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Teatro

Crítica teatral: La Bête, en el Teatre Nacional de Catalunya.

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Si tuviéramos, al final de la temporada teatral, que decidir qué teatro ha estrenado en Barcelona no la mejor obra sino la mejor programación en conjunto, no sería extraño que muchos se decantaran por el Teatre Nacional de Catalunya. Su éxito en este aspecto se debe en parte al presupuesto, porque engañarnos, pero también al acierto en la elección y la puesta en escena de las obras que programa y a la solvencia de los artistas y profesionales que actúan y trabajan en ellas.

Y un claro ejemplo de lo que digo lo manifiesta la programación de La Bête, de David Hirson, una comedia adaptada por Joan Sellent y dirigida por Sergi Belbel que analiza de forma brillante el teatro a través del teatro.

Hirson nos sitúa en la Francia de mediados del siglo XVII. El príncipe Conti (Abel Folk) quiere proveer de nuevos aires creativos a la compañía de teatro de la que es mecenas. El aristócrata está algo aburrido de los tediosos dramas escritos últimamente por el gran dramaturgo Elomire (Jordi Boixaderas), y quiere dar a las obras de la compañía un toque más alegre, mundano y popular, con la incorporación de Valere (Jordi Bosch), uno de los autores con más éxito del momento, cuyas obras aunque no poseen demasiada calidad artística tienen un gran éxito de público.

Así, pues, la voluntad del príncipe Conti generará el enfrentamiento entre dos formas de entender el teatro y la vida: la alta cultura que representa Elomire y el teatro más popular y de entretenimiento que defiende Valere.

La obra de Hirson, estrenada originalmente en el año 1991, trata un tema polémico en la actualidad que no es otro que esa dramática oposición entre el producto teatral (léase cultural) con aspiraciones artísticas y el mero producto de entretenimiento producido para satisfacer y agradar masivamente. Un debate que se me antoja muy propio de los siglos XX y XXI, en los cuales, y por primer vez en la historia, el consumo cultural se ha difundido entre todos los sectores de la sociedad, y avanza a pasos agigantados con el desarrollo de internet y las nuevas tecnologías. Lo que muchas veces ha provocado un desarrollo excesivo del entretenimiento cultural en antítesis con la cultura entendida como arte.

Hirson traslada dramatúrgicamente este debate cultural al siglo XVII, el siglo de Moliere, uno de los iconos del teatro mundial y del que Elomire toma su nombre por medio de un juego anagramático. Belbel ha realizado una magnífica adaptación y dirección de la obra, que ha sufrido, por desgracia, el menoscabo de la pérdida de su intérprete principal, Anna Lizaran, que debido a problemas de salud se vio obligada a abandonar los ensayos. Si bien su relevo, por parte de Jordi Bosch, ha sido, a pesar de las circunstancias, y sin duda alguna, un acierto total, ya que el actor provee a su personaje de un toque burlón y popular de sobras necesario en la obra.

Pero bien, vayamos a la reseña propiamente dicha. La Bête nos deslumbra desde su inicio. Y para ello no necesita de grandes escenarios ni de efectos de atrezo magníficos, tan solo de un texto bellísimo, adaptado del original en verso por Joan Sellent, y que aporta una gran belleza poética a la obra. Sobre el entramado textual se ha creado una escenografía sencilla pero bella también que marcará el referente espacial de la obra, y que nos muestra un sencillo ambiente teatral donde ensaya sus obras la compañía de Elomire.

Y como broche final el atractivo del espectáculo se construye en base a las grandes interpretaciones de los actores que integran el reparto, en las que destaca, sobre todo, Jordi Bosch, que deslumbra con la comicidad y la incontinencia poética que emana de su personaje. Bosch se deja llevar, en el buen sentido de la palabra, y se empapa de la vulgaridad y el exhibicionismo del zafio Valere, y nos fascina con los largos discursos en verso que su personaje declama en diversos momento de la obra. Su rival en escena es Jordi Boixaderas, que da vida a Elomire, un autor intelectual y valedor del teatro como obra artística y de reflexión y contrario a degradar el arte a mero entretenimiento grosero y vulgar, pero que se ha convertido en un autor aburrido que no conecta ya con el público.

El resto de actores quedan relegados, decisión del propio autor de la obra, a un segundo plano, del que solo se liberarán en parte en el segundo acto de la obra. Tan solo la actuación de Carles Martínez, que interpreta a Bejart, el hombre de confianza de Elomire, consigue individualizarse en esta neblina actoral de carácter unamuniano, hecho que le permite tomar algo más de presencia en el desarrollo de la representación.

Y la temática, como les decía, no deja de ser interesante en la propia trama y en su traslación al mundo en el que hoy vivimos. ¿El arte por ser arte ha de mantener siempre un carácter elevado? ¿Existe alguna forma de que la alta cultura, representada por los aburridos dramas que escribe Elomire, pueda agradar a una población que busca principalmente entretenimiento en los sectores de la cultura como el teatro, el cine o la literatura? ¿El arte, el entretenimiento y el consumo popular pueden llegar a entenderse, o el resultado siempre será una traición artística y una concesión hacia lo popular, hacia lo comercial?

La Bête trata, en su desarrollo, otros temas como el papel del mecenazgo personificado en la actividad de patrocinio del príncipe Conti, cuya magnanimidad económica permite a la compañía de Elomire subsistir dignamente, pero que comporta una cadena creativa que también la tiraniza, y que, por otra parte, da inicio al argumento. Un tema este candente en un mundo como el nuestro en el que el arte depende, en muchos casos, de las subvenciones del Estado y de los límites que estas imponen en sus exigencias o en sus concesiones. Otra temática que analiza la obra es la labor de la crítica y el papel que esta juega en el mundo del teatro, y que parece en crisis con la consolidación de la sociedad de la comunicación y de la sobreabundancia de información que esta comporta.

La Bête, como les decía, es una reflexión sobre el teatro desde el mismo teatro, pero al mismo tiempo es un deleite: por su texto en verso, por su humor elevado, por sus magníficas interpretaciones; por un decorado espectacular de pequeño formato y porque pone sobre el escenario, y nunca mejor dicho, el debate sobre la cultura.

Todo esto y más lo hallarán en La Bête, y además se lo pasarán en grande con la sillería artística y poética con la que está construida la obra. Una oportunidad que, espero, no se pierdan.

“La Bête” se representa en el TNC del 24 de octubre al 25 de noviembre de 2012.

Autor: David Hirson
Traducción: Joan Sellent
Dirección: Sergi Belbel
Reparto: Jordi Boixaderas, Carles Martínez, Gemma Martínez, Pepo Blasco, Míriam Alamany, Manuel Veiga, Anna Briansó, Jordi Bosch, Abel Folk y Queralt Casasayas
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario: Maria Araujo
Iluminación: Kiko Planas
Sonido: Jordi Bonet
Movimiento: Anna Briansó
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Nacional de Catalunya y Bitò Produccions

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo, 18:00 horas.
Precio: de 19,05 a 38,09 €
Duración de la obra: 2 horas y 40 minutos (entreacto incluido)

Espectáculo recomendado a partir de 14 años

Literatura

Publicación: Soy más lista que el hambre, de Eva Campos Navarro. Plataforma editorial.

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Quería contarte la historia de mi amiga Eva Campos Navarro.  Eva era obesa, muy obesa. Pasó gran parte de su vida luchando contra los kilos de más y tiró la toalla, pero ella no era feliz. Hasta que un día se dio cuenta de que las verdaderas razones de su sobrepeso no eran los malos hábitos, sino que había algo más. El resultado; perdió 70 Kgs y escribió un libro, “Soy más lista que el hambre”: http://bit.ly/SMLQHecn

Un libro muy diferente que está revolucionando el mundo de las dietas, dinámico y ameno, lleno de ejercicios, historias reales de personas que han sufrido y superado el sobrepeso, ideas, fórmulas para crear un plan de acción sencillo y llevarlo a cabo, establecer objetivos realistas y un sinfín de herramientas que te motivarán y te ayudarán a encontrar las pautas que mejor se adaptan a tu vida.

Más que un libro de autoayuda o de adelgazamiento, es un canto a la esperanza, a la motivación que todos tenemos dentro para poder cambiar aquello que no nos gusta y vivir con plenitud.

Plataforma editorial publicó en octubre de 2011 Soy más lista que el hambre, de Eva Campos Navarro, una obra de consulta básica para todos aquellos que quieren acabar con el sobrepeso. Un libro que descubre el proceso para que sea el propio lector quien desarrolle las herramientas necesarias para alcanzar una vida sana.

«Durante dos tercios de mi vida he vivido en sobre peso. Y de ese tiempo, sinceramente, no sé cuánto he estado viviendo en obesidad. Como todas las personas en sobrepeso, he hecho dietas, ejercicio, comprado cremas, productos de todo tipo… Pero nunca conseguía llegar a un peso sano y mantenerme en él.
Hasta ahora.

Cuando me di cuenta de qué me pasaba pude elegir qué quería que me pasara. Y todo esto queda reflejado en el libro por medio de diversos ejercicios, desde el Coaching y el Pensamiento Positivo pero, sobre todo, desde mi experiencia propia.

El libro comienza ahondado en el cliché del «gordito feliz», con ejercicios para que el lector sea consciente de si es feliz con el sobrepeso o no. A partir de ahí se propone un viaje al lector para descubrir qué le pasa y ayudarle a elegir qué quiere que le pase. Apoyado en ejercicios muy prácticos y dinámicos, se abordan conceptos como qué es comer sano, cuáles son las creencias sobre la comida, los hábitos, la autoestima… y se dota al lector de sus propias herramientas para poder determinar qué le sucede y qué quiere que le suceda.

No es un método, no es un procedimiento, no es una dieta, no es un compendio de pautas de vida sana. A diferencia del resto de libros de ayuda a adelgazar, Soy más lista que el hambre presenta un proceso para que sea el propio lector quien defina cuál es una vida sana para él, cómo lo va a conseguir y qué herramientas usará.

Eva Campos Navarro

Presenta, además, casos particulares reales de algunas de las más de 1000 personas con las que he conversado, dialogado y ayudado con procesos de coaching durante este tiempo, con el fin de dotar al lector de la sensación de que no está solo y que lo que le está pasando es lo mismo que le ha pasado a mucha gente antes. Todo ello complementado con mi propia experiencia, contando sensaciones, emociones y mi historia personal».

Eva Campos Navarro es psicóloga, terapeuta y coach, decidió dar un giro radical a su vida desde el mundo de la empresa al mundo del desarrollo personal y lanzar este libro basándose en su propia experiencia de lucha durante toda su vida con los kgs de más, hasta que encaró de otra manera el proceso de pérdida de kilos. Soy más lista que el hambre nos habla de sus logros y de cómo pueden ayudar a otros  a adelgazar.

Título: ¡Soy más lista que el hambre!: Cómo desbloquearte para conseguir el cuerpo que siempre has querido y ser más feliz
Autora: Eva Campos Navarro
Editorial: Plataforma Editorial
ISBN: 978-84-15115-70-0
Fecha de publicación: 31/10/2011
Páginas: 208
Precio: 18 €

Teatro

Crítica teatral: Julián López y Raúl Cimas inauguran la 8º temporada de Comedy Zoo en el Club Capitol.

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En muchas ocasiones se suele decir que “dos son mejor que uno”. Y esta es una de ellas, ya que el pasado fin de semana Julián López y Raúl Cimas inauguraron la 8º temporada de Comedy Zoo en el escenario del Club Capitol, dos componentes de la familia Chanante habituales, también, de programas de humor como Muchachada Nui o el reciente Museo Coconut.

Julián López es actor, guionista y músico. Su rostro es muy popular tras el éxito de la película No controles. Todos sus trabajos se engloban en el humor. Su compañero de fatigas, Raúl Cimas, es otro gran humorista, actor, guionista y presentador.

Su espectáculo empieza fuerte y las carcajadas del público se inician a los pocos minutos. Los dos humoristas nos cuentan, juntos sobre el escenario en la primera parte del show, aspectos de sus vidas marcados por el humor. El ritmo rápido y alocado de Julián López y el pausado y puntilloso de Raúl Cimas crean un contraste que ya por sí provoca la risa. ¡la voz grave de Cimas al narrar sus historias es impagable!

Después cada uno de los humoristas se queda solo en el escenario y da comienzo el apartado monólogo del espectáculo, en el que el humor y las risas también están, evidentemente,  aseguradas. Se mezclan historias absurdas, surrealistas, cotidianas, familiares y muchas veces increíbles, con una aparición de Dios incluida.

Cuando los dos cómicos vuelven a estar juntos en el escenario continua la hilaridad con números de baile y movimientos chanantes, toda una serie de guiños para los seguidores de los programas en los que colaboran los dos cómicos. El único hándicap del show es que si eres muy seguidor de López y Cimas en tv es muy probable que algunas partes de su actuación ya la haya escuchado o visto anteriormente.

El arranque de la nueva temporada de Comedy Zoo garantiza, sin embargo, la agudeza humorística y el directo más absurdo e irreverente de los cómicos invitados. A Julián López y Raúl Cimas les seguirán en los meses de noviembre y diciembre Angel Rielo, Joaquín Reyes y Miki Nadal. Una fórmula de humor que arrasa allá por donde va!! Se lo aseguro!!

Comedy Zoo
Lugar: teatro Club Capitol
Producción: Zoopa

Venta de entradas:
ticketmaster.es
atrapalo.com
En el 902.15.00.25
y en las taquillas del teatro Club Capitol

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Escrito por Taradete y Jorge Pisa Sánchez

Literatura,Novela histórica

Crítica literaria: Maratón, de Andrea Frediani, ed. Algaida.

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La editorial Algaida publicó el pasado mes de junio Maratón, de Andrea Frediani, una novela histórica centrada en la leyenda de Filípides, el heraldo que dio su vida para salvar a la ciudad de Atenas durante la Primera Guerra Médica (490 a.C.) y cuya hazaña constituyó la base de la prueba olímpica que conocemos en la actualidad como maratón.

Si bien la novela inicia su trama algunos años más tarde, en aquel crítico momento del año 480 a.C. en el que la flota griega estaba a la espera de noticias sobre el resultado del choque entre espartanos y persas en el paso de las Termópilas, Frediani nos redirige rápidamente hacia Maratón, poco después de que los griegos hayan vencido a las huestes aqueménidas de Darío I. Aunque la victoria terrestre ha sido decisiva, parte de la flota enemiga se dirige hacia Atenas, con Hipias, el antiguo tirano de la ciudad a bordo, con el objetivo de tomar la ciudad. Tres de los hoplitas más destacados en la batalla, Eucles, Filípides y Tersipo, inician una carrera a pie con el propósito de llegar a Atenas antes de que lo haga la flota enemiga, anunciar la victoria helena y evitar cualquier tipo de traición. Aunque para los tres amigos hay algo más en juego: el amor de una mujer y la fama y el honor que conseguirá aquel que llegué antes a Atenas y anuncie la victoria. A lo largo del trayecto desde Maratón iremos conociendo a los tres corredores y las verdaderas motivaciones que impulsan a cada uno de ellos.

La novela, como ven, se centra en uno de los episodios más famosos del enfrentamiento entre griegos y persas y nos propone una trama atractiva e interesante, la que se centra en la gesta, de carácter legendario, que el hemerodromo Filípides llevó a cabo tras la victoria griega en Maratón para salvar a la ciudad de Atenas de la amenaza persa y que, según las fuentes, le causó la muerte tras el colosal esfuerzo atlético.

Lo primero que nos sorprende de la novela es la elección de los protagonistas. Frediani aprovecha para ello la acostumbrada desavenencia entre las fuentes antiguas que no son unánimes a la hora de identificar al protagonista de la historia: aunque el nombre de Filípides es el más extendido, algunas fuentes hacen protagonizar la hazaña a un tal Tersipo e incluso a un tercer pretendiente en discordia llamado Eucles. Esta disparidad de identificaciones permite a Frediani construir la base de la narración a partir de la supuesta amistad existente entre los tres personajes.

Andrea Frediani

Maratón no posee una trama principal, sino tres grandes líneas argumentales que coinciden, además, con tres momentos temporales diferentes. El primero y el que estructura la novela, es la contienda atlética que enfrenta a los tres hoplitas por convertirse en el heraldo que anuncie a Atenas la victoria griega en Maratón, y en la que está en juego la toma de la ciudad por parte de los persas. A esta trama se suman los recuerdos de la infancia y juventud de Eucles, el hoplita a través del cual nos es narrada la acción, y que nos adentra en la historia de la joven democracia ateniense y en el papel que el ejercicio y la competición tenía en la cultura griega. La tercera, que se irá imponiendo a medida que avanza la novela, se centra, claro está, en la batalla de Maratón, en la que Frediani narra no tan solo el combate sino también los momentos previos al mismo.

El autor nos introduce en el mundo griego antiguo aunque con un ojo puesto en la actualidad, ya que a través de las 410 páginas que integran la novela Frediani discute, o hace discutir a sus persones, cuestiones que nos pueden parecer muy presentes a aquellos que vivimos en el siglo XXI.

Uno de las principales temas que toca la novela es el que vincula el deporte, en este caso el atletismo, a los valores cívicos y militares de la ciudad griega antigua. Frediani se basa en la institución del efebato, la educación deportiva que recibían los jóvenes atenienses, para iniciar la narración y nos permite presenciar de esta forma diversas competiciones atléticas, un elemento, este, que distingue por sí solo, a la obra.

Otra de las cuestiones principales de la novela, y la que nos toca más de cerca, es la descripción que realiza el autor del funcionamiento «real» de la democracia ateniense, una forma de gobierno, no olvidemos, recién instaurada en la polis griega en el momento de su primer enfrentamiento con los persas. Es aquí donde se nos revelan acaloradamente actuales las discusiones entre los diversos protagonistas de la novela. Los diálogos entre Filípides, Tersipo y Eucles, nos muestran una época en la que la democracia, aún titubeante, luchaba por consolidarse en Atenas, amenazada tanto por los partidarios de la oligarquía como por los defensores de la tiranía, que amenazaba con volver a instaurarse en la polis griega de la mano de los invasores persas. A todo ello se suma algo que se me antoja como muy actual, si bien Frediani lo sitúa, con acierto, en la Atenas clásica, como es el constante juego político «partidista» entre los dirigentes atenienses que se extiende, incluso, al seno del propio ejército. Es sugestivo ver a los grandes políticos y estrategas atenienses del momento, esto es Temístocles, Milciades, Calímaco o Aristides, luchar por un «trozo del pastel», a expensas, incluso, de la propia victoria ateniense en Maratón.

Corredores durante los Juegos Panatenaicos

Finalmente, y como tercer pie argumentativo, hallamos la propia disputa que enfrentará, con un componente más trágico a medida que avanza la novela, a los tres amigos movilizados para enfrentarse a los persas. Un conflicto cuyo epicentro son los favores de una dama ateniense. Un amor que irá quebrando la amistad entre Eucles, Filípides y Tersipo y que acabará convirtiendo la historia en un auténtico drama.

Es también interesante la subtrama de la que es protagonista el poeta Esquilo y su hermano Cinegiro. A través de ella podremos presenciar lo dramático que podía ser para un ciudadano el cumplimiento del deber militar. Esquilo, que participó realmente en la batalla de Maratón, nos es presentado como un soldado cobarde y asustadizo que presencia el combate desde las últimas líneas de la falange, y que personaliza, sin duda alguna, el miedo que mucho hoplitas, temerosos por sus vidas, tendrían que vivir en el momento crucial de la batalla.

La novela posee un ritmo que va in crescendo a medida que uno avanza en su lectura. Si en el inicio predomina la evocación de los recuerdos de Eucles y el relato de su amistad con Filípides y Tersipo, el enfrentamiento con los persas se irá imponiendo poco a poco para dominar el desarrollo de las últimas páginas de la novela. En su elaboración Frediani muestra un conocimiento concienzudo de la época en que ambienta la acción, que ya invirtió en la redacción de su primera novela de ficción titulada 300 guerreros (ed. Bóveda, 2011), ambientada en la batalla de las Termóplias. Pero Maratón, no lo olviden, no es solo una novela de carácter militar, sino que aúna, en una prosa atractiva y adictiva, aspectos relacionados con la realidad política del momento (escojan ustedes entre Antigüedad y Actualidad) y con el deporte en la Grecia clásica. Por desgracia la historia nos es explicada casi totalmente desde el punto de vista heleno, quedando los persas siempre en un segundo plano, como meros comparsas, hecho este que hace menguar la visión global del conflicto.

Frediani, sin embargo, se deja llevar un poco por la fantasía en el tramo final de la novela. Aunque el autor realiza una buena narración de la batalla de Maratón, incluyendo, con todo, algunos «ingredientes» no del todo confirmados históricamente, el relato del enfrentamiento personal entre los tres corredores es, a veces, poco creíble, y nos remite más al ámbito de la leyenda que al mundo de los humanos (seguramente una opción deseada por el autor) si bien esta elección permite a Frediani dar diversos giros a la trama, que aunque le restan historicidad potencian su atractivo como novela.

Personalmente les he de confesar que Maratón me «enganchó», algo que se debe, sin duda, tanto a la buena mano de Frediani, como a la temática de la novela, que nos transporta a uno de aquellos episodios principescos de la historia de Occidente.

Una pequeña joya del género de la novela histórica que les hará conocer, a través del enfrentamiento entre griegos y persas y de la rivalidad entre los tres protagonistas de la novela, uno de los episodios más laureados de la historia de Grecia, aunque, y esto es lo curioso, a través de una leyenda atlética elaborada ya en tempos antiguos, la del heraldo Filípides, o Eucles o Tersipo, y su heroica hazaña atlética que salvó a Atenas de caer en manos persas tras la victoria griega en Maratón.

Título: Maratón
Autor: Andrea Frediani
Editorial: Algaida
Colección: Algaida Literaria>Inter
Formato: Rústica Hilo / 15,5 x 23 cm.
Fecha de publicación: junio de 2012
Nº de páginas: 416
I.S.B.N.: 978-84-9877-792-5
Precio: 18 €

Cine,Cine de terror

Estreno cinematográfico: Drácula 3D, de Dario Argento.

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El próximo viernes se estrena en España Drácula 3D, la última aventura terrorífica del maestro del género Dario Argento, una revisión actualizada y en tres dimensiones del clásico de Bram Stoker.

Jonathan Harker viaja en tren de Inglaterra al remoto castillo del conde Drácula, situado en los Cárpatos en la frontera de Transilvania. El propósito de su misión es catalogar la biblioteca de Drácula. Pronto, desconcertado por los simpáticos modales de Drácula, Harker descubrirá que es el prisionero del castillo. También comenzará a conocer perturbadoras facetas de la vida nocturna de Drácula.

Título: Drácula 3D
Género: Terror
Nacionalidad: Italia, Francia, España
Año: 2012
Director: Dario Argento
Reparto: Asia Argento, Rutger Hauer, Thomas Kretschmann, Miriam Giovanelli, Marta Gastini, Unax Ugalde, Morgane Slemp
Guión: Dario Argento, Enrique Cerezo, Stefano Piani, Antonio Tentori
Música: Claudio Simonetti
Fecha de Estreno: Viernes, 09 de Noviembre de 2012
Producción: Multimedia Film Production, Enrique Cerezo P.C., Les Films de l’Astre
Web oficial: www.dracula3dthemovie.com

Teatro

Crítica teatral: Pàtria, en el Teatre Lliure de Gràcia.

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Cuando uno hace una crítica teatral siempre tiende a considerar, aunque a veces la tarea sea harto complicada, la contemporaneidad de la obra que se somete a su examen. De ahí que hasta la performance más exótica o el aquelarre teatral más acrobático sean analizados y explicados en clave de actualidad.

Pues bien, con Pàtria, la obra dirigida por Jordi Casanovas y estrenada el pasado 18 de octubre en el Teatre Lliure de Gràcia, todo esto que les acabo de explicar no es necesario. No es que el propósito de la obra no se deba llevar a la actualidad, sino que, por el contrario, la actualidad que vivimos hoy mismo ha sido trasplantada sobre el escenario del Lliure, lo que convierte en algo fútil el intento del reseñador.

Pàtria nos invita a una reflexión sobre la situación política que vive Cataluña y España en la actualidad. Todo comienza con la noticia de la muerte de la madre de Miquel Raventós, presentador de televisión y moderador del debate político previo a las elecciones autonómicas catalanas. Las últimas palabras de la madre de Miquel lo dejan afligido y bajo de defensas ante las falacias y las mentiras de los representantes políticos, lo que le obliga a expresar claramente su opinión sobre la situación del país ante las pantallas y a hacer pública su proclama: Bona Nit y Llibertat!

Las afirmaciones manifestadas por Raventós en directo asombran a conocidos y familiares y conectan espontáneamente con una sociedad necesitada de argumentos e ideas auténticas que seguir y que la saquen de la grave situación de crisis económica, política y moral en la que vive. La aparición de una ambiciosa asesora de campaña política (Rosa Vila), hará decidirse al periodista a pasar al mundo de la política con un programa y una propuesta rupturista: la independencia de Catalunya.

Casanovas nos presenta, en el segundo capítulo de su trilogía sobre la realidad catalana inaugurada el año pasado con Una història catalana, un juego poliédrico de verdades y mentiras en el que aparecen todos los temas que, seguro, discutimos en familia, entre amigos o en los descansos en la oficina: la mentira engañosa de los políticos; los intereses económicos ocultos tras las siglas de los partidos políticos; la acción oscura y poco ética de los grandes grupos financieros y las corporaciones multinacionales; la utilización por parte de los políticos de proclamas y slogans más o menos fraudulentos para conseguir más votos, el desgastado y mezquino, a veces, papel de la prensa…

Lo que nos propone Casanovas es una reflexión sobre la realidad política, económica y social en la que vivimos inmersos, justo en un momento en el que el debate sobre la complicada relación entre España y Cataluña está más presente y en un panorama en el que parecen consolidadas las propuestas rupturistas, como las imaginadas en Pàtria. En medio de esta vorágine de voluntades y atrevimientos, Casanovas nos viene a confirmar una cosa importante: hasta las verdades políticas están basadas en la mentira.

La trama de Pàtria se fabrica en el escenario a partir de la labor de seis actores que irán mutando de apariencia y de personalidad para narrarnos una historia de ambición y de renovación política. Francesc Orella está magnifico, como de costumbre, en su papel de candidato capaz, por primera vez en la historia, de conseguir el poder en Cataluña como líder de una fuerza política independentista. Su contrincante principal, Alex Casanovas, traza firmemente un personaje antiestético, el de un político capaz de cualquier acto o traición que le permita mantenerse en el poder y mejorar la intención de voto de su partido. Aquí se halla, pues, la base del enfrentamiento teatral de la obra: la pugna entre el intento honesto de hacer política, que, como no podía ser de otra forma, proviene de fuera del mundo de la política y el empeño de las clases gobernantes, corruptas y ambiciosas, de mantenerse en el poder y conservar sus privilegios cueste lo que cueste. ¿Les suena esto de algo?

Este desafío teatral entre Orella y Casanovas, el actor, se acaba de construir gracias a la interpretación del resto del reparto, en el que Marcel Borràs, Lluïsa Castell, Fermí Reixach i Rosa Vila tejen con sus actuaciones una tela de araña interpretativa resistente y flexible, sin la cual la trama de la obra no podría avanzar, y menos de una forma tan convincente.

Pero Casanovas, el director, va más allá de la mera transposición de la actualidad al escenario, y pretende analizar, bajo el formato de una obra de trasfondo político y social, la realidad que subyace tras los símbolos, esos con los que se juega siempre, y que se convierten en sólidos referentes no solo de ideas sino también de acciones. Símbolos como Moragues, Macià o Companys, a los que podríamos sumar El Cid o los Reyes Católicos en España (la Patria a la que hace referencia el título de la obra) y que las más de las veces, por no decir siempre, están construidos artificiosamente sobre verdades a medias, pero que sirven muy bien para movilizar, en base a la emoción y los sentimientos «de tripa», a las personas y a las comunidades en función de intereses invariablemente particulares.

Este es el meollo, a mi parecer, de lo que quiere tratar Casanovas, y para ello construye una trama interesante, actual y con ritmo, en la que la vida repleta de mentiras se enfrenta a la verdad, materializada en el síndrome de Asperger que sufre Marcel Borràs, el hijo de Raventós, que le impide mentir. Un tipo de autismo que se puede considerar como una enfermedad o como una bendición, dependiendo del punto de vista des del que se mire. Y a Casanovas le interesa dejar su opinión en suspenso, para generar un debate ligado al juego político, que no podría sobrevivir sin la mentira y donde el verdadero autista es aquel que dice la verdad.

Casanovas nos propone una reto interesante sobre la realidad más cercana, aquella que inunda nuestro día a día y aquella que habla sobre la veracidad de nuestros referentes históricos y culturales. Por medio nos quiere hacer reflexionar sobre nosotros mismos. ¿Son las mentiras y la perfidia de los políticos un síntoma de una clase corrupta y amoral, o sus defectos son los mismos que sufrimos nosotros? ¿Los políticos están hechos de la misma pasta que la sociedad? Yo por desgracia me decanto por esta última opción, y suelo pensar que los problemas que sufrimos como sociedad, como país, como cultura y si me fuerzan incluso como humanidad, se deben a que, como personas, nos dejamos llevar habitualmente por nuestros intereses más privativos. Un combustible este, que por desgracia ha hecho mover, mueve y moverá durante mucho tiempo, puede incluso que de forma indefinida, el destino del planeta y de las sociedades que en él se desarrollen.

“Pàtria” se representa en el Teatre Lliure Gràcia del 18 de octubre al 11 de noviembre de 2012.

Pàtria prolonga su temporada en Barcelona en el teatre Poliorama hasta el 16 de diciembre de 2012.

Dramaturgia y dirección: Jordi Casanovas
Reparto: Marcel Borràs, Àlex Casanovas, Lluïsa Castell, Francesc Orella, Fermí Reixach y Rosa Vila
Escenografía: Jordi Soler Prim
Vestuario: Albert Pascual
Caracterización: Lucho Soriano y Mariona Trias
Iluminación: David Bofarull (a.a.i.)
Sonido: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure y EL CANAL – Centre d’Arts Escèniques Salt/Girona

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 30,25 €; miércoles, día del espectador 21,30 €; 25,75€ con descuento
Idioma: catalán
Duración de la obra: 2 horas sin pausa

Espectáculo recomendado por el Servei Educatiu del Teatre Lliure
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Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Cine,Entrevistas,Teatro

Entrevista a Iván Morales, autor y director de Sé de un lugar.

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Os presentamos en el espacio de entrevistas de Culturalia  la charla que mantuvimos la semana pasada con Iván Morales, autor y director de la obra Sé de un lugar, que se representa en el Teatre Romea, un éxito del teatro de pequeños formato que ha obtenido recientemente tres nominaciones a los Premios Butaca. Con él hablamos de la obra, del mundo del cine y del teatro y de los próximos proyectos de la compañía.

«Al final, Béré y Simó lo han dejado.
Quizás angustiado por la ruptura, parece que él no sale de casa ni para ir a comprar, puesto que contrata a un vecino indio, Shahrukh, para qué lo haga por él. En cambio, ella aprovecha su recuperada independencia para salir al mundo, viajar y experimentar con amantes de ambos sexos. Aún así, encuentra tiempo para visitar a Simó de vez en cuando, preocupada por su aislamiento. Los dos personajes intentan mantener una relación más allá de su fracasada historia de amor, una pretensión quizás contra-natura. O quizás no».

Sé de un lugar, ¿Una historia de amor o de desamor? ¿Una obra para románticos o para realistas?

Sé de un lugar es una obra de teatro que trata del amor y del desamor. Y de cómo amas cuando se supone que ya no amas. Y sobre todo de cómo quieres a alguien que no es tu pareja, pero que aún quieres que esté en tu vida. Es en esta dicotomía entre realista y romántico en la que los personajes van oscilando y luchan interna y externamente. Simó y Béré (Xavi Sàez y Anna Alarcón) son dos grandes románticos y dos personas que tienen puntos de lucidez, aunque a veces también de patetismo extremo. Es entre estos dos elementos donde se halla la propuesta y el juego de la obra.

La obra nos presenta una historia de viejos sentimientos para una época de nuevas tecnologías y nuevas formas de pensar. ¿Por qué?

En un principio, cuando comencé a escribir la obra, teníamos el referente de la realidad líquida de Zygmunt Bauman, porque es el pensador que ha sabido definir mejor la situación emocional en la que vivimos hoy en día. Hay una cosa que es natural y es que queremos compartir, que estamos hechos biológicamente para ello, aunque en la actualidad es muy difícil hacerlo. Es complicado cuando las formas de querer son tan abstractas. Los personajes de la obra tienen 38 y 32 años y aún se están dando golpes contra la pared en este aspecto, y yo creo que esto nos pasa a muchos.

El recorrido de la obra se inició en La Caldera (boca oreja/redes sociales), pasa por La Seca-Espai Brossa (éxito indie), gira por España y Cataluña y ahora ocupa el hall del Romea. ¿Os esperabais este éxito?

No, no te lo esperas. Cuando comenzamos a hacer Sé de un lugar, podíamos imaginar cosas, muchas cosas, y obviamente cuando tienes un sueño trabajas para que se haga realidad. Nosotros tenemos un compromiso con la obra y si lo tenemos es porque queremos ir muy lejos con en ella. Cuando haces las cosas no tienes tiempo de soñar, vas paso a paso.
Nosotros seguimos trabajando e insistiendo, y soñamos con ir más lejos con esta obra porque nos gusta mucho hacerla y nos lo pasamos muy bien con ella, y cada función para nosotros es un descubrimiento. Soñamos mucho pero vamos paso a paso, y esto es algo que no hemos de olvidar nunca.

¿Sé de un lugar ha ganado o ha perdido algo en el trayecto?

Ha mutado, han cambiado muchas cosas. Lo que tú verás hoy es el resultado de muchos aciertos y de muchos errores, de muchas decisiones pero también es el resultado de muchos accidentes. Pero todos estos accidentes los hemos ido utilizando en favor nuestro, nos han venido muy bien. Nos han obligado a esencializar, a ir más a fondo en lo que queríamos explicar porque desde el principio queríamos hacer un trabajo teatral sobre la intimidad. Sé de un lugar ha mutado además porque nosotros hemos cambiado, la situación social ha cambiado, y hemos ido adaptado en la obra todo esto y también nos hemos adaptamos mucho a los espacios.

La obra habla sobre la crisis de la relación, emotiva, de la pareja, pero ¿nos habla también de la crisis en la que vivimos inmersos (política, económica y social)?

La función que la gente verá sucede hoy. Son siete escenas y la última de ellas pasa hoy, y los personajes están en este mundo, en esta sociedad, y en esta ciudad, y obviamente padecen la crisis, la viven. El texto se ha adecuado a esto, y de hecho hay una pequeña sorpresa. Hemos querido hacer un pequeño regalo al público con el que compartimos un pequeño momento de catarsis que me he sacado yo, como autor, de la manga en esta última versión de la obra. Un pequeño regalo que ya verás que es muy naíf, muy tonto, pero que me gusta mucho porque es tan simple y tan tonto como en el fondo nosotros necesitamos a veces ser, tan iluso como el amor.

Háblanos un poco del público que va a ver Sé de un lugar.

Nos encontramos con un público bastante heterogéneo y esto nos gusta. Viene a vernos bastante gente joven. Viene también público más adulto que es el que asiste habitualmente a las representaciones del Romea. Así que se genera una mezcla muy curiosa que es, además, muy interesante para una obra como esta, que necesita tanto de la «respiración» del público.
Tener esta mezcla de público en la representación y ver como existen diversos planos de comprensión me gusta, porque realmente hace cambiar mucho las funciones. A veces se crean situaciones tensas, a veces la representación se convierte en una fiesta desde el primer momento… Esta es una forma de participación por parte del público que no es tan habitual en el teatro, puesto que los espectadores están creando una atmósfera que notan los mismos actores.

La obra tiene un importante componente de voyerismo, permitís al público observar la intimidad desde la intimidad. ¿Una oferta de entretenimiento propia de la época televisiva y de falta de privacidad en la que vivimos?

Lo que hemos tenido en cuenta a la hora de construir la obra es el hecho de que vivimos en un momento en el que cada vez es más extraño el contacto directo a la hora de comunicarnos, cada vez nos miramos menos a los ojos cuando hablamos, cada vez existen más pantallas electrónicas a través de las que vivimos.
Una de las cosas que pensábamos cuando creábamos la obra es qué puede ofrecer el teatro hoy que no pueda ofrecer otro tipo de entretenimiento, de dispositivo. Una de las respuestas es que te toque, que te mire, que te diga tío pasa una cosa y a ti también te está pasando, algo que no te lo puede ofrecer otro tipo de espectáculo o de experiencia… Nosotros teníamos muy claro que debíamos ofrecer algo con lo cual nada de esto pudiera competir.

¿Una obra como Sé de un lugar requiere algo más de la dirección y de la interpretación que una obra convencional?

El trabajo de Xavi y Anna como actores requiriere unas dosis de concentración muy alta, y para mí, como director, representa cederles una dosis de libertad también muy alta. Los intérpretes tienen una gran libertad para hacer su recorrido durante la actuación, como sea que esté naciendo en ese momento. Este es un aspecto que hemos trabajado mucho en los ensayos. Los actores durante la representación están prodigiosamente conectados entre ellos, pero también lo están con el público. Para eso se ha de ser muy valiente como actor.

¿En la representación final ha tenido más peso el papel conductor del director o la creación de los actores?

La suma final de la obra es la de una compañía y es el resultado de un trabajo hecho por muchas manos. Por otra parte el teatro posee una gran diferencia respecto el cine: en el teatro el autor/director escribe y dirige la obra, si es el caso, pero el montaje final, el decoupage, lo hacen los actores. Esto es básico y el director ha de otorgar a los actores esta prerrogativa. Esto hace que los actores tengan mucha mano en el resultado final de la obra, aunque el trabajo global sea de la compañía.

Experimentasteis con el precio y el concepto de la entrada: La Caldera 5 € con consumición y tapa; La Seca-Espai Brossa 12 €; Romea 16-18 € (con cerveza incorporada). Siempre con un aforo reducido. ¿Cómo ha funcionado la propuesta? ¿Un planteamiento de futuro?

Nosotros queremos que la experiencia sea global, de ahí el acompañamiento de la cerveza, que nos cede Moritz. Y la experiencia está en la obra pero también en lo que la acompaña, en la forma de relacionarte con ella, en la web, en los videos, en Facebook, y una de las cosas que nos gusta es que el espectador pueda escoger cuál es su experiencia con la obra.
A mí me gustaría que la gente fuera al teatro como va a los conciertos o como va al Salón del Comic, o sea a hacer el friki, a hacer el chorra, a bailar, a ligar, a vivir.

Con Sé de un lugar has dado el salto del cine y la televisión al teatro? ¿Algo esporádico o un cambio de destino?

Yo quería dirigir un proyecto más amplio al que estaba acostumbrado, sentía la necesidad de dar un paso más allá de dirigir cortos y escribir largos, y me sentía preparado para ello, pero fue imposible hacerlo en el cine. Y esto me llevó a hacer teatro, y como también era difícil hacerlo en teatro convencional al final decidí hacerlo de la forma en la que hacemos Sé de un lugar. La aventura nació mucho de estas circunstancias, lo que decía antes de los accidentes y de las frustraciones.

Actor, guionista, director de cine y de televisión, autor y director de teatro, en que ámbito te sientes más cómodo?

Al final no es el qué sino el cómo. A mi me gusta estar bien con la gente con la que trabajo, hacer cosas con gente que me entienda y llevar a cabo proyectos en los que crea. A medida que vas trabajando te vas definiendo y yo me lo paso muy bien con mi compañía de teatro, y me lo paso muy bien también escribiendo y me encanta ser actor… Me encanta mi trabajo y me siento agradecido por seguir trabajando tal y como está ahora la industria.
Al fin y al cabo todo es lo mismo, explicar historias. Cuanto más te gusten las historias que explicas y más creas en ellas, mejor lo haces, A mi me gusta mucho creerme las historias que explico porque es también, parte de mi trabajo.

Sé de un lugar ha obtenido 3 nominaciones a los Premios Butaca: mejor obra de pequeño formato; mejor texto y mejor dirección ¿Qué representa este hecho para la obra y para vosotros?

Las tres nominaciones nos han sorprendido mucho. Una cosa es la nominación a espectáculo de pequeño formato, una categoría que podía estar dentro de nuestras opciones, pero mejor dirección y mejor texto, con esto sí que no contábamos. Obviamente nos gusta mucho porque las nominaciones quieren decir que la obra ha gustado. Pero tampoco nos lo tomamos demasiado en serio porque el mismo año que representamos Sé de un lugar hicimos otra obra que nadie ha visto, Els desgraciats… Esto nos hace ser conscientes de que puedes hacer una diana, pero eso no quiere decir nada respecto al futuro.

Por qué se debe ir a ver Sé de un lugar.

El hecho diferencial más básico de la obra para mí, es que verás unos efectos especiales emocionantes, turbadores, reconocibles y hechos únicamente por dos personas, por el uso de su cuerpo y de su voz, y tendrás la oportunidad de ver a unos actores hablándote de cosas que seguramente tienen mucho que ver contigo, a un centímetro de ti y podrás ver una función única, porqué no será igual que la del día anterior o la del día posterior y esto estará pasando delante de tus ojos. Podrás ver a dos actores que llevan casi dos años con un texto que les permite desnudarse y que obliga, a su vez, a desnudarse emocionalmente al público.

Estáis trabajando en algún proyecto nuevo?

Bueno, con esto te doy una primicia… pero sí, estamos preparando una obra de teatro, que estrenaremos seguramente en julio y que se titulará Jo mai, protagonizada por Oriol Pla, Àlex Monner, Marcel Borràs, Xavi Saez y Laura Cabello. La dirección musical estará a cargo de Elio Reguera, y es nuestro punto de vista sobre el género negro. Jo mai es un noir a nuestra manera y una historia sobre la amistad. Este es nuestro nuevo proyecto y estamos trabajando en él a fondo. Al mismo tiempo estamos con los bolos de Sé de un lugar, queremos que además de la gira la obra haga temporada en Madrid, y estamos intentando realizar la versión cinematográfica de la obra, una adaptación con el equipo original, con Xavi, Anna, y con el director de fotografía y el ayudante de dirección que yo quiero. Y parece que todo esto lo podremos acabar haciendo.

“Sé de un lugar” se representa en el Teatro Romea del 9 de octubre al 11 de noviembre de 2012.

PRÓRROGA DEL ESPECTÁCULO.
Se de un lugar  se representa en el vestíbulo del teatro La Villarroel del 5 de febrero al 13 de marzo de 2013.

Horarios: martes a las 20:30 horas y miércoles a las 22:00 horas.
Precio: 18 €

Texto y dirección: Iván Morales
Intérpretes: Anna Alarcón y Xavi Sàez
Ayudante de dirección: Lali Àlvarez
2.0: Juanjo Maria Tarrasón
Producción: Producciones Prisamata

Horarios: martes y miércoles a las 20:30 horas; de jueves  a sábado a las 22:45 horas y domingos a las 20:15 horas.
Precio: 18,80 € (con cerveza incluida).
Espacio de representación: Hall del Romea
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 20 minutos


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Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Cine,Música

Fin de año musical con los conciertos programados por Promoconcert.

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Se acerca un intenso fin de año musical de la mano de los conciertos programados por Promoconcert, que este año apuestan por los homenajes a grandes de la música (Glenn Miller, Whitney Houston, James Brown o Frank Sinatra), por el jazz (Cotton Club. The Cabaret Show) o por los Grandes éxitos de la música de Cine.

Os dejamos aquí un selección de los conciertos programados por Promoconcert:

Glenn Miller Orchestra
25/11/2012
Palau de la Música
18:00h

Director: Ray Mc Vay
Orquesta: The Original Glenn Miller Orchestra

Su música marcó una época, hizo olvidar las preocupaciones de una guerra e invitó a vivir el presente con optimismo. Esos valores siguen presentes tantos años después y han sido recuperados por la genuina The Glenn Miller Orchestra que es capaz de transmitir toda la fuerza de unas canciones a las que el tiempo no afecta. “Blue Moon”, “Chatanooga Choo-Choo”, “Over the Rainbow”, “In the Mood” o “Serenade In Blue” harán vibrar al público en este tributo al swing más auténtico.

Programa:
The Original Glenn Miller Orchestra
Dirigida por Ray Mc Vay
The Irresistibles Andrews Sisters y el espectacular ballet The Jiving Lindy Hoppers

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Remembering Whitney Houston
19/12/2012
Teatre Coliseum
20:30h

Orquesta: Jazz Katz Band
Solistas: Patricia Aikens, Larita Gaskins, Travaulya Wallace, Jania Harden y Nadine Walker

Fue una de las voces más cálidas y aterciopeladas de la música, que unía como pocas potencia y sensualidad. Con su canción “I Will Always Love You”, incluido en la banda sonora de El Guardaespaldas, y que se ha convertido en el paradigma del romanticismo, logró convencer a todos, incluso a los más incrédulos, de que el amor es para siempre.

A poco menos de un año de su repentina muerte, este espectáculo rinde un merecido homenaje a la indiscutible reina del pop de los años 80 y 90. Una cita obligada para todos los fans de Whitney Houston, pero también a los amantes de la música en mayúsculas. Su extraordinario chorro musical la hizo merecedora del sobrenombre de “la Voz” (en clara referencia a su compatriota Frank Sinatra), y la convirtió en la artista más galardonada de todos los tiempos, con dos premios Emmy y seis premios Grammy.

Cinco solistas de también extraordinarias voces (Patricia Lacey Aikens, Larita Gaskins, Travaulya Wallace, Jania Pace Harden y Nadine Walker), acompañadas de la Jazz Katz Band, interpretarán sobre el escenario a la artista estadounidense en diferentes momentos de su vida, desde su espectacular salto a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, del que se vendieron 30 millones de copias, hasta su turbulenta etapa de lucha contra las drogas.

Programa:
I’m Every Woman
Nothin’ but Love
My Love Is Your Love
I Will Always Love You
I Wanna Dance With Somebody…

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James Brown, the Godfather of Soul
20/12/2012
Teatre Coliseum
20:30h

Orquesta: Jazz Katz Band
solista: Tony Wilson

Tony Wilson, el artista que consiguió dejar impresionado al mismísimo James Brown, hasta el punto que el legendario cantante lo eligió para interpretarlo a él en la película “Funk Blast”, encabeza el reparto de la producción “James Brown, The Godfather of Soul”, un vibrante tributo a la figura fundamental de la música negra.

Acompañado de la Jazz Katz Band, Wilson despliega sobre el escenario un estilo único y una maestría que convierten los grandes éxitos de James Brown («I Got You (I Feel Good)«, «Sex Machine«, «Papa’s Got a Brand New Bag«, «Please Please Please» y «Living in America«) en una explosiva combinación de energía y coreografía.

Programa:
I Got the Feelin’
Papa’s Got a Brand New Bag
It’s a Man’s Man’s Man’s World…

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Cotton Club. The Cabaret Show
22/12/2012
L’Auditori
22:30h

Orquesta: The Cotton Club Revue Jazz Band

El Cotton Club fue el más famoso night-club de Harlem (Nueva York) de la época de los gánsters y la ley seca. En sus escenarios actuaron los grandes nombres del jazz, y desde allí la música negra se extendió primero a Estados Unidos y luego a todo el mundo.

Ese mundo de jazz, claqué y placeres prohibidos que tan bien recreaba la película Cotton Club de Francis Ford Coppola llega ahora a España. Artistas como el genial trompetista Longineu Parsons, los cantantes Cornelius MD, Patricia Lacey Aikens o LaRita Gaskins darán vida a los grandes nombres del jazz que pasaron por el local neoyorkino (desde Louis Amstrong a Duke Ellington y Ella Fitzgerald), con títulos tan célebres como “What a Wonderful World”, “Summertime”, “Hello Dolly”…

La espectacular combinación de la música del Cotton Club Revue Jazz Band, y del vibrante baile del tap-dancing empujan irremediablemente al público a mover los pies y a ser felices.

Programa:
Hello Dolly
What a Wonderful World
Summertime
Minnie the Moocher…

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Grandes éxitos de la música de Cine
05/01/2013
Palau de la Música
22:30h

Orquesta: Cinema Symphony Orchestra

La Cinema Symphony Orchestra nos presenta un atractivo programa no sólo para cinéfilos sino también para amantes de la música en general, con las melodías inmortales que ayudaron a consagrar algunos de los films más taquilleros y premiados de la historia del séptimo arte,  y que con el paso del tiempo se mantienen vivos en la memoria del gran público como verdaderos clásicos del género: ET, Titanic, La Bamba, Grease, Jurassic Park, El Guardaespaldas, La bella y la bestia, La Sirenita, West Side Story, entre otros.

Programa:
E.T.
Titanic
La Bamba
Grease
Los 7 Magníficos
Obertura Clásicos de Disney
Jurassic Park
«I Will Always love You», (El Guardaespaldas)
La Bella y la Bestia
«Bajo el Mar», (La Sirenita)
West Side Story (selección)
New York, New York…

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Swinging Sinatra
19/01/2013
Palau de la Música
22:30h

Orquesta: Cinema Symphony Orchestra
solista: Tony Martelli
Directora: Karen Nixon

Fue la Voz con mayúsculas, única e irrepetible. Frank Sinatra nos dejó canciones imperecederas que siguen cautivando a las nuevas generaciones como antes conquistaron al público del siglo XX. Con el título “Swinging Sinatra”, el nuevo espectáculo de Promoconcert propone un homenaje al legendario cantante a través de sus títulos más conocidos: desde sus canciones melancólicas y de tristes amores como “Strangers in the night”, hasta la optimista “The Best Is Yet to Come”, pasando por la oda a la rebeldía de “My Way”, el canto a la ciudad de Nueva York en “New York, New York” o la poética “Fly me to the moon”.

Sobre el escenario, Tony Martelly, acompañado de la Cinema Symphony Orchestra, es un gran intérprete de Sinatra, que logra captar la esencia del cantante, su aire canalla y su porte elegante que lo convirtieron en un mito del siglo XX.

Programa:
Los grandes éxitos de Sinatra:
New York, New York
My Way
Strangers in the night
Fly me to the moon…

Para más información, precios y compra de entradas:
http://www.promoconcert.es/programacion.php?c=1

Teatro

Crítica teatral: MCBTH (Macbeth), al Teatre Nacional de Catalunya.

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Macbeth es una de las obras «de referencia» de Shakespeare y, por extensión, del teatro universal. Una circunstancia que ha motivado la realización de una gran variedad de versiones de la pieza a las más diversas circunstancias y contextos sociales, políticos e históricos.

El TNC nos ofrece, desde el pasado 11 de octubre, la «adaptación libre» del tratado del dramaturgo inglés sobre la ambición, llevada a cabo por Àlex Rigola, que viste la trama con tintes personales y contemporáneos que la acercan al contexto actual. Una apuesta que si bien ha sido criticada, condensa una gran fuerza visual acompañada de las ganas del director de «recrearse» con los clásicos de la dramaturgia universal, y más concretamente en aquellos de corte shakesperiano.

«Tres brujas misteriosas y oscuras anuncian al general Macbeth que llegará a ser rey de Escocia y que su compañero, Banquo, será padre de reyes. El augurio despierta la ambición de Macbeth, pero especialmente el de su esposa, con quien trama y consuma el asesinato del buen rey Duncan para ocupar su trono. Lo que parecía un plan fantástico acabará arruinado por las consecuencias de los actos. Nada es lo que parecía. Nada es lo que parece. Lo dicen las brujas al principio: «Todo lo que es bello y justo puede ser también feo y asqueroso. Y todo lo que es feo y asqueroso puede ser también bello y justo«.

Macbeth nos habla sobre la ambición, sobre los instintos humanos que subyacen a cualquier tipo de cultura, de aquellos que por esta razón nos hacen humanos y, por ello, se convierte en un clásico, en una obra válida en cualquier tiempo, ya sea el más vetusto de los pasados como el más flamante de los futuros. Y Rigola acondiciona la obra a la situación en la que vivimos, en la que la ambición de unos pocos ha llevado, como en el argumento de la obra, a la destrucción y a la muerte, ya sea de personas, de formas de pensar o de sistemas de organización.

Rigola ha desvestido la apariencia de la obra para poderla transferir a la actualidad, despojada de cualquier substancia pasada, y la ha vuelto a vestir con unos ropajes que no por insólitos dejan de ser contemporáneos. De aquí que la vestimenta se vincule al mundo del deporte, que es sin duda uno de los ámbitos de la vida donde la competición y la ambición son más presentes. También ha jugado con la escenografía trans-mutando los bosques y los castillos que pueblan los decorados de la obra en mueblería «made in Ikea» Y le ha dado un ajuste televisivo y fantástico al asunto al dotar a la atmósfera de la obra con un toque de la genialidad de la banda sonora que Angelo Badalamenti realizó para la mítica serie de los 80 Twin Peaks.

Por desgracia, los elementos más mitigados por los efectos de la adaptación de Rigola han sido el interpretativo y el argumentativo. El resultado es una obra difícil de seguir e incluso de entender, si es la primera vez que el espectador se enfrenta al texto. La suma de escritos, propios y nuevos, y la interpretación estática o descontextualizada de los actores en diversos momentos de la representación, buscada por el director, hace que el seguimiento de la obra sea difícil. Rigola juega incluso con los formatos, ya sea a la hora de declamar el texto como en el estilo de la representación. De allí nace la dualidad de escenografías que diferencia el primer y el segundo acto, invadiendo este último de un blanco irreal y fantasmagórico que envuelve los cuerpos desnudos de sus principales protagonistas, que se embadurnan de la sangre, propia y ajena, que han provocado o provocará su ambición.

Las actuaciones pasan a un segundo plano en el juego visual y de formatos que construye Rigola. Con ellas también experimenta el director para robarles toda su carga de clasicismo y mostrarlas exentas, en la mayoría de los casos, sobre el escenario. Joan Carreras lleva el peso de la obra, no por otra, ésta se basa en la ambición de su personaje y de las emociones que de él manan. Todos los demás intérpretes orbitan alrededor de su centro de gravitación, entre ellos Alícia Pérez, que da vida a una austera Lady Macbeth; Lluís Marco que encarna al rey Duncan con una interpretación «a lo Marco«, a los que se suman Oriol Guinart, Míriam Iscla y Marc Rodríguez, que interpretan al resto de personajes, el mínimo para representar la obra. Una interpretación que hace aflorar en algunos momentos la comicidad de un texto altamente trágico. Elemento este, que junto a la excentricidad de algunos componentes de la adaptación (libre, recuérdenlo) seguro que habrá echado para atrás a más de uno.

La propuesta de Rigola es valiente, casi demasiado, y es un claro ejemplo de la voluntad del teatro actual de deconstruir el propio teatro y erigir sobre sus cimientos obras con un claro enfoque contemporáneo. De ahí que el MCBTH del TNC se convierta en claro reflejo de la ambición y la lujuria económica que ha llevado, al menos en los países del sur de Europa, los peyorativamente denominados PIGS, a desbaratar los sistemas políticos, económicos y sociales que se habían erigido desde el final de la II Guerra Mundial. Una detonación de fondo contra una sociedad que muere a manos de los ambiciosos, de aquellos émulos de Macbeth que se visten con caros trajes hechos a medida, conducen automóviles de lujo y que se rodean de la parafernalia tecnológica en boga, gozando de mucho más de lo que la realidad les puede otorgar.

Rigola, deja algo de lado el hecho de que el teatro, tal como se concibe en la actualidad, es un producto cultural y comercial y que ha de llegar al público de una forma asequible, ya que si no la creación artística puede llegar a morir prematuramente sin haber alcanzado sus objetivos, ya sea por parte de los autores o por parte de los destinatarios o consumidores. La versión del Macbeth de Rigola es una obra de complicada digestión que fuerza al espectador a masticarla concienzudamente y a realizar una ardua deglución teatral.

Pero es una experiencia estimulante poder ver la reflexión que el teatro puede hacer sobre el propio teatro, y de lo mucho que se puede concebir con las ideas claras, si bien algo excéntricas, sobre el legado shakesperiano. Una propuesta no apta para nuevos públicos o para aquellos a los que no les gusta que «jueguen» con los clásicos.

“MCBTH (Macbeth)” se representa en  el TNC del 11 de octubre al 18 de noviembre de 2012.

Autor: William Shakespeare
Adaptación libre: Àlex Rigola
Traducción: Salvador Oliva
Dirección: Àlex Rigola
Reparto: Lluís Marco, Oriol Guinart, Joan Carreras, Marc Rodríguez, Míriam Iscla y Alicia Pérez
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario: BRAIN&BEAST
Iluminación: August Viladomat
Sonido: Igor Pinto
Producción: Teatre Nacional de Catalunya y El Canal. Centre d’Arts Escèniques Salt / Girona

Horarios: miércoles y viernes a las 20:00 horas; jueves a las 17:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo a las 18:00 horas.
Jueves 11 de octubre y 1 de noviembre, función a las 20:00 horas.
Precio: de 15,69 a 31,37 €
Duración de la obra: primera parte: 65 minutos; entreacto: 20 minutos y segunda parte: 22 minutos.

Coloquio: viernes 26 de octubre
Espectáculo recomendado a partir de 16 años
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Escrito por Jorge Pisa Sánchez