Hoy os presentamos Por el bien del Imperio. Una historia del mundo desde 1945, escrito por el historiador Josep Fontana, un libro que nos habla de la historia del mundo más reciente.
Por el bien del Imperio. Una historia del mundo desde 1945, ha sido considerado como uno de los mejores libros del año 2011 y una obra de referencia para entender todos los acontecimientos históricos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, la creación del estado de bienestar como respuesta al fascismo y al totalitarismo, la guerra fría, la caída de la URSS, la intervención de Estados Unidos en el mundo y la involución que se vive desde la década de 1970 en relación a los derechos sociales, el bienestar social y la democracia como consecuencia del triunfo del neoliberalismo.
Fontana constata, setenta años después, el fracaso del proyecto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial de construir un nuevo orden internacional donde fuera posible el progreso de los pueblos y el entendimiento entre las naciones.
El libro tiene su origen en una preocupación personal. Su autor tenía 14 años cuando terminó la Segunda Guerra Mundial y creció con la esperanza de que se cumplieran las promesas que habían hecho en 1941, en la Carta del Atlántico, los que iban a resultar vencedores en la lucha contra el fascismo, en un programa en que nos garantizaban, entre otras cosas, “el derecho que tienen todos los pueblos a escoger la forma de gobierno bajo la cual quieren vivir” y una paz que había de proporcionar “a todos los hombres de todos los países una existencia libre, sin miedo ni pobreza”.
Cuando se cumplen 70 años de aquellas promesas, la frustración no puede ser mayor. No hay paz, la extensión de la democracia es poco más que una apariencia y, lejos de la prosperidad global que se nos anunciaba, vivimos en un mundo más desigual (…) Era lógico que me sintiera engañado y con derecho a preguntar por las causas de este fracaso, y mi oficio de historiador me ha llevado a hacerlo en la forma propia de mi trabajo”.
Título:Por el bien del Imperio. Una historia del mundo desde 1945 Autor: Josep Fontana Editor: Pasado & presente Fecha publicación: 2011 Precio: 39 € ISBN: 9788493914349 Páginas: 1232 págs. Encuadernación: Tapa dura
Como es sabido por todos una película está compuesta por diversos elementos entre los que destacan la imagen, el texto y la música. De entre ellos la música muchas veces queda, para el público en general, como un elemento decorativo de refuerzo para realzar justamente a los dos primeros. De tanto en tanto, sin embargo, algunos compositores y ciertas composiciones traspasan esta función decorativa y adquieren una identidad propia, haciéndose reconocibles y recordándose de forma autónoma al resto del film. Y si existe un compositor que se pueda considerar como un icono de la música de cine y cuyas partituras, por su contundencia y por su calidad, hayan traspasado este «ahogo decorativo», convirtiéndose en un nombre conocido por el público en general, este no es otro que John William.
Pues bien, durante el pasado mes de octubre y el actual de noviembre la Film Symphony Orchestra, dirigida por Constantino Martínez-Orts, se ha propuesto sacar a pasear por diversas ciudades españolas (Madrid, Valencia, Barcelona y Sevilla) los grandes temas de la música del cine capitaneados por los compuestos por Williams, una propuesta que llena de gozo a los amantes del cine y a los apasionados, también, de las soundtracks.
El concierto de Barcelona, celebrado en el Auditori el pasado domingo 27 de octubre, representó la cuarta parada del recital. La orquesta fue fiel, muy fiel, al programa marcado para la gira. Todo comenzó con la interpretación de La Guerra de las Galaxias, un tema que dejó claro, ya desde un buen principio, por donde iban a ir los tiros musicales de la noche. El tema principal del film encendió los primeros aplausos de la noche, a los que siguieron la interpretación de otros temas, compuestos principalmente por Williams, pero en los que también tuvieron cabida otros compositores como John Barry, Monty Norman, Hans Zimmer, o James Horner.
La orquesta, que cuenta con una base humana de 100 músicos profesionales, estuvo a la altura de las expectativas. Dirigida efusivamente por Constantino Martínez-Orts, tanto que a veces se dejaba llevar por los temas por él conducidos, hizo un repaso por lo mejor de la obra de Williams, con la tensión y la cadencia necesarias para dirigir la interpretación de algunos de los temas y las fanfarrias más sinfónicas de la historia del cine como Harry Potter y la piedra filosofal, Parque Jurásico, Hook, La Lista de Schindler o Tiburón. La efervescencia musical de Williams estuvo equilibrada con los temas más melódicos de John Barry (Memorias de África y Bailando con Lobos), los más efectistas de Hans Zimmer (Gladiator y Piratas del Caribe) o la marcha de estilo militar compuesta por Horner para su Apolo 13. En el recital también tuvo cabida la interpretación de uno de los temas más archi-famosos del cine, que no es otro que el de James Bond compuesto por Monty Norman.
El concierto, organizado en dos partes con un intermedio entre ambas, tuvo un desarrollo preciso y diestro marcado por los fervientes aplausos del público, que si bien ocupaba poco más de la mitad del aforo (la sala Pau Casals de l’Auditori tiene un aforo de 2.199 personas), se hacían notar tras la interpretación de cada uno de los temas, sobre todo después de aquellos más potentes. Aunque, y esto ya es un gusto personal, creo que el concierto hubiera ganado en policromía musical si hubieran estado más presentes otros compositores como el majestuoso Jerry Goldsmith o el resolutivo James Horner, del que si bien sí que se interpretó una pieza, Apolo 13, no es ni mucho menos, de las más representativas de la magia musical del compositor.
Aunque lo mejor del concierto llegó hacia el final, cuando y como para acabar «a lo grande» se interpretaron de forma consecutiva tres de los temas más recordados de John Williams, como son la marcha imperial de El imperio contraataca y los temas principales de Indiana Jones o E.T. El Extraterrestre. Y es que el compositor neoyorquino ha dejado en nuestra retina musical algunos de los temas musicales más laureados de cine americano del último tercio del siglo XX, traspasando, como decía antes, su naturaleza de apoyo cinematográfico y convirtiéndose en auténticos iconos musicales.
El concierto, sin embargo, no acabó allí, ya que tras la interpretación del último tema indicado en el programa, la Film Symphony Orchestra regaló al público con tres bises, el último de los cuales, y como no podía ser de otra forma, no fue otro que la fanfarria más conocida del compositor, la que creó en el año 1978 para Superman.
Film Symphony Orchestra nos demuestra, así, que la música de cine, bien entendida y bien interpretada en directo, es un producto que agrada al público y que tiene su lugar en la cartelera española. Una propuesta que agradecemos sobremanera aquellos que gozamos con el cine y con las bandas sonoras que, ligadas como la piel a la carne, dan como resultado auténticas obras maestras como las que se oyeron el pasado domingo en el concierto en el Auditori de Barcelona.
Calendario de conciertos:
Madrid – 17 y 18 de octubre – Auditorio Nacional de Música Valencia – 19 de octubre – Palau de la Música Barcelona – 27 de octubre – L’Auditori Sevilla – 23 de noviembre – Palacio de Congresos y Exposiciones
Es curioso que durante este día de conmemoración y recuerdo de Todos los Santos, me dedique a escribir la crítica de Manicomio, el segundo espectáculo presentado por Circo de los Horrores, que ya visitó la ciudad condal por primera vez en octubre de 2009 con la producción Psicosis. Una curiosidad debida a la coincidencia de temáticas existente entre el espectáculo y las fechas en las que vivimos, en las que el terror y las apariciones de espíritus y almas en pena se materializan por las calles de la Barcelona. Este año, además, el espacio que acoge al espectáculo en cuestión es una carpa situada en el Port Vell, un hecho que le da al evento un toque vetusto y tradicional, gótico si me permiten decirlo, que ayuda y mucho a la imagen global del espectáculo.
Manicomio, el nuevo espectáculo de Circo de los Horrores ha mejorado, además, con respecto a su predecesor en lo relativo a la calidad y la espectacularidad de sus números. Si bien la estructura es la misma, la sucesión de actuaciones de carácter circense amenizadas por el humor del anfitrión de la función, Suso Silva en el papel de Nosferatu y de Bitelchus, y de algunos de sus desquiciados asistentes, que consiguen arrancar las carcajadas del público.
Así, pues, el espectáculo da inicio desde el momento en el que el público accede al recinto, en el que los diversos actores y acróbatas interactúan con los espectadores creando una atmósfera adecuada y perversa para que todo se ponga en marcha. A lo que da paso la llegada de Nosferatu, el rey de los vampiros, que parece que también gobierna, de alguna forma, sobre psicóticos, anormales y demás especies ocultas y demenciales. Tras una presentación formal y humorística dan inicio las actuaciones de carácter circense entre las que hallamos acrobacias aéreas de carácter cabelludo; equilibrios y saltos inimaginables sobre patines, objetos y neumáticos; portentosos ejercicios de barras atléticas; composiciones musicales generadas a partir de la percusión de pelotas sobre baterías; majestuosos equilibrios acrobáticos de clave erótico…
Manicomio, Circo de los Horrores es un espectáculo en donde, además, se potencia la interacción, ya sea entre los actores y el público como también en el escenario, donde los afortunados (o desafortunadas) pueden participar en el desarrollo de la representación. Algo que está muy relacionado con el tipo de público que acude a ver el espectáculo gótico-circense humorístico que nos han cocinado los miembros de Circo de los horrores: por el tipo de espectadores que ocupan las butacas de la carpa podríamos inferir que esta es una obra dirigida a un púbico joven, decidido a interactuar y a hablarle de tú a tú a los integrantes de la compañía y dispuestos a disfrutar y a deslumbrarse con cada una de las actuaciones.
Un resultado que se consigue pues como les decía, el espectáculo ha mejorado en espectacularidad con respeto a su anterior versión, reforzando su barniz de goticismo, que ya poseía, y potenciando acertadamente sus componentes artísticos albergados, en esta ocasión, en la carpa al estilo «circo tradicional» que le da un toque de terror antiguo.
Así que ya lo saben, si quieren pasar un poco de medio, tan solo un poco, esmaltado con un humor fresco y a veces improvisado, y quieren sorprenderse y disfrutar con las artes escénicas que poseen los internos mentalmente afectados del sanatorio, les recomiendo que aprovechen la llegada del frío y que adquieran su entrada (si pueden es mejor ir acompañado o en grupo) para gozar de una visita a una institución artístico-psiquiátrica que les hará reír, y mucho, y asombrarse de lo que son capaces de hacer los internos del manicomio. Y no esperen demasiado, ya que las funciones finalizan el próximo 10 de noviembre!!
«Manicomio, Circo de los Horrores» se representa en el Port Vell del 18 de octubre al 10 de noviembre de 2013.
Calendario Gira: Tarragona – Parque Francolí, del 21 al 24 de noviembre de 2013.
Idea original y dirección artística:Suso Silva
Reparto: Suso Silva, Damian Pranay, Andrey Aversuskyn, Ganna Stepavova, Chris Lemon, Morian Hambright, Trío Essence, Barto, Graziella, Troupe Ceban, Carolina Coria y Carlos Pérez Producción: Suma y Sigue Espectáculos Producto ejecutivo: Manuel González Villanueva Dirección de montaje: Circo Hermanos Rossi S.L. Escenografía: Miguel Brayda Diseño de luces: Juanjo Llorens Coreografía: Lola González Vestuario: Menkes
El año que viene (2014) eOne Entertainment estrenará en España Pompeya, un film que nos vuelve a trasladar a la ciudad enterrada por la lava del Vesubio en el año 79 d.C. El film está dirigido por Paul W.S. Anderson e interpretado, entre otros, por Emily Browning, Kit Harington, Carrie-Anne Moss, Kiefer Sutherland, Paz Vega, Jessica Lucas y Jared Harris.
Pompeya narra la épica historia de Milo (Kit Harington), un esclavo convertido en gladiador, que contempla impotente cómo su verdadero amor, Casia (Emily Browning), la hermosa hija de un rico mercader, se ha prometido con un corrupto Senador romano. Pero cuando el Monte Vesubio entra en erupción, Milo deberá luchar en una carrera contra el tiempo para salvar a su amada mientras la magnífica ciudad de Pompeya se derrumba a su alrededor.
La película está ambientada en Pompeya en el 79 D.C., en los días previos a la erupción del Vesubio durante el reinado del emperador Tito. Un episodio histórico ampliamente utilizado en el cine, la literatura y la televisión, pero que hacía años que no servía como escenario para una gran producción como parece que es Pompeii, con un presupuesto estimado de unos 100 millones de dólares. El estreno oficial en EE.UU. se prevee para el 21 de febrero de 2014.
Título: Pompeya Director: Paul W.S. Anderson Reparto: Emily Browning, Kit Harington, Carrie-Anne Moss, Kiefer Sutherland, Paz Vega, Jessica Lucas y Jared Harris Guión: Janet Scott Batchler, Lee Batchler y Michael Robert Johnson Director de fotografía: Glen MacPherson Diseño de vestuario: Wendy Partridge Estudios: Impact Pictures y Constantin Film
La Segunda Guerra Mundial es un conflicto sobre el que existe una ingente cantidad de documentación, que atrae a un gran número de investigadores y que cuenta con una legión de ávidos lectores interesados en sus múltiples aspectos. Como consecuencia de todo esto, una verdadera marea de publicaciones, tanto de investigación como de divulgación, inunda cada año los estantes de las librerías de todo el mundo y existe un amplio público con un buen nivel de conocimientos sobre la última conflagración mundial. Es por ello que resulta difícil encontrar un tema que pueda resultarles una completa sorpresa.
Pero precisamente esto es lo que consigue la obra de Bryan Mark RiggLa tragedia de los soldados judíos de Hitler. El libro trata sobre un aspecto hasta ahora prácticamente inédito de la Alemania nazi: el papel de decenas de miles de alemanes de ascendencia judía en la Wehrmacht, antes de y durante la guerra, y sobre las políticas llevadas a cabo por el Estado nazi para hacer frente a esta realidad. El origen del libro se halla en la tesis doctoral del autor, que realizó una concienzuda labor de investigación tanto en archivos alemanes, especialmente el Bundesarchiv-Militärchiv de Friburgo, como entrevistando a más de un centenar de antiguos militares alemanes de esta condición.
Aunque la existencia de estos soldados alemanes de ascendencia judía, denominados mischlinge (‘mestizos’) por las autoridades nazis, ya era conocida, Rigg defiende de manera convincente que la escala de este fenómeno fue muchísimo mayor de lo que hasta ahora se creía, afectando a un mínimo de 150.000 soldados, entre los que se encontraban un mariscal de campo, veintiún generales y siete almirantes.
También repasa las políticas que ejecutó el nazismo ante este problema mischlinge, mostrando cómo se pasó de una inicial tibieza y flexibilidad, motivada por razones simplemente pragmáticas y oportunistas, a un progresivo endurecimiento de la actitud hacia estos “medio-judíos”. Llama poderosamente la atención que junto a las diferentes leyes prohibiendo a los mischlinge alistarse en la Wehrmacht o que obligaban a abandonarla a los que ya servían en ella, se estableciesen medidas de exención, Genehmigung, que permitían al afectado permanecer en el ejército o incluso declararlo oficialmente ario pese a su ascendencia parcialmente judía, la Deutschblütigkeitserklärung.
Uno de los aspectos más sorprendentes del libro es el rol jugado por Hitler. Es lógico que como autócrata y primer antisemita del país tuviera un papel determinante a la hora de definir los principios y las medidas a tomar con respecto a los mischlinge. Lo que no lo es tanto es que se tomara un intenso interés en analizar personalmente todas las peticiones de exención y se reservara la última palabra a la hora de concederlas o denegarlas, así como en las arianizaciones. Tareas a las que dedicó una significativa cantidad de tiempo incluso durante la etapa final de la guerra.
Serie de fotografías que acompañaban a las peticiones de Genehmigung.
Pero los verdaderos protagonistas de la obra son los desgraciados mischlinge; sus motivaciones para servir en el ejército de un régimen que los despreciaba y discriminaba, sobre todo para proteger a sus familiares judíos y por patriotismo; sus padecimientos, luchando por mantener su condición en secreto, soportando humillaciones hacia ellos o sus familiares; y sus diferentes destinos: muchos fueron finalmente expulsados de la Wehrmacht, otros consiguieron mantenerse en el servicio activo hasta el final de la contienda, algunos murieron en combate otros sobrevivieron a la guerra y algunos incluso fueron internados en campos de exterminio y pasaron a engrosar el terrible número de muertos del Holocausto.
Precisamente, no puede acusarse a Rigg de rehuir el aspecto más polémico y doloroso de la participación de los mischlinge en la Segunda Guerra Mundial y en su grado de conocimiento, o de desconocimiento, del Holocausto aunque, en mi opinión, se muestra demasiado crédulo ante las alegaciones generales de ignorancia por parte de los veteranos de guerra entrevistados. Además hubiera sido deseable que ampliara este apartado para abarcar todos los crímenes cometidos por la Wehrmacht durante la guerra.
El libro está repleto de situaciones sorprendentes y en ocasiones kafkianas y muestra la dificultad de establecer clasificaciones rígidas en el campo de las identidades colectivas e individuales (quién es judío, quién alemán, qué es un mestizo…). Muchos de estos mestizos profesaban la fe cristiana y no se sentían judíos desde un punto de vista religioso, étnico o cultural, pero fueron víctimas de la concepción pseudo-biológica y racista del término por los nazis.
La gran mayoría de ellos se consideraban buenos alemanes, como muchos judíos de hecho, e hicieron lo posible por ser admitidos en el ejército y luchar por su país. Como consecuencia de estas situaciones tan contradictorias los mischlinge experimentaron una gran variedad de sentimientos, desde la confusión por ser considerados judíos, hasta el desarraigo de ser rechazados por las dos comunidades debido a sus orígenes mixtos.
La obra cuenta con un excelente acompañamiento gráfico en forma de varias decenas de fotografías de mischlinge y de documentos originales de la época. En el apartado de las críticas negativas hay que reconocer que el título del libro La tragedia de los soldados judíos de Hitler es algo engañoso, ya que trata básicamente sobre los alemanes de ascendencia judía, aunque aparecen unos pocos casos de judíos “cien por cien”. Así mismo es de lamentar que en la edición española se haya eliminado el índice de la edición inglesa original, con el resultado que, por ejemplo, si el lector quiere conocer la suerte de alguno de los mischlinge que aparecen en las fotografías, la única opción es volver a leer todo el libro.
En cualquier caso, estos pequeños defectos no empañan el interés de una obra original y polémica, que proporciona una perspectiva totalmente nueva sobre la Wehrmacht y el Estado nazi y que, en definitiva, es completamente recomendable.
Título:La tragedia de los soldados judíos de Hitler Autor: Bryan Mark Rigg Editorial:Inédita Editores S.L. Año de publicación: 2009 Nº de páginas: 426 Encuadernación: tapa dura Formato: 15,5x24cms. ISBN: 978-84-96364-68-4 ——
Esta semana finalizan las representaciones de À la ville de… Barcelona, un homenaje del Teatre Lliure a la ciudad de Barcelona en forma de music hall cómico creado y dirigido por Joan Ollé e interpretado por Joan Anguera, Ivan Benet, Marta Betriu, Laura Guiteras, Oriol Genís, Enric Majó, Victòria Pagès y Jordi Vidal, una troupe que nos hará viajar por la historia y por los rincones más simbólicos de la ciudad condal en un itinerario marcado por el buen humor, por la música y por las ganas de reírnos de mostros mismos. Un empeño que se corona con un muy grato resultado escénico que enlaza directamente lo que acontece sobre el escenario con las vivencias de los que se hallan en el patio de butacas.
À la ville de… Barcelona, nos propone un periplo por las edades de la ciudad y de sus habitantes. Como anfitrión de este viaje escénico por el tiempo nos hallamos, al inicio de la representación, a un patricio de la ciudad romana de Barcino que, togado, nos da la bienvenida para que comience un recorrido que nos llevará desde las Ramblas al Paralelo, del Zoo al Born y el barrio de la Ribera; de Montjuïc a la Barceloneta, pasando por el puerto, los mercados, El Molino, o el Liceo.
La obra está conformada por una sucesión de sketchs que mezclan el humor con un cierto dramatismo, unos ingredientes, además, compartidos por los espectadores ya que hacen referencia, sin duda, a sus vivencias personales. El espectáculo aunque comienza, como he dicho, en época romana, se centra especialmente en el siglo XX, y yo diría que sobre todo en la segunda mitad de esa centuria, donde, claro está, tanto el dramaturgo como los espectadores pueden hallar muchos más elementos de sátira más cercanos y cotidianos. Entre ellos, por ejemplo, encontramos la invasión de las hordas de turistas que cada vez se apropian con mayor afán de los espacios más significativos de la ciudad; la acción política «de postín» de los alcaldes de Barcelona, un gag excelentemente interpretado por Ivan Benet; los efectos de la corrupción que cada vez parece más omnipresente; las incomodidades experimentadas por los monumentos barceloneses o la subjetiva degradación que sufren algunos de los barrios de la ciudad, con la resolutiva interpretaciónen in crescendo de Victòria Pagès.
La representación se construye a partir de una actuación coral, en la que cada uno de los actores tiene su/s momento/s, con un ritmo que se mantiene en tensión a lo largo de la obra, con finales de sketchs y principios de otros que se entrelazan constantemente. Por el escenario pasarán personajes como las estatuas de Colón y de la Dama del paraigües, el mundialmente famoso Floquet de neu, varios de los alcaldes de Barcelona, el defenestrado Millet, formando un más que cómico Angelus pictórico y toda una serie de personajes anónimos que han paseado y pasean su estampa por las calles de la ciudad, a través de una pasarela conformada por un acertado paso de cebra, elemento ubicuo en la metrópolis.
Sin embargo la obra, o lo que es lo mismo, el torbellino de sketchs y gags, no goza de un adecuado equilibrio entre el dramatismo y la comicidad que poseen las escenas individuales, por lo que la firme apuesta hacia la vertiente más humorística del conjunto hace que sus escenas más dramáticas no consigan crear el momento de tensión que les son necesarios, aguando de esta forma sus intentos de llegar al espectador. Por su parte, el peso humorístico del conjunto se impone, lo que genera una sensación, esta vez sí que acertada, de comicidad en el público asistente.
La obra también está planteada como un music hall en el que oiremos viejos éxitos de la música más popular escuchada en la ciudad interpretados en directo por una pequeña banda de músicos, lo que le da al espectáculo un toque de varieté que la asemeja, en parte al Taxi… Al TNC!, la obra con la que dio comienzo la temporada el Teatre Nacional. Y es seguramente esta una forma más que adecuada para dar comienzo a un año del que parece que podemos esperar algo más que en los últimos, para que germine en él la dicha propia de tiempos mejores, unos tiempos presentes y futuros que también formarán parte de la historia de Barcelona y a los que puede que dentro de unos años o tal vez de de muchos, alguien haga referencia en forma de obra de teatro, ¿no les parece?
«À la ville de… Barcelona» se representa en el Teatre Lliure Montjuïc del 10 de octubre al 3 de noviembre de 2013.
Creación y dirección: Joan Ollé
Reparto: Joan Anguera, Ivan Benet, Marta Betriu, Laura Guiteras, Oriol Genís, Enric Majó, Victòria Pagès y Jordi Vidal
Músicos: Joan Alavedra, Eduard Altaba, Salvador Boix, Oriol Camprodon-Montserrat Margalef, Jerôme La Voix-Clara Luna y Xavier Maureta-Ahmed Al’Tortahad
Escenografía: Eugenio Szwarcer
Vestuario: Míriam Compte
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Lionel Spycher
Sonido: Damien Bazin
Coreografía y movimiento escénico: Andrés Corchero
Dirección musical y arreglos: Lisboa Zentral Cafè
Producción: Grec 2012 Festival de Barcelona, L’Auditori de Barcelona y Bitò Produccions
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas. Precio: de 22 a 24,65 € Idioma: catalán Duración: 2 horas sin pausa
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Os dejamos aquí con el enlace de la entrevista grabada en el programa de radio Luces en la oscuridad de Gestiona Radio que trata de la figura y el reinado del emperador romano Domiciano (81 – 96 d.C.).
Espero que os guste!!
En el siglo I d. C. Tito Flavio Domiciano fue emperador del Imperio romano durante 15 años, siendo el reinado más largo desde el emperador Tiberio. Asímismo fue el último emperador de la dinastía Flavia la cual gobernó el Imperio romano desde el año 69 al 96 d.C., y que abarcó el rerinado de su padre Tito Flavio Vespasiano y el de su hermano mayor Tito. Las fuentes clásicas describen a Domiciano como un tirano cruel y paranoico ubicándole entre los emperadores más odiados al comparar su vileza con las de Calígula o Nerón. Pero ¿cómo se originó la dinastía de los Flavios? ¿Cómo consiguió llegar al poder en Roma? ¿Cuáles fueron los traumas de Domiciano durante su adolescencia? ¿Qué tipo de edictos referentes a la moralidad de los romanos dictó al llegar al poder? ¿Fue realmente un tirano? ¿Qué importancia tuvo la religión durante su mandato?
El estreno de un Pinter siempre es una buena ocasión para ir al teatro sobre todo si en su puesta en escena hallamos el despliegue de medios del TNC y a actores de la talla de Josep Maria Pou y Lluis Homar sobre el escenario, y más si nos hallamos ante una de sus obras más inquietantes, como es el caso de Terra de ningú, una reflexión existencial repleta de interrogantes y reservas.
Terra de ningú nos presenta una situación, claustrofóbica por momentos y arcana en muchos otros. La acción da inicio de forma abrupta, como si en verdad la representación ya hubiera comenzado antes de presentarla al público. De repente vemos entrar a dos personas, las cuales parece que acaban de conocerse hace poco. La conversación que mantienen está marcada por lo extraño de la misma y regada extensamente con alcohol. Una charla extraña a la que parece que el público no puede acceder del todo, excepto a través de sus pinceladas de poesía y de sus toques de humor.
El espacio donde se desarrolla la acción es el majestuoso salón de la casa de uno de ellos. El invitado, Spooner (Lluís Homar), que no comparte el mismo nivel social que su anfitrión, Hirst (Josep Maria Pou), un literato enriquecido gracias al éxito, lo ha seguido hasta allí. Su diálogo es interrumpido en algún momento por los amigos/secretarios/criados del primero, Briggs (David Selves) y Foster (Ramon Pujol). Ambos parecen no estar complacidos con la irrupción del extraño en la casa. Al final el alcohol deja fuera combate al anfitrión que debe abandonar la sala ayudado por uno de sus criados.
Spooner se ha quedado a dormir, no sabemos por qué, encerrado en el salón de la casa. Después se almorzar volverá a encontrarse con su anfitrión, esta vez sobrio, que lo confunde con un antiguo amigo de juventud (bien, puede que en verdad lo fuera). Y da inicio una nueva conversación en la que la poesía, la ofensa, la caballerosidad y el alcohol vuelven a ser sus componentes. Todo ello en lo que parece ser una tierra de nadie.
Terra de ningú nos presenta una situación, una atmósfera, que parece que está fuera de la realidad. Un espacio ocupado por varias personas que parece que no tiene substancia, como no la tienen los pensamientos o la memoria. En él, estas cuatro personas interactúan y conversan entre ellas aunque parece que nada de ello tenga demasiado sentido, como si el espacio colmase de irrealidad a todo lo que pasa o existe en él. De aquí que podamos decir que la obra, dirigida por Xavier Albertí, nos adentra, gracias a su asombroso texto, en un limbo misterioso del que al espectador le costará salir o hallar un sentido cierto o al menos real. Algo con lo que el autor, Pinter, jugó conscientemente.
Terra de ningú, parece así, un juego escénico, una composición en el que los fantasmas, los miedos y los anhelos de Pinter toman forma, aunque tenue y borrosa, como con la voluntad de mostrarnos tan solo una parte de su interior, una que ciertamente no podamos discernir del todo, como una invitación a poner de nuestra parte lo que no hallamos sobre el escenario.
La adaptación de Albertí está hecha con el buen gusto propio del TNC. Un espacio, el salón de la casa que parece flotar en un limbo intangible, en el que la interpretación de sus cuatro protagonistas, Lluís Homar, Josep Maria Pou, Ramon Pujol y David Selvas es tan estática e incorpórea como un texto de este tipo requiere. En ellas, como no podría ser de otra forma, destacan las de Pou, como el anfitrión alcoholizado que parece haber perdido el rumbo de una vida malograda por el éxito, y resplandece la de Homar, que construye un personaje sórdido e indescifrable del cual nunca acabaremos de conocer cuáles son sus intenciones. Pujol y Selvas encarnan a los dos amigos/criados que residen en la casa con una relación cuyos flecos tampoco llegaremos a conocer nunca.
Tras Taxi… Al TNC! el Teatre Nacional de Catalunya encamina su programación hacia un horizonte teatral que suma enteros con la elección de Terra de ningú, de Harold Pinter, una obra inquietante que traslada al espectador a un mundo entre la realidad y el sueño, por una senda que si bien puede parecer dificultosa consigue dirigir la mirada del público hacia la esencia del teatro y al examen que este puede hacer de sí mismo.
«Terra de ningú» se representa en el TNC del 17 de octubre al 24 de noviembre de 2013.
Autor: Harold Pinter
Dirección: Xavier Albertí
Reparto: Lluís Homar, Josep Maria Pou, Ramon Pujol y David Selvas
Traducción: Joan Sellent
Escenografía: Lluc Castells
Vestuario: María Araujo
Iluminación: David Bofarull
Producción: Teatre Nacional de Catalunya
Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas. Precio: de 11,5 a 23 € Duración: 1 hora y 40 minutos (sin entreacto)
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Casi todos los jóvenes-adultos de hoy en día hemos querido a la televisión. Muchos de nuestros gratos recuerdos de infancia y juventud van ligados a míticos programas o a series televisivas. Tal vez la generación adolescente actual será la que esté menos atada a este aparato porque de pantallas para distraerse tienen de sobras. Probad a poner a una persona que pase de los treinta alguna sintonía de algún éxito televisivo de sus años mozos, la sonrisa bobalicona aflorará en su rostro. Con esta premisa el trío de actores compuesto por Francesc Ferrer, Alba Florejachs y Sergio Matamala no lo tienen difícil para hacernos sonreír con la obra teatral I love TV.
El espectáculo se compone de pequeños sketches donde en clave de humor recordaremos series añejas de dibujos animados, escucharemos extraños análisis de series americanas, seremos testigos de las barbaridades que suceden en un casting de Gran Hermano, y como no, nos sumergiremos en la ronda de preguntas del Un Dos Tres. Porque la obra explora tanto los programas de televisión como lo que hay detrás de ellos: cómo nuestras relaciones personales pueden verse condicionadas por la TV; las diferentes maneras de ver la tele o cómo esta abandona a sus estrellas cuando ya están en decadencia.
Hasta ocho guionistas han intervenido en la elaboración de las diferentes piezas de que está formada la obra, por lo que habrá para todos los gustos, algunas mejores que otras pero absolutamente todas nos arrancarán alguna sonrisa ya que presentan discursos e ideas originales. La mayoría, eso sí, se centran en recuerdos ochenteros.
La televisión actual es rapidez e inmediatez y esta obra también lo es. No te has recuperado de un sketch que ya se da paso al siguiente, en el que gracias al buen hacer de los actores nos situamos de lleno en breves instantes. Con tanta variación de registros no hay tiempos muertos para aburrirse, es como si hiciéramos zapping y sin apenas cambiar el decorado: un salón comedor un poco como los de antes en el que reina, en el centro, un antiguo aparato de televisión. Sin duda el espacio perfecto para una obra como esta.
Qué decir del prólogo de la obra, en el que de forma cercana pero que muy cercana al público los actores conversan, como si estuvieran en un foro de internet, sobre la serie El coche fantástico. Igual de logrado que el número que cierra el espectáculo con una Alba Florejachs en su salsa.
¡Si amas o amaste la Televisión no te puedes perder I love TV!
«I love TV» se representa en el Club Capitol del 17 de octubre al 15 de diciembre de 2013.
Dramaturgia: Blanca Bardagil, Marta Buchaca, Jordi Casanovas, Cristina Clemente, Guillem Clua, Jordi Galceran, Llàtzer Garcia, Marc Crehuet y Alberto Ramos. A partir de una idea de Jordi Casanovas
Dirección: Cristina Clemente y Carles Mallol
Producción: FlyHard Produccions
Escenografía: Albert Pascual y Marta Soto
Fotografía: Roser Blanch Gallego
Idea original: Jordi Casanovas
Iluminación: Fernando Portillo
Sonido: Lluís Rovirola
Vestuario: Marta Soto
Vídeo: Pablo Lammers
Horarios: de jueves a sábado a las 22:30 horas y domingos a las 19:30 horas. Precio: 20 € Idioma: català Duración: 80 minutos
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Lepanto es sin duda alguna una de las batallas más conocidas de la Historia Universal. Una de esas que le suenan a todo el mundo, aunque la historia, militar o no, no le interese en lo más mínimo. En octubre de 2011 se publicó la penúltima de las aportaciones a la bibliografía de este combate: Lepanto. La batalla de los tres imperios.
El autor, Alessandro Barbero, es un reputado medievalista italiano con una abultada obra a sus espaldas, dedicada mayoritariamente a la Edad Media pero con incursiones en otros periodos históricos, como el interesante Barbari. Immigrati, profughi, deportati nell’imperio romano. El autor ya contaba con tres obras históricas traducidas al castellano: Carlomagno; La batalla: Historia de Waterloo y El día de los bárbaros, las dos últimas, por cierto, absolutamente recomendables.
Aunque no sea tan evidente en su último libro, ya que tiene un carácter más descriptivo que analítico, Barbero destaca como un excelente divulgador con una gran capacidad para explicar conceptos complejos de una manera totalmente accesible para el público no especializado. El primer capítulo de El día de los bárbaros es la mejor introducción a la crisis del Imperio romano y a las relaciones entre romanos y bárbaros que conozco y no requiere de ningún conocimiento histórico previo por parte de lector.
Al contrario que la mayoría de libros dedicados a Lepanto, la obra de Barbero no se limita a la campaña de 1571, sino que comienza con los rumores, que llegaron a las cortes occidentales en el otoño de 1569, de que la flota otomana se estaba preparando para llevar a cabo una operación de envergadura la siguiente primavera y cubre los dos primeros años y medio de la guerra entre el Imperio otomano y la Repúblicade Venecia y sus aliados.
Sin duda alguna el texto se merece la manida expresión de que “se lee como una novela histórica” ya que el lector se ve rápidamente atrapado en la espiral de acontecimientos que provocaron la guerra y en su posterior desarrollo: la invasión otomana de Chipre, el largo asedio de Famagusta (cuyo rescate era el objetivo principal de la flota cristiana), los movimientos de las diferentes flotas por todo el mediterráneo, las interminables negociaciones que precedieron la formación de la Santa Liga por venecianos, españoles y el papado, los problemas de mantener una coalición formada por miembros con unos intereses tan diferentes…Todo ello aderezado por un sinfín de intrigas y conspiraciones, entre enemigos y aliados por igual, que Barbero puede seguir con gran detalle gracias al estudio de la correspondencia de los principales protagonistas del bando cristiano.
Precisamente la sistemática utilización de las fuentes primarias del periodo es uno de los principales puntos fuertes del libro y permite a Barbero construir un rico mosaico de personajes; desde el disoluto Selim II al irascible Sebastiano Venier, pasando por el intrépido Marco Quirini, el astuto Uluch Alí y el arrogante Marco Barbarigo.
El autor realiza un verdadero esfuerzo por reflejar los puntos de vista de los diferentes participantes, especialmente en el caso de los otomanos, cuyo papel ha aparecido desdibujado en la mayoría de obras que han tratado Lepanto con anterioridad y, para ello, incorpora parte de la bibliografía producida por historiadores turcos en las últimas décadas. El único pero es que se trata de una obra algo desequilibrada, ya que de las 650 páginas de texto (el libro tiene un total de 843), menos de treinta se dedican al desarrollo de la batalla y unas 570 a los acontecimientos anteriores.
Representación de la Batalla de Lepanto (1571).
Esto no quiere decir que la batalla reciba un mal tratamiento. Al contrario, la descripción que hace Barbero es correcta y, en cualquier caso, no puede decirse que Lepanto sea una batalla difícil de explicar (a fin de cuentas se trató de dos enormes flotas de galeras asaltándose frontalmente, con unas pocas maniobras en los flancos). Pero después de casi 600 páginas el lector no puede evitar la sensación de que la batalla se despacha demasiado rápido. Realmente el autor no hubiera podido acercarnos a los movimientos de las dos flotas con más detalle, pero donde sí hubiera podido extenderse más es en la descripción de las decenas de combates galera contra galera y en las innumerables tragedias y anécdotas que en ellos sucedieron.
Por lo que respecta al apartado gráfico, el libro cuenta con dos mapas, uno del Mediterráneo y otro de la batalla, que son suficientes para poder seguir el relato. Con todo hubiera sido de agradecer la inclusión de reproducciones de ilustraciones de la época, ya que la victoria de Lepanto tuvo una enorme repercusión en toda la cristiandad, se celebró incluso en los países protestantes, y como consecuencia decenas de gravados se distribuyeron a una muchedumbre ansiosa de conocer los detalles de la más grande victoria sobre los poderosos turcos otomanos.
En cualquier caso, estos detalles no disminuyen la valía de una obra que supone una significativa aportación al estudio de la batalla de Lepanto y, al mismo tiempo, un libro de historia que es una verdadera delicia de leer.
Pese a todo esto, un libro de esta envergadura quizás no sea el más adecuado para acercarse por primera vez a la batalla de Lepanto. Esta función introductoria la puede cubrir a la perfección Lepanto 1571. The greatest naval battle of the Renaissance (Ed. Osprey 2003) de Angus Kostam, con menos de un centenar de páginas y con ocho detallados mapas –tres de ellos de la evolución de la batalla–, tres láminas reproduciendo otros tantos episodios del enfrentamiento y decenas de ilustraciones de la época, incluyendo retratos de los principales protagonistas y de los diferentes tipos de naves utilizados con el único inconveniente de estar escrito en la lengua de Shakespeare.
En cambio, para aquellos que ya tengan unas mínimas nociones sobre esta batalla, se trata de un libro imprescindible, que ampliará sus conocimientos sobre la guerra entre venecianos, españoles y turcos y sobre las complejas relaciones entre las diferentes potencias mediterráneas durante la segunda mitad del siglo XVI, además de proporcionarles un adecuado relato sobre la batalla misma.
Título:Lepanto. La batalla de los tres imperios Autor: Alessandro Barbero Traducción: Teófilo de Lozoya y Juan Rabasseda Editorial: Pasado y presente Número de páginas: 843 ISBN: 9788493914301 Publicación: Octubre 2011 Precio: 36 euros
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Hoy os presentamos Por el bien del Imperio. Una historia del mundo desde 1945, escrito por el historiador Josep Fontana, un libro que nos habla de la historia del mundo más reciente.
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