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Crítica teatral: NORA, en la Sala Atrium

Sala Atrium inicia las representaciones de la Trilogía de la imperfección con Nora, la adaptación a cuatro de La casa de muñecas de Henrik Ibsen, una propuesta reivindicativa dirigida por Raimon Molins e interpretada por Mireia Trias, Oriol Tarrasón, Patrícia Mendoza y Gal·la Sabaté.

La adaptación de la compañía Sala Atrium posee un adn muy personal de pequeño formato que nos lleva a reflexionar sobre el papel de la mujer en un mundo (en la original Casa de muñecas a finales del siglo XIX, en Nora ambientada en la actualidad), en el que el ominoso juego de las apariencias se imponen a la realización y la felicidad personal.

«Nora es la esposa del banquero Torvald Helmer y madre de tres hijos. La vida parece que ha llegado a un punto de equilibrio y felicidad para la pareja, para la familia. Nora, sin embargo, luchará para salir de la casa de muñecas en la que se ha convertido su vida y su hogar. Nora es la reivindicación y pone en cuestión los valores que forman lo que se llama en nuestra sociedad la felicidad y sus pilares, en una sociedad capitalista y basada a menudo en la apariencia».

La propuesta de Sala Atrium es atrevida en la puesta en escena y en la forma adoptada por la representación, lo que ha conllevado un importante esfuerzo de condensación y de acotación de la obra original que planteó, en su momento, a finales del siglo XIX, la reflexión sobre el papel social de la mujer, mostrándonos el trance existencial del personaje principal, Nora Helmer, al descubrir su verdadera condición no solo en el interior de la familia en la que vive, sino también en una sociedad que la reducía a mera acompañante.

nora_1Sin embargo, Nora adolece de una adaptación y de una dirección de Raimon Molins no del todo conseguida, que no permite a la obra tomar un ritmo escénico adecuado, provocando algunos momentos de alboroto sobre el escenario. La reducción a cuatro de los personajes de la obra y el uso de la cámara de video que, aunque innovador y sugestivo, adolece de un uso a veces excesivo, también dificulta, en algunos momentos, la comprensión del relato escénico.

Por lo que respecta a las interpretaciones, estas se dejan llevar en ocasiones por lo informal de la adaptación, un efecto que se aprecia sobre todo en el trabajo actoral de Mireia Trias y menos en Patrícia Mendoza, que interpreta a la antigua amiga de Nora o Gal·la Sabaté, cuyo personaje adapta el rol masculino que inicia, en la obra original, la crisis que hará darse cuenta a la protagonista del espejismo existencial en el que vive . Por su parte Oriol Tarrasón está correcto encarnando a Torvald Helmer, el decepcionado marido de Nora. La escenografía, minimalista, se adecua como anillo al dedo a la adaptación buscada.

La obra, como el primer acto de la Trilogía de la imperfección que programa la Sala Atrium desde el 8 de diciembre y que proseguirá a lo largo del año que viene con las adaptaciones de La señorita julia de Strindberg y La Gaviota de Chéjov, es un ejercicio de audacia, que nos muestra la capacidad de la compañía de fagocitar una obra teatral compleja e icónica y devolvernos una reelaboración cercana y realista, si bien, carece de la maestría que podría hacer de ella una pequeña joya teatral.

«Nora» se representa en la Sala Atrium hasta el próximo 8 de enero de 2017

Autor: Henrik Ibsen
Dramaturgia: Raimon Molins
Dirección: Raimon Molins
Reparto: Mireia Trias, Oriol Tarrasón, Patrícia Mendoza y Gal·la Sabaté
Escenografía: Clàudia Vilà
Iluminación: Maria Domènech
Espacio Sonoro: Sala Atrium
Vestuario: Sala Atrium
Fotografía: Cristina Sánchez
Producción: Compañía Sala Atrium

Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y los domingos a las 19:00 horas
Precio: 19€ / Disponibilidad de descuentos
Idioma: catalán
Duración: 80 minutos

NOTA CULTURALIA: 6,9
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Jorge Pisa

Crítica teatral: Scaramouche, en el Teatre Victòria

A nadie se le escapa que con Scaramouche haya llegado a los escenarios de Barcelona uno de los grandes estrenos de la temporada. Los elementos que destacan en esta propuesta son la producción de Dagoll Dagom, la elección de una historia clásica y su adaptación como musical de gran formato y un elenco joven y a la altura de las circunstancias, claves seguras del éxito.

Dagoll Dagom coge de nuevo las riendas de una producción teatral y nos presenta un musical de gran formato que nos muestra los elementos típicos de la compañía.

«Año 1789, el pueblo de Francia se muere de hambre y es castigado por una nobleza autoritaria e injusta. Los ciudadanos franceses, molestos con esta situación, se empiezan a plantear la necesidad de un cambio.

René y Louis son dos hermanos gemelos separados desde su infancia. René (Toni Viñals) es un jeta con mucho talento que vive en una compañía de teatro de Comedia de’ll Arte y es el amante de Camila (Mireia Mambo), una joven actriz de una belleza y sensualidad extraordinarias. Por otro lado, encontramos a Louis (Toni Viñals) que fue adoptado por el Marqués de l’Echalonne (Ivan Labanda) y que es un intelectual que se encarga de la biblioteca de palacio y vive enamorado de Olympia (Ana San Martín), que es la prometida del Marqués.

En un contexto de revuelta y de cambios, Scaramouche, un héroe enmascarado, será el defensor del pueblo que escribirá panfletos revolucionarios y se enfrontará con la aristocracia dando esperanza a todo el mundo».

Scaramouche es un gran musical hecho a lo Dagoll Dagom, lo que garantiza altos niveles de calidad en la producción y en la ejecución. Además, la historia escogida para la ocasión nos remite al pasado pero hablándonos al mismo tiempo del presente, en un contexto actual de crisis económica, política y de ideales. De ahí que aumente su interés para el público.

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Asimismo, todo en la obra es correcto: la creación musical en manos de Albert Guinovart; la impactante escenografía al estilo Dagoll Dagom; la música interpretada en directo; el vestuario deslumbrante o la dirección contrastada para un musical de este tipo. En la interpretación destaca el trabajo de los actores principales, entre ellos, Toni Viñals, Ana San Martín, Mireia Mambo, Jordi Coromina y un magnífico Ivan Labanda, que saben proveer a la obra del tono trágico, cómico y especial que todo gran musical necesita. Incluso la dramaturgia reflexiona no tan solo sobre el teatro sino sobre el trabajo de los propios actores y actrices, un ejercicio de metateatro siempre agradecido. Elementos estos que ayudan a darle un empaque especial a la obra.

En resumen, Scaramouche lo tiene todo, pero aún así le falta algo para ser un gran musical espectacular, y esto no es otra cosa que la magia. No sé cómo se consigue esto, y me imagino que debe de ser la suma de un gran número de elementos y de aciertos de los que Scaramouche posee muchos.

Aun así, posiblemente la ausencia de la magia se deba, sobre todo, a la falta, también, de una composición musical excelente, una de las claves del gran éxito de producciones como Mar i Cel o Boscos Endins. Guinovart hace todo lo que puede, seguro, pero no consigue dotar al espectáculo del encanto mágico que una obra de estas características se merece. Una falta que tampoco es corregida por una dramaturgia de Joan Lluís Bozzo que en esta ocasión no posee el ritmo y el acierto necesarios. Una ausencia que no puede ser suplida, tampoco, por el buen hacer de los actores.

Así, pues, todo está presente en el Scaramouche de Dagoll Dagom, incluso la técnica y la audacia, pero al espectáculo le falta el resplandor que lo podrían haber convertido en otro musical de referencia de la factoría Dagoll Dagom. Aún así, Scaramouche es un espectáculo que nos hará rememorar las hazañas revolucionarias de los héroes antiguos, aquellos que encarnaban actores como Stewart Granger en la época dorada de Hollywood, y nos hará ser testigos de grandes aventuras amorosas acontecidas en la Francia revolucionaria de finales del siglo XVIII. Todo un lujo que, aunque no de sobresaliente, seguro que nos lo hará pasar muy bien, sobre todo durante las fechas de Navidad tan cercanas ya a nosotros.

«Scaramouche» se representa en el Teatre Victòria hasta el 29 de enero de 2017.

Dirección: Joan Lluís Bozzo
Libreto: Joan Lluís Bozzo
Letras canciones: Joan Lluís Bozzo, David Pintó y Joan Vives
Música y Orquestación: Albert Guinovart
Dirección Musical: Joan Vives
Reparto: Toni Viñals, Ana San Martín, Mireia Mambo, Ivan Labanda, Jordi Coromina, Clara Moraleda, Albert Mora, Frank Capdet, Pitu Manubens, Anna Alborch, Josep Ferrer, Jan Forrellat, Eduard Mauri, Lucía Torres, Cristina Murillo, Mireia Dolç, Neus Pàmies y Marcel Clement
Escenografía: Alfons Flores
Iluminación: Albert Faura
Sonido: Roc Mateu
Caracterización: Eva Fernàndez
Vestuario: Montse Amenós
Coreografía: Francesc Abós
Producción: Dagoll Dagom

Horarios y precio: web Teatre Victòria
Idioma: Catalán
Duración: 150 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,9

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Jorge Pisa

Recomendación navideña: La Treva, en La Villarroel

Estas Navidades Culturalia os recomienda La Treva en La Villarroel, un texto escrito por Donald Margulies, que habla sobre las decisiones que tomamos en la vida, aquellas que marcarán nuestro futuro, con el trasfondo de la Guerra de Iraq.

Año 2009. Los Estados Unidos han invadido Irak desde 2003. La Guerra continúa. Sarah (Clara Segura), una prestigiosa fotógrafa de guerra, vuelve de Irak a su apartamento, en Brooklyn. Ha resultado gravemente herida a causa del estallido de una bomba mientras cubría el conflicto. La acompaña James (David Selvas), también reportero de guerra, que tras sufrir una crisis nerviosa y abandonar el escenario del conflicto, ha tenido que volver a buscar a su mujer. Una vez en casa, deberán cicatrizar las heridas. La visita de Richard (Ramon Madaula), editor y buen amigo de la pareja, acompañado de su nueva novia, la joven e ingenua Mandy (Mima Riera), hará que Sarah y James revisen su proyecto de vida y de pareja. Un año de tregua para que cada uno decida, finalmente, qué quiere hacer con su vida.

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«La treva» se representa en La Villarroel hasta el próximo 15 de nero de 2017.

Autor: Donald Margulies
Traducción: Cristina Genebat
Dirección: Julio Manrique
Intérpretes: Clara Segura, Ramon Madaula, David Selvas y Mima Riera
Escenografía: Cesc Calafell
Iluminación: David Bofarull
Sonido: Damien Bazin
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Paula Ayuso
Producción: La Brutal, La Villarroel y Bitó Produccions

Horarios: miércoles y jueves a las 20:30 horas; viernes a las 21:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 24€
Duración: 1 hora y 35 minutos
Idioma: catalán

Crítica teatral: Gente Bien, el musical, en el teatro Coliseum

Desde 2012 con sus Campanades de boda, La Cubana no había presentado ningún nuevo espectáculo en Barcelona. Hecho este que se remedó el pasado mes de septiembre con el estreno de Gente Bien en el teatro Coliseum, un espectáculo musical basado en la obra de Santiago Rusiñol que realiza una crítica cómica a las actitudes esnob de los nuevos ricos de cualquier época y sus esfuerzos por acomodarse «dignamente» en la sociedad.

«La Cubana siempre ha cantado y bailado en todos sus espectáculos, más mal que bien y siempre utilizando el arte del “disimulo”. Ahora se ven obligados “por razones de peso” a realizar un musical en serio! El porqué: ya lo veréis. Para hacer este musical, La Cubana utiliza como excusa “Gente Bien”, un sainete muy divertido escrito por Santiago Rusiñol en 1917. Han creado un “especial” viaje en el tiempo donde los personajes de Rusiñol nos descubren que la necesidad de aparentar no tiene medida, ni época, ni fecha de caducidad».

La Cubana nos ofrece un espectáculo que, a pesar de las apariencias, posee un 100% de adn La Cubana. Si en un principio todo parece indicar que la moda de los «musicales» se ha apoderado, también, de la compañía, pronto y debido a causas técnicas, el espectáculo se dirige hacia el tipo de representación típica de La Cubana, en la que los «rotos», el falso directo y la interactuación con el público se muestran a flor de piel.

gente-bien-el-musical_1La intención de Gente Bien, como no puede ser de otra forma, es hacernos reír, por lo que el respeto al sainete de Rusiñol o a las maneras del teatro musical quedan en un segundo plano, el necesario para generar la comicidad que la obra requiere, en la que entran y salen los actores y directores a su gusto. La excusa para todo ello es que la obra, según parece, está en fase de previas, ya que se estrenará a lo grande en el Tívoli en breve, por lo que los problemas técnicos, los embrollos, los egos de los actores y de los productores no harán más que alterar el normal transcurso de la obra. Y con un elenco en el que destacan, entre otros, Mercè Comes, Mont Plans, Jaume Baucis, Babeth Ripoll, Oriol Burés o Jordi Milán, nada puede transcurrir de forma reglamentaria.

Gente Bien es una nueva propuesta de La Cubana en la que vuelve a poner el punto de mira en la cotidianidad, en este caso del teatro, y donde afloran la grandeza y la miseria que muchas veces queda oculta tras las bambalinas, todo ello, claro está, desde un punto de vista cómico muy al estilo de la compañía, que incluye toda una serie de autohomenajes que irán apareciendo a lo largo de la representación. Aún así, aunque el espectáculo está en la línea La Cubana, no llega a los destellos policómicos de obras como Cómeme el coco negro, Cegada de amor o la misma Campanades de boda, aunque se queda a muy poco… Sin embargo destaca por la multitud de personajes que aparecen sobre el escenario, el múltiple vestuario y, sobre todo, por el uso de los audiovisuales a gran escala.

Así, pues, los que se acerquen al Teatro Coliseum para ver la representación de la adaptación en fase de ensayos de un Rusiñol en formato musical, de la mano de Joan Vives, por parte de La Cubana, (buff. menuda frasecita!!)tendrán que valorar si el espectáculo está lo bastante bien «guisado» para su próximo estreno en el teatro Tívoli, pasándoselo en grande con las tribulaciones y el afán de los nuevos ricos, de ahora y de antes, por acomodarse en la Alta Sociedad.

«Gente Bien, el Musical» se representa en el Teatre Coliseum hasta el 29 de enero de 2017.

Dirección: Jordi Milán
Reparto: Mercè Comes, Mont Plans, Jaume Baucis, Toni Torres, Meritxell Duró, Núria Benet, Alexandra Gonzàlez, Babeth Ripoll, Bernat Cot, Montse Amat, Oriol Burés, Toni Sans, Berta Adell, Laia Piró y Jordi Milán
Dirección musical: Joan Vives
Escenografía: Montse Amenós, La Cubana y Castells Planas
Iluminación: Kiko Planas
Sonido: Jordi Agut (Choli)
Caracterización: La Bocas
Vestuario: Montse Amenós, La Cubana y Leo Quintana
Coreografía: Leo Quintana

Horarios y precios: Web Grupbalaña
Duración: 130 min
Idioma: Catalán

NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Estreno teatral: Art, de Yasmina Reza, en el Teatro Goya

Desde el pasado 20 de octubre el Teatro Goya acoge uno de los fenómenos teatrales más internacionales: Art, de la dramaturga francesa Yasmina Reza, una adaptación firmada por Jordi Galceran y con dirección de Miquel Gorriz.

Art reúne tres grandes nombres de la escena catalana por primera vez encima de los escenarios: Pere Arquillué, Francesc Orella y Lluís Villanueva. Un cuadro en blanco y el precio de su adquisición pondrán a prueba la amistad de tres hombres que parecía imposible de romper.

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Estrenada en 1994 y ambientada en el París de finales de la década de 1980, Art es una comedia inteligente y enérgica sobre el arte y el valor de la amistad. Se ha representado con gran éxito en todo el mundo y se ha traducido a más de 35 lenguas.

Art es el segundo texto escrito por Yasmina Reza que se representará al Teatro Goya. El primero fue Un dios salvaje, interpretado por Ramon Madaula, Jordi Boixaderas, Roser Camí y Vicenta Ndongo, y que se representó en la temporada 2009-2010 de la sala.

«Art» se representa en el Teatre Goya hasta el 15 de enero de 2017.

Autora: Yasmina Reza
Traducción: Jordi Galceran
Dirección: Miquel Gorriz
Reparto: Pere Arquillué, Francesc Orella y Lluís Villanueva

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 24 – 28€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 30 minutos

Crítica teatral: L’Inframón, en el Teatre Lliure

Como es bien sabido, los avances tecnológicos comportan cambios en las vidas de aquellos que los utilizan y, a la larga, modificaciones a la hora de valorar nuestra propia existencia. He aquí una de las claves de L’Inframón, obra estrenada en el Teatre Lliure de Gràcia el pasado 21 de septiembre, escrita por Jennifer Haley y dirigida por Juan Carlos Martel Bayod, y que nos propone una reflexión sobre el límite entre lo que es legal y lo que no en el mundo virtual de internet.

L’Inframón es una thriller de ciencia-ficción con un adn muy cinematográfico en el que Haley reflexiona sobre el impacto de las nuevas tecnologías e internet en el mundo actual. Así, la obra nos presenta una investigación policial en el inframundo, el internet del futuro, que el agente Morris (Mar Ulldemolins) lleva a cabo con el objetivo de desarticular un negocio virtual vinculado con el abuso de menores y la violencia regentado por Sims (Andreu Benito).

Este supuesto permite a Haley no solo crear una trama de intriga policial al estilo hollywoodiense, con giros e insinuaciones falsas en la trama, sino hacernos reflexionar también sobre el uso que le damos a la tecnología que tenemos a nuestro alcance, presentándonos “el inframundo”, una red de conexión a internet evolucionada que permite integrar las sensaciones en la experiencia virtual. De esta forma, la obra nos hace dudar y, por lo tanto reflexionar, sobre la naturaleza de la realidad que percibimos, y sobre qué vidas son más reales, aquellas que nuestros avatares pueden llevar a cabo en internet o las nuestra propias.

La trama se ubica en un futuro cercano pero indefinido y se estructura en un doble relato escénico. Por un lado seremos testigos de la investigación policial que se está realizando en el plano real, mientras que por otra parte podremos presenciar la investigación que se lleva a cabo en el ámbito virtual, todo ello exquisitamente resuelto con la utilización combinada de audiovisuales y juegos de luces y superficies, que permiten hacer aparecer y desvanecer espacios sobre el escenario, permitiendo a los espectadores, así, situarse a la perfección en la doble realidad de la que nos habla la historia.

l_inframon_teatre-lliureLa obra, como ya he comentado, trata además temas sensibles en la actualidad como son la actividad maliciosa en el mundo virtual de internet, la violencia y, sobre todo, el abuso de menores. Aún así, Haley y Martel Bayod examinan estas temáticas con gran elegancia, algo que potencia, además, el alcance y el acierto de la propuesta.

Por lo que respecta a las interpretaciones, Benito, Ulldemolins y Carreras dan vida a los personajes principales de la trama. Benito acierta, como siempre, en la composición del personaje oscuro sobre el que gira la trama y el mundo virtual que nos es presentado; Carreras, aunque de forma secundaria, muestra su destreza interpretativa, si bien Ulldemolins no acaba de encontrar su lugar a la hora de dar vida a la investigadora policial del inframundo que lleva a cabo la investigación del negocio de Sims. Y, cabe destacar por su frescura y pericia, la jovencísima Carla Schilt que da vida a Iris, seguramente el personaje clave de la obra.

L’Inframón en una reflexión que hace uso de los géneros de la ciencia-ficción y de la intriga en el teatro de forma firme e intensa, pero que no acaba de ser un producto redondo, ya sea debido a su naturaleza próxima al episodio televisivo o al thriller cinematográfico de éxito, que la asemejan a tantas otras propuestas ya conocidas, o porqué, y siendo muy puristas, no acaba de rizar el rizo en lo que respecta a la conclusión de la historia.

En lo que sí que destaca la propuesta del Lliure es en su voluntad de hacernos meditar sobre temas importantísimos en nuestra vida cotidiana y que cada vez lo serán más a medida que evolucione la tecnología y con ella nuestra forma de comprender la realidad. L’Inframón es, pues, una excelente oportunidad para ver el teatro de otra forma e intuir hacia dónde nos puede llevar el avance tecnológico, y algunos de los dilemas legales y morales que, seguro, este generará.

L’Inframón” se representa en el Teatre Lliure de Gràcia hasta el 16 de octubre de 2016.

Autora: Jennifer Haley
Dirección: Juan Carlos Martel Bayod
Reparto: Andreu Benito, Joan Carreras, Carla Schilt, Víctor Pi y Mar Ulldemolins
Traducción: Neus Bonill
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar
Caracterización: Eva Fernández
Iluminación: David Bofarull (a.a.i.)
Sonido: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure  y GREC 2016 Festival de Barcelona

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precios: de 15 a 29€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 20 minutos sin pausa

NOTA CULTURALIA: 8.5
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Jorge Pisa

Crítica teatral: La luz más oscura, en el Club Capitol

la-luz-mas-oscura_portadaEl terror en el teatro es un género difícil y poco explorado. Crear una atmósfera terrorífica y sumergirse en ella es algo complicado que requiere mucho esfuerzo, medios, potentes interpretaciones y, sobre todo, que el espectador se deje sugestionar. La luz más oscura se queda a medio camino, aunque pone su empeño en conseguirlo nada más el público entra en la sala.

Sergi Vizcaíno escribe y dirige esta obra. En su haber cuenta con la dirección de diferentes capítulos de series televisivas y no es ajeno al terror, pues, entre otras incursiones al género, dirigió la película Xp3D. Con La luz más oscura, Vizcaíno nos lleva a ciertos lugares y situaciones muy comunes en el cine de terror.

Nos pondrá en situación Angie Savall como maestra de ceremonias, con un discurso terrorífico inicial. La acción comienza en un viejo teatro maldito. Dos jóvenes realizan una invocación a los espíritus allí residentes a través de una tabla ouija. Y evidentemente hay presencias y muchas. Es original la forma en que se lleva a cabo toda esta escena, una de las más divertidas, terroríficas y naturales de la función. Ariadna Gaya y Sergi Cervera bordan los típicos roles en una situación de este tipo. Ficción y espectadores se funden bien, aunque las reacciones del público, al ser inesperadas, rompen a veces la magia que se quiere crear. Los sustos y las risas nerviosas a destiempo, distraen y te sacan de la acción.

la-luz-mas-oscuraA partir de aquí la representación prosigue con lugares e historias ya mil veces exploradas: las posesiones, las sectas y por encima de todos la figura de Satán. Julia Molins sorprende con una escena bastante dramática y poética bien llevada a cabo. El abrazo de Satán tiene todo el sabor de aquellas ilustraciones ochenteras de revistas como Creepy o Zona 84 y tiene fuerza visual. Podéis olvidaros de la dulce, o no, Ona Pala de la serie Cites de TV3, con un personaje con todos los ingredientes y culebrillas de una buena posesión.

Thais Curiá y Jordi Cadellans nos llevan al tercer escenario. Una algo larga escena de cama, con situaciones muy bien resueltas e impactantes, en que juegan con los momentos de calma y los más digamos “movidos” de una historia al estilo de Paranormal Activity. Finalmente las diversas historias se entrelazarán, con la voluntad de cerrar el relato escénico.

La obra posee buenos juegos de luces, escenarios sencillos de género y un uso, a veces algo iterativo de la música y de los efectos sonoros, pero sientes que le falta algo más. Tal vez sea el relato dramático compuesto por diversos territorios muy trillados que solo podrá satisfacer plenamente al espectador ajeno al cine de terror.

La luz más oscura” se representa en el Club Capitol hasta el 30 de octubre de 2016.

http://www.youtube.com/watch?v=xqJXwrCR8jg

Autor: Sergi Vizcaíno
Direcció: Sergi Vizcaíno
Reparto: Julia Molins, Thais Curiá, Jordi Cadellans, Ariadna Gaya, Sergi Cervera y Angie Savall
Producción: ALG Management

Horarios y sesiones: Web Grup Balaña
Idioma: castellano
Duración: 75 min
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Taradete

Crítica teatral: Avui no sopem, en el Teatre Condal

Comienza la temporada teatral y con ella las primeras críticas en nuestro blog. El pasado jueves se estrenó en el Teatre Condal Avui no sopem, una comedia de sofá y puertas abiertas escrita por Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez, dirigida por este último e interpretada por Jordi Banacolocha, Maife Gil, David Bagés, Susanna Garachana y Mercè Martínez y que nos muestra, de forma agridulce, las tensiones existentes en el seno de una familia barcelonesa.

Maria Teresa (Maife Gil) y Vicenç (Jordi Banacolocha) son un matrimonio de clase media residente en Barcelona. Están jubilados y hace tiempo que se plantean irse de la ciudad e ir a vivir a la masía del pueblo, pero nunca se acaban de decidir. ¿Por qué? Una hija de casi cuarenta años que aún vive con ellos y un hijo con cara de pocos amigos se lo impiden…”.

Avui no sopem comienza con el pequeño accidente que sufre Vicenç, el jerarca de la familia, en la casa del pueblo. Como consecuencia se produce una reunión apresurada en la casa familiar donde coincidirán los abuelos, una hija funcionaria pero no emancipada (Mercè Martínez); un hijo aprovechado (David Bagés ) y una nuera algo histérica y controladora (Susanna Garachana). Como ven, los ingredientes necesarios para cocinar una comedia disparatada.

Avui no sopem_Teatre Condal_2Pero Avui no sopem no lo es. Tiene sus momentos pero es una comedia familiar que no acaba de explotar. La propuesta de Pep Antón Gómez y Jordi Sánchez posee una trama bien desarrollada que nos revela pronto el talante de cada uno de los personajes. Y nos va mostrando poco a poco los diversos intereses entretejidos en una familia muy normal, tanto que podría ser cualquier familia de clase media barcelonesa. Si bien el ritmo cómico de la representación aún no está tomado y la obra tarda mucho en coger ese tono frenético de comedia “de sofá” que requiere, para acabar explotando en un final algo más parecido a un alegato en favor de la familia tradicional.

Aún así, es de esperar que Avui no sopem vaya cogiendo fuerza con el paso de las sesiones, hecho este que comparten, cada vez más, las comedias del género, ya que la obra tiene una incontestable vis cómica que reside en las capacidades de los actores principales (sobre todo Jordi Banacolocha y Maife Gil) y en la naturaleza de la situación, que además nos puede llegar a parecer muy cercana, algo que sin duda atraerá al público.

Uno de los elementos que destaca de la obra es, asimismo, la escenografía, que potencia la idea de proximidad y voyerismo desarrollada a lo largo de la representación, permitiendo al espectador tener la sensación de estar espiando lo que pasa en el interior de una vivienda situada en cualquier bloque de edificios cercano a su lugar de residencia.

Pep Antón Gómez y Jordi Sánchez han creado una obra de comicidad algo blanca, aunque no del todo, que requiere de un cierto rodaje, pero que satisface, de una forma muy próxima, las ganas de reírse de uno mismo y de los intereses existentes en cualquier familia. Una comedia relajada que nos permite reír de las cosas “de cada día”.

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Avui no sopem” se representa en el Teatre Condal hasta el 30 de octubre de 2016.

Autores: Pep Antón Gómez y Jordi Sánchez
Dirección: Pep Antón Gómez
Intérpretes: Jordi Banacolocha, Maife Gil, David Bagés, Susanna Garachana y Mercè Martínez

Duración: 1 hora y 30 minutos aproximadamente
Idioma: catalán
Horarios y precio:  Web del Teatre Condal

NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Crítica teatral: Nit de musicals: Swing Broadway, en el Teatre Grec

Con el final del Festival Grec llega la esperada representación, durante dos únicas funciones, de la Nit de musicals, evento que reúne en el Teatre Grec a los incondicionales del género.

Este año el formato del espectáculo ha variado. Si el año pasado estaba dirigido por Elisenda Roca y se estructuraba como un encadenado de números musicales interpretados uno tras otro, este año el testimonio en la dirección escénica se ha traspasado a Paco Mir, que ha dotado al recital de un toque humorístico propio que jalona todo el espectáculo, del que hace las funciones de presentador Ivan Labanda, y en el que las actuaciones mantienen un elenco más “fijo” de intérpretes que el del año pasado, en el que destaca la labor de Javier Arroyo “Jota”, Xavi Duch, el mismo Ivan Labanda, Mercè Martínez, Patricia Paisal, Diana Roig y Lucía Torres.

El repertorio musical de la noche incluyó algunos temas muy reconocibles del adn Broadway como Something’s Coming, Big Spender, All I Do is Dream of You, Bewitched, Bothered and Bewildered, You’re the Top, New York, New York, New York, New York o Lullaby of Broadway, a los que se sumaron otros temas menos conocidos pero que fueron interpretados con la energía que caracteriza a estas noches de teatro musical en el Grec. La mayoria de ellos, además, estuvieron acompañados de coreografías de danza interpretadas mágnificamente por el cuerpo de bailarines.

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Otras de las novedades de la edición de este año fueron que se le permitió (supuestamente) al público escoger alguna de las canciones del repertorio y que este sumó algunos grados de sensualidad a la noche, algo muy apetecible en la época del año en la que estamos. Por todo ello, la sesión de este 2016 se mantuvo al altísimo nivel de la propuesta del año pasado.

Así, pues, asistir a la sesión de musicales del Festival Grec es un seguro de disfrute de los grandes clásicos de Broadway, puestos en escena con una realización e interpretación de gran altura. Y si se ha de destacar algún momento musical sobre otro, es indudable que el You’re the Top (Anything goes) interpretado, incluso entre el público, por Ivan Labanda y Mercè Martínez hizo subir el nivel general y humorístico de la representación, junto con la interpretación del New York New York que realizó Àngel Llàcer como artista sorpresa invitado, y en el que no solo demostró de nuevo su condición de showman sino también sus habilidades musicales. Sin duda, el punto álgido de la noche.

De esta forma, Nit de Musicals se convierte en uno de los referentes musicales del Festival Grec, que suma a un espacio mayestático, como es el Teatre Grec de Montjuïc, un repertorio musical magnífico y una dirección e interpretación capaz de transmitir al público la magia y el esplendor de los grandes musicales estrenados en Nueva York y que nos permiten revivir algunas de las canciones que sin duda nos han acompañado y nos acompañarán a lo largo de nuestras vidas, si les gusta, claro está, el género musical.

Nit de musicals: Swing Broadway” se representó en el Teatre Grec los días 26 y 27 de Julio de 2016.

Dirección y dramaturgia: Paco Mir
Dirección musical: Andreu Gallén
Coreografía: Maria Bossy
Interpretación: Javier Arroyo “Jota”, Xavi Duch, Ivan Labanda, Mercè Martínez, Patricia Paisal, Diana Roig, Lucía Torres. Con la participación de Miguel Ángel Sánchez, Ángeles Castuera y la Companyia Bratislava (Anna Arena, Laura Pau, Jofre Bellés y Albert Ruiz). Con la colaboración estelar de Àngel Llàcer
Bailarines: Maria Bossy, Alejandro Carrera, Roser Font, Alejandro Llorca, Salva López, Marius Praniauskas, Èlia Solé. Con la participación de alumnos de las escuelas Aules (Anna Lagares, Joan Mas), Eòlia (Xevi Freixa, Elena Ribera), Coco Comin (Joaquín Catalán, Jana Sánchez), Memory (Alba Pàmies, Francisco Javier Ramos), Lazzigags Aula de Teatre (Àlex Riveras, Clara Dolcet), ESART (Valèria Sorolla, Ferran Martín)
Interpretación musical: Barcelona Jazz Orchestra: Víctor De Diego, Albert Abad, Xavier Figuerola, Jose Aladid, Jaume Badrenas, Mattew Simon, Ivó Ollé, Alberto Pérez, Jaume Peña, Dani Alonso, Jordi Giménez, Josep Tutusaus, Sergi Vergés, Federico Mazzanti, Nano Fernández, Frits Landesbergen, Alberto Martínez, Meritxell Maset
Dirección de la Barcelona Jazz Orquestra: Dani Alonso
Escenografía y vestuario: Marc Udina
Producción: Grec 2016 Festival de Barcelona y Teatralnet Produccions

Repertorio:

Obertura (Luck be a Lady; Begin the Beguine; Putting on the Ritz; 42nd Street)
Putting it Together (Sunday in the Park with George)
Something’s Coming (West Side Story)
Big Spender (Sweet Charity)
Broadway (Gypsy)
All I Do is Dream of You (Singin’ in the Rain)
I Got Rhytym (Girl crazy)
This Can’t Be Love (The Boys from Syracuse)
Bewitched, Bothered and Bewildered (Pal Joey)
Shipoopi (The Music Man)
Too Darn Hot (Kiss me Kate)
You’re the Top (Anything goes)
So in Love (Kiss me Kate)
Tap your Troubles Away (Mack and Mabel)
New York, New York (On the town)
New York, New York (New York, New York)
Nowadays (Chicago)
Lullaby of Broadway (42nd Street)

NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

De Damasc a Idomeni, en el Teatre Lliure, una obra de teatro para mantener activo el barco de salvamento marino Astral

Os presentamos hoy una acción escénica solidaria producida por el Teatre Lliure, cuyo objetivo es ayudar al mantenimiento de la actividad de salvamento de refugiados en las aguas del Mediterràneo llevada a cabo por el barco Astral de la ONG Proactiva Open Arms.

El 12 de Septiembre el Teatre Lliure ofrecerá un espectáculo solidario con la ONG Proactiva Open Arms, con la participación de 60 grandes nombres de la escena de este país. Dos funciones en un mismo día, a las 20:00 y a las 21:30 horas, con el objetivo de mantener el barco de salvamento marítimo Astral en activo durante un mínimo de 15 días.

La ONG. Proactiva Open Arms fue fundada por socorristas voluntarios en el año 2015 para actuar en la crisis de los refugiados en las costas griegas, la organización estableció su campamento base en Lesbos, y actualmente trabaja en las nuevas rutas marítimas abiertas hacia Europa desde el acuerdo entre la UE y Turquía para el cierre de fronteras terrestres el pasado marzo. Para llevar a cabo esta actividad, les ha sido cedida una embarcación, el Astral, que han convertido en barco medicalizado de salvamento y vigilancia, y han ampliado sus equipos para conseguir reducir el número de naufragios en aguas internacionales del Mediterráneo.

El proyecto. Se ha unido a 20 autores, 20 directores y 20 intérpretes con el compromiso de hacer visible esta crisis humanitaria de primera magnitud, la mayor vivida por Europa desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Con la colaboración de representantes de varias entidades que han seguido de cerca el conflicto, se ha realizado un trabajo previo con la voluntad de conocer la realidad más allá de lo que conocemos a través de los medios y las redes. Asímismo, hemos querido reducir al mínimo la distancia entre esta realidad y nosotros, un criterio que ha conformado también el espectáculo.

El espectáculo. Se representará en la Sala Fabià Puigserver. El patio de butacas se convertirá en una gran sala con 20 mesas independientes dispuestas para recibir a 8 espectadores cada una. En cada mesa, simultáneamente, un intérprete contará un monólogo vinculado con la experiencia de la guerra y el exilio. Los monólogos serán de un máximo de 5 minutos cada uno, y los intérpretes irán cambiando de mesa. Se calcula que en los cuarenta y cinco minutos que durará la función los espectadores de cada mesa podrán presenciar entre 5 y 6 monólogos, sin tener que cambiar de asiento y en la más corta distancia.

El objetivo. El coste de mantener el barco de Proactiva Open Arms en activo durante 15 días es de 22.400€. Si conseguimos llenar las dos funciones con una aportación media de 70€ por persona, ¡reto conseguido!

Para realizar un donativo. No se cobrará entrada en el momento de realizar la reserva ni antes de entrar en la función; los donativos se realizarán a la salida, directamente a la ONG, en efectivo o con tarjeta. Se ha establecido un importe mínimo de 50€ por persona.

Para asistir a la función. El aforo de cada función es sólo de 160 localidades. Para asistir debéis reservar entrada a través de los canales habituales:

• Por el servicio de venta de entradas por internet
• Por email info@teatrelliure.com
• Por teléfono al 902 106 369

Dramaturgos:
Marc Angelet
Gemma Brió
Marta Buchaca
Jordi Casanovas
Clàudia Cedó
Cristina Clemente
Guillem Clua
Daniela Feixas
Marta Galán
Llàtzer Garcia
Josep Maria Miró
Pau Miró
Anna Maria Ricart
Pere Riera
Marc Rosich
Jordi Oriol
Marilia Samper
Mercè Sarrias
Victoria Szpunberg
Joan Yago

Directores:
Xavier Albertí
Sergi Belbel
Iban Beltran
Pau Carrió
Imma Colomer
Alícia Gorina
Carol López
Juan Carlos Martel
Xicu Masó
Josep Maria Mestres
Sílvia Munt
Lluís Pasqual
Carme Portaceli
Jordi Prat i Coll
Magda Puyo
Àlex Rigola
Ramon Simó
Carlota Subirós
Oriol Tarrasón
Ferran Utzet

Intérpretes:
David Bagés
Sílvia Bel
Ivan Benet
Jordi Bosch
Àlex Casanovas
Aina Clotet
Eduard Farelo
Lluís Homar
Míriam Iscla
Mònica López
Pol López
Marta Marco
Àurea Márquez
Nora Navas
Vicky Peña
Rosa Renom
Fina Rius
Rosa Maria Sardà
David Selvas
Toni Sevilla
Emma Vilarasau

Producción: Teatre Lliure
Fecha: 12 de septiembre
Horarios: 20:00 y 21:30 horas
Duración aproximada: 45 minutos

Enlaces de interés:

Proactiva Open Arms
El barco