Llega al teatro GoyaSalomé, obra escrita y dirigida por Magüi Mira en la que Belén Rueda interpreta al personaje bíblico que representa todo lo que a las mujeres se les ha censurado y y criminalizado a lo largo de la historia, la sexualidad.
En los primeros años del Siglo I de nuestra Era, los romanos continúan invadiendo las tierras que rodean el Mediterráneo. Colocan monarcas, dictadores salvajes para someter a sus gentes. Llegan a Judea. Y allí una princesa, Salomé, apoya en secreto a los rebeldes que resisten al gobierno del Rey Herodes, ese títere corrupto nombrado por Roma. Un hombre sin moral que gobierna sin ley.
Juan el Bautista, líder espiritual de su pueblo, grita contra el invasor y se descarna cautivo en la prisión del Palacio de Herodes. Da la vida por un Tiempo Nuevo. Es un Profeta. Dice que la esperanza es el aliento de todos los sueños. Y enciende el deseo de la Princesa. Salomé, perdida en la cabeza de su amado Juan el Bautista, sufre. Rechazada por él se transforma en una mujer sangrante.
Salomé, expresión del Poder Sensual Absoluto, extrema su deseo por el Bautista. Un deseo que se desborda en muerte.
«Salomé» se representa en el Teatre Goya del 19 al 24 de marzo de 2024
Texto y dirección: Magüi Mira Composición musical: Marc Álvarez Reparto: Belén Rueda, Luisa Martín, Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández y Jose de la Torre Escenografía: Curt Allen Wilmer y Leticia Gañan (Estudio deDos AAEE) Diseño de vestuario: Helena Sanchis Iluminación: José Manuel Guerra Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos
Horarios y precios: Web teatre Goya Idioma: castellano Duración: 90 minutos
Teatro e historia van muchas veces de la mano, solo hace falta fijarse en las versiones de obras de Shakespeare que se representan en la actualidad en todo el mundo. Depende de cómo, la historia nos puede decir mucho del mundo en el que vivimos. No por otra Ramon Madaula vuelve a los escenarios con un guión escrito por él mismo en el que la ficción y la historia están muy presentes.
“Conqueridors» es una comedia épica sobre el afán de conquista que todos llevamos dentro. La acción tiene lugar en un plató de televisión donde se graba una serie sobre la figura de Jaume I el Conqueridor. Se trata de una gran producción audiovisual, sin embargo, el rodaje se encuentra en un punto muerto: el actor que encarna a Jaume I no logra conectar del todo con el personaje. No consigue una interpretación creíble del monarca. Por esta razón, los productores empiezan a ponerse nerviosos: han invertido mucho dinero en el proyecto y el protagonista les está fallando. ¿Qué pasaría si de repente aparece el propio Jaume I con la intención de contar su propia historia?
Y es que el trabajo de actor es muy duro, y más si eres la clave de una producción ambientada en la Edad Media, y más concretamente en los tiempos de uno de los referentes históricos de la Corona de Aragón. El actor principal parece no estar a la altura de las circunstancias y del personaje, de ahí que necesite un empujoncito. Y este se lo dará el propio Jaume I, que regresa del siglo XIII a la actualidad para ayudar a recrear su historia, con todas las incidencias que ello comporta y os podéis imaginar: el comportamiento del monarca en un plató políticamente correcto, las contradicciones del propio personaje y el rechazo que provoca en la mayor parte del reparto y del equipo técnico.
Madaula ha querido poner sobre el escenario las discordancias entre las dos épocas, la medieval y la actual, a través de un personaje (Jaume I) que no se acabará de adaptar al mundo actual: su forma de hablar, su opinión sobre la convivencia entre cristianos y musulmanes, su manifiesto desprecio ante la igualdad de géneros… todo ello genera la clave de humor de la comedia.
Pero su objetivo se cumple a medias. Asistimos a una propuesta bien trabada y original en el sentido del personaje (Jaume I), la situación (la grabación de una serie que no “tira”)… y las contradicciones que provoca la presencia del auténtico conde de Barcelona en el estudio de rodaje. Si bien la comicidad no acaba de explotar del todo ni en las situaciones ni en los giros de la obra. Madaula como autor y Josep Maria Mestres como director no acaban de hacer arder la pólvora humorística que tienen entre manos.
Con un reparto, además, capacitado para algo más. El que más destaca es el propio Madaula, que provee a la figura de Jaume I de una presencia portentosa que marcará el transcurso de la obra. Roger Coma cumple con su papel de actor superado por la grandeza de su personaje. A ellos les acompañan Vanessa Segura que da vida a la directora no del todo interesada en la producción o Xavier Bertran que interpreta a diversos personajes que pululan por el estudio de filmación con la comicidad acostumbrada en él. Sin olvidarnos por supuesto, de Tilda Espluga y Mònica Glaenzel, acertadas en sus roles respectivos de regidora de grabación y de personal de limpieza respectivamente
Por desgracia todo queda empañado con un “final feliz” que no cuadra demasiado con el transcurso de la obra, aunque posee algo poético, que descoloca en gran medida al público.
Una propuesta, sin embargo, válida para estos días de celebración navideña, si lo que queremos es pasarlo bien con una comedia que podría haber llegado a más en las manos de Madaula, pero que sin duda nos dejará un buen sabor de boca…
“Conqueridors” se representa en el Teatre Goya del 17 de noviembre de 2023 al 21 de enero de 2024
Autoría: Ramon Madaula Dirección: Josep Maria Mestres Reparto: Moha Amazian, Xavier Bertran, Roger Coma, Tilda Espluga, Mònica Glaenzel, Ramon Madaula y Vanessa Segura Escenografía: Ignasi Camprodon, Cesc Colomina Iluminación: Ignasi Camprodon Sonido: Jordi Bonet Caracterización: Helena Fenoy y Marta Ferrer Vestuario: Nidia Tusal Producción: Bitò, Focus
Horarios: lunes a las 19:00 horas; de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:30 horas Precio: desde 16,20€ Duración: 90 minutos Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 6.5 ——
Los clásicos son siempre los clásicos. Y los grandes actores son grandes. Algo que podemos constatar con Las guerras de nuestros antepasados, la adaptación al teatro de la obra de Miguel Delibes llevada a cabo por Eduardo Galán, dirigida por Claudio Tolcachir e interpretada por Carmelo Gómez y Miguel Hermoso.
«Las guerras de nuestros antepasados nos presenta al recluso Pacífico Pérez, condenado por homicidio, desvelando al médico de la prisión su vida y sus sentimientos. A lo largo del relato de este joven pueblerino, de insobornable candor y de una casi enfermiza sensibilidad, el espectador va tomando conciencia de un país, de una historia y de una sociedad que forma parte de nuestro pasado».
La temporada del Goya comienza este año con un nivel muy alto, con la adaptación de una de las obras de Delibes, autor de fino e intenso saber literario que en Las guerras de nuestros antepasados reflexiona sobre la guerra, la libertad y la vida de la España de su época, esto es, los años 70.
Las entrevistas del psiquiatra de prisión (Miguel Hermoso) a Pacífico (Carmelo Gómez), permiten al espectador descubrí una España del pasado, un país no del todo olvidado en el que el mundo rural, la familia y la violencia estaban mucho más presentes en la vida de todos de lo que nos puede parecer ahora.
Todo se desarrolla sobre un escenario casi inexistente en el que el psiquiatra intentará a lo largo de diversas sesiones, descubrir las causas que han llevado a Pacífico a matar a dos personas. A través de las preguntas de uno y las respuestas del otro, iremos conociendo la vida de Pacífico, desde sus orígenes rurales, sus vínculos familiares y el contexto de vida de la España de aquella época, que se despertaba lenta y extrañamente del largo y soporífero periodo franquista. En este cuadro no faltarán continuas referencias a las guerras que Bisa, Abu y el padre de Pacífico han luchado, y que dan título a la obra, esto es, las guerras carlistas, las guerras de África y la Guerra Civil.
La propuesta no puede considerarse menos que excelente. La dirección de Claudio Tolcachir y la adaptación de Eduardo Galán consiguen trasladar al escenario la intensidad y la crudeza del texto de Delibes con una gran sensibilidad escénica. Pero si alguien destaca en esta ocasión es Carmelo Gómez. No os engaño si os digo que Gómez lleva a cabo una interpretación magnífica, de esas de premio, en la que el actor se mimetiza con el personaje que interpreta de tal forma que es difícil diferenciar entre uno y otro. El actor, que participó en la adaptación de la novela, demuestra un talento a la hora de encarnar a Pacífico que está fuera del alcance de la mayoría. Una gozada recorrer la historia de España a través de sus trágicas guerras y descubrir la vida rural de un país que fracasó a lo largo de los siglos XIX y XX a la hora de crear un estado políticamente viable, condenando a los españoles y las españolas a una historia triste y trágica.
Las guerras de nuestros antepasados es un deleite escénico de aquellos que no se ven tan a menudo, y nos recuerdan que el trabajo bien hecho, excelso diría yo, tanto el del autor Delibes como el de todos aquellos que participan en la adaptación teatral, no pueden llevar a nada más que al éxito. Solo me queda felicitar al teatro Goya por el acierto en la programación de la obra y a Carmelo Gómez por permitirnos conocer o hacernos recordar de nuevo, la grandeza de la literatura española, y sobre todo, la grandeza de la obra de Delibes.
Autoría: Miguel Delibes Adaptación teatral: Eduardo Galán Dirección: Claudio Tolcachir Intérpretes: Carmelo Gómez, Miguel Hermoso Escenografía: Monica Boromello Vestuario: Yaiza Pinillos Iluminación: Juan Gómez Cornejo Espacio sonoro: Manu Solís Producción: Pentación Espectáculos y Secuencia 3
Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas Precio: a partir de 20€ Duración: 85 minutos Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 9,5 ——
El vínculo entre el cine y el teatro es evidente, solo hace falta pensar en las obras de teatro adaptadas al cine y viceversa. Y por ello el Teatro Goya nos presenta Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, una obra que nos habla del cine y no de cualquier película, si no de Lo que el viento se llevó, un clásico del cine norteamericano allá donde los haya.
El rodaje de “Lo que el viento se llevó” es un auténtico desastre. El productor cinematográfico, David O. Selznick, ha decidido frenarlo en seco para poder reconducirlo y que la película no deje de ser la que él siempre soñó. Pero el tiempo corre en su contra y cada segundo de parón le está costando una auténtica fortuna. Acompañado de su aguda e infalible secretaria, la Srta. Poppenghul, decide convocar en su oficina a dos grandes de la época para intentar resolver la situación: su gran amigo y excelente guionista, Ben Hetch y el talentoso director, aunque de carácter imposible, Victor Fleming. Una fascinante historia sobre el dorado Hollywood de los años 30.
Hacía tiempo que no disfrutaba tanto en el teatro, debido en esta ocasión a la calidad de la propuesta y, claro está, a su temática: los intrincados problemas de producción de un gran clásico del cine. La obra nos traslada a las entrañas de la Metro-Goldwyn-Mayer en el año 1939, y más concretamente a la oficina del productor David O. Selznick. Las incidencias en la producción de Lo que el viento se llevó son muchas, entre ellas un director, George Cukor, que discrepa del productor y un guión que parece no estar a la altura. O. Selznick está en un verdadero aprieto, y lo único que lo salvará será forzar al director Victor Fleming y al guionista Ben Hetch para rehacer el proyecto desde el principio. En cinco días han de redactar un nuevo guión o todo puede venirse abajo.
Esta es la excusa con la que Ron Hutchinson ideó esta obra basada en la verdadera historia de la producción de Lo que el viento se llevó, que nos permite aproximarnos a la época del Hollywood clásico, divertirnos y reflexionar sobre el cine. La adaptación española de la obra corre a cargo de Daniel Anglés y la dirección está en manos de José Troncoso, que han sabido dar forma a un espectáculo cautivador sobre uno de los más legendarios episodios del Séptimo Arte.
En ello no es ajeno el reparto en el que destacan Gonzalo de Castro, genial dando vida a un desesperado O. Selznick, artífice principal de la película y Pedro María Sánchez espléndido interpretando a Ben Hecht, el reacio guionista que ha de crear un nuevo guión para la película a partir casi de la nada. Ambos están acompañados por José Bustos que encarna al director Victor Fleming y Carmen Barrantes, que da vida a la Srta. Poppenghul, la servicial secretaria de O. Selznick.
Lo que os decía, es una auténtica delicia asistir al encierro creativo en el que productor, director y guionista darán lo mejor de cada uno de ellos (a veces también lo peor) para sacar adelante el proyecto.
La trama nos sitúa, pues, en “la cocina” del Hollywood clásico y trata de uno de sus grandes símbolos y de algunas de sus figuras más destacadas. Asimismo, la obra plantea temas incómodos como las tensiones que afectaban a las grandes producciones Made in Hollywood o los delicados temas raciales y sociales que trataba el film, ya sea el trato a los negros o la visión folletinesca del Sur anterior a la Guerra de Secesión. A lo que se suma la discriminación de la sociedad estadounidense de principios del siglo XX hacía los judíos.
Brillante el debate originado entre O. Selznick, Fleming y Hecht, sobre las dificultades que comportaba la realización de una película de esta envergadura o en manos de quién residía la genialidad creativa de un film, en resumen, sobre qué es una película y qué misión tiene cada uno de sus artífices sobre la propuesta final.
La obra, por otra parte, muestra un esfuerzo de producción de empeño, con una escenografía minimalista que nos muestra la oficina del propio O. Selznick, donde se desarrolla toda la acción.
En resumen, una auténtica gozada poder revivir, aunque solo sea durante la hora y media que dura la representación, las entrañas productivas del Hollywood dorado, gracias a una excelente propuesta magistralmente llevada a cabo en la que tanto el equipo productivo como el elenco, seamos nosotros justos también con ellos, alcanzan un desempeño teatral ni mucho menos habituales sobre los escenarios.
Autoría: Ron Hutchinson Dirección: José Troncoso Reparto: Gonzalo de Castro, Pedro Mari Sánchez, José Bustos, Carmen Barrantes Adaptación: Daniel Anglès Dramaturgia: José Troncoso Escenografía: Silvia de Marta Iluminación: Javier Alegría Sonido: Mariano Marín Caracterización: Chema Noci Vestuario: Guadalupe Valero Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas Precio: A pafrtir de 21,25€ Idioma: castellano Duración: 1 hora y 30 minutos NOTA CULTURALIA: 9 ——
Dos parejas de amigos deciden ir a jugar a una Escape Room. El juego, a medida que avance, se volverá más peligroso y no solamente porque tienen que escapar para finalizar la partida, sino porque aflorarán sus sentimientos y miserias humanas más ocultas.
No tengáis miedo, esto es una comedia de humor y funciona de maravilla como tal. Joel Joan ya ha demostrado en muchas ocasiones que es un crack a la hora de mostrar el mundo de las relaciones de pareja, sus frustraciones, engaños, contradicciones y anhelos. Y en Escape Room lo vuelve a lograr: cuatro personas que tienen diferentes formas de pensar y actuar son perfectamente retratadas, provocando con sus diálogos un humor constante aún estando sumergidos en una carrera contrarreloj nada halagüeña.
Escape Room domina perfectamente los tempos y es una montaña rusa de buen humor y situaciones límite, a medida que vamos conociendo a los personajes y las pruebas que van superando. No hay tiempos muertos, todo fluye. La obra trata además temas de actualidad candente, ideologías políticas, el feminismo, etc., con mucha coña y con los que nos podemos ver reflejados.
Si te gusta Joel Joan disfrutarás al máximo porque es un papel que tiene muy por la mano y le sale con naturalidad. Un joven con pareja reciente que intenta evitar el conflicto, aparentando cosas que no siente, dejándose llevar por las situaciones, sin mostrarse como es. Paula Vives, su pareja en la obra, borda el papel de una joven de principios y valores inquebrantables, de decir siempre lo que piensa… pero las experiencias límite provocarán grietas en todos. La otra pareja está formada por Oriol Vila, que representa muy bien al cineasta pagado de sí mismo y que se cree un genio dirigiendo, y su mujer Àgata Roca, de probada eficacia en la comedia, no en vano es una componente de T de Teatre, y que encarna a una actriz coqueta y práctica pero con inseguridades… Si en un autentico Escape Room ya aparecen roles, y hasta puede que conflictos y discusiones, aquí se hilvanan uno tras otro con naturalidad y momentos extremos y de tensión.
Escape Room es una estupenda comedia con elementos de thriller, pequeñas dosis de terror, suspense y giros inesperados. Si te gustan estos géneros también saldrás contento porque la obra los mezcla bien. Aunque, repito, es ante todo una comedia de humor.
Los decorados están muy logrados. Son dos sets. El de una destartalada y solitaria calle de Hostafrancs en Barcelona y el de la propia habitación de juego donde parece que estemos en una autentica Escape Room con sus objetos tenebrosos y esa cuenta atrás imponente del reloj que marcará peligrosamente el tiempo que les queda para escapar.
No os perdáis esta comedia de 90 minutos con mucho ritmo, humor, situaciones límite y sorpresas. Escrita y dirigida a cuatro manos por el propio Joel Joan y Hèctor Claramunt, los artífices de la exitosa serie El crac, de la cual la obra contiene algo de su mala leche.
«Escape Room» se representa en el teatre Goya hasta el 3 de febrero de 2019.
Dirección: Joel Joan y Hèctor Claramunt
Intérpretes: Joel Joan, Àgata Roca, Oriol Vila y Paula Vives
Con la colaboración especial de: Ferran Carvajal
Escenografía: Joan Sabaté
Iluminación: Ignasi Camprodon
Vestuario: Ariadna Julià
Sonido: Albert Manera
Caracterización: Toni Santos
Efectos especiales de maquillaje: My Effects
Producción: Arriska y Focus
Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 i a las 20:30 horas y domingos a las 10:30 horas Precio: A partir de 22€ Duración espectáculo: 1 hora y 30 minutos Idioma: catalán
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El próximo 27 de junio se estrena en el teatre Goya en en marco del Festival Grec de BarcelonaLa resposta, una pieza teatral del autor irlandés Brian Friel que analiza la complejidad de las relaciones humanas.
Tom, un escritor respetado, y Daisy, una antigua pianista que hoy es una esposa perpetuamente preocupada por el mal estado de las finanzas familiares, reciben la visita de un agente literario norteamericano. Quizás ese visitante les podría facilitar el dinero que necesitan, pero puede que la contrapartida que el agente les pida constituya un precio demasiado elevado para la pareja. ¿Qué respuesta le darán? Mientras lo piensan, Tom y Daisy recibirán la visita de los padres de ella, una pareja de edad en plena crisis, y de un matrimonio amigo y con los bolsillos llenos.
Sílvia Munt hace realidad un viejo proyecto personal y lleva al escenario la obra de un autor irlandés Brian Friel. La directora tiene a su disposición un reparto de lujo encabezado por Emma Vilarasau y David Selvas pero que reúne a otros muchos grandes nombres de la escena catalana.
«La resposta» se representa en el teatre Goya del 27 de junio al 12 de agosto de 2018.
Autoría: Brian Friel
Dirección: Sílvia Munt
Traducción: Pau Gener
Reparto: Emma Vilarasau, David Selvas, Carme Fortuny, Ferran Rañé, Àlex Casanovas, Àngels Gonyalons y Eduard Buch
Diseño de la iluminación: David Bofarull
Escenografía: Enric Planas
Vestuario: Albert Pascual
Diseño del sonido / Concepción sonora: Jordi Bonet
Producción: Grec 2018 Festival de Barcelona y Bitò
Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas Precio: 24-28 € Duración: 90 minutos Idioma: catalán
Desde el pasado 20 de octubre el Teatro Goya acoge uno de los fenómenos teatrales más internacionales: Art, de la dramaturga francesa Yasmina Reza, una adaptación firmada por Jordi Galceran y con dirección de Miquel Gorriz.
Art reúne tres grandes nombres de la escena catalana por primera vez encima de los escenarios: Pere Arquillué, Francesc Orella y Lluís Villanueva. Un cuadro en blanco y el precio de su adquisición pondrán a prueba la amistad de tres hombres que parecía imposible de romper.
Estrenada en 1994 y ambientada en el París de finales de la década de 1980, Art es una comedia inteligente y enérgica sobre el arte y el valor de la amistad. Se ha representado con gran éxito en todo el mundo y se ha traducido a más de 35 lenguas.
Art es el segundo texto escrito por Yasmina Reza que se representará al Teatro Goya. El primero fue Un dios salvaje, interpretado por Ramon Madaula, Jordi Boixaderas, Roser Camí y Vicenta Ndongo, y que se representó en la temporada 2009-2010 de la sala.
«Art» se representa en el Teatre Goya hasta el 15 de enero de 2017.
Autora: Yasmina Reza
Traducción: Jordi Galceran
Dirección: Miquel Gorriz
Reparto: Pere Arquillué, Francesc Orella y Lluís Villanueva
Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: 24 – 28€ Idioma: catalán Duración: 1 hora y 30 minutos
Probablemente con el estreno el pasado 28 de junio de El preu en el teatro Goya se haya llegado a uno de los momentos álgidos del Festival Grec. La obra, escrita por Arthur Miller y dirigida por Silvia Munt, está interpretada por cuatro figuras destacadas de la escena teatral catalana: Pere Arquillué, Ramon Madaula, Lluís Marco y Rosa Renom.
Víctor y Esther, su mujer, convocan al hermano del primero, Walter, a la casa donde vivieron con sus padres durante la niñez. Víctor es un policía que está a punto de retirarse y su hermano, un cirujano de éxito. Se han encontrado porque el edificio tiene que ser derruido y esperan a un tasador que les informará sobre el precio de los muebles de la familia que todavía llenan las habitaciones. Están en la buhardilla del edificio, examinando los objetos depositados bajo una capa de polvo, pero esos viejos trastos no son lo único que hay en la casa: también hay muchísimos recuerdos, fantasmas que llevarán a pensar a los protagonistas en cómo podrían haber sido las cosas si, en cierto momento, hubieran tomado otras decisiones.
El preu es una de aquellas obras que gustan en su globalidad ya que suman toda una serie de valores que aseguran, sin duda, su éxito. Y gran parte de este radica en el texto y en su autor, Arthur Miller, del cual ya vimos en el mismo festival la adaptación de otra de sus obras más conocidas, Las brujas de Salem, una programación que se suma de esta forma al centenario del nacimiento del autor celebrado el año pasado.
Silvia Munt ha sabido domeñar a la perfección el espíritu de la obra de Miller no tan solo manteniendo la época de ambientación original sino también conduciendo a los actores con mano sabia, dejando aflorar, incluso, en los personajes algunas de las peculiaridades interpretativas de los propios actores que les dan vida. Asimismo ha sabido extraer del texto de Miller una moraleja que acomodar a los tiempos de hoy, tan marcados por las consecuencias de la crisis económica.
Y es justamente de las consecuencias de lo que trata El preu. Y más concretamente de las consecuencias de las decisiones que tomamos a lo largo de la vida, y que solo podemos valorar con el paso del tiempo, justamente lo que insinúa la tasación de los muebles familiares. Víctor y Esther, han llevado una vida humilde al lado del padre de él, tras la bancarrota de la familia como secuela la Crisis del 29. Walter, por su parte, ha alcanzado el éxito profesional en el campo de la medicina. Y será en el momento de la liquidación de los muebles familiares cuando los recuerdos y los agravios afloren entre los dos hermanos.
El preu es una delicia a nivel textual, ya que la situación, los personajes y las cosas que se dicen poseen más de una lectura y enriquecen la recepción de la trama por parte del público. En el éxito de la propuesta también tiene mucho que ver el excelente trabajo actoral, en el que destacan los caracteres masculinos, Arquillué, que interpreta al hermano que abandonó un futuro prometedor para cuidar de su padre, y Madaula, que encarna al hermano que triunfó en su profesión pero que ha fracasado en su experiencia familiar. Rosa Renom acompaña a los púgiles actorales de forma competente y Marco da el do de pecho interpretando al tasador de muebles judío que atesora un gran conocimiento de la vida.
Aún así, y como decía antes, la cosa no acaba aquí, ya que Miller nos permitirá reflexionar sobre cuáles fueron las verdaderas razones que llevaron a cada uno de los hermanos a tomar las decisiones que tomaron, hecho este que catapulta la representación hacia la reflexión sobre nuestras propias vidas, sobre qué decisiones hemos podido tomar en ellas y sobre qué consecuencias han comportado. Como ven, una propuesta de la cual es muy difícil decir algo negativo.
El preu nos permite volver a gozar del teatro bien hecho, sobre el que no pasa el tiempo ya que aborda problemas existenciales que acompañan a la humanidad desde siempre. Una oportunidad que no se pueden perder, aunque esto suene algo manido. Si les gusta el teatro de verdad, el bien hecho, no pueden dejar de asistir a una representación de El preu, seguramente una de las mejores propuestas del Festival Grec 2016.
“El preu” se representa en el Teatre Goya hasta el próximo 7 de agosto de 2016.
Autor: Arthur Miller
Traducción: Neus Bonilla y Carme Camacho
Dirección: Sílvia Munt
Interpretación: Pere Arquillué, Ramon Madaula, Lluís Marco y Rosa Renom
Escenografía: Enric Planas
Diseño de iluminación: Kiko Planas (aai)
Espacio sonoro: Jordi Bonet
Vestuario: Antonio Belart
Producción: Grec 2016 Festival de Barcelona y Bitò Produccions
Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y dominos a las 18:00 horas Precio: 24-28 € Idioma: catalán Duración: 105 minutos
73 raons per deixar-te es una esplendida comedia romántica con golpes amargos y tristes, pero esa es la realidad de sentir el amor. Una montaña de todo tipo de sensaciones.
La obra empieza de forma abrupta, pues una relación se acaba de romper y los protagonistas se echan en cara mutuamente todo lo que no soportan el uno del otro, en un in crescendo musical que da título al espectáculo. Tras ello la representación nos va guiando por las diversas etapas de la relación que mantuvieron los dos protagonistas, con certeras y divertidas canciones que son pequeños actos muy medidos y bien ejecutados. Nos sentiremos identificados con el flechazo; la sin razón del enamoramiento: la fuerza del amor en los primeros años de convivencia; las primeras notas discordantes; las diferencias de enfoque sobre la vida o el desgaste de la relación, esta última idea trasladada de forma muy divertida en una escena que nos muestra hábilmente la rutina diaria de una pareja. Mención especial para la pieza “Próxima estación” por su ingeniosidad y desempeño.
La obra plantea todo esto y más y lo hace con la fuerza de las canciones. Mercè Martinez y Marc Pujol son la pareja analizada y se mueven como pez en el agua con una interpretación que exige movimiento, dinamismo, complicidad y por supuesto dotes musicales. Pero cuando una relación se rompe también afecta a familiares y a amigos. En la obra Abel Folk es el padre de ella, un personaje que impone seriedad, robustez, y sentido común a los hechos narrados. Por el otro lado tenemos a Mone Teruel, la madre del chico, que nos demuestra una vez más, aparte de una buena interpretación, su bellísima voz. Ambos son los narradores de la historia de amor y desamor y representan otras formas de enfrentarse a la misma. Los cuatro actores se desenvuelven muy bien sobre el escenario, acompañados de un decorado sobrio a la par que inteligentemente diseñado.
Según Guillem Clua, el autor del libreto, “Estamos hablando de amor. De cuando se acaba. Y esto ocurre siempre. Todas las historias de amor se acaban. Absolutamente todas” Y esto es la obra, que nos hará sonreír, pero también entristecer bajo la dirección teatral de Elisenda Roca y la divertida y contundente música de Jordi Cornudella, dirigida por Andreu Gallén.
En 73 raons per deixar-te, se mencionan muchas razones para acabar con una relación de pareja. Aunque en verdad la más devastadora es solo una, que no es mencionada, y que hace que todas las razones expuestas previamente no sean ya soportables. ¿Tiene, pues, futuro la pareja?
Esto último se lo pregunta alguien que la última vez que asistió a una representación en el Teatro Goya, de la obra Guapos & Pobres el musical, fue acompañado de su pareja. En esta nueva ocasión, con 73 raons per deixar-te, aún siento que ella ya no forme parte de mi vida. Si esto no es realidad…
Autor: Guillem Clua y Jordi Cornudella
Dirección de escena: Elisenda Roca
Libreto: Guillem Clua
Música: Jordi Cornudella
Dirección musical: Andreu Gallén
Reparto: Abel Folk, Mercè Martínez, Mone Teruel y Marc Pujol
Músicos: Andreu Gallén (piano) y Víctor Pérez (violín)
Movimiento: David Pintó Codinasaltas
Escenografía: Ricard Prat y Coll
Vestuario: Laia Cambrils
Iluminación: Kiko Planas (A.A.I.)
Sonido: Raimon Segura (Rai)
Caracterización: Toni Santos
Producción: Focus y Bitò Produccions
Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:30 y 21:00 horas y domingo a las 18:30 horas Precio: 24 € Idioma: catalán Duración: 1 hora y 45 minutos
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Concebir un musical sobre un tema tan machacante y devastador como la falta de empleo, de oportunidades y de sueldos dignos, puede ser un suicidio o algo muy deprimente porque es la realidad que están viviendo muchas personas, pero el musical Guapos & Pobres nos contagia vigor, fuerza, alegría y una cierta esperanza a pesar de la miseria propia de los tiempos en los que vivimos.
La vida no es lo que nos habían prometido: estudiar y tener un buen trabajo. Solo luchando por nuestros sueños, no se van a realizar… La obra, que estrenó el Teatre Goya el pasado 14 de mayo, se basa en el libro del mismo nombre escrito por Alfredo Ruiz en 2005. En él el autor entrevistaba a ciudadanos que sobreviven en Barcelona, preparados, con estudios y experiencia pero pobres. Xavier Torras y Toni Martín lo han adaptado como musical.
Ocho personajes muy diferentes se mueven por todo el escenario. Ocho personas tocadas por la crisis, que no llegan a fin de mes y que aparte tienen que lidiar con problemas personales o afectivos. La chica guapa algo frívola que se aprovecha de la compañía de hombres para obtener dinero; un separado en paro; una pareja con resolución que decide dejar valientemente sus miserables trabajos; una universitaria inglesa recién llegada con ganas de comerse la ciudad o un estudiante que está esperando que le concedan una beca, son algunos de los estereotipos muy bien logrados que nos presenta la obra. Imposible no identificarse con alguno de ellos.
Guapos & Pobres se abre con un jubiloso inicio musical donde todos los actores y actrices intervienen, como es de esperar en este tipo de espectáculos. Luego nos vamos adentrando en las historias personales de los protagonistas aderezadas, claro está, con variadas canciones que suenan a muy buen ritmo. La letra de estas canciones no deja de plantear situaciones tristes y de incertidumbre, pero de alguna manera también dan fuerza y optimismo. Invitan a arriesgarse, a hacer las cosas con pasión y con el corazón. Destacan en el espectáculo un duelo cantado entre la chica más conservadora y la más liberal del grupo y la pieza en la que tres de los actores cantan y bailan al unísono al estilo de los grandes musicales clásicos del cine. Eso sí, en diversos momentos el sonido no es el mejor, problemas técnicos que se irán corrigiendo.
El decorado es muy aséptico y minimalista, unos pocos muebles, todo muy estilo Ikea, simulan un bar, una sala de estar, un despacho… todo un símbolo, de hecho, de la decoración que podemos permitirnos la inmensa mayoría de los que nos encontramos en esta situación. A medida que avanza la obra divertidos videos nos muestran a personas contando sus miserias laborales. Hay también cinco músicos en escena.
Los ocho actores se mueven y cantan muy bien por todo el escenario. Todos tienen su momento para contarnos su historia. Aunque los temas más potentes afloran en las canciones interpretadas de forma grupal. La pareja formada por Ivan Labanda y Gracia Fernández se convierten en el nexo de unión entre este grupo de amigos, por lo que la obra se acaba centrando más en los sentimientos y problemas personales de ellos que en los efectos de la machacante crisis, porque los amigos y el progreso personal nos permiten, de algún modo, vencer el desanimo que provoca la existencia. Y de alguna forma alcanzar el éxito en la vida.
Música y Dirección musical: Xavier Torras
Libreto y letras / Dirección escena: Toni Martín
Obra inspirada en el libro: Guapos y pobresdeAlfredo Ruiz
Reparto: Ivan Labanda, Elena Gadel, Mariona Castillo, Muntsa Rius, Frank Capdet, Xavi Duch, Jorge Velasco y Gracia Fernández
Músicos: Xavier Torras, Marc Camero, Adriana Alsina, Jaume Yelo y Marc Ledesma
Coreografía: Bealia Guerra
Escenografía: Equipo IKEA Badalona
Vestuario: Laia Cambrils
Iluminación: Joan Cisa
Diseño de sonido: Nuño Vázquez (Klinik Audio Pro)
Producción: Hold On Company
Horarios: martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: de 24 a 28 € Idioma: catalán Duración: 1 hora y 40 minutos (sin entreacto
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de Alfredo Ruiz
Culturalia 