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El Horizonte de Keops: viajar al Antiguo Egipto sin salir de Madrid

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¿Qué ocurriría si pudiéramos caminar por la Gran Pirámide de Guiza tal y como era hace más de cuatro milenios? Esa es la propuesta de El Horizonte de Keops, una experiencia de realidad virtual inmersiva que llega a Madrid para convertir la historia y la arqueología en una aventura que se puede vivir en primera persona.

La experiencia, disponible desde abril de 2026 en Fever Hub Madrid, combina tecnología, divulgación histórica y entretenimiento para recrear algunos de los espacios y misterios relacionados con la pirámide de Keops y la cultura del Antiguo Egipto.

Durante aproximadamente 45 minutos, los participantes se equipan con un visor de realidad virtual y se introducen en un entorno compartido en el que pueden desplazarse físicamente e interactuar con otros visitantes. El recorrido propone retroceder unos 4.500 años, hasta la época de la IV Dinastía egipcia, para explorar la Gran Pirámide de Guiza, conocer aspectos de la sociedad y las costumbres del Egipto faraónico y descubrir algunos de los grandes enigmas asociados a este monumento.

El horizonte de Keops_1

La propuesta no se limita a recrear un escenario espectacular. Según la organización, el proyecto ha contado con años de investigación y recopilación de datos, además de la colaboración de Peter Der Manuelian, profesor de Egiptología de Harvard, y su equipo del Giza Project, con el objetivo de construir una experiencia fundamentada en información arqueológica e histórica.

Uno de los aspectos más interesantes de El Horizonte de Keops es precisamente la combinación de disciplinas. La realidad virtual se convierte aquí en una herramienta para acercarse al patrimonio cultural de una manera que difícilmente podría conseguir una visita convencional.

La experiencia permite explorar espacios relacionados con las pirámides, aproximarse a determinados rituales y costumbres del Antiguo Egipto e incluso encontrarse con personajes y elementos de su universo religioso, como la diosa Bastet. El resultado busca situar al visitante en el centro de la historia: no se trata solamente de observar una recreación, sino de caminar por ella.

La experiencia está recomendada para mayores de 10 años y se presenta como una actividad especialmente interesante para quienes quieran acercarse a la historia, la arqueología y la tecnología desde una perspectiva diferente.

Además de las visitas individuales, El Horizonte de Keops contempla grupos escolares, actividades de empresa, celebraciones y otras visitas colectivas.

Durante unos minutos, Madrid se convierte así en la puerta de entrada a Guiza. Un viaje en el que las gafas de realidad virtual sustituyen al avión y permiten recorrer, desde el presente, algunos de los escenarios vinculados a una de las civilizaciones más fascinantes de la historia.

Horizonte de Keops

Dónde: Fever Hub Madrid | Experiencias Inmersivas, Calle Raimundo Fernández Villaverde, 57, Madrid.
Cuando: del 24 de abril al 31 de octubre de 2026
Duración: aproximadamente 45 minutos.
Edad mínima: 10 años y una altura mínima de 1,30 metros.
Formato: experiencia inmersiva de realidad virtual con desplazamiento a pie.
Idiomas: español e inglés.
Transporte: las estaciones de Metro de Nuevos Ministerios y Santiago Bernabéu se encuentran a pocos minutos a pie.

Más información: Web El Horizonte de Keops

Historia

Un barco romano de 2.000 años emerge de las profundidades de Sicilia

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El Mediterráneo continúa revelando secretos de su pasado. Esta vez, frente a las costas de Mazara del Vallo, en Sicilia, a unos 5 kilómetros de la localidad, donde dos buceadores localizaron los restos de un barco romano que permanecía bajo el mar desde hace aproximadamente dos mil años,

El descubrimiento se produjo de manera casi accidental. Los buceadores italianos Giacomo De Mola e Igor Bisulli exploraban las aguas de la costa siciliana cuando detectaron una anomalía en el fondo marino. Lo que inicialmente parecía una formación rocosa resultó ser un importante yacimiento arqueológico subacuático.

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Los restos del naufragio se encuentran a unos 46 metros de profundidad y ocupan una extensión aproximada de 21 metros de largo, seis de ancho y casi dos metros de altura.

Uno de los elementos más llamativos del hallazgo es su cargamento. Los investigadores han identificado cientos de ánforas de cerámica, muchas de ellas del tipo Dressel 1A, recipientes utilizados durante la Antigüedad para transportar productos como vino y aceite de oliva.

También han aparecido ánforas Lamboglia 2 y dos anclas de plomo, entre otros restos. La diversidad de materiales proporciona pistas sobre las redes comerciales que atravesaban el Mediterráneo hace más de dos mil años.

El conjunto arqueológico parece corresponder a una embarcación de los siglos II o I a. C., una época de grandes transformaciones políticas y económicas en el Mediterráneo, cuando Roma incrementaba progresivamente su influencia sobre las distintas regiones del Mare Nostrum.

La localización del pecio no es casual desde el punto de vista histórico. Sicilia ocupaba una posición estratégica en el Mediterráneo y sus aguas formaban parte de algunas de las principales rutas utilizadas por comerciantes y navegantes de la Antigüedad.

El naufragio permite imaginar aquellas rutas marítimas por las que circulaban mercancías, personas y culturas. Las ánforas recuperadas son especialmente importantes porque no solo servían como recipientes: sus formas, procedencias y distribución pueden ayudar a los arqueólogos a reconstruir los circuitos comerciales de su época.

Por ello, el descubrimiento tiene un valor que va mucho más allá de encontrar un barco hundido. El pecio constituye una especie de cápsula del tiempo, capaz de aportar información sobre la economía, la navegación y los contactos entre diferentes comunidades mediterráneas.

Detalles del adjunto barco-romano-de-2.000-anos-sicilia_2

La intervención de las autoridades ha permitido confirmar la importancia del yacimiento. La Superintendencia del Mar de Sicilia, junto con la unidad de protección cultural de los Carabinieri, se ha hecho cargo de la protección y documentación del hallazgo. En este caso, las autoridades trabajan en la documentación detallada del pecio mediante técnicas como el levantamiento tridimensional, que permite crear modelos digitales del yacimiento y analizar su estructura. La investigación también deberá determinar en qué estado se conserva la embarcación y si el lugar sufrió saqueos antes de ser localizado oficialmente.

Por el momento, no está previsto reflotar todo el pecio. La fragilidad de los restos y la necesidad de estudiarlos cuidadosamente hacen que la conservación in situ pueda ser una de las opciones más adecuadas. Algunos objetos, sin embargo, podrían recuperarse para su análisis científico.

Cada naufragio antiguo ofrece una oportunidad excepcional para conocer aspectos de la vida cotidiana que rara vez aparecen en las fuentes escritas. Un barco mercante conservado bajo el mar puede revelar qué productos se transportaban, de dónde procedían, hacia dónde se dirigían y qué tipo de embarcaciones utilizaban los comerciantes. El pecio de Mazara del Vallo se suma así al extraordinario patrimonio arqueológico que permanece bajo las aguas del Mediterráneo.

Más de dos mil años después de su hundimiento, sus ánforas siguen contando una historia: la de un Mediterráneo conectado por rutas marítimas, intercambios comerciales y encuentros entre culturas.

Fuente: RPP / EFE.

Historia

Viaja a la Antigua Roma con «Coliseo: El Mítico Escenario», la nueva experiencia inmersiva de Eclipso Barcelona

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La historia cobra vida gracias a la realidad virtual con «Coliseo: El Mítico Escenario», la nueva propuesta de Eclipso Barcelona que invita al público a recorrer la Antigua Roma como nunca antes. A través de una experiencia inmersiva de aproximadamente 45 minutos, los visitantes podrán explorar mercados, pasillos y la emblemática arena del Coliseo mientras siguen los pasos de Flamma, uno de los gladiadores más legendarios del Imperio Romano.

Eclipso Barcelona amplía su catálogo de experiencias culturales en realidad virtual con «Coliseo: El Mítico Escenario», una producción que combina rigor histórico, recreación digital y tecnología inmersiva para transportar al espectador dos mil años atrás en la historia, hasta el corazón de la Roma imperial.

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La propuesta permite recorrer libremente diferentes espacios de la ciudad eterna, desde sus bulliciosos mercados hasta los túneles y la arena del Coliseo, donde el visitante será testigo de los combates protagonizados por Flamma, un célebre gladiador que, según las fuentes históricas, disputó más de treinta batallas y prefirió la gloria a obtener la libertad.

Desarrollada en colaboración con el estudio Small Creative, la experiencia destaca por la reconstrucción detallada de la arquitectura, la ambientación y la recreación de la vida cotidiana de la Roma antigua. Gracias a la tecnología de realidad virtual de libre movimiento, los asistentes podrán desplazarse por el escenario, interactuar con el entorno y compartir la aventura con otros participantes, convirtiendo la visita en una propuesta tanto educativa como espectacular.

Con una duración aproximada de 45 minutos, «Coliseo: El Mítico Escenario» está recomendada para mayores de 8 años y se presenta como una opción ideal para aficionados a la historia, familias y amantes de las experiencias inmersivas que buscan una forma diferente de descubrir el pasado.

Exposición inmersiva: Coliseo: El Mítico Escenario

Espacio: Centro comercial Arenas de Barcelona (Gran Via de les Corts Catalanes, 385)

Horarios:
● Fuera de vacaciones escolares:
Lunes y martes: 11:00 a 19:00 h
Miércoles, jueves, viernes, sábado y domingo: 11:00 a 21:30 h.

● Durante las vacaciones escolares:
Todos los días: 11:00 a 21:30 h.

Entrada general (adultos): 22 €
Entrada reducida (estudiantes, menores de 18 años, personas con movilidad reducida y desempleados): 17 €
Tarifa de grupo (a partir de 4 personas): 17 €

Duración de la experiencia: aproximadamente 45 minutos.
Edad mínima recomendada: 8 años
No recomendada para personas con problemas cardíacos, epilepsia o portadoras de marcapasoseb

Más información: Web Coliseo: El Mítico Escenario

Cine,Música

Crónica concierto especial James Horner. La banda sonora de la eternidad (Auditorio Nacional de Música, Madrid)

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Todos somos conscientes de la importancia de la imagen en una película. Una de las grandes claves de su éxito radica en ellas. Pero no son menos importantes otros aspectos de un film, como el guion, las interpretaciones, la fotografía o, evidentemente, la música. Es por ello que en los últimos años se han hecho cada vez más populares en los auditorios los conciertos de bandas sonoras. Primero fueron los de los compositores más populares, esto es, John Williams, Ennio Morricone, Jerry Goldsmith o Hans Zimmer. Con el tiempo les ha llegado la hora a otros compositores. Él último afortunado ha sido James Horner, del que sus seguidores gozaron de un concierto de alto voltaje musical organizado el pasado 26 de junio por la Film Symphony Orchestra.

Y la ocasión valió la pena. Ya era hora de que el legado musical de Horner pudiera ser disfrutado por los amantes de las bandas sonoras, teniendo en cuenta que muchos de los éxitos de los 90 y los 2000 tienen su firma.

El concierto comenzó de la mejor forma posible, con el tema principal de Star Trek II la Ira de Khan que proveyó al concierto desde sus inicios de la intensidad que necesitaba. A partir de ahí no dejaron de sonar grandes éxitos compuestos por Horner. Con los temas de Leyendas de pasión y Troya, ambas películas interpretadas por Brad Pitt, la selección se internó en el tema histórico, para dar paso a una selección de grandes películas de fantasía y ciencia-ficción en las que Horner destacó con una sensibilidad y una determinación sin parangón.

El público pudo gozar, así, de la música de películas como Deep Impact, Willow, The Amazing Spider-Man, Apolo 13 o Avatar, películas que Horner supo desarrollar musicalmente, alcanzando una maestría compositiva difícil de igualar.

La selección tuvo también espacio para otras temáticas, como la de los trastornos mentales que afectaron a John Forbes Nash, una de las mentes matemáticas más destacadas del siglo XX en Una mente maravillosa; la rebeldía escocesa liderada por William Wallace en el siglo XII en Braveheart o la azarosa llegada de una familia de ratones europeos migrantes a EE.UU. en Fievel y el Nuevo Mundo, para seguir con la interpretación de los temas de películas como Rocketeer, Titanic o Cocoon.

Como siempre vale la pena destacar algunos momentos del concierto. Uno de ellos fue el Lullaby de Casper, o los créditos finales de En busca del Valle encantado, dos momentos musicales a los que Horner supo dotar de una ternura musical verdaderamente emotiva.

Como siempre la FSO y los coros que la acompañaban se desenvolvieron sobre el escenario con una interpretación a la altura de los requerimientos técnicos que la composición de Horner siempre impone. Asimismo, Constantino Martínez-Orts supo, también como siempre, poner en antecedentes al público a la hora de comentar las bandas sonoras que iba interpretando la orquesta, con toda una serie de indicaciones técnicas y musicales que enriquecieron la experiencia musical.

Aunque la selección de la FSO estuvo muy acertada, de Horner siempre se queda algo en el tintero musical. Creo que alguna referencia a la banda sonora de Krull o a Proyecto Brainstorm, ambas de 1983, hubieran conseguido alzar aún más el nivel de un concierto de altura. Aún así hay que felicitar a FSO por su portentosa actividad de difusión de la banda sonora cinematográfica y por realizar toda una serie de conciertos que se convierten no solo en un deleite para el público presente, sino en una experiencia musical inmersiva difícil de olvidar.

CONCIERTO ESPECIAL JAMES HORNER. LA BANDA SONORA DE LA ETERNIDAD

Dónde: Auditorio Nacional de Música — Sala Sinfónica, Calle Príncipe de Vergara 146, Madrid
Cuándo: Viernes 26 de junio de 2025 a las 22:30 horas
Precios entradas: de 34 € a 67 €
Más información:Web Film Symphony Orchestra

NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: La fortaleza, en el Teatre Lliure Gràcia

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El teatro clásico es el pilar sobre el que se puede construir la realidad escénica de cualquier obra. No por otra la Compañía Nacional de Teatro Clásico encargó a Lucía Carballal una actualización de una dramaturgia de El castillo de Lindabridis de Calderón de la Barca, que ha dado como resultado La fortaleza, una obra de reflexión sobre la figura de un padre ausente y el peso de la tradición y la familia.

“¿Cómo se relaciona la autora, que, como Lindabridis, perdió a su padre, con esta historia fantástica? Lo hace de la mano de tres actrices, Natalia Huarte, Mamen Camacho y Eva Rufo, que reflexionan sobre la paternidad y la ausencia en una propuesta autoficcional. En ella, Carballal rastrea la figura de un padre ausente, arquitecto de profesión, a través de los edificios que construyó y, al mismo tiempo, se interroga sobre el sentido del teatro clásico —y de la tradición— en nuestro tiempo. La herencia, ya sea material o inmaterial; aquello que recibimos de nuestros padres o el patrimonio cultural que nos legan las generaciones anteriores son algunos de los temas que atraviesan La fortaleza”.

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Carballal nos propone para este Grec 2026 una reflexión basada en El castillo de Lindabridis, que la autora convierte en La fortaleza, un término con más de un sentido figurado que incluye desde los recuerdos y el patrimonio familiar hasta la capacidad de superación que vamos desarrollando cada uno y cada una de nosotros a lo largo de la vida.

Por eso, como en la obra de Calderón, la ausencia de la figura del padre marca el desarrollo de la representación y las reflexiones de la protagonista, interpretada por tres actrices que consiguen transmitir al público de una forma atrevida a la par que emotiva los recuerdos, los anhelos y las heridas que va dejando la vida a medida que la vamos viviendo y vamos creando nuestros elementos de resistencia, esa fortaleza que da título a la obra.

Y para ello no se necesita nada más que el arte escénico que atesoran las tres protagonistas, un guion que sabe extraer de la vida las reflexiones más sustanciales y un escenario vacío o casi vacío que permite a los espectadores centrar la atención en lo qué se dice y cómo se dice.

La fortaleza es, así, un guiño con el ojo tanto a una obra de referencia, El castillo de Lindabridis, como al público en su conjunto, un propósito que muestra cómo una obra clásica se puede transmutar en una propuesta actual que extrae de los agravios vitales que todos arrastramos a lo largo de la vida una enseñanza, que es justamente esa, la de que todos y todas tiramos hacia adelante superando tanto lo bueno como lo malo, aquello que al final nos hace ser como somos. Una clase de teatro vital que nos deja un poso con el cual enriquecer nuestro criterio, una intención en sí nada desdeñable.

«La fortaleza» se representó en el Teatre Liure Gràcia el 9 y el 10 de julio de 2026.

Dramaturgia y dirección: Lucía Carballal
Interpretación: Mamen Camacho, Natalia Huarte, Eva Rufo
Escenografía y vestuario: Pablo Chaves Maza (AAPEE)
Iluminación: Pilar Valdelvira (AAI)
Diseño de sonido: Benigno Moreno
Vídeoescena: Elvira Ruiz Zurita
Texto videoescena: Pablo Carballal

Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Primera Llei de Newton, en La Villarroel

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La vida en un instituto es dura, esto no lo podemos obviar. La diversidad y la complejidad de la misma sociedad hace que las realidades / experiencias que se viven en un centro de educación secundaria pueda ser, para alumnos y también para profesores, una tarea dura. De ahí que el teatro se interese por la realidad educativa con el estreno el pasado 1 de julio de Primera Llei de Newton, una obra que trata el conflicto que acontece en un instituto en relación al comportamiento tramposo de un alumno.

«Un instituto de alta complejidad, recientemente premiado por su proyecto educativo, se ve sacudido por un conflicto que pone en crisis su discurso de oportunidades.
A pocos días del claustro final, se descubre que Izan, un alumno a punto de graduarse, ha copiado sistemáticamente los exámenes de una asignatura. La tensión aumenta cuando la madre de Izan se presenta en el instituto para solicitar un certificado que garantice que su hijo obtendrá el título de la ESO, al mismo tiempo que el centro recibe la visita de una joven influencer interesada en la historia de éxito del instituto».

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Primera Llei de Newton es una obra que toca diversos temas relacionados con la educación de los más jóvenes. Eu Manzanares, con un muy buen ojo clínico, ha creado una realidad escénica que nos obliga a contemplar la “dura” realidad que se vive en nuestros institutos. Una situación particular, el comportamiento tramposo de un alumno y su actitud chuleta, obliga a los profesores a discutir sobre si este se merece o no el título de estudios secundarios para poder ser fichado por un club de futbol, que le puede solucionar la vida a él y a su familia. Como veis, el dilema está servido.

A través de discusiones, flashbacks y algunas escenas de alta tensión, la obra abre un debate tragicómico sobre la sociedad en la que vivimos y nos pregunta sobre si «el todo vale», aunque no sea legal o correcto, es la mejor forma de solucionar los problemas de la vida. Para ello se necesita un guion de altura, obra de Manzanares, que nos encamine hacia el debate sin prejuzgar el comportamiento de los diversos personajes, y que posea la tensión necesaria para mantener el interés del espectador a lo largo de la representación.

Pero todo ello no conseguiría el efecto requerido si el reparto de actores y actrices no estuviera a la altura. Y lo está!! Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun y Max Vilarrasa dan en el clavo en sus interpretaciones, dando vida a los profesores que han de decidir sobre el futuro del alumno fullero; la madre del mismo, que ha de defender la actuación de su hijo, como cualquier buena madre, y la posibilidad de que consiga el certificado de estudios que le abra las puertas de la promoción social; o la joven influencer que se sentirá amenazada en un barrio muy alejado de sus estándares sociales. Un elenco dirigido con maestría por Nelson Valente, que sabe darle a la representación la compostura adecuada.

Primera Llei de Newton es una de esas obras que se revuelve en la actualidad y que sin duda nos obliga, una vez salidos del teatro, a debatir con nuestros acompañantes y si es posible, a opinar… ¿Es lícito hacer trampas cuando el sistema es injusto?

“Primera Llei de Newton” se representa en La Villarroel del 1 de julio al 2 de agosto de 2026.

Autoria y adjunta a dirección: Eu Manzanares
Dirección: Nelson Valente
Reparto: Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun, Max Vilarrasa
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Zaida Crespo
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: David Solans
Caracterización: Toni Santos
Producción: La Villarroel, Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: miércoles y viernes a las 19:30 horas; jueves a las 17:30 y a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 24,10€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: El retrat de Dorian Gray, en el Teatre Romea

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Llegamos, sin duda, a una de las joyas de este Grec 2026, que no es otra que la versión de El retrato de Dorian Gray que el pasado 30 de junio se estrenó en el Teatre Romea, con una Àngels Gonyalons en estado de gracia.

“Àngels Gonyalons se pone en la piel de Oscar Wilde para defender El retrato de Dorian Gray de los ataques de la crítica de su tiempo, y es a través de su voz que vemos a todos los personajes de la controvertida novela. Ella es Dorian, el joven que siente envidia de la belleza de su propio retrato y hace un pacto con el diablo para conservar eternamente la juventud. Ella es Basil Hayward, el pintor del controvertido retrato. Ella es Sibyl Vane, la joven actriz de la que Dorian se enamora. Pero, sobre todo, ella es Lord Henry, el dandi depravado que acompaña a Dorian en su descenso a los infiernos, mientras su retrato se va transformando monstruosamente”.

En verdad fue el título y el cartel de la obra lo que provocó interés en mi persona. Una historia acerca del peligro de la sobreestimación de la belleza. Un clásico de Oscar Wilde con un muy buen maridaje en nuestra época. Hasta que no estuve sentado en la butaca no fui consciente de la arquitectura escénica que Marc Rosich había construido con la obra original y lo bien que casaba con un formato de pequeño musical.

El retrat de Dorian Gray_1

Del acierto en gran parte es responsable Àngels Gonyalons, cuya veteranía le permite interpretar a todos los personajes principales de la obra con un suave gesto o un simple cambio de tonalidad en la voz. Así que Gonyalons es Dorian, es Basil Hayward, es Sibyl Vane y es Lord Henry, o lo que es lo mismo, consigue hacer creíble un monólogo plural tocado con la magia de diversos temas musicales, que proveen a la representación una sensibilidad soberbia.

Gonyalons está acompañada por un trío vocal interpretativo y musical integrado por Jordi Vidal, Pau Oliver i Pol Blancafort que actúa como un coro clásico para ayudar al avance de la representación, y por un quinteto musical que interpreta la música en directo compuesta por Jordi Cornudella con un carácter íntimo que enlaza perfectamente con la representación de la obra.

Todo en El retrat de Dorian Gray es sedoso y agradable al tacto, con una Gonyalons en estado de inspiración que solo necesita de su dominio sobre el escenario para hacer creíble una historia sobre el culto a lo bello, a lo físico, que se materializa en el cuadro de Dorian Gray y que nos permite ver, a través de los ojos de Oscar Wilde, lo peligroso de centrar nuestros apetitos tan solo en lo material, subsistiendo con vidas vacías que no llevan a ninguna parte, y que por ello son más controlables.

Felicidades al Festival Grec y a Focus, que han sabido dar en el clavo en la elección de la obra y a la hora de darle una tonalidad escénica inmejorable.

«El retrat de Dorian Gray» se representa en el Teatre Romea del 30 de junio al 2 de agosto de 2026.

A partir de la obra de Oscar Wilde
Dirección de escena y dramaturgia: Marc Rosich
Dirección musical y composición: Jordi Cornudella
Intérpretes: Àngels Gonyalons, Jordi Vidal, Pau Oliver, Pol Blancafort
Músicos: Leos Quintet
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Joana Martí
Iluminación: Bernat Jansà
Espacio sonoro: Jordi Ballbé
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea y Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 19:30 horas; sábados a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 27,50€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: L’Albada, en el Teatre La Biblioteca

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El teatro y la historia han mantenido desde siempre un abrazo muy intenso, que ha provisto a los escenarios de grandes historias y retratos históricos más o menos remedados. L’Albada, producida por La Perla 29 y el Festival Grec 2026, nos propone, sin embargo, otro tipo de juego basado en un rompecabezas en el que la Guerra Civil Española y los dramas que se vivieron en ella tienen un papel protagonista.

“Durante la preparación de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92, Alba (Clara Mir) está terminando la carrera de Historia y emprende una investigación que la llevará más allá de lo que nunca hubiera podido imaginar. Guiada por un buen profesor (Ramon Vila) de la universidad y acompañada por otro joven historiador que busca sus orígenes sin descanso (Jaume Viñas), se adentrará en la historia más oscura de la España moderna y trazará un camino que la llevará desde la Guerra Civil hasta la euforia olímpica.

L’Albada, escrita por Jaume Viñas y dirigida por Oriol Broggi, nos presenta una historia compleja en la que la historia reciente de España y la investigación histórica están muy presentes. Y si hay un tema protagonista en la historia reciente de España no es otro que el de la Guerra Civil. En esta ocasión, Alba, una estudiante de Historia, inicia una investigación sobre unos milicianos anarquistas que la llevará, poco a poco, a descubrir no solo cómo vivieron ellos el final de la guerra, sino, también, sus propios orígenes.

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Para ello Viñas ha creado una arquitectura guionística compleja en la que veremos cómo dos tiempos históricos confluyen para mostramos un mapa vital de recuerdos, memoria, olvidos y silencios que recorren las venas de todos los personajes de la obra. Una representación que intenta mantener la atención del público a través de una espesura de secuencias, flashbacks y crónicas escénicas que se irán intercalando entre ellas, y que guiarán y a veces dificultarán el descubrimiento de la verdad escénica e histórica.

Y es que hablar de la Guerra Civil y de las consecuencias que esta tuvo en nuestra historia reciente es un propósito en sí mismo complicado y en muchos casos socavado por capas de miedo, vergüenza y silencio, caminos por los que habrán de transitar los protagonistas de la obra. Un reparto que en gran medida es coral, y en el que el buen hacer de once actores y actrices permitirá hacer creíble una historia en la que el drama y las pérdidas están muy presentes. Desde un profesor de historia implicado, a una estudiante de fin de carrera con traumas de infancia, a hombres y mujeres trágicamente afectados por la guerra. Un puzle de memoria y olvido que resume las vivencias de una época muy reciente incluso a principios del siglo XXI.

Si bien, aunque el propósito es digno y voluntarioso, el resultado escénico es demasiado complejo, con múltiples historias que se entrelazan y a las que el espectador ha de estar muy atento, creo que demasiado. Además, la acumulación de historias hace que la obra se alargue hasta 3 horas y 40 minutos, una extensión que no está al alcance de la atención de todos los públicos.

Aún así, L’Albada es un portento en muchos aspectos, y aunque partidista en su confección, es una propuesta que nos obliga a reflexionar sobre nuestro propio pasado más reciente. Y en un mundo en el que la guerra y los conflictos políticos están en auge, y las opciones políticas de ultraderecha están consolidándose, vale la pena repensar las consecuencias que tiene una guerra, cualquiera, y en las vidas que quedan afectadas por ella durante generaciones.

“L’Albada” se representa en el Teatre La Biblioteca del 25 de junio al 30 de julio de 2026.

Autoría: Jaume Viñas
Dirección: Oriol Broggi
Reparto: Cristina Arenas, Patrícia Bargalló, Joan Marmaneu, Clara Mir
Noël Olivé, Eduard Paredes, Maria Ribera, Oriol Ruiz Coll, Ismael Sempere, Ramon Vila, Jaume Viñas
Vestuario: Gina Moliné
Espacio y escenografía: Oriol Broggi i Yaiza Ares
Sonido: Òscar Camí i Oriol Broggi
Producción: La Perla 29 y el Grec Festival de Barcelona 2026

Horarios: Ver web La Perla 29
Precio: a partir de 30€
Duración: 3 horas y 40 minutos (con intermedio)
Idioma: catalán / castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: La promesa, en el Teatre Borràs

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A veces el teatro es tan solo teatro, es la voluntad de disfrutar de un divertimento, de unas risas o, incluso, de unos recuerdos del ayer. Mucho de esto es lo que propone La promesa, en el teatre Borràs, una comedia, a veces algo trágica, escrita por Yago Alonso y Silvia Navarro y dirigida por Pau Roca.

“Cinco amigos acomodados se encuentran una vez más para compartir una noche temática de los años 90 con un punto de partida: el momento en el que se conocieron siendo casi unos niños. La fiesta es un éxito, pero lo que debía ser una noche de diversión y nostalgia cambia radicalmente cuando Paula, la organizadora, confiesa que el vino que han tomado está envenenado. ¿Por qué lo ha hecho? ¿Por qué ella también ha bebido? ¿Qué más tiene preparado Paula para esa noche?”

La Promesa será un divertimento para muchos y muchas y una decepción para muchos otros y otras. La propuesta comienza con una selección de grandes hits de los 90, con los que una vez llegados los invitados a la fiesta el público disfrutará de temas icónicos de la década e incluso de algunas de sus coreografías. Si bien, a medida que avanza la trama la temática irá virando hacia la intriga que está relacionada con el mismo título de la obra, esto es, por las consecuencias de un acontecimiento de la juventud de los protagonistas que finalizó trágicamente con una promesa. Es alrededor de este segundo tramo de la representación en el que se cuece el meollo del asunto y en el que se harán evidentes las trazas de reflexión social de La promesa.

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Por desgracia la obra es en sí poco creíble. El guion de La promesa es en gran medida artificioso, escrito con la voluntad de crear una obra en dos tramos que incluye una parte inicial de nostalgia musical generacional y una segunda parte que mezcla juego e intriga y que oscila entre la comedia y la tragedia. De ahí, que aún con el esfuerzo de los actores y las actrices y la mano experimentada de Pau Roca en la dirección, no se alcance el efecto teatral requerido.

El reparto, que incluye a Eduard Buch, Marc Rodríguez, Clara Altarriba, Mercè Martínez y Eduardo Lloveras, suma positivos en la interpretación coral. Sin embargo, la pieza que no está a la altura de las circunstancias es el guion, que muestra una variabilidad que le hurta consistencia a la representación. Aún así, las risas y las carcajadas están aseguradas, ya que lo disparatado de la situación, que incluye un intento de envenenamiento y la búsqueda embrollada del antídoto al estilo yincana, permitirá a los actores explotar la vertiente más cómica de la trama.

Así, pues, La promesa es un divertimento con afán de crítica social, aunque, seguro, los espectadores recordarán más a la salida del teatro la comicidad de las diversas situaciones que no la reflexión que la propuesta intenta acometer.

“La promesa” se representa en el teatre Borràs del 23 de mayo al 12 de julio de 2026

Autoría: Yago Alonso y Silvia Navarro
Dirección: Pau Roca
Intérpretes: Eduardo Lloveras, Eduard Buch, Marc Rodriguez, Carol Rovira, Mercè Martinez
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Pol Cornudella
Producción: Sixto Paz, Focus
Espacio Sonoro: Marti Maymó

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes a las 19:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 25,40€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Historia

Cartago. Una nueva historia de un antiguo imperio: la otra versión de la historia mediterránea

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La historia la escriben los vencedores. Pocas civilizaciones ilustran mejor esta máxima que Cartago, la gran rival de Roma cuya memoria quedó sepultada bajo siglos de propaganda, tópicos y relatos construidos por quienes terminaron destruyéndola. Con Cartago. Una nueva historia de un antiguo imperio, la historiadora británica Eve MacDonald propone una revisión profunda de uno de los pueblos más fascinantes y menos comprendidos de la Antigüedad.

Publicado por la editorial Taurus, el volumen se presenta como una ambiciosa reconstrucción de la historia cartaginesa desde una perspectiva alejada del tradicional relato romano. Durante casi seiscientos años, Cartago fue una de las mayores potencias políticas, económicas y militares del Mediterráneo occidental, capaz de competir con cualquier imperio de su tiempo y de extender su influencia desde el norte de África hasta la península ibérica y las costas atlánticas.

Lejos de centrarse únicamente en las Guerras Púnicas o en la figura de Aníbal, MacDonald amplía el foco para explorar la complejidad de la civilización cartaginesa. El libro recorre sus orígenes fenicios en el Levante mediterráneo, su expansión comercial, sus creencias religiosas, sus expresiones artísticas y la vida cotidiana de una sociedad que durante siglos actuó como puente entre África, Europa y Oriente Próximo.

Uno de los aspectos más atractivos de la obra es su voluntad de cuestionar muchos de los lugares comunes que han acompañado a Cartago desde la Antigüedad. Gracias a los avances arqueológicos de las últimas décadas y a una lectura crítica de las fuentes clásicas, la autora intenta separar los hechos históricos de la imagen transmitida por los cronistas romanos, ofreciendo una visión más equilibrada de una cultura habitualmente presentada como la antagonista de Roma.

La propuesta conecta además con una tendencia historiográfica cada vez más presente: recuperar la voz de los pueblos que quedaron eclipsados por los grandes imperios vencedores. En este sentido, Cartago. Una nueva historia de un antiguo imperio no es solo una biografía de una civilización desaparecida, sino también una reflexión sobre cómo se construye la memoria histórica y quién tiene el poder de fijarla. Una cuestión especialmente relevante cuando se aborda una cultura cuya documentación propia apenas ha sobrevivido.

Con cerca de cuatrocientas páginas, abundante apoyo en la investigación arqueológica reciente y una vocación claramente divulgativa, el libro aspira a convertirse en una de las obras de referencia para quienes deseen acercarse al mundo púnico más allá de los mitos de Aníbal, los elefantes de guerra y la inevitable sombra de Roma.

Título: Cartago. Una nueva historia de un antiguo imperio
Autora: Eve MacDonald
Editorial: Taurus
Páginas: 392
Encuadernación: tapa dura
Precio:
● Tapa dura: 23,65€
● eBook: 11,39€
● Audiolibro: 17,99€