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Teatro

Crítica teatral: Chicago, el musical de Broadway, en el Teatro Tívoli.

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Parece que esta temporada teatral van a reinar en los escenarios barceloneses los musicales, una tendencia ésta ya marcada en años anteriores y que se confirma con el estreno de espectáculos como Pegados, Forever Young, Cop de Rock, Los Miserables, una nueva adaptación de Grease o Chicago, el musical de Broadway.

Chicago, el musical de Broadway, al que dedicamos esta reseña, se estrenó el pasado 22 de septiembre en la ciudad condal y es un espectáculo que, utilizando el leitmotiv de uno de sus temas en castellano, consigue «deslumbrar deslumbrando».

El musical nos traslada a la ciudad de Chicago en la década de los años 20, una localidad donde los crímenes pasionales y el sensacionalismo invaden el día a día de sus habitantes y las primeras páginas de los periódicos. En este colorido ambiente urbano dos chicas, Velma Kelly (Marta Ribera) y Roxie Hart (María Blanco), han sido acusadas de asesinato, la primera del de su marido, la segunda del de su amante, lo que lleva a ambas a ingresar en prisión.

La llegada de Roxie a la cárcel y la contratación por parte de ésta de los costosos servicios de Billy Flynn (Manuel Rodríquez), abogado famoso por entender la ley y la justicia de una forma muy “sui generis” y por salvar a chicas culpables como ellas de una muerte segura en la horca, le harán entrar en competencia con las otras chicas encarceladas, y especialmente con Velma, por atraer el interés de la prensa, base de las estratagemas judiciales de Flynn, mientras se mantienen a la espera de un juicio que las absuelva y les proporcione una segunda oportunidad en la vida. Un argumento, como vemos, que ironiza sobre el papel de la prensa y de la abogacía en una sociedad donde con el dinero se puede conseguir todo, incluso la inocencia de alguien que ha cometido un asesinato.

Sin embargo, aunque la trama de Chicago no destaque por sí misma, para nada importa en un espectáculo cuyas bazas principales son las canciones, las y los cantantes y las coreografías, o lo que es lo mismo, su arrollador componente visual y musical. Y como les decía antes, en este aspecto Chicago consigue deslumbrar deslumbrando.

Sobre el escenario del teatro Tívoli podemos disfrutar de uno de los musicales más longevos y famosos de Broadway y del West End inglés, escrito por Fred Ebb, con coreografías de Bob Fosse y música de John Kander. Una espectáculo plagado de números y temas musicales conocidos por los amantes del género y, gracias a la versión cinematográfica de la historia estrenada en el año 2002 e interpretada por Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere en sus papeles principales, popularizada para el amplio público.

Pues bien, como decía, Chicago lo tiene todo. Unos temas musicales pegadizos y en donde el jazz y las noches de la ciudad de Chicago se plasman de una forma casi material; la sensualidad de un reparto en el que dominan, debido a la temática del espectáculo, las mujeres, todas ellas interpretando diversos temas de forma mucho más que sugerente; un sentido del humor y una ironía que recorren el musical de arriba abajo y que nos presentan la trama de una forma más realista; y las interpretaciones de sus actrices y actores principales, esto es, Marta Ribera, Maria Blanco, Marta Valverde y Manuel Rodríguez, cuya idoneidad y maestría acercan al público catalán la esencia del musical producido en Brodway y en el West End inglés.

Un espectáculo redondo y animado (¡qué digo, mucho más que animado! fresco, osado, atrevido) aunque también con algún que otro hándicap. El más importante, el poco espacio disponible en el escenario para las actuaciones y los número musicales, un inconveniente debido, en parte, a la imponente estructura que permite destacar a la banda de músicos, un aspecto este último que hace patente la importancia de la “banda sonora” en el espectáculo. Otro de los hándicaps es la indefinición del escenario dejado a los actores y bailarines. Un espacio bañado de oscuridad y que no se concreta en ningún momento, pudiendo ser tanto la prisión en donde están encarceladas Velma y Roxie; un juzgado; un music-hall o cualquier otro lugar, lo que puede despistar a todos aquellos no conocedores del argumento del musical.

Aún así, y como ya he dicho antes y sobre lo que vuelvo a insistir ahora, Chicago es un espectáculo que deslumbra deslumbrando y que seguro que les hará gozar de una buena experiencia musical, de lujosas coreografías, de los cuerpos esculturales de las bailarinas (atención a las chicas, también de los bailarines), del juego de luces y abalorios que campean a lo largo de todo el espectáculo y de una historia que, basada en hechos reales, nos hace reflexionar, en último término, sobre la justicia, la abogacía y el periodismo en general, donde la mediocridad, la majadería, y la búsqueda desenfrenada del éxito y la fama puede permitir a un asesino, a un ladrón o a un estafador salir indemne de su crimen, dependiendo, claro está, del dinero que pueda invertir en su defensa. ¿Les suena esto de algo?

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“Chicago El musical de Broadway” se representa en el Teatre Tívolidel 22 de septiembre al 13 de noviembre de 2011

Autor: John Kander, Fred Ebb y Bob Fosse
Autor música: John Kander
Letras de las canciones: Fred Ebb
Libreto: Bob Fosse
Director musical: Santi Pérez
Reparto: Maria Blanco, Manuel Rodríguez, Marta Valverde, Adán Aguilar, Carles Carrasco, Fedor de Pablos, Marta Blanchart, Ela Ruiz, Eugenia Sánchez, Tatiana Monells, Viviana Camino, J. Giró, Vanesa Bravo, Pepe Muñoz , Pascual Ortí, Paco Abarca, Pedro Carrasco, Chema Zamora, Víctor González, Jordi Gordo, Lucy Lummis y Estefanía Corral
Músicos: Josep Gomariz, Juan Carlos García, Sergio Bienzoba, Miguel Fernández Vallejo, Marcel·li Bayer, Lluc Casares i Alcobé, Jorge Pastor, Josep Ferrer, Jaume Careta, Adrià Plana, Antonio Jose Marti y Salvador Suau
Adaptación: David Thompson
Arreglos: Peter Howard
Orquestación: Ralph Burns
Iluminación: Ken Billington
Sonido: Rick Ckarke
Vestuario: William Ivey Long
Escenografía: John Lee Beatty
Coreografía: Ann Reinking y Gary Chryst
Producción: Stage Entertainment

Horarios: de martes a jueves a las 21:00 horas; viernes y sábados a las 18:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precio: de martes a jueves de 19,90 a 54,90 €; viernes de 19,90 a 64,90 € y sábados y domingos de 24,90 a 64,90 €.
Idioma: castellano
Duración del espectáculo: 150 minutos.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Entrevistas,Literatura,Novela histórica

Entrevista a Laurent Binet, autor del libro HHhH, Premio Goncourt 2010 de primera novela.

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Entrevista a Laurent Binet, autor del libro HHhH, Premio Goncourt 2010 de primera novela.
Autor: José A. Muñoz, Revista de Letras.

Llevamos una temporada repleta de sorpresas literarias. Entre ellas, HHhH, novela de curioso título (es el acrónimo de “Himmlers Hirn heisst Heydrich” -”El cerebro de Himmler se llama Heydrich”) que acaba de publicar Seix Barral y que obtuvo el año pasado el Premio Goncourt a la mejor primera novela. En ella, Laurent Binet desvela la gestación, en 1942, de la “Operación Antropoide” con el objetivo de asesinar en Praga a Reynhard Heydrich, jefe de la Gestapo e impulsor de la denominada “Solución final”, el plan para exterminar a los judíos durante la II Guerra Mundial. El checo Jan Kubiš y el eslovaco Jozef Gabčík fueron los seleccionados por la Dirección de Operaciones Especiales de Churchill para llevar a cabo la misión. Tras cometer el atentado, en un primer término fallido pero que acabó con la vida de Heydrich debido a las heridas provocadas, llevó a terribles represalias, iniciándose una serie de ataques de los alemanes que alertaron al resto de naciones sobre la barbarie nazi, acelerando el proceso para acabar con Hitler.

Binet, profesor de Literatura y crítico, nos brinda la posibilidad de conocer los hechos pero, también, adentrarnos en el proceso de la creación literaria. HHhH es, en ese sentido, un libro sobre la escritura, un ensayo que desvela los secretos y las técnicas que hacen posible armar una novela de corte histórico, repleto de referencias culturales y de reflexiones acerca de lo que representa recrear la verdad sin recurrir a la ficción.

Desgraciadamente, en el corto espacio que se nos ofrece para hablar con él, no podemos abordar más que una pequeña parte de las inquietudes que despierta su obra. Pero creo que servirá para animar a conocerla.

Se hace difícil preguntarte cualquier cosa sobre la gestación del libro, porque está todo ahí, basta con leerlo.

Sí, no es fácil para los periodistas.

HHhH es un desnudo integral del escritor, con sus dudas, sus técnicas…

Asumí el riesgo. Tenía que interrumpir constantemente la acción, mostrando mi trabajo y cómo iba desarrollando la novela, pero como lector era algo que siempre me había interesado. La gente tiene interés en los making of de cine y de reportajes, ¿por qué no lo van a tener respecto a una novela? Lo que he hecho es integrar ese “cómo se hizo” a la narración. Hay muchos referentes que me gustan. ¿Conoces Looking for Richard, de Al Pacino?

Laurent Binet

Hay gente que me ha preguntado si yo había inventado este género, cosa que me halaga, pero ni por asomo. Hay uno muy próximo a mi obra, que es Maus, de Spiegelman, donde podemos ver al autor discutiendo con su padre sobre la memoria.

¿En qué momento te planteaste escribirla, no solo como una novelización de la “Operación Antropoide”, sino también como un relato del propio proceso de escritura?

No lo había meditado previamente, pero surgió desde la primera página. Me encontré con la problemática de cómo explicar una historia totalmente verídica y pensé interesante invitar al lector a formar parte de mis reflexiones respecto a esos dilemas que fueron surgiendo.

De hecho, al principio del libro, hay una reflexión de Kundera sobre la creación de personajes y, en base a esas ideas, el libro expone de manera crítica las libertades y licencias que se permiten los autores de novela histórica.

Totalmente. He leído muchas novelas históricas que me han gustado, pero la mayoría asumen como modelo las formas marcadas por Alejandro Dumas, quien tomaba una base histórica rellenando los agujeros con la ficción. Considero que se noveliza tanto en el género histórico que quise ofrecer una alternativa. Me parece perezoso cubrir los hechos o detalles que no se conocen inventándose cosas y tergiversándolo todo, a veces con hechos totalmente imposibles.

El planteamiento, como decías antes, no es nuevo, pero sí me parece poco común que sea a través de tus reflexiones sobre la creación literaria como el lector va conformando la historia que pretendes narrar.

Me apetecía que el lector participara. Concebía el libro como una conversación con él.

El nivel de autocontrol para no intercalar ficción y buscando la veracidad habrá sido agotador. Incluso tu pareja, en un momento del libro, te reprocha que te estés inventando algún detalle.

La tentación estaba siempre presente, el libro es una lucha constante contra la novelización haciendo uso de invenciones. A veces cedo y, aunque debí eliminar esas partes imaginadas, he preferido dejarlas porque nutren la discusión sobre la novela histórica. Lectores como Natacha permiten que esos pasajes no invadan el texto, estaba alerta a cualquier libertad que pudiera escapárseme de las manos.

Todos sentimos atracción por los malvados. Como en la mayoría de historias, llegaste a Heydrich a través de los héroes. ¿Te atraía más la trama de los paracaidistas que atentaron contra el líder de la Gestapo?

Sí, el punto de partida era la “Operación Antropoide” y el acto heroico de resistencia. Entonces vi que había una historia detrás del atentado, que era la de Heydrich. No estaba previsto, pero la primera parte de la novela consistía básicamente en esto.

¿Lo que más te interesaba narrar era el asedio en la iglesia?

Las dos escenas por las que el libro se va desarrollando son las del atentado y la del asedio en la cripta. Son trescientas páginas que van preparando al lector para ellas. Se trata de escenas de acción y quería narrarlas como tales. Siento un poco de piedad por los lectores cuando pienso que tienen que esperar tanto. Lleno el libro de reflexiones hasta llegar a esos grandes momentos que son puramente narrativos.

Los diez años dedicados al libro te habrán deparado muchas sorpresas. ¿Qué fue lo que más te sorprendió de Heydrich?

Reinhard Heydrich

Lo que más me impresionó de toda la investigación fue contemplar las huellas de la lucha que permanecen intactas en la cripta.  No siento esa fascinación que decías antes hacia el mal. Más que su dimensión maléfica lo que me sorprendió de Heydrich fue su eficacia en muchos aspectos. Tiene un lado muy novelesco, era un gran violinista, practicaba la esgrima, pero su fuerte era la burocracia. Era un policía de raza. Leyendo la biografía de Joseph Fouché que escribió Zweig encontré ciertos paralelismos entre el político francés y el oficial alemán. Si Fouché hubiera estado en el Tercer Reich sería como Heydrich, al igual que si éste hubiera formado parte del imperio napoleónico tendría las mismas cualidades que Fouché.

El de documentación es un trabajo que nunca se acaba. Cuando se hace sobre hechos históricos siempre aparece información una vez publicado el libro.

Lo sé, cuando acabé me quedé con la sensación de que era una historia que no acababa. Muchos lectores me han escrito ofreciéndome información y anécdotas familiares, lo que me parece desconcertante. Un señor de Londres me escribió diciéndome que había conocido a una amante de Heydrich y que ella le había dado la acreditación con la que había ido a los Juegos Olímpicos de Berlín para acompañarle. Me da pena no poder incluir algunas cosas de las que me he enterado posteriormente pero, por otra parte, si no lo hubiera publicado no habría conseguido ese otro material facilitado por quienes lo han leído. En cualquier caso, no considero que HHhH sea el libro definitivo sobre este episodio de la Historia, aparecerán muchos más, espero.

Comentas en algún pasaje sobre las novelas históricas que no te gustan los diálogos. ¿Has procurado no incluir muchos en HHhH por eso, o es que tampoco te gusta escribirlos?

Es un asunto complicado. Considero que es lo más difícil para un novelista y me resulta casi imposible encontrar buenos diálogos. Yo mismo soy incapaz de hacerlos. Sin embargo mi proxima novela será muy dialogada, así que tendré que empezar a aprender. Me gusta mucho cómo los escribe Bret Easton Ellis, son magníficos. Le he releído para intentar encontrar el secreto y no lo he conseguido. Llegué a preguntárselo en una entrevista pero no quiso revelarlo.

Quizás debería escribir un libro como el tuyo.

No creo que lo haga (risas). Para mi novela, los diálogos eran una forma de recreación a la que me negaba, prefería mostrar la documentación en bruto. Incluso incluir un testimonio que se explique mediante diálogo me parece artificial porque, aun estando su declaración grabada en audio o vídeo,  siempre se recrea y se cambian detalles…

José A. Muñoz
http://www.revistadeletras.net/

Historia

Nuevas publicaciones de la editorial Ariel. Historia. Otoño 2011.

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Seguramente es Ariel la editorial que nos presenta cada temporada algunas de las novedades editoriales más interesantes con respecto a la historia en general y a la historia Antigua en particular. Es por eso que destacamos aquí algunas de sus últimas propuestas (bueno, algunas no son tan recientes!) que os pueden ayudar a entender un poco más la historia del mundo, analizada en sólidas y convincentes monografías.

Maratón. El origen de la leyenda
Richard A. Billows

Pocas batallas hay tan legendarias como la de Maratón. Este episodio decisivo de la primera de las Guerras Médicas enfrentó en el siglo V a. de C. a los ejércitos de los griegos y los persas, y dio lugar a nombres míticos, como el del general Milcíades, cuya estrategia permitió vencer a un ejército superior en número, o el del soldado Filípides, el mensajero que murió para anunciar la victoria a la ciudad de Atenas.

Pero las leyendas suelen estar teñidas por un velo de misterio, y el caso de Maratón no es distinto. ¿Cómo condujo Milcíades a sus hombres para derrotar a un ejército muy superior en número? ¿Murió Filípides al llegar a Atenas, como quiere la tradición? ¿Se dirigía a esta ciudad para anunciar la victoria o para advertir del peligro que suponía la armada persa? A estos interrogantes hay que sumarle otro que ha fascinado a estudiosos de todos los tiempos. ¿Qué hubiera sido de la civilización occidental de haber perdido los griegos la batalla?

Richard A. Billows viaja al origen de la leyenda, y nos ofrece las claves que explican todos los secretos que oculta un momento clave en la historia. Sus minuciosas investigaciones permiten ofrecer un gran fresco histórico en el que los personajes, las historias y el espíritu de otro tiempo nos transmiten la emoción de una batalla que pudo cambiar nuestra cultura.

Richard A. Billows es profesor en la universidad de Columbia, especializado en historia de la Grecia Antigua y Roma y en epigrafía griega. Además de Maratón es autor de numerosos libros sobre historia Antigua, como Antigonos the One Eyed and the Creation of the Hellenistic State, Kings and Colonists: Aspects of Macedonian Imperialism o Julius Caesar: The Colossus of Rome.

Título: Maratón. El origen de la leyenda
Autor: Richard A. Billows
Fecha de publicación: 14/04/2011
288 páginas
Idioma: Español
ISBN: 978-84-344-1324-5
Formato: 15 x 23 cm.
Encuadernación: Rústica con solapas
Colección: Ariel
PRECIO: 23,90 €

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Babilonia. Mesopotamia: La mitad de la historia humana
Paul Kriwaczek

En el VI milenio a.C. los habitantes de las riberas del Tigris y el Éufrates crearon las primeras ciudades del mundo. Con ello escribían el primer capítulo de la civilización humana tal como la conocemos hoy.

Paul Kriwaczek narra la extraordinaria historia de la antigua Mesopotamia, desde los primeros asentamientos alrededor del 5400 a. C. hasta el dominio de Babilonia por los persas en el siglo VI a. C. Relata el ascenso y caída del poder dinástico y examina sus numerosas innovaciones materiales, culturales, sociales y sus inventos: la rueda, el ladrillo, el estado centralizado, la división del trabajo, la religión organizada, la escultura, la educación, las matemáticas, la ley y los grandes monumentos. En el corazón del relato está la gloria de Babilonia – o “puerta de los dioses”- bajo el rey amorita Hammurabi, quien unificó Mesopotamia entre el 1800 y el 1750 a. C.

Paul Kriwaczek nació en Viena en 1937. Ha sido escritor, productor y director de la BBC durante veinticinco años y delegado de Central Asia Affairs en el servicio internacional de la BBC. Habla ocho lenguas incluyendo farsi, pashto, urdu, hindi y nepalí.

Título: Babilonia. Mesopotamia: La mitad de la historia humana
Autor: Paul Kriwaczek
Fecha de publicación: 25/11/2010
416 páginas
Idioma: Español
ISBN: 978-84-344-1366-5
Formato: 14,5 x 23 cm.
Encuadernación: Rústica con solapas
Colección: Ariel
PRECIO: 21,90 €

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Soldados y fantasmas. Mito y tradición en la antigüedad clásica
J. E. Lendon

Esparta, Macedonia y Roma… ¿cómo llegaron estas naciones a dominar el Mundo Antiguo? ¿Qué distinguía a sus ejércitos? Dejando claro que fue una era de pocos avances tecnológicos, J.E. Lendon nos muestra que los ejércitos de mayor éxito fueron aquellos que precisamente utilizaron de manera más efectiva la tradición cultural. El combate en la Antigüedad avanzaba recurriendo el pasado en busca de inspiración: los griegos, a Homero, y los romanos, a los griegos y a su propio pasado heroico. El resultado es un libro apasionante, que introduce al lector en las guerras de la Antigüedad en Grecia y Roma.

Un apasionante relato sobre el belicismo de la era Antigua, de las batallas y victorias de las naciones que más han impactado en el devenir de Occidente: los griegos (atenienses, macedonios y espartanos) y las Romas republicana e imperial. Colosales enfrentamientos y decisivas escaramuzas contados con gran lujo de detalles en el plano militar. También encontramos espacio para los movimientos diplomáticos que hicieron evitar inútiles derramamientos de sangre.

J. E. Lendon es profesor de Historia en la Universidad de Virginia. Es autor de Empire of Honour: The Art of Governement in the Roman World.

Título: Soldados y fantasmas. Mito y tradición en la antigüedad clásica
Autor: J. E. Lendon
Fecha de publicación: 14/11/2006
576 páginas
Idioma: Español
ISBN: 978-84-344-6966-2
Formato: 16 x 24 cm.
Encuadernación: Rústica con solapas
Colección: Ariel Historia
PRECIO: 19,5 €

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El cadáver de Alejandro. Y otras historias sobre ciencia y superstición en la Antigüedad
Vicki León

Una dulce posteridad: eso era lo que Alejandro Magno buscaba… y la consiguió. Embalsamado en miel, su cadáver dorado se convirtió en una atracción que nadie quería perderse, y que visitaron Julio César y varias generaciones de emperadores romanos. Según testigos directos, Alejandro siguió siendo «Magno» durante 538 años.

La historia de «Alex», así como la confirmación moderna de las extraordinarias propiedades de la miel, representa uno de los ochenta y ocho relatos sobre genios griegos y expertos romanos contados con claridad e ingenio por Vicki León en Cómo embalsamar con miel. En ellos traza el perfil de un sinfín de personajes inquietos de antaño que recorrieron con sudor y esfuerzo el tortuoso camino que separa las creencias mágicas de unas disciplinas entonces emergentes: la física, la astronomía y las matemáticas, entre otras.

Desde el idilio de griegos y romanos con los grandes barcos hasta su fascinación por el firmamento, que les llevó a inventar el primer ordenador de la historia, León explora los albores de la ciencia y su persistente rival, la superstición. La vida de los antiguos fue una carrera de obstáculos salpicada de días aciagos, amenazas de cometas, avistamientos de vampiros y pócimas raras, en ocasiones letales.

Vicki León ha hecho de California su hogar, pero regresa a menudo a sus orígenes mediterráneos. Tras afinar sus aptitudes de investigadora desenterrando a centenares de mujeres notables de la Antigüedad para retratarlas en su libro sobre mujeres poderosas, ha vuelto a zambullirse, más si cabe, en la Grecia y la Roma clásicas y helenísticas para la elaboración de esta obra y de su anterior título, dedicado a profesiones antiguas.

Título: El cadáver de Alejandro. Y otras historias sobre ciencia y superstición en la Antigüedad
Autora: Vicki León
Fecha de publicación: 14/04/2011
352 páginas
Idioma: Español
ISBN: 978-84-344-1323-8
Formato: 14,5 x 23 cm.
Encuadernación: Rústica con solapas
Colección: Ariel
PRECIO: 25 €

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El declive de la República romana. De la oligarquía al imperio
Christopher S. Mackay

Algunos momentos históricos consiguen concentrar tal cantidad de personajes carismáticos y sucesos decisivos que se convierten en auténticos hitos históricos durante generaciones. Es el caso de las décadas previas a la caída de la república romana. La historia ha sido contada por Salustio, puede seguirse en los escritos del propio Julio César y en los textos de Cicerón, y Shakespeare la recuperó con sus obras de teatro siglos después. Pero, como sucede con períodos parecidos, los protagonistas y los autores se concentran en un aspecto (la conjura de Catilina, la traición de Bruto…) y es difícil encontrar una visión de conjunto.

Christopher S. Mackay es profesor del Departamento de Historia y Clásicas de la Universidad de Alberta.

Título: El declive de la República romana. De la oligarquía al imperio
Autor: Christopher S. Mackay
Fecha de publicación: 27/01/2011
552 páginas
Idioma: Español
ISBN: 978-84-344-6954-9
Formato: 16 x 24 cm.
Encuadernación: Rústica con solapas
Colección: Ariel Historia
Traductor: Ana Herrera Ferrer
PRECIO: 29,9 €

Teatro

Estreno teatral: Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant y L’impostor en el Versus Teatre.

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El Versus Teatre presenta una doble programación para este mes de octubre. Por un lado la comedia Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant basada en la novela de Josephine P. Hey; por el otro L’impostor, una versión del Tartufo de Molière dirigida por Frederic Roda y producida por la compañía Die probe.

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Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant, de Josephine P. Hey.

Una comedia dirigida por Paco Mir que recupera la única obra escrita per Josephine P. Hey.

María Paz Palacio, periodista televisiva y estrella del polémico programa de investigación MYSTERYUS, invita a su plató a un hombrecillo que ha osado contradecirla, vía e-mail, y que afirma ser un vampiro. La venganza está servida: entre preguntas y respuestas singulares, María Paz Palacio intentará desmontar todos los argumentos que va exponiendo Juan Taboada (el hombrecillo) con otros… más o menos sólidos.

Una comedia hilarante, ingeniosa y trepidante que desmenuza en clave de humor clásico, negro, cruel, surrealista y, a veces, también un poco tonto… la mayoría de tópicos del mundo del vampirismo.

La adaptación recupera la única obra que escribió la noruega Josephine P. Hey, una novela homónima que a finales de los años treinta se convirtió, apoyada por la crítica especializada, en un gran éxito de ventas.

“Entrevista amb un vampir que al final va resultar que potser no ho era tant” se representa en el Versus Teatre del 7 de octubre al 6 de noviembre de 2011.

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Autora: Josephine P. Hey
Versión: Paco Mir, Teresa Ros y Gilbert Bosch
Dirección: Paco Mir
Compañía: Grappa Teatre
Reparto: Teresa Ros y Gilbert Bosch

Horarios: de jueves a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 20:00 horas.
Precio: 16 €.
Idioma: catalán.
Duración de la obra: 1 hora y 25 minutos.

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L’impostor. Versió del Tartuf de Molière.

Frederic Roda dirige L’impostor de Molière en el Versus Teatre.

Estrenada hace más de 300 años, el 12 de mayo de 1664, Tartufo es ya uno de los títulos esenciales de la historia del teatro y uno de los más representados y adaptados de todos los tiempos. Con la firma de uno de los mejores dramaturgos del teatro occidental, Molière, ahora es Frederic Roda quién decide darle vida de nuevo con un equipo formado por jóvenes actores que ya han recibido el entusiasta beneplácito de la crítica en las diversas previas que se han realizado.

El argumento, ya conocido por todos, hace de L’impostor una obra clave de su época y de la historia del teatro, puesto que a través de la crítica a la hipocresía, la influencia y el exceso de confianza en ciertos estamentos como el religioso se ganó la controversia y la oposición de sectores influyentes del poder, como la Iglesia. Ahora tenemos una nueva oportunidad para revisitar este clásico de la mano de la compañía Die probe.

Sólo nos hace falta que nuestra propuesta sea lo suficientemente atractiva para que os enganche y os pueda hacer pasar un buen rato con los personajes protagonistas de esta adaptación: Segimon, el padre, Elvira, la madre, Anna, la hija, Mauricio, el pretendiente, Francina, la muchacha y Tartufo, el impostor.

Mucho se ha escrito sobre esta obra y sobre sus posibles interpretaciones. La que os representamos es una más. Este es sin duda el valor de los clásicos, que nunca te los acabas y que siempre encuentras una nueva manera de ponerlos sobre el escenario.

“L’impostor. Versió del Tartuf de Molière” se representa en el Versus Teatre del 11 de octubre al 2 de noviembre de 2011.

Dirección: Frederic Roda
Versión: Joan Oliver
Reparto: Marina Barberà, Laura Fité, Anaïs Garcia, Anna Massó, Marc Rius y Jordi Sanosa
Cía: Die probe
Iluminación: Marc Martin
Diseño de vestuario: Pau Fernandez
Producción: Die probe y Acces Teatre SL con el apoyo de Teatre de Ponent, sl.

Horarios: martes y miércoles a las 21:00 horas.
Precio: 12 €.
Idioma: catalán.
Duración: 1 hora y 10 minutos.

Teatro

Crítica teatral: L’any que ve serà millor, en La Villarroel.

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El teatro, a lo largo de su historia, se ha ido constituyendo en un espejo que no tan solo refleja la forma de pensar del autor que da forma a una obra, sino también la época en la que viven aquéllos que la representan, ya sean el director, los actores o las actrices. De ahí que el teatro haya ido casi siempre de la mano del momento en el que los textos teatrales se han ido creando y representando. Esta actualización se consigue o bien “tuneando” (si me permiten la expresión) una obra ya escrita y representada en una época anterior o, como en el caso de L’any que ve serà millor, creando una idea y un texto nuevos forjados de las mismas entrañas de la actualidad y por lo tanto idéntica y propia a ésta. No sorprende, pues, que el espectáculo estrenado en La Villarroel el pasado 1 de octubre derrame actualidad desbordando el recipiente teatral que lo contiene.

L’any que ve serà millor está escrita por cuatro mujeres, Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias y Victòria Szpunberg; está dirigida por una mujer, Mercè Vila Godoy y está interpretada por cuatro actrices: Neus Bernaus, Alba Florejachs, Mireia Pàmies y Vanessa Segura. Con lo indicado en este párrafo podremos intuir que la obra tiene un primordial carácter femenino, que queda de manifiesto desde el primer minuto de la representación…

La obra no posee una trama continua, sino que nos muestra toda una serie de escenas más o menos cortas cuyo único vínculo entre ellas son los personajes y las actrices que las interpretan. Estas escenas nos revelan las coordenadas sociales, económicas y emocionales del mundo en el que vivimos, al menos aquellas experimentadas por sus jóvenes personajes, esto es, la fragilidad económica, la interinidad emocional, la precariedad laboral, o las imposiciones de la moda y del consumismo de una generación “perdida” que aunque llega a su edad madura con las mejores condiciones educativas y formativas de la historia, se ve reducida a una realidad privativa ya sea en sus aspectos laborales, económicos, emocionales o estructurales.

L’any que ve serà millor es un reflejo de la actualidad que vemos día a día a través de la televisión. Es, también, una reflexión desenfadada y en clave de comedia sobre la sociedad occidental actual, y más concretamente de la catalana, que pretende hacernos pensar acerca del modelo de sociedad que compartimos y que, ahora más que nunca, sufrimos todos.

Como ya he indicado anteriormente la obra se organiza en sketches que fluyen uno detrás de otro, delimitados tan solo por el entrar, el salir y el actuar de las actrices protagonistas, mostrándonos así, con su propia estructuración, el egoísmo, el aislamiento y la desesperación de las personas en una época que, aunque desarrolla multitud de herramientas de comunicación e información, a veces hasta la extenuación más desmotivadora y frustrante, no fomenta la transmisión de lo más privado y personal que uno lleva dentro.

Vale la pena indicar que este estilo narrativo, la estructuración en escenas o sketches de la representación, se está imponiendo cada vez más a la hora de dar forma a un espectáculo teatral. En este sentido solo hace falta que recordemos Días estupendos y Coses que deiem avui, dos ejemplos de la propia Villarroel; Delicades representada en el teatro Poliorama y la reciente Llum de Guardia estrenada en el teatro Romea. Una forma teatral, como les decía antes, cada vez más común.

Las cuatro artífices de la obra (Buchaca, López, Sarrias y Szpunberg) demuestran una aguda capacidad de observación y de reflexión sobre los tiempos en los que vivimos y cómo estos se psicosomatizan en las vidas de las mujeres sobre las que escriben. Una suma de aciertos que hacen de la obra un producto variado y englobador. Creo que todas (y todos), al menos aquellos que tengamos una edad entre los 25 y los 45 años, nos veremos reflejados en alguno de los gags que nos muestra la obra, y esto es una prueba de su «puntería» teatral.

En el apartado de la interpretación volvemos, como en el caso de las obras citadas anteriormente, a una actuación coral en la que, solas o acompañadas, las actrices irán apareciendo en el escenario al ritmo de las escenas que interpretan. Unas actuaciones, las suyas, cargadas con un potente sentido del humor que propiciará las carcajadas en el patio de butacas. Neus Bernaus, Alba Florejachs, Mireia Pàmies y Vanessa Segura les harán reír, y les harán reír mucho, interpretando un variado registro de caracteres que abarcan a tipos muy diferentes de mujeres y de situaciones, aunque todas ellas marcadas por el individualismo feroz, la precariedad y el fomento de la competitividad a la que nos obligan cada vez más los tiempos en los que vivimos. Aún así, cabe destacar, la interpretación de Alba Florejachs que se apropia de gran parte de las risas y de los plausos del público. Toda una joya a tener en cuenta como actriz de comedia.

Espero, pues, haberles convencido con lo que les he escrito y si no es así aquí va mi último intento: si quieren disfrutar de una buena sesión de teatro (de comedia) a la vez que reflexionar sobre el mundo en el que nos ha tocado vivir, sobre todo si son jóvenes entre 25 y 45 años de edad (aunque la obra está abierta a todos los públicos), no sé que hacen desperdiciando el tiempo leyendo esta reseña en vez de adquirir entradas para ir a ver L’any que ve serà millor. Y si no ya me dirán…

“L’any que ve serà millor” se representa en La Villarroel del 30 de septiembre al 27 de noviembre de 2011.

Autoras: Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias y Victòria Szpunberg
Dirección: Mercè Vila Godoy
Reparto: Neus Bernaus, Alba Florejachs, Mireia Pàmies y Vanessa Segura
Escenografía: Álex Aviñoa y Laura García
Vestuario: Laura García
Iluminación: Álex Aviñoa
Espacio Sonoro: Lucas Ariel Vallejos
Producción: La Villarroel

Horarios: de a jueves a las 21:00 horas; viernes a las 21:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas.
Precio: de 22 a 26 €
Idioma: catalán y castellano
Duración de la obra: 90 minutos.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: El sopar dels idiotes, en el teatro Apolo.

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El pasado 14 de septiembre inició sus representaciones en el teatro Apolo la nueva versión de El sopar dels idiotes, dirigida por Juan José Afonso, versionada por Josema Yuste e interpretada por David Fernández, Edu Soto y Santi Ibáñez.

Una comedia de enredos “de idiotas” que ya se representó en Barcelona en el año 2002 en el teatro Condal, con una versión dirigida por Paco Mir e interpretada por  Alex Brendemühl, Carlos Heredia, Cati Solivellas y Enric Ases y que nos narra las enojosas consecuencias que pueden causar la vanidad y la arrogancia de aquellos que por su situación social, económica o cultural se consideran más que los otros.

La obra nos presenta en esta ocasión a Edu Soto, un engreído y exitoso editor que organiza semanalmente con sus amigos esnobs una cena a la que son invitados algunos especímenes del género idiota, que amenizan la velada con sus estupideces, en algunos casos supina. Nuestro editor ha convocado a su “candidato a idiota” en su propia casa antes de ir al lugar de la cena, pero la lumbalgia le impide asistir al esperado evento. Este percance de última hora no le permite avisar a su candidato antes de que éste salga de su casa, por lo que el encuentro entre ambos será inevitable. Y es aquí donde comenzarán todos los problemas para Edu Soto, o lo que es lo mismo, dará inicio un recital de idioteces y gansadas que llegarán a afectar, incluso, a la vida personal del anfitrión.

Edu Soto y David Fernández han hallado una obra que les va como anillo al dedo y que les permite reinterpretar todo el registro de gags que les hicieron famosos a las órdenes del televisivo Andreu Buenafuente. Bueno puntualicemos un poquito esto ya que no es del todo cierto. En El sopar dels idiotes Edu Soto encarna el personaje más serio y formal, el del engreído editor, mientras que David Fernández vuelve a interpretar un tipo de personaje al que nos tiene acostumbrados (Gilipolles, Chiquilicuatre…) y en el que el actor se siente mucho más que cómodo.

El encuentro entre el editor y su candidato a idiota comportará toda una serie de equívocos y traspiés que llevarán a la obra y al público a una espiral de risas y de sonoras carcajadas que irán “in crescendo” a lo largo de la representación y que es, sin duda alguna, el mejor activo de la obra. Posiblemente no se pueden cometer (dentro de la ficción de la representación, claro está) más errores y estupideces de las que nos muestra la obra, en la que se colgarán el broche de oro David Fernández y su compañero de trabajo en la delegación de Hacienda, apellidado Fernández, interpretado por Santi Ibáñez.

Por tanto, y como pueden llegar a esperar, las interpretaciones tienen un carácter muy humorístico, algo indispensable en este tipo de comedia y muy propio de sus intérpretes. El sopar dels idiotes es un vodevil actualizado repleto de idiotismo, insensibilidad, esnobismo y estupidez humana (que de ésta hay mucha, tanto dentro como fuera de la representación) e incluso de frikismo (espectaculares las continuas referencias a las maquetas de grandes monumentos construidas por el idiota y los nombres o títulos que éste les pone), regado en su trama final por unos gramos de moralina que nos harán reflexionar sobre quién es verdaderamente más idiota, el que se lo hace o el que cree que no lo es.

Teniendo todo esto en cuenta ya saben cual es el plato que les espera en este menú de idiotas: una comedia sobre idiotas (que no de idiotas) que parece haber sido hecha para el lucimiento de sus dos actores principales, Edu Soto y David Fernández, que, si eso es lo que buscan, no les defraudará.

“El sopar dels idiotes” se representa en el Teatre Apolo desde el 14 de septiembre de 2011.

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Autor: Francis Veber
Dirección: Juan José Afonso
Versión: Josema Yuste
Traducción: Gerard Florejachs
Reparto: Edu Soto, David Fernández, Santi Ibañez, David Ramírez, Claudia Cos y Anna Gras-Carreño
Escenografía: Ana Garay
Iluminación: Carlos Alzueta
Música: Marc Álvarez
Producción: Nearco Producciones, Olympia Metropolitana y Cobre Producciones

Horarios: miércoles y viernes a las 21:00 horas; jueves a las 18:00 y a las 21:00 horas; sábados a las 18:30 y a las 21:30 y domingos a las 18:30 horas.
Precio: de 18 a 27 €

Idioma: catalán
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: Escándalo en Palacio, en el teatro Arteria Paral·lel Barcelona.

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Pedro Ruiz regresa a Barcelona con Escándalo en palacio, espectáculo que se representará en el teatro Arteria Paral·lel del 19 de octubre al 1 de noviembre, un repaso en clave de comedia a la actual situación de crisis política y económica mundial.

El inicio de la trama es tan claro como sencillo. Un canal de televisión emite, varios años después de captadas, las imágenes robadas de Bernard Mathieu (Pedro Ruiz), presidente del gobierno de un país desconocido pero en el ámbito europeo (extrañamente identificable con Francia) y de su primera dama, Paola d’Angio (Laura Bascuñana), una joven y atractiva exmodelo, en pleno affaire sexual en los lavabos durante una recepción oficial. Una indiscreción con una mayor repercusión ya que el escarceo amoroso se produjo cuando el presidente aún estaba casado con su anterior esposa. El resto de la trama, es decir, toda, se desarrolla durante la larga, interesante e instructiva conversación que mantiene la pareja presidencial en la que analizan el porqué de la aparición de las imágenes y como reaccionar ante ellas.

Es aquí donde hace acto de presencia la sátira política a la que, desde siempre, nos tiene acostumbrado Pedro Ruiz. Toda la hipocresía, corrupción, juego de poderes y asesinatos políticos, en resumen, la alcantarilla del poder, se desgrana a través del texto de la obra escrita, dirigida e interpretada por Pedro Ruiz. Con su ya conocida capacidad de observación e inspiración crítica veremos como la pareja presidencial (curiosamente parecida a la formada por Sarkozy y Bruni) analiza la situación en sus variables políticas y responden ante ella. El presidente con una anticipación y una lucidez dignas de un estratega y la primera dama desde un punto de vista mucho más social y emocional. Es en este espacio entre ambas visiones y concepciones de la vida y de la política donde Pedro Ruiz nos ofrece su visión desapasionada y decepcionada del juego político, que en muchas ocasiones nos parece más digno de organizaciones mafiosas que de políticos dignos de ese nombre.

Todo el discurso y la ironía de Ruiz se contextualizan con la actualidad informativa más reciente y mediática. En un momento en que no puede uno abrir las páginas de un periódico ni sintonizar un canal de televisión sin verse obligado a ser testigo de lo que la democracia y los políticos hacen y deshacen en relación a la vida de sus conciudadanos (o, y por qué no súbditos). El Caso Gürtel; la Operación Pretoria; los concienzudos robos consagrados y perpetrados por el sr. Millet y sus compinches en el Palau de la Música que, no olvidemos, parece que pueden manchar el buen nombre de algunos partidos políticos catalanes; corrupción; Marbella, y un largo etcétera.

A través de la conversación entre Pedro Ruiz y Laura Bascuñana a uno se le vienen a la cabeza todos estos nombres, e incluso más,  y sobre todo los programas de crítica satírica que dirigió Pedro Ruiz en televisión durante los años 80 y 90  y que de una forma descarnada y realista analizaban la actualidad del momento.

Es así Escándalo en palacio, un monólogo dialogado entre Pedro Ruiz y Pedro Ruiz y Laura Bascuñana, en el cual irá apareciendo la trastienda política que el decoro y las formas (que no la educación política) solo nos permiten ver muy de tanto en tanto.

Como el propio Pedro Ruiz comenta, la obra es un buen pretexto para pasárselo bien durante un rato, para después, y pensándolo cada uno para sí mismo, iniciar una reflexión sobre lo que hemos visto y sobre la política y los hacedores de política, poniendo a cada uno no en el lugar donde se merece sino en el sitio donde ellos mismos se arrastran a veces.

Una vez bajado el telón nos damos cuenta que, al fin y al cabo, la historia y los personajes de Escándalo en palacio, no son reales. Lo que falta aún por saber es si los políticos de verdad son, en definitiva, mejores o peores… apuesten por lo peor!!!

«Escándalo en palacio» se representará  en el Arteria Paral·lel del 19 de octubre al 1 de noviembre de 2011.

Autor y director: Pedro Ruiz
Reparto: Pedro Ruiz y Laura Bascuñana
Música, direcciones y producción sonora: Luis Cobos
Audiovisuales: El Mundo TV
Escenografía: Bambalinas y Telones
Estilismo: Lluís Llongueras
Técnico de luz y sonido: José Ramón Cupeiro
Vestuario: Pedro del Hierro
Producción: Peruce S.A.

Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 21:30 horas y domingo a las 19:00 horas
Lunes 31 de Octubre a las 21:00 horas
Lunes 1 de Noviembre a las 19:00 horas
Precio: de 14,25 a 31,5 €

Idioma: castellano
Duración de la obra: 1 hora y 45 minutos

Historia

Seminario: relaciones histórico-geográficas-artísticas de España con el Norte de África. AEPHG.

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La Asociación Española del profesorado de Historia y Geografía organiza un seminario sobre las relaciones histórico-geográficas-artísticas de España con el Norte de África, programado durante 5 sábados de los meses de octubre, noviembre y diciembre del 2011.

RELACIONES HISTÓRICO-GEOGRÁFICO-ARTÍSTICAS DE ESPAÑA CON EL NORTE DE ÁFRICA

Seminario de 15 horas (1,5 créditos ) reconocido por Ministerio de Educación.

Objetivos de la actividad:
1. Conocer las relaciones históricas geográficas de España y el Norte de África.
2. Entrar en contacto con profesores de Melilla para intercambiar conocimientos y experiencias.
3. Profundizar en el estudio del arte del Norte de África y sus principales manifestaciones artísticas.
4. Relaciones sociales Melilla-Norte de África: Estereotipos

CONTENIDOS Y TEMPORALIZACIÓN:

DÍA TEMA PONENTE-COORDINADOR
15 Octubre 2011 África versus EuropaProyección de la películaLa batalla de Argelde G. Pontecorbo.Narra la lucha de Argelia para independizarse de Francia Sebastián BettosiniProf. E. Secundaria
22 Octubre 2011 Marco geográfico-cultural del Magreb Iván MartínInvestigador ICEI, UCM.
12 Noviembre 2011 Historias compartidas: Norte de África y España Feliciano Páez CaminoCatedrático Secundaria.
19 Noviembre 2011 Melilla entre la cultura africana y la europea Ramón Gutiérrez López Sociedad de Estudios Melillenses
2 Diciembre 2011 Europa versus África: SociedadProyección de la películaLa banderade Julien BuvivierTras matar a un hombre en París, Pierre Gilieth huye a Barcelona, donde se alista en la legión extranjera española. Una vez en África participará en combates en el desierto, se enamora de una chica de Marruecos, Aischa, y conoce a dos compatriotas, Mulot y Lucas, una amistad que puede no ser tan desinteresada… Miguel Ángel PastorProf. E. Secundaria


HORARIO: 5 sábados señalados de 10:30 a 13:30 horas.
LUGAR: CEIP. Antonio Moreno Rosales
C/ Olmo nº 4 Madrid. Metro Lavapiés o Tirso de Molina

Coordinador del seminario: Juan Brotat. Vocal formación AEPHG

¡¡¡ ESTÁIS TODOS INVITADOS !!!

Más información de las actividades de la Asociación española del profesorado de Historia y Geografía: www.aephg.es

Teatro

Crítica teatral: Planeta ESO, en el Versus Teatre.

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¿Cuál es la situación de la educación en Cataluña? ¿Cómo aprenden los jóvenes catalanes? ¿Qué es lo que les mueve, lo que les interesa? El Versus Teatre estrenó a finales del mes de agosto Planeta ESO, una obra que  pretende realizar un retrato de la situación educativa y generacional de los institutos catalanes basada en la obra del mismo título publicada en la editorial Plaza & Janés en el año 2003.

Como ya sabemos el teatro desde hace tiempo ha dejado de ser tan solo un lugar donde asistir a la representación de clásicos teatrales o hilarantes comedias de enredo y ha pasado a convertirse, cada vez más, en un espacio y una herramienta de análisis y crítica de la sociedad, la política y la economía actuales (o por lo menos actuales en el momento del estreno de la obra). Planeta ESO incorpora, sin embargo, ingredientes de diferentes géneros de teatro para presentarnos lo que pretende ser un retrato robot de la comunidad educativa y de la población estudiantil catalana.

Un retrato robot que nos hacen llegar Assumpció Ortet y Meritxell Ané dirigidas por Joan Gallart en clave de comedia, a veces crítica y a veces indulgente, de una de las problemáticas que más caracterizan no tan solo a los estudiantes catalanes sino también al modelo de sociedad que intentamos legar al futuro.

Como ya sabemos el trabajo de los profesores de secundaria es uno de los más arriesgados y agotadores que existen en la actualidad. Los profesores no solo tienen la obligación de formar a los alumnos en las diferentes ramas del conocimiento humano sino que, además, y como si esto fuera poco, han de luchar por asentar en las mentes semi-huecas de manadas de jóvenes desinteresados en cuestiones que no tengan relación con los éxitos televisivos, musicales, del mundo del videojuego y de la telefonía móvil, unos mínimos asientos éticos de comportamiento en unas edades que todos sabemos que son difíciles debido a la magra capacidad de atención de unos chicos y chicas que tienden a pensar más en sus necesidades e intereses personales inmediatos, al tiempo que descubren nuevas aplicaciones corporales (si es que no se han descubierto antes) que hacen que los miembros del sexo contrario comiencen a generar un gran interés que no se abandonará nunca.

Pues bien, y perdonen esta larga digresión que no sé a lo que venía, de todo esto trata Planeta ESO a través del “duólogo” interpretado por Ortet y Ané, que nos hará conocer de primera mano y sonreírnos con los comportamientos de los jóvenes estudiantes y con los analíticos e irónicos comentarios de dos supuestas profesionales de la educación.

La capacidad de expresión de los alumnos materializada en sus respuestas a algunas de las preguntas “de examen”; el descubrimiento de las artes y las gracias de sus cuerpos en plena ebullición hormonal descontrolada; la relación que se establece entre los propios estudiantes y entre ellos y sus profesores macerada, claro está, por un sentido del humor apto para todos los públicos; las con-vivencias en los viajes de fin de curso… A todo esto se suma el incomprendido papel de los padres, copartícipes en la educación de los jóvenes, al menos en sus vertientes más “comportamentales” que, en la mayoría de los casos o bien sobrestiman las capacidades de sus hijos (y por lo tanto subestiman el papel del profesor) o interfieren negativamente en una educación sana y de futuro para sus retoños.

Como les decía, todo esto es lo que veremos en Planeta ESO presentado en un menú de comedia soft, con dos ingredientes básicos: Assumpció Ortet y Meritxell Ané, las dos únicas actrices de la obra, que tanto interpretan a las profesoras (de ESO) que nos narran sus tragicómicas anécdotas profesionales, o dan voz a los inexpertos y atormentados alumnos ante los que se abre una vida de infinitas posibilidades y riesgos.

Planeta ESO pretende, así, ser una fiel adaptación del libro del que toma su nombre y un ejercicio de humor estudiantil, que se basa en la interpretación de las dos protagonistas femeninas. La representación opta, sin embargo, por una versión soft y esponjosa del tema que deja de banda los pespuntes más dramáticos de la actual situación educativa catalana (y española por extensión), aspirando a ser un producto digerible por el amplio público, objetivo que consigue como demuestra la prórroga del espectáculo en el escenario del Versus Teatre hasta el próximo 6 de noviembre.

Así, pues, ya saben, si quieren pasar un buen rato conociendo de primera mano o simplemente recordando aquellas anécdotas que todos, de una forma u otra, hemos vivido en nuestra etapa estudiantil, no deben de dejar escapar Planeta ESO, un ejercicio teatral en clave de humor que nos habla de la educación, de nuestros hijos, de los padres y de una sociedad que, en medio de una gran crisis económica, política y social no sabe que hacer casi con nada y menos con la educación pública universal, una de las claves de un futuro prometedor.

“Planeta ESO” se representa en el Versus Teatre del 26 de agosto al 6 de noviembre de 2011.

Autores: Empar Fernández y Judit Pujadó
Dirección: Joan Gallart
Reparto: Assumpció Ortet y Meritxell Ané
Compañía: AGM Produccions

Horarios: de jueves a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas.de dijous a dissabte a les 19:00 hores i diumenge a les 18:00 hores.
Precio: 16 €
Idioma: catalán
Duració de la obra: 1 hora.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: Un fantasma a casa, en el teatro Borràs.

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Un fantasma a casa parte del clásico británico Blithe Spirit de Noël Coward del lejano año 1941. La obra fue un éxito. Se llevó al cine en 1945 y hasta cuenta con una versión musical. En España se represento en los años 1982 y 1997 con el título de Un espíritu burlón. Ahora de la mano Antonio Calvo y adaptada por Marc Rosich vuelve con nuevos bríos bajo el titulo de Un fantasma a casa.

Breve sinopsis: Un guionista contrata los servicios de una médium de un programa televisivo nocturno de llamadas para coger ideas para un nuevo guión. En la sesión estarán su propia hermana, su mujer y un doctor amigo suyo. Lo que en principio parece una velada de diversión escéptica a costa de la médium acabará trayendo de vuelta fantasmas del pasado.

“Un fantasma a casa” es un vodevil con pocas puertas pero constantes idas y venidas de los personajes por el magnífico escenario. La veterana Mercè Comes sigue demostrando que es una actriz dotada para la comedia como pocas y borda la parodia de esta espiritista Madame Arcati. Es imposible olvidar su papel de yaya Sumsión en la serie Plats Bruts o en Teresina S.A. Algo tan simple como ir en bicicleta en sus manos ya es humor. Carles Martínez interpreta al marido escéptico y es el otro peso pesado de la obra. Llena el escenario con su aire británico y pulcro que acaba desbordado por las extrañas circunstancias. Su actual mujer Ruth (Alicia González Laa) interpreta con gracia los ataques de histeria y enfado que se desatan por la inesperada presencia. Pocas entradas son más espectaculares que la que hace Elvira (Gretel Stuyck) en su primera aparición fantasmal luciendo unos encantos nada fantasmales. Su pose y presencia es a lo femme fatale de Sin City. Ella es divertida e impulsiva, todo lo contrario que la actual mujer de Carles. Completan el reparto el doctor Garriga al que da vida Pep Sais que siempre queda de perfecto teatro en todos sus papeles y la extraña y acelerada hermana de Carles, Edith (Miriam Alamany). Ellos también aportan su cuota de risas.

La obra nos provocará risas pero esta muy lejos del ritmo trepidante de su predecesora en el Teatro Borras: Pel devant y pel darrera. “Un Fantasma a casa” adolece de bastantes altibajos al faltarle más humor. Hay pasajes que se hacen un poco largos o repetitivos y no consiguen hacer reír.

La mayor baza de la función es la mezcla sabia y cómica de los dos idiomas, catalán y castellano por parte de los monólogos y el habla de Madame Arcati. El bilingüismo en las conversaciones es constante y se acentúa ya que una esposa es catalana y la otra castellana lo que provocara buenos momentos. Los equívocos y sobresaltos en las conversaciones a tres bandas con fantasma incluido generarán mucho humor.

Como es habitual de un tiempo a esta parte en el escenario se integra lo audiovisual. En esta obra se lleva a la práctica con el programa nocturno de televisión con buen resultado. Es digno de mención el único decorado que representa el comedor de una casa repleto de libros.

El folleto que presenta la obra tiene su gracia con la sexy ilustración comiquera de Keko, seudónimo de José Antonio Godoy. Este guionista y dibujante obtuvo el premio a la mejor obra del 2002 en el Salón del cómic de Barcelona con “4 botas” .Lo normal en estos trípticos informativos es poner un foto descriptiva sobre el espectáculo y aplaudo estas inusuales iniciativas al utilizar un dibujo promocional.


Sesiones de espiritismo de “pa sucat amb oli”, el escepticismo de unos, los celos de dos mujeres por su amor, el marido dividido entre las dos, son algunas de las situaciones jocosas que disfrutaremos, “Un sexto sentido” pero del humor.

“Un fantasma a casa” se representará en el Teatre Borràsdel 22 de septiembre al 11 de diciembre de 2011.

Autor: Nöel Coward
Adaptación: Marc Rosich
Dirección: Antonio Calvo
Reparto: Mercè Comes, Carles Martinez, Alicia Gonzalez Laá, Gretel Stuyck, Pep Sais y Miriam Alamany
Escenografía: Montse Amenós
Iluminación: Carles Borràs
Vestuario: Mercè Paloma
Caracterización: Toni Santos
Espacio sonoro: Joan Vives
Producción: ANEXA

Horarios: de martes a viernes a las 21:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:30 horas y el domingo a las 18:00 horas.
Precio: de martes a jueves, de 20 a 24 € y de viernes a domingo, de 24 a 29 €.
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Escrito por: Taradete