Te invitamos a los conciertos de Minimal 21, Anna Roig i Najwa Nimri en el Auditorio Axa.

Blog Culturalia os invita a los conciertos de Minimal 21, Anna Roig i Najwa Nimri que se celebrarán el próximo sábado 17 de noviembre en el Auditorio Axa, dentro del Ciclo Dones. Disponemos de entradas dobles gratuitas para las actuaciones de los tres grupos.

MINIMAL 21 «El Fil d’Ariadna»
Sábado 17 de Noviembre a las 18:30 horas
Ciclo DONES a l’Auditori Axa

Tras debutar en catalán el año 2010 con L’habitació del fons, Minimal 21 presenta su trabajo de estudio, El Fil d’Ariadna, un disco que recoge la dualidad que desde hace un año caracteriza la trayectoria del grupo.

Por un lado, se intensifica el predominio de sonidos electrónico en la primera parte del disco llamada l’ordit, donde el synth pop y las guitarras luminosas envuelven las canciones con una estética que no esconde la influencia de los ochenta. La voz de Nuria se desliza frágil y sugerente sobre estos paisajes sonoros donde dominan las atmósferas delicadas con un cierto comportamiento lírico. La segunda parte del disco, la trama, nos muestra unos Minimal 21, arriesgados y experimentales, que, sin electrónica y con los arreglos de violín y trombón, son capaces de poner el acento en la canción desnuda y sin ornamentos.

Las letras del disco esbozan pequeñas historias de seres anónimos que describen la fragilidad de la existencia, las contradicciones y las absurdidades en las que está inmersa la condición humana. El Fil d’Ariadna juega con un lenguaje surrealista y lleno de simbolismo que invita a sumergirse en un mundo íntimo y alejado de la cotidianidad.
Su apuesta por el pop electrónico destaca debido a la poca presencia de este género en el actual panorama musical catalán.

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ANNA ROIG I L’OMBRE DE TON CHIEN «Bigoti Vermell»
Sábado 17 de Noviembre a las 20:00 horas
Ciclo DONES a l’Auditori Axa

Después de dos años esparciendo «Je te aimes» por los escenarios, Anna Roig i L’ombre de ton chien vuelven con un puñado de nuevas canciones para continuar seduciendonos.

Con su primer disco se nos presentaron explicando con resignación divertidas historias de desamor. Con este nuevo trabajo nos quieren enseñar que han cogido confianza, que ya no se resignan y que han aprendido a canalizar música y emociones de una manera más crítica y segura.

Sus nuevas canciones no son bien bien rosas, pero tampoco grises. Son historias con el optimismo agridulce de quien se dedica a pintar bigotes rojos a las fotos de las revistas. Este trabajo es la continuidad de un proyecto que ya ha hecho un primer paso de solidez en el panorama musical catalán. Con una actitud más desenfadada, pero manteniendo el cuidado en los detalles, siguen explicando historias en catalán y en francés que nos arrancarán más de una sonrisa.

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NAWJA NIMRI «Donde rugen los volcanes»
Sábado 17 de Noviembre a las 22:00 horas
Ciclo DONES a l’Auditori Axa

Este es el noveno disco en la carrera de Najwa y el segundo que hace íntegramente en castellano. Un trabajo que empieza a cobrar forma a partir de los encuentros de Najwa con Vicente Miñana (Huma) y su guitarra. De aquí surge el esqueleto de unas canciones que «más tarde redescubriré junto a Raúl (Santos aka SupercineXcene) y sobre las cuales acabo decidiendo, después de un concierto a la sala Fabrik, que sean totalmente sintéticas». «Frías y distantes, pero con alma», aclara la propia Najwa.

En el interior de Najwa sonaba música sintética por lo cual la parte más complicada del proceso de creación fue la de adaptar las letras al electrónico y que estas resultaran musicales, que consiguieran acompañar el movimiento de las canciones, de las más lentas a las más upbeat.

Najwa [Nimri] es capaz de lanzarse al fondo de un volcán. Figurada y casi literalmente, porque en la imparable imaginación de esta artista los volcanes son portales estelares, conectados con el sol. Una idea tan original y sugerente como las canciones de ‘Donde rugen los volcanes‘, diez temas en los cuales la voz de Najwa nos traslada a paisajes desolados pero sorprendentemente acogedores. Un gran trabajo con letras de oscuridad descarnada, apoyadas en los excepcionales escenarios electrónicos de Raúl Santos, productor y compañero de Nimri en esta nueva aventura.

Ciclo DONES a l’Auditori Axa
Lugar: Auditorio Axa
Fechas: Sábado 17 de Noviembre
Avda. Diagonal, 547 (Barcelona)

PROMOCIÓN: entradas dobles gratuitas para el Ciclo DONES a l’Auditori Axa: Minimal 21, Anna Roig i Najwa Nimri

PROMOCIÓN FINALIZADA

Haz un «Me gusta» en la página de Facebook de Blog Culturalia y envía un mail a concurso_culturalia@hotmail.es indicando tu nombre completo antes de las 11:00 horas del sábado 17 de noviembre indicándonos qué actuación te interesa. Recuerda, disponemos de:

10 entradas dobles para las actuaciones de Anna Roig i Minimal 21 y
10 entradas dobles para la actuación de Najwa Nimri

Contactaremos desde Blog Culturalia contigo para confirmarte tus entradas.

Más información:

Web primer acte: http://primeracte.es/store/ca/

Crítica teatral: La Bête, en el Teatre Nacional de Catalunya.

Si tuviéramos, al final de la temporada teatral, que decidir qué teatro ha estrenado en Barcelona no la mejor obra sino la mejor programación en conjunto, no sería extraño que muchos se decantaran por el Teatre Nacional de Catalunya. Su éxito en este aspecto se debe en parte al presupuesto, porque engañarnos, pero también al acierto en la elección y la puesta en escena de las obras que programa y a la solvencia de los artistas y profesionales que actúan y trabajan en ellas.

Y un claro ejemplo de lo que digo lo manifiesta la programación de La Bête, de David Hirson, una comedia adaptada por Joan Sellent y dirigida por Sergi Belbel que analiza de forma brillante el teatro a través del teatro.

Hirson nos sitúa en la Francia de mediados del siglo XVII. El príncipe Conti (Abel Folk) quiere proveer de nuevos aires creativos a la compañía de teatro de la que es mecenas. El aristócrata está algo aburrido de los tediosos dramas escritos últimamente por el gran dramaturgo Elomire (Jordi Boixaderas), y quiere dar a las obras de la compañía un toque más alegre, mundano y popular, con la incorporación de Valere (Jordi Bosch), uno de los autores con más éxito del momento, cuyas obras aunque no poseen demasiada calidad artística tienen un gran éxito de público.

Así, pues, la voluntad del príncipe Conti generará el enfrentamiento entre dos formas de entender el teatro y la vida: la alta cultura que representa Elomire y el teatro más popular y de entretenimiento que defiende Valere.

La obra de Hirson, estrenada originalmente en el año 1991, trata un tema polémico en la actualidad que no es otro que esa dramática oposición entre el producto teatral (léase cultural) con aspiraciones artísticas y el mero producto de entretenimiento producido para satisfacer y agradar masivamente. Un debate que se me antoja muy propio de los siglos XX y XXI, en los cuales, y por primer vez en la historia, el consumo cultural se ha difundido entre todos los sectores de la sociedad, y avanza a pasos agigantados con el desarrollo de internet y las nuevas tecnologías. Lo que muchas veces ha provocado un desarrollo excesivo del entretenimiento cultural en antítesis con la cultura entendida como arte.

Hirson traslada dramatúrgicamente este debate cultural al siglo XVII, el siglo de Moliere, uno de los iconos del teatro mundial y del que Elomire toma su nombre por medio de un juego anagramático. Belbel ha realizado una magnífica adaptación y dirección de la obra, que ha sufrido, por desgracia, el menoscabo de la pérdida de su intérprete principal, Anna Lizaran, que debido a problemas de salud se vio obligada a abandonar los ensayos. Si bien su relevo, por parte de Jordi Bosch, ha sido, a pesar de las circunstancias, y sin duda alguna, un acierto total, ya que el actor provee a su personaje de un toque burlón y popular de sobras necesario en la obra.

Pero bien, vayamos a la reseña propiamente dicha. La Bête nos deslumbra desde su inicio. Y para ello no necesita de grandes escenarios ni de efectos de atrezo magníficos, tan solo de un texto bellísimo, adaptado del original en verso por Joan Sellent, y que aporta una gran belleza poética a la obra. Sobre el entramado textual se ha creado una escenografía sencilla pero bella también que marcará el referente espacial de la obra, y que nos muestra un sencillo ambiente teatral donde ensaya sus obras la compañía de Elomire.

Y como broche final el atractivo del espectáculo se construye en base a las grandes interpretaciones de los actores que integran el reparto, en las que destaca, sobre todo, Jordi Bosch, que deslumbra con la comicidad y la incontinencia poética que emana de su personaje. Bosch se deja llevar, en el buen sentido de la palabra, y se empapa de la vulgaridad y el exhibicionismo del zafio Valere, y nos fascina con los largos discursos en verso que su personaje declama en diversos momento de la obra. Su rival en escena es Jordi Boixaderas, que da vida a Elomire, un autor intelectual y valedor del teatro como obra artística y de reflexión y contrario a degradar el arte a mero entretenimiento grosero y vulgar, pero que se ha convertido en un autor aburrido que no conecta ya con el público.

El resto de actores quedan relegados, decisión del propio autor de la obra, a un segundo plano, del que solo se liberarán en parte en el segundo acto de la obra. Tan solo la actuación de Carles Martínez, que interpreta a Bejart, el hombre de confianza de Elomire, consigue individualizarse en esta neblina actoral de carácter unamuniano, hecho que le permite tomar algo más de presencia en el desarrollo de la representación.

Y la temática, como les decía, no deja de ser interesante en la propia trama y en su traslación al mundo en el que hoy vivimos. ¿El arte por ser arte ha de mantener siempre un carácter elevado? ¿Existe alguna forma de que la alta cultura, representada por los aburridos dramas que escribe Elomire, pueda agradar a una población que busca principalmente entretenimiento en los sectores de la cultura como el teatro, el cine o la literatura? ¿El arte, el entretenimiento y el consumo popular pueden llegar a entenderse, o el resultado siempre será una traición artística y una concesión hacia lo popular, hacia lo comercial?

La Bête trata, en su desarrollo, otros temas como el papel del mecenazgo personificado en la actividad de patrocinio del príncipe Conti, cuya magnanimidad económica permite a la compañía de Elomire subsistir dignamente, pero que comporta una cadena creativa que también la tiraniza, y que, por otra parte, da inicio al argumento. Un tema este candente en un mundo como el nuestro en el que el arte depende, en muchos casos, de las subvenciones del Estado y de los límites que estas imponen en sus exigencias o en sus concesiones. Otra temática que analiza la obra es la labor de la crítica y el papel que esta juega en el mundo del teatro, y que parece en crisis con la consolidación de la sociedad de la comunicación y de la sobreabundancia de información que esta comporta.

La Bête, como les decía, es una reflexión sobre el teatro desde el mismo teatro, pero al mismo tiempo es un deleite: por su texto en verso, por su humor elevado, por sus magníficas interpretaciones; por un decorado espectacular de pequeño formato y porque pone sobre el escenario, y nunca mejor dicho, el debate sobre la cultura.

Todo esto y más lo hallarán en La Bête, y además se lo pasarán en grande con la sillería artística y poética con la que está construida la obra. Una oportunidad que, espero, no se pierdan.

La Bête” se representa en el TNC del 24 de octubre al 25 de noviembre de 2012.

Autor: David Hirson
Traducción: Joan Sellent
Dirección: Sergi Belbel
Reparto: Jordi Boixaderas, Carles Martínez, Gemma Martínez, Pepo Blasco, Míriam Alamany, Manuel Veiga, Anna Briansó, Jordi Bosch, Abel Folk y Queralt Casasayas
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario: Maria Araujo
Iluminación: Kiko Planas
Sonido: Jordi Bonet
Movimiento: Anna Briansó
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Nacional de Catalunya y Bitò Produccions

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo, 18:00 horas.
Precio: de 19,05 a 38,09 €
Duración de la obra: 2 horas y 40 minutos (entreacto incluido)

Espectáculo recomendado a partir de 14 años

Publicación: Soy más lista que el hambre, de Eva Campos Navarro. Plataforma editorial.

Quería contarte la historia de mi amiga Eva Campos Navarro.  Eva era obesa, muy obesa. Pasó gran parte de su vida luchando contra los kilos de más y tiró la toalla, pero ella no era feliz. Hasta que un día se dio cuenta de que las verdaderas razones de su sobrepeso no eran los malos hábitos, sino que había algo más. El resultado; perdió 70 Kgs y escribió un libro, “Soy más lista que el hambre”: http://bit.ly/SMLQHecn

Un libro muy diferente que está revolucionando el mundo de las dietas, dinámico y ameno, lleno de ejercicios, historias reales de personas que han sufrido y superado el sobrepeso, ideas, fórmulas para crear un plan de acción sencillo y llevarlo a cabo, establecer objetivos realistas y un sinfín de herramientas que te motivarán y te ayudarán a encontrar las pautas que mejor se adaptan a tu vida.

Más que un libro de autoayuda o de adelgazamiento, es un canto a la esperanza, a la motivación que todos tenemos dentro para poder cambiar aquello que no nos gusta y vivir con plenitud.

Plataforma editorial publicó en octubre de 2011 Soy más lista que el hambre, de Eva Campos Navarro, una obra de consulta básica para todos aquellos que quieren acabar con el sobrepeso. Un libro que descubre el proceso para que sea el propio lector quien desarrolle las herramientas necesarias para alcanzar una vida sana.

«Durante dos tercios de mi vida he vivido en sobre peso. Y de ese tiempo, sinceramente, no sé cuánto he estado viviendo en obesidad. Como todas las personas en sobrepeso, he hecho dietas, ejercicio, comprado cremas, productos de todo tipo… Pero nunca conseguía llegar a un peso sano y mantenerme en él.
Hasta ahora.

Cuando me di cuenta de qué me pasaba pude elegir qué quería que me pasara. Y todo esto queda reflejado en el libro por medio de diversos ejercicios, desde el Coaching y el Pensamiento Positivo pero, sobre todo, desde mi experiencia propia.

El libro comienza ahondado en el cliché del «gordito feliz», con ejercicios para que el lector sea consciente de si es feliz con el sobrepeso o no. A partir de ahí se propone un viaje al lector para descubrir qué le pasa y ayudarle a elegir qué quiere que le pase. Apoyado en ejercicios muy prácticos y dinámicos, se abordan conceptos como qué es comer sano, cuáles son las creencias sobre la comida, los hábitos, la autoestima… y se dota al lector de sus propias herramientas para poder determinar qué le sucede y qué quiere que le suceda.

No es un método, no es un procedimiento, no es una dieta, no es un compendio de pautas de vida sana. A diferencia del resto de libros de ayuda a adelgazar, Soy más lista que el hambre presenta un proceso para que sea el propio lector quien defina cuál es una vida sana para él, cómo lo va a conseguir y qué herramientas usará.

Eva Campos Navarro

Presenta, además, casos particulares reales de algunas de las más de 1000 personas con las que he conversado, dialogado y ayudado con procesos de coaching durante este tiempo, con el fin de dotar al lector de la sensación de que no está solo y que lo que le está pasando es lo mismo que le ha pasado a mucha gente antes. Todo ello complementado con mi propia experiencia, contando sensaciones, emociones y mi historia personal».

Eva Campos Navarro es psicóloga, terapeuta y coach, decidió dar un giro radical a su vida desde el mundo de la empresa al mundo del desarrollo personal y lanzar este libro basándose en su propia experiencia de lucha durante toda su vida con los kgs de más, hasta que encaró de otra manera el proceso de pérdida de kilos. Soy más lista que el hambre nos habla de sus logros y de cómo pueden ayudar a otros  a adelgazar.

Título: ¡Soy más lista que el hambre!: Cómo desbloquearte para conseguir el cuerpo que siempre has querido y ser más feliz
Autora: Eva Campos Navarro
Editorial: Plataforma Editorial
ISBN: 978-84-15115-70-0
Fecha de publicación: 31/10/2011
Páginas: 208
Precio: 18 €

Novetat discogràfica: Mestres i amics, d’Ivette Nadal

La vida d’un músic és plena de dificultats. La primera? Publicar un primer treball, sempre complicat davant les poques oportunitats que acostuma a oferir la indústria, recelosa a l’hora d’apostar per algú totalment desconegut, i més encara si no considera comercial la seva proposta. L’artista, però, sempre pot buscar una solució més o menys imaginativa, com ara autoeditar-se el treball, una opció que la catalana Ivette Nadal va escollir per publicar els seus primers discos amb què es va guanyar el respecte de crítics, companys de professió i d’un bon nombre de seguidors. Ara, Nadal ha aconseguit publicar el seu tercer disc, Mestres i amics, gràcies al sistema de mecenatge Verkami –plataforma per a finançar els projectes creatius amb la suma de petites aportacions individuals–, un format que li ha permès mantenir intacta, un cop més, la seva llibertat creativa.

El cas d’Ivette Nadal és el d’una cantant que ha anat fent camí amb pas ferm i una convicció impertorbable en la seva música. Abans de complir vint anys ja s’enfilava als escenaris amb l’única companyia de la seva guitarra per a interpretar cançons basades en poemes propis o d’aquells poetes a qui admirava. L’any 2007 publicava Guerres dolcíssimes, el disc amb què debutava, deu cançons (sis d’elles en català) que reflexionaven sobre les guerres que es lliuren per amor, un treball autobiogràfic en què els protagonistes eren la tendresa, la simplicitat i la poesia. Tres anys després apareixia A l’esquena d’un elefant, amb deu temes cantats en català, on la intèrpret de Granollers mostrava el seu costat més personal i que va ser va ser escollit per Radio 4 com un dels deu millors treballs del 2010. Poc a poc s’anava fent un nom entre els professionals del país, que la convidaven a participar en els seus discos, com Manolo García, amb qui va cantar Creyente bajo torres de alta tensión, en el seu darrer LP, Los días intactos.

Ivette Nadal, en una imatge promocional de «Mestres i amics»

Mestres i amics és un nou exemple del talent d’Ivette Nadal per a transformar poemes en cançons de gran bellesa musical, un disc produït pel guitarrista Jordi Busquets que transita de forma eficaç entre el rock, el pop, la cançó d’autor, el reggae i el grunge. En aquesta ocasió Nadal ha volgut apropar la poesia d’autors actuals a tots els públics, i ha escollit aquells que ella considera “mestres de poesia i de vida” i “amics de poesia i en la vida”: Víctor Sunyol, Joan Vinuesa, Santi Montagud, Francesc Garriga, Anna Aguilar–Amat i Enric Casasses. Així, Mestres i amics ofereix deu cançons amb un ampli ventall de temàtiques, des de poemes de bressol i de dol fins a rèquiems, versos amb vocabulari lliure i fins i tot s’atreveix a musicar poemes d’ideologia anarquista.

Gràcies a les aportacions fetes pels petits mecenes de Verkami, Mestres i amics es presenta en un format més acurat i ambiciós que els seus anteriors discos: el CD ve acompanyat d’un DVD amb l’entrevista en HD als sis poetes musicats i el videoclip en 2D i 3D del tema Calaix de dalt, l’escollit per a donar a conèixer el treball, un videoclip, rodat al Plató de Granollers amb tecnologia estereoscòpica de tres dimensions, que és un dels primers realitzats amb aquesta tècnica en català, produït per Produccions Planetàries, amb escenografia i decorats d’Ismoble i amb el paisatge virtual i digital de Barcelona realitzat per NeoRender.

Mestres i amics ha estat pensat per a representar-se en auditoris i teatres, on Nadal encapçalarà una banda en què trobarem a Roger Pasqual (guitarra elèctrica, acústica i veus), Lluís Riera (baix) i Eloi Lòpez (bateria i percussió), els mateixos músics que l’han acompanyat durant la gravació del disc. El concert de presentació del LP es va fer el passat 29 de setembre a la Sala Nau B1 de Granollers, i l’espectacle ja s’ha pogut veure a Lleida i Barcelona; Mestres i amics recalarà el proper 16 de novembre al Casino de Vic.

Títol: Mestres i amics
Autor: Ivette Nadal
Edició: Autoeditat (VERKAMI)
Data de publicació: Setembre 2012
Més informació: www.ivettenadal.com

Crítica teatral: El nom, al Teatre Goya Codorníu

El naixement d’una criatura sempre és motiu de joia i felicitat, no només per als futurs pares, sinó també per a la resta de la família i els amics més propers. Aquesta imminent arribada trastocarà les seves vides des del mateix instant en què es faci públic l’embaràs: serà el moment de triar un nom que sigui adequat perquè marcarà la vida del fill, ja que, si l’elecció no és prou meditada, el nen podria patir les bromes i, fins i tot, el menyspreu de la societat. Però, ¿quins paràmetres marquen si un nom és o no vàlid? Aquest és, precisament, el punt de partida d’El nom, la nova comèdia estrenada al Teatre Goya Codorníu, un muntatge dirigit per Joel Joan que adapta al català el text escrit a quatre mans per Matthieu Delaporte i Alexandre de la Patellière, i que arriba a Barcelona amb la intenció de repetir l’èxit amb què l’han premiat els espectadors francesos des de la seva primera representació.

El Pere i la Isabel formen un matrimoni estable i feliç: ell és professor de literatura a la universitat, ella dóna classes en un institut, tenen dos fills i viuen en un acollidor pis del Born barceloní. Avui han organitzat un sopar ètnic amb el Claudi –un músic d’orquestra amic de la parella d’ençà que eren infants–, el Vicenç –germà d’ella, tot un triomfador que treballa en el sector immobiliari, sempre acostumat a ser el centre d’atenció allà on va– i la seva parella, l’Anna, embarassada del seu primer fill. El bon humor i les converses banals del principi presagien una vetllada magnífica, tot esperant l’Anna que, un cop més, arriba tard. Els minuts passen i el Vicenç, impacient, no pot esperar més per compartir amb el grup el nom triat per al seu nadó, sense poder imaginar que l’elecció no serà ben rebuda pels altres, sobretot pel Pere, que el considera de mal gust, políticament incorrecte, fins i tot el veu com una provocació que no està disposat a tolerar i, així, inicia una forta discussió amb el seu cunyat que tan sols serà l’espurna que encendrà un incendi devastador per a tots els presents.

A partir d’aquest instant, la disputa pel nom de la criatura quedarà en un segon pla per a deixar pas als retrets que cada personatge ha anat acumulant durant anys: ha arribat el moment de dir les veritats, treure els draps bruts dels altres fins a fer-los enrojolar, verbalitzar allò que sempre havien pensat per a si mateixos; tots ells mostraran la seva part més desagradable i bel·ligerant sense mirar qui és el destinatari de les acusacions, i el que havia de ser un sopar entranyable es convertirà en l’escenari en què sorgiran les misèries, les inseguretats i les frustracions que, fins aquella nit, havien ocultat als altres.

Ara fa tres anys Matthieu Delaporte i Alexandre de la Patellière van escriure El nom per diversió, una història en què les discussions es tornen còmiques malgrat la vehemència amb què els personatges defensen les seves idees; l’obra es va convertir en un èxit rotund i inesperat –vist per un total de 3 milions d’espectadors–, i això els va decidir a fer-ne la versió cinematogràfica, encara en cartellera. Joel Joan va escollir aquest muntatge –en la traducció que n’ha fet Jordi Galceran, qui adapta els gags originals a la idiosincràsia catalana– per a debutar com a director teatral, i la veritat és que supera l’examen amb bona nota, mantenint la tensió i el ritme frenètic –a vegades histèric– que l’obra necessita.

El nom és una comèdia coral amb pinzellades vodevilesques, tan exigent com agraïda per als actors, ja que cadascun d’ells té el seu moment de glòria per a reivindicar el seu personatge. L’origen del conflicte fa que Joel Joan (Vicenç) i Xavi Mira (Pere) monopolitzin bona part de la discussió, però ben aviat Lluís Villanueva (Claudi) deixa el seu paper de contrapunt còmic dels cunyats per a convertir-se en l’ase dels cops, i l’arribada de Mireia Piferrer (Anna) al pis resulta ser una alenada d’aire fresc, d’espontaneïtat i d’incontrolable sinceritat que sembla trencar qualsevol mena de convencionalisme; tanmateix, és Sandra Monclús (Isabel) la triomfadora de la nit, possiblement per ser el seu monòleg –ovacionat pel públic– el darrer de tots, una rèplica plena de ràbia en què es rebel·la contra el paper que la vida li ha atorgat sense que ella ho pogués evitar, desitjos i il·lusions que ha deixat aparcats pel benestar familiar, una dona cansada de que les seves opinions siguin ignorades constantment i que, per fi, ha reunit el valor suficient per a exterioritzar-les i, així, deixar muts els altres.

Aquesta és, doncs, molt més que una agredolça comèdia generacional: és un text intel·ligent sobre la família i l’amistat que farà reflexionar l’espectador, qui s’identificarà en un moment o altre amb els protagonistes, però que difícilment prendrà partit per un únic personatge perquè, en certa manera, tots són víctimes de les seves opinions intransigents. En resum, aquest imprescindible muntatge farà que ens ho pensem dues vegades la propera ocasió que demanem als altres que siguin totalment sincers amb nosaltres, i que ens porta a pensar que el temps guareix totes les ferides… fins al proper sopar.

El nom es representarà al Teatre Goya Codorníu del 19 d’octubre al 23 de desembre de 2012.

Autors: Matthieu Delaporte i Alexandre de la Patellière
Direcció: Joel Joan
Adaptació: Jordi Galceran
Intèrprets: Joel Joan, Lluís Villanueva, Xavi Mira, Sandra Monclús, Mireia Piferrer
Escenografia: Joan Sabaté
Vestuari: Míriam Compte
Il·luminació: Txema Orriols
So: Damien Bazin
Caracterització: Toni Santos

Horaris: dimarts, dimecres, dijous i divendres a les 21:00 hores, dissabte a les 18:30 hores i a les 21:30 hores, i diumenge a les 18:30 hores
Preu: de 28,50 € a 30,50 €
Idioma: català
Durada: Una hora i trenta minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Crítica teatral: Julián López y Raúl Cimas inauguran la 8º temporada de Comedy Zoo en el Club Capitol.

En muchas ocasiones se suele decir que “dos son mejor que uno”. Y esta es una de ellas, ya que el pasado fin de semana Julián López y Raúl Cimas inauguraron la 8º temporada de Comedy Zoo en el escenario del Club Capitol, dos componentes de la familia Chanante habituales, también, de programas de humor como Muchachada Nui o el reciente Museo Coconut.

Julián López es actor, guionista y músico. Su rostro es muy popular tras el éxito de la película No controles. Todos sus trabajos se engloban en el humor. Su compañero de fatigas, Raúl Cimas, es otro gran humorista, actor, guionista y presentador.

Su espectáculo empieza fuerte y las carcajadas del público se inician a los pocos minutos. Los dos humoristas nos cuentan, juntos sobre el escenario en la primera parte del show, aspectos de sus vidas marcados por el humor. El ritmo rápido y alocado de Julián López y el pausado y puntilloso de Raúl Cimas crean un contraste que ya por sí provoca la risa. ¡la voz grave de Cimas al narrar sus historias es impagable!

Después cada uno de los humoristas se queda solo en el escenario y da comienzo el apartado monólogo del espectáculo, en el que el humor y las risas también están, evidentemente,  aseguradas. Se mezclan historias absurdas, surrealistas, cotidianas, familiares y muchas veces increíbles, con una aparición de Dios incluida.

Cuando los dos cómicos vuelven a estar juntos en el escenario continua la hilaridad con números de baile y movimientos chanantes, toda una serie de guiños para los seguidores de los programas en los que colaboran los dos cómicos. El único hándicap del show es que si eres muy seguidor de López y Cimas en tv es muy probable que algunas partes de su actuación ya la haya escuchado o visto anteriormente.

El arranque de la nueva temporada de Comedy Zoo garantiza, sin embargo, la agudeza humorística y el directo más absurdo e irreverente de los cómicos invitados. A Julián López y Raúl Cimas les seguirán en los meses de noviembre y diciembre Angel Rielo, Joaquín Reyes y Miki Nadal. Una fórmula de humor que arrasa allá por donde va!! Se lo aseguro!!

Comedy Zoo
Lugar: teatro Club Capitol
Producción: Zoopa

Venta de entradas:
ticketmaster.es
atrapalo.com
En el 902.15.00.25
y en las taquillas del teatro Club Capitol

Escrito por Taradete y Jorge Pisa Sánchez

Novedad discográfica: La nave de los locos, de Loquillo

En la actualidad vivimos tiempos duros, una época en la que el desánimo y el desencanto están haciendo mella en cada uno de nosotros. Sin embargo, siempre hay alguien dispuesto a poner su granito de arena para revertir esta situación, o al menos intentarlo, y para José María Sanz, Loquillo, no hay mejor solución que utilizar su mejor arma, el rock’n’roll, contra la mentira de quienes nos han llevado a este dramático momento y, así, conservar al menos la esperanza. Su nuevo disco, La nave de los locos (Warner), nace con la pretensión de demostrar que el rock’n’roll es mucho más que un mero entretenimiento, y por esta razón no debe quedarse al margen de la realidad, por muy dura que sea esta.

Loquillo, en una imagen promocional

Un año después de la publicación de su último disco –Su nombre era el de todas las mujeres, en el que musicaba al poeta Luis Alberto de Cuenca–, Loquillo necesitaba volver a sus orígenes, enfrentarse una vez más a un repertorio exclusivamente rockero, y para ello nada mejor que retomar la relación con el letrista que escribió sus mejores canciones durante la época de los Trogloditas: Sabino Méndez, quien vuelve a firmar todos los temas de un disco de Loquillo veinticuatro años después, un rencuentro celebrado con entusiasmo por los seguidores más veteranos del cantante del Clot. Atrás han quedado viejas rencillas y una agria polémica tras la publicación de Corre, rocker, el primer libro de Méndez en el que novelaba sus aventuras junto a Sanz y que caricaturizaba con escarnio al cantante, o así lo entendió él, que rompió drásticamente toda relación con su antiguo socio.

Ahora, las aguas entre ambos han vuelto a su cauce, y Loquillo presenta este trabajo como un “homenaje al mejor compositor de r’n’r español de la década de los 80”, un proyecto coral elaborado entre amigos: Sabino Méndez firma las letras, Jaime Stinus ejerce una vez más de productor –y encabeza la banda, formada por los músicos que habitualmente le acompañan–, Manel Esclusa aporta su talento para las fotografías del libreto –amigo de Sanz desde la etapa en Los Intocables– y Óscar Aibar es el autor del primer videoclip del disco (Contento, rodado en el barrio de Bellvitge, de L’Hospitalet del Llobregat). Además, Sergi Arola y Mikel Erentxun acompañan a Loquillo en algunos temas.

El resultado es La nave de los locos, un LP de rock visceral que Loquillo ha grabado en directo acompañado por su banda –una serie de ensayos previos favorecieron el éxito de la misión– y que nació con la idea de recuperar el formato vinilo (con esa intención se trabajaron los nueve temas, y en la edición CD se incluye un bonus track: Canción de despedida). El primer single del disco es Contento, definido por Sanz como “un dardo al desánimo, un canto a la resistencia individual y a la lucha por la vida”, una pieza con mucha ironía que fue compuesta para el disco Balmoral, pero que finalmente quedó descartada hasta hoy. La canción que abre el LP es La nave de los locos (sin novedad en el paraíso), un canto que invita a seguir bailando rock a pesar de todo. Otras curiosidades son: Planeta rock, que ya grabó Sabino con Los Montaña; Canción de despedida, que no se iba a incluir en el trabajo, pero que finalmente encontró su lugar en el CD (y con Mikel Erentxun ejerciendo de segunda voz); y Luna sobre Montjuïc, canción crepuscular dedicada a la ciudad de Barcelona cuya primera maqueta se remonta al 1985.

Para disfrutar en directo de La nave de los locos todavía deberemos esperar un tiempo: hasta el mes de febrero de 2013 no está previsto que empiece la gira de presentación del disco. Hasta entonces, los fans de Loquillo deberán tener paciencia y conformarse con escuchar una y otra vez el LP en sus reproductores.

Título: La nave de los locos
Autor: Loquillo
Discográfica: Warner
Fecha de publicación: Octubre 2012
Precio: 21,00 €
Más información: www.loquillo.com

Crítica literaria: Maratón, de Andrea Frediani, ed. Algaida.

La editorial Algaida publicó el pasado mes de junio Maratón, de Andrea Frediani, una novela histórica centrada en la leyenda de Filípides, el heraldo que dio su vida para salvar a la ciudad de Atenas durante la Primera Guerra Médica (490 a.C.) y cuya hazaña constituyó la base de la prueba olímpica que conocemos en la actualidad como maratón.

Si bien la novela inicia su trama algunos años más tarde, en aquel crítico momento del año 480 a.C. en el que la flota griega estaba a la espera de noticias sobre el resultado del choque entre espartanos y persas en el paso de las Termópilas, Frediani nos redirige rápidamente hacia Maratón, poco después de que los griegos hayan vencido a las huestes aqueménidas de Darío I. Aunque la victoria terrestre ha sido decisiva, parte de la flota enemiga se dirige hacia Atenas, con Hipias, el antiguo tirano de la ciudad a bordo, con el objetivo de tomar la ciudad. Tres de los hoplitas más destacados en la batalla, Eucles, Filípides y Tersipo, inician una carrera a pie con el propósito de llegar a Atenas antes de que lo haga la flota enemiga, anunciar la victoria helena y evitar cualquier tipo de traición. Aunque para los tres amigos hay algo más en juego: el amor de una mujer y la fama y el honor que conseguirá aquel que llegué antes a Atenas y anuncie la victoria. A lo largo del trayecto desde Maratón iremos conociendo a los tres corredores y las verdaderas motivaciones que impulsan a cada uno de ellos.

La novela, como ven, se centra en uno de los episodios más famosos del enfrentamiento entre griegos y persas y nos propone una trama atractiva e interesante, la que se centra en la gesta, de carácter legendario, que el hemerodromo Filípides llevó a cabo tras la victoria griega en Maratón para salvar a la ciudad de Atenas de la amenaza persa y que, según las fuentes, le causó la muerte tras el colosal esfuerzo atlético.

Lo primero que nos sorprende de la novela es la elección de los protagonistas. Frediani aprovecha para ello la acostumbrada desavenencia entre las fuentes antiguas que no son unánimes a la hora de identificar al protagonista de la historia: aunque el nombre de Filípides es el más extendido, algunas fuentes hacen protagonizar la hazaña a un tal Tersipo e incluso a un tercer pretendiente en discordia llamado Eucles. Esta disparidad de identificaciones permite a Frediani construir la base de la narración a partir de la supuesta amistad existente entre los tres personajes.

Andrea Frediani

Maratón no posee una trama principal, sino tres grandes líneas argumentales que coinciden, además, con tres momentos temporales diferentes. El primero y el que estructura la novela, es la contienda atlética que enfrenta a los tres hoplitas por convertirse en el heraldo que anuncie a Atenas la victoria griega en Maratón, y en la que está en juego la toma de la ciudad por parte de los persas. A esta trama se suman los recuerdos de la infancia y juventud de Eucles, el hoplita a través del cual nos es narrada la acción, y que nos adentra en la historia de la joven democracia ateniense y en el papel que el ejercicio y la competición tenía en la cultura griega. La tercera, que se irá imponiendo a medida que avanza la novela, se centra, claro está, en la batalla de Maratón, en la que Frediani narra no tan solo el combate sino también los momentos previos al mismo.

El autor nos introduce en el mundo griego antiguo aunque con un ojo puesto en la actualidad, ya que a través de las 410 páginas que integran la novela Frediani discute, o hace discutir a sus persones, cuestiones que nos pueden parecer muy presentes a aquellos que vivimos en el siglo XXI.

Uno de las principales temas que toca la novela es el que vincula el deporte, en este caso el atletismo, a los valores cívicos y militares de la ciudad griega antigua. Frediani se basa en la institución del efebato, la educación deportiva que recibían los jóvenes atenienses, para iniciar la narración y nos permite presenciar de esta forma diversas competiciones atléticas, un elemento, este, que distingue por sí solo, a la obra.

Otra de las cuestiones principales de la novela, y la que nos toca más de cerca, es la descripción que realiza el autor del funcionamiento «real» de la democracia ateniense, una forma de gobierno, no olvidemos, recién instaurada en la polis griega en el momento de su primer enfrentamiento con los persas. Es aquí donde se nos revelan acaloradamente actuales las discusiones entre los diversos protagonistas de la novela. Los diálogos entre Filípides, Tersipo y Eucles, nos muestran una época en la que la democracia, aún titubeante, luchaba por consolidarse en Atenas, amenazada tanto por los partidarios de la oligarquía como por los defensores de la tiranía, que amenazaba con volver a instaurarse en la polis griega de la mano de los invasores persas. A todo ello se suma algo que se me antoja como muy actual, si bien Frediani lo sitúa, con acierto, en la Atenas clásica, como es el constante juego político «partidista» entre los dirigentes atenienses que se extiende, incluso, al seno del propio ejército. Es sugestivo ver a los grandes políticos y estrategas atenienses del momento, esto es Temístocles, Milciades, Calímaco o Aristides, luchar por un «trozo del pastel», a expensas, incluso, de la propia victoria ateniense en Maratón.

Corredores durante los Juegos Panatenaicos

Finalmente, y como tercer pie argumentativo, hallamos la propia disputa que enfrentará, con un componente más trágico a medida que avanza la novela, a los tres amigos movilizados para enfrentarse a los persas. Un conflicto cuyo epicentro son los favores de una dama ateniense. Un amor que irá quebrando la amistad entre Eucles, Filípides y Tersipo y que acabará convirtiendo la historia en un auténtico drama.

Es también interesante la subtrama de la que es protagonista el poeta Esquilo y su hermano Cinegiro. A través de ella podremos presenciar lo dramático que podía ser para un ciudadano el cumplimiento del deber militar. Esquilo, que participó realmente en la batalla de Maratón, nos es presentado como un soldado cobarde y asustadizo que presencia el combate desde las últimas líneas de la falange, y que personaliza, sin duda alguna, el miedo que mucho hoplitas, temerosos por sus vidas, tendrían que vivir en el momento crucial de la batalla.

La novela posee un ritmo que va in crescendo a medida que uno avanza en su lectura. Si en el inicio predomina la evocación de los recuerdos de Eucles y el relato de su amistad con Filípides y Tersipo, el enfrentamiento con los persas se irá imponiendo poco a poco para dominar el desarrollo de las últimas páginas de la novela. En su elaboración Frediani muestra un conocimiento concienzudo de la época en que ambienta la acción, que ya invirtió en la redacción de su primera novela de ficción titulada 300 guerreros (ed. Bóveda, 2011), ambientada en la batalla de las Termóplias. Pero Maratón, no lo olviden, no es solo una novela de carácter militar, sino que aúna, en una prosa atractiva y adictiva, aspectos relacionados con la realidad política del momento (escojan ustedes entre Antigüedad y Actualidad) y con el deporte en la Grecia clásica. Por desgracia la historia nos es explicada casi totalmente desde el punto de vista heleno, quedando los persas siempre en un segundo plano, como meros comparsas, hecho este que hace menguar la visión global del conflicto.

Frediani, sin embargo, se deja llevar un poco por la fantasía en el tramo final de la novela. Aunque el autor realiza una buena narración de la batalla de Maratón, incluyendo, con todo, algunos «ingredientes» no del todo confirmados históricamente, el relato del enfrentamiento personal entre los tres corredores es, a veces, poco creíble, y nos remite más al ámbito de la leyenda que al mundo de los humanos (seguramente una opción deseada por el autor) si bien esta elección permite a Frediani dar diversos giros a la trama, que aunque le restan historicidad potencian su atractivo como novela.

Personalmente les he de confesar que Maratón me «enganchó», algo que se debe, sin duda, tanto a la buena mano de Frediani, como a la temática de la novela, que nos transporta a uno de aquellos episodios principescos de la historia de Occidente.

Una pequeña joya del género de la novela histórica que les hará conocer, a través del enfrentamiento entre griegos y persas y de la rivalidad entre los tres protagonistas de la novela, uno de los episodios más laureados de la historia de Grecia, aunque, y esto es lo curioso, a través de una leyenda atlética elaborada ya en tempos antiguos, la del heraldo Filípides, o Eucles o Tersipo, y su heroica hazaña atlética que salvó a Atenas de caer en manos persas tras la victoria griega en Maratón.

Título: Maratón
Autor: Andrea Frediani
Editorial: Algaida
Colección: Algaida Literaria>Inter
Formato: Rústica Hilo / 15,5 x 23 cm.
Fecha de publicación: junio de 2012
Nº de páginas: 416
I.S.B.N.: 978-84-9877-792-5
Precio: 18 €

Estreno cinematográfico: Drácula 3D, de Dario Argento.

El próximo viernes se estrena en España Drácula 3D, la última aventura terrorífica del maestro del género Dario Argento, una revisión actualizada y en tres dimensiones del clásico de Bram Stoker.

Jonathan Harker viaja en tren de Inglaterra al remoto castillo del conde Drácula, situado en los Cárpatos en la frontera de Transilvania. El propósito de su misión es catalogar la biblioteca de Drácula. Pronto, desconcertado por los simpáticos modales de Drácula, Harker descubrirá que es el prisionero del castillo. También comenzará a conocer perturbadoras facetas de la vida nocturna de Drácula.

Título: Drácula 3D
Género: Terror
Nacionalidad: Italia, Francia, España
Año: 2012
Director: Dario Argento
Reparto: Asia Argento, Rutger Hauer, Thomas Kretschmann, Miriam Giovanelli, Marta Gastini, Unax Ugalde, Morgane Slemp
Guión: Dario Argento, Enrique Cerezo, Stefano Piani, Antonio Tentori
Música: Claudio Simonetti
Fecha de Estreno: Viernes, 09 de Noviembre de 2012
Producción: Multimedia Film Production, Enrique Cerezo P.C., Les Films de l’Astre
Web oficial: www.dracula3dthemovie.com

Crítica teatral: Pàtria, en el Teatre Lliure de Gràcia.

Cuando uno hace una crítica teatral siempre tiende a considerar, aunque a veces la tarea sea harto complicada, la contemporaneidad de la obra que se somete a su examen. De ahí que hasta la performance más exótica o el aquelarre teatral más acrobático sean analizados y explicados en clave de actualidad.

Pues bien, con Pàtria, la obra dirigida por Jordi Casanovas y estrenada el pasado 18 de octubre en el Teatre Lliure de Gràcia, todo esto que les acabo de explicar no es necesario. No es que el propósito de la obra no se deba llevar a la actualidad, sino que, por el contrario, la actualidad que vivimos hoy mismo ha sido trasplantada sobre el escenario del Lliure, lo que convierte en algo fútil el intento del reseñador.

Pàtria nos invita a una reflexión sobre la situación política que vive Cataluña y España en la actualidad. Todo comienza con la noticia de la muerte de la madre de Miquel Raventós, presentador de televisión y moderador del debate político previo a las elecciones autonómicas catalanas. Las últimas palabras de la madre de Miquel lo dejan afligido y bajo de defensas ante las falacias y las mentiras de los representantes políticos, lo que le obliga a expresar claramente su opinión sobre la situación del país ante las pantallas y a hacer pública su proclama: Bona Nit y Llibertat!

Las afirmaciones manifestadas por Raventós en directo asombran a conocidos y familiares y conectan espontáneamente con una sociedad necesitada de argumentos e ideas auténticas que seguir y que la saquen de la grave situación de crisis económica, política y moral en la que vive. La aparición de una ambiciosa asesora de campaña política (Rosa Vila), hará decidirse al periodista a pasar al mundo de la política con un programa y una propuesta rupturista: la independencia de Catalunya.

Casanovas nos presenta, en el segundo capítulo de su trilogía sobre la realidad catalana inaugurada el año pasado con Una història catalana, un juego poliédrico de verdades y mentiras en el que aparecen todos los temas que, seguro, discutimos en familia, entre amigos o en los descansos en la oficina: la mentira engañosa de los políticos; los intereses económicos ocultos tras las siglas de los partidos políticos; la acción oscura y poco ética de los grandes grupos financieros y las corporaciones multinacionales; la utilización por parte de los políticos de proclamas y slogans más o menos fraudulentos para conseguir más votos, el desgastado y mezquino, a veces, papel de la prensa…

Lo que nos propone Casanovas es una reflexión sobre la realidad política, económica y social en la que vivimos inmersos, justo en un momento en el que el debate sobre la complicada relación entre España y Cataluña está más presente y en un panorama en el que parecen consolidadas las propuestas rupturistas, como las imaginadas en Pàtria. En medio de esta vorágine de voluntades y atrevimientos, Casanovas nos viene a confirmar una cosa importante: hasta las verdades políticas están basadas en la mentira.

La trama de Pàtria se fabrica en el escenario a partir de la labor de seis actores que irán mutando de apariencia y de personalidad para narrarnos una historia de ambición y de renovación política. Francesc Orella está magnifico, como de costumbre, en su papel de candidato capaz, por primera vez en la historia, de conseguir el poder en Cataluña como líder de una fuerza política independentista. Su contrincante principal, Alex Casanovas, traza firmemente un personaje antiestético, el de un político capaz de cualquier acto o traición que le permita mantenerse en el poder y mejorar la intención de voto de su partido. Aquí se halla, pues, la base del enfrentamiento teatral de la obra: la pugna entre el intento honesto de hacer política, que, como no podía ser de otra forma, proviene de fuera del mundo de la política y el empeño de las clases gobernantes, corruptas y ambiciosas, de mantenerse en el poder y conservar sus privilegios cueste lo que cueste. ¿Les suena esto de algo?

Este desafío teatral entre Orella y Casanovas, el actor, se acaba de construir gracias a la interpretación del resto del reparto, en el que Marcel Borràs, Lluïsa Castell, Fermí Reixach i Rosa Vila tejen con sus actuaciones una tela de araña interpretativa resistente y flexible, sin la cual la trama de la obra no podría avanzar, y menos de una forma tan convincente.

Pero Casanovas, el director, va más allá de la mera transposición de la actualidad al escenario, y pretende analizar, bajo el formato de una obra de trasfondo político y social, la realidad que subyace tras los símbolos, esos con los que se juega siempre, y que se convierten en sólidos referentes no solo de ideas sino también de acciones. Símbolos como Moragues, Macià o Companys, a los que podríamos sumar El Cid o los Reyes Católicos en España (la Patria a la que hace referencia el título de la obra) y que las más de las veces, por no decir siempre, están construidos artificiosamente sobre verdades a medias, pero que sirven muy bien para movilizar, en base a la emoción y los sentimientos «de tripa», a las personas y a las comunidades en función de intereses invariablemente particulares.

Este es el meollo, a mi parecer, de lo que quiere tratar Casanovas, y para ello construye una trama interesante, actual y con ritmo, en la que la vida repleta de mentiras se enfrenta a la verdad, materializada en el síndrome de Asperger que sufre Marcel Borràs, el hijo de Raventós, que le impide mentir. Un tipo de autismo que se puede considerar como una enfermedad o como una bendición, dependiendo del punto de vista des del que se mire. Y a Casanovas le interesa dejar su opinión en suspenso, para generar un debate ligado al juego político, que no podría sobrevivir sin la mentira y donde el verdadero autista es aquel que dice la verdad.

Casanovas nos propone una reto interesante sobre la realidad más cercana, aquella que inunda nuestro día a día y aquella que habla sobre la veracidad de nuestros referentes históricos y culturales. Por medio nos quiere hacer reflexionar sobre nosotros mismos. ¿Son las mentiras y la perfidia de los políticos un síntoma de una clase corrupta y amoral, o sus defectos son los mismos que sufrimos nosotros? ¿Los políticos están hechos de la misma pasta que la sociedad? Yo por desgracia me decanto por esta última opción, y suelo pensar que los problemas que sufrimos como sociedad, como país, como cultura y si me fuerzan incluso como humanidad, se deben a que, como personas, nos dejamos llevar habitualmente por nuestros intereses más privativos. Un combustible este, que por desgracia ha hecho mover, mueve y moverá durante mucho tiempo, puede incluso que de forma indefinida, el destino del planeta y de las sociedades que en él se desarrollen.

Pàtria” se representa en el Teatre Lliure Gràcia del 18 de octubre al 11 de noviembre de 2012.

Pàtria prolonga su temporada en Barcelona en el teatre Poliorama hasta el 16 de diciembre de 2012.

Dramaturgia y dirección: Jordi Casanovas
Reparto: Marcel Borràs, Àlex Casanovas, Lluïsa Castell, Francesc Orella, Fermí Reixach y Rosa Vila
Escenografía: Jordi Soler Prim
Vestuario: Albert Pascual
Caracterización: Lucho Soriano y Mariona Trias
Iluminación: David Bofarull (a.a.i.)
Sonido: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure y EL CANAL – Centre d’Arts Escèniques Salt/Girona

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 30,25 €; miércoles, día del espectador 21,30 €; 25,75€ con descuento
Idioma: catalán
Duración de la obra: 2 horas sin pausa

Espectáculo recomendado por el Servei Educatiu del Teatre Lliure

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

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Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

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