Després del gran èxit de Fantasmes de Barcelona, Sylvia Lagarda-Mata recupera les millors històries de Barcelona per no dormir. Assassinats, aparicions misterioses, fantasmes, bombes, misteris encara per resoldre, alguna llegenda urbana… les millors i més macabres històries de la ciutat comtal explicades per fi al públic juvenil. Una manera de viatjar per la història negra de Barcelona.
Amb il·lustracions de Guillermo Capacés. Històries reals que et posaran els pèls de punta
Sylvia Lagarda-Mata
Barcelonina de soca-rel, i amb el cor dividit entre la Catalunya dels seus amors i el Llenguadoc dels seus avantpassats, Sylvia Lagarda-Mata estima l’art, la història i el dia a dia dels seus petits països amb una passió que l’ha dut sovint a situar les seves narracions a cavall d’ambdues contrades. És llicenciada en Ciències de la Informació i màster en Comunicació Audiovisual. Va exercir de publicitària i de periodista, i actualment redacta guions per documentals i dóna classes de cinema i televisió. I encara li queda temps per escriure. Entre els seus llibres hi ha Goita camaco!Vale pagès!, Mazapanes amargos i Fantasmes de Barcelona (Angle Editorial, 2009), un gran èxit de vendes amb quatre edicions.
Guillermo Capacés
Nascut el 1982, des de molt petit va quedar fascinat pel món del còmic i la il·lustració i va estudiar a l’Escola d’Art de Saragossa, la seva ciutat natal. El 2006, ja instal·lat a Barcelona, cursa estudis a l’Escola Joso. Amb la creació del fanzine Gato Negro és premiat al Saló del Còmic de Barcelona el 2010. Actualment compagina el còmic amb encàrrecs publicitaris i prepara diverses novel·les gràfiques, ben dispars entre elles.
El pasado jueves 16 de julio se estrenaba Amor & Shakespeare en el marco del Festival Grec, uno de los platos fuertes de la programación de este año por varias razones: porque es un Shakespeare, un valor seguro en lo que respecta al éxito teatral; porque se representa en el Teatre Grec, un espacio paradigmático del festival y porque en la obra participan figuras interpretativas del calibre de Ariadna Gil, Rosa Renom, Sílvia Bel, Àlex Casanovas, Joel Joan y Jordi Boixaderas, dirigidos todos ellos por la batuta teatral de Josep Maria Mestres.
La propuesta representa una amalgama de diversas obras del autor inglés, entre las que se encuentran Los dos hidalgos de Verona, Mucho ruido y pocas nueces y Trabajos de amor perdidos y realiza un recorrido a través de los lances amorosos que sufren sus personajes principales, esto es, Proteo, Julia, Valentino y Silvia; Benedicto, Beatriz, Claudio y Hero y algo más tangencialmente el rey de Navarra, Biron, Longaville, Dumain y Rosalinda, María y Catalina. Excusa esta que permite a Guillem-Jordi Graells en la dramaturgia y a Mestres en la dirección, de la mano de Joan Sellent, el traductor de los textos, jugar con los personajes y las obras de referencia a su gusto, eso sí, respetando su estructuración y su arreglo de personajes.
La obra se convierte, así, en la excusa perfecta para desgranar la naturaleza del amor y de la felicidad que este provoca, aunque también seremos testigos del desasosiego que ocasiona y ofrce a los actores y las actrices que encarnan a los diversos personajes una oportunidad para poner en valor sus dotes de comedia y, más concretamente, sus dotes shakesperianas.
El espectáculo, sin embargo, parte con un problema de diseño que ni la mano del director ni el buen hacer de las interpretaciones puede evitar. Y este no es otro que la misma composición de la obra. Sobre el escenario se representan tres historias (resumidas), dos principales, Los dos hidalgos de Verona y Mucho ruido y pocas nueces y una algo secundaria, Trabajos de amor perdidos. De este modo los actores y las actrices se relevan sobre el escenario a medida que una u otra obra se está escenificando. El resultado es que la representación no llega a alcanzar nunca un apogeo único y global, algo propio de cualquier comedia, sino que aspira tan solo a tres culminaciones menores, a lo que se ha de sumar que las tramas han sido abreviadas, hecho que priva al espectador de una parte sustancial del relato que debería conocer, al menos al parecer del propio Shakespeare.
A pesar de estos defectos de forma, el Festival Grec se ha convertido durante algunos días, y gracias a la representación de esta obra, en el lugar de celebración del amor. La gran baza de la propuesta no han sido otras que los textos de Shakespeare y los actores y las actrices que participan en la obra. La propuesta escénica nos ha permitido ver a Àlex Casanovas, Joel Joan, Jordi Boixaderas y a Aleix Albareda suspirando por el amor de sus bellas y perturbadoras damas y al nutrido grupo de actrices compuesto por Ariadna Gil, Rosa Renom, Sílvia Bel, Laura Aubert y Mercè Pons jugando a la par que jugadas por el amor de sus pretendientes. La obra en este aspecto es una delicia que eleva la propuesta a un nivel de Champions League teatral.
Por su estructuración se pueden imaginar que la obra es una suma coral de interpretaciones, donde cada uno de los actores y actrices sumará para alcanzar una sublimación que en algunos momentos es brillante. A esto se han de sumar un par de temas interpretados y cantados por Jordi Boixaderas y por Joel Joan que le dan un brillo especial a la representación y un vestuario que destaca por su originalidad. La pena es, como decía antes, que la propia estructuración de la obra no permite que el conjunto se alce tal y como debería hacerlo, y aunque los diversos ingredientes son de gran calidad, el plato resultante no acaba de alcanzar el acierto que merece.
Amor & Shakespeare se queda a medio camino, mejor dicho, a dos tercios de su camino, debido a su concepción, a pesar del derroche que muestra en lo que se refiere a interpretación, escenario y vestuario, algo que nos deja patente que para construir un producto excelente ningún aspecto puede ser inferior a los otros, y mucho menos cuando hablamos del legado shakesperiano.
«Amor & Shakespeare» se representa en el Teatre Grec del 16 al 19 de julio de 2015.
Auto: William Shakespeare
Traducción: Joan Sellent
Dramaturgia: Guillem-Jordi Graells
Dirección: Josep Maria Mestres
Intérpretes: Ariadna Gil, Laura Aubert, Mercè Pons, Sílvia Bel, Rosa Renom, Àlex Casanovas, Joel Joan, Jordi Boixaderas y Aleix Albareda
Dirección musical: Jordi Domènech
Interpretación musical: Núria Andorrà
Espacio escénico: Pep Duran
Vestuario: Maria Araujo
Caracterización: Toni Santos
Movimiento: Montse Colomé
Iluminación: Kiko Planas
Producción: Grec 2015 Festival de Barcelona y ANEXA
Que la vida es una prueba difícil, eso ya lo sabemos. Y que la juventud actual aún lo tiene más difícil a la hora de encontrar su espacio propio, eso cada vez está más claro. Y para recordárnoslo nunca está de más el teatro, que con Las cosas que queremos, estrenada el pasado 3 de julio en el Versus Teatre, nos aproxima a la realidad vivida por los jóvenes de una forma fresca y cómica.
«Las cosas que queremos cuenta la historia de Charlie, Sty y Eddie, tres hermanos cuyos padres se suicidaron siendo ellos muy jóvenes. Este hecho les dejó sin guía, sin referentes a los que acudir. Ni siquiera tienen algo por lo que luchar, sus vidas están vacías o llenas de ídolos falsos. Juntos buscarán salvación en el amor, las drogas, el alcohol, las terapias… lo que sea con tal de encontrar un camino a alguna parte y, con suerte, ser felices. La aparición de Stella será un detonante que les cambiará radicalmente a los tres».
La propuesta teatral escrita por Jonathan Marc Sherman y dirigida por David Pintó nos sitúa en un ambiente típicamente neoyorquino, en el que los jóvenes miembros de una familia desestructurada intentan seguir adelante con sus vidas. Eddie (Tony Corvillo) es un «ejecutivo» que participa de un negocio espiritual piramidal; Charlie (Juan Frendsa) acaba de abandonar sus estudios y a su novia en el mismo día y Sty (Sergio Sarrión) lleva demasiado tiempo bajo los efectos del alcohol y es adicto a las mujeres que participan en las reuniones de Alcohólicos Anónimos. Aunque será, justamente, una de ellas, Stella (Ann M. Perelló), la que transforme la realidad en la que viven los tres hermanos.
Las cosas que queremos es un espectáculo de pequeño formato que aunque no acaba de despegar totalmente, alcanza diversos momentos radiantes. El texto, bien trabado por Sherman, hace hincapié en la realidad social y emocional de un grupo de jóvenes, aunque tampoco tanto, para insistir en la liquidez de las relaciones que estos crean. Además, todo está en mutación, algo que dejan claro los dos actos en los que está dividida la obra, que en parte nos puede recordar el refulgir de alguna serie de televisión.
El grupo de hermanos protagonistas de la historia está desorientado. A la pérdida de la guía paterna primero y materna después, se suma su incapacidad de plantearse unos objetivos firmes y generar toda una serie de compromisos que den sentido a unas vidas vacías.
Por lo que respecta a la representación, su ritmo parece desfallecer en algunos momentos. Los actores que encarnan a los tres hermanos parece que no acaban de creerse del todo sus respectivos papeles. Solo la irrupción de Ann M. Perelló proveerá a la obra del vigor necesario para alzar el vuelo. Así, pues, la dirección parece que no ha sabido hacer lucir en el reparto una capacidad que se intuye, por lo que la obra no acaba de brillar en la forma en que debería, teniendo en cuenta, claro está, que la historia que nos narra forma parte de un contexto que se nos queda algo alejado.
Aún así, Las cosas que queremos nos ofrece una visión fresca del mundo de los jóvenes (de estilo norteamericano) y su especial visión sobre la vida, en un momento, el actual, en el que al menos en las latitudes en las que vivimos, su papel activo en la sociedad tiende a ser cada vez más portentoso, aunque sus problemas para incorporarse a una vida que fluye demasiado deprisa, también lo son.
Dramaturgia: Jonathan Marc Sherman
Dirección: David Pintó
Reparto: Tony Corvillo, Juan Frendsa, Sergio Sarrión y Ann Perelló
Escenografía, vestuario y diseño de luces: Mariona Signes / Victor Fernádez Gil
Traducción: Sergio Sarrión / Anna Giménez
Producción: Cía Habitual
Horarios: de jueves a sábado a las 20:30 horas y domingo a las 18:00 horas
Precio: 20 €
Idioma: castellano
Un espacio de teatro no convencional ha de servir para narrarnos una historia no convencional. Esta es la acertada idea que subyace en Digue’m la veritat de la compañía Eòlia, que estos días se representa en el marco del Festival Grec, en el Museu d’Arqueologia de Catalunya.
«Todo comienza con una inofensiva cena. Cristina, una especialista en alimentación antigua, invita a un grupo de amigos, a los que no ve desde hace años, a una velada exclusiva con la que se inaugura un ciclo de cenas en el que los platos principales se basan en ingredientes prehistóricos. Felices de reencontrarse, recordarán su pasado común sin imaginar lo que está a punto de suceder. Porque… ¿quiénes son en realidad esos invitados? ¿Por qué han coincidido en esta velada una arqueóloga, una traductora del árabe, un ingeniero convertido en misionero, una cooperante de una ONG, una corresponsal, un fotógrafo de guerra y un piloto militar?»
La obra pretende, de la mano del tándem Pablo Ley y Josep Galindo, jugar con el público con un thriller que nos habla de las aspiraciones de la juventud, de la amistad y de las relaciones y que nos plantea si existen las casualidades o si todo está definido, de alguna forma, por un poder superior. De esta forma el avance de la trama transforma una apacible reunión de amigos en una historia de suspense que descoloca al espectador y en una situación escénica que romperá la cuarta pared para interactuar directamente con el público. Y es aquí donde está el acierto de la obra, en el juego que hace entre la ilusión teatral, su rotura y su resolución final.
De este modo el público será testigo de dos obras diferentes que se entremezclan: una más convencional y placentera y otra más innovadora y angustiosa en la que casi nada es lo que parece y en la que el suspense se desarrolla en un inteligente in crescendo dramático. Por lo que respecta a la autoría y la dirección, se nota que Ley-Galindo conviven teatralmente desde hace tiempo, y que su obra posee una única visión. Poco es lo que sobra entre la fase de escritura y la de dirección, como si todo fuera obra de una misma persona. Las actuaciones de los jóvenes miembros de la compañía Eòlia están a la altura del proyecto, lo que hace que el resultado esté afinado a partir de una interpretación coral de un grupo de amigos disfrutando de una cena. El escenario se adapta perfectamente a lo que la trama necesita, esto es, crear la ilusión de asistir a una velada gastronómica en el Museo de Arqueología.
Sin embargo la obra falla en su resolución final, difícil de seguir por el público y demasiado mística para ser del todo creíble. Una conclusión que, aunque bien alcanzada a través del clímax que se ha ido creando durante la representación de la obra, no acaba de convencer del todo.
Digue’m la veritat alcanza una muy buena nota por la frescura de las temáticas que trata, entre las que podemos hallar la realidad global del mundo y la cada vez más agobiante presencia de la violencia terrorista en los medios de comunicación, y la forma en como las trata, y nos habla de los grupos de amigos, aquellos cuyo origen se pierde en el pasado pero que son, la mayoría de las veces, las realidades que estructuran las vidas de la mayoría de nosotros.
Autor: Pablo Ley
Dirección: Josep Galindo
Reparto: Tasio Acezat, Cristina Blanco Aloy, Rai Borrell, Sonia Espinosa, Eugènia Manzanares, Kathy Sey y Toni Soldevila
Escenografía y vestuario: Projecte Galilei
Diseño de iluminación: Anna Espunya
Concepción sonora: Javi Gamazo Producción: Grec 2015 Festival de Barcelona, Eòlia Escola Superior d’Art Dramàtic y Projecte Galilei
El Festival Grec ha programado este año diversos espectáculos de carácter reivindicativo, siguiendo una senda ya marcada el año pasado. Una de estas propuestas es El carrer Franklin en el TNC, una obra dirigida por Josep Maria Miró, con texto de Lluïsa Cunillé e interpretada por Xavier Albertí, Montse Esteve, Oriol Genís, Lina Lambert i Xavier Pujolràs.
«La calle de Franklin se está quedando desierta debido a la oleada de desahucios que afecta a la ciudad. Un vecino travestido que da clases de música y su marido, de profesión taxista, han sido las últimas víctimas de una fiebre que ni siquiera su cuñada y hermana, una activista que recorre una ciudad medio vacía megáfono en mano, ha podido detener. Mientras tanto, la vecina, una inglesa sobrina de la difunta Margaret Thatcher, acaba de recibir parte de sus cenizas… Nada falta en esta historia alocada y ácida, ni siquiera un gobernador del Banco de España a quien nadie escucha y que busca desesperadamente una carta perdida que puede traerle problemas».
El teatro de nuevo se pone a recorrer las calles para hablar de las injusticias que se producen en ella. Y en este caso lo hace a través de la comedia y la farsa. Lo primero que verán los espectadores que acudan al teatro son los tristes efectos de un desahucio, esto es, los bienes de una familia expuestos en la calle. Una vez llamada su atención a través de una realidad cada vez más habitual en los medios de comunicación, iremos conociendo a los afectados, que parecen unir en sus personas las contradicciones del mundo en el que vivimos: un hombre travestido; el presidente de una asociación de taxistas sin miembro alguno; la líder de una Ong sin socios que la respalden; una familiar de Margaret Thatcher venida a menos o el torpe gobernador del Banco de España.
La obra más que una historia nos presenta una situación en la que la realidad triste de un desahucio y sus funestas consecuencias, se mezclan con la sátira y la farsa que resulta de la suma de los protagonistas. Por tanto, lo que destaca más, junto a la escenografía, que nos muestra un tramo de calle ocupada por los muebles y las personas que antes formaban un hogar, son las interpretaciones de los actores y actrices.
Es por esta razón que el trabajo de los actores tiene un mayor peso específico en esta obra. En este marco interpretativo destaca Xavier Albertí, que da vida a el/la locuaz transvestido/a afectado/a por el desahucio, con dotes musicales con las que se gana la vida. Oriol Genís interpreta, con su tono habitual, a un presidente del Banco de España algo perdido y despistado y Xavier Pujolràs encarna a un taxista que tiene en su mano la oportunidad para variar su suerte. En el apartado femenino Lina Lambert da vida a una fría y distante familiar de la Dama de hierro británica en riesgo también de desahucio y Montse Esteve interpreta a la activista a la que la crisis ha dejado sin apoyo y, por lo tanto, sin eficacia.
La trama se traslada fácilmente a la realidad que viven muchos catalanes y españoles hoy en día, en una sociedad que le ha puesto precio a todo, incluso al hogar y a la vida misma, y en la que fracasar puede costar muy caro. Pero esta realidad la vemos deformada como a través de un caleidoscopio, ideado por Lluïsa Cunillé, en el que las formas aparecen desfiguradas y las imágenes acaban concretándose de forma extraña y sobre todo cómica, aunque la tragedia, como uno puede suponer al ver la temática de la que trata la obra, también está presente. Como también lo está la música, ya que de una forma igualmente caleidoscópica, la mayoría de los personajes interpretarán algún tema musical, como elemento que ayuda al público a definirlos.
El carrer Franklin es una oportunidad de reflexionar sobre un tema trágico de una forma cómica, o tragicómica, un esfuerzo casi titánico para su autora y para el director de la obra, Josep Maria Miró, que al menos puede servir de revancha, al permitir, al menos en la obra, que todos reciban su merecido ya sea en el interior de un frigorífico o tomando en la calle una reconfortable taza de té.
Autora: Lluïsa Cunillé
Dirección: Josep Maria Miró
Reparto: Xavier Albertí, Montse Esteve, Oriol Genís, Lina Lambert y Xavier Pujolràs
Escenografía: Enric Planas
Vestuario: Albert Pascual
Iluminación: David Bofarull (aai)
Sonido: Santi López
Caracterización: Lucho Soriano
Producción: Teatre Nacional de Catalunya y Grec 2015 Festival de Barcelona
Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 18:00 horas Precio: 11,5 a 23 € Idioma: catalán Duración: 1 hora y 10 minutos
Parece que los tiempos actuales no son los más favorables para los ciudadanos de a pie. La recesión económica; la crisis de valores (sociales y políticos) que arrecia a través de los medios de comunicación y los esfuerzos de la clase gobernante por hacer callar (y trabajar) a la población, ejemplo de lo cual es la aprobación por parte del gobierno del PP de la Ley mordaza, no podía pasar por alto al teatro y a sus profesionales, y el estreno de Bangkok es, también, un buen ejemplo de ello.
«En un aeropuerto vacío de la geografía española, aparece un misterioso anciano con un billete para volar a Bangkok. Allí se encuentra con la única persona que aún trabaja en esas instalaciones; un joven guardia de seguridad. Éste le informa de la imposibilidad de realizar el viaje que tenía planeado: En ese aeropuerto no hay aviones. Nunca los ha habido. Se trata de un aeródromo que a pesar de haber sido inaugurado, nunca ha estado operativo. Ante la incredulidad y la insistencia del viajero, el guardia le permite quedarse. A partir de ese momento se inicia entre los dos un diálogo en que no sólo se cuestionarán sus vidas, sus trabajos y la situación política, sino en el que también, poco a poco, se revelará la auténtica naturaleza de su encuentro».
Bangkok es una reflexión sobre la vida, de los personajes de la obra, y sobre sus actitudes ante esta, que fácilmente se extiende a la de la mayoría de los ciudadanos que han visto como en los últimos años su existencia ha mermado de la mano del contexto socioeconómico mundial, del que cada vez creemos conocer más aunque, en verdad, sepamos cada vez mucho menos. De esta forma, la obra se estructura como un duelo que no solo es dialectico e interpretativo, sino que va evolucionando y cambiando de forma a medida que avanza la obra y vamos conociendo a los personajes y sus verdaderas intenciones.
El escenario escogido para ello no puede ser más sombrío: Las instalaciones de un aeropuerto fantasma, con claras reminiscencias al desolado aeropuerto de Castellón, sin servicio y custodiadas por dos vigilantes de seguridad (uno de ellos de nacionalidad china y al que nunca veremos). El encuentro entre un extraño viajero y el vigilante de seguridad nos permitirá conocer parte de su realidad como ejemplo de un contexto mucho más global: La situación de los jóvenes universitarios altamente preparados y resignados a trabajos basura; la perdida de los valores de antaño; la situación económica mundial; los poderes económicos en la sombra…
Todo ello lo conoceremos a través del fragor dialéctico que se producirá entre los dos personajes, un magnífico Carlos Álvarez-Novoa, que se lleva, sin duda, la parte del león en el éxito y la credibilidad de la obra y un Dafnis Balduz competente en su papel de guardia de seguridad y convencido campeón antisistema. Una disputa escénica que intenta hacernos ver como todo está interrelacionado y que nada de lo que hacemos es totalmente inocuo, sino todo lo contrario. Una lucha que nos permitirá ir descubriendo la cara auténtica de cada uno de los personajes y que irá perfilando un final revelador.
Todo en la representación está bien cuidado. De ahí que la obra escrita y dirigida de forma afilada e inquisitiva por Antonio Morcillo López haya ganado el XXII Premio SGAE 2013. Las interpretaciones y los actores están en su punto; el escenario encaja perfectamente con la historia que nos es narrada y el ritmo y la intensidad de la representación avanza en un in crescendo que tensiona las vísceras del público asistente.
Una propuesta que recuerda, al menos en su temática, al Bartolomé encadenado que se representó el año pasado también en el marco del Festival Grec. Si bien si aquella se quedaba en una simple salmodia de titulares periodísticos, Bangkok va más allá en su diseño y en su relato, permitiendo al espectador posicionarse a favor o en contra de los puntos de vista de uno de los dos personajes en liza, en una inquisición sobre los males de la sociedad en la que vivimos y de los que seguro que somos, al menos, co-responsables, al cerrar los ojos o al mirar a otro sitio mientras los problemas no nos afectaban a nosotros mismos y al resistirnos a desencadenarnos al sufrir el duro golpe en nuestras propias entrañas.
Autor y dirección: Antonio Morcillo López
Reparto: Carlos Álvarez-Nóvoa y Dafnis Balduz
Escenografía: Paco Azorín
Vestuario: Gimena González Busch
Iluminación: Kiko Planas
Espacio sonoro: Ramon Ciércoles
Caracterización: Toni Santos
Producción: Grec 2015 Festival de Barcelona, La Villarroel y el Centro Dramático Nacional
Horarios: de martes a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 18:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:30 horas Precio: 24-28 € Duración: 80 minutos Idioma: castellano
Estamos acostumbrados a ver como los grandes éxitos del teatro se adaptan tanto para el cine como para la televisión. A lo que no estamos tan familiarizados es a ver como una película de éxito se adapta al teatro, como en el caso de El discurso del Rey (Tom Hooper, 2010), la versión escénica de la cual se estrenó el pasado 1 de julio en el Teatre Poliorama dirigida por Magüi Mira.
«El poder de la palabra y la voz, la falta de elocuencia de un Rey, la fragilidad de una Monarquía, la superación de un reto, el poder de las mujeres, el triunfo final de la palabra. Todo esto y mucho más cabe en este montaje de Magüi Mira en la versión de Emilio Hernández y que protagonizan Adrián Lastra (rey Jorge VI), Roberto Álvarez (el logopeda Lionel Logue), Ana Villa (reina Isabel), Gabriel Garbisu (rey Eduardo VIII), Lola Marceli (Wallis Simpson) y Ángel Savin (Winston Churchill)«.
Todo parece indicar la «buena estrella» de esta propuesta basada en el texto teatral que el propio David Seidler, guionista de la película, hizo del guión cinematográfico, debido al gran éxito que alcanzó el film (12 nominaciones y 4 premios oscars) y por la relevancia de la historia que nos es narrada. El argumento de la obra nos sitúa en la Inglaterra de los años 30, cuando Europa se dirigía irremisiblemente hacia la Segunda Guerra Mundial y la monarquía inglesa estaba pasando por momentos críticos con la abdicación de Eduardo VIII y la polémica generada por su su relación con la americana Wallis Simpson.
Magüi Mira dirige una adaptación fiel a la película y con actores que, además, guardan en algunos casos, un curioso parecido con los personajes reales a los que encarnan. Si bien la representación se realiza sobre una escenografía excesivamente minimalista y con una disposición de los actores que puede entorpecer la recepción de la trama por parte del público, sobre todo de aquel que no haya visto la película. Por otra parte, el argumento se centra más en el momento histórico que vivió Inglaterra en la década de los años 30, que en la terapia que llevó a cabo el futuro rey Jorge VI para vencer sus problemas de habla.
Podemos de esta forma dividir la obra en dos apartados: el de la propia terapia, en el que Adrián Lastra (Jorge VI), Roberto Álvarez (Lionel Logue), Ana Villa (Isabel) llevan el peso de la representación y entre los que se establece una conexión vívida, y el resto de las escenas de corte, en las que no todo está al mismo nivel y en las que hallamos una cierta falta de intensidad en las interpretaciones. La representación también padece de una falta de ritmo en algunos momentos y nos muestra algunas situaciones y/o coreografías que no calzan demasiado bien con el tono general de la obra.
Aún así, la historia contiene activos con los que el público puede vincularse fácilmente, esto es, la voluntad de superación, seguramente, uno de los valores más elevados de la humanidad, junto a la debilidad de un aspirante a rey que desde su juventud ha sufrido la crítica y el escarnio de los demás por su situación de secundón y por la falta de seguridad en sí mismo, principal causante de su problema de tartamudez.
El toque de tragicomedia ligera de la obra es otro de los puntos fuertes de la adaptación, a lo que se suman las interpretaciones, como no, de sus dos principales protagonistas, Adrián Lastra y Roberto Álvarez, que aunque vacilantes en algún momento, saben conectar con el hilo argumental y crean esa lucha de opuestos que tan bien funciona en cualquier historia.
Si le gustó la película, El discurso del Rey esta es una oportunidad de oro para revivir la trama de una forma más cercana y «en carne y hueso». Si no vio la película, El discurso de Rey es una oportunidad para conocer de una forma agradable y plácida una parte de la historia reciente bastante desconocida en estas latitudes europeas.
Dirección y Espacio Escénico: Magüi Mira
Versión: Emilio Hernández
Reparto: Adrián Lastra, Roberto Álvarez, Ana Villa, Gabriel Garbisu, Lola Marceli y Ángel Savín
Vestuario: Helena Sanchis
Iluminación: Jose Manuel Guerra
Coreografía: Fuensanta Morales
Espacio sonoro: Marco Rasa
Producción: Compañía Zebra Producciones
Horarios: Miércoles, jueves y viernes a las 21:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingo a las 18:00 horas Precio: 28 € (Platea), 23 € (Laterales Platea)
No es ninguna novedad que el cine americano se nutre cada vez con más frecuencia de actualizaciones, versiones y reboots de antiguas franquicias que se habían quedado, más o menos apolilladas, en los estantes de las grandes productoras esperando el momento idóneo para su regreso. Si Poltergeist decepcionaba por su excesivo respeto al canon y Mad Max: Furia en la Carretera maravillaba por saber llevar más allá el espíritu de la saga, Terminator era un caramelo que solo requería que Arnold Schwarzenegger decidiera volver a encarnar a uno de sus personajes de mayor éxito en las pantallas.
Finalmente Schwarzenegger se ha decidido y el resultado es Terminator Génesis, un film que ha sabido dar un paso adelante en la franquicia con una trama de acción que seguro que no desagradará a sus fans.
«Cuando John Connor (Jason Clarke), líder de la resistencia humana, envía al sargento Kyle Reese (Jai Courtney) al año 1984 para proteger a Sarah Connor (Emilia Clarke) y salvar el futuro, un inesperado giro de los acontecimientos crea una línea temporal fracturada. Ahora, el sargento Reese se encuentra en una versión nueva y desconocida del pasado, donde descubre aliados insólitos, como el Guardián (Arnold Schwarzenegger), nuevos y peligrosos enemigos, y una misión nueva e inesperada: reconfigurar el futuro…»
Terminator Génesis es un acierto en el desarrollo de una franquicia que con su tercera y cuarta partes, esta última incluso sin la presencia física de Schwarzenegger, daba la sensación de estar entrando en una fase de obsolescencia. La nueva entrega de Terminator parece revivir la franquicia y darle a la idea un giro que seguro que alegrará a la mayoría del público. Y todo ello nace de la idea de desarrollar algo más el tema de los viajes en el tiempo y las paradojas que estos pueden provocar en un argumento ya conocido por todos y establecido en su canon.
De esta forma, aunque en un principio la trama parece que sigue las reglas argumentales de la saga, tras el primer viaje en el tiempo veremos brillar la audacia de los guionistas que se apropian de la esencia de Terminator, esto es, de toda la franquicia cinematográfica, y se dedican a jugar con ella para recrear una historia en la que al espectador le costará avanzarse al propio desarrollo del argumento y en la que se le hará dudar sobre las motivaciones de los personajes y la capacidad de los protagonistas para poder modificar el futuro funesto de la humanidad.
Los guionistas, Laeta Kalogridis y Patrick Lussier, de la mano de la dirección de Alan Taylor, con gran experiencia en la realización de series televisivas, nos han preparado un cóctel que transita y juega con todos los momentos de la saga y en el que veremos a los diversos modelos Terminator conocidos, los famosos T-800 y T-1000, y evidentemente alguno más. La entrega nos presenta, asimismo, a todos los personajes principales de la saga, incluyendo a Sarah Connor, a Kyle Reese y a John Connor. Como os he comentado, el film representa una tentativa de reactivar la franquicia repasando todos lo datos a tener en cuenta. Y la película lo hace de una forma que sorprende, con motivo, al público.
Por lo que respecta a la acción, el film es fiel a los principios de la franquicia y se mantiene al respecto a un nivel alto, sin mostrarse demasiado recargada de efectos digitales, excepto, claro está, los necesarios, y realizando constantes guiños a las entregas anteriores. En la película destacan la escena en la que el canon de la saga se viene abajo y la secuencia de la persecución del autocar escolar, ambas bien diseñadas y bien resueltas.
Terminator Génesis suma, de este modo, a la acción típica de la franquicia lo que podríamos considerar una estratagema o guerra temporal en la que Skynet, el gran enemigo-máquina a batir por parte de los humanos, intenta sobrevivir a los efectos de las primeras entregas de la saga.
Por lo que respecta a las actuaciones, evidentemente lo más llamativo es el regreso de Schwarzenegger a la franquicia, integrando en la trama los evidentes signos de envejecimiento del actor (téngase en cuenta que el tejido que cubre en endoesqueleto de un Terminator es orgánico, por lo que también envejece) y generando algunos de los momentos más cómicos de la película. A esto hay que sumar que el guión del film tiende a resituar a Schwarzenegger en un segundo plano para dar más visibilidad a los personajes principales, un terrorífico John Connor (Jason Clarke), un aceptable Kyle Reese (Jai Courtney) y una poco destacable Sarah Connor (Emilia Clarke), a la cual no le acompaña el físico adecuado.
Terminator Génesis es una más que acertada revitalización de la franquicia. No por otra la película obtiene una nota de 7,1 en IMDB, consigue una puntuación de 7,55 en el portal de cine de terror Abandomoviez, aunque tan solo alcanza un 27% de aprobación por parte de la crítica en el site Rotten Tomatoes, logrando sin embargo un 69% de aprobación de los usuarios en el mismo portal. Todo ello un buen indicativo de que el trabajo se ha hecho bien y de que la franquicia, aunque «envejecida» por el paso natural de los años en los actores, se ha rejuvenecido para llegar a los nuevos públicos del siglo XXI.
Título:Terminator Génesis Director: Alan Taylor Reparto: Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Emilia Clarke, Jai Courtney, J. K. Simmons, Dayo Okeniyi, Matthew Smith, Courtney B. Vance y Byung-Hun Lee Guión: Laeta Kalogridis y Patrick Lussier Productora: Paramount Pictures y Skydance Productions Música: Christophe Beck Fotografía: Kramer Morgenthau Estreno: 10 de Julio de 2015 Género: Acción, Ciencia Ficción Nacionalidad: EE.UU.
Siempre es grato escribir sobre una novela histórica, y más si su autor es León Arsenal, escritor especializado en este género y responsable de La boca del Nilo (Edhasa, 2005), una de las novelas históricas más impactantes que uno haya leído en los últimos tiempos. El pasado 2012 Arsenal publicó, también en la editorial Edhasa, la que es ahora su penúltima obra, Última Roma, un título que sugiere al potencial lector la idea de gran relato que solo la historia y las novelas que tratan de ella puede generar.
«Año 576. Roma ha caído, pero quedan hombres dispuestos a restaurar su poder. En Hispania combaten visigodos, suevos, la antigua nobleza romana, viejas tribus indígenas… En el norte de la península, un senado de terratenientes planea unirse al imperio de Oriente. Hacia allí viaja Basilisco, funcionario imperial, acompañado de caballería pesada al mando de Mayorio. Ambos sueñan con la Renovatio Imperii, la restauración de Roma. También acude desde la Suevia una columna de britones. Con ellos viaja Claudia Hafhwyfar, que tiene un sueño recurrente desde niña: la de un jinete que viene a ella a través de inmensidades desérticas. El rey godo Leovigildo debe actuar a su vez para salvar a su reino. La guerra es inevitable y en ese escenario, con todo en la balanza, se decidirá el futuro de Roma e Hispania«.
Última Roma es un intento, por parte de Arsenal, de trasladar a época tardoantigua y visigoda los éxitos literarios que le acompañan desde hace años. Y es un intento destacable en algunos aspectos, pero incierto en otros. Lo primero por lo que se le ha de valorar es por arriesgarse, de forma consciente, tal y como nos lo indica el mismo autor en el prólogo de libro, a ambientar su historia fuera de los ambientes más conocidos de la historia, lo que supone una osadía aunque también conlleva dejar al lector algo (o muy) desorientado en la lectura. De esta forma, la novela nos presenta un contexto histórico bastante desconocido para la mayoría que nos descubre la historia de la Spania bizantina, la Suevia y la presencia de britones, habitantes de la Britania romana que emigraron, tras la llegada a las islas de los invasores germánicos, al territorio del noroeste de la península Ibérica
León Arsenal
Además, y esto puede ser negativo para muchos lectores, los eventos narrados en la novela no contienen, podríamos decir, ningún hecho destacable en sí, o al menos identificable, por lo que la decepción del lector puede aumentar, sobre todo si observamos la portada del libro y su pomposo título.
En relación a la trama y los personajes, Arsenal sabe crear el contexto novelesco en el que los diversos personajes y poderes se unirán con el objetivo de frenar el avance visigodo en la Península. Si bien en algunos momentos le falta credibilidad a la historia, ya que uno tiene la sensación de que el autor deforma demasiado lo poco que se conoce del periodo histórico para desarrollar la trama de su novela. De esta forma algo ficticia, el lector descubre la existencia de los britones en la Península; el débil equilibrio de las fuerzas bizantinas en el sur o la existencia de territorios que, como la provincia deCantabria (una realidad histórico-política no del todo identificada por los historiadores), permanecían autónomas políticamente en un momento en el que no existía una clara soberanía sobre los territorios peninsulares, algo que el visigodo Leovigildo se esforzaría en remediar.
La historia nos es narrada por Arsenal de forma coral y episódica y nos presenta esa idea de final tan característica de la época en la que sitúa la trama, y como algo característico en él, nos la relata de una forma literaria atractiva, con unos personajes con los que el lector se puede identificar y con los que se puede poner de su lado en su esfuerzo por frenar el avance visigodo y dotar al poder imperial bizantino de nuevos bríos en Occidente. Un relato que, además, nos puede recordar el mundo artúrico, como el propio Arsenal ha reconocido.
Posiblemente los personajes más cautivadores de la novela sean los miembros del bandon de caballería pesada comandado por Mayorio, el último reducto, si bien caído en desgracia, de la otrora potencia militar bizantina. Arsenal, además, destaca a la hora de relatarnos las batallas en las que el bandon participa a lo largo de la trama, seguramente algunos de los momentos en los que mejor luce la pluma del escritor.
Conscientes de las posibles dificultades del lector a la hora de hacerse con el contexto histórico y los personajes de la novela, Edhasa ha decidido, muy sabiamente, incluir toda una serie de códigos QR, hasta un total de 24, que redirigen al lector a toda una serie de material multimedia que le permitirá comprender mejor una época algo oscura para la mayoría. Todo un acierto este que convierte la novela histórica en un elemento de aprendizaje. Asimismo el libro incluye dos mapas históricos, que aunque pueden situar geográficamente al lector, podrían ser mucho más ilustrativos.
Última Roma es un intento por explotar un periodo no habitual en las novelas históricas y menos en las escritas por autores españoles, aunque le falta el brillo que suelen aportan los hechos o los personajes destacados de la historia. Una novela que nos acerca al pasado de una península Ibérica que navegaba lenta pero inexorablemente hacia su estructuración medieval.
Título:Última Roma Autor:León Arsenal Editorial:Edhasa Formato: Tapa dura c/sobrecubierta | 15 x 23.3 cm Páginas: 640 Precio: 26 € Fecha edición: 7 de noviembre de 2012
Azucena Fuentes Ríos Julio Vallejo Berta Alberca Juan Manuel López Polo
Culturalia en colaboración con entradasymás te ofrece 4 entradas dobles para asistir al preestreno de la película «Rey gitano» el próximo 9 de julio en los Cines Dreams de Madrid.
Te invitamos el próximo 9 de julio al preestreno de ‘Rey gitano‘ en los Cines Dreams de Madrid. La comedia de Juanma Bajo Ulloa (director de ‘Airbag‘) protagonizada por Karra Elejalde, Manuel Manquiña, Arturo Valls, María León, Rosa María Sarda, Charo López, Albert Pla y Pilar Bardem se estrena en cines el 17 de julio pero tú puedes ser el primero en verla y además conocer a alguno de los protagonistas.
Información sobre la película:Jose Mari y Primitivo son dos presuntos detectives en paro, fracasados de profesión y dignísimos representantes de nuestras irreconciliables dos Españas. Con la inesperada llegada de Gaje, gitano golfo y seductor, que les propone una disparatada misión “real”, su suerte cambiará… a peor. En un país en la ruina, con un gobierno bajo sospecha y una monarquía en horas bajas, parecía que nos encontrábamos al borde del precipicio… Y nuestros tres amigos nos darán el empujoncito que necesitábamos.
Enviar un mail a concurso_culturalia@hotmail.es antes del domingo 5 de julio a las 20:00 horas. En el asunto del mensaje has de indicar Concurso Rey gitano y en el correo has de indicarnos tu nombre completo y tu número de móvil.
Los 4 primeros que envíen el mail obtendrán una entrada doble para asistir al estreno de la película «Rey gitano» el próximo 9 de julio en los Cines Dreams de Madrid.
“El nombre de los ganadores aparecerá publicado en nuestro blog”
Us presentem avui a Culturalia Misteris de Barcelona per no dormir, un llibre escrit per Sylvia Lagarda-Mata i publicat per Angle Editorial que ens parla de la història més misteriosa i terrorífica de Barcelona.
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