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Crítica teatral: La Gran Duquessa de Gerolstein, en el Teatre Gaudí.

TEATRE_BARCELONA_La_gran_duquesa_de_GerolsteinEl Teatre Gaudí nos sorprende este mes de enero con la programación de La Gran Duquessa de Gerolstein, una opereta antimilitarista de Jaques Offenbach adaptada por primera la vez al catalán por la compañía Bratislava en un espectáculo de pequeño formato dirigido por Víctor Álvaro e interpretado por Anna Arena, Laura Pau, Mònica Portillo y Albert Ruiz.

Tras el éxito del año pasado con el estreno de una impactante y entusiasta versión de The Wild Party de Andrew Lippa, el Gaudí apuesta este año de nuevo por el teatro musical, en este caso por la opéra bouffe u opereta cómica, con la programación de La Gran Duquessa de Gerolstein, una de las obras menos conocidas de Jaques Offenbach, el autor más representativo del género.

La opereta nos traslada a una época no del todo definida en la que la malcriada y tirana duquesa de Gerolstein está aburrida, hecho que la obliga a entretenerse declarando la guerra en el exterior y haciéndole la vida imposible a la corte y a su ejército en el interior. Durante una revista a sus tropas, la gran duquesa se enamora perdidamente del hermoso y viril soldado Fritz, al que asciende rápidamente, incluso por encima de su superior el general Bum. Los voluptuosos deseos de la duquesa, que menosprecia desde hace seis meses a su prometido oficial, el afeminado príncipe Pol, generará una conmoción en Gerolstein en la que se mezclarán el autoritario ambiente castrense, las intrigas de corte y los inesperados derroteros que tomarán los caprichos de la hastiada duquesa.

La joven compañía Bratislava nos propone un divertimento musical que adopta la forma de una crítica al militarismo sin sentido y al poder político en el que el humor está muy presente. El espectáculo, de pequeño formato, adapta la obra de Offenbach con un gusto irreverente y con muchos toques que la actualizan. La propuesta opta por una inversión de los roles sexuales por la cual el chico hace de chica (de duquesa) y las chicas hacen de chicos, lo que provee al espectáculo de un mayor grado de humor y obliga a sus intérpretes a realizar un tour de force para estar a la altura de los requerimientos de la representación, esto es, el movimiento constante de los actores y actrices sobre el escenario, la caracterización cómica de los mismos y su intrepidez a la hora de interpretar y/o cantar cada una de las canciones que componen el libreto de la obra.

DdG-9571La dirección de Víctor Álvaro es inteligente y potencia todos estos elementos, lo que se traduce en una actuación global ingeniosamente cómica que incorpora un importante grado de caracterización del teatro infantil. Un acierto acompañado por una puesta en escena sencilla y un vestuario que fomenta una visión infantiloide de la política que se cocina en palacio. Los arreglos y la interpretación musical del espectáculo están a cargo de Ferran Martínez Palou, cuyo empeño está acompañado en parte, también, por las aptitudes musicales de los intérpretes que tocan el flautín, el tamborí, el trombón o el violín, proveyendo a la obra de una sencillez musical muy acorde con la inocencia de la puesta en escena.

La obra, así pues, se configura como una opereta cómica en la que temas tan notables como el militarismo, la guerra y el poder tiránico e inmoral se tratan como un cuento musicado en el que los actores caricaturizan a sus personajes como mofa a los intereses que representan.

La interpretación de la obra es de carácter coral y múltiple. Coral porque todos los actores contribuyen en un mismo grado a dar forma a la obra y múltiple porque la mayoría de ellos dan vida a diversos personajes. De esta forma el único chico, Albert Ruiz, encarna a una encantadora gran duquesa sargentona e infantil que obliga al resto de los personajes a bailar al son de sus apetitos más íntimos; Anna Arena interpreta al soldado Fritz y al Barón Grog ofreciéndoles una apuesta presencia y un chorro de voz que destaca en diversas ocasiones por encima de la del resto de los actores; Laura Pau que da vida al afeminado y rechazado Príncep Pol y al atribulado tutor Nepomuc; y por último Mònica Portillo interpreta al enfurecido e intransigente General Bum. Todos ellos proveen a la obra de una candidez y una ingenuidad al relatar las andanzas de los personajes durante la representación que deja en el espectador un muy buen sabor de boca.

En definitiva, la compañía Bratislava se apunta una medalla con la producción y el estreno de La Gran Duquessa de Gerolstein, no solo por dejarnos gozar de una de las obras no tan conocidas de Offenbach, sino por el buen hacer a la hora de presentarnos una cautivadora trama que apela a la consciencia para explicarnos cosas muy importantes a través de la música y de la sencillez casi infantil de su puesta en escena.

«La Gran Duquessa de Gerolstein» se representa en el Teatre Gaudí del 17 de enero al 16 de marzo de 2014.

Autores: Jaques Offenbach, Henri Meilhac y Ludovic Halévy
Traducción y adaptación: Companyia Bratislava
Dirección general: Víctor Álvaro
Dirección musical: Ferran Martínez i Palou
Reparto: Anna Arena, Laura Pau, Mònica Portillo y Albert Ruiz
Coreografía: Jordi Ribot Thunnissen
Escenografía: Companyia Bratislava
Vestuario: Companyia Bratislava
Técnico luces y sonido: Sergi Coch

Horarios: de jueves a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 20:00 horas.
Precio: 20 €
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 25 minutos
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Jorge Pisa Sánchez

«Resistencia 36». Victoria, represión y mujeres, en la Sala Teatro El Montacargas.

Resistencia 36.- CartelCulturalia os propone hoy una recomendación teatral para esta semana.

La compañía Todo el mundo lo hace representa los días 16, 23 y 30 de enero en la Sala Teatro El Montacargas “Resistencia 36”, una pieza de teatro breve, escrita y dirigida por Ramón Paso e interpretada por Ana Azorín, Laura García-Marín, Guillermo López-Acosta y Eva Chocrón. En ella, se habla de la terrible represión que sufrió la izquierda española, principalmente las mujeres, por parte de los golpistas durante la Guerra Civil Española. Torturas, asesinatos, violaciones, robos, injusticias… que, a día de hoy, siguen impunes.

La obra cuenta con el apoyo de varias asociaciones de Memoria Histórica y, de momento, ha tenido una muy buena acogida

Resistencia 36” se representa los días 16, 23 y 30 de enero en la Sala Teatro El Montacargas (C/Antillón 19, 28011 Madrid), a las 20.30 y 21:30 horas.

Precio de entrada: 5€

Reserva de entradas en sala: 91 526 11 73 / elmontacargas@yahoo.es

Crítica cinematográfica: Hércules, El origen de la leyenda, de Renny Harlin.

Hercules_posterEste 2014 se presenta, al menos en sus inicios, como una año de estrenos de películas históricas y péplums. En el horizonte de las pantallas cinematográficas se atisba la llegada de films como 300, el origen de un imperio (Noam Murro, marzo 2014), la secuela de la exitosa 300; Pompeya (Paul W.S. Anderson, abril 2014) y sin una fecha concreta aún se prevé la llegada de películas como Noé (Darren Aronofsky) con Russell Crowe dando vida al patriarca de la Biblia o Hércules (Hercules: The Thracian Wars, Brett Ratner) basada en la novela gráfica de Radical Studio del mismo título. Como avanzadilla a este menú de cine histórico el próximo 24 de enero se estrena Hércules, El origen de la leyenda, film de aventuras épicas dirigido por Renny Harlin e interpretado por Kellan Lutz, Gaia Weiss, Scott Adkins y Roxanne McKee.

«En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo Anfitrión, la reina Alcmena dirige sus súplicas hacia los dioses. Fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses. El príncipe, sin embargo, no sabe nada sobre su identidad y su destino. Él desea sólo una cosa: el amor de Hebe, la princesa de Creta, que ha sido prometida a su hermano Ificles. Cuando Hércules descubre su identidad y su auténtico destino, debe elegir: huir de él con su verdadero amor o cumplir su destino y convertirse en el verdadero héroe de su tiempo».

Millenium nos propone un péplum histórico que nos narra la historia del hombre que hay detrás de Hércules, un punto de vista muy vigente en las aproximaciones que se realizan en la actualidad a los grandes personajes de la historia y de la mítica. El film nos presenta pues la juventud del héroe pero desde una perspectiva pretendidamente más histórica, más humana, para llevarnos al momento en el que el verdadero héroe se ha de hacer a sí mismo, descubrir su destino y aceptarlo.

hercules-hp-1Para ello la película adapta «a su manera» el legado mítico y literario del personaje para construir un argumento atrayente para las audiencias jóvenes actuales, acostumbradas a los grandes filmes de acción y a los personajes que se construyen a sí mismo luchando contra todas las adversidades, un sino del mundo moderno en el que vivimos. Por eso no cabe esperar ningún o muy poco parecido entre el Hércules de la mitología griega y el Hércules que aparece en la película. Este es el primer aviso, y uno de los importantes.

Si la película contiene unos 30 minutos iniciales que se podrían considerar algo más fidedignos y correctos, que coinciden con la presentación del contexto y de los personajes principales, a partir del minuto 31 observamos como el film adopta estilos ya desarrollados por películas como Gladiator o 300. Del primero Hércules, El origen de la leyenda adopta la estructura de la trama, esto es, el arduo itinerario por el que ha de transitar el héroe: un ambiente familiar negativo; el desprecio de su padre en favor de su hermano Ificles; la caída en desgracia del héroe, y su calvario que incluye la participación en espectáculos de lucha grecorromana y gladiatoriales (algo que no existió en época griega micénica, en la que está ambientada el film, sino mucho más tarde), o la rivalidad y lucha con su propio hermano.

Por lo que respecta a 300 el film adapta su estilo a la hora de mostrarnos el ambiente antiguo y las batallas, dándonos además una visión fantasiosa de la historia. Un estilo «marca 300» que en la actualidad parece que se impone en la mayoría de las películas y series ambientadas en la antigüedad como ya pudimos ver en Espartaco, o en los films Furia de titanes (Louis Leterrier, 2010) o Immortals (Tarsem Singh, 2011).

El film intenta, además, darle a Hércules un barniz de héroe salvador, defensor de los pobres y de los desahuciados (algo que nos puede hacer recordar al personaje de Robin Hood) que en ningún caso poseyó en la literatura mítica griega. De nuevo el cine se olvida de que los héroes y los dioses de la antigüedad, sobre todo estos últimos, «pasaban» bastante de la existencia de los humanos y se convertían, las más de las veces, en fuente de disgustos y de preocupaciones para ellos. Aún así el argumento nos muestra una versión más moderna y actualizada mostrándonos a Hércules como un rebelde contra la tiranía ejercida por su padre Anfitrión y su hermano Ificles.

Por lo que se refiere al guión la película no muestra un trabajo demasiado original por lo que se convierte en una propuesta que no aporta nada nuevo al género. La historia es correcta pero muy predecible, y se centra en la visión del hombre que hay detrás del héroe, saltándose para ello cualquier convencionalismo que existiera previamente. Aún así, y si aceptamos este hecho, se puede considerar una película para pasar el rato.

Hércules, El origen de la leyenda está dirigida por Renny Harlin, un director con una larga trayectoria con altibajos que incluye en su hacer películas y éxitos como Máximo riesgo (1993); La isla de las cabezas cortadas (1995), Memoria letal (1996), Deep Blue Sea (1999), e incluso una entrega de la serie Pesadilla en Elm Street (Pesadilla en Elm Street 4, 1988). Harlin posee, además, algo de experiencia en el ámbito del cine para jóvenes ya que dirigió la película La alianza del mal (2006), cinta que se adelantaba a la moda de los filmes tipo Crepúsculo o las series como Crónicas vampíricas o True Blood.

gal4056_8Los protagonistas principales de la historia son Kellan Lutz que interpreta a Hércules, actor que ya participó en films como Immortals o en la misma saga Crepúsculo y que lleva a cabo una interpretación poco más que correcta y basada en su corporalidad física; Gaia Weiss, que da vida a la bella y valiente princesa Hebe de Creta; Scott Adkins, especialista en cine de acción, en interpretar a «malos malosos» y que nos provee aquí, seguramente, con su encarnación del rey Anfitrión, de la interpretación de más carácter del film; Roxanne McKee que da vida a Alcmena, la madre de Hércules; Liam Garrigan que interpreta a un Ificles que adopta en gran medida los rasgos del Cómodo de Gladiator; Liam McIntyre y Rade Serbedzija.

La película tiene un objetivo muy preciso, y es el de ofrecer una visión 2.0 a los públicos del siglo XXI de una historia, la protagonizada por Hércules, escrita hace más de 2.500 años. El film avanza a través de la acción, la lucha de gladiadores (tanto en una especie de anfiteatro con un diseño de la arena bastante peculiar y ficticio, como, y esto no puedo evitar decirlo, en un teatro, edificio que no existió como tal hasta pasados al menos 700 años); un truncado romance entre dos jóvenes y la tiranía ejercida por el malvado rey de turno, convirtiéndose en una propuesta que no acaba de destacar por encima de otras producciones al estilo.

Aún así, seguramente, la película agradará a aquellos que no esperen ningún tipo de rigor histórico, que buscan espectacularidad en la ambientación (que la tiene y mucha, aunque sea a-histórica) y una trama donde predomine la acción y las batallas a espada, con escenas, claro está, rodadas en 3D, entre las que destacan aquella en la que el héroe lucha armado con dos enormes cadenas con las que estaba sujeto y la batalla final en la que Hércules ataca con su espada magnificada por los rayos enviados por su padre Zeus.

Con la intención de ir acabando daré aquí un par de datos más. El film se ha rodado con un presupuesto de unos 70 millones de dólares. Hasta ahora lleva recaudados 12.675.651 dólares (obteniendo 8.868.318 dólares durante el fin de semana de su estreno), unas cifras que no le auguran una buena recaudación en su exhibición en las pantallas del mundo. Y peor aún, la crítica no ha sido muy positiva con la película, recibiendo en el sitio web Rotten Tomatoes, un referente internacional al respecto, un triste 3% de valoración crítica.

Solo me queda decir que Hércules, El origen de la leyenda es un film para pasar el rato, sin otra pretensión que ver un film «histórico» tal y como se hacen hoy en día y disfrutar de sus ambientaciones, algunas de ellas, como la que nos muestra la que podría ser la ciudad de Micenas con su espectacular Puerta de los leones, muy bellas y otras de carácter oscuro y sombrío, que le dan al film ese toque inequívocamente «300«.

Título: Hércules: el origen de la leyenda
Título Original: The Legend of Hercules
Director: Renny Harlin
Guión: Daniel Giat, Renny Harlin, Sean Hood, Giulio Steve
Reparto: Kellan Lutz, Gaia Weiss, Scott Adkins, Roxanne McKee, Liam Garrigan, Liam McIntyre, Rade Serbedzija, Johnathon Schaech, Luke Newberry, Jukka Hilden, Kenneth Cranham, Mariah Gale, Sarai Givaty, Spencer Wilding, Bashar Rahal
Música: Tuomas Kantelinen
Fotografía: Sam McCurdy
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Fecha de Estreno: 24 de Enero de 2014
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica literaria: El Mármara en llamas, de Blas Malo, Ediciones B.

9788466650267No acostumbran los autores de novela histórica española a ambientar sus obras en ámbitos muy alejados a aquellos en los que habitan ellos mismos. Por eso la publicación de novelas como La prisionera de Roma de José Luis Corral o La boca del Nilo de León Arsenal representan un grado de variedad que agradecen todos aquellos que disfrutan de la ficción literaria ubicada en el pasado.

Este es el caso también de El Mármara en llamas de Blas Malo, novela publicada por Ediciones B ambientada en el Mediterráneo Oriental durante el asedio que sufrió la ciudad de Constantinopla en los años 717 y 718 a manos de los ejércitos musulmanes y que permite al lector realizar un recorrido de descubrimiento a través del conocimiento antiguo perdido.

Blas Malo es un autor con experiencia en el género. En el año 2010 publicó El esclavo de la Al-Hamrá. El Mármara en llamas es su segunda novela, a la que ha seguido en 2013 El señor de Castilla, todas ellas publicadas en ediciones B.

Aunque la trama de la novela comienza en la ciudad siria de Heliópolis en el año 673 d.C., la acción empieza realmente poco antes de que las tropas omeyas inicien el asedio de la capital bizantina. Allí León III el Isaúrico ha obtenido el poder tras un periodo de inestabilidad política, como el último recurso imperial para frenar el avance musulmán sobre suelo cristiano. Para ello los bizantinos cuentan, además de con sus ejércitos, con una ciudad fuertemente amurallada y con el uso del fuego griego, una arma incendiaria capaz de prender en llamas incluso en contacto con el agua, lo que provee a los cristianos de una amplia ventaja sobre todo en el mar.

Blas Malo
Blas Malo

Calínico, el inventor de esta substancia, cree descubrir a través de la lectura de un palimpsesto, que parte del conocimiento técnico y arcano que desarrollaron los sabios antiguos se ha podido salvar de la destrucción sufrida por siglos de dominación y fanatismo cristiano y es posible que esté oculto en algún lugar de Egipto. Para apoderarse de esa fuente de saber y evitar al mismo tiempo que lo hagan los musulmanes, las autoridades bizantinas envían a tierras egipcias a Casiodoro y a Irene, dos jóvenes estudiosos que intentarán hacerse con un conocimiento que puede salvar al mismo imperio bizantino de caer en manos musulmanas.

La obra de Malo contiene, así, elementos propios de la novela histórica y componentes típicos de los relatos de aventuras o de misterio histórico. Por lo que se refiere a la novela histórica el escenario no podía ser mejor. Asistimos a uno de los más feroces ataques a los que tuvo que hacer frente la capital bizantina, en un momento en el que parecía que todo estuviera en su contra: una situación política interna inestable marcada por reinados cortos y emperadores débiles y un avance musulmán imparable.

A través de las páginas escritas por Malo seremos testigos de las conspiraciones que llevaron a León III el Isaúrico al trono bizantino y presenciaremos el titánico esfuerzo bélico que realizó el imperio ante la amenaza árabe. A este respecto, y como elemento que diferencia a la novela, podemos destacar la presencia del fuego griego, una “arma química inflamable” de capital importancia militar para los bizantinos, y que ayudó sin duda a la ciudad a defenderse en los diversos asedios de los que fue víctima. Un elemento sobre el que, aunque no es demasiado conocido, gira de alguna forma la acción de la novela.

Por otro lado, y como segundo pilar argumental, la novela nos relata la búsqueda de conocimiento que protagonizan los dos jóvenes enviados a Egipto. Esta parte adopta tonos de intriga y misterio al relatarnos las aventuras que correrá el grupo de “espías” bizantinos en territorio enemigo con el objetivo de hacerse con aquellos grandes logros científicos y filosóficos que alcanzaron los antiguos, ya sea el uso rudimentario del vapor por parte de Herón de Alejandría, la construcción del misterioso mecanismo de Anticitera o los textos escritos por Hermes Trismegisto, todo un bagaje de esfuerzo y conocimiento humano el cual se perdió casi irremisiblemente en el paso de la Antigüedad a la Época Medieval.

Uso del fuego griego, según un manuscrito bizantino.
Uso del fuego griego, según un manuscrito bizantino.

Malo nos muestra en su novela un dominio de los hechos políticos que acontecieron en aquel entonces, necesarios, claro está, para ambientar su trama, pero sobre todo nos revela su admiración por los logros del pasado antiguo, los cuales aletean a lo largo de la trama con aires de reliquias sagradas. Y sorprende agradablemente ver trazado ya en el siglo VIII el espíritu en gran parte renacentista que muestran algunos de los protagonistas, que sin duda debió de existir al menos en algunos momentos y en algunos círculos sociales e intelectuales de aquella época.

En su narración el autor maneja un estilo sencillo y entretenido ya sea en su relato de la contienda bélica entre bizantinos y musulmanes y las maniobras que emplean unos y otros durante el asedio, como cuando nos narra la que se irá convirtiendo en una historia de amor que nacerá entre los dos jóvenes encargados de hallar el tesoro de conocimiento arcano en Egipto.

Una historia recomendable, pues, tanto para aquellos a los que les gusten las novelas que narran grandes acontecimientos históricos o bélicos, como a los que les agrade más la intriga y el misterio de carácter histórico, a lo que se suma una pizquita de fantasía que provee a la trama de personalidad propia. Todo ello ayudado por mapas de situación muy cuidados ubicados en sus guardas anterior y posterior; por un glosario de términos que ayudan al lector a no perderse en el desarrollo de la trama y por una breve bibliografía que si bien es de agradecer peca de poco completa y actualizada.

Título: El Mármara en llamas
Autor: Blas Malo
Editorial: Ediciones B
Nº de páginas: 528 págs.
Fecha publicación: marzo 2012
ISBN: 9788466650267
Precio:
Tapa dura / 15 x 23 cm: 21 €
Tapa blanda bolsillo: 10 €
Comprar en Amazon: El mármara en llamas
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica cinematográfica: Paranormal Activity: Los Señalados, de Christopher Landon

pos4074_1El cine comercial que se estrena en las salas de todo el mundo está cada vez más dominado por las producciones norteamericanas. De ellas la mayoría son secuelas, precuelas, remakes, reboots o spin-offs de films de éxito, algo que se centuplica en los casos de los géneros de ciencia-ficción, fantasía o terror donde el continuo estreno de este tipo de “productos franquicia” se impone normalmente al estreno de películas con argumentos originales, un hecho que sin duda va ligado al intento de caminar sobre seguro en el complicado e incierto mundo de la producción cinematográfica.

Un ejemplo de ello nos los muestra la franquicia Paranormal Activity, la cual desde el estreno de la primera entrega en el año 2007, ha conseguido generar tres secuelas oficiales más, al menos dos extraoficiales (una italiana y otra japonesa) y de la que se prevén, al menos, dos continuaciones más. Ahora sin embargo, le llega el momento al primer spin-off de la franquicia con Paranormal Activity: Los Señalados, un intento de rentabilizar y estirar un poco más la idea del mockumentary terrorífico que tan buenos resultados a dado a Paramount. La nueva entrega intenta, además, proveer de un poco más de variedad a la saga, dirigiéndose claramente al mercado latino y cambiando de ambiente, si bien el contexto en el que se mueve la trama es propiamente el de la franquicia.

PATMO_SG_002«Cuando Jesse (Andrew Jacobs) y sus amigos se disponen a comenzar sus vacaciones de verano, el barrio latino donde viven es sorprendido por el asesinato de una vecina conocida por su mal genio y hermetismo. Jesse y Héctor (Jorge Diaz) deciden visitar la casa de la difunta donde tienen una experiencia escalofriante relacionada con la magia negra. A partir de ese momento Jesse habrá sido señalado por una entidad demoníaca y con ayuda de su familia y amigos tendrá que luchar para evitar su posesión a través de aterradoras sesiones espiritistas y conjuros de santería».

La nueva apuesta de la franquicia se ha dejado en manos de Christopher Landon, guionista y director que conoce bien el producto ya que firmó los guiones de la tercera y la cuarta entrega de la serie y es además responsable del film Burning Palms (2010). La película mantiene el estilo de la franquicia de ser rodado videocámara en mano. La excusa para ello es la cámara que adquiere uno de sus protagonistas y que sirve de encuadre conductor de la trama que en esta ocasión se ha decidido ambientar en el barrio latino de la ciudad californiana de Oxnard.

La voluntad del film, como del resto de la saga, es proveer al público del componente de realidad y de proximidad necesario para meter al espectador en la trama. Aunque si bien en este caso la propuesta puede llegar a impactar en alguna escena, por lo realista y efectista de la misma, no acaba de atrapar al espectador, acostumbrado ya a films del estilo y debido, en parte también, a la lejanía del contexto social en el que está ambientada.

753cb43739c044cf5748dbbc7f9f9fdeLa película está rodada en tonalidades oscuras y/o nocturnas, las necesarias para hacernos sentir el proceso de posesión que sufre el personaje principal. La acción pasa, de esta forma, de un componente testivo y juvenil al principio a unos trazos cada vez más oscuros y satánicos en su tramo final. Todo ello acompañado, claro está, de toda una serie de sustos, unos mejor hallados que otros, que van impresionando cada vez más los sentidos de los espectadores y que nos adentran en el contexto paranormal típico de la franquicia, esto es, fenómenos y ruidos extraños, rituales de magia negra y posesiones que nos conducen a una larga escena final que, y esto si que es un mérito del film, puede llegar a congelar la sangre ya de por sí fría de los fans de la saga y que enlaza, en parte, con lo acontecido en otras entregas.

El casting posee un marcado componente hispano en el cual no destaca ninguna interpretación más que otra ya que el objetivo de la franquicia es darle al film un toque de realidad no adulterada. Si bien la elección «de mercado» convierte la propuesta en algo bastante exótico a las audiencias españolas a lo que se suma su voluntad de no ser aclarativa en relación a lo que está pasando, por lo que el resultado final es el de haber visto una entrega más de la saga y el de haber pasado un mal rato debido a la suma del miedo, la turbación y los sobresaltos que el film contiene.

Por otra parte la filmación, cámara en mano, no atropella al espectador por lo que podemos considerarla como bien realizada y bien integrada en la trama. Así, pues, estamos ante un spin-off de la franquicia Paranormal Activity (no sé con qué posible grado de éxito?) que mantiene al espectador devoto de este tipo de películas enganchado sin acabar nunca de saber por qué pasa lo que pasa, hecho este que lo mantiene descolocado y más receptivo a los efectos generados por la trama.

Un film que, y como aclaración final, se asemeja mucho a lo que podemos ver en una sesión cualquiera de youtube, es decir, videos con un alto (aunque a veces falso) grado de realidad y por ello más cercanos al punto de vista del espectador (sobre todo los más jóvenes). Un producto, pues, fabricado para los fans de la franquicia Paranormal Activity y para los gustosos de los films de estilo mockumentary de terror sin grandes pretensiones. Abstenerse si un caso todos aquellos a los que no les interese el menú.

Título: Paranormal Activity: Los Señalados
Título original: Paranormal Activity: The Marked Ones
Nacionalidad: USA
Director: Christopher Landon
Guión: Christopher Landon
Reparto: Andrew Jacobs, Jorge Diaz, Richard Cabral, Eddie J. Fernández, Kimberly Ables Jindra, Tonja Kahlens
Fecha de Estreno: 1 de enero de 2014
Género: Terror, mockumentary
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Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: La tardor barcelonina, en la sala Àtic22.

la-tardor-barcelonina-_2_La sala Àtic22 estrena avui La tardor barcelonina, la versió performance d’una perla negra de la literatura catalana escrita por Francesc Pujols. Un text modern i inclassificable; una road movie existencialista? El Hamlet barceloní? Un Manual del Perfecte Suïcida? Una Guia per a Misògins amb trampa? Una Novel·la negra per a dandis? La Tardor Barcelonina, brillant text precursor del surrealisme, és tot això i molt més.

El protagonista de la novel·la és un jove poeta que crema la seva masia i amb la seva enamorada a dins (Àgata). Transvestit de dona per evitar la justícia, agafa el tren cap a Barcelona. Al tren troba una doble de la seva estimada que parla rús i un comerciant català que s’enamora d’ell(a). Així comença un periple surreal que el durà del poble a Barcelona i viceversa, mentre el protagonista es debat entre qüestions filosòfiques de primer ordre com el suïcidi, la impossibilitat d’aprehendre allò que desitgem, la rigidesa de les franceses i la catalanitat.

En l’adaptació de Fèlix Pons el poeta ha estat transformat en un jove artista. L’espectador és convidat a entrar al taller de l’artista on aquest explica la seva història personal en un performance que durà a terme amb la complicitat del seu colega guitarrista (Jordi Busquets).

Fèlix Pons – actor, director i artista plàstic – ha creat un univers plàstic que remet al pre-cinema, contemporani dels anys que fou escrita la novel·la, quan imatge, cinema i l’il·lusionisme anaven de la mà. Imatges virtuals i imatges físiques es mesclen en aquest espectacle vintage, de la mateixa manera que realitat i ficció es mesclen en el singularíssim text de Pujols.

Fèlix Pons ha volgut sumar talents i ha convidat al músic Jordi Busquets a compartir aquesta aventura surreal a escena. Busquets, músic virtuós, creador personalíssim, líder del mític grup «Sapo» i compositor de bandes sonores per al cinema, ha creat una magnífica banda sonora original per a la peça. A més a més, posseït per l’esperit de Pujols, abandona momentàniament la seva guitarra elèctrica per interpretar diversos personatges a escena juntament amb Fèlix Pons.

«La tardor barcelonina» es representa a la sala Àtic22 del 2 al 5 de gener de 2015.

Text: Francesc Pujols
Adaptació i direcció: Fèlix Pons
Intèrprets: Fèlix Pons (actor) i Jordi Busquets (music)
Veu Àgata: Alba Pujol
Escenografia: Paula Maestro i Jordi Rovira
Vestuari: Maria Armengol
Il·luminació: Anna Roldós
Música: Jordi Busquets
Producció: ARSENIC ARTS STUDIO amb la col·laboració de LA FUNDACIÓ FRANCESC PUJOLS

Horaris: dijous, divendres i dissabte a les 20:00 hores; diumenge a les 18:30 hores.
Col·laboració: 9 €
Durada de l’espectacle:  70 minuts
Idioma: Català.

RESERVES a: http://doodle.com/dy2psfbucuai9vqa

Crítica teatral: La rosa tatuada, en el TNC.

LA_ROSA_TATUADA_cartellUno siempre echa de menos, en algún momento de la temporada, la representación de una obra de Tennessee Williams, o lo que es lo mismo, una reflexión sobre el alma humana amargada, para variar, por la propia materialización de la existencia. El azar teatral, sin embargo, nos había dejado, desde que a finales del 2010 finalizaron las representaciones de Gata sobre teulada de zinc calenta en el Lliure, sin poder disfrutar sobre los escenarios barceloneses de la exquisitez irreverente del autor americano. Por lo que era inconcebible pensar ni un solo momento en dejar escapar una oportunidad como la que nos ofrece el TNC con la adaptación de La rosa tatuada, una de las obras más conocidas del autor, dirigida por Carlota Subirós Bosch e interpretada en los papeles principales por Clara Segura y Bruno Oro.

Y la ocasión es sin duda recomendable debido a la consistencia del texto, a la simbología que atesora y a que, como decía antes, es un Tennessee Williams de primera fila. La historia, seguro, ya la conocen. La familia Delle Rose, de origen siciliano, vive una placida existencia en el sur de los Estados Unidos. Él, Rosario, trabaja como transportista de plátanos y de otras mercancías no tan legales para una compañía frutícola; ella, Serafina, trabaja en casa como modista. Ambos han creado un hogar donde predomina el amor y la plenitud de la pasión sexual, de la cual ha nacido su hija Rosa. Todo ello acaba inesperadamente con la muerte de Rosario durante uno de sus transportes. La morada de los Delle Rose queda sumida en el duelo y la desesperación más profunda al no aceptar Serafina el trágico final de su marido, un dolor que, además, le hace perder el hijo del que está embarazada.

El paso del tiempo no consigue, sin embargo, que la cordura regrese al hogar de los Delle Rose. Serafina vive recluida en su casa, dominada por las cenizas de su difunto marido y por la imagen de la Madre de Dios, sin dirigirle la palabra a los vecinos e imponiendo una reclusión casi absoluta a su hija. Una situación que se complicará aún más al descubrir Serafina la posible infidelidad en el pasado de su marido y cuando tanto ella como su hija entren en contacto de nuevo con el mundo sexual de los hombres, hecho propiciado por la llegada accidental de Alvaro Mangiacavallo, un transportista de fruta que posee un gran parecido físico con Rosario y por el conocimiento por parte de Rosa de un chico en el baile del instituto.

La rosa tatuada nos permite echar una mirada no tan solo a la sociedad norte-americana de los años 50, y más concretamente a la población europea emigrada al nuevo continente, sino que nos posibilita al mismo tiempo atisbar parte de la personalidad del autor del texto. Por lo que respecta a lo primero la obra nos introduce en el hogar de una familia de origen siciliano de la costa sur de los Estados Unidos, y nos muestra la interrelación de los miembros de esta con la sociedad americana conservadora del momento. Aquí hallamos un primer choque cultural entre tradiciones y formas de pensar europeo-católico-mediterráneas y las propias de la cultura anglo-norteamericana.

_DSC1881Todo ello acentuado por el comportamiento «insano» de Serafina tras la muerte de su marido, que provocará rumores en la comunidad. Sin embargo, la llegada de Alvaro hará nacer de nuevo en ella el deseo. Una pasión basada en parecidos y en necesidades que les servirá a ambos para lograr una nueva oportunidad y reconducir sus vidas. Una pasión, además, simbolizada en la obra a partir de la rosa, ya sea esta la tatuada en el pecho de Rosario, la sobrenatural rosa que aparece y desaparece en el de Serafina, o la omnipresencia del nombre, del símbolo y del color de la rosa a lo largo de toda la representación.

Por lo que respecta a la personalidad del dramaturgo podemos detectar en la obra la familiaridad de Williams con la enfermedad mental que sufrió su propia hermana, con la cual mantenía una relación muy cercana y su turbulenta vida sexual y sentimental en los Estados Unidos profundamente conservadores de los años 50.

En el apartado de las interpretaciones la obra ofrece una oportunidad inmejorable a la actriz principal de la historia, que no es otra que Clara Segura, que hace suyo un personaje, el de Serafina Delle Rose, de forma magistral. En el apartado masculino, sin embargo, Bruno Oro no acaba de darle a su papel el registro necesario, (un registro tennessewilliano, diría yo), por lo que la química entre los dos personajes principales no acaba de estallar como debería hacerlo. Ambos están rodeados por el buen hacer de una troupe de actores y personajes entre los que hallamos, entre otros, a Alícia González Laá, Oriol Genís, Antònia Jaume, Marta Ossó o Teresa Urroz. La dirección de Carlota Subirós alimenta, por otra parte, la naturalidad de las interpretaciones para dar la mayor viveza al dramatismo de la historia y la inmaterialidad del contexto escenográfico.

Si nos fijamos, pues, en la composición de la obra observamos el atrevimiento que comporta la elección de la escenografía, en la cual la vivienda de los Delle Rose se materializa como un cubículo que gira sobre sí mismo y sobre el que se proyectan imágenes y coloridos a lo largo de la obra. Si bien esta apuesta sorprende por su audacia artística, el aislamiento de la vivienda sobre un escenario vacío enorme hace difícil captar el contexto espacial y social de la obra, dejándola en un limbo difícil de concretar para el espectador. A esto se suma la opción por una iluminación de poca intensidad y el uso de tonalidades musicales de ritmo étnico, con el objetivo de darle un toque más intimista a la representación y apelar a aquello más emocional que uno lleva dentro.

Representar un Tennessee Williams es algo siempre dificultoso y el TNC sale en parte airoso de su intento gracias, sobre todo, a la espléndida e íntima interpretación de Clara Segura. Aún así, y como les decía, La rosa tatuada es una oportunidad lustrada para degustar la artesanía de los sentimientos propia de un autor que analizaba en cada una de sus obras la complicada trabazón de sentimientos que todos llevamos dentro, ya sea en los Estados Unidos de los años 50 o en la Cataluña de principios del siglo XXI.

«La rosa tatuada» se representa en el TNC del 12 de diciembre de 2013 al 2 de febrero de 2014.

Autor: Tennessee Williams
Traducción y dirección: Carlota Subirós
Reparto: Clara Segura, Bruno Oro, Pepo Blasco, Rosa Cadafalch, Màrcia Cisteró, Montse Esteve, Oriol Genís, Alícia González Laa, Antònia Jaume, David Marcé, Marta Ossó y Teresa Urroz
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario: Marta Rafa
Iluminación: Mingo Albir
Sonido: Damien Bazin
Caracterización: Àngels Salinas
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas (domingo 5 de enero no hay función).
Precio: de 14 a 28 €
Duración:
  Primera parte 1 hora y 45 minutos
Entreacto de 15 minutos
Segunda parte 45 minutos.
Idioma: catalán
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: 1984, en el Almeria Teatre.

1984En los tiempos que corren, en los que la realidad se ennegrece debido a la deriva caótica por la que transita el Estado provocada por las continuas presiones del mercado, siempre es bueno disponer de elementos de reflexión social y política que permitan, a aquellos interesados, recapacitar sobre hacia dónde nos dirigimos. De ahí que la programación en el Almeria Teatre de la adaptación escénica de 1984 de George Orwell, una de las grandes novelas de ciencia ficción distópica y posiblemente la más conocida por el amplio público, sea una ocasión de disfrute y un acierto en sí mismo.

La compañía Gataro ha producido un espectáculo, basado en la adaptación de la novela realizada por Michael Gene Sullivan, de pequeño formato pero de brillante resultado en el que está presente toda la dureza y la inhumanidad que el texto original mostraba. La puesta en escena de Gataro opta por ir al grano de forma inmediata y nos relata la trama de la novela desde la óptica final de la misma, esto es, desde el interrogatorio al que es sometido Winston Smith (Andreu Rifé), el protagonista principal de la historia, al ser descubierto conspirando contra el régimen totalitario establecido por el Gran Hermano. A partir, pues, del interrogatorio iremos conociendo cuál es la realidad opresiva contra la que Smith y Julia (Savina Figueras), su compañera de lucha, han intentado rebelarse y cuáles son los acontecimientos que han llevado a ambos a tan desesperada situación.

Por el camino hacen aparición los componentes principales de la trama de la novela de Orwell, como el control omnímodo del Gran Hermano sobre la vida de los ciudadanos; la guerra continua como elemento coercitivo sobre la población atemorizada; la extinta lucha de clases establecida por el sistema; el control de la información o la función del lenguaje como elemento de sometimiento mental de los ciudadanos.

La composición de la obra es sencilla pero funcional y expeditiva. Lo primero que vemos al sentarnos en la butaca es un muro de hierro que nos oculta el escenario, como avisándonos de la dureza metálica de lo que veremos cuando el telón se alce. Una vez elevado este presenciamos el interrogatorio que sufre el protagonista que, encadenado y situado en una especie de depósito, será obligado a relatarnos con precisión todos sus crímenes. Su imagen, sucia aunque de tonalidades claras, contrasta con los grises y oscuros uniformes de sus interrogadores, una antítesis que se mantendrá a lo largo de la representación y que contrapone las ansias de libertad del arrestado y el brutal funcionamiento del Estado.

1984_claudiaserrahima2De esta forma nos es relatada la trama de la novela a partir de la propia declaración de Smith y de la re-interpretación de sus actos que llevan a cabo los propios interrogadores, una elección narrativa que aunque le da más fuerza visual a la narración despista inicialmente al espectador, al que le puede costar varios minutos situarse en la obra.

La adaptación de Gataro cuenta con caras conocidas en el reparto de la obra. El papel principal, el de Winston Smith, está interpretado por Andreu Rifé que aunque voluntarioso no acaba de transmitir todo el dramatismo que la situación requiere. Los interrogadores están encarnados por Lluís Canet, Tono Saló, Frank Capdet y Savina Figueras, que se encargan con destreza de poner un rostro cruel y desgarrador al sistema y de dar vida al resto de personajes de la novela. El broche, sin embargo, lo pone Carles Canut, cuya interpretación de O’Brien es fría e inhumana, como le corresponde a uno de los engranajes principales del Estado tiránico al que pertenece.

El resultado es una obra despiadada, como la novela, en la que el espectador llega a sufrir tanto por lo que pasa encima del escenario como por el camino que toman sus propias reflexiones. Aquí he de decir que volver a escuchar algunos de los terroríficos axiomas afianzados por la novela de Orwell en el momento socio-político que vivimos, asfixiados por una crisis económica y por la mentira y la corrupción que prolifera en la política, llega incluso a helar la sangre.

Una obra dura, sí, pero necesaria y de una calidad que impresiona tanto en su adaptación, en su traducción como en su composición, de aquellas que tan solo los teatros no tan grandes saben hacer, y en las cuales las ideas y la voluntad se imponen a los recursos a los que se tiene acceso. Una ocasión, además, para meditar sobre hacia dónde vamos y sobre si el Mundo Occidental, ese que a veces parece el velero insignia del bienestar a conseguir por el resto del planeta, ha evolucionado a mejor o tan solo ha perfeccionado las herramientas y las políticas que sus Estados ponen en marcha para controlar y dominar no tan solo el hacer de los ciudadanos sino también sus abruptas y a veces desganadas mentes.

«1984» se representa en el Almeria Teatre del 18 de diciembre de 2013 al 12 de enero de 2014.

Autor: George Orwell
Dirección: Victor Alvaro
Adaptación teatral: Michael Gene Sullivan
Versión catalana de la adaptación: Lluís-Anton Baulenas
Reparto: Andreu Rifé, Lluís Canet, Savina Figueras, Tono Saló, Frank Capdet y Carles Canut
Escenografía: Victor AlGo
Iluminación: Quico Gutiérrez (AAI)
Vestuario y caracterización: Núria Llunell
Sonido: Jordi Bonet
Producción: Gataro

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 17:00 horas
Precio: 19 €
Idioma: catalán

Crítica: El oficio de historiador, Enrique Moradiellos, ed. Akal.

portada_18413-1No descubro nada al afirmar que una carrera universitaria, y sobre todo una carrera humanística, más que proveer de toda una serie de datos, nombres y fechas a la mente de los estudiantes, que también, ha de dotar a los mismos de un espíritu crítico y ha de abastecerle de las herramientas necesarias para realizar su trabajo como historiador, ya sea este el estudio, la investigación o la enseñanza. Pero también es cierto que en muchas ocasiones, si no todas, la práctica universitaria es justo al revés, centrándose en poco más que en tiranizar al despistado estudiante con una infinidad de datos y teorías mientras que el desarrollo de los recursos y las herramientas de carácter histórico queda siempre en un segundo plano.

Para subsanar esta situación la editorial Akal ha publicado un nuevo «manual» del estudiante (y futuro historiador) titulado El oficio de historiador, estudiar, enseñar e investigar, en el que Enrique Moradiellos expone y recapacita sobre los métodos de estudio e investigación histórica. La monografía de Moradiellos, sin embargo, va más allá y pretende ofrecer al estudiante un panorama de la ciencia histórica en su conjunto, útil para conformar un marco teórico de referencia de la profesión.

Enrique Moradiellos García es en la actualidad catedrático de Historia contemporánea de la Universidad de Extremadura y anteriormente ejerció como profesor de dicha materia en la Universidad de Londres y en la Universidad Complutense de Madrid.

El libro está dividido en dos partes. En la primera, de carácter más teórico, el autor reflexiona sobre la historia en el contexto de las ciencias y más concretamente en el marco de las ciencias sociales. Moradiellos también realiza en este apartado un repaso a la evolución de la ciencia histórica y de las diversas escuelas o tendencias historiográficas que abarca desde la Antigüedad hasta las escuelas y posiciones más recientes. En la última parte de esta sección el autor reflexiona sobre cómo se enseña la historia en la actualidad, analizando los métodos formativos universitarios como las clases teóricas y prácticas, la recogida de los apuntes o el estudio y la lectura individual.

Enrique Moradiellos
Enrique Moradiellos

La segunda parte de la monografía está dedicada a los aspectos más prácticos del trabajo histórico. Así pues esta parte analiza las formas de búsqueda de bibliografía; examina algunos de los diversos sistemas de documentación y archivística; ofrece pautas para el correcto desarrollo de la lectura académica o el análisis de textos, mapas, estadísticas, imágenes o esquemas históricos; y provee de normas para la realización del trabajo histórico ya sea la reseña de un libro de historia, la elaboración de un trabajo de curso o la realización de exposiciones orales. Este apartado finaliza con recomendaciones para la consulta de archivos, el uso de contenidos en la web o recomendaciones para la elaboración de un currículum vitae.

Como ven, pues, el manual de Moradiellos es bastante completo tanto en lo que respecta a su contenido teórico como a sus apartados más prácticos. Si con el primero un estudiante puede conformarse un mapa de situación de qué es la historia y cómo ha evolucionado hasta hoy la ciencia histórica, en la segunda parte el autor ofrece a los estudiantes, los principales receptores de este manual, un arsenal de técnicas y recursos necesarios no solo para finalizar la carrera de la mejor forma sino también para desarrollar las competencias básicas necesarias en cualquier carrera profesional relacionada con la historia.

Moradiellos ofrece además al estudiante toda una serie de consejos que incluyen normas de estilo para la redacción de los trabajos o técnicas para hablar en público (un aspecto bastante abandonado, por cierto, en la educación actual). La obra cuenta en su haber con una redacción y un estilo muy cuidado, algo que, sin duda, ensalza la calidad de la monografía. Esta cuenta también con un índice detallado, algo que facilita, y más en un manual como este, la consulta posterior del mismo y ofrece al lector multitud de ejemplos prácticos sobre cada uno de los apartados que no solo hacen la lectura más amena sino que, a la vez, nutren de contenido específico al libro.

Por último, y como no podía ser de otra forma, el manual ofrece al lector un cuantioso aparato bibliográfico ordenado por capítulos, lo que completa el contenido del mismo y permite al estudiante/lector interesado profundizar en las temáticas que más le puedan interesar o necesitar en el futuro.

Es así que El oficio de historiador, estudiar, enseñar e investigar se convierte en un manual actualizado de referencia para cualquier estudiante que quiera completar la carrera universitaria con éxito, esto es, no solo aprobando todas y cada una de las asignaturas sino formándose como profesional, algo, esto último, que en definitiva será el caudal más importante que un alumno de historia pueda obtener tras su paso por las aulas.

Título: El oficio de historiador. Estudiar, enseñar, investigar
Autor: Enrique Moradiellos García
Editorial: Akal
Colección: Textos
Materia: Historiografía y teoría de la Historia
ISBN: 978-84-460-3865-8
Dimensiones: 17×24
N.° páginas: 480
Año edición: 2013
Precio: 22,00 €