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Crítica teatro: Les tres germanes, en el Teatre lliure

Chéjov regresa al Teatre Lliure, y lo hace de nuevo con una versión de Les tres germanes realizada por Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique y dirigida por este último, un análisis del alma humana en una época de cambio y de crisis.

«La historia de tres hermanas (Masha, Olga e Irina) y un hermano (Andrei) es la vida insatisfecha y decadente de las clases privilegiadas en la Rusia rural. Moscú es el principal elemento simbólico de la pieza, siempre idealizado y deseado por los personajes, atrapados en su burbuja, ansiando un nuevo mundo que ya despunta».

Les tres germanes es una reflexión sobre el alma humana que si originalmente se ambientaba en la Rusia rural de finales del XIX y principios del XX, Manrique se ha dispuesto a sintetizar, actualizar y reconfigurar, como es su habitual, con el objetivo de acercarla más al público del siglo XXI y con ello abarcarnos a todos y todas en la reflexión.

La propuesta nos provee de una ponderación del alma humana elaborada desde el desasosiego que nos presenta a los hermanos, o mejor dicho, a las hermanas Prozorov, que tras la muerte del patriarca se verán obligadas a hacer frente a unas vidas vacías, sin dirección y repletas de sueños rotos. Nadie se salvará del abismo que provocan las vidas no deseadas ya sea por motivos sentimentales, profesionales o existenciales.

La vida en la casa familiar de los Prozorov se irá haciendo con el paso del tiempo más triste y asfixiante: Masha (Maria Rodríguez) con una relación de pareja vacía e inconsistente; Olga (Cristina Genebat) con un trabajo como profesora que no le llena e Irina (Elena Tarrats) con unos anhelos de juventud y de futuro que no llegará a cumplir nunca y que sumirán su vida en la desesperanza. Por su parte, Andrei (Marc Rius), el hermano, no será capaz tampoco de realizarse ni profesional ni familiarmente, una situación que lo atrapará y abocará, también, al desánimo.

Les tres germanes_1

Como veis un panorama triste y demoledor que se completa con la situación de todos los personajes relacionados con la familia, y que se verán también atrapados en vidas mediocres o en situaciones no deseadas. De ahí que la idea de trasladarse a Moscú, la capital, y cambiar de vida será el único anhelo que dará coherencia a sus respectivas existencias. A lo que acompañará una constante reflexión filosófica de varios de los personajes sobre el futuro del hombre y de la humanidad, como una alegoría de su incapacidad para cambiar y mejorar.

Así, pues, Les tres germanes, en las manos de Manrique, se convierte en un análisis de la desesperanza, de la vacuidad de la vida, que no tan solo atañe a los que están sobre el escenario, sino que nos puede afectar a todos y a todas, tan solo al dejar de lado aquello que mueve nuestras entrañas y que hace que nos esforcemos por lo que queremos. Cuando no atendemos a esa energía vital, abrimos las puertas de nuestro ser al vacío y al desasosiego, y en consecuencia al fracaso. Como ven algo muy profundo, nada a extrañar si recordamos que la obra es, en origen, de Chéjov.

La adaptación de Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique ha transfigurado así un texto clásico y, si me lo permiten, delicioso, en una propuesta actual con una puesta en escena contemporánea y con un grupo de actrices y actores que dan mucho de sí en la representación.

A Genebat, Rodríguez, Tarrats y Rius, que conforman el cuerpo principal de las actuaciones, se suma el esfuerzo actoral de Mireia Aixalà, Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Lluís Soler y Jordi Rico, que completan el elenco de la obra.

La escenografía es a la vez sencilla y al mismo tiempo sorprendente, ya que el escenario se convierte en una pecera, en la que veremos como se desarrolla la vida de los personajes, sin capacidad alguna de estos de escapar de ella… Una acertada alegoría a la situación vital que pretende mostrar la obra.

Un empeño, el de versionar a Chéjov, del que ya salió con éxito Manrique en el 2010 al adaptar L’hort del cirerers en el teatro Romea, y que deja un buen sabor de boca en el espectador, aunque el ritmo de la obra no sea siempre todo lo dinámico que debería. Aún así, Les tres germanes es una propuesta a tener en cuenta, un Chéjov, ya sabéis, siempre lo es, y más cuando la obra nos habla de la esencia de la vida, de aquello que nos llena como personas y que nos hace ser lo que somos, cumplamos nuestros anhelos o no.

«Les tres germanes», se representa en el Teatre lliure de Montjuïc del 10 de diciembre de 2020 al 17 de enero de 2021.

Autor: Anton Chéjov
Adaptació: Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique
Dirección: Julio Manrique
Interpretes: Mireia Aixalà,Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Cristina Genebat, Jordi Rico, Marc Rius, Maria Rodríguez, Lluís Soler y Elena Tarrats
Espacio escénico: Lluc Castells
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure

Horarios: de miércoles a sábados a las 19:00 horas; domingos a las 18:00 horas
• Martes 22/12 y 29/12 a las 19:00 horas
Precio: de 9€ a 29€
Idioma: Català
Duración: 2 horas y 15 minutos
NOTA CULTURALIA: 8

Crítica teatro: L’home de la flor als llavis i…, en el Teatre Akadèmia

Tras el parón teatral debido a la segunda ola de la Covid-19, el pasado sábado asistí a la representación de L’home de la flor als llavis i… una creación colectiva de Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll que reflexiona sobre el teatro y el recuerdo a partir de la figura de Luigi Pirandello.

“Un cine durante la Italia de los años 50 sirve como punto de partida de una aventura y de un encuentro en el que de entre medio del público, el acomodador de la sala, antes actor, divisará una cara conocida, la de la misma Marta Abba. Un reencuentro que los llevará a reflexionar sobre su trayectoria y el oficio de ser intérprete. Recuerdo, ficción y actualidad entrelazan en un espectáculo que profundiza en los valores de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del s. XX”.

El teatre Akadèmia ha vuelto a tejer una obra consistente en la que el teatro, el oficio y la vida de los y de las que se dedican a ello se nos hace palpable desde la sencillez y el buen gusto. Para ello se ha escogido la vida de Pirandello, uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX, del que se ofrece al público una realidad ampliada que abarca su teatro, su vida privada y la relación que mantuvo con algunos de los actores y actrices de su compañía.

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La obra se estructura de una forma atentamente delicada y en varios formatos que incluyen el monólogo, con el que conoceremos a los personajes, Ruggero Ruggeri (Àlex Casanovas), Marta Abba (Montse Guallar) y el propio Pirandello (Xavier Ripoll), el diálogo, en la única escena en la que Casanovas y Guallar comparten escena y la representación teatral dentro de la representación teatral, que nos acerca al juego de desdoblamiento habitual en la obra de Pirandello con la interpretación de una escena de la obra L’home de la flor als llavis.

En esta ocasión todo está llevado a la práctica con una delicadeza extrema, ya sea por respeto a la obra de Pirandello o por la consideración hacia una profesión, la teatral, que ha sido y es uno de los grandes pilares del arte en nuestra sociedad. En la puesta en escena, además, destaca la materialización de la relación epistolar mantenida a lo largo del tiempo entre la actriz Abba y el propio Pirandello, una delicia por como está tratada y por los temas vitales y profesionales que son tratados en ella.

En lo que toca a la dirección y la actuación, L’home de la flor als llavis i… alcanza cotas notables. Gas ha creado un contexto escénico que ha permitido a los tres actores, Casanovas, Guallar y Ripoll, navegar escénicamente de una forma contenida pero a la vez realista e intensa. Magnífica, por otra parte, la caracterización de Ripoll de la personalidad y la imagen de Pirandello.

L’home de la flor als llavis i… es una gozada. La obra solo pretende hacernos disfrutar del teatro por el teatro, de las trayectorias vitales de los actores, de las actrices y de los directores de teatro y que, además, nos regala al reflexionar sobre los valores y las ideas de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del siglo XX. Una pequeña y estimulante gozada teatral.

«L’home de la flor als llavis i…» se representa en el Teatre Akadèmia, en el del 10 de diciembre de 2020 al 10 de enero de 2021.

Dirección: Mario Gas
Autor: Luigi Pirandello
Dramaturgia: Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Traducción: Pau Vidal
Reparto: Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll
Escenografía: Sebastià Brosa, Paula Bosch, Francesc Colomina y Art Coolers
Figurines: Antonio Belart
Iluminación: Lluís Serra
Sonido: Orestes Gas
Caracterización: Helena Fenoy, Marta Ferrer y Mercè Sánchez
Vestuario: Cornejo, Goretti i Época
Producción: Teatre Akadèmia

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 18:00 horas.
Horarios especiales: consultar web Teatre Akadèmia
Precio: 22€
Duración: 95 minutos
Idioma: Catalán
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica novela: Un gusto a almendras amargas, Hella Haasse, Edhasa

Aunque no recuerdo exactamente dónde adquirí Un gusto a almendras amargas, novela histórica escrita por la autora neerlandesa Hella S. Haasse, seguramente en una de las paradas de libros en Sitges, sí que recuerdo la impresión que me hizo el libro: sus pequeñas dimensiones, el extraño título y el nombre de la autora, a la que desconocía hasta entonces. Así que no pude evitar comprarlo, por lo que la novela acabó ocupando su espacio en uno de los estantes de mi librería personal a la espera de su turno de lectura. Y finalmente me decidí por él.

En el año 417 d.C., bajo el gobierno de Honorio, el primer emperador romano de Occidente, cuya subida al trono marcó la división definitiva del Imperio, el cristianismo se ha convertido en la religión oficial y se persigue el menor atisbo de paganismo.
Mediante el enfrentamiento entre el magistrado Adriano y el poeta proscrito Claudio Claudiano, Hella S. Haasse recrea una época de decadencia del Imperio, sometido a la presión de los bárbaros, al tiempo que expone sin maniqueísmos ni medias tintas el enfrentamiento entre el poder del Estado y la libertad individual.

Lo primero la autora: Haasse es considerada una de las más importantes escritoras neerlandesas del siglo XX, de la que destacan novelas como Oeroeg o Los señores del té, ambientadas en las Indias orientales holandesas o La ciudad escarlata, una biografía novelada de la familia Borgia.

Lo segundo la novela: Un gusto a almendras amargas ha sido un pequeño gran descubrimiento. La acción si sitúa a principios del siglo IV d.C., durante el reinado de Honorio, un periodo, como ya sabéis, muy querido aquí en Culturalia, en un momento de transformación del Imperio romano. Los cultos paganos han sido prohibidos y la nueva religión oficial es la cristiana. La autora nos sitúa en un tribunal de justicia, en el que el prefecto Adriano inicia el interrogatorio a varias personas que han sido detenidas durante la celebración de un ritual pagano.

Hella Haasse
Hella S. Haasse

Haasse escribe una novela en la que pretende ofrecernos la visión de un final y también de un principio. El final del mundo pagano representado en la religión que llevó a la gloria a Roma y en los últimos adeptos a sus cultos, en este caso miembros de la élite romana, y su afán en mantener sus creencias en la clandestinidad. Por otra parte la autora se fija también en el cristianismo triunfante a partir del siglo IV, y en como la nueva religión oficial persigue, en contradicción con sus propios principios, todo aquello que “huele” a paganismo.

A ello se suma la biografía del poeta cortesano Claudio Claudiano, uno de los detenidos durante la celebración del ritual pagano bajo el nombre de Nilíaco, que durante el interrogatorio iniciará un enfrentamiento personal con el magistrado encargado de la investigación, que permite a Haasse reflexionar sobre lo escurridizo del poder y el éxito, personalizado en el encumbramiento del poeta y su relación con Estilicón, el hombre fuerte del gobierno durante los primeros años del reinado de Honorio y su posterior caída en desgracia, que cambió su vida para siempre convirtiéndolo en un proscrito.

Ya veis que Un gusto a almendras amargas no es una novela histórica al uso, esto es, no pretende relatarnos unos hechos históricos concretos, sino reflexionar sobre un mundo que acababa y otro que comenzaba y que daría forma, con el tiempo, al nuestro. La autora se interesa, pues, más por la reflexión de los protagonistas que en sus acciones. De hecho, la acción se reduce al interrogatorio en el tribunal y a la estancia de los detenidos la noche siguiente en los calabozos, donde el lector conocerá más íntimamente a los personajes implicados y sus motivaciones. Por lo que más que largos diálogos o descripciones de acontecimientos, la narración se basa en las cavilaciones de los protagonistas principales, ya sea el magistrado encargado del interrogatorio o el poeta caído en desgracia.

Y como os decía, el interés principal de la autora se centra en lo mudable de la vida y en cómo esta puede cambiar de un día para otro. Haasse demuestra, por otra parte, un profundo conocimiento de la época, que le permite transitar por ella de una forma creíble y, sin duda, emotiva.

Un gusto a almendras amargas es una buena ocasión para reflexionar sobre la vida, también la nuestra, y sus caprichos, que nos obligan muchas veces a dirigir nuestros pasos hacia lugares insospechados, transmutado todo ello en una novela histórica que aunque nos relata un episodio ficticio de la historia, no por ello deja de ser reveladora de los misterios de la existencia humana.

Título: Un gusto a almendras amargas
Autora: Hella S. Haasse
Editorial: Edhasa
Colección: Pocket-Edhasa
Formato: Rústica / 11 x 18 cm
Páginas: 192
Precio: 6.95 €
ISBN: 9788435016629

NOTA CULTURALIA: 7,5

Crítica serie: Electric Dreams, basada en los relatos de Philip K. Dick

Ya sabéis que lo que es actualmente, la televisión le ha ganado la batalla al cine. La producción de series de todo tipo y de todo género ha creado, además, un nuevo tipo de espectador que goza consumiendo, algunos compulsivamente, todo aquello que se puede visualizar en cualquier tipo de pantalla. Debido a ello los más diversos géneros están viviendo un apogeo en los más variados dispositivos móviles, plataformas y, como no, también en las televisiones. Gracias a esta vorágine audiovisual en el año 2017 Amazon Prime estrenó Electric Dreams, una miniserie de diez capítulos basada en relatos de ciencia-ficción de Philip K. Dick.

«La serie analiza a la humanidad y al ser humano en diez episodios independientes al estilo de La dimensión desconocida o Black Mirror. De 5 a 5000 años en el futuro, cada historia de esta antología cuestiona qué significa ser humano en mundos excepcionalmente ambiciosos, terrestres y aun así fantásticos».

Electric Dreams es una muy buena idea, al menos sobre el papel, que permite a los espectadores disfrutar con uno de esos hacedores de la ciencia-ficción, que ha alcanzado a lo largo de su carrera literaria altas cotas de excelencia y del que podemos recordar relatos y films basados en ellos como Blade Runner, Desafío total o Minority Report.

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Si bien, la propuesta, positiva e incluso diría que esperada por los fans de K. Dick, no acaba de obtener el mejor resultado posible. Como os podéis imaginar un producto que contiene diez historias diferentes, basadas en diez relatos diferentes, dirigidos por 10 directores diferentes y con actores y actrices también diferentes, da como resultado capítulos de interés y acabado diferentes.

Un producto, eso es cierto, de alta gama, esto es, la calidad técnica, los efectos especiales y los aspectos técnicos de la serie están muy logrados, y le dan a los diversos episodios un aspecto más bien integrado, pero los guiones, sobre todo, las direcciones y las interpretaciones, o lo que lo mismo, el proceso creativo de producción, hacen que los capítulos, y con ellos la serie, obtenga un resultado muy desigual.

Como sabéis, Philip K. Dick se interesaba en sus reflexiones literarias en la contradicción entre realidad y ficción y también en las propias incoherencias del alma humana, de las que por desgracia, estuvo bien surtido, bastándole solo con mirar distraídamente a su alrededor, más o menos como en la actualidad… Pero la puesta en escena de los episodios de la serie no es siempre la mejor. Así, pues, de entre los diez episodios de la serie destacamos en Culturalia algunos por lo interesante de la trama y por su plasmación audiovisual.

Entre los mejores episodios podemos destacar Real life o Safe and Sound, que nos proponen un nuevo debate sobre la realidad y la ficción generada por los dispositivos de inteligencia artificial; Human is, que, aunque parezca redundante, reflexiona sobre la humanidad del ser humano y Autofac, que nos muestra los efectos del consumismo a gran escala, la contaminación y su afectación en el medio ambiente, y como no, en el futuro de la humanidad. Entre los episodios menos conseguidos encontramos Impossible Planet, The Commuter, Crazy Diamond, Kill all others o The Father Thing, este último con una historia muy similar al típico relato de invasión de ultracuerpos.

Como os decía, Electric Dreams es una buena noticia al ser una propuesta televisiva basada en los relatos de Philip K. Dick, aunque su materialización, si bien en su globalidad correcta, no ha sabido hacer la mejor elección de los relatos más interesantes del autor americano, ni materializarlos televisivamente de la mejor forma posible. Aún así, vale la pena el visionado de la serie y la posterior reflexión que los temas tratados en los capítulos pueden sugerir en el espectador, la clave, sin duda, de la mejor ciencia-ficción.

Título original: Electric Dreams
Año: 2017
Duración: Serie 10 capítulos (50 minutos)
País: Reino Unido
Dirección: David Farr, Tom Harper, Marc Munden, Julian Jarrold, Jeffrey Reiner, Francesca Gregorini, Dee Rees, Peter Horton, Alan Taylor, Michael Dinner
Reparto: Nicole Agada, Matthew Raymond, Ann Akin, Anthony Boyle, Tom Brooke, Rudi Dharmalingam, Jack Reynor, Geraldine Chaplin, Naveed Khan, Marko Leht, Rebecca Manley, Tuppence Middleton, Anne Reid, Timothy Spall, Hayley Squires, Bryan Cranston, Steve Buscemi, Greg Kinnear, Mireille Enos, Juno Temple
Guión: Jack Thorne, Michael Dinner, David Farr, Ronald D. Moore, Matthew Graham, Tony Grisoni, Jessica Mecklenburg, Dee Rees, Travis Beacham, Kalen Egan, Travis Sentell (basado en los relatos de Philip K. Dick)
Música: Olafur Arnalds
Fotografía: Felix Wiedemann, Tony Slater Ling, Ollie Downey, Ole Bratt Birkeland, David Katznelson, John Lindley, John Duffy
Productora: Channel 4, Sony Pictures Television
Género: Serie de TV | Ciencia ficción | Antología

NOTA CULTURALIA: 6
NOTA IMDB: 7.3
NOTA FILMAFFINITY: 6.3
NOTA ROTTEN TOMATOES:

• Crítica: 72%
• Audiencia: 76%

Turismo: El palacio de la Aljafería (Zaragoza)

Reinauguramos la sección de Turismo en Culturalia, en la que intentaremos presentaros patrimonio, yacimientos arqueológicos museos o lugares destacados que vale la pena conocer, principalmente de España pero también de otros países. Una sección que os servirá de ayuda si estáis organizando algún viaje o si tan solo queréis conocer otros lugares.

El primer destino que vamos a tratar en esta sección es la Aljafería de Zaragoza, palacio que fue declarado monumento nacional de interés histórico-artístico en el año 1931. El complejo que desde entonces ha sido restaurado por los arquitectos Francisco Íñiguez Almech, Ángel Peropadre Muniesa, Luis Franco Lahoz y Mariano Pemán Gavín y en el que se han llevado a cabo varias campañas de excavación arqueológica, acoge en la actualidad las Cortes de Aragón en una parte del conjunto monumental.

En el año 2001 la UNESCO declaró patrimonio de la humanidad el mudéjar de Aragón, destacando que el palacio de la Aljafería es uno de los monumentos más representativos y emblemáticos del arte mudéjar aragonés.

La historia constructiva del palacio se inicia en el siglo IX y abarca diversas épocas. La Aljafería conserva parte de su primitivo recinto fortificado, de planta cuadrangular y reforzado por grandes torreones ultrasemicirculares, a los que se suma la torre del Trovador, cuya zona inferior, datada en el siglo IX, es el resto más antiguo del conjunto arquitectónico.

Palacio de la Aljaferia_Arquerias
Arquerias Palacio de la Aljaferia

Este recinto alberga construcciones residenciales propias del estilo palacial islámico de influencia omeya. Por lo tanto, frente al espíritu defensivo y la reciedumbre de las murallas, el palacio taifal muestra un esquema compositivo con un gran patio rectangular, a cielo abierto y con una alberca en su lado sur; a continuación, dos pórticos laterales, con arquerías mixtilíneas y polilobuladas; y, al fondo, unas estancias tripartitas que en sus orígenes estaban destinadas para uso ceremonial y privado.

Asimismo, en el pórtico norte se encuentra un pequeño oratorio, de planta octogonal y de reducidas dimensiones, en cuyo interior podemos ver una fina y profusa decoración de yeso con los típicos motivos de ataurique y algunos fragmentos pictóricos de tonos vivos y contrastados.

Palacio de la Aljafería_Oratorio_nicho del mihrab
Oratorio_nicho del mihrab

Todos estos logros artísticos se corresponden con las obras realizadas en la segunda mitad del siglo XI bajo el mandato del rey Abú Yaáfar Áhmad ibn Sulaymán al-Muqtádir, y reflejan la importancia cultural y el virtuosismo plástico de su corte. El palacio de la Aljafería supone una de las mayores cimas del arte hispanomusulmán.

Tras la reconquista de Zaragoza por Alfonso I el Batallador en el año 1118, se inició la andadura cristiana de la Aljafería, de tal manera que se convirtió en el palacio de los monarcas aragoneses, quienes llevaron a cabo en su interior sucesivas obras de ampliación y de reacondicionamiento.

De todo este período medieval (siglos XII – XIV), cabe citar la iglesia de San Martín, la denominada «alcoba de Santa Isabel», la desaparecida capilla de San Jorge, la arquería oeste del patio de Santa Isabel y, sobre todo, las salas del palacio mudéjar del rey Pedro IV, coronadas por unos espléndidos alfarjes, recientemente recuperados.

El palacio de los Reyes Católico fue erigido sobre la fábrica musulmana entorno al año 1492, con el fin de simbolizar el poder y prestigio de los monarcas cristianos. La dirección de las obras recayó en elmaestro mudéjar Faraig de Gali, y en ellas se funde la herencia artística medieval con los nuevos aportes del Renacimiento, de ahí que dieran lugar a uno de los ejemplos más significativos del llamado «estilo Reyes Católicos».

Palacio de la Aljafería_escalinata
Escalinata

El palacio consta de una escalinata, una galería o corredor y un conjunto de salas, denominadas «de los Pasos Perdidos», que tienen su culminación en el gran Salón del Trono. De todas estas dependencias, lo más interesante son, por un lado, las solerías, a base de losetillas y azulejos de Muel, y, por otro, las techumbres de madera dorada y policromada, entre las que destaca el soberbio artesonado del Salón del Trono.

A partir de 1593, y por mandato del rey Felipe II, el ingeniero sienés Tiburcio Spanochi diseñó los planos para transformar la Aljafería en un fuerte o ciudadela «a la moderna», para lo cual se dotó al conjunto de un recinto amurallado exterior, con baluartes pentagonales en las esquinas y con un imponente foso de circunvalación, de paredes en ligero talud con puentes levadizos.

Artesonado en sala de los Pasos Perdidos

Después de este primer acondicionamiento militar, durante los siglos XVIII y XIX se produjeron en el edificio profundas intervenciones para su adaptación como acuartelamiento, y, de ellas, todavía se conservan los bloques construidos en época de Carlos III y dos de los torreones neogóticos añadidos en tiempos de Isabel II.

Por todo ello, hay que resaltar que muy pocos monumentos aragoneses cuentan con muestras arquitectónicas tan sobresalientes como las existentes en la Aljafería de Zaragoza, pues en ella se resumen diez siglos de la vida cotidiana y de los acontecimientos histórico-artísticos de Aragón.

Desde el año 1987, el palacio de la Aljafería, vuelve a ocupar un lugar relevante al acoger entre sus viejos muros a las Cortes de Aragón.

Palacio de la Aljafería
Calle de los Diputados, s/n, 50003 Zaragoza

Información práctica:

Crítica: Elcano, viaje a la historia, de Tomás Mazón Serrano, Ed. Encuentro

Elcano, viaje a la historia, de Tomás Mazón

La historia de los descubrimiento, sean estos los que sean, siempre se convierte en un relato interesante. El esfuerzo de la humanidad por alcanzar un conocimiento o un nuevo dominio sobre la naturaleza es el argumento idóneo para una novela, por la suma de genialidad, dramatismo y esfuerzo que ello comporta. Dar por primera vez la vuelta al mundo a comienzos del siglo XVI con la tecnología que se poseía por aquel entonces es toda una hazaña llevada a cabo por Magallanes, Elcano y los suyos, que Tomás Mazón Serrano nos relata en el libro Elcano, viaje a la historia, publicado el pasado octubre por la editorial Encuentro.

La obra ayuda a cubrir un vacío en la bibliografía en castellano sobre la aventura de Magallanes y Elcano y su primera circunnavegación de La Tierra, de la que si bien ya se habían publicado monografías y novelas históricas, aún necesitaba una revisión de carácter histórico divulgativo como la de Mazón Serrano, propietario de la web rutaelcano.com dedicada a la gesta y que contiene gran información y de calidad sobre la hazaña náutica.

Mazón Serrano nos relata la primera vuelta al mundo desde una perspectiva realista y basada en las fuentes, narrando con un estilo, a veces novelesco, la deriva del descubrimiento, desde su organización en la corte del emperador Carlos V, su realización y la severidad de la aventura, realizada no olvidemos, con una tecnología marítima arcaica y en muchos casos con conocimientos erróneos sobre la naturaleza y dimensiones de La Tierra.

Así, pues, seguiremos las hazañas de los “descubridores” primero en su intento de llegar a la Especiería, esto es, las tierras ricas en especias de Oriente, evitando a los portugueses, que guardaban el conocimiento de sus rutas comerciales como oro en paño. Asimismo, Mazón Serrano se interesa por la personalidad de los personajes principales, entre ellos Magallanes, Elcano y los capitanes de los navíos que iniciaron la aventura, y nos narra las vicisitudes y la tragedia que también marcaron el avance de la empresa, como la rebeliones que se produjeron, la muerte de Magallanes o la decisión, una vez llegados a la Especiería, de continuar el viaje de circunnavegación que haría famosos a los líderes de la expedición.

Pero Elcano, Viaje a la Historia, aunque posee muchos aciertos, también muestra algunos inconvenientes que afectan a su lectura. Si bien el relato de la expedición es comprensible y asequible, se duplica a menudo al presentar tanto las fuentes citadas como el relato del autor, hecho este que ralentiza la lectura. Otro de los puntos débiles del libro es su brevedad. La primera circunnavegación del planeta nos es explicada en 219 páginas, en algunos momentos con una gran brevedad, lo que puede provocar una impresión de «ausencia» de relato en la narración de Mazón Serrano, y la sensación de que nos perdemos algo importante. Si bien esta brevedad permite al autor dedicar una parte importante de la obra tanto a explicar a los lectores los conocimientos técnicos-náuticos de la época como a presentar varios anexos con información sobre los navegantes, las tripulaciones o las fuentes utilizadas. A lo que se suma toda una serie de láminas centrales y un desplegable final con mapas a todo color que nos permiten seguir el itinerario seguido por Magallanes y Elcano y su flota.

Dicho esto y teniendo en cuenta una brevedad que sabe a poco, Serrano Mazón consigue, incluso con cierto grado de admiración, relatar la aventura de unos hombres que arriesgaron su vida no tan solo para enriquecerse con el comercio de especias, sino, sobre todo en el tramo final de su aventura, para alcanzar la gloria, la de ser los hombres que consiguieron dar la primera vuelta al mundo y confirmar con su hazaña los enunciados científicos acumulados en Europa hasta ese momento.

Título: Elcano, Viaje a la historia
Autor: Tomás Mazón Serrano
Editorial: Encuentro
Colección: Nuevo Ensayo
Materia: Historia; Historia de España; Historia moderna; Historia marítima
Páginas: 328
Formato:15 x 23 cm | 16 páginas con mapas a color + 1 desplegable
Fecha de publicación: 1 octubre 2020
ISBN: 978-84-1339-023-9
Precio: 24€

NOTA CULTURALIA: 7,9

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Jorge Pisa

Crítica teatro: Avinguda Nacional, en la Sala Beckett

Regresa el teatro a la Sala Beckett tras el cierre de la actividad escénica el pasado octubre debido a la puesta en marcha de las medidas anticovid aprobadas por la Generalitat, y lo hace con Avinguda Nacional del dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, una propuesta que no dejará indiferente a nadie dirigida por Martí Torras Mayneris e interpretada por Josep Julien, Patrícia Bargalló, Babou Cham, y Oriol Roca.

«Se hace llamar Vandam. Como Jean-Claude van Damme. Es un héroe. Un guerrero. Lo sabe todo de los combates. Tiene una opinión sobre todo. La política. Las mujeres. El mundo… En 1989, en Praga, marchó por la Avenida Nacional, donde el 17 de noviembre tuvo lugar una manifestación que llevó a la caída del régimen comunista en la antigua Checoslovaquia. Ahora, su segunda casa es el bar Severka. Este es su mundo. Es aquí donde discute de política, donde reniega, donde a veces levanta el brazo derecho, evocando el saludo de los romanos, da lecciones sobre la vida o rompe los dientes a alguien».

Avinguda Nacional es una obra dura, no apta para todas las sensibilidades, un texto despiadado que nos traslada al infierno personal en el que sobrevive un ser devastado. En ella se habla de la vida pero de una forma atroz, o lo que es lo mismo, a través de los ojos de Vandam (Josep Julien), un personaje al que la existencia ha maltratado y que por lo tanto se cree con el derecho a maltratar a los demás.

La dirección de Martí Torras Mayneris nos presenta un escenario desolado, en el que Vandam nos irá abriendo su alma al mismo tiempo que nos relata su pasado y su presente. Alguien que se ha pasado la vida mintiendo e imponiéndose a los demás, las más de las veces a través de la violencia, la cual conoce muy bien, hecho este que le permitirá, incluso, dar lecciones sobre ella.

Avinguda Nacional_1

Josep Julien encarna brillantemente a ese ser oscuro y violento y le da vida de una forma que, por momentos, da miedo. La personificación es perfecta, hasta tal punto que el actor consigue desaparecer de escena para poder mostrar las obscenas y repulsivas entrañas del personaje que interpreta. Un acierto que, sin duda, se debe tanto al actor como a la dirección. El resultado es una obra impecable e implacable que permite al publico reflexionar no solo sobre la violencia en sí sino también sobre actitudes cívicas en las que el furor contra los diferentes, contra los que no opinan igual o contra los que no son iguales tiene un papel destacado.

Pero Vandam no está solo en escena, aunque en la obra se imponga el monólogo al diálogo. A Julien le acompañan sobre el escenario los actores Patrícia Bargalló y Babou Cham, que dan la réplica al personaje desde su misma sustancia y el músico Oriol Roca, que interpreta el hilo musical minimalista de la representación e encarna, también de forma minimalista, al hijo de Vandam.

Así, pues, la Beckett retoma su programación escénica con una pequeña joya, a la que ha dado forma el dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, ha adaptado Martí Torras Mayneris y ha elevado casi a la perfección Josep Julien, una reflexión sobre la violencia y las causas que nos llevan irremisiblemente hacia ella, personalmente y como sociedad.

Avinguda Nacional es una producción de la Sala Beckett en el contexto del proyecto Fabulamundi. Playwriting Europe, que quiere promover el conocimiento y el intercambio de textos y autores entre los diferentes países miembros. La Sala Beckett forma parte desde 2017 conjuntamente con teatros de Alemania, Austria, Francia, Italia, Polonia, República Checa y Rumanía.

«Avinguda nacional» se representa en la Sala Beckett del 24 al 29 de noviembre de 2020.

Autor: Jaroslav Rudiš
Traducción: Naila Rami Oms
Dirección y adaptación: Martí Torras Mayneris
Reparto: Patrícia Bargalló, Babou Cham, Josep Julien y Oriol Roca
Escenografía: Judit Colomer
Iluminación: Gane Gil
Vestuario y caracterización: Fàtima Campos
Espacio sonoro: Oscar Villar
Música: Oriol Roca
Producción: Sala Backett

Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
Precio: de 10€ a 18€
Duración: 1 hora y 25 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9

Naturaleza encendida en el Real Jardín Botánico de madrid

Llega la Navidad y con ella cuando el sol se pone, florece la magia en el Real Jardín Botánico de Madrid.

Estas Navidades podrás vivir una experiencia extraordinaria en un entorno lleno de sorpresas, luces y lugares ideales en los que capturar los momentos más especiales de estas fiestas. Flora es una edición de Naturaleza Encendida que consigue asombrar a todos los públicos al contemplar sus impresionantes esculturas lumínicas de flores a tamaño gigante, al escuchar las sinfonías cantadas por los árboles, o al ver cómo nuestros deseos pueden llegar a volar. Algunos de los árboles más representativos del Jardín cobran vida y conoceremos muchas de las especies que habitan esta joya de botánica del Real Jardín Botánico de Madrid.

Naturaleza Encendida es una oportunidad única para vivir una experiencia inmersiva mágica en un espacio natural. Un paseo nocturno donde tú eres el protagonista, en un emplazamiento extraordinario y tranquilo, donde la vida se ilumina en el centro de la ciudad.

Embárcate en esta aventura increíble que te invita a descubrir la naturaleza y el ecosistema ahora en Madrid. Recorre lugares llenos de sorpresas y magia, aptos para todos los públicos y en entornos seguros.

Naturaleza encendida en el Real Jardín Botánico
Del 17 noviembre de 2020 al 10 de enero de 2021
Horarios: de 18:00h a 23:00h (último acceso a las 22.00h)
Dirección: Plaza de Murillo 2, 28014 Madrid

Información y entradas: https://naturalezaencendida.com/

Crítica cine: Contagio en alta mar, de Neasa Hardiman (2019)

Contagio en alta mar_2

Hoy llega a las pantallas españolas Contagio en alta mar, un thriller irlandés de terror náutico dirigido por Neasa Hardiman e interpretado por Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield y Olwen Fouere.

Contagio en alta mar es una película alejada de las grandes producciones americanas que nos pretende narrar una historia entre el thriller y el terror desde un punto de vista que podríamos considerar realista. El film nos cuenta una historia interpretada por un grupo de pescadores irlandeses que salen a faenar en el arrastrero de pesca Niamh Cinn Óir, una tripulación variopinta que trabaja como si fuera una pequeña familia, lo que seguro que hace que la historia se nos haga más cercana y por tanto, también más turbadora.

La necesidad obligará a la tripulación a arriesgarse en alta mar para obtener una gran captura. Pero la llegada de un parásito desconocido proveniente de los abismos del océano impedirá que sus aspiraciones se hagan realidad. Comenzará, así, una lucha para vencer el peligro que representa el parasito y regresar a tierra sanos y salvos, para lo que contarán con la ayuda de Siobhán (Hermione Corfield) una estudiante de biología marina que les acompaña en el arrastrero investigando los patrones de comportamiento de la fauna oceánica.

Contagio en alta mar_1

El film presenta, así, elementos de terror, encarnados en el ser parasitario de carácter lovecraftiano que amenazará la vida de los integrantes de la tripulación, a los que se suman elementos de thriller y supervivencia marítima que nos permitirán conocer un poco más a los personajes y nos harán preguntarnos el porqué de lo que está pasando.

Neasa Hardiman, acostumbrada más al medio televisivo que al cinematográfico, ha intentado, como decía, dar a la historia un toque realista, que sin duda hará pensar al espectador en la situación actual provocada por la pandemia de Covid-19. Y es que mucho de lo que pasa en el pesquero a pequeña escala se puede trasladar a la situación que vivimos a nivel planetario en la actualidad, produciéndose en el film también una pugna entre las necesidades económicas de la tripulación y el riesgo que supone enfrentarse a la amenaza parasitaria, en la que el miedo al contagio, los efectos negativos de la cuarentena o el sacrificio por los demás estarán muy presentes en el film.

Contagio en alta mar aprueba en lo que respecta a las interpretaciones, ya que en su gran mayoría son creíbles y hacen que el espectador se meta fácilmente en una trama que incluye a muy pocos personajes, no por otra la acción se desarrolla en un pequeño pesquero en alta mar. De entre todos destacan Hermione Corfield que interperta a la joven estudiante universitaria que acompaña a los pescadores; Ardalan Esmaili que da vida al ingenero que mantiene a flote a la embarcación pesquera y Connie Nielsen y Dougray Scott que encarnan a los propietarios del pesquero y personalizan los problemas económicos y emocionales que el trabajo en el mar comporta.

Así, pues, Contagio en alta mar es un film pequeño pero realizado con esmero, con sencillos pero efectivos efectos especiales. La dirección escueta y el guión rápido de Neasa Hardiman, dan forma a un relato interesante, sobre todo para aquellos y aquellas interesados en los films de terror y de descubriemnto, en este caso de un ser vivo que puede amenazar la supervivencia de la humanidad… Les suena de algo?? Lástima que la conclusión del film se le vaya algo de las manos…

Título: Contagio en alta mar
Año: 2019
Duración: 94 min.
País: Irlanda
Dirección: Neasa Hardiman
Guión: Neasa Hardiman
Música: Christoffer Franzén
Fotografía: Ruairi O’Brien
Reparto: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg
Producción: Irlanda, Estados Unidos, Reino Unido, Suecia, Bélgica
Bright Moving Pictures, Creativity Capital, Fantastic Films, Frakas Productions, Makar Productions, Flexibon Films. Distribuida por Eagle Film Production Company
Género: Drama | Terror | Thriller | Aventuras marinas

NOTA CULTURALIA: 6,5
NOTA ABANDOMOVIEZ: 6,21
NOTA IMDB: 5,7
NOTA ROTTEN TOMATOES:

• Crítica: 86%
• Audiencia: 47%

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Jorge Pisa

Exposición: Vampiros, La evolución del mito, en CaixaForum Barcelona

CaixaForum Barcelona inaugura la exposición Vampiros, La evolución del mito, que permanecerá abierta hasta el 31 de enero de 2021.

El mito del vampiro y el cine han estado vinculados a lo largo de los siglos XX y XXI en una relación simbiótica e ilusoria. Esta exposición permite al visitante sumergirse en el mundo de los vampiros y conocer las relaciones entre las diferentes facetas de estos seres maléficos, a partir de diferentes disciplinas artísticas.

A principios del siglo XX, la recién nacida industria cinematográfica se apropió rápidamente del mito del vampiro, surgido de antiguas supersticiones griegas y árabes, extendido en Europa Central durante la Edad Media y reforzado durante el siglo XVIII en escritos científicos y en novelas del romanticismo inglés del siglo XIX. La película expresionista Nosferatu (1922), de F. W. Murnau, una adaptación libre de la novela Drácula, de Bram Stoker, se convirtió en la obra fundamental de la relación entre el cine y el mito del vampiro.

Desde entonces, el cine y el vampirismo han estado vinculados en su aproximación sobre el personaje y representan dos facetas de una misma narrativa estética. Muchos de los grandes cineastas han sucumbido a la tentación de representar su propia visión del mito para transmitir algo sobre su práctica artística, como Dreyer, Browning, Tourneur, Polanski, Herzog, Coppola, Burton, Bigelow y Weerasethakul. Drácula es sin duda el vampiro más recurrente de esta historia cinematográfica, y ha contado con producciones en todo el mundo (Hollywood, Europa, México, Filipinas, Nigeria, Hong Kong, etc.).

La exposición reúne una selección de la vorágine de películas de fantasía que el mito ha propiciado, desde proyectos de vanguardia hasta blockbusters. Relata las tensiones entre el cine y este mito, consciente de las metamorfosis del vampiro que están intrínsecamente ligadas a las transformaciones del medio cinematográfico. Además de mostrar películas y obras literarias, la exposición expone una selección de apariciones del vampiro en otras disciplinas artísticas, como los collages surrealistas de Max Ernst, algunos grabados de Los Caprichos de Goya, las inquietantes pinturas del artista contemporáneo Wes Lang o la icónica imagen de Drácula interpretado por Bela Lugosi usada por Andy Warhol en su litografía titulada The kiss.

El diálogo y los encuentros entre películas y obras de arte proporcionan los fundamentos de esta exposición multidisciplinar, que coloca el cine como eje narrativo principal.

Exposición: Vampiros, La evolución del mito
Espacio: CaixaForum Barcelona
Fechas: del 29 de octubre de 2020 al 31 enero de 2021