Adrià Olay
Escenografía: David Pizarro, Rober de Arte
Iluminación: Néstor González
Sonido: Néstor González
Vestuario: Anna Comma
Producción: Articulos de conya

El Horizonte de Keops: viajar al Antiguo Egipto sin salir de Madrid

¿Qué ocurriría si pudiéramos caminar por la Gran Pirámide de Guiza tal y como era hace más de cuatro milenios? Esa es la propuesta de El Horizonte de Keops, una experiencia de realidad virtual inmersiva que llega a Madrid para convertir la historia y la arqueología en una aventura que se puede vivir en primera persona.

La experiencia, disponible desde abril de 2026 en Fever Hub Madrid, combina tecnología, divulgación histórica y entretenimiento para recrear algunos de los espacios y misterios relacionados con la pirámide de Keops y la cultura del Antiguo Egipto.

Durante aproximadamente 45 minutos, los participantes se equipan con un visor de realidad virtual y se introducen en un entorno compartido en el que pueden desplazarse físicamente e interactuar con otros visitantes. El recorrido propone retroceder unos 4.500 años, hasta la época de la IV Dinastía egipcia, para explorar la Gran Pirámide de Guiza, conocer aspectos de la sociedad y las costumbres del Egipto faraónico y descubrir algunos de los grandes enigmas asociados a este monumento.

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La propuesta no se limita a recrear un escenario espectacular. Según la organización, el proyecto ha contado con años de investigación y recopilación de datos, además de la colaboración de Peter Der Manuelian, profesor de Egiptología de Harvard, y su equipo del Giza Project, con el objetivo de construir una experiencia fundamentada en información arqueológica e histórica.

Uno de los aspectos más interesantes de El Horizonte de Keops es precisamente la combinación de disciplinas. La realidad virtual se convierte aquí en una herramienta para acercarse al patrimonio cultural de una manera que difícilmente podría conseguir una visita convencional.

La experiencia permite explorar espacios relacionados con las pirámides, aproximarse a determinados rituales y costumbres del Antiguo Egipto e incluso encontrarse con personajes y elementos de su universo religioso, como la diosa Bastet. El resultado busca situar al visitante en el centro de la historia: no se trata solamente de observar una recreación, sino de caminar por ella.

La experiencia está recomendada para mayores de 10 años y se presenta como una actividad especialmente interesante para quienes quieran acercarse a la historia, la arqueología y la tecnología desde una perspectiva diferente.

Además de las visitas individuales, El Horizonte de Keops contempla grupos escolares, actividades de empresa, celebraciones y otras visitas colectivas.

Durante unos minutos, Madrid se convierte así en la puerta de entrada a Guiza. Un viaje en el que las gafas de realidad virtual sustituyen al avión y permiten recorrer, desde el presente, algunos de los escenarios vinculados a una de las civilizaciones más fascinantes de la historia.

Horizonte de Keops

Dónde: Fever Hub Madrid | Experiencias Inmersivas, Calle Raimundo Fernández Villaverde, 57, Madrid.
Cuando: del 24 de abril al 31 de octubre de 2026
Duración: aproximadamente 45 minutos.
Edad mínima: 10 años y una altura mínima de 1,30 metros.
Formato: experiencia inmersiva de realidad virtual con desplazamiento a pie.
Idiomas: español e inglés.
Transporte: las estaciones de Metro de Nuevos Ministerios y Santiago Bernabéu se encuentran a pocos minutos a pie.

Más información: Web El Horizonte de Keops

Un barco romano de 2.000 años emerge de las profundidades de Sicilia

El Mediterráneo continúa revelando secretos de su pasado. Esta vez, frente a las costas de Mazara del Vallo, en Sicilia, a unos 5 kilómetros de la localidad, donde dos buceadores localizaron los restos de un barco romano que permanecía bajo el mar desde hace aproximadamente dos mil años,

El descubrimiento se produjo de manera casi accidental. Los buceadores italianos Giacomo De Mola e Igor Bisulli exploraban las aguas de la costa siciliana cuando detectaron una anomalía en el fondo marino. Lo que inicialmente parecía una formación rocosa resultó ser un importante yacimiento arqueológico subacuático.

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Los restos del naufragio se encuentran a unos 46 metros de profundidad y ocupan una extensión aproximada de 21 metros de largo, seis de ancho y casi dos metros de altura.

Uno de los elementos más llamativos del hallazgo es su cargamento. Los investigadores han identificado cientos de ánforas de cerámica, muchas de ellas del tipo Dressel 1A, recipientes utilizados durante la Antigüedad para transportar productos como vino y aceite de oliva.

También han aparecido ánforas Lamboglia 2 y dos anclas de plomo, entre otros restos. La diversidad de materiales proporciona pistas sobre las redes comerciales que atravesaban el Mediterráneo hace más de dos mil años.

El conjunto arqueológico parece corresponder a una embarcación de los siglos II o I a. C., una época de grandes transformaciones políticas y económicas en el Mediterráneo, cuando Roma incrementaba progresivamente su influencia sobre las distintas regiones del Mare Nostrum.

La localización del pecio no es casual desde el punto de vista histórico. Sicilia ocupaba una posición estratégica en el Mediterráneo y sus aguas formaban parte de algunas de las principales rutas utilizadas por comerciantes y navegantes de la Antigüedad.

El naufragio permite imaginar aquellas rutas marítimas por las que circulaban mercancías, personas y culturas. Las ánforas recuperadas son especialmente importantes porque no solo servían como recipientes: sus formas, procedencias y distribución pueden ayudar a los arqueólogos a reconstruir los circuitos comerciales de su época.

Por ello, el descubrimiento tiene un valor que va mucho más allá de encontrar un barco hundido. El pecio constituye una especie de cápsula del tiempo, capaz de aportar información sobre la economía, la navegación y los contactos entre diferentes comunidades mediterráneas.

     

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La intervención de las autoridades ha permitido confirmar la importancia del yacimiento. La Superintendencia del Mar de Sicilia, junto con la unidad de protección cultural de los Carabinieri, se ha hecho cargo de la protección y documentación del hallazgo. En este caso, las autoridades trabajan en la documentación detallada del pecio mediante técnicas como el levantamiento tridimensional, que permite crear modelos digitales del yacimiento y analizar su estructura. La investigación también deberá determinar en qué estado se conserva la embarcación y si el lugar sufrió saqueos antes de ser localizado oficialmente.

Por el momento, no está previsto reflotar todo el pecio. La fragilidad de los restos y la necesidad de estudiarlos cuidadosamente hacen que la conservación in situ pueda ser una de las opciones más adecuadas. Algunos objetos, sin embargo, podrían recuperarse para su análisis científico.

Cada naufragio antiguo ofrece una oportunidad excepcional para conocer aspectos de la vida cotidiana que rara vez aparecen en las fuentes escritas. Un barco mercante conservado bajo el mar puede revelar qué productos se transportaban, de dónde procedían, hacia dónde se dirigían y qué tipo de embarcaciones utilizaban los comerciantes. El pecio de Mazara del Vallo se suma así al extraordinario patrimonio arqueológico que permanece bajo las aguas del Mediterráneo.

Más de dos mil años después de su hundimiento, sus ánforas siguen contando una historia: la de un Mediterráneo conectado por rutas marítimas, intercambios comerciales y encuentros entre culturas.

Fuente: RPP / EFE.

Viaja a la Antigua Roma con «Coliseo: El Mítico Escenario», la nueva experiencia inmersiva de Eclipso Barcelona

La historia cobra vida gracias a la realidad virtual con «Coliseo: El Mítico Escenario», la nueva propuesta de Eclipso Barcelona que invita al público a recorrer la Antigua Roma como nunca antes. A través de una experiencia inmersiva de aproximadamente 45 minutos, los visitantes podrán explorar mercados, pasillos y la emblemática arena del Coliseo mientras siguen los pasos de Flamma, uno de los gladiadores más legendarios del Imperio Romano.

Eclipso Barcelona amplía su catálogo de experiencias culturales en realidad virtual con «Coliseo: El Mítico Escenario», una producción que combina rigor histórico, recreación digital y tecnología inmersiva para transportar al espectador dos mil años atrás en la historia, hasta el corazón de la Roma imperial.

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La propuesta permite recorrer libremente diferentes espacios de la ciudad eterna, desde sus bulliciosos mercados hasta los túneles y la arena del Coliseo, donde el visitante será testigo de los combates protagonizados por Flamma, un célebre gladiador que, según las fuentes históricas, disputó más de treinta batallas y prefirió la gloria a obtener la libertad.

Desarrollada en colaboración con el estudio Small Creative, la experiencia destaca por la reconstrucción detallada de la arquitectura, la ambientación y la recreación de la vida cotidiana de la Roma antigua. Gracias a la tecnología de realidad virtual de libre movimiento, los asistentes podrán desplazarse por el escenario, interactuar con el entorno y compartir la aventura con otros participantes, convirtiendo la visita en una propuesta tanto educativa como espectacular.

Con una duración aproximada de 45 minutos, «Coliseo: El Mítico Escenario» está recomendada para mayores de 8 años y se presenta como una opción ideal para aficionados a la historia, familias y amantes de las experiencias inmersivas que buscan una forma diferente de descubrir el pasado.

Exposición inmersiva: Coliseo: El Mítico Escenario

Espacio: Centro comercial Arenas de Barcelona (Gran Via de les Corts Catalanes, 385)

Horarios:
● Fuera de vacaciones escolares:
Lunes y martes: 11:00 a 19:00 h
Miércoles, jueves, viernes, sábado y domingo: 11:00 a 21:30 h.

● Durante las vacaciones escolares:
Todos los días: 11:00 a 21:30 h.

Entrada general (adultos): 22 €
Entrada reducida (estudiantes, menores de 18 años, personas con movilidad reducida y desempleados): 17 €
Tarifa de grupo (a partir de 4 personas): 17 €

Duración de la experiencia: aproximadamente 45 minutos.
Edad mínima recomendada: 8 años
No recomendada para personas con problemas cardíacos, epilepsia o portadoras de marcapasoseb

Más información: Web Coliseo: El Mítico Escenario

Crónica concierto especial James Horner. La banda sonora de la eternidad (Auditorio Nacional de Música, Madrid)

Todos somos conscientes de la importancia de la imagen en una película. Una de las grandes claves de su éxito radica en ellas. Pero no son menos importantes otros aspectos de un film, como el guion, las interpretaciones, la fotografía o, evidentemente, la música. Es por ello que en los últimos años se han hecho cada vez más populares en los auditorios los conciertos de bandas sonoras. Primero fueron los de los compositores más populares, esto es, John Williams, Ennio Morricone, Jerry Goldsmith o Hans Zimmer. Con el tiempo les ha llegado la hora a otros compositores. Él último afortunado ha sido James Horner, del que sus seguidores gozaron de un concierto de alto voltaje musical organizado el pasado 26 de junio por la Film Symphony Orchestra.

Y la ocasión valió la pena. Ya era hora de que el legado musical de Horner pudiera ser disfrutado por los amantes de las bandas sonoras, teniendo en cuenta que muchos de los éxitos de los 90 y los 2000 tienen su firma.

El concierto comenzó de la mejor forma posible, con el tema principal de Star Trek II la Ira de Khan que proveyó al concierto desde sus inicios de la intensidad que necesitaba. A partir de ahí no dejaron de sonar grandes éxitos compuestos por Horner. Con los temas de Leyendas de pasión y Troya, ambas películas interpretadas por Brad Pitt, la selección se internó en el tema histórico, para dar paso a una selección de grandes películas de fantasía y ciencia-ficción en las que Horner destacó con una sensibilidad y una determinación sin parangón.

El público pudo gozar, así, de la música de películas como Deep Impact, Willow, The Amazing Spider-Man, Apolo 13 o Avatar, películas que Horner supo desarrollar musicalmente, alcanzando una maestría compositiva difícil de igualar.

La selección tuvo también espacio para otras temáticas, como la de los trastornos mentales que afectaron a John Forbes Nash, una de las mentes matemáticas más destacadas del siglo XX en Una mente maravillosa; la rebeldía escocesa liderada por William Wallace en el siglo XII en Braveheart o la azarosa llegada de una familia de ratones europeos migrantes a EE.UU. en Fievel y el Nuevo Mundo, para seguir con la interpretación de los temas de películas como Rocketeer, Titanic o Cocoon.

Como siempre vale la pena destacar algunos momentos del concierto. Uno de ellos fue el Lullaby de Casper, o los créditos finales de En busca del Valle encantado, dos momentos musicales a los que Horner supo dotar de una ternura musical verdaderamente emotiva.

Como siempre la FSO y los coros que la acompañaban se desenvolvieron sobre el escenario con una interpretación a la altura de los requerimientos técnicos que la composición de Horner siempre impone. Asimismo, Constantino Martínez-Orts supo, también como siempre, poner en antecedentes al público a la hora de comentar las bandas sonoras que iba interpretando la orquesta, con toda una serie de indicaciones técnicas y musicales que enriquecieron la experiencia musical.

Aunque la selección de la FSO estuvo muy acertada, de Horner siempre se queda algo en el tintero musical. Creo que alguna referencia a la banda sonora de Krull o a Proyecto Brainstorm, ambas de 1983, hubieran conseguido alzar aún más el nivel de un concierto de altura. Aún así hay que felicitar a FSO por su portentosa actividad de difusión de la banda sonora cinematográfica y por realizar toda una serie de conciertos que se convierten no solo en un deleite para el público presente, sino en una experiencia musical inmersiva difícil de olvidar.

CONCIERTO ESPECIAL JAMES HORNER. LA BANDA SONORA DE LA ETERNIDAD

Dónde: Auditorio Nacional de Música — Sala Sinfónica, Calle Príncipe de Vergara 146, Madrid
Cuándo: Viernes 26 de junio de 2025 a las 22:30 horas
Precios entradas: de 34 € a 67 €
Más información:Web Film Symphony Orchestra

NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa