“I-Q100” a la Sala Atrium: El món que discapacita

Ser excepcional no està a l’abast de tothom.
Tanmateix, és un atribut connatural a tots i a cadascun de nosaltres.
I abans de perdre lectors en les línies següents, us asseguro que no em mou l’ànim de jugar a desconcertar.

El que em proposo és parlar-vos d’en Litus Piera. I de com millora progressivament al llarg de la representació d’”I-Q100” a la Sala Atrium de Barcelona, reducte de gestes escèniques amb protagonistes que no només no aconsegueixen espolsar-se els seus dilemes morals embrutant el pati de butaques, sinó que a més ajuden l’amatent públic a potenciar-ne els seus.

Amb aquesta proposta de Ferran Audí, ens estremim coneixent la lluita d’un individu fora del sistema per intentar fer-se un lloc al pòdium dels cervells privilegiats. Però el camí està ple de llavors fèrtils que fan de la cerca d’en Litus una aventura delicada, trepidant i fulminant.

La història desafia la nostra consciència d’espectadors detallant-nos l’experiment de substituir la subnormalitat del protagonista per l’adquisició d’una intel·ligència induïda artificialment. Els miracles de la ciència. Rere el cop d’efecte argumental, el debat moral empeny i gairebé guanya la partida: Què roman del subjecte un cop que ha estat reprogramat? Segueix en peu la seva condició de ser humà? I si ens endinsem encara més, la qüestió és punyent: Cal ser considerat algú normal per poder tenir iniciativa amb la pròpia vida?

En el primer nivell, Audí ofereix un text mancat de versemblança doncs ens costa creure’ns el Litus superdotat després d’haver-lo seguit de prop fent de conillet d’Índies. És tanta la minuciositat amb què ens ha presentat la seva víctima preparant-se per al canvi que trobar-lo després de cop com a erudit intel·lectual i conferenciant agressiu resulta forçat i difícil d’encaixar.

Quant al segon nivell, l’entossudiment d’aquest heroi per ser superheroi pel fet de voler ser resulta encisador gràcies al reguitzell d’escenes on el personatge llisca per una espiral feta de tendresa argumental, cromatisme pop i delicadesa coreogràfica a càrrec de Jordi Cortés. Audí l’encerta també com a director en l’elegància de la posada en escena: el simbolisme dels espais; la integració/aïllament entre el protagonista i els altres; i el moviment circular constant de l’escenari.

I a més hi ha l’esforç d’en Raimon Molins, que alterna sinceritat (quan riu perquè té pessigolles, quan balla amb la senyoreta que el torna boig, quan llegeix amb avidesa sensibles versos o a l’hora de dir que ja en té prou) i afectació (en els moments de manifestar explícitament la minusvalidesa). I la seductora entrega de Miquel Barcelona, interpretant les diverses peces del món exterior, que il·lustren i airegen el turment d’una criatura discapacitada capaç d’entendre que ser un mateix és el tret més característic de l’excepcionalitat.

 Per Juan Marea

“I-Q100” es representa fins al 16 de març.
http://www.atrium.cat/cat/

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 Barcelona fueteja la innocència d’en Litus

Crítica literaria: Las raíces del mal, de Roberto Costantini

Las raices del mal

Hace un par de años Culturalia os presentaba la primera novela de Roberto Costantini, un ingeniero italiano convertido en fenómeno literario en su país gracias a Tú eres el mal, una ambiciosa historia de intriga ambientada en Roma y protagonizada por un comisario de enorme carisma y pasado turbulento (podéis leer la crítica de aquel debut aquí). Ahora, Grijalbo publica Las raíces del mal, el segundo volumen de las aventuras del comisario Michele Balistreri, un estupendo relato a medio camino entre la novela negra y la de aprendizaje que resulta imprescindible para entender el carácter contradictorio de Balistreri, un personaje fascinante alejado del típico investigador habitual en el género por sus constantes excesos, una conducta más propia de un criminal –“Entre Balistreri y el asesino no hay mucha diferencia”, afirma contundente Costantini– que de un respetable miembro del cuerpo de policía.

No parece que el escritor italiano sea muy amigo de las etiquetas rígidas para definir su trabajo, y por ello no es posible definir Las raíces del mal como un relato exclusivamente policíaco, sería hacerle un flaco favor a esta excelente y compleja novela: el lector que quedó atrapado desde el primer instante por la ambientación de Tú eres el mal quizás se lleve una pequeña decepción al comprobar que el suspense tiene relativa importancia en su primera mitad. ¿Significa eso que, en comparación con su predecesora, la que nos ocupa es una obra menor? De ningún modo: Costantini domina perfectamente el ritmo narrativo que quiere imprimir a cada instante, con un inicio calmoso para mostrar los primeros escarceos de aquellos cuatro adolescentes (Michele, Ahmed, Karim y Nico), pero su facilidad para meterse en líos –y resolverlos con astucia y decisión– les hará crecer aprisa y sin tiempo para reflexionar en ello hasta llegar al clímax de la primera parte, el que dará paso propiamente a la historia policíaca que intentará esclarecer las intrigas de sus primeras páginas.

Roberto Costantini, en una imagen promocional
Roberto Costantini, en una imagen promocional

Conoceremos, así, el pasado de Michele Balistreri cuando ni siquiera en sueños podía imaginar que terminaría siendo comisario en Vigna Clara, una de las zonas más tranquilas de Roma –no está nada mal para alguien que en su niñez “lo único que sabía hacer era pegar y disparar”, ¿eh, Balistreri?–, la época en la que era un crío y jugaba a ser Kirk Douglas en El último atardecer, los días en los que el guibli se hacía insoportable en Trípoli, su verdadero hogar –descrito con minuciosidad por el autor, nacido también allí y que recurrió a sus propios recuerdos y a los de sus amigos de entonces para ser fiel a la realidad–, un muchacho obsesionado por las mujeres de su adolescencia y por tres muertes que le acompañarán incluso en su etapa adulta, el hijo del rico italiano que, ya en Roma, encontraría refugio en los versos de “Bird on the wire” de Leonard Cohen, un auténtico líder con un excepcional sentido del honor y la lealtad cuyo destino quedaría condicionado definitivamente por un pacto de arena y sangre, un acuerdo contranatura de consecuencias devastadoras.

Además, el autor introduce el elemento político-social para mostrar cómo funcionaba el colonialismo italiano de los años sesenta en el norte de África, las relaciones difíciles entre musulmanes y cristianos en Trípoli, la ciudad pre-Gadafi y la posterior huida de los descendientes italianos a la península. Por otro lado, la Iglesia católica también tiene especial relevancia en una parte de la trama, y Costantini aprovecha la ocasión para cuestionarse la existencia de la llamada Banca de Dios.

Las raíces del mal consolida a Roberto Costantini entre los escritores europeos a quienes habrá que seguir la pista muy de cerca; sin duda afrontar la confección de una segunda novela tras el formidable éxito de la primera no debe de ser una tarea sencilla, pero él consigue superar el reto sin repetir la fórmula de aquella, algo que es de agradecer en un género que precisa de las sorpresas para ser efectivo. Ahora tan solo nos queda esperar pacientemente su nueva entrega, la que cerrará esta trilogía dedicada al mal y a ese comisario nada ejemplar que es Michele Balistreri.

Título: Las raíces del mal
Autor: Roberto Costantini
Editorial: Grijalbo
Páginas: 635 páginas
Fecha de publicación: Enero 2014
ISBN: 9788425351310
Precio: 21,90 €

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Escrito por: Robert Martínez

Novedad editorial: Después de despedirme. Pepe Rubianes inédito, de Pepe Rubianes

Despues_de_despedirme

El 1 de marzo de 2009 se apagaba una de las sonrisas más carismáticas del teatro catalán: aquel día moría Pepe Rubianes y dejaba un hueco que, a día de hoy, nadie ha logrado ocupar. Todavía ahora sus seguidores se repiten la misma pregunta: “¿Qué diría Pepe con toda la que está cayendo?”. Imposible saber con certeza la respuesta, pero sin duda lograría arrancarnos una sonrisa, aunque solo fuera por un instante. Siempre lo recordaremos contando historias sobre un escenario, pero también disfrutaba de otra faceta, quizás menos conocida para el gran público: la de escritor, algo más que una afición para él, una pasión a la que dedicaba dos horas diarias desde joven sin centrarse en ningún ámbito concreto –poemas, relatos, artículos mordaces,…–. Ahora, cuando apenas faltan unos días para conmemorar estos cinco años sin él, su hermana Carmen Rubianes y Alrevés Editorial han decidido publicar algunos de esos textos bajo el título de Después de despedirme. Pepe Rubianes inédito, una compilación de escritos que permitirán recuperar al Pepe más conocido, el cómico, pero también descubriremos al más introspectivo, aquel que pasaba horas analizando de forma minuciosa cualquier situación que le sobrepasara.

A su muerte Pepe dejó una enorme cantidad de libretas como legado a su hermana, un material que ella fue incapaz de revisar a lo largo de los tres primeros años: enfrentarse a ello era demasiado doloroso. Sin embargo, pasado ese período de duelo necesario, tuvo claro que sería un crimen no publicar todo ese material; se lo debía a él, sí, pero también a aquellos seguidores que aquel mes de marzo quedaron huérfanos de su humor. Así, Carmen se puso en contacto con el editor Josep Forment para catalogar todas aquellas libretas que el actor guardó sin ningún tipo de orden, y de esa unión nace este volumen, un libro realizado con el propósito de mantener la voluntad del caos que rodeaba a ese escritor por vocación, “un intelectual que reflexiona sobre todo lo que le rodea, y además lo hace con un lenguaje sencillo”, según Forment, responsable de la edición y quien confiesa en el prólogo que pretende presentar un Rubianes optimista cuya vitalidad radicaba en su sonrisa.

Pepe Rubianes en una de las imágenes incluidas en el libro
Pepe Rubianes, en una de las imágenes incluidas en el libro

Estructurado en ocho capítulos y complementado por diversas fotografías del protagonista, Después de despedirme está indicado especialmente para quienes llenaban a diario el Club Capitol de Barcelona, espectadores que descubrirán una nueva cara de aquel actor que de niño soñaba con ser cura, después torero –idolatraba a Chamaco– y también futbolista –por Ramallets–, pero que al final hizo caso a su padre –“Si vas a ser artista te morirás de hambre. Tienes que ir a la universidad”, le aseveraba día tras día– y aprobó la licenciatura en Filosofía y Letras; no obstante Rubianes acabó seducido sin remedio por el poder de atracción del escenario que descubrió en uno de sus viajes a Cuba –la isla le marcó sobremanera, igual que lo hicieran después Kenia y Egipto–. De este modo, el lector conocerá a un hombre solitario y contradictorio que admiraba las aptitudes faranduleras de su padre y de su tío Lelo, un amante de la vida que inició sus escarceos juveniles en el Paral·lel –por ese motivo la idea de que se le dedique una plaza en ese barrio estaría más que justificada– y que descubrió a Lorca gracias al maestro don Elías, un observador inquieto de todo aquello que le rodeaba, un poeta capaz de crear un diccionario muy especial con términos propios,…

Carmen Rubianes confiesa que la parte más complicada ha sido la de seleccionar qué publicar y qué descartar por la gran cantidad de material escrito por su hermano, así que ya ha confirmado que habrá una segunda parte de Después de despedirme, un libro que aparecería en un año o dos, el tiempo necesario para que Carmen y la editorial puedan seguir con la ardua tarea de clasificación de todos textos que aún conserva, una publicación que los fans del célebre cómico galaico-catalán recibirán con entusiasmo.

Título: Después de despedirme. Pepe Rubianes inédito
Autor: Pepe Rubianes
Editorial: Alrevés Editorial
Páginas: 200 páginas
Fecha de publicación: Febrero 2014
ISBN: 9788415900375
Precio: 20,00 €

Crítica teatral: Estúpids, en La Seca – Espai Brossa.

c_estupids1W_265¿No se han dado cuenta de lo extendida que se encuentra hoy en día la estupidez humana? Sus usuarios, además, están presentes en cualquier lugar y en cualquier momento, contagiando con su estupidez, a veces supina, el quehacer diario de hombres y mujeres, ya sea en la política, en el trabajo, en las mejores familias e incluso en las instituciones donde uno menos esperaría encontrárselos. De ahí que Blanca Bardagil y Ferran Rañé hayan decidido, ayudados por Las leyes fundamentales de la estupidez humana escritas por Carlo Maria Cipolla, analizar su naturaleza y su forma de actuar con Estúpids, comedia con toques agrios y didácticos que se representa en La Seca – Espai Brossa hasta el próximo 2 de marzo.

Rañé, actor acostumbrado a estar presente en obras de gran formato, se ha decidido a echarse al ruedo en solitario para defender su versión sobre Las leyes fundamentales de la estupidez humana, del historiador económico italiano Carlo Maria Cipolla, un espectáculo que convierte al público al entrar en la sala en asistentes de una conferencia itinerante sobre la estupidez que no puede comenzar debido al retraso del conferenciante. En esta situación bastante apurada, el asistente se ve obligado a dar inicio a la charla que se sabe de memoria, palabra por palabra y acto por acto, por haberla oído en infinidad de ocasiones de boca del profesor.

De esta forma la excusa permite plantear un espectáculo no solo en clave de comedia, sino hacerlo de forma sencilla ya que el encargado de darnos la charla en esta ocasión es el propio borrapizarras. Poco a poco iremos conociendo la vida del profesor, cuáles has sido sus logros y fracasos y la naturaleza de la singular relación que le une a su asistente y amigo, digna, quizás, de hacerlos pertenecer al cada vez más amplio grupo de los estúpidos.

Bardagil y Rañé consiguen de este modo un espectáculo que funciona bien y que se mueve a la perfección en las distancias cortas a través del monólogo y de la demostración de las básicas y recurrentes leyes de la estupidez humana que evidenciara Cipola el siglo pasado, encuadradas en una historia de nuevo cuño, escrita por ambos en un tono amable y cercano.

La obra está confeccionada con una escenografía sencilla, apenas un atril, una pizarra y un serie de textos que se proyectan sobre ella y se desarrolla a partir de un monólogo recitado a dos voces, la del profesor y la de su inseparable y fiel ayudante. Un espectáculo definido, sobre todo, por las reducidas dimensiones del espacio, por momentos de interacción con el público y que permite al espectador conocer las sencillas leyes que rigen la estupidez humana.

Un pequeño texto que da pie a una pequeña obra que nos brinda la oportunidad de disfrutar con la estupidez de los otros y por qué no, de nuestra propia estupidez.

Estúpids” se representa en La Seca – Espai Brossa del 30 de enero al 2 de marzo de 2014.

Dramaturgia: Blanca Bardagil y Ferran Rañé
Dirección: Blanca Bardagil
Intérprete: Ferran Rañé
Iluminación: Quico Viaplana
Producción: Factoria DiMô

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:30 horas y domingo a las 18:30 horas.
Precio: 15 €. Miércoles, día del espectador, 12 €.
Idioma: catalán
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Jorge Pisa Sánchez

Quatre Barres, un espectacle musical inspirat en els èxits del Rock Català.

Cartell Quatre BarresImagines poder reviure un concert de Sau?
Un concert més de Sopa de Cabra?
Saltar al ritme de Els Pets?
Somiar amb les melodies de Gossos?
Emocionar-te amb les cançons del teu grup preferit?
Quin enyorança…

Doncs no imaginis més, perquè els dies 22 i 23 de febrer Quatre Barres estarà en concert a Barcelona al Teatre Coliseum!!

Els Protagonistes dels musicals de més èxit (Fama, Grease, Mamma Mia, Rent, Cop de Rock …) presenten Quatre Barres.

Quatre Barres es un grup de joves que ofereix un homenatge i vol tenir un reconeixement a molts dels grups musicals que varen iniciar o bé han continuat el moviment del Rock Català a principis dels anys 90: Sopa de Cabra, Sau, Lax’n’Busto, Els Pets, Gossos, Sangtraït, Ja t’ho diré, Whiskyn’s

Quatre Barres es una història explicada amb cançons. La història d’un moviment musical que molts de nosaltres hem viscut com etapa de formació i joventut. Amb la seva innocència i l’energia del seu amor. Molts hi han crescut i les cançons s’han convertit en la banda sonora de la seva vida. Altres ho descobriran ara i els permetrà conèixer les seves arrels.

Quatre Barres està inspirat, com no podia ser d’una altra manera, en les grans trobades del ROCK CATALÀ: Els concerts inoblidables, els 25 Anys de Sopa de Cabra, de Sau, de Lax’n’Busto… i espectacles musicals com Cop de Rock, son referents que no podien faltar en un concert d’aquest gènere.

Vibra… Emociona’t i…. Torna a sentir-ho al Cor !!!!

Quatre Barres” es representa al Teatre Coliseum els dies 22 i 23 de febrer de 2014.

Els cantants: Albert Martínez, Mònica Vives, Èlia Solé, Miquel Malirach, (Jordi Blanch)
Els músics: Guillem Galofré (Guitarra); Esteve “Oest” Lázaro (Guitarra), Jorge Carrasco (Baix), Pablo Santiz (Batería) y J. J. Caro (Teclats)

Més informació:

http://www.rockcatala.cat
https://es-es.facebook.com/4barres
https://www.grupbalana.com/teatro_cs/494/0/1/0/quatre-barres-en-concert.html#

Crítica teatral: Un enemic del poble, en el Teatre Lliure.

cartel_ Un enemic del pobleAunque una obra de teatro se crea en un contexto determinado y se dirige a un público concreto, el texto tiene la capacidad de adaptarse y ser adaptado a nuevos ambientes históricos gracias a la solidez de su relato y a la relevancia de las ideas que contiene. Este es el caso de Un enemic del poble, de Henrik Ibsen, obra que hasta el próximo 22 de febrero estará en la cartelera del Teatre Lliure Montjuïc.

La acción acontece en el balneario en el que trabaja el doctor Thomas Stockmann. Tras años de dedicación y de grandes inversiones las instalaciones se han convertido en la principal fuente de riqueza de la población. Sin embargo el Dr. Stockmann ha descubierto que las aguas del balneario están corrompidas debido a la contaminación vertida en ellas por las industrias que antaño poblaron el lugar. El agua puede, incluso, ser perjudicial para el uso humano. Dispuesto a comunicar el hecho a las autoridades públicas para que se tomen las medidas necesarias, el Dr. Stockmann se enfrentará a todos los intereses creados en la comunidad.

La apuesta de Mayorga y Miguel del Arco adapta libremente el texto de Ibsen para cocinarnos un debate mucho más que vigente en el momento socio-económico en el que vivimos y que versa sobre la forma en la que el ser humano se relaciona consigo mismo y con el entorno en el que habita. Qué es más importante para el hombre la verdad o la suma de intereses creados? ¿Qué papel juega el poder democráticamente escogido en la gestión de los asuntos de la comunidad? ¿Existe la prensa objetiva o esta defiende siempre intereses propios o ajenos? ¿Se puede triunfar disponiendo tan solo de la razón? ¿Existe realmente la democracia?

Un enemic del poble se conforma como una obra tumultuosa que se estructura a partir de tres fundamentos: Un texto, el de Ibsen, sencillo en sus planteamientos pero de gran audacia especulativa y polémica; un apartado de interpretaciones en el que destacan Pere Arquillué, Roger Casamajor, Pablo Derqui y Jordi Martinez, y una escenografía que sorprende, guste o no, por su atrevimiento formal.

Un texto, como digo, adaptado libremente pero que consigue suscitar en el espectador un debate en el que se puede posicionar fácilmente a partir de su propia ideología y del conocimiento que posee de la realidad que le rodea. Una posibilidad potenciada con escenas como la que se desarrolla en el interior de la redacción del periódico o la impactante asamblea vecinal en la que parte de los actores se mezcla con el público para generar un contexto de proximidad y realismo.

escena enfrentamiento_Un enemic del poblePor lo que respecta a la escenografía el resultado es impactante. El escenario nos muestra un ambiente en el que se mezcla el agua, que hace referencia al balneario, y diversas estructuras industriales que aluden tanto al pasado que envenenó las aguas del lugar como a la idea de desarrollo y modernismo técnico tan de moda en la actualidad. Los actores se mueven en el escenario dividido en dos niveles y sobre el que se proyectan fondos que ayudan a crear tanto el entorno natural del balneario como el ambiente de la redacción del periódico o el de la asamblea popular.

El tercer componente sobre el que se construye Un enemic del poble es el de la interpretación. Aunque la obra se enmarca en un trabajo a primera vista coral, destacan en él Pere Arquillué, que interpreta al doctor Stockmann, si bien al principio no acaba de encontrar un tono creíble; Roger Casamajor, que nos proporciona una actuación enérgica aunque a veces algo tendenciosa; Pablo Derqui que encarna al “pérfido” periodista que lleva a cabo su trabajo de una forma no demasiado honesta o Jordi Martinez que da vida con solidez al representante de los empresarios del lugar.

La obra, por otra parte, nos permite, ser conscientes de lo imbricado de los intereses humanos, ya sean estos políticos, económicos, sociales y/o emotivos y realiza también una clara crítica sobre el papel de los medios de comunicación a la hora de elegir y tratar las noticias que publican. Asimismo, la obra hace hincapié en el escaso espacio que existe hoy en día para la negociación y el acuerdo, algo que estamos acostumbrados a ver tanto en nuestro día a día como en la gestión de los asuntos públicos.

Posiblemente el mayor yerro de la obra sea la palpable obviedad que transmite la versión de Mayorga y del Arco, que pretende más que mostrar o guiar al público enseñarle. Tanto el texto de la versión como las situaciones que este plantea pecan a la hora de hacer evidentes cosas e ideas que ya lo son, tanto que puede echar atrás, y lo hace, a aquellos espectadores que más que lecciones requieren un espacio abierto de reflexión. Tampoco la opción de intercalar en la obra canciones inspiradas en piezas poéticas de Ibsen acaba de integrarse armónicamente en su desarrollo, desnaturalizándola en parte.

El Teatre Lliure nos propone, sin embargo, una oportunidad de re-pensar el presente a través de los ojos de Ibsen (y de Mayorga y del Arco), con una obra sencilla y a veces feroz que reflexiona sobre la soledad de aquellos que lo apuestan todo por sus ideales, pero que son rechazados por una sociedad deslumbrada por el éxito y las comodidades. Una sociedad, en resumen, como la nuestra.

Un enemic del poble” se representa en el Teatre Lliure Montjuïc del 23 de enero al 22 de febrero de 2014

Autor: Henrik Ibsen
Versión: Juan Mayorga y Miguel del Arco
Dirección: Miguel del Arco
intérpretes: Blanca Apilánez, Pere Arquillué, Roger Casamajor, Mar Casas, Rafa Delgado, Pablo Derqui, Miquel Fernández, Miquel Gelabert, Eli Iranzo, Mónica López, Jordi Martínez, Anabel Moreno, Joan Raja, Santi Ricart y Andrea Ros
Traducción: Cristina Genebat
Escenografía: Eduardo Moreno
Vestuario: Ana López
Iluminación: Juanjo Llorens
Sonido: Sandra Vicente (Estudio340)
Producción: Teatre Lliure

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas, sábados a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Idioma: catalán
Duración: 2 horas y 10 minutos sin pausa
Precio: 29 € / 22 € (martes y miércoles, días del espectador)
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Jorge Pisa Sánchez

Felipe Cabezas, autor y protagonista de “Inferno”: “El Cielo es el público, entrar en su corazón y vivir en su memoria.”

Felipe es entusiasta y expansivo. Ante tal panorama, mi Grabadora se ve obligada a improvisar.

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¿Qué es “Inferno”?

Un “clásico” contemporáneo sobre Tristano Martinelli, creador de “Arlequín” en el siglo XVI. El personaje más famoso del teatro junto a Hamlet.

¿Cómo era Martinelli?

 Pasó hambre y tuvo que limpiar la mierda de los caballos. Pero a través de su talento personal, trabajo y deseo logró salir de allí. Acabó siendo el primer divo de la historia del teatro y el primero en hacerse millonario: ¡Llegó a robar el anillo al Rey de Francia en plena actuación!

¿Qué representa Arlequín?

 Es el pobre diablo, el inmigrante, los bajos fondos, el pueblo en definitiva. En “Inferno”, rescato del olvido este personaje que todos deberían conocer.

 En la obra, el protagonista abre el fuego diciendo: “Hasta que morí, viajé mucho en este infierno infinito”.

 La acción empieza en un mundo infernal que es el olvido. El infierno del actor es ser ignorado.

 ¿Dónde está el Cielo para Martinelli?

 El Cielo es el público, entrar en su corazón y vivir en su memoria. Lo duradero y eterno del recuerdo de la comunicación entre actor y espectador. “Inferno” te gana por KO: ¡Estoy sin parar durante hora y cuarto y pierdo casi dos kilos por función!

En la obra, es tentado por Arlequín, que le ofrece fama, dinero y vida eterna si a cambio le da su cuerpo.

 Arlequín necesita que un actor le dé vida y con su astucia gana la batalla porque Martinelli se dejará llevar por él.

Martinelli sufre, no lo ve claro.

Pues no. De hecho, Arlequín le consumirá del todo. Paga el precio de la fama. Como Chaplin y su Charlot: Llega un momento en que ya no pueden vivir el uno sin el otro. Chaplin no era nada sin Charlot. El uno se comía al otro.

La obra tiene una vertiente tenebrosa en su ambientación y música pero por otro lado es muy optimista porque cuenta el ascenso de un pícaro.

 Es como pasa en la vida. Y la historia, que debería ser trágica porque empieza hablando de gente que huye de la peste, la guerra, la hambruna, la miseria y la explotación infantil, la contamos de manera alegre. De este modo, la gente te escucha más. El gran poder de la sátira, del humor y de la comedia del arte consiste en que permiten desnudar al espectador, penetrar más allá. Como hacía el bufón, que se reía del rey en su propia cara.

 ¿Qué referentes tenías a la hora de preparar el personaje?

Berty Tovías, el director, me propuso partir del Pepe Rubianes de los inicios, cuando interpretó su primer monólogo de éxito, “Ño“. Por aquel entonces era una auténtica bestia escénica: Daba vida a un montón de personajes, con un sinfín de onomatopeyas y gestos. En la línea del Dario Fo joven del “Misterio Bufo“.

¿El artificio característico de la comedia del arte ayuda a conocer mejor la esencia del ser humano?

 Sí. Antonio Fava explica en su libro “Máscara Cómica en la Commedia Dell’Arte” que se trata de un elemento liberador con efectos casi terapéuticos porque si bien en la forma hay afectación, el fondo que oculta se compone de ideas y conceptos muy claros y básicos. Ahí está la belleza del trabajo de máscara: Todo se enmascara y se recrea de una manera distinta para expresar lo que uno quiere decir realmente. Como cuando la gente va a una fiesta y, de repente, se siente con derecho a hacer de todo, esto es, lo que siempre quiso hacer porque no hizo nunca antes.

 “Inferno” no es tu primera incursión en la recuperación de artistas de la comedia del arte.

Ya antes representé L’ultima notte del Capitano”, acerca de la vida del actor Francesco Andreini, autor del personaje del Capitán Spavento. Con este monólogo inauguramos La Sala Fènix, en el Raval barcelonés, que gestionamos desde hace casi un año.

¿En qué se distingue dicha sala?

La Fènix es un espacio dedicado básicamente al mundo de las máscaras y, a partir de ahí, programamos marionetas (para niños y adultos), sombras y objetos y cabaret, con el punto de mira en Jacques Lecoq. Nos centramos en el artificio: el cuerpo, la voz, el movimiento. Aquí han actuado Christian Atanasiu con su humor gestual y absurdo; Jordi Bertran y su teatro de objetos en “La sucrera diabètica“; Loco Brusca y su teatro provocador y crítico; Toni Rumbau y sus marionetas y sombras, entre muchos otros. Ahora, los martes ofrecemos “Paisajes de Chéjov“, performance de 7 horas “non stop” de María Stoyanova.

¿Es cierto eso de que la gente no va al teatro?

 En absoluto. La gente va mucho más al fútbol, o a los centros comerciales, pero los amantes del teatro siguen siendo espectadores. Evidentemente, existe una gran cantidad de gente que busca evadirse de la realidad con productos vacíos y desechables. Esos productos los encuentran en los templos del ocio, cuya oferta es amplia. Lo más grave es que acaban mezclándose ocio y cultura.

¿En qué se diferencian?

 La cultura incita al pensamiento crítico, apunta al debate. Se caracteriza, además, por la sensibilidad artística y el cultivo de la estética. El ocio, en cambio, es puro divertimento, se propone matar el tiempo. Nosotros no queremos matar el tiempo, queremos disfrutar de él

Dame un ejemplo de buen teatro.

Sa història des senyor Sommer” con Pep Tosar. Lo más bonito que he visto en mucho tiempo. Reí y lloré.

Felipe sigue estimulando a mi Grabadora y yo me veo obligado a carraspear.

por Juan Marea

“Inferno” se representa en la sala Fènix hasta el 16 de febrero.
http://www.salafenix.com/teatre

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“Vània” de Les Antonietes: Nebots il·lusionats

En Vània ja no té nebots. Perquè la Companyia Les Antonietes l’han volgut deixar sol. I enmig del seu desconcert, el Círcol Maldà el captura per a què li siguem inquiridors.

L’Oriol Tarrasón, temible instigador escènic, arracona amb un vitalisme contagiós la decepció existencial que sent l’incomprès camperol.

I la història txekhoviana de cigala mediocre (el molest professor Serebriakov) i formigues submises al voltant, encallades totes en la frustració totpoderosa, lluiten en aquest muntatge contra l’apatia consegüent. Sense ser-ne conscients.

Aquest “Vània” sorprèn per l’optimisme subjacent a la seva posada en escena. Que transcendeix la desesperança argumental. Que gairebé capgira la passivitat dels seus personatges.

A l’opressió anunciada a crits des de l’inici, Tarrasón combat amb rebel·lia presentant els seus actors com a mobles coberts que es deslliuren ràpidament de l’embolcall plàstic però ensems transparent. D’aquesta manera, ens anuncia que la seva visió vindrà enriquida amb un refrescant hàlit simbòlic.

Del seu tron (un matalàs volador irresistible), emergeix amb gràcia quotidiana el Rei Homònim de la Funció (Pep Ambròs, excels monarca a l’escenari).

Seguiran la bellíssima descripció de Ielena a partir de la seva delicada exhibició capil·lar, que no trigarà a entrelligassar-se entre el malestar de qui se sap presonera del sentit del deure intel·lectual i de la fidelitat conjugal. També els recargolaments pel terra d’encisadora ambigüitat.

I per acabar-ho de celebrar, la dansa de deliri ebri que executen ells, i que més tard elles intenten emular amb patetisme crònic. Una festa que permet entreveure la màgia de la rutina.

Tarrasón arrodoneix l’hospitalitat del seu plantejament fent parlar els personatges directament a l’espectador de manera capritxosa i subratlla la seva condició teatral quan fa decidir els propis actors canviar el rol d’acord amb la urgència de la representació.

El triomf, però, queda apaivagat per una direcció irregular dels intèrprets. Resplendint amb una naturalitat admirable, i amb un posat extraordinàriament ferm, Ambròs. Seguint-lo, però massa lluny, Bernat Quintana apunta maneres i planta; i Arnau Puig, presència i certa autoritat. Elles, en canvi, no aconsegueixen superar la sobreactuació tot i la fugida esporàdica de Mireia Illamola (seductora i elegant Ielena) en els moments en què increpa l’espectador desprevingut com també la tendresa que Annabel Castan fusiona al seu gest mínim quan creu que ningú no està pendent de la seva apassionada Sònia.

Per Juan Marea

 “Vània” es representa fins al 22 de febrer.
http://circolmalda.cat/

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 Ambròs, Illamola i Castan conreen les seves misèries.

 

Crítica teatral: Dones com jo, en el Teatre Romea.

foto_promo_01_tdeteatre_dcjLa compañía T de Teatre regresa a los escenarios con Dones com jo, una comedia negra que nos plantea el drama generacional y social de los tiempos de crisis en los que vivimos, una propuesta dirigida por Pau Miró e integrada holgadamente en el sello teatral de la compañía.

La obra da comienzo con el asilamiento buscado por una mujer desesperada. Necesita huir de su vida y de su familia al menos durante algún tiempo. Gracias a la ayuda de una de sus amigas se esconde en el viejo estudio de un abogado. Ante sus ojos la realidad que la rodeaba se ha degradado hasta reventar. Sus amigas no van a dejarla sola y compartirán con ella un momento tan penoso como este. Pero al hacerlo cada una de ellas se dará cuenta de lo precario de sus vidas, una situación que solo podrán afrontar juntas. Será en ese momento cuando les llegue una oportunidad para solucionar sus problemas ante la que tendrán que decidirse. Posiblemente esta sea su última oportunidad.

T de Teatre nos presenta una nueva reflexión que aunque de género es posible trasladar a una generación, como parece indicar su título, e incluso a una sociedad entera, y que no es otra que la perdida de anclajes y objetivos vitales que ha provocado el callejón sin salida social, económico y político que sufrimos tras décadas de falsa democracia. El conjunto de personajes que nos presenta la obra está compuesto por mujeres adultas que han ido fracasando a lo largo de la vida. La primera es una arqueóloga que trabaja limpiando suelos; la segunda es una maestra a la que acaban de echar del trabajo por culpa de los recortes; la tercera, licenciada en biología, trabaja en una cabina de peaje y la cuarta, la que pone en marcha todo el drama, es arquitecta, trabajaba como dependienta en una tienda de la cual la han echado hace poco y se ha visto obligada a prostituirse para hacer frente a las necesidades familiares.

Como ven la construcción de los personajes intenta mostrarnos un reflejo, si bien parcial, del momento socio-económico en el que vivimos y que en muchas ocasiones nos obliga a dilapidar proyectos personales y profesionales a jóvenes y no tan jóvenes. El drama que todo esto representa nos lo relata Pau Miró con un sello inconfundible T de Teatre, es decir, a través de una tragicomedia de género que lleva al espectador de momentos tensos y pesarosos hasta instantes de comicidad que nos muestran el panorama personal de cada uno de los personajes o los frágiles lazos familiares que han sido capaces de crear.

image-1Por ello las protagonistas necesitan un respiro que les permita apropiarse de una reserva de ánimo con la que hacer frente a sus atribuladas vidas reales, un lugar que hallan en el estudio que ocuparán ilegítimamente, que parece suspendido en el tiempo y que perteneció a un abogado fallecido del que nadie reclama ni sus bienes ni su memoria, una muestra dolorosa de la implacable sociedad en la que vivimos.

Dones com jo nos habla, de esta forma, de cosas muy cotidianas y lo hace con la plantilla T de Teatre, esto es, con una estructuración, unos diálogos y una creación de personajes típico de la compañía a lo que hay que sumar una trama que recuerda demasiado a la que dirigió el propio Miró en Els jugadors, en la que un grupo de hombres, bastante más entrados en edad aunque también fracasados, lo arriesgaban todo en un último “golpe” que podía cambiar sus vidas. Así, pues, Dones com jo se podría considerar el sumatorio de dos plantillas teatrales, la de Miró y la de T de Teatre, por lo que en este aspecto no esperen hallar nada demasiado original.

La baza que juega la obra es la del relato que seguro que hará moverse impetuosas las fibras emotivas de muchos, sobre todo a aquellos que están pasando por calvarios parecidos a los que nos narra la obra, una agitación intestinal que fomenta la vinculación del espectador con la historia que se desarrolla sobre el escenario.

Por lo que respecta a las interpretaciones la propuesta no escapa de la plantilla que les comentaba, en la que Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Àgata Roca desarrollan de nuevo los roles que ya estamos acostumbrados a ver y que van desde el feminismo agresivo, la ironía despechada, la sensualidad desilusionada o la aspereza transgresora, lo que convierte la propuesta en un episodio más de la serie teatral producida por la compañía, un sello que ha triunfado en los escenarios y en la televisión.

La dirección de Miró se deja ver más en la historia y el envoltorio que en las propias interpretaciones, mostrándonos una escenografía parecida a la de Els jugadors que se va diluyendo a medida que avanza la representación y un ambiente pesaroso que se apodera poco a poco de la obra, salpimentado, eso sí, con momentos de humor, como la descolorida coreografía que las integrantes de T de Teatre realizan al son de la canción de Last Dance de Donna Summer.

Un título de canción que nos recuerda que siempre existe un último baile, una última oportunidad, la de apostar por uno mismo por encima de todo lo demás. Una oportunidad de decirle al mundo que estamos ahí y que vamos a seguir estando pase lo que pase y ocurra lo que ocurra, y que nada puede acabar con la voluntad de cada uno de nosotros de cumplir nuestros sueños y alcanzar la felicidad, por muy dura, cruel y salvaje que sea la realidad que nos rodea.

Dones com jo” se representa en el Teatre Romea hasta el 18 de marzo de 2014.

Autor y director: Pau Miró
Intérpretes: Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Àgata Roca
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar
Iluminación: Albert Faura
Sonido: Roger Ábalos
Coreografía: Roberto G. Alonso
Producción: T de Teatre

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 17 a 29 €
Idioma: catalán
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica cómic: Edición original facsímil de El capitán Trueno, Ediciones B.

P-Facsimil-TRUENO2El Capitán Trueno apareció en los quioscos a mediados del año 1956 con la historieta titulada “A sangre y fuego”. En aquella España de posguerra triste y gris los niños y jóvenes no tenían tantas distracciones y diversiones como ahora. Por 1,25 pesetas, o en su mayoría por cambios de tebeos o préstamos de ejemplares, se abría ante ellos el mundo de Trueno plagado de aventuras, acción y humor. El Capitán Trueno es valiente, inconformista, desenfadado, alegre y rebelde. Sus historias cautivaron y entretuvieron a miles de lectores desde ese mítico primer cuadernillo. El héroe encarna el honor, la amistad y un modo de ver la vida, tal vez sin matices, pero donde lo que importa es luchar contra la injusticia allí donde se diese. Una filosofía a la que aspiraban muchos lectores y que, sin duda, les marcó.

Los artífices de este éxito fueron sus creadores el guionista Víctor Mora y el dibujante Miguel Ambrosio Zaragoza, conocido como Ambrós. Víctor Mora recibió el encargo de Bruguera de intentar conseguir otro éxito como el de los cuadernillos de El Cachorro de G. Iranzo que se publicaban desde 1951. El escritor y guionista presentó a un héroe ambientado en la Edad Media a finales del siglo XII. El Capitán Trueno al principio lucha contra los musulmanes infieles como mandan los cánones franquistas, pero pronto se aparta de este cliché y junto a sus inseparables amigos Goliath y Crispín, desenreda entuertos en cualquier parte del planeta.

Ambrós dibujó en solitario los 35 primeros cuadernillos, luego debido a la periodicidad semanal y a que también se encargaba de las aventuras de El Capitán Trueno que aparecían en las páginas centrales de la revista Pulgarcito, contó en las tintas con la ayuda del dibujante Beaumont en los números 47 al 168. Luego la serie la continuaron diferentes dibujantes como el propio Beaumont y entre muchos otros Tomas Marco, Ángel Pardo, Adolfo Buylla, José Grau, Fuentes Man, Martínez Osete y Vicente Torregrosa.

Los dos tomos que ha reeditado Ediciones B abarcan los primeros 96 cuadernillos apaisados de El Capitán Trueno tal y como se publicaron en el lejano 1956. Cada tomo contiene 48 cuadernillos de 12 páginas cada uno contando portada y contraportada. La portada de cada cuadernillo está dibujada en cuatricromía, las páginas interiores en blanco y negro y la contraportada en color azul, siguiendo el modelo original, aunque el color de portada y contraportada varía un poco. Las tapas realizadas en cartoné a color negro presentan una bonita ilustración blanco sobre negro con la imagen de Trueno y el titulo del cómic. Las sobrecubiertas están elaboradas en fondo blanco y hacen destacar la ilustración, que es la misma que en las anteriores ediciones en este formato, pero con un diseño más elegante.

trueno-pagina-2La primera historieta nos presenta al Capitán Trueno como jefe de un grupo de cruzados españoles. Osado e inteligente su iniciativa será crucial para tomar la fortaleza enemiga. Ambientada en la época de las Cruzadas, en las primeras páginas se enfrenta al mismísimo Ricardo Corazón de León. El propio rey descubre su fuerza en el torneo amistoso en el que ambos se enfrentan antes de iniciar la batalla contra los infieles al grito de Trueno de ¡Santiago y cierra España!

Ediciones B nos propone una nueva ocasión para leer la mejor etapa de este tebeo sin adulterar, que si bien es hijo de la época en que nació, sigue manteniéndose fresco gracias al arte de Ambrós y a la imaginación de Víctor Mora. Si eres adulto seguro que volverás a sentirte como un niño releyéndolas!!

En esta edición las espadas, las flechas y la violencia física y verbal lucen como en sus inicios, puesto que la censura hizo estragos con el cómic en ediciones posteriores a la original de 1956. Además en estos números la aventura es pura y dura ya que la serie no había derivado aún en una sobreexplotación del personaje, con repetición de caras, posturas y viñetas ya en la época en la que no la dibujaba Ambrós. El desgaste, pues, queda lejos en estos dos primeros tomos y son por sí solos históricos dentro del mayor éxito del cómic español. Una obra imperecedera, un tesoro a descubrir por las nuevas generaciones.

lomoEsta, sin embargo, no es la primera vez que se edita esta colección facsimilar de El Capitán Trueno, lo que nos demuestra la longevidad y el cariño que se tiene al héroe. Ya en 1991 aparecieron las historietas protagonizadas por el héroe hispano en cuadernillos coleccionables en entregas de 6 números de quiosco para su posterior encuadernación. Y este bonito formato en tomo fue estrenado en 1995 con 13 volúmenes en tapa dura y sobrecubierta que reunían los 618 cuadernillos que constituyen la serie. Posteriormente en 2003 se reeditaron tan solo los seis primeros tomos con cubiertas de tela y más adelante aparecieron de nuevo tan solo los tomos 1,2 7,9,10 y 11.

Y desde diciembre del 2013 Ediciones B presenta esta nueva edición de las aventuras de El Capitán Trueno que reedita los 13 tomos de la serie con los 618 cuadernillos. Una nueva oportunidad de reunir toda la colección original de El Capitán Trueno en tomos muy bien editados de los que ya se pueden conseguir en las librerías los primeros dos volúmenes.

Título: Edición original facsímil de El capitán Trueno
Tomo 1 y 2
Editorial: Ediciones B
Encuadernación: Cartoné
Dimensiones: 16 x 24 cm
Páginas: 576
Precio: 29 € x tomo
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Taradete