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Crítica teatro: Avinguda Nacional, en la Sala Beckett

Regresa el teatro a la Sala Beckett tras el cierre de la actividad escénica el pasado octubre debido a la puesta en marcha de las medidas anticovid aprobadas por la Generalitat, y lo hace con Avinguda Nacional del dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, una propuesta que no dejará indiferente a nadie dirigida por Martí Torras Mayneris e interpretada por Josep Julien, Patrícia Bargalló, Babou Cham, y Oriol Roca.

“Se hace llamar Vandam. Como Jean-Claude van Damme. Es un héroe. Un guerrero. Lo sabe todo de los combates. Tiene una opinión sobre todo. La política. Las mujeres. El mundo… En 1989, en Praga, marchó por la Avenida Nacional, donde el 17 de noviembre tuvo lugar una manifestación que llevó a la caída del régimen comunista en la antigua Checoslovaquia. Ahora, su segunda casa es el bar Severka. Este es su mundo. Es aquí donde discute de política, donde reniega, donde a veces levanta el brazo derecho, evocando el saludo de los romanos, da lecciones sobre la vida o rompe los dientes a alguien”.

Avinguda Nacional es una obra dura, no apta para todas las sensibilidades, un texto despiadado que nos traslada al infierno personal en el que sobrevive un ser devastado. En ella se habla de la vida pero de una forma atroz, o lo que es lo mismo, a través de los ojos de Vandam (Josep Julien), un personaje al que la existencia ha maltratado y que por lo tanto se cree con el derecho a maltratar a los demás.

La dirección de Martí Torras Mayneris nos presenta un escenario desolado, en el que Vandam nos irá abriendo su alma al mismo tiempo que nos relata su pasado y su presente. Alguien que se ha pasado la vida mintiendo e imponiéndose a los demás, las más de las veces a través de la violencia, la cual conoce muy bien, hecho este que le permitirá, incluso, dar lecciones sobre ella.

Avinguda Nacional_1

Josep Julien encarna brillantemente a ese ser oscuro y violento y le da vida de una forma que, por momentos, da miedo. La personificación es perfecta, hasta tal punto que el actor consigue desaparecer de escena para poder mostrar las obscenas y repulsivas entrañas del personaje que interpreta. Un acierto que, sin duda, se debe tanto al actor como a la dirección. El resultado es una obra impecable e implacable que permite al publico reflexionar no solo sobre la violencia en sí sino también sobre actitudes cívicas en las que el furor contra los diferentes, contra los que no opinan igual o contra los que no son iguales tiene un papel destacado.

Pero Vandam no está solo en escena, aunque en la obra se imponga el monólogo al diálogo. A Julien le acompañan sobre el escenario los actores Patrícia Bargalló y Babou Cham, que dan la réplica al personaje desde su misma sustancia y el músico Oriol Roca, que interpreta el hilo musical minimalista de la representación e encarna, también de forma minimalista, al hijo de Vandam.

Así, pues, la Beckett retoma su programación escénica con una pequeña joya, a la que ha dado forma el dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, ha adaptado Martí Torras Mayneris y ha elevado casi a la perfección Josep Julien, una reflexión sobre la violencia y las causas que nos llevan irremisiblemente hacia ella, personalmente y como sociedad.

Avinguda Nacional es una producción de la Sala Beckett en el contexto del proyecto Fabulamundi. Playwriting Europe, que quiere promover el conocimiento y el intercambio de textos y autores entre los diferentes países miembros. La Sala Beckett forma parte desde 2017 conjuntamente con teatros de Alemania, Austria, Francia, Italia, Polonia, República Checa y Rumanía.

“Avinguda nacional” se representa en la Sala Beckett del 24 al 29 de noviembre de 2020.

Autor: Jaroslav Rudiš
Traducción: Naila Rami Oms
Dirección y adaptación: Martí Torras Mayneris
Reparto: Patrícia Bargalló, Babou Cham, Josep Julien y Oriol Roca
Escenografía: Judit Colomer
Iluminación: Gane Gil
Vestuario y caracterización: Fàtima Campos
Espacio sonoro: Oscar Villar
Música: Oriol Roca
Producción: Sala Backett

Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 19:00 horas.
Precio: de 10€ a 18€
Duración: 1 hora y 25 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9

Estreno teatro: La golondrina, en el Teatro Infanta Isabel

El pasado viernes se estrenó en el Teatro Infanta Isabel de Madrid La golondrina, una reflexión sobre el ser humano y sobre las consecuencias del odio y la violencia, con texto escrito por Guillem Clua, dirección de Josep María Mestres e interpretado por Carmen Maura y Dafnis Balduz.

La obra reúne a dos personajes, Amelia y Ramón. La primera, una severa profesora de canto, recibe en su casa a Ramón, quien desea mejorar su técnica vocal para cantar en el memorial de su madre fallecida recientemente. La canción elegida tiene un significado especial para él y, al parecer, también para la mujer quien, a pesar de sus reticencias iniciales, accede a ayudar al joven alumno.

«¿Qué es lo que nos hace humanos? De todo aquello que somos y hacemos, ¿qué crees que realmente define nuestra humanidad?» Para Amelia, una madre herida en lo más profundo de su alma, la respuesta está en el dolor. Lo que realmente nos hace humanos es la capacidad de sentir como propio el dolor de los demás. Eso es lo que nos diferencia de las bestias, dice. Y ese es el sentimiento que recorre la espina dorsal de La golondrina, el último texto de Guillem Clua.

El texto se inspira directamente en el ataque terrorista del bar Pulse de Orlando (EE.UU.) de junio de 2016 en el que murieron 49 personas, pero La golondrina no habla solo de ese atentado. En ella también resuenan las tragedias de la Sala Bataclán de París, del paseo marítimo de Niza, de Las Ramblas de Barcelona… y trata de comprender el sinsentido del horror, las consecuencias del odio y las estrategias que utilizamos para que no nos destruyan el alma.

El Cervantes Theatre de Londres (Reino Unido) acogió en septiembre de 2017 el estreno mundial La golondrina. El texto se inscribió en el primer ciclo New Spanish Writing, organizado por Acción Cultural Española en la recientemente inaugurada sede londinense de la Spanish Theatre Company. El objetivo de la sala es promocionar la dramaturgia española en la capital londinense y se dirige tanto al público español como al local.

La golondrina” se representa en el Teatro Infanta Isabel de Madrid del 13 de noviembre de 2020 al 10 de enro de 2021.

Dirección: Josep Maria Mestres
Texto: Guillem Clua
Reparto: Carmen Maura y Dafnis Balduz
Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Tatiana Hernández
Música: Iñaki Salvador

Horarios: web teatro
Precio: desde 18,75€
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos

Crítica teatral: L’Inframón, en el Teatre Lliure

Como es bien sabido, los avances tecnológicos comportan cambios en las vidas de aquellos que los utilizan y, a la larga, modificaciones a la hora de valorar nuestra propia existencia. He aquí una de las claves de L’Inframón, obra estrenada en el Teatre Lliure de Gràcia el pasado 21 de septiembre, escrita por Jennifer Haley y dirigida por Juan Carlos Martel Bayod, y que nos propone una reflexión sobre el límite entre lo que es legal y lo que no en el mundo virtual de internet.

L’Inframón es una thriller de ciencia-ficción con un adn muy cinematográfico en el que Haley reflexiona sobre el impacto de las nuevas tecnologías e internet en el mundo actual. Así, la obra nos presenta una investigación policial en el inframundo, el internet del futuro, que el agente Morris (Mar Ulldemolins) lleva a cabo con el objetivo de desarticular un negocio virtual vinculado con el abuso de menores y la violencia regentado por Sims (Andreu Benito).

Este supuesto permite a Haley no solo crear una trama de intriga policial al estilo hollywoodiense, con giros e insinuaciones falsas en la trama, sino hacernos reflexionar también sobre el uso que le damos a la tecnología que tenemos a nuestro alcance, presentándonos “el inframundo”, una red de conexión a internet evolucionada que permite integrar las sensaciones en la experiencia virtual. De esta forma, la obra nos hace dudar y, por lo tanto reflexionar, sobre la naturaleza de la realidad que percibimos, y sobre qué vidas son más reales, aquellas que nuestros avatares pueden llevar a cabo en internet o las nuestra propias.

La trama se ubica en un futuro cercano pero indefinido y se estructura en un doble relato escénico. Por un lado seremos testigos de la investigación policial que se está realizando en el plano real, mientras que por otra parte podremos presenciar la investigación que se lleva a cabo en el ámbito virtual, todo ello exquisitamente resuelto con la utilización combinada de audiovisuales y juegos de luces y superficies, que permiten hacer aparecer y desvanecer espacios sobre el escenario, permitiendo a los espectadores, así, situarse a la perfección en la doble realidad de la que nos habla la historia.

l_inframon_teatre-lliureLa obra, como ya he comentado, trata además temas sensibles en la actualidad como son la actividad maliciosa en el mundo virtual de internet, la violencia y, sobre todo, el abuso de menores. Aún así, Haley y Martel Bayod examinan estas temáticas con gran elegancia, algo que potencia, además, el alcance y el acierto de la propuesta.

Por lo que respecta a las interpretaciones, Benito, Ulldemolins y Carreras dan vida a los personajes principales de la trama. Benito acierta, como siempre, en la composición del personaje oscuro sobre el que gira la trama y el mundo virtual que nos es presentado; Carreras, aunque de forma secundaria, muestra su destreza interpretativa, si bien Ulldemolins no acaba de encontrar su lugar a la hora de dar vida a la investigadora policial del inframundo que lleva a cabo la investigación del negocio de Sims. Y, cabe destacar por su frescura y pericia, la jovencísima Carla Schilt que da vida a Iris, seguramente el personaje clave de la obra.

L’Inframón en una reflexión que hace uso de los géneros de la ciencia-ficción y de la intriga en el teatro de forma firme e intensa, pero que no acaba de ser un producto redondo, ya sea debido a su naturaleza próxima al episodio televisivo o al thriller cinematográfico de éxito, que la asemejan a tantas otras propuestas ya conocidas, o porqué, y siendo muy puristas, no acaba de rizar el rizo en lo que respecta a la conclusión de la historia.

En lo que sí que destaca la propuesta del Lliure es en su voluntad de hacernos meditar sobre temas importantísimos en nuestra vida cotidiana y que cada vez lo serán más a medida que evolucione la tecnología y con ella nuestra forma de comprender la realidad. L’Inframón es, pues, una excelente oportunidad para ver el teatro de otra forma e intuir hacia dónde nos puede llevar el avance tecnológico, y algunos de los dilemas legales y morales que, seguro, este generará.

L’Inframón” se representa en el Teatre Lliure de Gràcia hasta el 16 de octubre de 2016.

Autora: Jennifer Haley
Dirección: Juan Carlos Martel Bayod
Reparto: Andreu Benito, Joan Carreras, Carla Schilt, Víctor Pi y Mar Ulldemolins
Traducción: Neus Bonill
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar
Caracterización: Eva Fernández
Iluminación: David Bofarull (a.a.i.)
Sonido: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure  y GREC 2016 Festival de Barcelona

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precios: de 15 a 29€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 20 minutos sin pausa

NOTA CULTURALIA: 8.5
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Jorge Pisa

Crítica literaria: Vorágine, de Alexander Drake, Ediciones Irreverentes.

Hoy reseño en Culturalia un tipo de libro que no estoy acostumbrado a leer ni a criticar. Su título es Vorágine, está escrito por Alexander Drake y publicado este mismo año por la editorial Ediciones Irreverentes. El libro está constituido por 85 relatos de lo que podríamos definir como “realismo sucio”, una categoría literaria que incluye violencia, sexo, reflexión sobre la naturaleza humana, crítica social e itinerario intimista. Una variedad de temáticas que dan al libro un tono oscuro y sombrío y que tiñe las páginas de la mayoría de sus narraciones.

Drake, licenciado en psicopedagogía y autor de dos obras más, Surfers, una visión antropológica de la cultura y el surf (2006) y La Transformación (2009), nos presenta una serie de relatos cortos, cuya extensión varía desde unos pocos párrafos hasta las varias páginas, en los que la violencia y el sexo prevalecen por encima de todo. Un dominio, este, que dirige nuestra mirada hacia lo más hondo del alma humana que, envuelta por el contaminado horizonte urbano, nos habla de los instintos más brutales que se ocultan, más veces de las que estaríamos dispuestos a reconocer, entre las sombras que habitan en las grandes metrópolis.

Unos relatos que centran su atención en lo que podríamos considerar los “malos pensamientos” más que en las propias acciones reales, si nos atenemos, al menos en nuestro país, a las noticias de sucesos que ocupan parte de la prensa escrita y los minutos de muchos de los telediarios que, faltos de noticias, o de profesionalidad periodística, se apoyan en los actos forjados por los más bajos instintos y las venganzas más siniestras para llenar de noticias y a veces de titulares sus portadas.

Pues bien, los relatos de Drake transitan a lo largo de ese espectro de realidades más desconcertantes y oscuras que, aunque no estén, la mayor parte de las veces, cerca de nosotros, no por ello dejan de existir. Unas historias que nos hacen sentir la soledad interior que puede llegar a provocar la gran ciudad, el desasosiego y la violencia des-controlada generada a lo largo del día, y que se puede llegar a materializar cuando regresamos a nuestro hogar y somos conscientes de que nuestra realidad está muy lejos de ser aquella con la que habíamos soñado.

Los relatos que integran el libro poseen un estilo directo, se inician cuando comienza la acción, ni un minuto antes ni un minuto después. Los hechos nos son narrados desde un único punto de vista, principalmente masculino, y nos envuelven de esa atmósfera de perversión, violencia y sexo que les comentaba al principio. Un ambiente sucio que mancha todo lo que toca. Los diversos relatos nos muestran toda una serie de mentes perturbadas que explotan a lo largo de los párrafos escritos por Drake y que tienen como contrapartida a la mujer, a veces esplendorosamente sexual y voluptuosa y a veces convertida en la víctima indefensa de las necesidades y carencias afectivas y sociales de los diversos protagonistas. El resultado es, en la mayoría de los casos, una autopsia, o más bien dicho una vivisección, de la naturaleza humana teñida de la crudeza y la brutalidad del realismo terrorífico.

En muchos de los relatos que componen Vorágine también podemos intuir algunas reflexiones y situaciones autobiográficas del propio autor. Pero no se vayan a creer, debido a las temáticas protagonistas en muchos de sus relatos, que Drake es un escritor desalmado y trastornado a punto de precipitarse en una espiral de sadismo y ferocidad violenta. Al contrario, estas otras narraciones de Drake nos permiten reflexionar sobre la vida de un joven escritor que se abre camino en la industria editorial y como sus avances y sus retrocesos, más estos últimos que los primeros, afectan a su vida personal y profesional. El autor, además, no nos deja en ascuas, y en el último de sus relatos, el que lleva por nombre Los primeros años como escritor, nos resume cual ha sido su experiencia al respecto.

Vorágine nos propone toda una serie de relatos oscuros y violentos, que transitan por el alma impersonal de la vida en la ciudad. Una recopilación de historias no recomendada, eso sí, para aquellas almas más sensibles e impresionables. Como se indicaba en los rótulos de inicio de las películas de antaño, muchos de los relatos de Drake no están recomendados para aquellos que esperan encontrar sueños e ilusiones en las paginas de los libros que leen, sino para aquellos otros que no tienen miedo a mirar en el interior de las almas que viven en las metrópolis, de aquellos que quizá habitan en su mismo edificio o en la casa que queda en la esquina de su calle y a ver hasta dónde puede llegar la barbarie y la violencia de la sociedad urbana y capitalista en la que vivimos.

Título: Vorágine
Autor: Alexander Drake
Editorial: Ediciones Irreverentes
Número de páginas: 196
ISBN: 978-84-15353-33-1
Precio: 17 €

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Nueva Publicación: Vorágine, de Alexander Drake, Ediciones Irreverentes

Culturalia os presenta Vorágine, la nueva propuesta de la editorial Ediciones Irreverentes, una recopilación de ochenta y cinco relatos cortos surgidos de la mano de Alexander Drake, un itinerario a través del sexo, la violencia y lo tenebroso de la naturaleza humana.

Vorágine (obra ganadora del VII Premio Internacional Vivendia-Villiers de Relato) es una recopilación de ochenta y cinco impactantes y descarnados relatos cortos cuyo objetivo es explorar en el sexo compulsivo, la violencia, la naturaleza humana, el lado más oscuro del subconsciente y las vivencias que oculta la gran ciudad tras la capa de lo políticamente correcto, incluyendo grandes dosis de crítica social corrosiva. Son relatos escritos desde un planteamiento tragicómico y salvaje, desde el punto de vista de quien ha asumido que las buenas palabras de la sociedad son mentira. Con un estilo que se puede considerar influenciado por Bukowski (principalmente), de quien beben sus hombres sin futuro, aunque también por Chuck Palahniuk, Richard Ford y el primer Martin Amis; entre otros autores que han optado por el lado más crudo y visceral de la literatura. Éste es un libro de realismo sucio que juega a fundirse entre el psicoanálisis y la violencia urbana de su entorno. Resulta excitante en su violencia sexual en una primera lectura, pero deja una mueca que no sabemos si es una sonrisa o el rictus de quien ha comprendido el profundo terror de las cosas.

Alexander Drake (San Sebastián, 1974) es el seudónimo bajo el que se oculta el autor de Vorágine. Estudió Psicopedagogía en la Universidad del País Vasco. En 2009 publicó la novela La Transformación y en 2006 publicó el libro de fotografía e investigación Surfers, una visión antropológica de la cultura del surf.

Título: Vorágine
Autor: Alexander Drake
Editorial: Ediciones Irreverentes
Número de páginas: 196
ISBN: 978-84-15353-33-1
Precio: 17 €

Estreno teatral: Danny i Roberta

La violencia y la agresividad, desde el drama o la comedia, vertebran la programación de verano del Versus Teatre, que, mientras muchas salas barcelonesas cierran sus puertas, decide no descansar y ofrecer nuevas propuestas escénicas frente el paro estival. Así, el Versus Teatre estrena el próximo 1 de julio Danny i Roberta, una obra que habla de una relación entre dos personajes heridos por la vida, ávidos de una válvula de escape y de confesar sus culpas, una tensa y conflictiva historia entre dos personas cargadas de un equipaje demasiado pesado e incapaces de amar.
Danny y Roberta son dos personajes que se mueren por hablar, por vaciar, por confesar sus culpas y encuentran en el otro una oportunidad, una válvula de escape para hacerlo. Son dos personajes heridos por la vida. Cargados de un equipaje demasiado pesado e incapaces de amar. No obstante, esta noche, la noche que pasarán juntos, se atreverán a volar. Se atreverán a tocar el cielo con las manos. No sabemos qué pasará mañana. Ni siquiera sabemos qué pasará unas horas más tarde del final.

Desde un escenario desnudo y partiendo de la base que son los actores los que nos tienen que hacer soñar con la complicidad del público, Danny y Roberta salen solos al escenario y se explican su vida. Nada más que eso. Tan sencillo y tan complicado al mismo tiempo.

La Compañía Zerega nace de la asociación de los actores Xavi Álvarez, Anna Moliner y David Pintó, de la necesidad de crear un tipo de teatro comprometido con el arte. Fruto de la complicidad de los tres y de un lenguaje teatral común deciden poner en marcha el proyecto “Danny i Roberta” en septiembre del año 2008. Este primer proyecto crece con la intención de gestarse sin prisas y de conseguir un producto artesanal que no tenga una fecha límite de estreno y quiere ser su carta de presentación en sociedad.

“Danny i Roberta” se representará en el Versus Teatre del 1 de julio al 1 de agosto de 2010.

Intérpretes: Xavi Álvarez y Anna Moliner
Dirección y adaptación: David Pintó
Ayudante de dirección y apoyo producción: Ota Vallès
Caracterización: Joan Marín
Fotografías: Alba Lajarín
Compañía: Cia Zerega

Horarios: De jueves a sábado a las 21:00; horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 16 €
Duración del espectáculo: 1 hora

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Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en http://www.indienauta.com