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Crítica: Cabaret, el musical, en el Teatre Victòria

El pasado 16 de septiembre dieron inicio las representaciones de Cabaret el musical, la adaptación a los escenarios del film del mismo nombre dirigido por Bob Fosse (a su vez basada en una novela y un musical anteriores) e interpretado por Liza Minnelli, Michael York y Joel Grey, una radiografía en clave musical del Berlín de los años 30 en pleno ascenso del nazismo.

La propuesta del Teatre Victòria se estrenó originalmente en el año 2015 en el Teatro Rialto de Madrid, en el que cosechó un éxito admirable y estuvo nueve meses en cartelera, y llega a Barcelona mudando a los protagonistas, recayendo los caracteres principales en Iván Lavanda, Elena Gadel y Alejandro Tous.

Un espectáculo, sin embargo, desequilibrado en algunos de sus elementos constitutivos. Comencemos si un caso, por la dirección y la adaptación de la obra, de Jaime Azpilicueta, en la que aunque la adaptación y el relato escénico están muy logrados, la dirección de los actores no está al mismo nivel. Era de esperar una refulgencia especial de Labanda en el papel de maestro de ceremonias, hecho este que se consigue con creces, si bien es detectable una falta de intensidad tanto en la interpretación de Gadel como en la de la mayoría de los secundarios, que no acaban de dotar a la historia de la intensidad que esta necesita. No hace falta recordar aquí que la época que nos narra el musical es la del ascenso del nazismo en el Berlín de los años 30.

Cabaret el musical_1Por lo que respecta a la escenografía, esta destaca sobre todo en la plasmación del interior del Kit Kat Club, que nos presenta un espacio en el que, siguiendo el leitmotiv musical principal de la obra, los problemas del día a día de los personajes desaparecen. Donde también destaca la propuesta es en la realización de las coreografías y los números musicales, en donde sí que se consigue una tensión, a veces dramática e intensa. En ellos, como no podía ser de otra forma, destacan la interpretación musical de los temas Willkommen, The Money Song o Tomorrow Belongs to Me, esta última con una coreografía que llega incluso a helar la sangre.

Cabaret el musical, es una propuesta, como decía, que aún no ha alcanzado ese punto de tensión que necesita, y que es el cometido de la dirección escénica, en esta ocasión en manos de Azpilicueta. El espectáculo posee los ingredientes necesarios para triunfar: una historia atractiva, actores capacitados, una trama impactante y coreografías de aquellas conocidas y reconocidas por todos, sin embargo, le falta algo, tensión y ritmo en algunos momentos y desenvolvimiento actoral en otros, hechos estos que no le permite brillar como debería.

Esperemos, como siempre, que las sesiones previas y el propio rodaje acaben de dar el punto necesario al espectáculo. Argumentos a favor de ello los tiene, y el mejor de todos, la brillante interpretación de Labanda como el maestro de ceremonias del Kit Kat Club, una trabajo actoral que consolida la tenacidad teatral en ascenso que ha demostrado en sus últimas interpretaciones.

Cabaret el musical” se representa en el Teatre Victòria del 16 de septiembre al 3 de diciembre de 2017

Reparto: Elena Gadel, Ivan Labanda, Bernat Mestre, Alejandro Tous, Amparo Saizar, Enrique del Portal, Víctor Díaz, Teresa Abarca, Anna Coll, José Carlos Campos…
Músicos: Raúl Patiño, Marta Muñoz, Ivó Oller, Josep Gomáriz, Jorge Pastor, Miguel Moisés…
Autor: Joe Masteroff
Música: John Kander
Dirección: Jaime Azpilicueta
Dirección musical: Raul Patiño
Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda
Iluminación: Juanjo Llorens
Sonido: Gaston Briski
Maquillaje: Antonio Belart y Laura Rodríguez
Vestuario: Antonio Belart
Coreografía: Federico Barrios
Producción: 3XTR3S, SOM Produce, Robin de Levita, B2B y Anexa

Horarios y precios: web Teatre Victòria
Duración:
2 horas y 30 minutos (entreacto incluido)
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7,8
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Jorge Pisa

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Crítica teatral: Un tret al cap, en la Sala Beckett

Después de su estreno en el pasado Festival Grec de Barcelona, Un tret al cap iniciaba sus representaciones regulares en la Sala Beckett el pasado 13 de septiembre, una obra con texto y dirección de Pau Miró e interpretada por tres generaciones de actrices: Imma Colomer, Emma Vilarasau y Mar Ulldemolins y que nos propone una reflexión sobre el periodismo, el impacto de la enfermedad y la forma en el que las personas encaramos nuestras vidas.

“Tres mujeres forman un triangulo encabezado por una periodista demasiado incómoda para el diario en el que trabajaba y que la acaba de despedir. La acompañan en escena su hermana, que sólo quiere disfrutar de los últimos años de su vida en plenitud, y una víctima que exige que su caso salga a la luz pública. Las tres han ido a parar a un callejón sin salida del cual sólo podrán salir diciendo aquellas cosas que son tan difíciles de decir…”.

La nueva propuesta de La Beckett nos presenta una historia imbricada en el presente y en la que la fuerza del texto y la calidad de las interpretaciones se imponen desde el inicio de la representación. Lo que en un primer momento parece una simple obra de análisis profesional, esto es, el papel del periodismo, el de la vieja escuela, en el mundo digital y de sueldos precarios del siglo XXI, va avanzado y enriqueciéndose a medida que transcurren los minutos para convertirse en una reflexión sobre cómo y a qué cosas dedicamos nuestras vidas.

Un tret al cap_1Una evolución de contenido esta que queda patente en el papel nuclear de la obra, el de Emma Vilarasau, que se ve obligada a mudar en sus convicciones y en sus puntos de vista al conocer el agravamiento de la salud de su hermana mayor, Imma Colomer, justo en el momento en que su carrera profesional se ve abocada al abismo.

Pau Miró ha concebido un texto actual, emotivo e impactante que habla al espectador de tú a tú, y nos lo ubica en el salón de una vivienda “que huele a cerrado, a viejo”, y que podría ser cualquiera de nuestros hogares, en el que el normal transcurso de lo cotidiano muta y acelera debido al propio fluir de la existencia. El acierto en la trama está acompañado, asimismo, por una dirección sabia en la que Miró sabe sacar lo mejor de las tres actrices, cada una en su registro, hecho que le permite seguir adelante en una carrera con aciertos recientes como Els jugadors (2012) o la Terra Baixa de Lluís Homar (2014). Posiblemente el único aspecto que no acaba de funcionar del todo es la voluntad de cierre en positivo de la trama, que roba a la historia algo de credibilidad.

En la interpretación, como ya he dicho, la obra destaca por el equilibrio de las tres actrices, a las que Miró orienta el foco en algún momento de la obra. Colomer da en el clavo con una actuación frágil a la vez que optimista de la vida, a la que se opone el toque frío y profesional de una Vilarasau que afina en su interpretación. Al dúo familiar opuesto se suma la caracterización consistente de Ulldemolins, la joven que llega en busca de ayuda periodística y que esconde algún que otro secreto.

Así, pues, la Sala Beckett ha dado inicio a la temporada de una forma enérgica, colocando el listón alto para el resto de la temporada. Queda, pues, por confirmar si podrá mantener el empeño.

“Un tret al cap” se representa del 13 de septiembre al 1 de octubre en la Sala Beckett

Autor y director: Pau Miró
Reparto: Emma Vilarasau, Imma Colomer y Mar Ulldemolins / Vicky Luengo (del 27 de septiembre al 1 de octubre)
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: David Bofarull (A.A.I)
Vestuario: Berta Riera
Caracterización: Toni Santos
Espacio sonoro: Marta Folch
Producción: Sala Beckett/Obrador Internacional de Dramaturgia y el Grec 2017 Festival de Barcelona

Horario: de miércoles a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: 20€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora 30 minutos

NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Novedad editorial: Daño de Dioses

A finales de este mes se publica la novela ilustrada Daño de Dioses, una historia de ciencia-ficción y aventuras ideada por el cordobés Luis Barquero Lanti en la que ha contado con la ayuda del escritor venezolano John Manuel Silva, autor de Afrodita C.A. y otras empresas fracasadas.

La novela, que también ha contado con la colaboración en el aparato de ilustraciones de la diseñadora gráfica Mary Peñas, conocida como Lady Dot (http://www.ladydot.es/), nos presenta una space opera en la que falsos dioses, razas ancestrales, profetas y guerras interestelares definirán el futuro de la galaxia. La historia está basada en un cómic inacabado del autor y su argumento mezcla diversos géneros, épocas y escenarios.Daño de dioses_2

El libro, que supone el estreno de Barquero Lanti en el ámbito de la novela, se podrá adquirir en formato físico o ebook en la tienda propia de los editores y en tiendas online como Amazon y Google Play Store.

Os dejamos, aquí, con un anticipo de la novela, para que vayaís haciendo boca…

“En la galaxia existe una raza de seres superiores que simulan ser dioses. Se nutren en secreto de la energía que producen otros seres conscientes; concretamente, se alimentan de la fe. Lo hacen como parásitos de todas las civilizaciones auto conscientes, de diferentes galaxias del universo, adaptando sus modos y formas de extraer este alimento a la cultura de los habitantes de esos lugares.
Los profetas de las religiones existentes en la Tierra eran seres creados por ellos, híbridos o quimeras con una misión: canalizar la energía de la fe para alimentarse; a cambio, les instruían en formas de convivencia y estabilidad. Vías para una existencia completa y placentera Mediante este trueque hacían creer a los humanos y otras civilizaciones que sus cortas vidas tenían sentido”.

Lee los primeros capítulos: http://danodedioses.com/prologo/
Facebook: https://www.facebook.com/DanoDeDioses/

Título: Daño de Dioses
Autores: Luis Barquero Lanti y John Manuel Silva
Ilustraciones: Mary Peñas (Lady Dot)
Género: Ciencia Ficción y aventuras
Páginas: 150 (aproximadas)

 

Nueva Dimensión. Una revista de ciencia-ficción

Nueva Dimension_portada_4Si hay una revista de ciencia-ficción que ha estado presente en casa desde siempre, esta no es otra que Nueva Dimensión. Ejemplares de la revista, que inició su singladura en el año 1968, estuvieron siempre, mejor o peor guardados, en la casa de veraneo familiar en Pinedes de l’Armengol. Eran propiedad de mi padre, un adicto a la lectura cuando yo era chaval.

Si bien, con el tiempo los ejemplares de las revistas han desaparecido, o al menos desconozco el lugar donde están actualmente, cuando era pequeño siempre estaban en el revistero del mueble de la televisión, compartiendo espacio con periódicos y revistas varias.

Yo en aquella época no leía mucho (mi interés por la lectura se inició en la clase de filosofía del instituto y con el inicio de la carrera de historia, por aquello de los dieciocho años), aún así los ejemplares de la revista me llamaban vivamente la atención, debido sobre todo a sus portadas y a su extraño formato.

Nueva Dimension_portada_1Sí había alguna característica de la revista que impactaba visualmente eran sus portadas. Sus motivos eran una suma de arte, ciencia-ficción o fantasía y cierta psicodelia excelentemente integrados. Uno no podía abrir un ejemplar sin dedicarle unos momentos de atención a las portadas, en los que contemplar la maestría de los ilustradores e intentar descifrar, en algunos casos, su sentido más íntimo. Las dimensiones de los ejemplares tampoco eran las habituales, ya que tenían un formato entre una revista y un libro, algo debido, según parece, a la imposición de la distribuidora.

Una vez en las entrañas de la revista, uno se dejaba arrastrar por las historias y los relatos cortos, por las ilustraciones y por las diversas secciones de cada ejemplar. Los relatos y las novelas cortas eran lo que daba consistencia a la revista, e incluían textos de autores anglosajones y españoles, si bien, parece que los primeros predominaban. Otras secciones incluidas en la revista eran las de opinión y crítica, distinguidas del resto por la tenue coloración verde de sus páginas; una breve sección dedicada al cómic y la ilustración y otra dirigida a los seguidores y fans, en la que estos podían dirigirse al estilo “cartas al lector” a la revista y a otros lectores, una especie de red social antes de las redes sociales.

Nueva Dimension_portada_2Luis Vigil, Sebastián Martínez y Pedro Domingo Mutiño, alias Domingo Santos, fueron los editores que dieron forma a la revista, para lo que crearon la editorial Dronte. La publicación de la cabecera estuvo activa desde 1968 hasta 1982, cuando los problemas de distribución y liquidación pudieron finalmente con ella. Por el camino, sin embargo, la revista hizo las delicias de los lectores  de ciencia-ficción de habla hispana, en la penumbra antes de la edición de la revista y dio un color especial a los revisteros y los diversos rincones de la casa donde los volúmenes se almacenaban.

Como ya he dicho, los ejemplares que poseía mi padre en la torre de veraneo ya no están, o si están deben de ocultarse en algún rincón insospechado bajo una cada vez más espesa capa de polvo, por lo que me he propuesto recuperar, poco a poco, los 148 número de la colección. He comenzado este año con un par de ejemplares… que espero vayan creciendo en número con el paso del tiempo…

Enlaces de interés:

Tercera Fundación:
http://www.tercerafundacion.net/biblioteca/ver/coleccion/138
Libro de notas:
http://librodenotas.com/cuadernosdecienciaficcion/15391/las-revistas-ii-nueva-dimension
Tebeosfera:
https://www.tebeosfera.com/publicaciones/nueva_dimension_1968_dronte.html

Crítica teatral: Calígula, en el Teatre Grec

Este año BlogCulturalia ha estado algo ausente del Festival Grec, debido en parte a la programación y en parte a la fuerte carga de trabajo pendiente. Prueba de ello es que la crítica de Calígula, programada en el Teatre Grec los días 20 a 23 de julio, la publicamos el 23 de agosto (vaya, que tarde!!).

En esta ocasión, criticamos una obra con un claro adn culturalia, esto es, una pieza teatral ambientada en la Roma imperial, escrita por Albert Camús, dirigida por Mario Gas e interpretada, entre otros, por Pablo Derqui, Borja Espinosa, Pep Ferrer y Mónica López, y que reflexiona sobre el poder y  la tiranía.

Suetonio dejó para la posteridad un retrato del tercer emperador romano, Cayo Julio César Augusto Germánico, más conocido como, Calígula. El escritor Albert Camus, uno de los autores imprescindibles de la Francia del siglo XX y premio Nobel de Literatura en 1957, partió de este retrato para crear una pieza teatral que es, de hecho, un conjunto de obras integradas en una sola. Su protagonista se enfrenta al absurdo de la existencia (uno de los temas clave en la obra de Camus) tras la muerte de su hermana y amante, Drusila, y en un intento de demostrar la mortalidad e infelicidad humanas, somete a sus súbditos a todo tipo de horrores y persecuciones.

La versión de Calígula de Mario Gas tiene elementos a favor y elementos en contra. Entre los primeros está el envejecimiento del texto, una reflexión sobre la naturaleza humana y el poder que profundiza en estos temas posiblemente en demasía para los gustos del público actual. Camús analiza la figura del emperador Calígula, de la que extrae un caso sobre el que dilucidar el límite del poder y la naturaleza de la tiranía, en un contexto, el del Imperio romano, ejemplo por antonomasia del poder absoluto. Una reflexión plasmada sobre el escenario con un ritmo pesado, que a veces parece que más que avanzar se extiende en espiral, volviendo una y otra vez a las mismas reflexiones. Mario Gas no ha sabido, por tanto, insuflarle a la representación la vitalidad necesaria, lo que hace que la obra padezca por ello.

Calígula_Grec_2017Un elemento que tampoco ayuda demasiado es la escenografía, que representa en plano inclinado lo que podría ser la porción de la fachada de un coliseo o teatro romano. Si bien la apuesta sorprende inicialmente, provee a la representación de un grado de frialdad que contagia al espectáculo.

Por el contrario, en el ámbito de las interpretaciones la cosa mejora. Y en este apartado destaca la figura de Pablo Derqui, cuya fisonomía y capacidad interpretativa se amolda a la perfección a la del emperador romano loco por excelencia. Derqui afina su interpretación para dar vida a un emperador afectado por la muerte de su hermana Drusila, hecho este que afecta a su buen juicio y su capacidad para juzgar la realidad que le rodea, y que lo convierte en el tirano que el cine y las novelas, y la obra de Suetonio, nos han dado a conocer, que actuará con la intención de conocer el límite del poder y de la propia existencia humana.

A su lado el resto del reparto interpreta a los cortesanos cercanos a Calígula, entre ellos Pep Ferrer, Borja Espinosa y Mónica López, que dan vida a los principales personajes secundarios, destacando entre ellos la actuación de esta última como Cesonia, la última mujer de Calígula.

Y por fin, el elemento que más polémica y comentarios negativos ha generado en esta nueva versión del Calígula de Camús, y que no es otro que la inclusión de la música de David Bowie y de personajes cinematográficos como The Joker y La Máscara en la escena de la performance llevada a cabo por el propio Calígula y sus más allegados. Pues bien, esta es posiblemente la escena de la obra que más energía provee a la representación, acertada tanto en referencia a las fuentes antiguas, que ya nos hablan de las “actuaciones afeminadas” del emperador, como por la actualidad musical del momento, con la reciente muerte de David Bowie. Un claro acierto, sí señor, a pesar de las valoraciones negativas que ha recibido la apuesta.

Calígula es una obra que reflexiona sobre el poder y sus límites, pero que lo hace fuera de perspectiva, una apuesta atrevida en algunos momentos, pero que se hace demasiado lenta y sesuda para el público del siglo XXI, o al menos para una parte de él y que podremos volver a contemplar, aquellos que no han tenido la oportunidad durante este Festival Grec, a partir de l0 de noviembre en el teatre Romea.

“Calígula” se representó en el Teatre Grec en el marco del Festival Grec de Barcelona del 20 al 23 de julio de 2017.

Autor: Albert Camus
Traducción: Borja Sitjà
Dramaturgia y dirección: Mario Gas
Interpretación: Pablo Derqui, Borja Espinosa, Pep Ferrer, Mónica López, Pep Molina, Anabel Moreno, Ricardo Moya, Bernat Quintana y Xavier Ripoll
Escenografía: Paco Azorín
Iluminación: Quico Gutiérrez
Espacio sonoro y composiciones musicales: Orestes Gas

NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica literaria: Hipatia de Alejandria Luis de la Luna, ed. Suma de letras

Hipatia_Luis de la LunaSin duda alguna, la película Ágora de Alejandro Amenábar (2009) dio a conocer al gran público la figura de la filósofa y científica Hipatia de Alejandría, un personaje que representa el fin del mundo pagano antiguo y el triunfo del mundo cristiano medieval. Fue, sin duda entonces, a raíz del estreno del film, que el personaje se convirtió, debido a su escasa explotación previa, en idóneo para protagonizar una novela histórica.

De ahí que la editorial Suma de letras y el autor Luis de la Luna Valero se decidieran a novelizar la figura de un personaje que de repente tenía un tirón mediático que explotar. El resultado es una novela histórica algo tenue que no acaba de explotar todas las posibilidades del personaje y la época.

La novela recrea la vida de Hipatia de Alejandría, una figura capital de la antigüedad y protagonista del filme Ágora, de Alejandro Amenábar. Estuvo versada en filosofía, matemáticas y astronomía, pero su clase magistral para la historia fueron su sed de vida y de conocimiento, así como el valor y la entereza para defender sus ideales de convivencia y tolerancia.

Hipatia de Alejandría es una novela histórica mal planteada. Y el principal problema es que Hipatia, el personaje que debería ser el principal en la trama, no es más que un personaje secundario. La novela, al contrario que la película de Amenábar, pretende darnos una imagen algo más general del mundo mediterráneo al final de la Antigüedad en el que se consolidó el cristianismo, enlazándola con tramas que se suceden tanto en Constantinopla, la capital del Imperio romano de Oriente, como en territorio persa, hecho este que hace que la narración se centre menos en Hipatia y más en la época en la que esta vive.

Así, nunca sabremos, más que superficialmente, cuáles son los méritos de Hipatia, ya que sus clases o sus dominios académicos no hacen acto de presencia, tan solo y brevemente al inicio de la novela y justo al final. El autor se centra más en el paganismo moribundo del siglo V d.C. y en las penalidades sufridas por Hipatia en su faceta de filósofa y científica pagana, lo que le permite desarrollar algunos temas con un toque presentista (esto es, analizar un hecho del pasado a partir de ideas y conceptos tomados del presente), como es el del fundamentalismo religioso cristiano (tratado ampliamente en la película Ágora) y las ansias de igualdad de la mujer en el mundo antiguo, hecho este que le roba credibilidad a la novela.

Luis de la Luna_autor
Luis De la Luna

De la Luna desarrolla la trama de una forma muy superficial, algo que parece habitual en otras de sus novelas, si nos fijamos en los comentarios de sus obras en internet. La mayoría de las escenas son presentadas y tratadas de forma somera y rápida, lo que no permite al autor profundizar en las voluntades y sentimientos de los protagonistas, por lo que de ellos el lector conocerá tan solo la fachada. Algo entendible, si bien no deseable, debido a la poca información vital que se posee de Hipatia.

La ciudad de Alejandría tampoco ocupa el papel preponderante en la trama que debería. Aunque la novela de De la Luna posee un par de mapas de situación (uno de ellos de la propia Alejandría en el siglo V d.C.) y el inicio de la novela parece interesarse por mostrarnos la ciudad de forma algo detallada, este empeño desaparece poco después. Un desinterés potenciado por las subtramas de la novela que se desarrollan en Constantinopla y en la Persia sasánida. Unas tramas secundarias, por cierto, poco vinculadas con la historia de Hipatia y que parecen insertadas en la novela para darle mayor fuelle.

Por lo que respecta a los personajes, la superficialidad predomina, excepto, en el caso del patriarca Cirilo, el gran rival de Hipatia y el prefecto Postumo Orestes. Al autor parece interesarle más lo que hacen los protagonistas que mostramos su sentir más interno. Una decepción ya que tanto el contexto de la Alejandría del siglo V d.C. como los personajes históricos que vivieron en ella merecen un tratamiento algo más profundo y, seguro, más revelador. Todo ello, además, está entretejido con una prosa en la que no destacan los diálogos, y cuando estos aparecen, no son excesivamente extensos o trabajados.

Hipatia de Alejandria es una novela histórica que deja de lado, incomprensiblememte, a su personaje principal y que pretende, como indica el autor en el prólogo del libro, ser un alegato contra las injusticias históricas sufridas por los defensores de la razón, las mujeres y todos aquellos vapuleados por el fanatismo. De esta forma abandona en parte su naturaleza de novela histórica para convertirse en un alegato presentista, algo, en definitiva, de lo que también se puede acusar a la producción de Amenábar y de lo que adolecen, por desgracia, demasiados de los productos culturales de entretenimiento que reconstruyen el pasado histórico.

Título: Hipatia de Alejandría
Autor: Luis De la Luna
Sello: SUMA
Colección: Suma hispánica digital
Género: Novela histórica
Fecha publicación: Octubre de 2011
Idioma: Español
Formato: E-BOOK EPUB
Precio con IVA: 6.99 €

NOTA CULTURALIA: 5,5
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Jorge Pisa

Crítica: Roman Britain: A New History. 55 BC-AD 450, Patricia Southern, ed. Amberley Publishing

roman-britain-a-new-history-55-bc-ad-450No es muy habitual, al menos en BlogCulturalia, que reseñemos libros escritos en inglés, así pues, hoy haremos una excepción. Desde hace tiempo tenía ganas de leer un libro de historia de la Britania romana, temática sobre la cual no existe demasiada bibliografía en castellano, inexistente, o eso creo, si lo que buscamos es una monografía de contenido académico. Algo en parte equilibrado, al menos para aquellos a los que les gusta la novela histórica, con una gran diversidad de títulos y sagas en este género ambientados en la Britania romana, como la serie Águila de Simon Scarrow o las novelas de Rosemary Sutcliff.

Pero para aquellos que quieren conocer un poco mejor la historia de la Britania romana, las oportunidades en español son reducidas. Por ello BlogCulturalia se ha decantado por reseñar Roman Britain: A New History. 55 BC-AD 450, de Patricia Southern, editada en el año 2013 por Amberley Publishing, no solo por la referencia de la autora, reconocida especialista en la historia de la antigua Roma, sino porque la monografía abarca una cronología completa, esto es, relata la historia de la Britania romana desde el 55 a.C. al 450 d.C., algo no todo lo habitual que se debiera en otras obras que analizan este período.

Southern nos ofrece una historia de la Britania romana a un nivel de difusión media, esto es, no es ni mucho menos una pesada obra de estilo académico, sino que nos narra la historia del periodo de una forma pausada, amena y accesible, algo que ya de por sí es algo positivo, sobre todo para aquellos interesados en dar forma a espacios y territorios de la historia antigua menos tratados en castellano, como es el caso de la Britania romana, cuya historia queda, las más de las veces en obras públicadas en nuestro idioma, en la periferia del relato general de la historia romana, apareciendo solo de forma intermitente y en episodios muy concretos, como son la conquista de parte de la isla por los romanos en época del emperador Claudio, la famosa revuelta de Boudica o la construcción del muro de Adriano.

Pues bien, la el libro de Southern nos permite completar esa parte de la historia y hacerlo, como os comentaba, de una forma grata e inteligible. La obra, ordenada en 12 capítulos, comienza con la fallida campaña de Julio César en la región para seguir avanzado a través de conquista y organización romana en época del emperador Claudio y las primeras rebeliones frente al dominio y la expoliación romana, siendo estas, seguramente, las épocas que mejor se conocen de todo el periodo. A partir de aquí el relato avanza a través de la dominación romana a lo largo de los siglo II y III, para llegar a los acontecimientos de los siglos IV y V, que marcaron el final de la dominación romana en la isla.

Como no podía faltar, Southern dedica amplios apartados de su obra al análisis de uno de los aspectos más conocidos de la historia de la Britania romana, que no es otro que el Muro de Adriano, cuyos restos aún actualmente nos fascinan. La autora no solo nos narra los pormenores de esta gran muralla defensiva, sino que realiza una radiografía de las defensas romanas en la zona, ya sean fuertes o campamentos militares, a lo largo de todo el periodo, lo que nos permite hacernos una idea de los desafíos a los que debieron de hacer frente los romanos a la hora de dominar el territorio britano y a los pueblos que en él vivían.

Como os decía, Roman Britain: A New History. 55 BC-AD 450 de Patricia Southern es una muy buena opción para conocer o bien profundizar más en la historia de la Britania romana, de la mano de una autora conocedora de la época y con un estilo próximo y ameno. Una recomendación que vale la pena tener en cuenta!!

Título: Roman Britain: A New History 55 BC-AD 450
Autora: Patricia SouthernPatricia Southern
Editorial: Amberley Publishing ISBN: 9781445611907
Formato: Paperback / Libro de bolsillo
Páginas: 464
Fecha publicación: 14 Febrero 2013
Precio:
• Bolsillo: 11,69
• Tapa dura: 22,5

NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

 

Crónica concierto: Jarabe de Palo 20 años, en el Festival Jardins de Pedralbes

Hay grupos y cantantes cuya música se ha convertido, con el paso de los años y los álbumes publicados, en el hilo musical de la vida de muchos. Este es el caso, seguro, de los éxitos de Jarabe de Palo, que desde 1996 se han convertido en los referentes vitales de una generación tocados por el estilo pop-rock-latino marca de la casa.

El concierto del pasado 8 de julio tuvo todos los ingredientes necesarios: el soberbio marco de los Jardines de Pedralbes, una tranquila noche veraniega y la música fresca y divertida de Jarabe de Palo. La velada no decepcionó a nadie, ya que no solo sonaron los megaéxitos del grupo sino que la energía y la vitalidad del grupo y de su solista, Pau Donés, dieron al concierto ese toque de magia nostálgica que todos esperaban.

Uno a uno fueron sonando todos los éxitos: La flaca, Depende, De vuelta y vuelta, Bonito, Grita, El bosque de palo, Agua, Grita, Completo incompleto, Dos días en la vida, Duerme conmigo, Agustito con la vida… En definitiva, uno de esos conciertos en el que en el momento en el que el público reconoce los acordes iniciales de una canción los rumores, los gritos y los aplausos se apoderan de la platea.

Un concierto especial, además, por la versión de las canciones interpretadas, que para celebrar los 20 años de la banda iban acompañados de piano y saxo, instrumentos estos que dieron a la interpretación de los temas un toque más melódico y glamuroso.

Jarabe de Palo 20 años

Durante el concierto hubo momentos emotivos y, cómo no, cada uno de ellos ligado a la emotividad y las vivencias personales de cada uno, pero seguramente la interpretación de La flaca, Depende, Agua y sobre todo, Humo, tema que hace referencia a las reflexiones de Donés ante el abismo del cáncer, fueron las que robaron mayores aplausos del público asistente.

Pau Donés se marcó un concierto repleto de vitalidad, no solo desplegando una gran actividad y simpatía sobre el escenario, sino dialogando con el público y compartiendo el origen y el sentido de muchos de los temas interpretados, hecho que convirtió el concierto en una velada de aquellas que se guardan en la memoria.

Jarabe de Palo se dio a conocer como un grupo One Hit Wonder con el exitazo de La flaca en 1996, y ha conseguido durante más de 20 años alcanzar una gran popularidad entre el público de habla hispana, con temas pegadizos y simples, pero que contienen la frescura que atesoran las emociones y que hacen de ellos temas universales, que todos podemos hacer nuestros y de hecho lo hacemos, convirtiéndolos así, en parte de nuestra historia musical.

Un legado este que seguro que se mantendrá firme en la retina musical de muchos, que deseamos que en breve podamos confirmar la recuperación total del cantante, que en los últimos años está batallando contra el cáncer que lo alejó, temporalmente, de los escenarios. Adelante Donés, ya sabes que cuando las ganas de vivir se imponen, todo lo demás queda en un segundo plano. No lo olvides nunca!!

 

JARABE DE PALO 20 AÑOS
Festival Jardins de Pedralbes
Sábado 8 de julio

NOTA CULTURALIA: 9,5

Crítica teatral: Paraules encadenades, en La Villarroel

¡El terror que se desencadenó hace casi veinte años vuelve a repetirse! ¡Dos personas distintas!, ¡Un escenario diferente! La línea entre el bien y el mal vuelve a cruzarse… El monstruo interior ha despertado. El camino hacia la libertad está plagado de trampas… ¡Comienza Paraules Encadenades!

Esto podría ser anunciado por una potente voz en off en la presentación de un posible tráiler de la obra teatral que nos ocupa, pues Paraules Encadenades, creada por Jordi Galceran, se representó con gran éxito hace ya casi veinte años. El autor nos ha dado después obras brillantes como El mètode Gronholm o El Crèdit, entre muchas otras.

Un psicópata ha secuestrado a una psicóloga a la que mantiene amordazada y atada a una silla. Le ha anunciado los planes que tiene para ella y no son nada halagüeños. La chica esta en inferioridad de condiciones y tendrá que usar su ingenio para sobrevivir. Va a dar comienzo el juego del gato y el ratón, va a empezar el terror…

La obra nos sumerge, ya al cruzar el umbral de la sala, en el escenario del secuestro que es precisamente un viejo teatro, con lo que nos integramos más en la acción que nos mantendrá en vilo durante toda la función. Pronto conoceremos a su captor y entre los dos únicos personajes de la obra se establecerá una batalla dialéctica con el objetivo de salvar la vida.

El actor David Bagés, rostro muy conocido en series de televisión, borda el papel de tipo normal y algo apocado al que se le han cruzado los cables y busca respuesta a sus preguntas interiores. Su carta de presentación es un video, porque en esta obra lo audiovisual esta cuidado e integrado, en el que muestra su talento para construir con su forma de expresarse, palabras y gestos, un asesino sonado, sin empatía, que da miedo. El video inicial ya coloca en situación y presagia que la chica secuestrada lo va a tener crudo. Y ya desde este inicio provoca algunas risas nerviosas en el público, porque lo que cuenta es terrible, pero nos puede parecer cercano o cotidiano y lo que siente puede ser entendible, y ese pensar nuestro, que sus sensaciones pueden ser muy reales e incluso hasta podrían ser las nuestras, ya puede darnos miedo.

Paraules encadenades_La VillarroelMima Riera interpreta a la psicóloga secuestrada, una actriz con amplia experiencia en el teatro y en películas, y que da credibilidad al papel de atrapada, en inferiores condiciones, pero no desarmada y con una gran fortaleza interior.

El escenario con poco atrezo consigue crear el ambiente sobrio, de angustia y decadente del sótano de un viejo teatro, a lo que ayudan buenos juegos de intensidad en la iluminación, o con el haz de luz de la linterna. La obra usa los tópicos y lugares comunes de las películas del género de asesino, con pocos recursos de decoración. Y no solo en esto, sino también en la utilización de diversas situaciones escénicas.

Paraules Encadenades asusta porque lo que nos narra el psicópata con su falta de humanidad, frialdad y amable normalidad, lo podemos entender y como hemos dicho sus ocurrencias y reflexiones también. Pero la obra es un viaje por los recovecos de la mente y el poder de las palabras. Nos presenta una confrontación dialéctica e intensa entre los dos personajes. Un viaje peligroso para saber por qué uno es como es, por qué actúa así, por qué al mirar el pasado podemos ver cosas diferentes que antes no vimos, porque elegimos ciertos caminos. Remordimientos, miedos, traiciones, mentiras, sospechas, amor, odio, deseo, asco, violencia, perdón, un torbellino de emociones azotan la función. Sufriremos hasta el final para saber si la protagonista se salva o no, porque nada está claro, como en un partido de ping pong. Y por encima de todo, un juego, el de las Paraules Encadenades, que se torna una competición de supervivencia.

Si te gustan las películas de psicópata que mantiene secuestrada a su víctima y establecen una conversación con vínculos, en que el desastre esta siempre latente, no lo dudes. No hay sustos, ni efectos, pero si tensión dosificada y latente, muy poco espacio para el humor aunque algo hay para aligerar los nervios, pero no te vas aburrir. Paraules encadenades es una caja de sorpresas (a veces demasiadas), una montaña rusa que te puede explotar en la cara. Una obra dura y sin concesiones, sin buen rollito. Y que incluso nos hará pensar en las relaciones de pareja. Dos personas y su interior, la balanza entre el bien y el mal, entre la cordura y la locura, es muy fina e intercambiable, o eso nos puede parecer.

Paraules encadenades” se representa en La Villarroel hasta el próximo 6 de agosto de 2017.

Autor: Jordi Galceran
Dirección: Sergi Belbel
Reparto: David Bagés y Mima Riera
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Kiko Planas
Espacio sonoro: Jordi Bonet
Caracterización: Toni Santos
Producción: Bitò

Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 24€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 30 minutos
NOTA CULTURALIA: 8

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Escrito por Taradete

Crónica concierto: Broadway & Westend Divas

Como cada año llega el verano y con él desembarca en Barcelona el Festival Jardins de Pedralbes, dotando a la ciudad condal de una programación musical espléndida durante los meses de junio y julio.

A citas, entre otras, como las de Rufus Wainwright, Kool & The Gang, Tony Bennett, Michael Bolton, The Beach Boys, Rosana o Sting, siguió el pasado viernes Broadway & Westend Divas, una cita especial ya que reunía para la ocasión a las mejores voces femeninas de Broadway y del WestEnd londinense, o lo que es lo mismo, a Victoria Hamilton-Barritt, Madalena Alberto, Rachel Tucker y a Marisha Wallace en un espectáculo único, acompañadas de la orquesta sinfónica Furius Music Orchestra, formada por más de 40 músicos y dirigida por el maestro Miguel Tejada.

La velada musical adoptó la forma de un concierto y se organizó con la interpretación de los temas interpretados en solitario por las divas, entre los que destacaron canciones de musicales como Cats, Chicago, Rent, Wicked, A Chorus Line, We Will Rock You, Los Miserables, Evita, Miss Saigon o Cabaret. Los temas fueron de esta forma fluyendo sobre el escenario, haciendo hincapié cada una de las cantantes en temas vinculados a su carrera artística. El concierto finalizo, como no podía ser de otra forma, con varios temas interpretados de forma conjunta por las cuatro artistas, que dieron de esta forma el colofón final a una espectacular noche de teatro musical.

Las cantantes, además, pusieron mucho de su parte para amenizar sus interpretaciones, ya fuera con las presentaciones previas de los temas o con la interpretación de los mismos, hecho que dejó patente la fuerza y la magia de unas voces de lujo.

La parte técnica acompañó a la potencia de las voces de las artistas, entre las que destacaron la fuerza arrolladora de Marisha Wallace con la interpretación de And I Am Telling You I’m Not Going del musical Dreamgirls y la ligera afonía de Rachel Tucker que no le impidió, sin embargo, dar el do de pecho y meterse al público en el bolsillo.

Broadway & Westend Divas fue una ocasión sin precedentes para saborear la magia y el esplendor del teatro musical, una noche única, literalmente, para saber hasta dónde pueden llegar las mejores voces del género, y un concierto para rememorar y esperar esperanzados que el año que viene el Festival Jardins de Pedralbes vuelva a programar un evento musical de este tipo. Un acierto, claro que sí.

BROADWAY & WEST END DIVAS
Festival Jardins de Pedralbes
Viernes 7 de julio

Cantantes:
Victoria Hamilton-Barritt
Madalena Alberto
Rachel Tucker
Marisha Wallace

NOTA CULTURALIA: 9,5