Desde la noticia de que uno va a ser padre hasta el momento en que el ufano retoño cumple unos seis años, la vida de todo hombre cambia por completo. Como es la mujer la que sufre los cambios físicos y anímicos más aparentes, parece que a su «compañero de desventuras» el proceso no le afecte tanto aunque Pararapapà nos demuestra todo lo contrario. El sufrido futuro padre se enfrenta a toda una serie de problemas, reflexiones y prohibiciones que ni siquiera sabía que existían y que afectan, sin duda, a su calidad de vida. Una serie de obligaciones y ajetreos constantes para los que no está preparado y que aborda como puede.
Pararapapà trata todas estas situaciones pero con mucho humor. La obra no se deja nada en el tintero: desde la llegada de la “buena noticia», pasando por las visitas al ginecólogo, la miríada de cachivaches varios indispensables para el bebé, los sentimientos encontrados, la nueva relación que se establece con la pareja y con las otras mujeres, el feliz nacimiento, lo que sacan de quicio los niños… Reiréis a gusto con todos estos planteamientos. No en vano los directores de esta comedia son Mònica Pérez y Jordi Rios, pareja en la vida real, que trabaja en el campo del humor colaborando semanalmente en programas de TV3 como Polonia y Crackòvia y que están extendiendo cada vez más su actividad cómica tanto a través del espectro televisivo como por los escenarios barceloneses, fruto de lo cual ha sido el estreno de obras como Els 39 esglaons, Confessions de dones de 30 (un producto que comparte bastantes elementos creativos con Pararapapà) o La Familia Irreal.
La obra es participativa pues nos encontramos como espectadores sumergidos en los preparativos de una fiesta infantil organizada por el Ampa del colegio. Ahí están los tres actores que la organizan: Miquel Sitjar, Juli Fàbregas y Miki Esparbé. Los dos primeros ya han sido padres y el tercero está a punto de serlo. Ante la inocencia de este último los otros no dudaran en aclararle lo que se le viene encima. Charlaran entre ellos, con el público, y tendrán sus propios monólogos, todo muy bien hilvanado y desarrollado con gran naturalidad. Se desgranarán todas las facetas de la vida de los «papas» y descubriremos algunas manías suyas, además del bonus de una historia de intriga sobre la paternidad de uno de los personajes. Una combinación perfecta para no dejar de reír.
Una comedia con ritmo para todo aquel que ha sido padre, que lo será, o que no lo será pero que quiere saber lo que se pierde. Toda una bocanada de aire fresco y de humor proveniente de aquella parte de la pareja que desaparece casi por completo con la llegada de un nuevo miembro a la familia pero que se esfuerza como el que más, aunque pocas veces se le reconozca, para alcanzar el éxito en la aventura de la vida.
«Pararapapà» se representa en el Club Capitol del 14 de noviembre de 2011 al 3 de febrero de 2012.
Restreno: Pararapapá se vuelve a programar en el Teatre Goya del 4 al 25 de mayo de 2013.
Horarios: sábados a las 23:30 horas. Precio: 20 €
Director: Mònica Perez y Jordi Rios
Actores: Miki Esparbé, Juli Fàbregas y Miquel Sitjar
Diseño luz y sonido: Antonio Santoyo
Música: Antonio Santoyo
Vestuario: Montse Alaquart
Voces en off: Pep Plaza
Producción: Bambes de Palamos
Horarios: de miércoles a sábado a las 22:30 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: miércoles 16 € y de jueves a domingo 23 €. Duración de la obra: 90 minutos Idioma: Catalán
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El teatro, como arte vivo, necesita nutrirse de actualidad, de lo que pasa a su alrededor, con el objetivo de que los dramas morales y existenciales que se desatan sobre el escenario tengan relación con las realidades y con los problemas que sufren a diario aquellos que pagan las entradas para asistir a alguna de sus representaciones. Un requisito este que si no se atiende puede acomodar al teatro en un podio de preciosismo cultural alejado de aquellos que lo crean y aquellos que lo consumen.
Algo que Peña Carulla tuvo muy en cuenta a la hora de escribir su primera obra teatral de la que él mismo es el director. Poder Absoluto es un thriller político que nos habla de eso, del poder, de la corrupción y del engaño que cualquier dosis de poder comporta y de lo que alguien que ansía el poder está dispuesto a hacer para conseguirlo.
Todo comienza en el salón de la residencia de Arnold Eastman (Emilio Gutiérrez Caba) al que ha sido invitado Gerhard Bauer (Eduard Farelo), una joven promesa del partido de derechas al que pertenecen ambos. Eastman es un prestigioso y experimentado político que se puede convertir en el próximo presidente del gobierno. Sin embargo un oscuro episodio de su pasado puede dar al traste con sus pretensiones políticas. Eastman necesita un favor que solo Bauer le puede prestar. Pero ¿todo vale en política? ¿El fin justifica los medios? ¿Está limpio el entramado político de un país como el nuestro?
Peña Carulla ha decidido tocar un tema candente (volcánico, diría yo!!) y actual en su estreno como autor teatral, basándose en un caso que sacudió la vida política austríaca a mediados de los años 80 centrado en el pasado colaboracionista nazi de Kurt Waldheim, uno de los candidatos, por entonces, a la presidencia del país. Y es que en un momento como el que vivimos, el teatro no puede rehuir verse invadido por la política, de la misma forma en que la política se ve invadida por el teatro. No hemos de olvidar que a días de las elecciones al Parlament de Catalunya el diario El Mundo ha «puesto en circulación» de forma «políticamente incorrecta» informaciones que acusan, entre otros, al que seguramente será el próximo Presidente del la Generalitat Catalana, de poseer cuentas corrientes secretas en el extranjero infladas con dinero proveniente del cobro de comisiones «políticas«, y que veremos si los cuerpos policiales y los tribunales españoles llegarán a aclarar algún día (permítanme que dude al respecto!!). Esta gresca en la que se mezcla la indecencia política y los libidinosos intereses económicos hacen que el estreno de Poder Absoluto no pueda ser más necesario ni imperioso.
La obra de Peña Carulla, sin embargo, resulta algo artificiosa en su puesta en escena, tanto por lo que nos quiere explicar como por como nos lo explica. Les cuento. En Poder Absoluto no existe una reflexión o crítica al estamento político, sino una acusación, o mejor dicho una confesión. El autor se permite invadir el ámbito privado de un político (ficticio, aunque de derechas y algo corrupto) para que él mismo nos explique los sucios tejemanejes del poder, que, casualmente, claro está, concuerdan con las acusaciones que desde muchos sectores sociales se les imputa a los políticos y que van desde la corrupción, el engaño, el enriquecimiento indebido, la traición democrática, la supeditación frente a los mercados financieros… Todo un discurso, en resumen, muy del agrado de aquellos que lo pueden ir a escuchar.
A esta exposición acusadora Peña Carulla le suma también el artificio en el juego de cazador-presa que se crea entre Gutiérrez Caba y Farelo. Eastman apremia poco sutilmente a Bauer para que este limpie sus miserias políticas y existenciales si quiere seguir vivo en política, algo que afecta anímica y espiritualmente, como era de esperar, al joven político. Aunque la situación dará un giro inesperado y de nuevo «artificioso» que guiará la representación hacia su fin, en el que Peña Carulla hace avanzar la acción sin habérnoslo mostrado todo, para conseguir al final un efecto sorpresa que nos pueda convencer de lo acertado de su propuesta.
Es por ello que Poder Absoluto se descafeína un poco y siguiendo la estela de los políticos a los que acusa, falsea un registro escénico que por otra parte suma activos interesantes. Los primeros, son, y no podía ser de otra forma, las actuaciones de Gutiérrez Caba y Farelo: el primero como un político curtido consciente de la realidad del poder y que necesita una «ayudita» para conseguir su principal objetivo, ser el nuevo presidente del país. Una interpretación que nos muestra la maestría de un gran actor que hace las delicias del público. Por su parte Farelo construye su personaje en base a la dualidad que les comentaba, más creíble en la primera parte de la obra que en la segunda. Aunque este bache se debe más a la artificiosidad del texto que a la profesionalidad del actor, que nos tiene acostumbrados a un nivel de actuación muy alto.
La acción de la obra se desarrolla íntegramente en el salón de la vivienda de Eastman, por lo que la escenografía realiza un trabajo de alta graduación, mostrándonos, además, el jardín exterior que cultiva su propietario, el cual tendrá un significado a nivel simbólico en el conjunto de la trama.
Como les decía Poder Absoluto es un thriller político que permite al púbico invadir ese espacio de la política «entre bastidores» donde seguramente se fraguan todas las verdades y las falsedades de la política que nos afectan a todos de una forma u otra. Y nos remite a una actualidad donde las presiones de los mercados y la mezquindad de muchos políticos (y quien dice políticos dice financieros, banqueros, arribistas y ciudadanos varios) desbaratan la existencia de las sociedades a las que dicen representar.
Pero la propuesta escénica de Peña Carulla cojea al intentar aleccionarnos en vez de hacernos reflexionar. Aún así, por el tema que analiza y lo actual del mismo Poder Absoluto es una propuesta interesante, siempre y cuando seamos conscientes del trucaje que contiene, y nos permite gozar de un combate dialectico e interpretativo que por sí solo ya vale la pena, y más si recordamos que Gutiérrez Caba no actuaba en Barcelona desde hacía 7 años.
Y ya saben, vean la obra atentamente, claro está, y analicen qué es lo que les dice y cómo se lo dice y si no están de acuerdo con esta humilde reseña den su opinión. La pluralidad y la divergencia siempre son bien recibidas…
«Poder Absoluto» se representa en La Villarroel del 9 de noviembre al 16 de diciembre de 2012.
«Poder Absoluto» se representa en el Teatro Bellas Artes de Madrid del 17 de abril al 16 de junio de 2013. Más información: Horarios y precios. http://www.teatrobellasartes.es/es/ex/852
Dramaturgia y dirección: Roger Peña i Carulla Reparto: Emilio Gutiérrez Caba y Eduard Farelo Escenografía: Carles Pujol Iluminación: Raúl Martínez Vestuario: Eulàlia Miralles Regidoría: Eulàlia Miralles Producción: La Villarroel, Pentación y Entresol de Produccions
Horarios: de martes a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 18:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:30 horas. Precio: de martes a jueves 24 € y de viernes a domingo 27 € Duración de la obra: 1 hora y 15 minutos (sin entreacto) Idioma: castellano —
Hoy os queremos informar de un proyecto escénico y de reflexión muy interesante que nos han hecho llegar los miembros de la Asociación Creativa nakadaska. El próximo sábado 24 de noviembre presentan en la Muestra de Arte Joven del Palau Alòs la performance eco, una reflexión sobre la tiranía a lo largo de la historia. La entrada es gratuita e incluye un coloquio post-actuación en el que se invita al público a dar su opinión sobre el tema tratado y compartir impresiones.
La Asociación Creativa nakadaska realiza proyectos artísticos de todo tipo (teatro, audiovisual, fotografía, etc.) con los que explora las emociones e invita al público a reflexionar sobre el individuo y su relación con el entorno.
En nakadaska han empezado un nuevo curso preparando la performance “eco”. En ella, cinco individuos que viven en comunidad se ven atraídos por un objeto, símbolo del poder. En un determinado momento uno de los protagonistas descubre el significado de la tiranía y se enfrenta a sus compañeros con la finalidad de dominarlos. Para conseguirlo, se apropia de las cintas rojas que cuelgan de las muñecas de cada uno, expresión de su propia libertad como seres. Pero en un mundo donde todos aspiran a ser el más fuerte, la lucha por el poder será constante.
“eco” pretende reflexionar sobre los conceptos de liderazgo, tiranía y poder y de cómo estos afectan a la vida en comunidad. En la performance, se van mostrando distintas maneras de dominar al pueblo que se han dado a lo largo de la historia de la humanidad: el profetismo, la esclavización, la monarquía, la dictadura y los medios de comunicación. Los individuos descubren que el sentimiento de superioridad, de control y de poder atrae demasiado y así se convierten en opresores sucesivamente.
La idea de desarrollar esta performance surgió tras una interesante conversación en la que nos dimos cuenta de las incoherencias del mundo en el que vivimos: en pleno siglo XXI, cuando deberíamos aprovechar todo el conocimiento acumulado a lo largo de la historia para evitar errores del pasado, siguen erigiéndose tiranos aquí y allí. La opresión sigue entre nosotros, es un hecho. Ya no arrastramos inmensos bloques para construir pirámides, pero seguimos siendo esclavos de injusticias quizás más sutiles pero igual de duras.
La performance «eco» se representará:
Lugar: Palau Alòs (Sant Pere més Baix, 55) Fecha: sábado 24 de noviembre de 2012 Horario: 19:00 horas Precio: entrada gratuita
Blog Culturalia te ofrece entradas dobles a precio reducido para los conciertos de Pastora y Bebe que se celebrarán el próximo domingo 25 de noviembre en el Auditorio Axa, dentro del Ciclo Dones. Disponemos de entradas dobles a 5 € para las actuaciones de los dos grupos.
PASTORA «Una altra Galàxia»
Domingo 25 de noviembre a las 18:30 horas Cicle DONES a l’Auditori Axa
Los polifacéticos Pastora vuelven a girar por los escenarios con su último trabajo, Una altra galàxia. Un compendio de temas en catalán en el que la banda continúa con su estilo personal y único, una fusión de electrónica, pop y rock. Una mezcla perfecta que brilla con luz propia en los escenarios.
El 29 de mayo de 2012, Pastora publicó en formato digital su nuevo álbum Una altra galàxia, con 12 canciones cantadas en catalán. El trío formado por Dolo Beltrán, Caïm Riba y Pauet ha reunido diez temas nunca incluidos en sus discos (los otros dos pertenecen a sus álbumes La Vida Moderna y Un Viaje En Noria) para demostrar que, por encima de idiomas, su música continúa siendo una de las más imaginativas, creativas e inspiradas del pop de la última década.
En catalán, como en castellano, Pastora continúa siendo diferente. Una altra galàxia es una nueva demostración de la personalidad y altura musical de Pastora, uno de los grupos capitales para comprender la evolución del mejor pop español del nuevo siglo con una trayectoria ejemplar dentro de la escena contemporánea española.
Todos los temas llevan impreso el sello Pastora, una marca registrada que engloba de manera personalísima estilos como la electrónica, el rock y el pop, siempre con la voz y las letras inteligentes y atípicas de Dolo Beltrán y el excelente trabajo de Caïm Riba sosteniendo las canciones con la producción, los arreglos y demás tareas musicales.
Pastora, capaz de dar a cada canción lo que necesita, utilizando con imaginación todos los elementos a su alcance, sin sobrecargarlas, con la tensión y la sutileza necesarias en cada momento, mezclando sonidos electrónicos y acústicos, el ordenador y el micrófono, la tecnología y el aliento humano.
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BEBE «Un pokito de rocanrol»
Domingo 25 de noviembre a las 20:30 horas Cicle DONES a l’Auditori Axa
Bebe ha sido nominada a dos Grammy Latinos 2012 en las categorías de Mejor Álbum del Año (Un pokito de rocanrol) y Mejor Canción Alternativa (Mi guapo). Es el reconocimiento de la Academia Latina de la Grabación a uno de los mejores discos del año con su candidatura a dos de los premios más importantes.
Bebe recibe estas nominaciones después de haber realizado una de sus giras internacionales más largas, con conciertos en Turquía, Francia, México, Venezuela, Colombia, Rusia, Portugal e Italia. En estos conciertos, como en su gira española, Bebe ha presentado su nuevo álbum Un pokito de rocanrol, que también se ha publicado en Estados Unidos, México, Argentina, Colombia, Chile, Francia, Alemania, Suiza, Italia, Portugal y Grecia. Producido por el francés Renaud Letang, es su tercer álbum de estudio y también una aventura de riesgo musical hacia terrenos nuevos e imaginativos, jugando y apostando fuerte en cada canción. Es un disco de rock contemporáneo, de agresividad punki, que se mezcla con ese espíritu tradicional, casi ancestral, que tiene la voz y la actitud de Bebe para dar un nuevo sentido a la música popular.
Conciertos de Pastora y Bebe Ciclo DONES a l’Auditori Axa Lugar: Auditorio Axa Fechas: Domingo 25 de Noviembre
Avda. Diagonal, 547 (Barcelona)
PROMOCIÓN: entradas dobles a 5 € para el Ciclo DONES a l’Auditori Axa: Pastora y Bebe.
PROMOCIÓN FINALIZADA
Haz un «Me gusta» en la página de Facebook de Blog Culturalia y envía un mail a concurso_culturalia@hotmail.es con el asunto entradas Ciclo Dones indicando tu nombre completo y qué actuación te interesa antes de las 10:00 horas del domingo 25 de noviembre. Recuerda, disponemos de:
10 entradas dobles a 5 € para las actuaciones de Pastora y 10 entradas dobles a 5 € para la actuación de Bebe.
Contactaremos desde Blog Culturalia contigo para confirmarte tus entradas.
Blog Culturalia os invita a los conciertos de Minimal 21, Anna Roig i Najwa Nimri que se celebrarán el próximo sábado 17 de noviembre en el Auditorio Axa, dentro del Ciclo Dones. Disponemos de entradas dobles gratuitas para las actuaciones de los tres grupos.
MINIMAL 21 «El Fil d’Ariadna»
Sábado 17 de Noviembre a las 18:30 horas Ciclo DONES a l’Auditori Axa
Tras debutar en catalán el año 2010 con L’habitació del fons, Minimal 21 presenta su trabajo de estudio, El Fil d’Ariadna, un disco que recoge la dualidad que desde hace un año caracteriza la trayectoria del grupo.
Por un lado, se intensifica el predominio de sonidos electrónico en la primera parte del disco llamada l’ordit, donde el synth pop y las guitarras luminosas envuelven las canciones con una estética que no esconde la influencia de los ochenta. La voz de Nuria se desliza frágil y sugerente sobre estos paisajes sonoros donde dominan las atmósferas delicadas con un cierto comportamiento lírico. La segunda parte del disco, la trama, nos muestra unos Minimal 21, arriesgados y experimentales, que, sin electrónica y con los arreglos de violín y trombón, son capaces de poner el acento en la canción desnuda y sin ornamentos.
Las letras del disco esbozan pequeñas historias de seres anónimos que describen la fragilidad de la existencia, las contradicciones y las absurdidades en las que está inmersa la condición humana. El Fil d’Ariadna juega con un lenguaje surrealista y lleno de simbolismo que invita a sumergirse en un mundo íntimo y alejado de la cotidianidad.
Su apuesta por el pop electrónico destaca debido a la poca presencia de este género en el actual panorama musical catalán.
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ANNA ROIG I L’OMBRE DE TON CHIEN «Bigoti Vermell»
Sábado 17 de Noviembre a las 20:00 horas Ciclo DONES a l’Auditori Axa
Después de dos años esparciendo «Je te aimes» por los escenarios, Anna Roig i L’ombre de ton chien vuelven con un puñado de nuevas canciones para continuar seduciendonos.
Con su primer disco se nos presentaron explicando con resignación divertidas historias de desamor. Con este nuevo trabajo nos quieren enseñar que han cogido confianza, que ya no se resignan y que han aprendido a canalizar música y emociones de una manera más crítica y segura.
Sus nuevas canciones no son bien bien rosas, pero tampoco grises. Son historias con el optimismo agridulce de quien se dedica a pintar bigotes rojos a las fotos de las revistas. Este trabajo es la continuidad de un proyecto que ya ha hecho un primer paso de solidez en el panorama musical catalán. Con una actitud más desenfadada, pero manteniendo el cuidado en los detalles, siguen explicando historias en catalán y en francés que nos arrancarán más de una sonrisa.
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NAWJA NIMRI «Donde rugen los volcanes»
Sábado 17 de Noviembre a las 22:00 horas Ciclo DONES a l’Auditori Axa
Este es el noveno disco en la carrera de Najwa y el segundo que hace íntegramente en castellano. Un trabajo que empieza a cobrar forma a partir de los encuentros de Najwa con Vicente Miñana (Huma) y su guitarra. De aquí surge el esqueleto de unas canciones que «más tarde redescubriré junto a Raúl (Santos aka SupercineXcene) y sobre las cuales acabo decidiendo, después de un concierto a la sala Fabrik, que sean totalmente sintéticas». «Frías y distantes, pero con alma», aclara la propia Najwa.
En el interior de Najwa sonaba música sintética por lo cual la parte más complicada del proceso de creación fue la de adaptar las letras al electrónico y que estas resultaran musicales, que consiguieran acompañar el movimiento de las canciones, de las más lentas a las más upbeat.
Najwa [Nimri] es capaz de lanzarse al fondo de un volcán. Figurada y casi literalmente, porque en la imparable imaginación de esta artista los volcanes son portales estelares, conectados con el sol. Una idea tan original y sugerente como las canciones de ‘Donde rugen los volcanes‘, diez temas en los cuales la voz de Najwa nos traslada a paisajes desolados pero sorprendentemente acogedores. Un gran trabajo con letras de oscuridad descarnada, apoyadas en los excepcionales escenarios electrónicos de Raúl Santos, productor y compañero de Nimri en esta nueva aventura.
Ciclo DONES a l’Auditori Axa Lugar: Auditorio Axa Fechas: Sábado 17 de Noviembre
Avda. Diagonal, 547 (Barcelona)
PROMOCIÓN: entradas dobles gratuitas para el Ciclo DONES a l’Auditori Axa: Minimal 21, Anna Roig i Najwa Nimri
PROMOCIÓN FINALIZADA
Haz un «Me gusta» en la página de Facebook de Blog Culturalia y envía un mail a concurso_culturalia@hotmail.es indicando tu nombre completo antes de las 11:00 horas del sábado 17 de noviembre indicándonos qué actuación te interesa. Recuerda, disponemos de:
10 entradas dobles para las actuaciones de Anna Roig i Minimal 21 y 10 entradas dobles para la actuación de Najwa Nimri
Contactaremos desde Blog Culturalia contigo para confirmarte tus entradas.
Si tuviéramos, al final de la temporada teatral, que decidir qué teatro ha estrenado en Barcelona no la mejor obra sino la mejor programación en conjunto, no sería extraño que muchos se decantaran por el Teatre Nacional de Catalunya. Su éxito en este aspecto se debe en parte al presupuesto, porque engañarnos, pero también al acierto en la elección y la puesta en escena de las obras que programa y a la solvencia de los artistas y profesionales que actúan y trabajan en ellas.
Y un claro ejemplo de lo que digo lo manifiesta la programación de La Bête, de David Hirson, una comedia adaptada por Joan Sellent y dirigida por Sergi Belbel que analiza de forma brillante el teatro a través del teatro.
Hirson nos sitúa en la Francia de mediados del siglo XVII. El príncipe Conti (Abel Folk) quiere proveer de nuevos aires creativos a la compañía de teatro de la que es mecenas. El aristócrata está algo aburrido de los tediosos dramas escritos últimamente por el gran dramaturgo Elomire (Jordi Boixaderas), y quiere dar a las obras de la compañía un toque más alegre, mundano y popular, con la incorporación de Valere (Jordi Bosch), uno de los autores con más éxito del momento, cuyas obras aunque no poseen demasiada calidad artística tienen un gran éxito de público.
Así, pues, la voluntad del príncipe Conti generará el enfrentamiento entre dos formas de entender el teatro y la vida: la alta cultura que representa Elomire y el teatro más popular y de entretenimiento que defiende Valere.
La obra de Hirson, estrenada originalmente en el año 1991, trata un tema polémico en la actualidad que no es otro que esa dramática oposición entre el producto teatral (léase cultural) con aspiraciones artísticas y el mero producto de entretenimiento producido para satisfacer y agradar masivamente. Un debate que se me antoja muy propio de los siglos XX y XXI, en los cuales, y por primer vez en la historia, el consumo cultural se ha difundido entre todos los sectores de la sociedad, y avanza a pasos agigantados con el desarrollo de internet y las nuevas tecnologías. Lo que muchas veces ha provocado un desarrollo excesivo del entretenimiento cultural en antítesis con la cultura entendida como arte.
Hirson traslada dramatúrgicamente este debate cultural al siglo XVII, el siglo de Moliere, uno de los iconos del teatro mundial y del que Elomire toma su nombre por medio de un juego anagramático. Belbel ha realizado una magnífica adaptación y dirección de la obra, que ha sufrido, por desgracia, el menoscabo de la pérdida de su intérprete principal, Anna Lizaran, que debido a problemas de salud se vio obligada a abandonar los ensayos. Si bien su relevo, por parte de Jordi Bosch, ha sido, a pesar de las circunstancias, y sin duda alguna, un acierto total, ya que el actor provee a su personaje de un toque burlón y popular de sobras necesario en la obra.
Pero bien, vayamos a la reseña propiamente dicha. La Bête nos deslumbra desde su inicio. Y para ello no necesita de grandes escenarios ni de efectos de atrezo magníficos, tan solo de un texto bellísimo, adaptado del original en verso por Joan Sellent, y que aporta una gran belleza poética a la obra. Sobre el entramado textual se ha creado una escenografía sencilla pero bella también que marcará el referente espacial de la obra, y que nos muestra un sencillo ambiente teatral donde ensaya sus obras la compañía de Elomire.
Y como broche final el atractivo del espectáculo se construye en base a las grandes interpretaciones de los actores que integran el reparto, en las que destaca, sobre todo, Jordi Bosch, que deslumbra con la comicidad y la incontinencia poética que emana de su personaje. Bosch se deja llevar, en el buen sentido de la palabra, y se empapa de la vulgaridad y el exhibicionismo del zafio Valere, y nos fascina con los largos discursos en verso que su personaje declama en diversos momento de la obra. Su rival en escena es Jordi Boixaderas, que da vida a Elomire, un autor intelectual y valedor del teatro como obra artística y de reflexión y contrario a degradar el arte a mero entretenimiento grosero y vulgar, pero que se ha convertido en un autor aburrido que no conecta ya con el público.
El resto de actores quedan relegados, decisión del propio autor de la obra, a un segundo plano, del que solo se liberarán en parte en el segundo acto de la obra. Tan solo la actuación de Carles Martínez, que interpreta a Bejart, el hombre de confianza de Elomire, consigue individualizarse en esta neblina actoral de carácter unamuniano, hecho que le permite tomar algo más de presencia en el desarrollo de la representación.
Y la temática, como les decía, no deja de ser interesante en la propia trama y en su traslación al mundo en el que hoy vivimos. ¿El arte por ser arte ha de mantener siempre un carácter elevado? ¿Existe alguna forma de que la alta cultura, representada por los aburridos dramas que escribe Elomire, pueda agradar a una población que busca principalmente entretenimiento en los sectores de la cultura como el teatro, el cine o la literatura? ¿El arte, el entretenimiento y el consumo popular pueden llegar a entenderse, o el resultado siempre será una traición artística y una concesión hacia lo popular, hacia lo comercial?
La Bête trata, en su desarrollo, otros temas como el papel del mecenazgo personificado en la actividad de patrocinio del príncipe Conti, cuya magnanimidad económica permite a la compañía de Elomire subsistir dignamente, pero que comporta una cadena creativa que también la tiraniza, y que, por otra parte, da inicio al argumento. Un tema este candente en un mundo como el nuestro en el que el arte depende, en muchos casos, de las subvenciones del Estado y de los límites que estas imponen en sus exigencias o en sus concesiones. Otra temática que analiza la obra es la labor de la crítica y el papel que esta juega en el mundo del teatro, y que parece en crisis con la consolidación de la sociedad de la comunicación y de la sobreabundancia de información que esta comporta.
La Bête, como les decía, es una reflexión sobre el teatro desde el mismo teatro, pero al mismo tiempo es un deleite: por su texto en verso, por su humor elevado, por sus magníficas interpretaciones; por un decorado espectacular de pequeño formato y porque pone sobre el escenario, y nunca mejor dicho, el debate sobre la cultura.
Todo esto y más lo hallarán en La Bête, y además se lo pasarán en grande con la sillería artística y poética con la que está construida la obra. Una oportunidad que, espero, no se pierdan.
“La Bête” se representa en el TNC del 24 de octubre al 25 de noviembre de 2012.
Autor: David Hirson
Traducción: Joan Sellent
Dirección: Sergi Belbel
Reparto: Jordi Boixaderas, Carles Martínez, Gemma Martínez, Pepo Blasco, Míriam Alamany, Manuel Veiga, Anna Briansó, Jordi Bosch, Abel Folk y Queralt Casasayas
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario: Maria Araujo
Iluminación: Kiko Planas
Sonido: Jordi Bonet
Movimiento: Anna Briansó
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Nacional de Catalunya y Bitò Produccions
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo, 18:00 horas. Precio: de 19,05 a 38,09 € Duración de la obra: 2 horas y 40 minutos (entreacto incluido)
Quería contarte la historia de mi amiga Eva Campos Navarro. Eva era obesa, muy obesa. Pasó gran parte de su vida luchando contra los kilos de más y tiró la toalla, pero ella no era feliz. Hasta que un día se dio cuenta de que las verdaderas razones de su sobrepeso no eran los malos hábitos, sino que había algo más. El resultado; perdió 70 Kgs y escribió un libro, “Soy más lista que el hambre”: http://bit.ly/SMLQHecn
Un libro muy diferente que está revolucionando el mundo de las dietas, dinámico y ameno, lleno de ejercicios, historias reales de personas que han sufrido y superado el sobrepeso, ideas, fórmulas para crear un plan de acción sencillo y llevarlo a cabo, establecer objetivos realistas y un sinfín de herramientas que te motivarán y te ayudarán a encontrar las pautas que mejor se adaptan a tu vida.
Más que un libro de autoayuda o de adelgazamiento, es un canto a la esperanza, a la motivación que todos tenemos dentro para poder cambiar aquello que no nos gusta y vivir con plenitud.
Plataforma editorial publicó en octubre de 2011 Soy más lista que el hambre, de Eva Campos Navarro, una obra de consulta básica para todos aquellos que quieren acabar con el sobrepeso. Un libro que descubre el proceso para que sea el propio lector quien desarrolle las herramientas necesarias para alcanzar una vida sana.
«Durante dos tercios de mi vida he vivido en sobre peso. Y de ese tiempo, sinceramente, no sé cuánto he estado viviendo en obesidad. Como todas las personas en sobrepeso, he hecho dietas, ejercicio, comprado cremas, productos de todo tipo… Pero nunca conseguía llegar a un peso sano y mantenerme en él. Hasta ahora.
Cuando me di cuenta de qué me pasaba pude elegir qué quería que me pasara. Y todo esto queda reflejado en el libro por medio de diversos ejercicios, desde el Coaching y el Pensamiento Positivo pero, sobre todo, desde mi experiencia propia.
El libro comienza ahondado en el cliché del «gordito feliz», con ejercicios para que el lector sea consciente de si es feliz con el sobrepeso o no. A partir de ahí se propone un viaje al lector para descubrir qué le pasa y ayudarle a elegir qué quiere que le pase. Apoyado en ejercicios muy prácticos y dinámicos, se abordan conceptos como qué es comer sano, cuáles son las creencias sobre la comida, los hábitos, la autoestima… y se dota al lector de sus propias herramientas para poder determinar qué le sucede y qué quiere que le suceda.
No es un método, no es un procedimiento, no es una dieta, no es un compendio de pautas de vida sana. A diferencia del resto de libros de ayuda a adelgazar, Soy más lista que el hambre presenta un proceso para que sea el propio lector quien defina cuál es una vida sana para él, cómo lo va a conseguir y qué herramientas usará.
Eva Campos Navarro
Presenta, además, casos particulares reales de algunas de las más de 1000 personas con las que he conversado, dialogado y ayudado con procesos de coaching durante este tiempo, con el fin de dotar al lector de la sensación de que no está solo y que lo que le está pasando es lo mismo que le ha pasado a mucha gente antes. Todo ello complementado con mi propia experiencia, contando sensaciones, emociones y mi historia personal».
Eva Campos Navarro es psicóloga, terapeuta y coach, decidió dar un giro radical a su vida desde el mundo de la empresa al mundo del desarrollo personal y lanzar este libro basándose en su propia experiencia de lucha durante toda su vida con los kgs de más, hasta que encaró de otra manera el proceso de pérdida de kilos. Soy más lista que el hambre nos habla de sus logros y de cómo pueden ayudar a otros a adelgazar.
En muchas ocasiones se suele decir que “dos son mejor que uno”. Y esta es una de ellas, ya que el pasado fin de semana Julián López y Raúl Cimas inauguraron la 8º temporada de Comedy Zoo en el escenario del Club Capitol, dos componentes de la familia Chanante habituales, también, de programas de humor como Muchachada Nui o el reciente Museo Coconut.
Julián López es actor, guionista y músico. Su rostro es muy popular tras el éxito de la película No controles. Todos sus trabajos se engloban en el humor. Su compañero de fatigas, Raúl Cimas, es otro gran humorista, actor, guionista y presentador.
Su espectáculo empieza fuerte y las carcajadas del público se inician a los pocos minutos. Los dos humoristas nos cuentan, juntos sobre el escenario en la primera parte del show, aspectos de sus vidas marcados por el humor. El ritmo rápido y alocado de Julián López y el pausado y puntilloso de Raúl Cimas crean un contraste que ya por sí provoca la risa. ¡la voz grave de Cimas al narrar sus historias es impagable!
Después cada uno de los humoristas se queda solo en el escenario y da comienzo el apartado monólogo del espectáculo, en el que el humor y las risas también están, evidentemente, aseguradas. Se mezclan historias absurdas, surrealistas, cotidianas, familiares y muchas veces increíbles, con una aparición de Dios incluida.
Cuando los dos cómicos vuelven a estar juntos en el escenario continua la hilaridad con números de baile y movimientos chanantes, toda una serie de guiños para los seguidores de los programas en los que colaboran los dos cómicos. El único hándicap del show es que si eres muy seguidor de López y Cimas en tv es muy probable que algunas partes de su actuación ya la haya escuchado o visto anteriormente.
El arranque de la nueva temporada de Comedy Zoo garantiza, sin embargo, la agudeza humorística y el directo más absurdo e irreverente de los cómicos invitados. A Julián López y Raúl Cimas les seguirán en los meses de noviembre y diciembre Angel Rielo, Joaquín Reyes y Miki Nadal. Una fórmula de humor que arrasa allá por donde va!! Se lo aseguro!!
Comedy Zoo Lugar: teatro Club Capitol Producción: Zoopa
Venta de entradas: ticketmaster.es atrapalo.com
En el 902.15.00.25
y en las taquillas del teatro Club Capitol
La editorial Algaida publicó el pasado mes de junio Maratón, de Andrea Frediani, una novela histórica centrada en la leyenda de Filípides, el heraldo que dio su vida para salvar a la ciudad de Atenas durante la Primera Guerra Médica (490 a.C.) y cuya hazaña constituyó la base de la prueba olímpica que conocemos en la actualidad como maratón.
Si bien la novela inicia su trama algunos años más tarde, en aquel crítico momento del año 480 a.C. en el que la flota griega estaba a la espera de noticias sobre el resultado del choque entre espartanos y persas en el paso de las Termópilas, Frediani nos redirige rápidamente hacia Maratón, poco después de que los griegos hayan vencido a las huestes aqueménidas de Darío I. Aunque la victoria terrestre ha sido decisiva, parte de la flota enemiga se dirige hacia Atenas, con Hipias, el antiguo tirano de la ciudad a bordo, con el objetivo de tomar la ciudad. Tres de los hoplitas más destacados en la batalla, Eucles, Filípides y Tersipo, inician una carrera a pie con el propósito de llegar a Atenas antes de que lo haga la flota enemiga, anunciar la victoria helena y evitar cualquier tipo de traición. Aunque para los tres amigos hay algo más en juego: el amor de una mujer y la fama y el honor que conseguirá aquel que llegué antes a Atenas y anuncie la victoria. A lo largo del trayecto desde Maratón iremos conociendo a los tres corredores y las verdaderas motivaciones que impulsan a cada uno de ellos.
La novela, como ven, se centra en uno de los episodios más famosos del enfrentamiento entre griegos y persas y nos propone una trama atractiva e interesante, la que se centra en la gesta, de carácter legendario, que el hemerodromo Filípides llevó a cabo tras la victoria griega en Maratón para salvar a la ciudad de Atenas de la amenaza persa y que, según las fuentes, le causó la muerte tras el colosal esfuerzo atlético.
Lo primero que nos sorprende de la novela es la elección de los protagonistas. Frediani aprovecha para ello la acostumbrada desavenencia entre las fuentes antiguas que no son unánimes a la hora de identificar al protagonista de la historia: aunque el nombre de Filípides es el más extendido, algunas fuentes hacen protagonizar la hazaña a un tal Tersipo e incluso a un tercer pretendiente en discordia llamado Eucles. Esta disparidad de identificaciones permite a Frediani construir la base de la narración a partir de la supuesta amistad existente entre los tres personajes.
Andrea Frediani
Maratón no posee una trama principal, sino tres grandes líneas argumentales que coinciden, además, con tres momentos temporales diferentes. El primero y el que estructura la novela, es la contienda atlética que enfrenta a los tres hoplitas por convertirse en el heraldo que anuncie a Atenas la victoria griega en Maratón, y en la que está en juego la toma de la ciudad por parte de los persas. A esta trama se suman los recuerdos de la infancia y juventud de Eucles, el hoplita a través del cual nos es narrada la acción, y que nos adentra en la historia de la joven democracia ateniense y en el papel que el ejercicio y la competición tenía en la cultura griega. La tercera, que se irá imponiendo a medida que avanza la novela, se centra, claro está, en la batalla de Maratón, en la que Frediani narra no tan solo el combate sino también los momentos previos al mismo.
El autor nos introduce en el mundo griego antiguo aunque con un ojo puesto en la actualidad, ya que a través de las 410 páginas que integran la novela Frediani discute, o hace discutir a sus persones, cuestiones que nos pueden parecer muy presentes a aquellos que vivimos en el siglo XXI.
Uno de las principales temas que toca la novela es el que vincula el deporte, en este caso el atletismo, a los valores cívicos y militares de la ciudad griega antigua. Frediani se basa en la institución del efebato, la educación deportiva que recibían los jóvenes atenienses, para iniciar la narración y nos permite presenciar de esta forma diversas competiciones atléticas, un elemento, este, que distingue por sí solo, a la obra.
Otra de las cuestiones principales de la novela, y la que nos toca más de cerca, es la descripción que realiza el autor del funcionamiento «real» de la democracia ateniense, una forma de gobierno, no olvidemos, recién instaurada en la polis griega en el momento de su primer enfrentamiento con los persas. Es aquí donde se nos revelan acaloradamente actuales las discusiones entre los diversos protagonistas de la novela. Los diálogos entre Filípides, Tersipo y Eucles, nos muestran una época en la que la democracia, aún titubeante, luchaba por consolidarse en Atenas, amenazada tanto por los partidarios de la oligarquía como por los defensores de la tiranía, que amenazaba con volver a instaurarse en la polis griega de la mano de los invasores persas. A todo ello se suma algo que se me antoja como muy actual, si bien Frediani lo sitúa, con acierto, en la Atenas clásica, como es el constante juego político «partidista» entre los dirigentes atenienses que se extiende, incluso, al seno del propio ejército. Es sugestivo ver a los grandes políticos y estrategas atenienses del momento, esto es Temístocles, Milciades, Calímaco o Aristides, luchar por un «trozo del pastel», a expensas, incluso, de la propia victoria ateniense en Maratón.
Corredores durante los Juegos Panatenaicos
Finalmente, y como tercer pie argumentativo, hallamos la propia disputa que enfrentará, con un componente más trágico a medida que avanza la novela, a los tres amigos movilizados para enfrentarse a los persas. Un conflicto cuyo epicentro son los favores de una dama ateniense. Un amor que irá quebrando la amistad entre Eucles, Filípides y Tersipo y que acabará convirtiendo la historia en un auténtico drama.
Es también interesante la subtrama de la que es protagonista el poeta Esquilo y su hermano Cinegiro. A través de ella podremos presenciar lo dramático que podía ser para un ciudadano el cumplimiento del deber militar. Esquilo, que participó realmente en la batalla de Maratón, nos es presentado como un soldado cobarde y asustadizo que presencia el combate desde las últimas líneas de la falange, y que personaliza, sin duda alguna, el miedo que mucho hoplitas, temerosos por sus vidas, tendrían que vivir en el momento crucial de la batalla.
La novela posee un ritmo que va in crescendo a medida que uno avanza en su lectura. Si en el inicio predomina la evocación de los recuerdos de Eucles y el relato de su amistad con Filípides y Tersipo, el enfrentamiento con los persas se irá imponiendo poco a poco para dominar el desarrollo de las últimas páginas de la novela. En su elaboración Frediani muestra un conocimiento concienzudo de la época en que ambienta la acción, que ya invirtió en la redacción de su primera novela de ficción titulada 300 guerreros (ed. Bóveda, 2011), ambientada en la batalla de las Termóplias. Pero Maratón, no lo olviden, no es solo una novela de carácter militar, sino que aúna, en una prosa atractiva y adictiva, aspectos relacionados con la realidad política del momento (escojan ustedes entre Antigüedad y Actualidad) y con el deporte en la Grecia clásica. Por desgracia la historia nos es explicada casi totalmente desde el punto de vista heleno, quedando los persas siempre en un segundo plano, como meros comparsas, hecho este que hace menguar la visión global del conflicto.
Frediani, sin embargo, se deja llevar un poco por la fantasía en el tramo final de la novela. Aunque el autor realiza una buena narración de la batalla de Maratón, incluyendo, con todo, algunos «ingredientes» no del todo confirmados históricamente, el relato del enfrentamiento personal entre los tres corredores es, a veces, poco creíble, y nos remite más al ámbito de la leyenda que al mundo de los humanos (seguramente una opción deseada por el autor) si bien esta elección permite a Frediani dar diversos giros a la trama, que aunque le restan historicidad potencian su atractivo como novela.
Personalmente les he de confesar que Maratón me «enganchó», algo que se debe, sin duda, tanto a la buena mano de Frediani, como a la temática de la novela, que nos transporta a uno de aquellos episodios principescos de la historia de Occidente.
Una pequeña joya del género de la novela histórica que les hará conocer, a través del enfrentamiento entre griegos y persas y de la rivalidad entre los tres protagonistas de la novela, uno de los episodios más laureados de la historia de Grecia, aunque, y esto es lo curioso, a través de una leyenda atlética elaborada ya en tempos antiguos, la del heraldo Filípides, o Eucles o Tersipo, y su heroica hazaña atlética que salvó a Atenas de caer en manos persas tras la victoria griega en Maratón.
Título: Maratón Autor: Andrea Frediani Editorial:Algaida Colección: Algaida Literaria>Inter Formato: Rústica Hilo / 15,5 x 23 cm. Fecha de publicación: junio de 2012 Nº de páginas: 416 I.S.B.N.: 978-84-9877-792-5 Precio: 18 €
El próximo viernes se estrena en España Drácula 3D, la última aventura terrorífica del maestro del género Dario Argento, una revisión actualizada y en tres dimensiones del clásico de Bram Stoker.
Jonathan Harker viaja en tren de Inglaterra al remoto castillo del conde Drácula, situado en los Cárpatos en la frontera de Transilvania. El propósito de su misión es catalogar la biblioteca de Drácula. Pronto, desconcertado por los simpáticos modales de Drácula, Harker descubrirá que es el prisionero del castillo. También comenzará a conocer perturbadoras facetas de la vida nocturna de Drácula.
Título:Drácula 3D Género: Terror Nacionalidad: Italia, Francia, España Año: 2012 Director: Dario Argento Reparto: Asia Argento, Rutger Hauer, Thomas Kretschmann, Miriam Giovanelli, Marta Gastini, Unax Ugalde, Morgane Slemp Guión: Dario Argento, Enrique Cerezo, Stefano Piani, Antonio Tentori Música: Claudio Simonetti Fecha de Estreno: Viernes, 09 de Noviembre de 2012 Producción: Multimedia Film Production, Enrique Cerezo P.C., Les Films de l’Astre Web oficial:www.dracula3dthemovie.com
Desde la noticia de que uno va a ser padre hasta el momento en que el ufano retoño cumple unos seis años, la vida de todo hombre cambia por completo. Como es la mujer la que sufre los cambios físicos y anímicos más aparentes, parece que a su «compañero de desventuras» el proceso no le afecte tanto aunque Pararapapà nos demuestra todo lo contrario. El sufrido futuro padre se enfrenta a toda una serie de problemas, reflexiones y prohibiciones que ni siquiera sabía que existían y que afectan, sin duda, a su calidad de vida. Una serie de obligaciones y ajetreos constantes para los que no está preparado y que aborda como puede.
La obra es participativa pues nos encontramos como espectadores sumergidos en los preparativos de una fiesta infantil organizada por el Ampa del colegio. Ahí están los tres actores que la organizan: Miquel Sitjar, Juli Fàbregas y Miki Esparbé. Los dos primeros ya han sido padres y el tercero está a punto de serlo. Ante la inocencia de este último los otros no dudaran en aclararle lo que se le viene encima. Charlaran entre ellos, con el público, y tendrán sus propios monólogos, todo muy bien hilvanado y desarrollado con gran naturalidad. Se desgranarán todas las facetas de la vida de los «papas» y descubriremos algunas manías suyas, además del bonus de una historia de intriga sobre la paternidad de uno de los personajes. Una combinación perfecta para no dejar de reír.
Culturalia 