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Compañía Elejedelmal: “Mareamos al público para que luego vomite.”

Gerard Nicasi, director, es la calma. Marc Ribera, actor, la tempestad. Navegar por estas “Cèl·lules T” será accidentado y apasionante.

ImageGerard, de claro; Marc, oscuro

¿Qué son las células T?
Marc: Son las defensas del cuerpo. El Colectivo Positivo las conoce muy bien. A medida que avanza la infección de VIH en un enfermo , estas disminuyen. En el fondo, todos somos unos supervivientes. Por el simple hecho de no estar muertos. No somos más que células T.

El espectáculo se basa en la obra “T-Cells and Sympathy” de Michael Kearns. Se le cayó la “simpatía” a vuestra adaptación.
Gerard: Seamos claros: Los monólogos que integran nuestra obra son historias muy crudas. Nos pareció que mantener en el título la palabra “Simpatía” podía inducir a error y decidimos quedarnos con lo básico, las “Células T”.

¿Qué hay en común en los monólogos seleccionados para este montaje?
G: Su humanidad. Al hacer la selección de entre los treinta y cuatro que componen la obra original, intentamos que todos ellos permitieran al espectador identificarse. Más allá del hecho de que todos hablen del SIDA, en la puesta en escena hemos buscado ese acercamiento al público a partir de la simple mirada del actor.

Decís que vuestra visión de la realidad es “cruda, clara y directa”. ¿Hacéis denuncia?
M: La denuncia la hace el espectador. Es él quien debe reflexionar para llegar a sus propias conclusiones. Nosotros le ofrecemos un material con alta carga emocional. Le mareamos para que luego vomite.

¿Por qué este texto?
G: Nosotros queremos que deje de estigmatizarse esta enfermedad. Hoy en día aún existe el miedo a tocar a enfermos o a besarles por el temor del contagio. Y nosotros decimos: “Esto ya ha pasado. Hemos evolucionado. ¡Tranquilos, no pasa nada!”. Kearns, además de ser enfermo de SIDA, siempre ha sido un activista del tema. Para él, estos monólogos son su testamento teatral.
M: Lo que a mí me fascina del SIDA es que a través del amor transmite la muerte. “Eros” y “Thanatos”. No existe el sexo seguro pero sí podemos poner barreras al avance de este virus.

¿El teatro puede escandalizar?
G: Sí y eso es bueno. Porque así el espectador conoce e incluso puede rectificar cuando haga falta. En resumidas cuentas, pierde el miedo.

¿Qué rasgos caracterizan a Elejedelmal?
M: Queremos estar atentos a la realidad y explicarla después sin decorarla. Nos gusta el hiperrealismo e integrar directamente al público en el espectáculo.

Gerard: ¿Cómo resumirías el proceso de preparación de una obra de teatro?
G: El teatro es un trozo de vida a pocos metros y te lleva a todo un mundo. Los primeros días de ensayo son de caos total. ¡No entiendes nada! Pero a partir de un momento determinado, parece que todo se ordene solo. Entonces empieza a hincharse como si fuera un soufflé.

Marc: Háblanos de “Joey”, tu personaje.
M: A mí me gusta mucho trabajar desde el exceso, desde la desgracia. Aunque luego vaya a hacer una comedia estilizada. Yo gestiono bien ese exceso, incluso en mi vida personal. Elegí mi personaje porque me pareció el más excesivo y desgraciado. Porque es una persona viva.

Las interpretaciones de los actores son contenidas.
G: Lo pedía el hiperrealismo que buscábamos. Hasta nos documentamos con un experto.
M: Así el público ve algo vivo: relaciones humanas. Huimos del estereotipo. ¡Se puede ser gay y tener sentimientos!

¿Cuáles han sido las últimas obras que os gustaron?
M: A mí me encantó “Hedda Gabler” en el Teatre Lliure.
G: “Sé de un lugar” de Iván Morales.
M y G: ¡Y “El loco y la camisa” de la Compañía Banfield Teatro Ensamble!

¿Qué ha supuesto que el SIDA se instalara en nuestra sociedad contemporánea?
M: Pues que se trajera el miedo y que se volviera a señalar a la gente. Los médicos se negaban a dar tratamiento a los pacientes. ¡Y a los que morían de esta enfermedad les envolvían con bolsas de basura! Ello demuestra una vez más que los humanos somos asquerosamente crueles. El virus del SIDA encaja mucho en la sociedad de hoy en día.

¿Cuál es el “Mal” actual de esta sociedad?
M: La falta de respeto hacia uno mismo. La ignorancia oculta tras la máxima de “todo es correcto”. (De eso los catalanes sabemos mucho con el “aquí no passa res!”.) Evitamos continuamente el sufrimiento. Y resulta que, en el fondo, todo es una desgracia: desde las relaciones íntimas hasta la política. Pero si aceptas la desgracia, las cosas empezarán a salir bien.

Por Juan Marea

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 “Cèl·lules T” se representa en la Sala Porta 4 de Barcelona hasta el domingo 29 de septiembre
http://porta4.cat/programacion-mas-info.php?id=156

Marc González de la Varga, coautor y codirector de Pentateatre Atòmic: “Nos gusta la promiscuidad teatral.”

Cuando uno es entusiasta, decidido y sabe comunicar, el miedo se alinea en propio bando. Marc juega con habilidad. Nosotros saltamos al campo con él. Y el Aquitània Teatre se apresura a convertirse en el mejor estadio.

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 Josep Maria, Raül y Marc a punto de hacernos explotar 

Os llamáis PENTATEATRE ATÒMIC.

El nombre surgió entre risas y de una forma espontánea a un mes de estrenar nuestro primer espectáculo. Una noche, reunidos en el Bar Vinsiteca situado en el Eixample de Barcelona donde empezamos a actuar. De eso hace dos años. Fue como un chiste: “Penta” porque incluía cinco obras, y “Atòmic” porque cada una duraba quince minutos y era explosiva.

¿Para qué dan quince minutos en teatro?

Pues para lo mismo que una historia de tres horas. Lo importante es tener claro lo que quieres contar. Y que sepas hacerlo de una forma ordenada, intensa y con la que llegue el mensaje. Todo bien concentrado.

Decís que las cosas intensas son las más puras.

Lo nuestro es puro: Lo hacemos de verdad. Actuamos en espacios reales, los actores se dejan la piel, están a un metro del espectador y las historias que contamos salen de las entrañas de sus autores. Para mí eso es pureza. La propuesta de Pentateatre Atòmic impacta como cuando uno se enamora.

¿En qué sentido?

Uno no está enamorado toda la vida, ¿no? Te enamoras y eso dura muy poco tiempo. Las cosas intensas son las más breves, que incluso te explotan en la cara. Todo florece en un pequeño instante y eso te conmociona.

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Albert Eguiazábal y Alzira Gómez celebran en “Crisis” su tierna complicidad desde la azotea del Aquitània

¿Apostáis entonces por una “promiscuidad teatral”?

Son cinco obras que se representan simultáneamente. Nos gusta la promiscuidad en ese sentido. Y cuando el público sale del “Pentateatre”, lo hace con más ganas de querer a sus amigos, a su pareja… Porque tiene los sentimientos a flor de piel. No sé si entre obra y obra se enrollará algún espectador con otro… Si alguna vez pasa, estaré encantado de poder comprobarlo como buen voyeur que soy.

¿Qué ambiente se respira ante tal ejercicio frenético teatral?

En el espacio global donde se representa nuestro “Volumen 3” circulan a la vez cinco energías distintas. El espectador disfruta sintiendo que en el mismo momento en que está llorando, otro se está “partiendo la caja” con la pieza que está teniendo lugar a escasos metros. Se crea esa “promiscuidad” entre las salas y entre los grupos de espectadores porque al salir uno de ellos de un recinto escénico y desplazarse al siguiente se cruza con otro grupo y se miran a los ojos con complicidad.

Las cinco obras que proponéis son de géneros muy variados. ¿Tanta dispersión no confunde al espectador?

Ése es uno de los puntos fuertes de nuestra compañía: Se agradece que las obras sean tan distintas entre ellas. Porque el espectador se lleva a casa un “saco” repleto de emociones y sentimientos. Muchos nos dicen que les hemos hecho reír, llorar, pensar, emocionarse y hasta cabrearse. Al público le gusta que le des algo totalmente distinto cada quince minutos.

¿Responde la brevedad de vuestras piezas a estos tiempos de “zapping” compulsivo?

La gente necesita cada vez más que las cosas sean rápidas. Las personas solemos fijarnos antes que nada en la duración. Ello condiciona nuestras decisiones a la hora de apostar por algo. Por eso nosotros procuramos ofrecer un espectáculo bien hecho y que transcurra en un periodo de tiempo muy breve. La gente no quiere puntos de fuga en la manera de contar las historias.

¿Vuestra fórmula es una solución también a la precariedad laboral en el mundo escénico?

Nuestro equipo está integrado por diez actores, tres o cuatro directores, la gente de producción y los técnicos. Somos casi veinte personas. ¡Es imposible que podamos vivir de ello!

No se os caerán los anillos entonces a la hora de trabajar juntos.

Para que te hagas una idea: Los directores hacemos de técnicos si hace falta, acompañamos al público en su trayecto por los diferentes espacios, presentamos el espectáculo y lo despedimos. Estás todos los días “en bucle”. Y eso puede llegar a saturar: Hay que saber digerirlo.

Sois una compañía liderada por tres creadores principales.

Raül Z. Méndez, Josep Maria Riera y yo. Cada uno escribe y dirige las diferentes obras que componen nuestro espectáculo. Raül y yo nos conocimos en la Facultad. Y, después, con veintipocos años te pones a hacer cortos e historias. Josep Maria se presentó como actor a uno de mis “castings”. El corto que hicimos juntos no llegó a ningún lado (por suerte) pero en cambio encontré en él quien me dijo por primera vez que yo era capaz de contar historias.

Procedéis de diferentes ámbitos de expresión.

Lo importante es saber contar historias, tanto si vienes del teatro como del cine o la televisión. Cada uno de estos medios tiene su manera específica de hacerlo y eso enriquece el resultado final de nuestro espectáculo. Nos han dicho que algunas de las historias son muy cinematográficas…

¿Cualquier espacio puede ser un escenario?

¡Sí, siempre! Solo necesitas un lugar donde comunicar y que haya alguien escuchándote. Nos hace más gracia actuar en la sala de proyecciones o en la azotea del Aquitània Teatre que en su propia sala principal. ¡Pero es que nosotros hemos llegado a escenificar en un lavabo, en el almacén de un bar, en una cocina y hasta en una mesa de ping-pong!

Al ser los escenarios tan reducidos, ¿hay relación directa entre el actor y el espectador?

Aprovechamos la oportunidad que nos da la proximidad del público para hacerle algún guiño. Hay que dejar la puerta abierta por si el espectador obliga a modificar el guión pero siempre con la técnica necesaria para poder redirigirlo y llevarlo a tu terreno.

¿Qué representa para un actor trabajar con vosotros?

Pues cinco pases en sesión continua con cinco públicos distintos que provocan sensaciones distintas cada quince minutos y durante cinco días a la semana… Es como estar encerrado en un bucle total. Con la adrenalina a tope. ¡Puedes acabar chalado! Se te abren todos los “chakras” y es muy probable que algún día a alguien llegue a explotarle la cabeza. Pero todo está controlado: Hemos firmado un seguro con el Aquitània para que nos indemnice si ocurriese algo así…

nit dels petons 2Albert Garcés y Nano Márquez desconcertados en la delirante “La nit dels petons”  

 ¿Qué incluye este “Volumen 3” de Pentateatre Atòmic?

Pues “EL PACO DONALD”, un monólogo que relaciona todas las demás partes porque habla del oficio del actor. Y “EL SÉPTIMO CHAKRA”, obra valiente porque habla de un tema muy delicado: el cáncer. Aquí lo tratamos con humor y mucho respeto. Los espectadores ríen mucho y también se emocionan. Con “LA NIT DELS PETONS” nos enfrentamos a una historia de ciencia ficción escalofriante porque nos avanza que en el futuro la gente irá en mallas. ¡Es una advertencia! En “CRISIS” nos preocupa la cultura en los tiempos actuales y cómo afecta ello a nuestras vidas personales. Y nos ha salido muy tierna. Y también está “TÍTOL PER DETERMINAR” de Iván Morales, el celebrado autor y director de “Sé de un lugar” (una de las sorpresas de la pasada temporada en la cartelera barcelonesa), que escribió la obra especialmente para nosotros y siguió muy de cerca sus ensayos.

Lo que pretendéis es “explicar historias que emocionen a un público con ganas de cambios”.

La gente siempre quiere que le cuenten historias. Por eso vemos las noticias, devoramos series o nos interesamos por las vidas de nuestros amigos o familias. Eso nos alimenta el alma. Pero, al mismo tiempo, queremos escapar de algún modo del “bucle” en el que nos sentimos encerrados. La gente se pregunta a todas horas: ¿Cómo salimos de la crisis? ¿Cómo vamos adelante?

¿Y es posible cambiar?

Solo puedes cambiar si eres valiente. Primero tienes el deber de informarte: Saber qué quieres cambiar. Y después, necesitas el valor de hacerlo. Para eso hay que tener voluntad. Nuestra sociedad carece de voluntad porque esta sale de las entrañas y asusta. Esto también es aplicable al teatro.

¿Por ejemplo?

El espectador espera que le cuentes historias de otra manera. Es más importante cómo lo cuentas que lo que cuentas. En ese cómo entra el riesgo, los detalles escénicos. Eso es lo que nosotros trabajamos constantemente. En algunas ocasiones, in extremis un director ha tenido que ponerse a actuar. Y sales airoso. El público agradece que le eches ese valor. Hay que tirar para adelante sea como sea.

¿Hay algún tema que no trataría Pentateatre?

Ninguno: Nos atrevemos con cualquier tema. Es más: Cuanto más raro sea, mejor. Si de algo tenemos ganas, es de poder hablar de lo que sea. Aquí somos totalmente libres. No hay límites.

por Juan Marea

Fotografías de: Nicolás Jódar

El “Volum 3” de Pentateatre Atòmic se representa en el Aquitània Teatre hasta el 6 de octubre
http://www.teatreaquitania.com/

Entrevista a Iván Morales, autor y director de Sé de un lugar.

Os presentamos en el espacio de entrevistas de Culturalia  la charla que mantuvimos la semana pasada con Iván Morales, autor y director de la obra Sé de un lugar, que se representa en el Teatre Romea, un éxito del teatro de pequeños formato que ha obtenido recientemente tres nominaciones a los Premios Butaca. Con él hablamos de la obra, del mundo del cine y del teatro y de los próximos proyectos de la compañía.

“Al final, Béré y Simó lo han dejado.
Quizás angustiado por la ruptura, parece que él no sale de casa ni para ir a comprar, puesto que contrata a un vecino indio, Shahrukh, para qué lo haga por él. En cambio, ella aprovecha su recuperada independencia para salir al mundo, viajar y experimentar con amantes de ambos sexos. Aún así, encuentra tiempo para visitar a Simó de vez en cuando, preocupada por su aislamiento. Los dos personajes intentan mantener una relación más allá de su fracasada historia de amor, una pretensión quizás contra-natura. O quizás no”.

Sé de un lugar, ¿Una historia de amor o de desamor? ¿Una obra para románticos o para realistas?

Sé de un lugar es una obra de teatro que trata del amor y del desamor. Y de cómo amas cuando se supone que ya no amas. Y sobre todo de cómo quieres a alguien que no es tu pareja, pero que aún quieres que esté en tu vida. Es en esta dicotomía entre realista y romántico en la que los personajes van oscilando y luchan interna y externamente. Simó y Béré (Xavi Sàez y Anna Alarcón) son dos grandes románticos y dos personas que tienen puntos de lucidez, aunque a veces también de patetismo extremo. Es entre estos dos elementos donde se halla la propuesta y el juego de la obra.

La obra nos presenta una historia de viejos sentimientos para una época de nuevas tecnologías y nuevas formas de pensar. ¿Por qué?

En un principio, cuando comencé a escribir la obra, teníamos el referente de la realidad líquida de Zygmunt Bauman, porque es el pensador que ha sabido definir mejor la situación emocional en la que vivimos hoy en día. Hay una cosa que es natural y es que queremos compartir, que estamos hechos biológicamente para ello, aunque en la actualidad es muy difícil hacerlo. Es complicado cuando las formas de querer son tan abstractas. Los personajes de la obra tienen 38 y 32 años y aún se están dando golpes contra la pared en este aspecto, y yo creo que esto nos pasa a muchos.

El recorrido de la obra se inició en La Caldera (boca oreja/redes sociales), pasa por La Seca-Espai Brossa (éxito indie), gira por España y Cataluña y ahora ocupa el hall del Romea. ¿Os esperabais este éxito?

No, no te lo esperas. Cuando comenzamos a hacer Sé de un lugar, podíamos imaginar cosas, muchas cosas, y obviamente cuando tienes un sueño trabajas para que se haga realidad. Nosotros tenemos un compromiso con la obra y si lo tenemos es porque queremos ir muy lejos con en ella. Cuando haces las cosas no tienes tiempo de soñar, vas paso a paso.
Nosotros seguimos trabajando e insistiendo, y soñamos con ir más lejos con esta obra porque nos gusta mucho hacerla y nos lo pasamos muy bien con ella, y cada función para nosotros es un descubrimiento. Soñamos mucho pero vamos paso a paso, y esto es algo que no hemos de olvidar nunca.

¿Sé de un lugar ha ganado o ha perdido algo en el trayecto?

Ha mutado, han cambiado muchas cosas. Lo que tú verás hoy es el resultado de muchos aciertos y de muchos errores, de muchas decisiones pero también es el resultado de muchos accidentes. Pero todos estos accidentes los hemos ido utilizando en favor nuestro, nos han venido muy bien. Nos han obligado a esencializar, a ir más a fondo en lo que queríamos explicar porque desde el principio queríamos hacer un trabajo teatral sobre la intimidad. Sé de un lugar ha mutado además porque nosotros hemos cambiado, la situación social ha cambiado, y hemos ido adaptado en la obra todo esto y también nos hemos adaptamos mucho a los espacios.

La obra habla sobre la crisis de la relación, emotiva, de la pareja, pero ¿nos habla también de la crisis en la que vivimos inmersos (política, económica y social)?

La función que la gente verá sucede hoy. Son siete escenas y la última de ellas pasa hoy, y los personajes están en este mundo, en esta sociedad, y en esta ciudad, y obviamente padecen la crisis, la viven. El texto se ha adecuado a esto, y de hecho hay una pequeña sorpresa. Hemos querido hacer un pequeño regalo al público con el que compartimos un pequeño momento de catarsis que me he sacado yo, como autor, de la manga en esta última versión de la obra. Un pequeño regalo que ya verás que es muy naíf, muy tonto, pero que me gusta mucho porque es tan simple y tan tonto como en el fondo nosotros necesitamos a veces ser, tan iluso como el amor.

Háblanos un poco del público que va a ver Sé de un lugar.

Nos encontramos con un público bastante heterogéneo y esto nos gusta. Viene a vernos bastante gente joven. Viene también público más adulto que es el que asiste habitualmente a las representaciones del Romea. Así que se genera una mezcla muy curiosa que es, además, muy interesante para una obra como esta, que necesita tanto de la “respiración” del público.
Tener esta mezcla de público en la representación y ver como existen diversos planos de comprensión me gusta, porque realmente hace cambiar mucho las funciones. A veces se crean situaciones tensas, a veces la representación se convierte en una fiesta desde el primer momento… Esta es una forma de participación por parte del público que no es tan habitual en el teatro, puesto que los espectadores están creando una atmósfera que notan los mismos actores.

La obra tiene un importante componente de voyerismo, permitís al público observar la intimidad desde la intimidad. ¿Una oferta de entretenimiento propia de la época televisiva y de falta de privacidad en la que vivimos?

Lo que hemos tenido en cuenta a la hora de construir la obra es el hecho de que vivimos en un momento en el que cada vez es más extraño el contacto directo a la hora de comunicarnos, cada vez nos miramos menos a los ojos cuando hablamos, cada vez existen más pantallas electrónicas a través de las que vivimos.
Una de las cosas que pensábamos cuando creábamos la obra es qué puede ofrecer el teatro hoy que no pueda ofrecer otro tipo de entretenimiento, de dispositivo. Una de las respuestas es que te toque, que te mire, que te diga tío pasa una cosa y a ti también te está pasando, algo que no te lo puede ofrecer otro tipo de espectáculo o de experiencia… Nosotros teníamos muy claro que debíamos ofrecer algo con lo cual nada de esto pudiera competir.

¿Una obra como Sé de un lugar requiere algo más de la dirección y de la interpretación que una obra convencional?

El trabajo de Xavi y Anna como actores requiriere unas dosis de concentración muy alta, y para mí, como director, representa cederles una dosis de libertad también muy alta. Los intérpretes tienen una gran libertad para hacer su recorrido durante la actuación, como sea que esté naciendo en ese momento. Este es un aspecto que hemos trabajado mucho en los ensayos. Los actores durante la representación están prodigiosamente conectados entre ellos, pero también lo están con el público. Para eso se ha de ser muy valiente como actor.

¿En la representación final ha tenido más peso el papel conductor del director o la creación de los actores?

La suma final de la obra es la de una compañía y es el resultado de un trabajo hecho por muchas manos. Por otra parte el teatro posee una gran diferencia respecto el cine: en el teatro el autor/director escribe y dirige la obra, si es el caso, pero el montaje final, el decoupage, lo hacen los actores. Esto es básico y el director ha de otorgar a los actores esta prerrogativa. Esto hace que los actores tengan mucha mano en el resultado final de la obra, aunque el trabajo global sea de la compañía.

Experimentasteis con el precio y el concepto de la entrada: La Caldera 5 € con consumición y tapa; La Seca-Espai Brossa 12 €; Romea 16-18 € (con cerveza incorporada). Siempre con un aforo reducido. ¿Cómo ha funcionado la propuesta? ¿Un planteamiento de futuro?

Nosotros queremos que la experiencia sea global, de ahí el acompañamiento de la cerveza, que nos cede Moritz. Y la experiencia está en la obra pero también en lo que la acompaña, en la forma de relacionarte con ella, en la web, en los videos, en Facebook, y una de las cosas que nos gusta es que el espectador pueda escoger cuál es su experiencia con la obra.
A mí me gustaría que la gente fuera al teatro como va a los conciertos o como va al Salón del Comic, o sea a hacer el friki, a hacer el chorra, a bailar, a ligar, a vivir.

Con Sé de un lugar has dado el salto del cine y la televisión al teatro? ¿Algo esporádico o un cambio de destino?

Yo quería dirigir un proyecto más amplio al que estaba acostumbrado, sentía la necesidad de dar un paso más allá de dirigir cortos y escribir largos, y me sentía preparado para ello, pero fue imposible hacerlo en el cine. Y esto me llevó a hacer teatro, y como también era difícil hacerlo en teatro convencional al final decidí hacerlo de la forma en la que hacemos Sé de un lugar. La aventura nació mucho de estas circunstancias, lo que decía antes de los accidentes y de las frustraciones.

Actor, guionista, director de cine y de televisión, autor y director de teatro, en que ámbito te sientes más cómodo?

Al final no es el qué sino el cómo. A mi me gusta estar bien con la gente con la que trabajo, hacer cosas con gente que me entienda y llevar a cabo proyectos en los que crea. A medida que vas trabajando te vas definiendo y yo me lo paso muy bien con mi compañía de teatro, y me lo paso muy bien también escribiendo y me encanta ser actor… Me encanta mi trabajo y me siento agradecido por seguir trabajando tal y como está ahora la industria.
Al fin y al cabo todo es lo mismo, explicar historias. Cuanto más te gusten las historias que explicas y más creas en ellas, mejor lo haces, A mi me gusta mucho creerme las historias que explico porque es también, parte de mi trabajo.

Sé de un lugar ha obtenido 3 nominaciones a los Premios Butaca: mejor obra de pequeño formato; mejor texto y mejor dirección ¿Qué representa este hecho para la obra y para vosotros?

Las tres nominaciones nos han sorprendido mucho. Una cosa es la nominación a espectáculo de pequeño formato, una categoría que podía estar dentro de nuestras opciones, pero mejor dirección y mejor texto, con esto sí que no contábamos. Obviamente nos gusta mucho porque las nominaciones quieren decir que la obra ha gustado. Pero tampoco nos lo tomamos demasiado en serio porque el mismo año que representamos Sé de un lugar hicimos otra obra que nadie ha visto, Els desgraciats… Esto nos hace ser conscientes de que puedes hacer una diana, pero eso no quiere decir nada respecto al futuro.

Por qué se debe ir a ver Sé de un lugar.

El hecho diferencial más básico de la obra para mí, es que verás unos efectos especiales emocionantes, turbadores, reconocibles y hechos únicamente por dos personas, por el uso de su cuerpo y de su voz, y tendrás la oportunidad de ver a unos actores hablándote de cosas que seguramente tienen mucho que ver contigo, a un centímetro de ti y podrás ver una función única, porqué no será igual que la del día anterior o la del día posterior y esto estará pasando delante de tus ojos. Podrás ver a dos actores que llevan casi dos años con un texto que les permite desnudarse y que obliga, a su vez, a desnudarse emocionalmente al público.

Estáis trabajando en algún proyecto nuevo?

Bueno, con esto te doy una primicia… pero sí, estamos preparando una obra de teatro, que estrenaremos seguramente en julio y que se titulará Jo mai, protagonizada por Oriol Pla, Àlex Monner, Marcel Borràs, Xavi Saez y Laura Cabello. La dirección musical estará a cargo de Elio Reguera, y es nuestro punto de vista sobre el género negro. Jo mai es un noir a nuestra manera y una historia sobre la amistad. Este es nuestro nuevo proyecto y estamos trabajando en él a fondo. Al mismo tiempo estamos con los bolos de Sé de un lugar, queremos que además de la gira la obra haga temporada en Madrid, y estamos intentando realizar la versión cinematográfica de la obra, una adaptación con el equipo original, con Xavi, Anna, y con el director de fotografía y el ayudante de dirección que yo quiero. Y parece que todo esto lo podremos acabar haciendo.

Sé de un lugar” se representa en el Teatro Romea del 9 de octubre al 11 de noviembre de 2012.

PRÓRROGA DEL ESPECTÁCULO.
Se de un lugar  se representa en el vestíbulo del teatro La Villarroel del 5 de febrero al 13 de marzo de 2013.

Horarios: martes a las 20:30 horas y miércoles a las 22:00 horas.
Precio: 18 €

Texto y dirección: Iván Morales
Intérpretes: Anna Alarcón y Xavi Sàez
Ayudante de dirección: Lali Àlvarez
2.0: Juanjo Maria Tarrasón
Producción: Producciones Prisamata

Horarios: martes y miércoles a las 20:30 horas; de jueves  a sábado a las 22:45 horas y domingos a las 20:15 horas.
Precio: 18,80 € (con cerveza incluida).
Espacio de representación: Hall del Romea
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 20 minutos


Escrito por Jorge Pisa Sánchez