Crítica cinematográfica: Mañana, cuando la guerra empiece, de Stuart Beatie.


Ayer llegó a las salas españolas el film Mañana, cuando la guerra empiece, el debut como director de Stuart Beatie, guionista de la saga Piratas del Caribe, un film australiano coproducido por EE.UU. que narra las “aventuras bélicas” de un grupo de amigos del instituto que tendrán que afrontar el ataque de su ciudad por fuerzas enemigas que han invadido su país.

DeAPlaneta nos presenta el debut de Stuart Beatie tras las cámaras con una película de acción juvenil, la adaptación de la obra de John Marsden, uno de los autores australianos más reconocido y vendido en todo el mundo. Beatie ha escogido para iniciar su trayectoria como director una saga (que valoradas que están hoy en día las sagas!!) que ha obtenido no solo innumerables premios literarios sino, también, el reconocimiento internacional. La saga de Mañana nos presenta un punto de partida poco original: una invasión, en este caso no extraterrestre, aunque si militar. Un grupo de amigos del instituto de una pequeña ciudad australiana deciden pasar un fin de semana acampados en un rincón apartado y paradisíaco no muy lejano llamado “Infierno”. A su vuelta a la ciudad descubren que algo extraño ha pasado. Sus casas están vacías, sus familias han desaparecido y tropas enemigas parecen haberse hecho con el poder en la zona. Ante unos primeros momentos de desorden y desconcierto los jóvenes decidirán luchar, enfrentarse a la amenaza militar extranjera y recuperar su ciudad y con ella a sus familiares, amigos y vecinos.

Como decía una historia que nos recuerda un clásico de los 80 como Amanecer Rojo (1984), de John Milius, cinta que narraba, también, las aventuras militares de un grupo de jóvenes, en este caso americanos, que tenían que hacer frente a una invasión militar soviética y en la que Patrick Swayze realizaba uno de sus primeras actuaciones, un film del cual, si IMDd no se equivoca, ya se está rodando un remake.

La nueva apuesta de Beatie no aporta demasiadas novedades a la idea de film «de invasión». La cinta tarda un buen rato en arrancar, presentando a los personajes, la escapada y los buenos (y últimos) momentos (infantiles/juveniles) de que gozarán los protagonistas en el paraje llamado “Infierno”. Esta parte del film recuerda en su configuración a multitud de películas de género slasher en el que un grupo de jóvenes amigos se encaminan a un lugar “paradisíaco y remoto” para ser, a lo largo de la trama, eliminados uno a uno por asesinos, monstruos, espíritus, fantasmas o algún otro personaje de esta calaña.

Los protagonistas en el paraje llamado «Infierno»

La cosa se comienza a animar tras la vuelta de los jóvenes a la ciudad cuando se dan cuenta de lo que ha pasado mientras ellos estaban fuera. Aquí cambia el registro de la película, aunque la dirección de Beatie o la interpretación de los jóvenes actores, o la misma trama, o todo ello junto, no acaban de salvar al film. Esto es, en ningún momento uno consigue meterse en la historia y en ningún momento le interesa realmente lo que le pasa a los protagonistas. El ritmo de la película es demasiado lento, por lo que parece que es más una presentación de contexto, de personajes y de bandos a la espera de nuevas secuelas. Eso es lo que parece indicar tanto la trama, como las siete novelas escritas por Marsden sobre el tema y sobre todo el final épico del film.

Como película de presentación de franquicia la cinta no tiene demasiadas escenas de acción, lo que le hace perder muchos enteros para todos aquellos a los que les gusta este tipo de films. Las interpretaciones son, en muchos casos, bastante justas, algo entendible con actores y actrices tan jóvenes. Hemos de pensar, además, que al argumento militar y de acción se suma una trama amorosa entre los propios jóvenes, que en algunos momentos llega incluso a ser cómica, como en la escena del ataque al puente. No me puedo llegar a imaginar como en medio de una situación trágica como la narrada en el film aún puede haber tiempo para el romance. Aunque, si se ha de apelar a la verdad, este tipo de tramas parecen muy del agrado del autor de la novela, que no escribía una historia meramente de acción, sino de relaciones y sobre el comportamiento humano, ya fuere en una situación de normalidad (si es que ésta existe!!) como en una penosa como la narrada en el film.

Los jovenes «milicianos» en acción.

Seguramente uno de los aspectos que quisieron tratar tanto el autor de la novela, Marsden, como el director, Beatie, fue la transformación de sus protagonistas, de jóvenes melosos y asustadizos a rebeldes convertidos en máquinas de matar, una transformación que hallamos en el film, aunque de una forma algo artificialmente tratada. A esto, como decía antes, no ayudan mucho las actuaciones de los actores.

La idea de arranque es interesante (al menos desde mi punto de vista): el inicio de una Tercera Guerra Mundial o al menos de un conflicto militar armado entre Australia (un país por otra parte pacífico e invisible en las noticias internacionales) y lo que parece que es una potencia o una alianza asiática, en busca de recursos. Aquí es sugestivo observar como el enemigo ha dejado de ser la Rusia comunista (que pocas veces vemos a los soviéticos como los malos de la peli desde que cayó el muro!!) y el terrorismo islamista (los malos de la película desde el 11S), para plantearse un enemigo asiático, seguramente, aunque la película no lo indique (aunque la novela seguramente si!!), la potencia china (comunista también), autentico pandemónium para el mundo capitalista (y libre!?), fiel demostración de cómo ha cambiado todo…

En resumen, Mañana, cuando la guerra empiece es una película decepcionante tanto en el desarrollo de su trama, como en las interpretaciones y en las escenas de acción. En ningún momento sabremos (o sabremos muy poco) de lo que ha pasado, por lo que si no me equivoco tendremos que leer la/s novela/s de Marsden para ponernos un poco al día. Un estreno que pasará, o eso creo yo, sin pena ni gloria, por las carteleras españolas solo apto para amantes de las sagas cinematográficas tipo Crepúsculo, Harry Potter o la mismísima Piratas del Caribe, y de las ensoñaciones románticas y juveniles tan en boga en las pantallas de cine y de televisión. La pregunta es: ¿para cuándo la próxima entrega?

Título: Mañana, cunado la guerra comience
Escrita y dirigida por: Stuart Beattie
Basada en la novela de: John Marsden
Reparto: Caitlin Stasey, Rachel Hurd-Wood. Lincoln Lewis, Deniz Akdeniz, Phoebe Tonkin, Christopher Pang, Ashleigh Cummings, Andrew Ryan y Colin Friels
Director de fotografía: Ben Nott (ACS)
Música: Johnny Klimek y Reinhold Heil
Producción: Omnilab Media y Screen Australia, Paramount Pictures y Ambience Entertainment
Nacionalidad: Australia, EE.UU.
Duración: 100 min.
Fecha de estreno: 4 de febrero de 2011
Distribuidora: DeA Planeta

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Promoción entradas 2×1 para ver Nelly Blue en el teatro Club Capitol.


CULTURALIA
en colaboración con http://www.agitacion.net te ofrece entradas a precio reducido (2×1) para ver Nelly Blue en el Teatre Club Capitol, la historia agridulce de dos hombres en busca del éxito musical, interpretada por Xavi Mira y Albert Ribalta y dirigida por Marta Pérez, componente de T de Teatre.

Nelly Blue empezó a tomar forma durante el rodaje de la conocida serie televisiva “Jet Lag”, donde coincidieron los actores y la directora del espectáculo. Explica la historia de dos extraños que acaban siendo amigos gracias a su pasión común por la música y los cantantes melódicos. Dos personajes desubicados y pintorescos que deciden aventurarse en la búsqueda del éxito. Aquel éxito en que se ven reflejados delante el aparato de televisión o delante el sintonizador de radio.

Nelly Blue es una comedia, un pequeño musical, la historia de una amistad nacida en el marco de los concursos de canción de las carpas y de las salas de fiesta. La historia de dos hombres solos que comparten un sueño. La historia de dos personajes tragicómicos que encuentran en la música un lugar para huir de la realidad y volar. Ninguno de los dos conseguirá su sueño, porque, a pesar de tener aptitudes, “la vida” no les dejará escoger ni el momento, ni el camino adecuado. Juntos les parece que podrán llegar a tener aquello que desean…: el éxito. ¿Pero qué es el éxito en realidad?…

Disponemos de entradas 2×1 (Jueves 2×1 a 19 € y sábado y domingo 2×1 a 24 €) para asistir a las representaciones del Jueves 3, sábado 5 y domingo 6 de marzo de 2011. Para poder participar en esta promoción manda un mail con tu nombre y apellidos y el asunto Promoción Nelly Blue a la dirección jorge.culturalia@hotmail.es. Los ganadores podrán recoger las entradas en las taquillas del propio teatro el mismo día de la actuación!!

CULTURALIA se pondrá en contacto por mail con los ganadores de la promoción para informarles.

Más información: www.nellyblue.es

Crítica en indienauta: http://www.indienauta.com/teatro-en-barcelona/3624-critica-nelly-blue

Facebook: http://www.facebook.com/search.php?q=nelly%20blue&init=quick&tas=0.7633154936212417&ref=ts#!/NellyBlue.PaginaOficial

Nelly Blue” se representa en la Sala 2 del Club Capitol desde el 22 de diciembre de 2010.

Autores: Marta Pérez, Xavi Mira y Albert Ribalta
Intérpretes: Xavi Mira y Albert Ribalta
Dirección: Marta Pérez
Escenografía y grafismo: Judit Vidal e Ivan Álvaro (Obaga)
Vestuario: Mamen Duch
Iluminación: Carles Lucena
Sonido: Roc Mateu




La Vall de les fades


Avui us presentem a CULTURALIA La Vall de les fades, una activitat jove que pretén fer-nos connectar amb la felicitat i el nostre jo intern per fer-nos gaudir una mica més de la vida.

LA VALL DE LES FADES.

La Vall de Les Fades neix amb la intenció d’extreure de l’interior de cadascú la felicitat que porta amagada.

A La Vall de Les fades volem donar els instruments i els recursos necessaris per descobrir un camí on ens sentirem alegres i identificats amb nosaltres mateixos mitjançant tècniques lúdiques, pedagògiques i terapèutiques a l’abast de tothom. Som una iniciativa de creació recent amb l’objectiu de proporcionar una dimensió diferent a la nostrA consciencia i per això, oferim un ventall de tallers per aconseguir-ho.

Dintre de La Vall de Les fades hi ha altres branques que oferim com és la producció d’espectacles, teatre, titelles, música, etc… I per altre banda també toquem una branca dins de l’àmbit de l’art com son quadres pintats amb acrílics i murals infantils, i un altre com es l’artesania.


Components de La Vall de Les fades.

Angelique Soto: Faig de professora de teatre, pinto il·lustracions, quadres i murals, escric un llibre sobre la meva filosofia de vida i l’art teràpia és una de les meves passions, ajudar als demés a connectar amb el seu interior a través del riure, la música, els jocs, etc… és fantàstic!

Tinc 36 anys i per molt que estudio l’esser humà, em dono compte que no sé res… només sé que no sabem qui som, fins que som valents per descobrir-ho. Viure es l’aventura més excitant que hi ha: siguis valent!

Elisabet Funes: Faig tallers d’artesania treballant la majoria de vegades amb materials reciclats; sessions de relaxació, meditació i de treball en grup, per ajudar a connectar amb el nen i la nena interior que tots portem dins. Sempre connectant amb les necessitats des del cor que són les de donar i compartir tot l’amor que porto a dins.

Per qualsevol consulta o informació addicional podeu contactar amb nosaltres a:

Mail: lavalldelesfades@gmail.com
Facebook: facebook.com/vallfades
Telèfons:
Elisabet Funes 633388036
Angelique Soto 673130458

Crítica cinematográfica: En tiempo de brujas, de Dominic Sena

También el próximo 4 de marzo se estrena en España En tiempo de brujas una película de Atlas Entertainment y Relativity Media dirigida por Dominic Sena e interpretada por Nicolas Cage, Ron Perlman y Claire Foy.

He estado dudando si incluir este film en la subsección de películas históricas o no, ya que aunque esté ambientado en la Edad Media dependía de cómo se tratase el tema de las brujas y la brujería para que fuera un film histórico o algo más propio de la fantasía o incluso del terror. Finalmente me he decidido por lo primero y me explicaré. Como todos sabemos si que existieron las brujas en la Edad media (y en épocas anteriores y posteriores), o al menos aquellas y aquellos a los que la Iglesia acusaba de ello. Aunque otra cosa diferente es que existieran personas que tuvieran un poder especial o, al menos, una relación particular con el diablo. Aún así, podríamos decir que En tiempo de brujas intenta darle (y le da) al tema tratado una visión histórica, aunque la fantasía y el terror se apodera de la trama a medida que esta avanza, para llegar a un desenlace totalmente fantástico y terrorífico. Aún así y por la atmósfera y la ambientación la consideraré una película histórica, siempre advirtiendo en estas líneas al lector de que el componente fantástico es en ella muy importante.

Imagen de la guerra en Tierra Santa.

Dicho esto, presentemos la trama. Nos hemos de situar en pleno siglo XIV, en el momento en que la Peste negra está diezmando a la población europea y la Cruzada en Tierra Santa está aún en marcha. Dos caballeros cruzados, Behmen (Nicolas Cage) y Felson (Ron Perlman), han perdido la fe en la Guerra Santa que se está llevando a cabo en Oriente y regresan (desertan) de la misma para volver a Europa. En una de las etapas de su viaje de retorno, en Marburgo, son reconocidos y encarcelados como desertores. Europa está siendo devastada por la peste y la población está desesperada. La única solución parece ser la muerte de una joven bruja (Claire Foy) que está presa en otra celda junto a los ex-cruzados. Si quieren recuperar la libertad tendrán que transportarla a una lejana y remota abadía donde será juzgada de su acusación de haber traído la peste a la ciudad.

Como decía antes, la película tiene una trasfondo totalmente histórico que se inicia con los largos años de luchas en Tierra Santa que se resumen en las breves escenas iniciales de la película, donde somos testigos de la brutalidad de la Iglesia y sus mandamientos en la Cruzada y la perdida de fe de los dos protagonistas princioales, Behmen y Felson (Y también, y como siempre, de lo errado de la reproducción de una batalla en el cine). Su regreso a Europa nos permitirá ver el horror de la peste y como está ha infectado tanto a los más humildes como a los más poderosos, como el cardenal de Marburgo (un impresionante y deformado por las ulceraciones Christopher Lee). Es seguramente esta una de las mejores representaciones cinematográficas de los horrores que trajo consigo la peste iniciada en el siglo XIV y que acabó con la vida de la mitad de la población de Europa. Tonos oscuros para mostrar la ciudad y su población, cuerpos y caras deformados por la epidemia, por tumores y los bubones (de allí su nombre, peste bubónica), que llegan incluso a hacer sentir y oler la inmundicia y las excrecencias provocadas por la peste.

El cardenal de Mardeburgo moribundo a causa de la peste.

El argumento central de la película no es, sin embargo, éste sino el debate que se produce a lo largo de la marcha sobre la objetividad de la acusación de la bruja. Existirán dos visiones de la misma: la que defiende el monje, el único representante de la Iglesia (Stephen Campbell Moore) sobre la maldad de la hechicera y su responsabilidad en la propagación de la peste y la de los dos caballeros y parte de los acompañantes en la travesía, entre ellos un joven monaguillo que aspira a ser caballero (Robert Sheehan), y un caballero que ha perdido a toda su familia a causa de la pestilencia (Ulrich Thomsen). Todos ellos llegarán a dudar de la actitud de la Iglesia en relación a la joven acusada de brujería, manteniendo una actitud de escepticismo muy propia de este siglo XXI, y del pasado también.

Pues bien, aquí tenemos servido el debate entre el oscurantismo y el atraso cultural provocado por la Iglesia a lo largo de la historia (sobre todo en la Edad Media, o eso dicen algunos) y la visión humanista del hombre propia más del Renacimiento y de la actualidad que ve en la Iglesia, tan solo, un vestigio del pasado y de la superstición. Pero este debate en el film no es nada aburrido. Ni mucho menos!! Durante la travesía hacia la lejana abadía el grupo será asediado por diversas amenazas en los cuales tendremos que dilucidar si la bruja es tal o no. El ataque de los lobos, la huida de la bruja y las ensoñaciones que ésta parece provocar, el cruce de un puente colgante (cuya ubicación en medio de las más altas montañas le resta cierta veracidad aunque le dota de un momento de acertada tensión) o las capacidades suprahumanas de la hechicera. Hasta aquí la parte más histórica de la cinta.

El tramo final del film sufre una transformación total y absoluta convirtiéndose en algo más parecido a Van Helsing o Underground, o lo que es lo mismo, en una película de género, donde, y como ya he comentado antes, la fantasía y el terror se apoderan de la trama. De qué forma lo hace se lo dejo a su discreción para no estropear el final de la trama.

A nivel cinematográfico el filme de Dominic Sena sigue las líneas de otras películas del género. Realiza una reproducción del pasado realista (o  intentando ser realista) para mostrarnos con toda la dureza posible los estragos de la epidemia. Creo que lo más interesante de la pélicula, además de este esfuerzo realista, es la duda que se genera en el argumento. Aunque el misterio sobre la bruja se mantiene  durante poco tiempo (para mi opinion menos del debido) y eso le resta valor al film. Las actuaciones son pasables (aunque algunos crítiquen ya cualquier cosa que haga Cage). No esperen, pues, un alarde en las actuaciones que prefigure algún oscar, sino una trama y una visión del pasado interesante (al menos en gran parte del metraje).

Es, pues, En tiempo de brujas, una cinta que hace honor a su título tanto en castellano como en inglés (Season of the Witch). Nos ofrece 95 minutos de aventuras ambientadas en la lejana Edad Media, en la época de las brujas y cuya protagonista es una de ellas (o al menos de eso se le acusa). Nos introduciremos en un mundo de tinieblas (no tienen porqué ser culturales!!) provocadas por una plaga, la Peste negra, que acabó con una gran parte de la población Europea y por una Iglesia que se creía la única institución terrenal capacitada para guiar a los hombres en esta vida y en la siguiente y que castigaba a todo aquel o aquella que se atrevía a desafiarla con la persecución y la muerte. Todos los ingredientes necesarios para pasar un buen rato en el patio de butacas y descubrir si, al fin, la bruja es lo que dicen que es o es todo lo contrario. O un poco de todo…

Título: En Tiempo de Brujas
Nacionalidad: USA
Director: Dominic Sena
Guión: Bragi Schut
Reparto: Nicolas Cage, Ron Perlman, Stephen Campbell Moore, Robert Sheehan, Claire Foy, Ulrich Thomsen, Stephen Graham, Christopher Lee
Fecha de estreno: 4 de febrero de 2011
Fotografía: Amir M. Mokri
Música: Atli Örvarsson
Productora: Atlas Entertainment y Relativity Media
Distribuidora: Tri Pictures
Duración: 95 minutos.

Jorge Pisa Sánchez

Estreno teatral: Rive Gauche, en la Sala Muntaner.


La Sala Muntaner estrena Rive Gauche, una historia sobre libros, librerías, amor y mujeres en la ciudad de París del periodo de entreguerras.

En la brillante y bulliciosa ciudad de Paris entre 1917 y 1940, a finales de la Gran Guerra y hasta principios de la Segunda Guerra Mundial, dos mujeres extraordinarias, una americana y una francesa, deciden fundar, delante por delante, en el número 12 y en el número 7 de la calle del Odéon, en la Rive Gauche, dos librerías: Shakespeare and Company y La Maison des Amis de Livres. Una librería inglesa y una librería francesa. Y alrededor de estas dos librerías convergieron artistas de varias nacionalidades y mujeres inconformistas que luchaban para encontrar sus referencias lejos del sistema patriarcal.

Las dos librerías no eran fruto de la competencia, sino de la más grande de las complicidades entre sus dos propietarias e instigadoras, Sylvia Beach y Adrienne Monnier. Y de este modo la calle del Odéon, flanqueada por estos dos faros, se convertía en una de las arterias principales de la vida artística de la orilla izquierda de París de los años veinte: James Joyce, Gertrude Stein, Paul Valéry, André Gide, y un largo etcétera. Desde las cómodas butacas de sus establecimientos sus propietarias promovían la lectura de los libros que ellas amaban… y sólo de los que ellas amaban. El suyo era un llamamiento vocacional y compartido. ¿Por qué no construir en este ambiente privilegiado y sofisticado una comedia, hecha de ingenio, palabras y alguna cita culta? ¿Por qué no plantar en este mundo la semilla del equívoco? El resultado ha sido Rive Gauche, un texto urdido especialmente para las actrices de la compañía Q-ars Teatre con la complicidad del director Rafel Duran.

Rive Gauche” se representa en la Sala Muntaner del 23 de febrero al 27 de marzo de 2011.

Autor: Marc Rosich
Dirección: Rafel Duran
Intérpretes: Mercè Anglès, Anna Güell y Maria Molins
Escenografía: Q-ars Teatre y Rafel Duran
Vestuario: Montse Amenós
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Espacio Sonoro: Barbara Granados
Caracterización: Toni Santos
Producción: Q-ars Teatre
Colaboraciones: Circulo de Lectores, Sala Muntaner y Maset del Lleó

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:45 horas y los domingos a las 18:30 horas.
Precio: miércoles y jueves 16 € y de viernes a domingo 18 €.
Idioma: catalán.
Duración: 90 minutos.

Última semana de representación de El último secreto de James Dean en el Teatre Tantarantana.


Última semana de representación de El último secreto de James Dean en el Teatre Tantarantana, una obra de reflexión sobre la violencia, sobre la cultura y el cine y sobre las formas de invasión vital que nos impiden ser aquello que queremos ser.

Una mujer joven vive recluida en un piso durante una larga convalecencia psíquica. La mujer, Claudia, de menos edad de lo que parece, es cuidada por una enfermera mucho mayor, María, que vive con ella y espía todos sus movimientos; su cotidianeidad se construye a partir de ritos que gracias a un tejido de pequeñas acciones impiden que Claudia caiga en la abulia de vivir. De repente, llega un hombre, y Claudia comienza a hablarle como si fuera James Dean. El hombre responde como tal y, a medida que se adentran en la gran metáfora de un Hollywood que nunca vivieron, poco a poco descubren el modo de elucubrar juntos cómo Claudia y James Dean se conocieron. A través de este juego de máscaras descubrimos quién es el hombre realmente y qué relación hay entre la obsesión de Claudia por James Dean y su trastorno de personalidad. María, quién verá amenazado el sueño de simbiosis que vive con Claudia, tratará de impedir su curación en nombre de la protección que exige su enfermedad. Pero cuando Claudia comience a recordar, ya no aceptará que Jaime ponga en boca propia palabras de James Dean.

El último secreto de James Dean es una obra sobre las formas de invasión que nos impiden ser plenamente personas: la colonización de la irrealidad sobre la realidad, de la enfermedad sobre la conciencia, de la posesión sobre el amor, y, finalmente, de una cultura, en este caso la americana, sobre otra. Y es una obra sobre el amor como freno a todas estas invasiones, sobre el amor como impulso sanador y agitador de nuestra conciencia. En este sentido, la pieza es un deshielo que narra el proceso interior de rejuvenecimiento de Claudia a partir de la desarticulación de los núcleos de dolor de su pasado. La acción, que transcurre en 1960, se ubica en la Barcelona de la posguerra, la ciudad empobrecida que necesitaba evadirse visitando el cine los domingos por la tarde para redimir su miseria con los grandes mitos del cinematógrafo. A través de esta contextualización, la tensión entre realidad y evasión adquiere dentro de la obra una dimensión social, que se convierte en un modo de reflexionar entorno al problema de dicha tensión en la jaula dorada de la sociedad de consumo.

El último secreto de James Dean” se representa en el Teatre Tantarantana del 18 de febrero al 6 de marzo de 2011.

Autor: Albert Tola
Dirección: Roberto Romei
Intérpretes: Alicia Gonzalez Laa, Lina Lambert y Joan Díez
Espacio escénico, vestuario e iluminación: Roger Orra
Construcción escenografía: Dani Poy y Claudio Rojas
Compañía: Pleamar
Producción: Centre d’Arts Escèniques de Terrassa (CAET), El Festival LOLA de Esparreguera y el Teatre Tantarantana

Horarios: Miércoles a sábado a las 21:0 horas y domingos a las 19:00 horas
Precios: miércoles y jueves 15 €; resto de días 18 €
Duración: 1 hora y 5 minutos
Idioma: castellano

Crítica cinematográfica: Rango, de Gore Verbinski.


El próximo 4 de marzo se estrenará en España Rango la nueva producción de Paramount Pictures y Nickelodeon Movies, un western en clave de comedia en el que un camaleón doméstico habrá de demostrar el héroe que lleva dentro y salvar a un lejano y sucio poblado del oeste amenazado por una fatal y enigmática escasez de agua.

Rango es una nueva aventura cómica en animación que nos permite hacer un pequeño viaje al salvaje oeste, pero no al de las personas, al de las películas, sino al de los roedores, aves, lagartos y demás anfibios. Un viaje a la otra cara del oeste.

Rango es la nueva apuesta de Paramnount Pictures y de Nickelodeon Movies para llevar al cine y a nuestras casas un nuevo héroe, el que se escode tras la capa de piel camuflada de un camaleón. Todo se origina con un accidente de coche en el cual el acuario, o mejor dicho, el hogar de Rango sale disparado por la ventana de atrás del auto. Rango tendrá que enfrentarse al viejo y desértico oeste y utilizar todas sus técnicas “interpretativas” para hacerse pasar por alguien que no es: el héroe, el sheriff, que ha de salvar al pueblo de Dirt ante su acuciante problema de sequía.

Los personajes que habitan este pueblo son de aquello más repulsivo y desagradable, entre ellos muchos de los bichos más maltrechos del oeste, aunque, como en el caso de Rango, se tendrá que ver en su interior para conocer su verdadero yo. En breve Rango iniciará una investigación para descubrir quién se está quedando con el agua del pueblo y qué es lo que se propone hacer con ella. Para ello hallará la ayuda de algunos de sus habitantes que formarán con él la más extraña partida del oeste y, como no, también la más encantadora.

Gore Verbinski y John Logan, director y guionista del filme, nos ofrecen una nueva aventura en un oeste en el que la humanidad y la sostenibilidad están de la parte de los animales. Para crear el escenario de su película se han fijado no en el género del western si no en el del espagueti western, una imagen que nos hace recordar las películas de Clint Eastwood y Sergio Leone. Dirty es un pueblo que merece ser salvado al estilo de Infierno de cobardes y Rango será su héroe al estilo Eastwood, aunque con toques mucho más naturalizados que los tan grises del primero. Incluso la banda sonora nos transporta al espagueti, con un partitura musical que Hans Zimmer ha compuesto tras la estela de Morricone, aunque con algunos toques, aunque escasos, elmerbernsteinianos, sin duda otro de los referentes musicales del género.

Rango es una buena película de animación que mezcla el western, con las aventuras, la comedia y la historia “en busca de héroe» en el que los más pequeños hallarán a un nuevo amigo, al estilo del Sheriff Woody o del Buzz Lightyear de Toy Story, los animales del zoo en Madagascar o el carismático robot de Wall-e; para los adultos quedan todos los gags, las referencias al género y todos los chistes y chanzas de la película, que son muchos!

Una muy buena oportunidad de volver a gozar con una película de dibujos animados y de dejar volar la imaginación, y de recordar como la mano destructiva del hombre y sus intereses humanos, aunque a veces ni él mismo se dé cuenta, afectan a los ambientes y espacios naturales de otras especies animales y deja a su paso un vacío de suciedad y destrucción, siempre y cuando no surja de entre la maleza del desierto algún héroe con piel verdosa y los ojos saltones y, lo que es mucho más importante, con un corazón y un valor tan grande como el de Rango.

Rango” se estrenará en España el próximo 4 de marzo de 2011.

Título: Rango
Producción: Paramount Pictures y Nickelodeon Movies
Producción: A Blind Wink y GK Films
Dirección: Gore Verbinski
Intérpretes: Johnny Depp (voz), Isla Fisher (voz), Timothy Olyphant (voz), Abigail Breslin (voz), Bill Nighy (voz), Ned Beatty (voz), Claudia Black (voz), Ray Winstone (voz), Ryan Hurst (voz), Alanna Ubach (voz)
Feature Animation: Industrial Light & Magic
Música: Hans Zimmer
Guión: John Logan y Gore Verbinski
Fotografía: Craig Wood
Distribuidora: Paramount Films de España
Nacionalidad: EE.UU.
Duración: 100 min.
Fecha de estreno: 4 de febrero de 2011

———————————————————

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: El projecte dels bojos. Una utopia musical, en el Almeria Teatre.


Hasta el próximo 13 de marzo el Almeria teatre mantiene en cartelera El projecte dels bojos. Una utopia musical, un espectáculo de pequeño formato que nos habla de las personas “normales” y cotidianas, de sus sueños y de los objetivos que les permiten hacer real su utopía de la felicidad.

Un espectáculo musical de “pequeño formato” que nos habla de la vida misma, de los sueños y de aquello que nos mueve y nos anima para afrontar el presente y el futuro sin morir en el intento. El projecte dels bojos. Una utopia musical no nos presenta a grandes personajes, ni grandes escenarios ni reconocidos temas exitosos del pasado. La obra representa la vida, tan sencillo como eso y a veces, tan complicado.

El projecte dels bojos. Una utopia musical nos explica la historia del El Voilà!, un local, un bar de barrio amenazado de cierre a causa de la construcción de una ciudad de ocio, un resort urbano que quiere transformar toda la zona y adaptarla a los nuevos tiempos, donde el consumo y el placer (y normalmente el dinero) se imponen sobre todo lo demás. Ante tal infortunio el propietario y algunos de sus clientes más habituales deciden crear un cabaret, un diario teatral para salvar El Voilà! El punto en común de esta nueva empresa será la locura, o lo que es lo mismo, la utopía. Cada uno de los componentes de la compañía pondrá algo de él mismo en el cabaret, sumará una parte de su locura para intentar cambiar el mundo, su mundo, y por ello sufrirán una transformación y ya nada más podrá volver a ser lo mismo.

El projecte dels bojos es una de aquellas obras que te obliga a pensar y no sobre grandes cosas y grandes conceptos, sino sobre la existencia de cada uno de nosotros y de cómo invertimos el tiempo que nos ha sido concedido. Es un símbolo de la vida que llevamos cada uno de nosotros y de la lucha desesperada que nos vemos obligados a realizar cada día para ser quien somos y no dejarnos arrastrar por la realidad, cada vez más cruda y materialista. Los personajes del musical, el propietario de El Voilà! y sus clientes podríamos ser, perfectamente, nosotros mismos. Cada uno ha huido o huye de su realidad refugiándose en un local que parece que esté fuera del tiempo y de la existencia. Allí nada ha cambiado desde hace mucho tiempo e incluso el polvo de la historia está presente, como testimonio. Un refugio amenazado, como tantos otros que existen en la realidad, y que han de dejar paso a los nuevos tiempos y a las nuevas realidades. Esta situación hará reaccionar a los locos cuerdos y les llevará a crear un espectáculo dentro del espectáculo, en el que la locura, la razón, los deseos, los objetivos vitales de todos ellos se materializarán a través del esfuerzo teatral, de la puesta en escena de sus vidas a través del teatro.

El projecte dels bojos es un proyecto cuidado y atrevido, digno de La Barni Teatre, que ya nos dejó con un excelente sabor de boca con Ojos verdes, Miguel de Molina in memoriam. Aunque no tan redondo como este último. La idea que mueve el espectáculo es brillante y permite a la obra acercarse a los corazones de todo el público, llegar a aquel trocito de nuestra alma al que solo se llega muy de vez en cuando. Aunque su plasmación teatral desfallece en algunos aspectos. La trama es, a veces, algo confusa, ya que existen dos líneas (o filums) temporales que se alternan sobre el escenario. Solo llegando al final sabremos el porqué de esta dualidad y cerraremos el círculo simbólico y emotivo de la obra. La duración de la misma es, también, algo excesiva, sobre todo si tenemos en cuenta que la primera parte del espectáculo es algo “lenta” argumentalmente y no siempre permite la ubicación dentro de la trama.

Aún así, y siguiendo la frescura y la brillantez de ideas de su producción anterior, las soluciones dramáticas, coreográficas y argumentales son excelentes. La Barni Teatre sabe lo que se hace en lo que se refiere a espectáculos musicales. La dualidad de la trama representada en el dualismo del vestuario y el toque periodístico del mismo, la transformación, a veces un poco brusca, entre la realidad y los ensayos, y sobre todo la historia mostrada hacen de El projecte del bojos una oportunidad única de conocer y disfrutar de una obra y de una compañía que sabe crear en el ámbito del musical.

Lo mejor, sin duda, de la obra es la evolución existencial que notaremos en los protagonistas. Asistiremos a una transformación (como si estuviéramos delante de una crisálida) real que afectará a los espíritus de los protagonistas: Un propietario cascarrabias y “pervertido”; un viajero “orientalizado” y sin raíces; una funcionaria amargada por su jefe y por su familia que vive pegada a los móviles; una chica del videoclub amante del cine y que ve ángeles y un hombre de teatro que hace de conejo en un parque infantil. Todos ellos encontrarán su realidad juntos en su cruzada para salvar El Voilà! Y también, aunque ellos no lo saben, para salvar sus vidas. Todo ello acompañado de la música, de las canciones y de la coreografía (y de una pequeña orquesta de músicos) que consiguen crear un clima muy especial tanto encima del escenario como en el patio de butacas. A esto se ha de sumar una escenografía sencilla pero trabajada (aunque en un escenario central algo pequeño) que nos transporta a una realidad irreal, estancada en el tiempo y fuera de la materialidad.

El projecte dels bojos es, pues, un espectáculo que se ha de gozar, uno de aquellos musicales que nos permite disfrutar desde la butaca y nos permite darnos cuenta de que no hace falta un escenario enorme con decorados magistrales y con una magistral, también, inversión en los medios de comunicación para crear un espectáculo musical, y lo que es más importante, una obra teatral que nos permite viajar, hacer una exploración de nosotros mismos y recordar qué es aquello que nos hace mirar el futuro sin sentirnos vencidos ante él, y luchar cada día para que nuestra realidad, o nuestra locura, se imponga a la esquizofrenia cotidiana de un mundo malsano y condenado, perdón, de un mundo real, cuerdo y sensato.

El projecte dels bojos” se representa en el Almeria Teatre del 29 de enero al 13 de marzo de 2011.

Idea y dirección: Marc Vilavella
Dirección: Marc Vilavella
Texto y letras: Laia Martí
Música: Marc Sambola
Aportaciones a la dramaturgia: Xavi Casan, Quim Dalmau, Míriam Escurriola, Gracia Fernández, Marc Pociello y Jordi Silva
Intérpretes: Mariona Castillo, Òscar Mas, Carme Sánchez, Jordi Sanosa y Marc Vilavella
Músicos: Gemma Torralbo, Núria Galvañ, Marc Sambola, Oriol Roca y Lluis Canet
Escenografía: Carles Cardelús
Vestuario: Geraldine Zambelli
Diseño de luces: Sergi Cervera
Compañía: La Barni Teatre

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y los domingos a las 17:00 horas.
Precio: martes y miércoles (días del espectador) 18 €; de jueves a domingo y festivos 22 €.
Idioma: catalán y castellano.
Duración: 2 horas y media (descanso de 10 minutos).

—————————————————————————

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno de la semana: Cisne negro, de Darren Aronofsky.


El pasado 18 de febrero se estrenó en las salas españolas el film Cisne Negro, un drama artístico y profesional en torno al mundo de la danza.

Cisne Negro narra la historia de Nina (Natalie Portman), una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada, «El lago de los cisnes«, Nina es su primera elección.

Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily (Mila Kunis), que también ha impresionado gratamente a Leroy. «El lago de los cisnes» requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

Título: Cisne Negro
Director: Darren Aronofsky
Intérpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Benjamin Millepied, Janet Montgomery y Kristina Anapau
Guionista: Mark Heyman
Fotografía: Matthew Libatique
Música: Clint Mansell
Nacionalidad: EE.UU
Duración: 108 min.
Fecha de estreno: 18 de febrero de 2011
Productora: Fox Searchlight Pictures, Phoenix Pictures
Distribuidora: Hispano Fox Films
Calificación: No recomendada menores de 12 años
Género: Drama

Crítica literaria: El asombroso viaje de Pomponio Flato, de Eduardo Mendoza.


Aunque no sea una novedad literaria, pues la última obra que ha salido al mercado de Eduardo Mendoza es Riña de gatos. Madrid, 1936, siempre es agradable leer y reseñar una novela de este autor. Y más si cabe si está ambientada en la Antigüedad Clásica y presentada con una trama de novela negra, como es el caso de El asombroso viaje de Pomponio Flato, publicada por la editorial Seix Barral en el año 2008.

Mendoza se ha dejado ir esta vez y nos presenta una pequeña y divertida aventura detectivesca. La historia se sitúa en el Oriente romano, más concretamente en la provincia de Judea, por allá en el cambio de era, donde llega Pomponio Flato, hombre perteneciente al orden ecuestre, persiguiendo el conocimiento o lo que es lo mismo, una fuente de agua natural que se dice que otorga el saber a aquel que de ella bebe. Pues bien, sus ansias de alcanzar tal estado le lleva a beber agua de una extraña corriente que lo único que le provocará serán diarrea y una potente y obstinada flatulencia. En este estado y ayudado por viajeros, comerciantes y soldados romanos Flato llegará a Nazaret donde conocerá a Jesús, hijo de José y María (para el que no los sepa, el futuro Jesucristo). El joven Jesús solicitará ayuda a Pomponio como investigador ya que su padre ha sido acusado de la muerte de Epulón, un rico prohombre de la localidad, de cuyo asesinato es muy posible que no sea el hacedor. Flato aplicará todas sus artes y mañas en la resolución del caso para defender al pobre José y a su familia, llamados a jugar un papel imprescindible en la historia de la humanidad (aunque ésto él no lo sepa).

Mendoza ha decidido jugar y divertirse con la redacción de El asombroso viaje de Pomponio Flato, una aventura que se podría clasificar para todos los públicos. La novela breve (tan solo 192 páginas) nos descubre un aspecto de la historia sagrada desde un punto de vista un poco más pícaro y desentendido que el presente en la Biblia. Mendoza nos presenta brevemente a los protagonistas de su novela y da inicio a la investigación criminal ipso facto. Y la mayoría de los personajes y/o culpables son, en algunos casos, más que conocidos: Como ya sabemos Jesús y su familia, el sumo sacerdote de la población, la familia de Epulón, el tribuno Apio Pulcro, encargado de mantener la paz en la región, un mendigo llamado Lázaro (del cual no sabremos si guarda algún parentesco con el Lázaro resucitado de la Biblia)…

La novela está plagada de pequeños y grandes chistes como la actitud y personalidad del joven Jesús, las referencias a su nacimiento en Belén y la desaparición de la familia de Nazaret durante varios años, las comentarios sobre la “verdadera paternidad” de Jesús, la personalidad de los personajes romanos, entre ellos el interesado Apio Claudio y Quadrato el soldado simplón portador del estandarte, y sobre todo, las artes o “malas artes” de Pomponio a la hora de investigar el asesinato de Epulón.

Mendoza nos brinda una visión socarrona y desmitificada no tan solo de la historia sagrada sino también de la historia misma. En El asombroso viaje de Pomponio Flato no veremos las figuras estáticas y extáticas de las que nos habla la Biblia. Tampoco encontraremos héroes entre los romanos o grandes personalidades políticas sino más bien a personas realistas, es decir, más reales que los protagonistas de las grandes epopeyas a las que estamos acostumbrados tanto en la pantalla de cine como en las páginas de muchas otras novelas. Podríamos decir que El asombroso viaje de Pomponio Flato nos acerca más a la vida cotidiana de las personas normales que vivieron en época romana en la región de Judea, si es que a Jesús lo podemos considerar una persona “normal”.

Además la historia se desarrolla con una trama de novela negra en la que tendremos que averiguar quien es el asesino de Epulón. Avanzaremos, pues, en la investigación de la mano de Pomponio y de Jesús a través de un sinfín de aventuras, mentiras, despropósitos y meteduras de pata hasta llegar al desenlace de la obra, la cual, como si fuera una de las historias de Agatha Christie, se resolverá tras la reunión de todos los posibles culpables. Es aquí, sin embargo, donde la trama se muestra más fallida ya que la resolución final parece más un relato de fantasía que el perteneciente a un relato de “investigación criminal histórica”. Es, pues, aquí donde se ven las ganas de jugar de Mendoza.

El asombroso viaje de Pomponio Flato es pues un divertimento donde asistiremos a un importante episodio de la historia, aunque solo sea a sus prolegómenos, y donde seguiremos a un detective “amateur” en su investigación criminal. Y todo esto lo haremos de una forma divertida y entretenida, acercándonos un poco más a los personajes del día a día que, aunque pocas veces son los protagonistas de los films y de las novelas, poblaron también los retablos de la historia, ya sea civil o religiosa.

Título: El asombroso viaje de Pomponio Flato
Autor: Eduardo Mendoza
Editorial: Seix Barral
Nº páginas: 192 págs.
Encuadernación: Tapa blanda
Fecha de publicación: marzo de 2008
Precio: 16,50 €

Web editorial: http://www.planetadelibros.com/el-asombroso-viaje-de-pomponio-flato-libro-13277.html

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Un Blog sobre la literatura, el teatro, el cine, la televisión, la historia…

Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado