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El Rey León regresa a la Gran Vía de Madrid

Todos deseamos que la normalidad vuelva a nuestras vidas tras el año y medio de afectaciones y restricciones provocadas por la pandemia de Covid-19. De ahí que cualquier noticia o acontecimiento que nos acerca a ella nos impacte de forma muy y muy positiva. Y en el mundo del teatro un signo de que la normalidad avanza poco a poco es el regreso de los grandes musicales a los escenarios.

Y si ha habido un musical de éxito en la Gran Vía madrileña pre-pandemia, este no fue otro que El Rey León, que anuncia su regreso el 23 de septiembre a la cartelera del teatro Lope de Vega. Una alegría para todos aquellos que se quedaron con las ganas de ver el espectáculo y un signo de recuperación para un sector muy afectado por las restricciones anti-covid.

De esta forma, el musical producido por Stage Entertainment que ha batido todos los records desde su estreno en el año 2011, regresa con más fuerza e ilusión que nunca. Comenzará su 10ª temporada, en la que alcanzará la cifra histórica de 5 millones de espectadores, tras más de 3.500 representaciones en el teatro Lope de Vega.

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Un musical que te dejará sin palabras gracias a su sorprendente puesta en escena. Toda una lección de vida que se ha convertido en un hito dentro del mundo del espectáculo, al fusionar las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas africanas, asiáticas y occidentales, con una banda sonora tan excepcional como inolvidable. El espectáculo adentra al espectador en un universo de valores, creatividad, ritmo y color inigualable.

En Stage Entertainment España han preparado sus instalaciones para cumplir con las medidas de protección e higiene indicadas por las autoridades sanitarias, para conseguir que tu visita sea una experiencia única, segura e irrepetible.

Adelántate, hazte ya con tus entradas y no te pierdas el musical que conmueve al mundo.

“El Rey León” se representa en el Teatro Lope de Vega a partir del 23 de septiembre de 2021.

Dirección: Julie Taymor
Adaptación y traducción: Jordi Galceran
Libreto: Roger Allers e Irene Mecchi
Dirección musical: Sergi Cuenca, Raúl Patiño y Antonio Palmer
Reparto: Agustín Argüello, Ricardo Nkosi, Angel Padilla, Pitu Manubens, Andrea Bayardo, Lindiwe Mkhize, Sally Artigas, Juan Bey, Alex Parra, Nacho Brande, Ramon Balasch, Yelena Lafargu, Dariel Ventura, Edgar Moreno, Daniel González, Diego Montejo, Izan, Fernández, Lisandro Luis Nieves, Samuel Da Silva, Daniela Angelina Socias, Jimena Martínez Monmeneu, Luna Berroa, Martina Venecia Franco y Olivia ManzanoBailarines: Allan Hernández, Jahmai Grant, Marcos Rodríguez, Justin, Poleon, Alexis Abreu, Yunior Tavarez, Miroslava Fernández, Rosa Concet, Lluvia Marchena, July Cuevas, Doraysa de Peña, Ana Francy, Yoanki Matos, Noel Contreras, Nicolo Marchionni, Raphaella de Souza, Iliuska Rodríguez y Leticia Cardoso
Voces: Subissiso Xaba, Muzikayise Khumalo-Masilela, Armando Valenzuela, Mario Alberto Hernández, Michel Jáuregui, Carlos Valdez, Víctor Manuel Nogales, María Arévalo, Nokulunga Madlala, Phindile Ndlovu, Yelina Lafargue, Samantha Strachan, Carlos Sandoval, Mlu Mthethwa, Rosana Galli, Carmen Elena Aguilera y Lieta Molinet
Escenografía: Richard Hudson
Iluminación: Donald Holder
Sonido: Steve Canyon Kennedy
Peluquería y maquillaje: Michael Ward
Vestuario: Julie Taymor
Coreografía: Garth Fagan
Música: Elton John, Lebo M, Mark Mancina, Hans Zimmer y Jay Rifkin
Producción: Disney Theatrical Productions

Público: Edad recomendada: todos los públicos
Duración: 165 minutos
Idioma: Castellano
Horarios y entradas: Web El Rey León, el musical

Crítica teatro: La función que sale mal, en el Teatro Calderón de Madrid

La magia del teatro reside en la suma de muchos elementos, y uno no menor es el correcto desarrollo de la representación, con sus tiempos, sus interpretaciones y con una realidad escénica que se integra apropiadamente con ellos. Esto es lo que no pasa en La función que sale mal, en cartelera en el Teatro Calderón de Madrid hasta el próximo 29 de agosto y que se representará en el Teatro Coliseum de Barcelona a partir del 29 de septiembre.

La función que sale mal hace honor a su nombre. Estamos, en la ficción, ante una compañía universitaria sin demasiada experiencia teatral que intenta representar un espectáculo al estilo Agatha Christie o Sherlock Holmes: se ha producido un asesinato en una mansión. Será trabajo del comisario de turno descubrir quién es el asesino y cuáles son sus motivos. Pero en la representación nada saldrá como estaba previsto. La actuación de los actores no es la que debiera ser; la representación deja mucho que desear y el escenario irá desintegrándose poco a poco a lo largo de la “función que sale mal”. Como veis, todos los ingredientes necesarios para que estalle la comedia desde el minuto uno.

El espectáculo defraudará a muy pocos. Estamos ante una comedia pura en la que los errores, las desgracias y sobre todo, el buen hacer cómico de los actores y de las actrices que integran el reparto, harán que quien más y quien menos se ría de la suma de dificultades que sufrirá el espectáculo, un continuo de pequeños y grandes desastres que progresarán a lo largo de la representación hasta la vorágine final. Una obra de metateatro al estilo Pel davant i pel darrera o Bolulevard.

En este tipo de espectáculos todo ha de estar estudiado y cronometrado para que todo lo que ha de salir mal salga mal, y para que el reparto interactúe con la desgracia de forma cómica. Y lo está, algo que se debe a una acertada dirección de Sean Turner y a la interpretación en clave serio-cómica de todo el reparto, integrado por Héctor Carballo, Carlos de Austria, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, César Camino, David Ávila, Felipe Ansola, Paula G. Lara, Ángel Saavedra y Avelino Piedad en las diferentes actuaciones, que consigue interpretar de forma creíble a unos malos actores que durante la representación sufrirán los infortunios de la musa del teatro.

Nada más y nada menos. Unos 100 minutos de representación en los que el espectador se verá afectado cómicamente por la serie de desastres escénicos que sufrirá en clave de comedia la representación. Tanto es así que al final no importará tanto quién es el asesino sino cómo el elenco sin experiencia (en la ficción) podrá hacer frente a la avalancha de calamidades que se les viene encima.

Un soplo de aire fresco cómico que ha ganado diversos premios internacionales como los Oliver, Tony, Moliere o el Broadway.com, que este mes de agosto está en Madrid y que llegará a la cartelera barcelonesa el próximo mes de septiembre y al que se le puede augurar un gran éxito, no solo por su gancho cómico sino por su capacidad de abstraernos por un breve espacio de tiempo de lo duros que han sido los últimos tiempos en Madrid, Barcelona, Cataluña, España y en el mundo entero y hacernos reír de las desgracias que, ahora sí, les pasan a otros, en este caso a actores y, sobre todo, les pasan en la ficción.

“La función que sale mal” se representa:
• Del 8 de abil al 29 de agosto de 2021 en el Teatro Calderón de Madrid
• Del 29 de septiembre al 24 de octubre de 2021 en el Teatre Coliseum de Barcelona

Director versión original: Mark Bell
Director versión española: Sean Turner
Director asociado: David Ottone
Dramaturgia: Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields
Reparto: Hector Carballo, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, David Ávila, Paula G. Lara, Ángel Saavedra, Avelino Piedad, Manuel de Andrés, Agustín Otón y Fael García
Adaptador de la función que sale mal: Zenón Recalde
Diseño escenografía: Nigel Hook
Iluminación: Ric Mountjoy
Vestuario: Roberto Surace
Diseño de sonido: Andy Johnson
Fotografía: Helen Murray
Producción: Som Produce, NEARCO, Cobre y Olympia Metropolitana

Horarios Teatro Calderón Madrid: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: desde 19€
Idioma: castellano
Duración: 100 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Perdidos, en los Teatros Luchana (Madrid)

La obra Perdidos, escrita por Ramon Madaula, dirigida por Ignasi Riera e interpretada por Agustín Jiménez y Carlos Chamarro se representa en los Teatros Luchana del 27 de agosto al 31 de octubre de 2021.
Horarios: viernes y sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas.

El calor del verano hace que a quien más y a quien menos nos venga en gana un poco de divertimento que nos haga olvidar, como ya he dicho en otras ocasiones, las sofocantes incomodidades del periodo estival. De ahí que ir a ver una comedia sencilla y, sobre todo, bien hecha, se convierta en un refrigerio teatral. Y es justamente esto lo que nos propone Perdidos, una comedia escrita por Ramón Madaula, dirigida por Ignasi Vidal e interpretada por Agustín Jiménez y Carlos Chamarro, dos cómicos de solvencia contrastada.

Ambos interpretan a dos empleados de una empresa de recambios y reparaciones de calderas que se encuentran cada mediodía para comer juntos. Durante una de sus comidas la conversación habitualmente intrascendente les llevará a proponerse un reto: ambos se darán permiso para intentar intimar con la pareja del otro. Una sugerencia que provocará imprevisibles consecuencias que superarán sus expectativas iniciales y harán peligrar su apacible aunque estancada vida familiar

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Perdidos es, así, una comedia de pequeño formato, solo dos actores y un reducido escenario que nos muestra el local donde ambos comen a diario, pero que os hará reír en gran formato, os lo aseguro. Para ello es clave el texto de Madaula que incide en un humor de género (blanco, por otra parte), algo en lo que ya ha demostrado su desenvoltura, prueba de ello es el reciente éxito de Els Brugarol en el teatro Poliorama de Barcelona. A ello se suma la aguda dirección de Vidal y la vis cómica de los dos actores, Agustín Jiménez y Carlos Chamarro, que la tienen y de sobra, y que aportan una interpretación muy afinada en la que lo que se dice, el cómo se dice y las caras que se ponen al decirlo son las claves del pulso cómico de la obra, acrecentado por lo cotidiano del contexto, que no es otro que el de una amistad de larga duración como la que todos y todas podemos tener.

Las risas están aseguradas, os lo prometo, al contemplar lo perdidos que están los protagonista, ya sea en relación a los misterios y contratiempos de la vida en pareja como a lo relativo a sus ensueños de seducción. De esta forma, pues, la comedia navega entre los prejuicios y los estereotipos de los roles de género, enriquecida por diversos giros en la trama y por lo cómico de las situaciones que se irán produciendo y que irán superando poco a poco a los dos amigos.

Una propuesta, además, de teatro a la fresca del que el público podrá disfrutar hasta el próximo 22 de agosto en la terraza del Patio del Galileo, una inmejorable ocasión para gozar de una comedia sencilla pero profunda que seguro que os hará reír, y tal vez, reflexionar. Y una oportunidad, también, para confirmar que cuando en el teatro se suman las artes de un buen texto, una ágil dirección y el buen hacer de dos actores cómicos, el resultado no puede ser otro que el que vemos en Perdidos.

“Perdidos” se representa en el Patio del Teatro Galileo del 8 de julio al 22 de agosto de 2021.

La obra Perdidos, se representa en los Teatros Luchana del 27 de agosto al 31 de octubre de 2021.
Horarios: viernes y sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas.

Web Teatros Luchana

Dramaturgia: Ramón Madaula
Dirección: Ignasi Vidal
Reparto: Agustín Jiménez y Carlos Chamarro
Escenografía y vestuario: Alessio Meloni
Diseño de iluminación: Ciru Cerdeiriña
Distribución: Fran Ávila
Producción: Octubre

Horarios: de miércoles a domingo a las 22:00 horas
Precio: desde 20€
Duración: 75 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Llévame hasta el cielo, en el Teatre Apolo

El Teatro Apolo de Barcelona mantiene firme su programación durante los meses de verano, que incluyó el estreno, el pasado 9 de junio, de Llévame hasta el cielo, una comedia escrita por Nacho A. Llorente, dirigida por Juan Carlos Rubio e interpretada por Lolita Flores y Luis Mottola.

Toda la acción se desarrolla en el interior de un (gran) ascensor, en el que coinciden Ángela (Lolita Flores) y Marcelo (Luis Mottola). Tras un tropiezo inicial, ambos quedarán encerrados en el ascensor, hecho azaroso este que nos permitirá conocer los motivos que han llevado a Marcelo al edificio y quién es la verdadera Ángela.

Así, pues, estamos ante una comedia, con toques tragicómicos, basada en la interacción entre ambos personajes. Ángela es una mujer aparentemente con recursos y extrovertida que parece conocer muy bien a Marcelo. Este se muestra nervioso y algo inquieto, un estado de ánimo que se intensificará por el encierro y por las continuas intromisiones de Ángela.

Llévame hasta el cielo es una propuesta que se basa en la comedia clásica, a la que la obra hace continuas referencias explícitas, ya sea al cine de Hollywood o al italiano, e implícitas, con un contexto que nos recuerda el film Qué bello es vivir (Frank Capra, 1946). Un humor que se acentuará con el cambio de roles que propone la representación, en el que las contradicciones entre ambos personajes se intensificarán.

De la propuesta la que sale más bien parada es Lolita, que sabe proveer a su personaje de la energía y el trasfondo que requiere. Mottola parece no estar tan a gusto en su papel, sobre todo en la primera parte de la representación, donde está un poco fuera de tono.

Por lo que respecta al escenario, la obra nos sitúa en un amplio, mejor dicho, amplísimo ascensor, de esos con hilo musical de Gran Hotel, que permite deambular ampliamente a los dos personajes en una situación cómica aunque tensa. Un escenario correcto que no acabó de funcionar todo lo bien que debiera el día que asistimos a la representación.

Llévame hasta el cielo es una correcta comedia sin demasiadas pretensiones, que lo que sí pretende es alejarnos de nuestras propias tribulaciones cotidianas y estivales, y hacernos ver, en clave de comedia, que la vida es complicada, sí, que todos y todas nos enfrentamos a lo largo de la vida a acontecimientos que marcan nuestra vida, pero que todos y todas podemos hacer frente a ellos, ya sea con una pequeña ayuda celestial o poniendo en valor nuestros propios recursos. Aunque si lo piensan bien, ambas formas son un poco lo mismo. ¿No creen?

“Llévame hasta el cielo” se representa en el Teatre Apolo de Barcelona del 9 de junio al 11 de julio de 2021.

Dramaturgia: Nacho A. Llorente
Dirección: Juan Carlos Rubio
Reparto: Lolita Flores y Luis MottoIa
Producción: Lerele Produccion

Horarios y precios:
Web Teatre Apolo Barcelona
Duración: 100 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 6,5

Ópera: Tosca, de Giacomo Puccini, en el Teatro Real de Madrid

El teatro real de Madrid estrena la ópera Tosca de Giacomo Puccini, estrenada en el Teatro Costanzi de Roma en 1900, y que se mantiene hasta hoy como una de las óperas más populares e incombustibles, un bocado apto para todos los paladares en una versión escénica de Paco Azorín estrenada en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, una lectura fresca y directa situada sobre un escenario giratorio y realzada con proyecciones.

Frente a la maquinaria represiva dirigida con mano de hierro por el siniestro Scarpia, los amantes Tosca y Cavaradossi no podrán elevar sus voces sino para expresar su desaliento y su derrota, retratándose así como víctimas y como habitantes de pleno derecho de un siglo que asistirá impotente al nacimiento del estado totalitario moderno, la destrucción masiva y el genocidio.

Que en este melodrama verista de rivalidades políticas, pasiones cruzadas y sangriento desenlace no se pronuncien jamás las palabras ‘honor’ o ‘venganza’ da una idea de las intenciones de Puccini de trascender y renovar el marco tanto del melodrama italiano como del verismo. Prueba de ello son el ritmo casi cinematográfico de la acción dramática, la profusión en el empleo del leitmotiv, o una masiva orquestación que alcanza sus picos en escenas como las del «Te Deum» o la del interrogatorio.

Ópera: Tosca, de Giacomo Puccini, en el Teatro Real de Madrid
Melodramma en tres actos

Espacio: Teatro Real de Madrid
Fechas: del 4 al 24 de julio de 2021
Música: Giacomo Puccini
Libreto: Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la obra La Tosca de Victorien Sardou (1887)
Estrenada en el Teatro Costanzi de Roma el 14 de enero de 1900

Estrenada en el Teatro Real el 15 de diciembre de 1900

Producción: Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

Equipo artístico
Director musical: Nicola Luisotti
Director de escena y escenógrafo: Paco Azorín
Figurinista: Isidre Prunés
Vestuario de Floria Tosca: Ulises Mérida
Iluminador: Pedro Yagüe
Vídeo: Alessandro Arcangeli
Coreógrafo: Carlos Martos de la Vega
Director del coro: Andrés Máspero

Reparto
Floria Tosca

| Sondra Radvanovsky,
| Maria Agresta
| Anna Netrebko

Mario Cavaradossi
| Joseph Calleja
| Michael Fabiano
| Yusif Eyvazof
| Jonas Kaufmann

Barón Scarpia
| Carlos Álvarez
| Gevorg Hakobyan
| Luca Salsi

Cesare Angelotti: Gerardo Bullón
Un sacristán: Valeriano Lanchas
Spoletta: Mikeldi Atxalandabaso
Sciarrone: David Lagares
Un pastor: Inés Ballesteros

Más información y venta de entradas:
Web del Teatro Real de Madrid

Crítica teatro: María Antonieta, en el Teatre Gaudí

El teatro y la historia tienen una relación más íntima de la que parece a primera vista. Una clara muestra de ello es la adaptación de la biografía de la reina María Antonieta escrita por Stefan Zweig en el año 1932, hecha obra de teatro por Camilo Zaffora y Analía Puentes, dirigida por Jessica Walker e interpretada por la propia Analía Puentes que se representa en la sala pequeña del Teatre Gaudí.

“Un texto original de la actriz a partir de diversas fuentes (la biografía escrita por Stefan Zweig, cartas originales entre María Antonieta y su familia, pasquines periodísticos y proclamas de la época…) sirve de detonante para un trabajo de encarnación poderoso y libre, en la línea experimental del Laboratorio Escuela de Jessica Walker. Un tour de force actoral que atraviesa con honestidad y riesgo las diversas facetas del personaje: La reina, la amante, la extranjera, la derrochadora, la madre, la actriz, la mujer, la inadaptada, la esposa, la adolescente, la condenada”.

La propuesta es de pequeño formato, un monólogo cercano que permite al espectador ser testigo del relato en primera persona de la vida de María Antonieta. El personaje, interpretado intensamente por Analía Puentes, nos recibe desnuda en sus aposentos privados, con peluca señorial y con el cuello enrojecido, preludio del fatal destino que le espera.

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Sobre el lecho María Antonieta nos narra su vida, en la que tienen cabida sus orígenes austríacos, las alegrías y placeres de la juventud, sus conquistas sexuales, los avatares de la corte y de la política del momento que la llevaron a casarse con el príncipe heredero de Francia y a convertirse de esta manera en reina, su azarosa y derrochadora vida en palacio, el inicio de la revolución y la amenaza que finalmente la llevaría a la guillotina.

Analía Puentes pone mucho de sí para fusionarse con el personaje en un escenario minimalista que incluye poco más atrezo que una cama y que enfoca la atención del público sobre ella, para conocer a la mujer que hubo detrás de la reina.

Pero la obra hace todo esto con un ritmo y un relato demasiado rápido, no por otra la representación tiene una duración de 60 minutos. Con ello conseguimos sí, incluir la mayor parte de la biografía del personaje pero a una velocidad y a un registro que no permite al público hacerse íntimamente con el personaje. Una representación que va demasiado deprisa, que descoloca, a veces, al espectador y que le impide identificarse plenamente con lo que ve o escucha.

Aún así, si atendemos al aspecto teatral, que es lo que al final importa, el esfuerzo titánico de Analía Puentes se ve recompensado con una identificación entusiasta y apasionada de la actriz con el personaje al que interpreta y al que envuelve con una nueva piel. Una interpretación honda que hace que el tiempo pase rápido a lo largo de la biografía teatral en vivo y que nos permite reflexionar sobre otros tiempos y sobre personajes históricos deformados, las más de las veces, por el uso interesado de su persona.

“María Antonieta” se representa en el Teatre Gaudí del 10 de febrero al 10 de marzo de 2021.

Dirección: Jessica Walker
Dramaturgia: Analía Puentes y Camilo Zaffora
(Versión libre del texto “María Antonieta” de Stefan Zweig)
Actriz: Analía Puentes

Horarios: martes y miércoles a las 20:00 horas
Precio: 12€
Duración: 60 minutos
Idioma: Castellano

Crítica teatro: L’èxit de la Temporada, en el teatro Coliseum

La productora El Terrat cumple 30 años en activo, algo digno de celebrar en un medio tan cambiante como es el de la producción audiovisual y cultural. Y para ello, en medio de estos tiempos de pandemia, ha conseguido poner sobre los escenarios varias producciones, entre ellas Pegados el musical, el pasado año, y actualmente La gran ofensa y L’ èxit de la temporada, obra de la que nos ocupamos en esta crítica.

“Seis amigos que triunfan como cómicos en programas de radio y televisión, deciden unirse para sacar adelante el espectáculo teatral “Romeo y Julieta” y así poder reivindicarse como intérpretes más allá de los lugares comunes donde parece que los encasillan. Un incidente fortuito hace que el espectáculo no se pueda llegar a estrenar.
Veinte años después, estos seis amigos se reencuentran para intentar hacer realidad el espectáculo que no hicieron en el pasado. El mundo ha cambiado, ellos han cambiado, sus relaciones, sus cuerpos, su talento, sus objetivos vitales, su visión del teatro, sus fobias… todo ha cambiado”.

La nueva propuesta de El Terrat, que ha tenido un cocinado lento debido a las restricciones provocadas por la Covid-19, llega finalmente al teatro Coliseum para divertir y hacer pensar en otras cosas al público asistente. La obra dirigida por los jóvenes Enric Cambray y Israel Solà reagrupa a algunos los pesos pesados de la productora, enre ellos a Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez y Jordi Rios a los que se suman energías más jovenes como la de Alba Florejachs y Mònica Macfer.

La trama es de aquellas basadas en la nostalgia de otros tiempos, a la que se suman las dificultades para producir una obra escénica, al estilo de Pel davant i pel darrera o Boulevard. Si a ello le añadimos una reflexión sobre el oficio del teatro y sobre la amistad, tenemos los ingredientes que componen esta comedia, trágica en algunos momentos.

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Entre medio asistimos a una mezcla de realidad y ficción, la primera basada en la trayectoria profesional de los actores y las actrices a lo largo de los treinta años de existencia de la productora, ligada a la sabia dirección del humorista y presentador Andreu Buenafuente. De ahí que las continuas referencias a personajes como la niña de Shrek, El Gilipoyes, Chikilicuatre o la imitación del rugido de un dinosaurio de Fermí Fernández vayan apareciendo y enriqueciendo a su paso la representación. La segunda, la ficción, que nos muestra todos los hándicaps que tendrá que superar la compañía para poner en valor y representar Romeo y Julieta, con unos actores y actrices para los que han pasado 20 años y muestran un interés relativo en el proyecto.

L’Èxit de la temporada es un concentrado de humor y de recuerdos, aquellos que han acompañado al espectador, a unos más y a otros menos, a lo largo de las últimas décadas televisivas, teatrales e incluso radiofónicas. Y funciona, por esta razón, con un público que reconoce a los cómicos y las cómicas y ha reído con ellos y ellas a lo largo de muchas noches, ya sea con programas como Sense títol, La cosa nostra o Late Motif.

Si bien, en algunos momentos a la obra le falta, también, algo de punch, aunque tenga escenas, como la de representación final de la obra, que provoca las carcajadas entre el público. El espectáculo, además, muestra un final algo artificial, que no acaba de cuadrar con el resto de la representación, y que además rompe algo adulteradamente la magia escénica.

Aún así, L’ Èxit de la temporada cumple su cometido, esto es, celebra con nota el reencuentro de actores, actrices y personajes made in El Terrat, y provee de una hora y cuarenta minutos de un divertimento mucho más que merecido a un público fiel a la productora y necesitado, en estas fechas, de humor, en un contexto como el actual anclado en la incertidumbre y el desasosiego provocado por la pandemia de Covid-19.

“L’Èxit de la temporada” se representa en el Teatro Coliseum del 7 de enero al 28 de febrero de 2021.

Dirección: Enric Cambray e Israel Solà
Dramaturgia: Enric Cambray e Israel Solà
Reparto: Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez, Jordi Rios, Mònica Macfer y Alba Florejachs
Escenografía: Mercè Luchetti y Marc Salicrú
Iluminación: Ignasi Camprodon
Sonido: Jordi Bonet y Eudald Gili
Vestuario: Albert Pascual
Producción: El Terrat

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: desde 16€
Duración: 1 hora y 40 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: La gran ofensa, en la Sala Barts

Como ya sabéis el teatro en Barcelona ha pasado y está pasando una época complicada, derivada de los efectos provocados por la pandemia de Covid-19. Aún así, y con ganas de mantener su espíritu provocador y combativo, el pasado 28 de diciembre se estrenó en la Sala Barts, La Gran ofensa, una obra de teatro que reflexiona sobre los límites del humor. Una consideración, creo, interesante y oportuna en el mundo en el que vivimos, en el que cómicos como Dani Mateo y Guillermo Toledo, por citar solo los casos más conocidos, han tenido que vérselas en los juzgados.

Sergio (Cristian Valencia) y Bernat (Dani Amor) son dos cómicos que están empezando a despuntar en el dificilísimo mundo de la comedia. Pero cuando todo parecía que iba sobre ruedas son demandados por uno de sus chistes por Mateu (Artur Busquets). Con la ayuda de María Pilar (Betsy Túrnez), una abogada de dudosa reputación, Sergio y Bernat intentarán no acabar en prisión y que la opinión pública no acabe con ellos”.

Pues bien, la obra ya alerta desde un buen principio que los temas que se van a tratar sobre el escenario y la forma en la que se van a tratar pueden “herir sensibilidades”. ¿Estamos capacitados para aceptar que se haga humor, o que se hagan chistes, sobre temas como la violencia de género, la pederastia, el procés independentista y sus consecuencias o, y aquí está el meollo de la cuestión, sobre el atentado terrorista de las Ramblas de Barcelona del año 2017?

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Como veis son temas candentes y “política y socialmente controvertidos” sobre los cuales cuesta esbozar una tímida sonrisa en la butaca, y que permiten recapacitar sobre si el humor requiere de límites o no. ¿Puede lo cómico hacer referencia a cualquier aspecto de la vida personal y/o social por muy comprometida que sea su naturaleza?

El Terrat y La Bendita Compañía han producido este espectáculo que se mueve entre la comedia y, a ratos, la tragedia. Y de dar vida a esta propuesta se encargan en el aspecto actoral Dani Amor y Cristian Valencia que encarnan respectivamente al guionista y al cómico que, para conseguir notoriedad mediática, se disponen a representar un monólogo cómico en la televisión cuyo humor caustico y desacomplejado provocará las iras de Artur Busquets, uno de los afectados en el atentado de las Ramblas de Barcelona. El reparto se completa con la presencia de la abogada María Pilar (Betsy Túrnez / Agnès Busquets), que intentará defender el caso, y cuyo carácter provee a la obra de sus momentos más desenfrenados. Y es aquí donde humor, respeto, consideración y responsabilidad entran en liza. Se puede hacer humor sobre un acontecimiento traumático que ha provocado víctimas. ¿Qué pensáis al respecto?

La gran ofensa es una comedia que funciona y que nos lleva a reflexionar sobre un tema cada vez más candente, debido al auge cada día mayor de los contenidos digitales y de las redes sociales y de la exigencia de notoriedad en esos medios. Aún así, aunque la propuesta funciona y, aunque no lo creáis, os hará reír, a la obra le falta algo de punch cómico, esa energía que hace que la comedia fluya de forma constante. Un descuido, este, atribuible tanto a la creación y la dirección, en este caso en manos de Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia que aunque valiente por la temática que se dispone a tratar, no acaba de despegar, y en parte a la interpretación que no acaba de sentirse del todo a sus anchas sobre el escenario.

Aún así, La gran ofensa nos permite, desde una vertiente cómica, considerar un tema, la linde del humor, en un mundo globalmente desarticulado y en el que el público, de forma interactiva, podrá valorar al final de la función si el humor de la gran ofensa se ha pasado de la raya o no.

“La gran ofensa” se representa en la Sala Barts del 28 de diciembre de 2020 al 17 de nero de 2021.

Dramaturgia: Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia
Dirección: Oriol Pérez y Serapi Soler
Intérpretes: Dani Amor, Artur Busquets / Jon Arias, Betsy Túrnez / Agnès Busquets y Cristian Valencia
Escenografía: Noemí Costa
Diseño de iluminación: Adrià Rico
Producción: La Bendita Compañía y El Terrat

Horarios: de martes a jueves a las 20:30 horas, viernes a las 18:00 y a las 20:30 horas, sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas
Predio: A partir de 22€
Duración: 80 minutos
Idioma: espectáculo en catalán y castellano
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: L’home de la flor als llavis i…, en el Teatre Akadèmia

Tras el parón teatral debido a la segunda ola de la Covid-19, el pasado sábado asistí a la representación de L’home de la flor als llavis i… una creación colectiva de Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll que reflexiona sobre el teatro y el recuerdo a partir de la figura de Luigi Pirandello.

“Un cine durante la Italia de los años 50 sirve como punto de partida de una aventura y de un encuentro en el que de entre medio del público, el acomodador de la sala, antes actor, divisará una cara conocida, la de la misma Marta Abba. Un reencuentro que los llevará a reflexionar sobre su trayectoria y el oficio de ser intérprete. Recuerdo, ficción y actualidad entrelazan en un espectáculo que profundiza en los valores de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del s. XX”.

El teatre Akadèmia ha vuelto a tejer una obra consistente en la que el teatro, el oficio y la vida de los y de las que se dedican a ello se nos hace palpable desde la sencillez y el buen gusto. Para ello se ha escogido la vida de Pirandello, uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX, del que se ofrece al público una realidad ampliada que abarca su teatro, su vida privada y la relación que mantuvo con algunos de los actores y actrices de su compañía.

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La obra se estructura de una forma atentamente delicada y en varios formatos que incluyen el monólogo, con el que conoceremos a los personajes, Ruggero Ruggeri (Àlex Casanovas), Marta Abba (Montse Guallar) y el propio Pirandello (Xavier Ripoll), el diálogo, en la única escena en la que Casanovas y Guallar comparten escena y la representación teatral dentro de la representación teatral, que nos acerca al juego de desdoblamiento habitual en la obra de Pirandello con la interpretación de una escena de la obra L’home de la flor als llavis.

En esta ocasión todo está llevado a la práctica con una delicadeza extrema, ya sea por respeto a la obra de Pirandello o por la consideración hacia una profesión, la teatral, que ha sido y es uno de los grandes pilares del arte en nuestra sociedad. En la puesta en escena, además, destaca la materialización de la relación epistolar mantenida a lo largo del tiempo entre la actriz Abba y el propio Pirandello, una delicia por como está tratada y por los temas vitales y profesionales que son tratados en ella.

En lo que toca a la dirección y la actuación, L’home de la flor als llavis i… alcanza cotas notables. Gas ha creado un contexto escénico que ha permitido a los tres actores, Casanovas, Guallar y Ripoll, navegar escénicamente de una forma contenida pero a la vez realista e intensa. Magnífica, por otra parte, la caracterización de Ripoll de la personalidad y la imagen de Pirandello.

L’home de la flor als llavis i… es una gozada. La obra solo pretende hacernos disfrutar del teatro por el teatro, de las trayectorias vitales de los actores, de las actrices y de los directores de teatro y que, además, nos regala al reflexionar sobre los valores y las ideas de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del siglo XX. Una pequeña y estimulante gozada teatral.

“L’home de la flor als llavis i…” se representa en el Teatre Akadèmia, en el del 10 de diciembre de 2020 al 10 de enero de 2021.

Dirección: Mario Gas
Autor: Luigi Pirandello
Dramaturgia: Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Traducción: Pau Vidal
Reparto: Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Escenografía: Sebastià Brosa, Paula Bosch, Francesc Colomina y Art Coolers
Figurines: Antonio Belart
Iluminación: Lluís Serra
Sonido: Orestes Gas
Caracterización: Helena Fenoy, Marta Ferrer y Mercè Sánchez
Vestuario: Cornejo, Goretti i Época
Producción: Teatre Akadèmia

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 18:00 horas.
Horarios especiales: consultar web Teatre Akadèmia
Precio: 22€
Duración: 95 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Estreno teatro: La golondrina, en el Teatro Infanta Isabel

El pasado viernes se estrenó en el Teatro Infanta Isabel de Madrid La golondrina, una reflexión sobre el ser humano y sobre las consecuencias del odio y la violencia, con texto escrito por Guillem Clua, dirección de Josep María Mestres e interpretado por Carmen Maura y Dafnis Balduz.

La obra reúne a dos personajes, Amelia y Ramón. La primera, una severa profesora de canto, recibe en su casa a Ramón, quien desea mejorar su técnica vocal para cantar en el memorial de su madre fallecida recientemente. La canción elegida tiene un significado especial para él y, al parecer, también para la mujer quien, a pesar de sus reticencias iniciales, accede a ayudar al joven alumno.

«¿Qué es lo que nos hace humanos? De todo aquello que somos y hacemos, ¿qué crees que realmente define nuestra humanidad?» Para Amelia, una madre herida en lo más profundo de su alma, la respuesta está en el dolor. Lo que realmente nos hace humanos es la capacidad de sentir como propio el dolor de los demás. Eso es lo que nos diferencia de las bestias, dice. Y ese es el sentimiento que recorre la espina dorsal de La golondrina, el último texto de Guillem Clua.

El texto se inspira directamente en el ataque terrorista del bar Pulse de Orlando (EE.UU.) de junio de 2016 en el que murieron 49 personas, pero La golondrina no habla solo de ese atentado. En ella también resuenan las tragedias de la Sala Bataclán de París, del paseo marítimo de Niza, de Las Ramblas de Barcelona… y trata de comprender el sinsentido del horror, las consecuencias del odio y las estrategias que utilizamos para que no nos destruyan el alma.

El Cervantes Theatre de Londres (Reino Unido) acogió en septiembre de 2017 el estreno mundial La golondrina. El texto se inscribió en el primer ciclo New Spanish Writing, organizado por Acción Cultural Española en la recientemente inaugurada sede londinense de la Spanish Theatre Company. El objetivo de la sala es promocionar la dramaturgia española en la capital londinense y se dirige tanto al público español como al local.

La golondrina” se representa en el Teatro Infanta Isabel de Madrid del 13 de noviembre de 2020 al 10 de enro de 2021.

Dirección: Josep Maria Mestres
Texto: Guillem Clua
Reparto: Carmen Maura y Dafnis Balduz
Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Tatiana Hernández
Música: Iñaki Salvador

Horarios: web teatro
Precio: desde 18,75€
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos