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Crítica cinematográfica: [REC] 4: Apocalipsis, de Jaume Balagueró.

1413272707Es más bien extraño el fenómeno de las sagas en el cine español, y más si nos centramos en el género de terror. Y a eso debemos sumar el hecho de que la franquicia [Rec], clonada en EE.UU. con Quarantine, se mueve entre la putrefacción propia de los infectados o muertos vivientes. [Rec] alegró las vísceras emotivas de los fans del terror allá por el año 2007 y sus secuelas posteriores han ido consolidando una idea y una historia que han convertido a la saga en uno de los buques insignia del cine de terror patrio.

Jaume Balagueró prosigue con [Rec]4: Apocalipsis en su carrera de director de cine de terror que tan buenos resultados le ha dado con Los sin nombre (1999), Darkness (2002), Frágiles (2005) o Mientras duermes (2011), una actividad que ha enriquecido junto a Paco Plaza con 3 de los 4 films de la saga [Rec], de la que ahora vuelve a coger las riendas en solitario.

La acción de [Rec]4 comienza poco después de haber sido contenidas las dos amenazas de contagio desatadas en Barcelona. Los 4 supervivientes de ambas catástrofes sanitarias han sido trasladados a un carguero, llamado Zaratustra, en donde los científicos están intentando no solo identificar y controlar el agente patógeno causante de las infecciones sino obtener un antídoto. Pero algo no funciona correctamente y los supervivientes, los científicos, el cuerpo de seguridad y la tripulación del barco tendrán que hacer frente a una nueva crisis ante la aparición de un brote del virus en el barco.

[Rec]4 es un episodio más en la saga [Rec], y uno que aunque pretende ser conclusivo, deja la puerta abierta a más secuelas en el futuro. Balagueró nos presenta una trama de terror con un toque yanqui bien definido. De ahí que los anteriores escenarios barceloneses de la franquicia se hayan transformado en un navío de transporte internacional, con lo que la apariencia española de la historia desaparece para pasar a estar ambientada la acción en un laboratorio en alta mar, lo que recuerda en parte el estilo de Umbrella en Resident Evil, si bien con unos recursos más reducidos. La película también transforma en parte la naturaleza de la historia que nos cuenta, y del terror puro de [REC], en el que el miedo recorría las entrañas de los espectadores hasta el último minuto del metraje, en esta secuela la acción toma un mayor peso, de ahí que los zombis/infectados sean mucho más agresivos y el terror se genere por su hostilidad y los efectos visuales y sonoros que acompañan sus movimientos.

Nos encontramos ante un film que además nos muestra cómo los diferentes grupos instalados en la embarcación se enfrentan a la crisis microbiológica, y en la que los científicos se llevan la peor parte. Frente a ellos y al virus, también se verán amenazados los supervivientes de las crisis anteriores y los miembros de la tripulación que gobierna el barco. Por lo que la historia se podría clasificar también como un enfrentamiento entre “buenos” y “malos” ante el virus zombificador. Y los ingredientes del film son los ya clásicos. Una infección que se descontrola en un ámbito, típico en la saga, cerrado al exterior, o lo que es lo mismo, en cuarentena. Esta situación llevará al contagio de gran parte de aquellos que están en el barco y a la lucha sin tregua de los supervivientes.

1413465305En [Rec]4 sin embargo, aunque la caracterización de los infectados es más que correcta y la naturaleza de las escenas es la típica del género, parece que los efectos especiales pierden algo de la credibilidad y el realismo que poseían en otras entregas de la saga, como es el caso del movimiento acelerado de los infectados, utilizado con el objetivo de aumentar su ferocidad y el terror que provocan en el espectador. Además tras haber experimentado en la tercera entrega, dirigida por Paco Plaza en solitario, con zombis de dificultoso y estridente movimiento, en esta la agresividad y la velocidad de los zombis se multiplica, lo que permite convertir la película en ese tipo de acción terrorífica que comentaba al inicio de esta crítica, en lugar de un film de terror propiamente dicho.

[Rec]4 recupera en su haber la interpretación de Manuela Velasco, que había abandonado la saga en la tercera entrega, y se convierte en el rol principal de esta nueva propuesta. En esta ocasión está rodeada de otros supervivientes como Paco Manzanedo, Críspulo Cabezas y María Alfonsa Rosso, y de Ismael Fritschi, Mariano Venancio y Cristian Aquino que interpretan a diversos de los miembros de la tripulación del barco. Del lado de los científicos maliciosos hallamos las interpretaciones destacables de Héctor Colomé y Paco Obregón.

El film, además, tiene elementos de humor típicamente hispano que amenizan, como ya hicieran las precuelas, la historia de infección zombi desatada en la película. Si bien los resultados no han sido tan convincentes como en sus predecesoras. De ahí que en IMDB la nota obtenida por el film sea de 5,5 sobre 10 (público generalista) y en Abandomoviez, portal especializado en cine de terror, alcance tan solo un 5,77 sobre 10. La propuesta entretiene ya que la acción es continua y está bien diseñada y desarrollada, aunque, como se ha puesto de moda en el cine actual, la acción es difícil de seguir con claridad, debido a la forma de rodar las escenas, en la que se pierde claridad con el objetivo de obtener a cambio algo más de tensión. Al perder grados de terror el film se convierte casi en una oferta más de película de acción (terrorífica), de la que las pantallas actuales están repletas, y el miedo “a flor de piel” que te aseguraba la primera entrega no hace acto de presencia más que en breve ocasiones. Por otra parte, Balagueró abandona en esta ocasión la filmación cámara en mano, tan habitual en la franquicia.

La trama por su parte evoluciona más bien poco y cuando el espectador ha visto la película, sabe poco más sobre el virus, su origen o el extraño bichejo que ya apareció en la segunda entrega de la saga y que parece que es el foco propagador de la infección.

[Rec]4 se convierte, pues, en una película de acción terrorífica que parece que no acaba de sorprender y/o interesar ni a los fans del cine de terror de zombis ni a un público más amplio. Si bien es una nueva posibilidad de ver hacia dónde evoluciona la saga, si es que lo hace. Balagueró recupera la dirección de la saga aunque parece que no sabe ir más allá de ella. Algo que ya pareció con la segunda entrega, en la que más que hacer evolucionar la historia la complicaba en exceso, sin dar una respuesta o la información necesaria al espectador para gestionar el visionado. Podría parecer, pues, que Balagueró es bueno creando ideas, pero no tanto desarrollándolas.

Título: REC 4 Apocalipsis
Director: Jaume Balagueró
Reparto: Manuela Velasco, Paco Manzanedo, Héctor Colomé, Ismael Fritschi, Críspulo Cabezas, Paco Obregón, Mariano Venancio, María Alfonsa Rosso, Cristian Aquino, Javier Laorden, Carlos Zabala y Emilio Buale
Guión: Jaume Balagueró y Manu Díez
Música: Arnau Bataller
Director de Fotografía: Pablo Rosso
Director de Arte: Javier Alvariño
FX Maquillaje: David Ambit y Lucía Salanueva
Sonido Directo: Xavi Mas

Género: Terror
Nacionalidad: España
Fecha de Estreno: 31 de Octubre de 2014
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Jorge Pisa

Crítica cómic: Batman año 100, Paul Pope, Debolsillo.

batman año 100 portadaEn el año 2039 el gobierno controla la sociedad con mano dura. No hay libertad, todo está bajo el control de los agentes federales. Una sociedad oscura y sin esperanza. Lo que no significa que no exista el crimen y la corrupción. Parece que los superhéroes tampoco existen, pero hay una anomalía llamada Batman, que no ha sido controlada y no se sabe muy bien si es tan solo una leyenda del pasado. Un agente federal ha sido abatido y el principal sospechoso no es otro que el hombre murciélago. Gordon, nieto del comisario James Gordon, investigará su existencia; paralelamente Batman y su equipo intentarán averiguar qué ha ocurrido y qué se esconde tras este asesinato y la corrupción gubernamental intentará acabar con todos ellos. Bienvenidos a un futuro nada halagüeño, triste y desalmado, a un futuro de cómic distópico al estilo Orwell, Bradbury o Huxley.

Estamos ante una de las historias más interesantes de Batman de los últimos 8 años. Fue creada en 2006 por Paul Pope como guionista y dibujante y coloreada por José Villarrubia, y no en vano se llevó dos premios Eisner (los mas importantes en Estados Unidos en la industria del cómic) a la mejor serie limitada y al mejor escritor / artista.

El cómic se inicia con una trepidante y brutal persecución de Batman por parte de la policía federal. Podemos sentir su sudor, su sufrimiento y sus heridas y vibrar con la magnífica narración cinematográfica que utiliza Pope en esta larga escena. Una tensión que se dilata al intercalar acertadamente en ella la comisión en Washington que está siguiendo los hechos, la presentación del capitán de policía Gordon y la actividad del equipo de apoyo del hombre murciélago. Más de 40 páginas que se leen de un tirón con emoción y nos presentan la trama de la historia a la vez que nos sumergen en las calles de la decadente Gotham City. El resto de páginas siguen estando a la altura, muy bien resueltas en sus enfoques utilizando muchos planos detallistas y con predominio de viñetas rectangulares. Paul Pope impregna la narración de un halo de ciencia ficción con elementos fantásticos como los telépatas y otros artilugios. Estamos en el futuro, pero salvo por estos pocos cambios tecnológicos, tanto podría ser 2039 como 2000 o 1939.

batman año 100_1¿Quién se esconde bajo la máscara de Batman? La investigación de Gordon destaca por su originalidad al mezclar la realidad y la ficción, con el origen real de los tebeos de Batman en el año 1939, o sea su primera aparición, y las publicaciones posteriores más emblemáticas como Batman año uno o El regreso del caballero oscuro ambas de Frank Miller. El cómic contiene diversos pequeños guiños para los fieles seguidores, mientras avanzamos en la intrigante investigación de lo que se esconde tras el asesinato del agente federal. De hecho algunas viñetas recuerdan la Gotham City que retrató Frank Miller en sus obras.

Destaco también el acierto de las apariciones de Batman a través de cámaras de seguridad o holollamadas, que consiguen un efecto de intensidad y furia en su figura casi de “película de terror asiática” en la forma en la que están dibujadas con un color y unos halos de luz chisporreantes. Al igual que el efecto que usa el hombre murciélago al ponerse una dentadura postiza para convertirse en una figura más temible. ¡Impresionan las viñetas en que predomina el rojo! También es digno de mención el efecto de velocidad que se consigue con la utilización en las viñetas de luces distorsionadas.

Paul Pope es un guionista y dibujante alternativo que inició su carrera como dibujante manga para Kodansha. Ha publicado en distintas editoriales americanas, destacando en trabajos como One-Trick Ripoff, Heavy Liquid, 100 % y más recientemente en la exitosa Battling Boy. Su historia corta “El compañero adolescente del héroe” en la serie Solo de DC, ya le valió un Eisner en esta categoría en 2006. Ha trabajado en el campo de la publicidad con diversos y variados trabajos, incluyendo el diseño de moda, y en la ilustración. En 2010 fue distinguido como Master Artist por el American Council of the Arts. La crítica ha afirmado que su estilo al dibujar recoge lo mejor de los clásicos americanos como Jack Kirby, Alex Toth, y Frank Miller y de europeos como Hugo Pratt, Guido Crepax y Daniel Torres.

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Paul Pope

Sin lugar a dudas Batman año 100 es una de sus más destacadas obras. Su estilo de dibujo diferente, algo feista, oscuro y grotesco, pero también elegante, puede no atraer al lector en una primera ojeada, pero si se le da una oportunidad, le permitirá sentir muy viva esta peculiar aventura del superhéroe. El autor quería que se sintiese la acción física y que la violencia fuese palpable, por eso el traje de Batman es más rudo y se compone de duras botas militares, pantalones atados con cuerdas y unos guantes que no le tapan las muñecas. Es un traje de trabajo, no para posar de forma «guay» sobre una azotea. Un nuevo diseño que puede chocar y no gustar a primeras. Otro punto a favor para comprar este tomo de DeBolsillo es que es una historia completa y autoconclusiva. No incluye incursiones de otras series que alarguen innecesariamente la trama, como ocurría con la reciente saga “El Tribunal de los Búhos”, y no hay que saber nada de la mitología sobre el hombre murciélago para disfrutar de veras con este cómic.

La serie completa que recopila DeBolsillo se compone de los 4 números americanos publicados en el año 2006. Este cómic ya fue publicado en España en 2008 por Planeta DeAgostini y ahora le llega el turno en esta línea de DeBolsillo para celebrar el 75 cumpleaños de Batman. Aunque esta edición es de tamaño pequeño, está claro que no cabe en un bolsillo, pero es más manejable, económica y está pensada para acercar el cómic a lectores ocasionales de este medio. La edición en tapa blanda es correcta e incluye las cuatro portadas originales.

Si te gusta el ambiente a lo Blade Runner, las historias potentes e innovadoras, los futuros distópicos y, claro está, Batman, este es tu cómic.

Título: Batman año 100
Editorial: DeBolsillo
Guion y dibujo: Paul Pope
Color: José Villarrubia
Editorial: Debolsillo
Formato: Rústica, 240 páginas, 15 x 21 cm, a color
PVP: 14,95 €
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Taradete

Concurso: 2 Entradas dobles gratuitas para asistir a la obra El drac d’Or en el Teatre Akadèmia.

El drac d_or_1El pasado 23 de enero se estrenaba con gran éxito de público y crítica en el Teatre Akademia la producción catalana del reconocido dramaturgo alemán Roland Schimmelpfenning El Drac d’Or. El espectáculo dirigido por Moisès Maicas e interpretado por Mingo Ràfols, Òscar Molina , Oriol Casals, Clara del Ruste y Bàrbara Roig vuelve a partir del día 8 de noviembre al Teatre Akademia y está nominado a los Premios Butaca de Teatro 2014 en la categoría de «Mejor espectáculo de pequeño formato» . El montaje ya fue nominado como Mejor Espectáculo de los Premios BBVA de Teatro 2014 y finalmente consiguió el Premio de Mejor Actor para Oriol Casals. La pieza cuenta con el Premio del Festival de Mülheimer Theatertage 2010 y de la Revista Theater Heute.

El Drac d’Or es un texto que se mueve entre la fantasía y la realidad, mezcla las disciplinas escénicas y los géneros artísticos y permite un gran juego teatral. La obra de Roland Schimmelpfennig, el dramaturgo más representado en Alemania, es una comedia ácida que revela un drama social con un ritmo enloquecido, en el que a menudo los personajes femeninos son representados por hombres, los masculinos por mujeres, los personajes jóvenes por adultos y los personajes adultos por jóvenes. El texto muestra con ironía la parte oscura del mundo globalizado.

teatre academia

CONCURSO: 2 entradas dobles para asistir a la representación de la obra El Drac d’Or en el Teatre Akadèmia.

Culturalia en colaboración con Comedia Comunicació dispone de 2 entradas dobles para asistir a la representación de El Drac d’Or el próximo domingo 16 de noviembre a las 20:30 horas.

Para participar en el sorteo debes:

  • Hacer un “Me gusta” en la página de Facebook de Culturalia o seguirnos en Twitter.
  • Enviar un mail a concurso_culturalia@hotmail.es antes del viernes 14 de noviembre a las 20:30 horas. En el asunto del mensaje has de indicar Concurso El Drac d’Or y en el correo has de indicarnos tu nombre completo y tu número de móvil.

Los 2 primeros que envíen el mail obtendrán una entrada doble para ir a ver El Drac d’Or el próximo jueves 16 de noviembre a las 20:30 horas en la Teatre Akadèmia.

El nombre de los ganadores aparecerá publicado en nuestro blog.

Crítica teatral: Conversaciones con mamá, al Teatre Goya.

conversaciones-con-mama_1Focus ens presenta una magnífica adaptació de l’obra de l’argentí Santiago Carlos OvesConversaciones con mamá” realitzada per Jordi Galceran, que ens explica la tendra relació entre un fill i la seva mare (Juan Echanove i María Galiana). La conversa entre els dos personatges va destapant els secrets que aquests tenen, del passat i del present. Innocents confessions que canviaran la vida dels protagonistes.

El factor clau de la història és la seva senzillesa. “Conversaciones con mamá” ens explica una trobada entre mare i fill, dos persones que tot i estar presents en el mateix lloc es nota que viuen distanciades. La visita del fill l’ha desencadenat la pèrdua de la feina per part d’aquest, qui demana a la seva mare que vagi a viure amb ell i la seva dona per poder vendre la casa familiar on ella ha viscut des de sempre. Això ens portarà moments de sublim bellesa en el text, que emociona i alhora et fa riure.

Echanove a més, és posa de nou en el paper de director teatral després de “Visitant al Senyor Green”, i sembla que el seu talent no es limita solament a la interpretació. Amb “Conversaciones con mamá” no hem d’esperar diàlegs llargs, hi trobarem més aviat la interpretació d’una conversa qualsevol a la cuina de casa on hi ha moments en els que els silencis llargs i els gestos donen més informació sobre la psique dels personatges que no pas les paraules. Amb una escenografia amb poques complicacions i que ens permet gaudir amb un espectacle rodó.

La posada és escena ens ajuda a situar-nos i gaudir d’una conversa de vegades d’allò més quotidiana i de vegades transcendental entre una mare, que vol seguir a casa seva tot i els problemes econòmics del seu fill. Galiana s’enfronta als desitjos del seu fill, amb un to burleta, com si d’un arlequí és tractés, i tot i la transcendència dels fets que s’expliquen arriba a arrencar més d’una rialla al públic.

conversaciones-con-mama_2Aquest tipus de text necessita de dos actors que el facin créixer, s’impliquin i apostin per ell. És per això que cal agrair molt les interpretacions sinceres de Juan Echanove i María Galiana que desprenen naturalitat i sensibilitat a dojo. A la seva interpretació hem de sumar la elegant posada en escena d’Ana Garay, on destaca un majestuós arbre que apareix a l’escenografia darrera la finestra de la cuina on transcorre l’acció, i ens fa pensar si no fa referència a la genealogia dels dos personatges, tant aparentment distants, com les branques i les arrels, però alhora units en el seu tronc. Galiana interpreta a una mare que coneix al seu fill, Echanove, millor que ell mateix. Els dos ens donen una lliçó d’ofici i mesura. Arrancant al públic més d’una rialla i alguna llàgrima.

El ritme de l’obra està al servei de l’acció dramàtica dels personatges, i ens trobem amb dos ritmes ben diferenciats. El de la primera part, on se’ns dibuixen els dos personatges, on hi ha retrets, i fins i tots crits. I la segona part, amb un ritme més pausat, que ens descobrirà algun gir inesperat. María Galiana i Juan Echanove ens impliquen tant en la trama que aconsegueixen que el públic és vegi reflectit en ells.

L’hora i mitja que dura l’obra, sembla esvair-se ràpidament entre els retrets i els secrets dels dos personatges. L’espectador es fa tant seus als personatges que gairebé voldria deixar el seient i entrar a la cuina per fer un tè amb ells.

Aquesta comèdia agredolça t’arriba al cor i et fa aflorar sentiments, a la vegada que et dona espai per reflexionar sobre la teva pròpia vida. L’espectacle té aquell toc de realisme, d’humor, de tristesa i de poesia que aconsegueixen que l’espectador s’alci de la butaca quan s’encenen els llums. “Conversaciones con mamÁ” és una obra tendra, commovedora i amb grans professionals dalt i darrere d’escena, és una proposta que segur no et penediràs de veure.

Conversaciones con mamá” es representa al Teatre Goya fins al 30 de novembre de 2014.

Autor: Santiago Carlos Oves
Direcció: Juan Echanove
Adaptació: Jordi Galceran
Intèrprets: María Galiana i Juan Echanove
Escenografia i vestuari: Ana Garay
Il·luminació: Juan Gómez Cornejo
Producció: Pentación Espectacles

Durada: 1 hora i 30 minuts
Idioma: Castellà

Més informació: http://www.teatregoya.cat/
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Tere Gilisbars

Concurso: Sorteo de 2 entradas dobles para asistir a la inauguración de Most Festival

CARTELL_MOST14CONCURSO: 2 entradas dobles para asistir a la inauguración del Most – Festival Internacional de Cinema del Vi i el Cava (Vilafranca del Penedès)

PROMOCIÓN FINALIZADA

Ganadores:

No hay ganadores para esta promoción.

Culturalia en colaboración con Comedia Comunicació dispone de 2 entradas dobles para asistir a la inauguración del Most – Penedès Festival Internacional de Cinema del Vi i el Cava que tendrá lugar el próximo jueves 6 de noviembre a las 20:00 horas en el Teatre Casal (Sala 1), Vilafranca del Penedès.

En la sesión de inauguración del día 6 de noviembre se concederá el Premio Most 2014 a Josep María Pou y se proyectará el film El amor es extraño, dirigido por Ira Sachs e interpretado por John Lithgow, Alfred Molina y Marisa Tomei.

Para participar en el sorteo debes:
•    Hacer un “Me gusta” en la página de Facebook de Culturalia o seguirnos en Twitter.
•    Enviar un mail a concurso_culturalia@hotmail.es antes del miércoles 5 de noviembre a las 15:00 horas. En el asunto del mensaje has de indicar Concurso Most Festival y en el correo has de indicarnos tu nombre completo y tu número de móvil.

Los 2 primeros que envíen el mail obtendrán una entrada doble para asistir a la inauguración del Most Festival el próximo 6 de noviembre a las 20:00 horas.

El nombre de los ganadores aparecerá publicado en nuestro blog.

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Crítica cómic: Superlópez. La montaña de diamantes, de Jan. Ediciones B

Superlopez_la montaña de diamantesEl número 165 de la colección Magos del Humor incluye la última aventura de Superlópez titulada La Montaña de Diamantes, que se convierte en la historieta número 67 de este personaje que nació en el lejano 1973. Atrás quedan los más recientes, mediáticos y esperados episodios como el retorno del Supergrupo o “El ladrón del tiempo” con la parodia de la serie Doctor Who.

La portada es clara y contundente. Esta historia nos transporta al mundo real de los diamantes de sangre en África. Una portada explícita en la que Superlópez sujeta en un primer plano un diamante del que gotea sangre y no es habitual que en este tipo de cómics sea de su color: roja. Un diamante que nos presenta en sus pulidas caras a algunos de los protagonistas de la historia.

La aventura nos muestra cómo son obtenidos estos diamantes en las zonas de guerra, gracias a la esclavización del pueblo. Diamantes ilegales para el mercado negro. Un problema triste y verídico trasladado con la maestría de Jan a un tebeo de Superlópez para todas las edades. Eso por sí solo ya es un mérito. Jan se documenta para sus cómics, tarda sus buenos cuatro meses en dibujar uno. El primero de ellos lo emplea tan solo en la documentación de la trama. En este la historia nos presenta cómo personas de diferentes ámbitos como militares, mercenarios, políticos y delincuentes quieren hacerse con la mina, los tejemanejes que se cocinan en aquellos lares, las personas oprimidas, cómo alguna ONG intenta ayudar y el proceder de la temible Al Taeda. Pero un amigo de nuestro superhéroe está en peligro en esa zona, hecho que pondrá a Superlópez en conocimiento del problema. ¡La aventura está, así, asegurada!

suprlopezHace mucho que las tramas de Superlópez ya no buscan la risa fácil, y cuando no están centradas en la fantasía, nos presentan en forma de aventuras los problemas presentes en el nuestro mundo. Sus historia se convierten, así, en crítica social o de temáticas actuales, pero La Montaña de Diamantes se lleva la palma en realismo. Ya de entrada este es un álbum extraño pues Superlópez no aparece hasta la página 14 y sólo lo hace en 19 páginas de las 46 que contiene el cómic. No sé si esto es positivo, pero demuestra que Jan es un autor como la copa de un pino que no necesita de su creación estrella para continuar interesando a sus lectores. No se puede negar que Jan es fiel a lo que el mismo dice: «Crítico sí soy pero no intento informar, cuando dibujo intento hacer pensar de una forma indirecta o directa a los niños que están leyendo. Creo que ayuda a hacer lectores con criterio. No soy partidario de los cómics tipo gag que se hacían todos iguales y terminaban con una persecución con un garrote. No puedo hacer historias vacías de contenido«.

Como ya es habitual en las historias de Superlópez el humor contenido es poco, tan solo la coña de los nombres de los protagonistas y las localizaciones, y algún que otro chiste recurrente y/o macabro. Los niños pueden descubrir una problemática real de África y los conflictos que allí se producen, aunque es algo confuso seguir quién es quién con tanto personaje y nombre de general, altezas y las diferentes situaciones inconexas que se narran en los diversos países.

El hecho de ser un acérrimo seguidor de Superlópez ayuda a que su lectura sea más clara, porque muchos personajes como Zorraima, Abu Sail, Kamba Balila o Mabila Kimbala ya aparecieron hace tiempo en otros álbumes como La guerra de Lady Araña (1999) o A toda crisis (2009) y hace que te sitúes más en el contexto y la acción. Sin olvidar a la delincuente de armas tomar Lady Araña, si bien al ser este un personaje más atractivo y maloso, rápidamente te familiarizas con ella, aunque sea la primera vez que la veas entintada sobre el papel.

Los capítulos se dividen según la acción que se desarrolla en los diferentes escenarios como Paris, la mina, Bombokie, Ahaggor Sahra… en los que se observa una buena ambientación y el contraste entre los decorados y los fondos más sencillos de África con algunos más detallados como los de Paris. Y es que la parte gráfica de Jan siempre esta a la altura y sigue siendo tan atrayente, bonita, viva, expresiva y animada como la primera vez que leímos un tebeo de Superlópez y nos atrapó para siempre. El autor domina y juega con la composición de la página a su antojo, pero su lectura siempre es fluida. Esta es la parte que no sufre altibajos, un dibujo flexible que muestra un dominio increíble, y que sigue agradando historia a historia.

La Montaña de diamantes esta especialmente recomendada para los fans de Superlópez y para los que quieran leer una historia que trata sobre las minas de diamantes de sangre. Pero si eres lector primerizo del héroe que ya peina canas, empieza antes mejor por otra de sus aventuras publicadas en Ediciones B.

Título: La montaña de diamantes (Magos del Humor)
Colección: Magos del Humor nº 165
Autor: Jan
Encuadernación: Tapa dura
Número de páginas: 46
Editorial: Ediciones B
Precio: 12 €
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Taradete

Crítica teatral: Liceistes i cruzados, en el TNC.

liceistes4El TNC re-estrena Liceistes i cruzados, una obra de teatro sobre teatro (de ópera) escrita por Serafí Pitarra e interpretado por Pep Sais, Anna Moliner, Francesc Ferrer, Camilo García, Jordi Banacolocha y Marc Pujol. La propuesta, que el año pasado se representó en el marco del Epicentre Pitarra y que obtuvo un gran éxito de crítica y público, nos traslada a la Barcelona de mediados del siglo XIX, con la voluntad de ironizar sobre las riñas burguesas que se producían en la ciudad y que tenían como protagonistas a dos de sus teatros más destacados, el Teatre Principal, que había ostentado el monopolio de las representaciones teatrales en la ciudad condal hasta el año 1833 y el Liceu, que comenzaba una singladura que lo llevaría a ser el teatro de ópera barcelonés por excelencia.

Los jóvenes Dolores (Anna Moliner) y Don Ricardo (Francesc Ferrer) están enamorados, aunque el padre de ella, Don Ambròs (Pep Sais), está decidido a casar a su hija con Don Lluís (Jordi Llordella), un miembro acaudalado de las clases altas de la ciudad. Para poder hacer efectivo su amor Dolores y Don Ricardo se verán obligados a poner en marcha una estratagema para desenmascarar a Don Lluís, que se está haciendo pasar por cruzado (partidario del Teatre Principal) aunque es un declarado liceista, con el objetivo de ganarse la estima de Don Ambròs.

Liceistes i cruzados es una comedia, en parte musical, muy ligada a la historia de Barcelona y a la de sus instituciones culturales y teatrales, que coincide además con la reciente reobertura del Teatre Principal, uno de los teatros protagonistas de la obra. Pitarra, con un texto de carácter popular tan propio del autor, nos propone un divertimento que nos obliga a hacer un viaje en el tiempo, en el teatro y en el uso de la lengua.

La naturaleza original del texto de Pitarra ha sido salvaguardada en la adaptación y dirección de Jordi Prat i Coll, que ha respetado su estructuración poética en verso heptasílabo y su plasmación en el catalán popular que se hablaba a mediados del siglo XIX en las calles de Barcelona. De esta forma, el texto de Pitarra nos muestra la rivalidad social y cultural que existía en aquel momento entre las clases altas barcelonesas, caricaturizando a los personajes principales que aparecen sobre el escenario. Pitarra escogió para ello el modelo de la commedia dell’arte italiana que bien se podía adaptar a la realidad burlona que el autor quería darle a su obra, en la que veremos a los representantes de las elites barcelonesas discutir hasta la saciedad sobre las bonanzas musicales y teatrales de las obras representadas en el Principal y el Liceo.

liceistes2Prat i Coll ha decidido mantener un formato decimonónico en lo que respecta al vestuario, la escenografía y el desarrollo de la obra, si bien ha optado, de forma poco acertada, en mantener a los actores sobre el escenario a lo largo de la representación, eliminando para ello los espacios ocultos tras las «bambalinas» y rompiendo la integridad artística del proyecto, lo que lo puede hacer algo extraño y chocante para el público asistente.

Aún así la propuesta mantiene la ironía y el atribulado estilo de la comedia italiana, y para ello no son ajenos los afanes interpretativos del reparto de la obra. Veremos, pues, sobre el escenario a una compañía de actores y actrices que han hecho un meritorio esfuerzo para darle a la representación ese toque popular y «pitarra» que la ocasión requiere, convirtiendo la propuesta en una comedia resolutiva y de «muchos decibelios». Así, tanto Pep Sais, Anna Moliner, Francesc Ferrer, Camilo García y Jordi Banacolocha, entre otros, se transforman en actores de «teatro popular» de hace dos siglos para proveer a la obra de la fuerza y la naturaleza que debió de tener en el momento de su estreno. Todo ello amenizado, en diversas ocasiones, con algunas de las áreas de ópera más conocidas, interpretadas por el reparto de la obra.

Liceistes i cruzados es, asimismo, una pieza arqueológica de teatro que nos permite acercarnos a los usos sociales y lingüísticos de la Barcelona de mediados del siglo XIX, y nos muestra que el catalán del momento no era, ni mucho menos, la lengua tan pura que muchos creían que era, y que el uso de coloquialismos y sobre todo, castellanismos, era algo habitual, al menos por las calles de Barcelona.

Liceistes i cruzados es, como he indicado, un divertimento y una oportunidad para asomarnos, a través del teatro, a la Barcelona de otros tiempos, y observar cuál era el día a día de aquellos miembros de las clases altas de la ciudad que podían permitirse el lujo de discutir hasta el sinsentido sobre la programación de los teiatrus barceloneses, y cuyas cuitas más destacadas residían en discernir si la «bufa» o la «prima dona» eran los términos adecuados para referirse a la soprano o actriz principal en una representación de ópera.

«Liceistes i cruzados» se representa en la Sala Petita del TNC del 9 de octubre al 9 de noviembre de 2014.

Dirección y adaptación: Jordi Prat i Coll
Asesoramiento escenográfico: Ricard Prat i Coll
Asesoramiento vestuario: Míriam Compte
Iluminación: Ignasi Camprodon
Dirección musical y pianista: Andreu Gallén
Reparto: Pep Sais, Anna Moliner, Francesc Ferrer, Jordi Llordella, Marc Pujol, Camilo García, Jordi Banacolocha, Berta Giraut y Oriol Guinart
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Horarios: miércoles, jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 23 €. Posibilidad de descuentos varios
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 20 minutos
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Jorge Pisa

Crítica teatral: Emilia, en el Teatre Lliure.

emilia_1Llega al Lliure Emilia, una obra del dramaturgo y director de teatro argentino Claudio Tolcachir, en la que asistimos a una radiografía de los lazos existentes en el interior de una familia desestructurada. Un proyecto teatral estrenado en España en la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid e interpretado, en su versión española, por Malena Alterio, David Castillo, Daniel Grao, Alfonso Lara y Gloria Muñoz.

Emilia es un testimonial que nos habla de las relaciones que se entretejen entre las personas y las emociones que nacen a partir de ellas. Y lo hace, justamente, desde su opuesto, esto es, desde la falta de los lazos emocionales y la estructuración de relaciones interpersonales artificiales.

Gabriel (Alfonso Lara) se encuentra a Emilia (Gloria Muñoz), su antigua niñera, en el momento en el que está realizando la mudanza. Gabriel insiste en que Emilia conozca a su familia: su mujer Carolina (Malena Alterio) y su hijo Leo (David Castillo). La estancia de Emilia en la casa se prolongará, lo que le permitirá conocer la verdadera situación de la familia y las profundas grietas que existen en ella.

Emilia, es ese tipo de obra argentina, que analiza la realidad desde un punto de vista desalmado y micro-realista y que más que digerirse en el cerebro, que también, se dirige directamente al corazón y a las entrañas. Lo que podríamos considerar una obra de «realidad aumentada» sobre la familia y el desamparo existencial.

Y la obra nos habla sobre la infancia y la creación de los «cuadros de control» de la inteligencia emocional que se fragua desde que somos pequeños. Y como decía lo hace desde sus opuestos. Todos los personajes que hallamos en la obra han sido educados, cuidados y/o amados de forma artificial, lo que no les ha permitido desarrollar una vida plena en lo que a las emociones y los sentimientos se refiere. El primero, Gabriel, un niño rechazado por la mayoría que ha sido cuidado por su niñera, ya que su madre sufrió durante mucho tiempo una enfermedad debilitadora; Carolina y Leo han sido abandonados por su marido y padre respectivo, al no ser este lo suficientemente responsable como para hacerse cargo de ellos, y han acabado formado una «familia artificial» gracias a Gabriel. Por último Emilia no ha sabido crear una familia por sí mima, lo que la ha llevado a vagabundear y mendigar por la ciudad acompañada de Rocko, su fiel perro y abandonada por todos.

emilia_2Con este coctel se vertebra la multiplicidad de vidas e historias que se entretejen sobre el escenario y que nos hablan de una realidad, la que vivimos en el siglo XXI, que en muchos aspectos ha perdido el poso de sentimientos y valores que han permitido a la humanidad hacer frente a la existencia, y nos permite reflexionar sobre la incapacidad de muchos de crear o sumarse a las categorías sociales existentes.

En la obra de Tolcachir el personaje de Emilia se convierte en el testimonio, en los ojos a través de los que seremos testigos de una historia múltiple de necesidades e incapacidades, un binomio que de una forma u otra nos acompaña a la mayoría de nosotros a lo largo de la vida. Pero para ser conscientes de lo que pasa sobre el escenario debemos estar muy atentos, ya que el esclarecimiento de todo ello no llega al espectador de una forma sencilla y lineal, sino que lo hace como con un puzle, en el que el público debe ubicar cada una de sus múltiples piezas sobre la mesa para entender las motivaciones de cada uno de los personajes y la realidad que esconden las apariencias.

Tolcachir lleva a cabo una dirección férrea y directa, que no se entretiene en desarrollar una obra bella, que también lo es, sino en explicarnos una situación familiar particular y dolorosa, como ya hiciera en La omisión de la familia Coleman en el año 2009. Para la versión española de la obra ha escogido a actores de raíz televisiva. Malena Alterio interpreta de forma nívea y suspendida a una mujer asolada por la realidad en la que vive, pero sin capacidad de reaccionar ante ella; Alfonso Lara encarna de forma enérgica a Gabriel, dándole el necesario toque de des-afecto que necesita; David Castillo se aleja del personaje de Jonathan en la serie Aida, para interpretar a un joven atormentado por una realidad familiar insostenible y Gloria Muñoz da vida al personaje desamparado y con una capacidad de amar infinita a través del cual se nos narra la obra. Por último Daniel Grao interpreta sobriamente a Walter, el marido y padre que no ha sabido estar a la altura de la vida.

Emilia en un psicoanálisis teatral sobre la realidad de la familia, al menos de aquella que sobrevive por mera inercia, y nos sitúa frente a una de las problemáticas más habituales en la sociedad occidental, en la que los individuos nos vemos incapaces de hacer frente a todas aquellas exigencias sociales que nos son impuestas en el caso de querer sentirnos tan solo humildes vencedores en nuestro quehacer diario.

«Emilia» se representa en el Teatre Lliure del 16 al 26 de Octubre de 2014.

Creación y dirección: Claudio Tolcachir
Reparto: Malena Alterio, David Castillo, Daniel Grao, Alfonso Lara y Gloria Muñoz
Traslación al castellano: Mónica Zavala
Escenografía y vestuario: Elisa Sanz
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Producción: Producciones Teatrales Contemporáneas

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio:
29 € / diversos descuentos
Idioma:
castellano
Duración: 1 hora y 30 minutos sin pausa
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Jorge Pisa

Crítica cómic: Los Hombrecitos (Les Petits Hommes), Pierre Seron, Dolmen Editorial

LOS-HOMBRECITOS_portadaDolmen Editorial ha publicado el primer tomo de la serie Los Hombrecitos (Les Petits Hommes). Esta serie franco-belga de aventuras y humor fue creada en el lejano1967 por Pierre Seron a la edad de 25 años, en colaboración con los guionistas Albert Desprechins y, más tarde, Mittéï, que utilizaba el seudónimo Hao, y finalizó en el año 2010 antes de retirarse de la profesión su creador Pierre Seron.

En España los más mayores del lugar la pudieron descubrir en la revista Spirou-Ardilla (1979) de la Editorial Mundis, que publicó dos historias largas. Cinco años más tarde se volvió a saber de ella con la edición de cuatro nuevas aventuras de Los hombrecitos en aquella revista de páginas suaves y muy finas llamada Fuera Borda (1984) de la editorial Sarpe. En 1991 Ediciones B publicó un solo tomo rebautizando la serie con el nombre de Los Peques. La historieta de esta serie “El Éxodo” encandiló a los lectores españoles y se publicó en las tres editoriales ya citadas, y eso que no es ni de lejos la mejor de todas. Ahora, gracias a Dolmen Editorial, por fin podremos descubrir poco a poco las otras cincuenta historias de Los Hombrecitos. Hemos tenido que esperar unos 30 años y aunque exteriormente ya no somos niños, este es un tomo de cómic tradicional para todos los públicos que aguanta muy bien el paso del tiempo. Y Seron a medida que avanzaba la serie, gracias a la renovación y experimentación gráfica que fue introduciendo en ella, aunque sin llegar a ser tan popular como otras, la convirtió en un cómic de culto.

A grosso modo la trama de Los Hombrecitos se inicia en el pueblo de Rajevols. Un científico descubre un pequeño meteorito en el patio de su casa. Al tocarlo el hombre se hace pequeño, pero es que además a todos los que toca también empequeñecen. En poco tiempo los habitantes del pueblo quedan reducidos al tamaño más o menos de un pitufo y tienen que irse a vivir a un lugar nuevo y más apropiado para sus nuevas estaturas. La aventura sazonada con humor comienza…

La edición de Dolmen editorial.

El tomo publicado por Dolmen recopila las primeras 6 historietas publicadas de forma cronológica. Algunas permanecían inéditas en España:

Alerta en Eslapión (30 páginas)
Los militares quieren construir un campamento justo encima de la ciudad de Eslapión que es el conjunto de cisternas subterráneas donde habitan los Hombrecitos. Renaud y sus amigos emprenden una carrera a contrarreloj de sabotajes para impedirlo, pero no es fácil con su tamaño. En esta historia en un flash-back se narra por qué los hombrecitos son pequeños. Esta fue la primera historieta publicada en capítulos en la revista Spirou en 1967.

Los fugitivos (30 páginas)
No todo el mundo es un buen ciudadano en Eslapión, por eso en la ciudad también existe una prisión. Berto y Gus consiguen fugarse de ella y ante el temor de que por su culpa, los «grandes» los descubran, Renaud y otros hombrecitos inician su persecución.

El hombre que ríe (30 páginas)
El hombrecito Gustavo encargado de recolectar champiñones, un alimento muy apreciado por nuestros héroes, tiene unos extraños síntomas: no puede parar de reír. Los médicos de Eslapión no saben que hacer, así que ha llagado la hora de buscar ayuda medica del exterior.

El gallo en su salsa (20 páginas)
Los Hombrecitos quieren construir una piscina en su ciudad. En el transporte aéreo nocturno de bloques de mármol para la nueva piscina, una de sus naves se estrella contra una veleta en forma de gallo en la iglesia de “los grandes” de Rajevols. Esto ha provocado destrozos que no han de ser descubiertos.

Pascuas para dos niños (6 páginas)
Historia corta en que los Hombrecitos ayudan a una familia a tener un día de Pascua como la tradición belga manda.

Ratones y hombrecitos (44 páginas)
Debido a un accidente los Hombrecitos se quedan sin un bien muy preciado: azúcar. Tendrán que realizar una incursión a Rajevols en su busca. En su regreso una de las naves no funciona bien y comprobarán que sin ella las distancias son mucho mayores para los Hombrecitos.

los hombrecitos PAG-17En este recorrido que presenta el tomo vemos como el dibujo de Seron se va soltando y evolucionando en cada historia. Los fondos se van haciendo más completos y los dibujos más detallados y dinámicos en cada aventura. Su dibujo más moderno se asemeja al del gran dibujante André Franquin, esto es, un dibujo atractivo y simpático que ya entra de primeras. Por otro lado las siguientes tramas ya no serán tan sencillas y poseerán más misterio y emoción. Otro punto a favor de la serie son los graciosos juegos de palabras que ya aparecen en este primer tomo.

Según afirma la crítica, con la llegada del guionista Mittéï la serie ganó en aventura y ritmo y a partir de que Pierre Seron cogió en solitario las riendas de la serie, esta mejoró todavía más convirtiéndose en una gran obra del noveno arte. Se introducen grandes decorados, maquinas y naves de ciencia ficción, más humor y emocionantes aventuras. También se va profundizando en la parte humana de los personajes. Seron experimenta con el leguaje del cómic, innovando y sorprendiendo al lector. Algo que ya asomaba tímidamente en los primeros números que aparecen en este tomo, en el que se juega con la barrera entre la realidad y la ficción. En un momento dado en una historieta se ve un cómic tirado en el suelo abierto por una pagina en la que observamos una viñeta de una anterior aventura de Los hombrecitos (página 134); en otra secuencia un hombrecito transporta un álbum de Spirou (página 64). Otra parte que hace interesante la saga es la sorprendente combinación de naturaleza y tecnología en forma de naves y vehículos muy de ciencia ficción.

Los Hombrecitos primeras historias se lee de forma amena pero hay que tener en cuenta que han pasado 44 años desde que las historietas fueron creadas y que con los números publicados por Dolmen la serie estaba arrancando. Este tomo tiene, sin embargo, su valor histórico y lo mejor está por llegar con más acción y humor.

El volumen de Dolmen Editorial es muy atractivo con 193 páginas en papel grueso de calidad y en tapa dura al estilo de los de Johan y Pirluit. Esta línea editorial llamada Fuera Borda, en homenaje a los más viejos del lugar, es toda una gozada. Incluso se han publicado las portadas originales, algo que no tiene la edición original de Dupuis. El tomo se complementa con 19 páginas de extras para saber más de la serie. El único punto negativo es que la calidad de impresión de alguna historieta, como por ejemplo “Los fugitivos”, no es la óptima, pero es lo máximo que la editorial ha podido conseguir ya que el material de origen de Dupuis provenía de escaneos, y aún así esta parte ha quedado mejor que en los propios tomo de Dupuis. En el futuro esto solo ocurrirá con alguna historieta corta. De todas formas Fernando Fuentes, rotulista y diseñador de estos tomos, nos lo explica mejor:

pagina-de-extras-los-hombre«Como bien dices los materiales originales estaban escaneados, menos la primera historia del tomo. Y eso, desgraciadamente se nota. Lo que hicimos es mejorar esos materiales dentro de lo posible: igualamos el nivel de tinta negra en todas las imágenes, y retocamos un poco la línea, dado que cuando se escanea de material impreso siempre pierde definición. Aún así, algunas imágenes escaneadas estaban peor tratadas en origen que el resto del material y de hay puede venir que algunas se vean mejor que otras«.

Los Hombrecitos primeras historias esta recomendado para todos los adultos que quieran disfrutar de una lectura entretenida y jovial e incluso puede llegar a gustar a los niños y jóvenes de hoy, si se les descubre a través de los mayores. Es lo que tienen los buenos clásicos.

Título: Los Hombrecitos. 1967 – 1970. Primeras Historias
Guión: Albert Desprechins
Dibujo: Pierre Seron
Editorial: Dolmen editorial
Formato: Libro cartoné, 188 págs.  21,5 x 28,5 cm, a color.
Precio: 29,95 €
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Taradete

Concurso: TriPlanazo con Ticketea, Cabify y Restalo.

triplanazoBlogTicketea, Cabify y Restalo buscan a los 8 tuiteros más sibaritas para vivir su #TriPlanazo

Irán a buscar a cada ganador y su acompañante en un coche con chófer de Cabify, les llevarán a ver una obra de teatro de las que están en cartelera en ticketea.com y para terminar, les invitarán a cenar en un restaurante de los que se ofrecen en Restalo.

La dinámica del concurso es muy sencilla: los participantes tendrán que resumir en un tuit cómo es una noche perfecta para ellos, mencionando el hashtag #TriPlanazo. Se tendrá tiempo para participar hasta el lunes 20 de octubre a las 12.00 AM, momento en el que un jurado formado por personas de las 3 empresas comenzará a deliberar para encontrar las 8 respuestas más ingeniosas o sorprendentes. Los ganadores contarán en tiempo real su experiencia a través de las redes sociales

Para más información:

http://blog.ticketea.com/index.php/2014/10/concurso-triplanazo/