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Actualidad: Todos los futuros perdidos, de Eduardo madina y Borja Sémper

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Hoy os presentamos en Culturalia Todos los futuros perdidos de Eduardo Madina y Borja Sémper, una novedad mediática de la que seguro habéis visto u oído hablar en los medios de comunicación en relación a la conmemoración, la semana pasada, de los diez años del cese definitivo de la actividad de ETA.

Este libro comienza con el recuerdo de un día feliz, el 20 de octubre de 2011, en el que la banda terrorista ETA anunció su cese definitivo. Diez años después de aquella fecha histórica, un centenario caserío en Aretxabaleta, cercano a Mondragón, albergaba esta emocionante conversación sobre uno de los episodios más oscuros de nuestro pasado reciente.

Eduardo Madina y Borja Sémper eligieron un simbólico cruce de caminos en el corazón de Euskadi porque la suya es una historia de vidas paralelas con muchos puntos de conexión. Nacidos en Bilbao e Irun con apenas unas horas de diferencia, su compromiso les convirtió desde muy jóvenes en objetivos de la violencia. Ambos vivieron los años más duros del terrorismo en primera línea y desde distintas formaciones políticas. Nunca se plantearon renunciar, a pesar del coste que supuso en sus vidas.

Todos los futuros perdidos es un conmovedor testimonio contra el miedo, el silencio y el olvido. Un libro imprescindible que reivindica la memoria colectiva de un pasado que no debió existir al tiempo que celebra la mayor de las victorias, la de todos los futuros que se ganaron.

Título: Todos los futuros perdidos
Autores: Eduardo Madina y Borja Sémper
Editorial: Plaza & Janés
Colección: Obras diversas
Páginas: 288
Encuadernación: Tapa blanda con solapas / eBook
Fecha de publicación: 7 de octubre de 2021
Precio:
• Tapa blanda: 18,91€
• eBook: 9,49€


Estreno cine: El último duelo, de Ridley Scott

Hoy os presentamos en Culturalia El último duelo, un film histórico dirigido por Ridley Scott con guión de Ben Affleck y Matt Damon, que nos narra una historia de acoso, violación y afrenta ambientada en la Francia medieval.

La película, basada en el libro The Last Duel: A True Story of Trial by Combat in Medieval France de Eric Jager y ambientada en la Francia del siglo XIV, se centra en el duelo entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, dos amigos que se convirtieron en rivales. Cuando la mujer de Carrouges, Marguerite, fue acosada por Le Gris, un cargo que él niega, ella no se queda callada y le acusa, un acto valiente y desafiante que pone su vida en peligro. Al no creerle nadie, su marido acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos, que determinará el destino de los tres.

Título: El último duelo
Año: 2021
Duración: 152 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ridley Scott
Guión: Ben Affleck, Matt Damon, Nicole Holofcener. Libro: Eric Jager
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Matt Damon, Adam Driver, Ben Affleck, Jodie Comer, Harriet Walter, Nathaniel Parker, Marton Csokas, Sam Hazeldine, Michael McElhatton, Zeljko Ivanek, Alex Lawther, Clive Russell, William Houston
Productora: 20th Century Studios, Scott Free Productions, Pearl Street Films, TSG Entertainment
Género: Drama, Siglo XIV, Histórico
Fecha estreno España: 29 octubre 2021

Novetat Novel·la Històrica: Aquitània d’ Eva García Sáenz de Urturi

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Avui us presentem Aquitània, d’Eva García Sáenz de Urturi, un poderós thriller històric que travessa un segle ple de venjances, incestos i batalles. Un misteri torbador entorn de tres vides que forjaran el que més tard serà Europa.

1137. El duc d’Aquitània, la regió més cobdiciada de França, apareix mort a Compostel·la. El cos queda de color blau i amb la marca de l’«àguila de sang», una ancestral tortura normanda. La seva filla Elionor decideix venjar-se, i per això es casa amb el fill de qui creu que és l’assassí: Luy VI el Gras, rei de França.

Però el rei mor durant la boda en idèntiques circumstàncies, i l’Elionor i en Luy VII intentaran descobrir, juntament amb els gats aquitans –els èpics espies dels ducs– a qui li interessa que els reis inexperts ocupin el tron.

Dècades abans de la mort del duc d’Aquitània, un nen sense nom és abandonat al bosc per les seves cinc mares. Potser un monstre, o un sant, el petit supervivent acabarà convertint-se en un dels homes més excepcionals de l’edat mitjana europea.

«Algú feble hauria retrocedit.
Algú covard s’hauria paralitzat.
Algú prudent s’hauria concentrat a defensar-se.
Algú fort hauria seguit endavant malgrat el greuge. Algú com ella, neta del Trobador, duquessa d’Aquitània, estava fent el que la sang li murmurava a crits: tirar amunt, pujar.
Ascendir al tron.
Superar-nos a tots, aliats i enemics, des de dalt».

Torna l’autora de l’exitosa Trilogia de la Ciutat Blanca (El silenci de la ciutat blanca, Els ritus de l’aigua, Els senyors de el temps).

Eva García Sáenz de Urturi és una de les escriptores més populars i aclamades del nostre país. Les seves obres han gaudit de elogioses crítiques a Espanya i la seva fama ha travessat les nostres fronteres. A més de ser una de les autores espanyoles més venudes del món, compta amb més de dos milions de lectors en quaranta països.

Va començar a la seva vocació com a escriptora amb catorze anys, quan el seu professor de Literatura en el col·legi de Sant Viator, Vitòria , li va encarregar com a treball relatar les seves experiències en un diari. Va ser llavors quan va descobrir el valor nutritiu de l’escriptura i ja no va poder abandonar-la ni un sol dia en trenta anys.

Encara que sempre va estar vinculada a la literatura i va guanyar diversos premis de relat amb els seus primers escrits, la seva formació com Òptic-optometrista la va portar a convertir-se amb 27 anys en directiva d’una important empresa multinacional. Després d’una dècada en el sector òptic decidí treballar en la Universitat d’Alacant.

El 2009 va començar a escriure a les nits la seva primera novel·la, «La saga dels longeus», que va publicar tres anys després, el 2012, i es va convertir en un fenomen viral de crítica i vendes que va ser traduïda a l’anglès («The Immortal Collection») amb una gran acollida tant als Estats Units com al Regne Unit i Austràlia.

El 2014 va veure la llum la segona entrega de la saga, «Els fills d’Adam», i també la novel·la històrica «Passatge a Tahití», editada per Espasa (Planeta). Aquest any es va prendre una excedència a la Universitat d’Alacant i des de llavors dedica tot el seu temps a la seva gran passió: escriure novel·les.

El 2016 publica amb l’editorial Planeta «El silenci de la ciutat blanca», un thriller apassionant ambientat a la seva ciutat natal que va suposar tot un fenomen que des de llavors no ha deixat de créixer i guanyar fans anomenats «krakenians».

El 2017 va publicar «Els ritus de l’aigua», la segona i esperada entrega de la «Trilogia de la ciutat blanca». I en 2018 «Els senyors de el temps», l’aclamat tancament d’una trilogia inoblidable.

El 2020 va guanyar el prestigiós Premi Planeta amb la seva novel·la «Aquitània», un thriller històric que va batre rècords de venda des del moment del seu llançament, convertint-se en un dels Premi Planeta més venuts i més ben valorats de la història. Des de llavors ha aconseguit dotze edicions de gran tirada i més d’una dotzena de traduccions.

Títol: Aquitània
Autora: Eva García Sáenz de Urturi
Editorial: Columna Edicions
Col·lecció: Clàssica
Temàtica: Novel·la històrica | Europa medieval | Novel·la negra | Thriller
Nombre de pàgines: 448
Format i preu:
• Tapa dura amb sobrecoberta: 21.90 €
• eBook (Epub 2): 10.99 €

Crítica teatre: Cantando bajo la lluvia, el nou musical de Nostromo Live

S’ha de ser valent i agosarat per portar a l’escena teatral la adaptació de Cantando bajo la lluvia, un dels grans musicals de l’època daurada de Hollywood. Però aquí estem, asseguts al Tívoli, amb les espectatives molt i molt altes per veure la visió del clàssic que Àngel Llàcer i Manu Guix ens proposen.

La aposta és reformular amb una visió més irònica, amb tocs d’humor i gags que fan homenatge a escenes de diferents clàssics com «A night at the opera». És en general un homenatge i seguix una línia continuista amb el musical protagonitzat per Fred Astaire i Ginger Rogers i que narra una història d’amor dels anys 20 del segle passat, quan s’obria pas el cinema sonor.

La seva ambiciosa proposta, a jutjar per la reacció del públic ha estat gairebé perfecta. Tot i que l’espectacle te una bona qualitat, en alguns moments m’ha semblat lent.

A continuació anem a  desgranar una mica cadascun dels aspectes que més m’han agradat.

Destacaria l’orquesta, els 17 músics que van aconseguir des de la primera nota de l’obertura fer callar el públic i captivar-lo. Crec que és un personatge principal més. La sincronització perfecta amb els actors demostra que ells són part de l’escena.

Llàcer segueix amb força fidelitat la pel·lícula, però s’alia amb la tecnologia, les projeccions, per crear escenes genials que et porten al cinema mud dels anys 20.

Personalment, m’hagués agradat que el text fos en català i que si no hi havia més remei que traduir alguna icònica cançó de l’anglès, per allò de fer més entenedora la trama, també fos amb la nostra llengua, però suposo que tot és qüestió de voluntat. I si l’obra ha de fer gira per fora de Catalunya, s’havia de fer un altre esforç econòmic per la feina de tornar a traduir-ho al castellà.

Un dels plats forts d’aquest musical optimista i vital, és precisament aquesta energia positiva que transmet al públic, que pica de mans per acompanyar el ritme de les cançons o son convidats a interactuar amb Mireia Portas en les escenes de dicció.

Pel que fa a l’actuació dels personatges, penso que s’han deixat endur una mica per la forma de gesticular de les pel·lícules dels anys 20. És a dir, els trobo exagerats, amb el to i els gestos. A mi  em posa nerviosa tanta solemnitat ja que em recorda al teatre amateur, on tot i la bona voluntat dels actors, no acaben de ser creïbles. Però com tot, és qüestió de gustos, perquè quan alguna cosa em grinyolava, girava el cap i observava la reacció del públic, i els veia totalment enganxats a l’escena.

Pel que fa a les interpretacions, per mi el que és deixa la veu, els peus i la suor a l’escenari es Ricky Mata. Que juga perfectament en totes les escenes amb l’espectador, i diu en veu alta el que tots estem pensant, fent de el nostre «Pepito grillo» col·lectiu.

I  en la part femenina, em decanto per Sylvia Parejo, amb la seva intervenció de «Beutiful girl» al primer acte, amb una gran qualitat vocal i escènica. Magnifica. 

L’Escenografia d’Enric Planas i  tot l’equip tècnic d’Agustí Custey potser són els grans guanyadors de la nit. Parlàvem abans que els músics eren un personatge més que t’acompanyava durant tota l’obra, però no podem obviar la gran qualitat escenogràfica que ajuda a l’espectador i als personatges a portar un ritme constant que et fa estar entretingut, gaudint de cadascun dels canvis coreografiats a la perfecció.  Estem parlant de 23 actors i ballarins , 29 músics en directe, 190 canvis de vestuari, 75 canvis d’escena i a més un tanc amb 1000 litres d’aigua, i gestionar això amb dos passes en cap de setmana té la seva dificultat.

“Cantando bajo la lluvia” se represent en el teatre Tívoli del del 15 de setembre al 28 de novembre de 2021.

Direcció: Àngel Llàcer
Interprets: Ivan Labanda, Diana Roig, Ricky Mata, Mireia Portas, José Luis Mosquera, Oriol Burés, Clara Altarriba, Bernat Cot, Bittor Fernández, Miguel Ángel Belotto, Júlia Bonjoch, Sylvia Parejo
Autors: Betty Comden y Adolph Green
Traducció i adaptació: Marc Artigau
Direcció musical: Manu Guix y Andreu Gallén
Lletres: Arthur Freed
Música original: Nacio Herb Brown
Bailarins: Diana Girbau, Empar Esteve, Sara Martín, Carmen Soler, Clara Casals, Adrián García, Marc Sol, Albert Escobar, Pablo López, Julia Saura Chema Zamora
Escenografía: Enric Planas
Iluminació: Albert Faura
So: Roc Mateu
Vestuari: Míriam Compte
Coreografía: Myriam Benedited

Horaris i preus: Página Grup Balañà
Duració: 2 hores i 30 min
Idioma: castellà
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Teresa Gilisbars

Los casinos en la literatura

La mayoría de nuestros queridos juegos de casino se remontan a una época muy anterior a los casinos online y las aplicaciones móviles. Entramos a portales web tan conocidos como Monopoly Casino para pasar un buen rato, pero se nos olvida que como elemento cultural popular en todo el mundo, han sido representados en distintos ámbitos artísticos como películas o libros clásicos.

Los casinos y los juegos de azar se mencionan en muchas obras literarias, tanto antiguas como nuevas. Siempre representado una temática de tensión y misterio, estos espacios han aparecido tanto en un thriller de espías de James Bond como en una novela más tranquila de Dostoievski. La cuestión es que han sido utilizados por muchos de nuestros autores favoritos como recurso argumental y finalmente, se han trasladado a medios de comunicación más convencionales.

En este artículo, exploraremos distintas obras literarias en la que los juegos de casino han tenido un papel destacado y entenderemos qué valores simbolizan en el ámbito de la cultura popular.

Casino Royale de Ian Fleming

El casino aparece representado en las famosas novelas de Ian Fleming sobre James Bond, y su primera obra, Casino Royale, es quizás el mejor ejemplo. Publicada por primera vez en 1953, la obra narra la misión de Bond para derrocar a Le Chiffre, un financiero de una agencia de contraespionaje soviética, en una arriesgada partida de Baccarat Chemin-de-fer.

Este clásico del género de espionaje muestra las emociones y tensiones durante una partida de Baccarat y presentó a Bond, el espía que se convertiría en un personaje de la cultura popular de todo el mundo. La adaptación cinematográfica de 2006 protagonizada por Daniel Craig es la película de Bond mejor valorada en IMDB, lo que demuestra el valor intemporal del agente 007.

El jugador de Fiódor Dostoievski

Dostoievski, autor de clásicos como Crimen y castigo y Los hermanos Karamazov, presentó El jugador. Esta novela narra la historia de Alexei Ivanovich, que busca construir su estatus y arreglar sus problemas financieros ganando en la mesa de la ruleta. La presencia del interés amoroso de Alexei, Polina, hija de un general ruso, impulsa la motivación del protagonista a lo largo de esta conmovedora obra de ficción.

Dostoievski aborda temas clave como el amor y el dinero en esta novela. Presenta la idea de que el verdadero valor de una persona no se encuentra en la riqueza o el estatus. Aunque la ruleta ocupa un lugar destacado en la novela, el autor explora la idea de que el casino es solo un medio para divertirse con las personas que uno quiere y no para cumplir sueños.

Casino: Amor y honor en Las Vegas de Nicholas Pileggi

Pileggi escribió esta novela de no ficción para contar la pérdida de influencia de la mafia sobre los casinos legales de Las Vegas, que comenzó en 1931. Con este libro, el autor dio una visión inédita del turbio mundo de la mafia, incluyendo el blanqueo de dinero y las batallas con la policía local. La mafia, como era el caso de la conocida familia Genovese, se dedicaba a desvalijar los ingresos de los casinos locales para conseguir su dinero. Esto duró hasta que el FBI se dio cuenta y erradicó la influencia del crimen organizado en los centros de juego de Las Vegas a principios de la década de 1980.

Poco después de que se publicara la novela de Pileggi en 1995, se llevó a cabo una película llamada Casino. La película fue aún más popular que el libro, protagonizada por Robert De Niro, Joe Pesci y Sharon Stone. Con actores así, no nos sorprende que fuera un éxito de taquilla.

21 Blackjack de Ben Mezrich

La novela de Ben Mezrich cuenta la historia real de un grupo de estudiantes del MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts) que aplican sus habilidades al juego de cartas del blackjack. La obra de 2002 tuvo una fiel adaptación cinematográfica seis años más tarde titulada 21 Blackjack, dirigida por Robert Luketic.

Es importante entender cómo la literatura y los medios de comunicación pueden cambiar la visión que el público general tiene de los casinos. Dependiendo del contexto, puede representar el lujo como en las películas de Bond o simplemente un lugar donde la clase trabajadora acude para ir a pasarlo bien, como se muestra en las viejas películas de cowboys. Pero en algo estaremos de acuerdo, los casinos siempre vivirán en nuestra mente como representación del misterio, las vidas extravagantes y la seducción.

El teatro musical regresa a los escenarios de Barcelona

Este mes de octubre en Barcelona el teatro comienza a coger impulso con el inicio de una temporada que intenta dejar atrás las trágicas consecuencias y las restricciones provocadas por la pandemia. Y uno de los géneros que destacan en este inicio de temporada es el musical, con estrenos señalados que comienzan, de nuevo, a copar las grandes marquesinas de los teatros.

Os destacamos aquí tres estrenos musicales que creemos que son indispensables para cualquier amante del género:

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Fama, en el Teatro Apolo

Fama, el musical versión de éxito internacional, el fenómeno de la cultura pop sobre la legendaria escuela de secundaria de artes escénicas de Nueva York.

Concebido y desarrollado por David De Silva, conocido como «Father Fame», este musical de alto octanaje presenta la canción principal ganadora del Oscar y una serie de otros números pop pegadizos.

El espectáculo sigue a la última clase de la célebre High School for the Performing Arts de la ciudad de Nueva York desde su admisión en 1980 hasta su graduación en 1984. Todas las luchas, miedos y triunfos, desde el prejuicio hasta el abuso de sustancias, se representan con un enfoque nítido, mientras los jóvenes artistas navegan por los mundos de la música, el teatro y la danza.

Fama es una sensación internacional que continúa llegando a las nuevas generaciones de artistas y público.

Fama” se representa en el Teatro Apolo del 8 de octubre al 28 de noviembre de 2021

Billy Elliot_el musical

Billy Elliot, en el Teatre Victòria

Billy Elliot. El Musical, llega a el Teatro Victòria de Barcelona tras once temporadas de gran éxito en Londres, cuatro a Broadway y tres en Madrid.

Este musical incluye la exquisita banda sonora compuesta por Elton John, con increíbles coreografías, una puesta en escena espectacular y una historia emocionante en una experiencia teatral única que ha conquistado los corazones de millones de espectadores en todo el mundo.

El musical narra la historia del joven Billy, nacido en una ciudad del norte de Inglaterra en la que los hombres practican el boxeo y trabajan en la mina. Ninguno de ellos baila ni alberga ambiciones de presentarse a la Royal Ballet School. Pero Billy es diferente. Criado por un padre viudo, sin el cariño de una madre, a Billy no le gusta el boxeo pero está cautivado por la gracia y la maravilla del ballet. Con férrea determinación luchará para alcanzar sus sueños, devolviendo la unión a su familia y la fe a una comunidad devastada por el convulso final de la industria minera británica.

“Billy Elliot” se representa en el Teatre Victòria del 9 de octubre al 28 de noviembre de 2021

El Guardaespaldas, en el teatro Coliseum

El Guardaespaldas, el musical, basado en la exitosa película de Whitney Houston y Kevin Costner, llega al teatro Coliseum el próximo mes de noviembre.

“El Guardaespaldas” es un thriller romántico que gira en torno a la estrella y diva del pop Rachel Marron, quien se ve obligada a contratar a un guardaespaldas al verse acosada por un fan. El libreto cuenta con muchas de las canciones de la película, que se convirtió en la banda sonora más vendida de todos los tiempos al vender 48 millones de copias a nivel mundial.

El espectáculo contiene grandes éxitos de Whitney Houston, como “Queen of the Night”, “I Wanna Dance with Somebody” o el inolvidable tema “I Will Always Love You”.

El Guardaespaldas” se representa en el teatro Coliseum del 27 de noviembre al 12 de diciembre de 2021

Bueno, ya veis que la temporada de teatro musical en Barcelona comienza con fuerza. Esperamos, pues, que esto solo sea el inicio de una temporada de teatro musical que nos haga resarcirnos de un periodo que todos y todas, de una forma u otra, pretendemos superar!!

Novedad historia: La llama de Mileto, de John Freely, Alianza Editorial

Hoy os presentamos en Culturalia La llama de Mileto, de John Freely, un análisis histórico del origen del pensamiento científico en la Grecia clásica.

En el siglo VI a. C. la ciudad griega de Mileto, situada en la costa occidental de Anatolia, fue el epicentro desde el que se desencadenó la revolución intelectual que sentaría las bases para el desarrollo de nuestro conocimiento moderno del mundo. Trazando un hilo que recorre cerca de dos mil años de historia desde Tales de Mileto hasta Newton, John Freely narra el apasionante relato de la ciencia griega desde su nacimiento en la costa egea de Asia Menor, pasando por su consolidación en la Atenas clásica y el mundo helenístico y la preservación de su legado en el mundo islámico medieval y Bizancio, hasta su recuperación definitiva como fundamento de las nuevas formas de saber que, condensadas en torno a nuestra moderna concepción de la ciencia, verían la luz en la Europa del siglo XVII.

John Freely (1926-2017). Físico, escritor de viajes, historiador de la ciencia y apasionado de Grecia y Turquía, donde fue profesor en la Universidad del Bósforo de Estambul, fue autor de más de cuarenta obras centradas en estos temas y regiones. En España se ha publicado su libro “El mundo de Homero. Una guía de viaje por la Ilíada y la Odisea”.

Título: La llama de Mileto
Autor: John Freely
Editorial: Alianza Editorial
Colección: Alianza Ensayo
ISBN: 978-84-1362-317-7
Fecha de publicación: 29 de abril de 2021
Formato: papel y eBook
Páginas: 304
Precio:
• papel: 24€
• eBook (Epub): 15,98€

Crítica teatro: Tartufo, en el Teatro Reina Victoria (Madrid)

El teatro es sinónimo, muchas veces, de clásico, aquel texto que se representa una y otra vez a través del tiempo y de las generaciones, ya sea por la belleza de sus formas o por lo destacado de los temas, actuales o universales, que examina. De ahí que siempre se representen los clásicos.

Tartufo se estrenó el pasado 1 de septiembre en el Teatro Reina Victoria de Madrid con la doble intención de interactuar escénicamente con el texto de Molière y de repensar, desde un punto de vista actual, la obra del dramaturgo francés.

“El buen burgués Orgón ha caído bajo la influencia de Tartufo, un falso devoto, que busca quedarse con todos sus bienes. El impostor exagera la devoción y llega a convertirse en el director espiritual de Orgón. Además, pretende casarse con la hija de su benefactor, al tiempo que trata de seducir a la segunda esposa de este, Elmira. Una vez desenmascarado, tratará de aprovecharse de unas donaciones firmadas que Orgón le ha transmitido para intentar echar al dueño de su propia casa. Recurre, incluso, ante el rey, pero éste, hace que Tartufo sea detenido al descubrir que el beatucón no es más que un estafador”.

Ernesto Caballero nos ofrece una adaptación diferente y actual del Tartufo de Molière, en el que la búsqueda del sentido del texto es el objetivo central de la representación. Los actores y las actrices que se preparan para iniciar la interpretación de la obra son abordados por la “chica de la limpieza” del teatro instantes antes de que dé comienzo la representación. Sus comentarios provocarán en ellos una crisis interpretativa que los llevará a reflexionar sobre por qué están representando la obra en cuestión. Y es aquí donde radica la originalidad de esta versión de Tartufo, su vector actual y descontextualizado de lo que sería una representación tradicional del Tartufo de Móliere en la que el juego del teatro – metateatro estará siempre presente.

Caballero acierta, así, con una obra de reflexión teatral para todos los públicos que nos permitirá ver la obra de Molière y al mismo tiempo reconocer el esfuerzo actoral y de dirección a la hora de plasmar una nueva versión de un clásico. Si bien, a la obra le falta algo, como la claridad en la representación, que se descuida a veces y la falta de una resolución enérgica de la propuesta, que impide ver al público el por qué de la representación de la obra tal y como se hace, perdiéndose en actualizaciones no del todo apropiadas.

En el Tartufo, sin embargo, pone mucho empeño el elenco, en el que destaca el cabeza de cartel, Pepe Viyuela, que encarna al pérfido e interesado Tartufo, al que acompañan, entre otros, Paco Déniz, que da vida al crédulo Orgón y Silvia Espigado, que interpreta a Elmira, la resolutiva mujer de este.

Pero el teatro es el teatro, ya lo sabéis, es ficción y artificio, y reelaboración, y reflexión constante, elementos estos que guían está versión de Tartufo, una consideración sobre qué es el teatro válida en una época en la que el ocio cultural ha mutado y en la que lo que valía antaño ya no tiene el mismo poder de convocatoria en un mundo, el nuestro, dominado por lo digital y por la deconstrucción de los valores y las estéticas tradicionales.

“Tartufo” se representa en el Teatro Reina Victoria de Madrid del 1 de septiembre al 3 de octubre de 2021.

Autor: Molière
Adaptación y dirección: Ernesto Caballero
Reparto: Pepe Viyuela, Paco Deniz, Silvia Espigado, Jorge Machín, Javier Mira, Estibaliz Racionero, María Rivera, Germán Torres
Escenografía: Beatriz San Juan
Iluminación: Paco Ariza
Sonido: Luis Miguel Cobo
Vestuario: Fernando Muratori
Producción: Lantia Escénica

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: de 22€ a 26€
idioma: castellano
Duración: 100 minutos
NOTA CULTURALIA: 6,9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Golfus de Roma, en el Teatro La Latina (Madrid)

El pasado 9 de septiembre se estrenaba Golfus de Roma, en el Teatro La Latina, tras triunfar en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, un musical “made in Broadway” ambientado en la Roma antigua y con un Carlos Latre como actor principal que cambia completamente de registro.

Pseudolus es un esclavo irreverente que intenta conseguir la libertad ayudando a Eros, el hijo de su amo, a ganarse el amor de Philia. Pero hay un problema… o dos: Philia pertenece a M. Lycus quien, a su vez, la ha vendido al general Miles Gloriosus. Y ninguno está dispuesto a renunciar a ella”.

Pues sí, ya era hora de que se estrenara un gran musical con el formato que se merece, y también de que Stephen Sondheim volviera a sonar sobre un escenario en estas latitudes. Y la ocasión se lo merece. Focus y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida han conseguido revivir no solo la Roma imperial sino también un género teatral muy tocado por la pandemia.

Golfus de Roma_1

En esta ocasión el espectáculo ha sufrido una transfiguración al convertirse el espacio escénico en un circo, lo que potencia el elemento cómico de la representación, por lo que veremos la clásica trama creada por Burt Shevelone y Larry Gelbart y musicada por Stephen Sondheim en el año 1962, basada en las comedias del autor latino Plauto, en un contexto circense en el que los payasos y los clowns compartirán espacio con los actores y actrices cómicos.

Y entre ellos destaca, como no, la presencia de Carlos Latre, del que conocíamos muy de sobra su faceta de imitador, en parte incorporada en el musical, pero que en este proyecto se atreve a actuar, a cantar y a bailar. Y su esfuerzo se ve recompensado con buena nota, a la que no son ajenos el resto del reparto, en el que destacan Diego Molero, Eloi Gómez, Meritxell Duró, Ana San Martín, Iñigo Etayo y, sobre todo, la fluidez cómica e interpretativa de Frank Capdet. Así mismo, la dirección de Daniel Anglès y Roger Julià, la dirección musical de Xavier Mestres y las coreografías de Oscar Reyes son sin duda otra de las claves para que el musical se haya podido llevar a cabo y con el resultado tan lustroso que presenta.

Dos elementos ayudan, finalmente, a alcanzar el objetivo requerido, el primero la música en directo y con un efecto muy envolvente, con los músicos apareciendo y desapareciendo en la platea e interpretando, a su vez, a diversos personajes secundarios y un escenario, que aunque algo reducido en La Latina, provee al espectáculo de una gran lucidez.

Así, pues, Golfus de Roma es una merecida ocasión para revisitar el pasado romano en clave de comedia, disfrutar con las vicisitudes y peripecias vitales de Pseudolus, Hysterium, Eros, Lycus y Philia y deleitarse con un clásico del teatro musical de la mano de Stephen Sondheim, uno de los grandes compositores del género musical.

“Golfus de Roma” se representa en el Teatro La Latina del 9 de septiembre al 30 de octubre de 2021.

Dirección: Daniel Anglès y Roger Julià
Adaptación: Daniel Anglès y Marc Gómez
Libreto: Burt Shevelove y Larry Gelbart
Música y letras: Stephen Sondheim
Reparto: Carlos Latre, Diego Molero, Eva Diago, Eloi Gómez, Frank Capdet, Meritxell Duró, Ana San Martín. Iñigo Etayo, OriolO, Mireia Morera, Pol Roselló, Carles Vallès, Gara Roda, Berenguer Aina, Mercedes Olmeda, Eduard Marcet, Alex Iglesias, Curro Ávila, Pablo Zarco, Laura Masferrer, Pablo Rodríguez
Dirección musical: Xavier Mestres
Escenografía: Montse Amenós y Carlota Ricart
Iluminación: Xavier Costas
Sonido: Jordi Ballbé
Caracterización: Núria Llunell
Vestuario: Montse Amenós y Carlota Ricart
Coreografía: Oscar Reyes
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Focus

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes y sábado a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 31 a 54€
Duración: 135 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Estreno cine: Top Gun: Maverick

Otra de las películas que ya dispone de una nueva y parece que definitiva fecha de estreno es Top Gun: Maverick, film en el que Tom Cruise retoma el personaje de Maverick más de 30 años tras el estreno de Top Gun (Ídolos de aire).

El gran día será el 19 de noviembre. Este nuevo retraso en el estreno se debe, al parecer, a la decisión del propio Cruise, ya que el actor quiere un estreno por todo lo grande, con gira mundial incluida, hecho este imposible en la actualidad debido a la pandemia de Covid-19. A lo que se suma la voluntad de Paramount de estrenar el film cuando las restricciones de aforo se relajen un poco.

La dirección de esta secuela tardía está a cargo de Joseph Kosinski, responsable de TRON: Legacy (2010) y Oblivion (2013), está última un cinta de ciencia-ficción también con Cruise como protagonista. El actor estará acompañado de un reparto que incluye a Val Kilmer, Miles Teller, Jennifer Connelly, Glen Powell, Jon Hamm y Ed Harris entre otros.

Os dejamos, aquí, la info de Top Gun: Maverick

Sinopsis
“Después de más de 30 años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete ‘Maverick’ Mitchell está donde pertenece, yendo un paso más allá como un valiente piloto de pruebas y esquivando un ascenso de rango que le dejaría en tierra.
Mientras está entrenando a un destacamento de graduados para una misión especial a la que no se ha enfrentado ningún piloto, Maverick se encuentra con el teniente Bradley Bradshaw, alias ‘Rooster’, el hijo del antiguo amigo de Maverick y Oficial de Radar e Intercepción Nick Bradshaw, alias ‘Goose’.
Enfrentándose a un futuro incierto y luchando contra los fantasmas de su pasado, Maverick es arrastrado a una confrontación con sus miedos más profundos, culminando en una misión que requiere el sacrificio definitivo de aquellos que han sido elegidos para volar.”

Título: Top Gun: Maverick
Año: 2021
País: Estados Unidos
Dirección: Joseph Kosinski
Guión: Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie
Música: Harold Faltermeye y Hans Zimmer
Fotografía: Claudio Miranda
Reparto: Tom Cruise, Val Kilmer, Miles Teller, Jennifer Connelly, Glen Powell, Jon Hamm, Ed Harris, Lewis Pullman, Jay Ellis, Monica Barbaro, Bashir Salahuddin, Charles Parnell, Danny Ramirez
Productora: Jerry Bruckheimer Films, Paramount Pictures, Skydance Productions, Tencent Pictures, Don Simpson/Jerry Bruckheimer Films, TC Productions
Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Acción | Ejército | Aviación | Secuela