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Crítica teatro: Immunitat, en La Villarroel

Como no podría ser de otra forma ya que forma parte de su ADN, el teatro se atreve, con Immunitat, a analizar las experiencias que todos y todas hemos vivido durante estos dos últimos años afectados por la pandemia, resultando un ejercicio de crítica y provocación escrito y dirigido por Jordi Casanovas e interpretado por Òscar Muñoz, Mercè Pons, Javier Beltrán, Vicenta Ndongo, Ann Perelló  y Borja Espinosa.

“Seis personas son convocadas para participar en un muestreo demográfico.  Se busca mejorar la gestión política en el caso de la llegada de futuras crisis. Estas personas son reunidas en una sala, les han asignado una cifra y les han dado una cajita con dos pulsadores: uno verde y otro rojo. La inteligencia artificial les preguntará cómo quieren actuar en cada uno de los casos que se les plantee y estas personas deberán votar si están a favor o si están en contra. Aparentemente muy sencillo. Aparentemente muy fácil de resolver. Pero hay un problema. Todas las decisiones se deberán tomar por unanimidad. Todos han de votar lo mismo”.

Casanovas nos vuelve a poner en situación con un tipo de obra que le gusta especialmente, en la que la tensión entre los protagonistas irá creciendo a medida que la representación progresa. Y es que la pandemia y su gestión han generado conflictos entre instituciones y personas y entre los ciudadanos mismos, elemento este que nutre la dramaturgia de la obra.

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Seis personas desconocidas (en verdad seis números) que participan en un muestreo demográfico, en el que una inteligencia artificial les va a hacer una serie de preguntas mientras los participantes estarán encerrados en una habitación sin poder salir de ella. De lo insólito de algunas de las preguntas y de la interacción entre los diversos personajes se irá generando una tensión creciente.

La obra analiza muy apropiadamente y con un estilo de thriller o intriga cómo vivimos todos y cada uno de nosotros esos días, aún no tan lejanos, de confinamientos, restricciones, sacrificios y muerte. ¿Cómo nos comportamos durante los días más duros de la pandemia? ¿Fuimos conscientes del sacrificio de los demás? ¿Seguimos las normas dictadas por las autoridades? ¿Cómo gestionaron la crisis nuestros y nuestras políticas? ¿Y las autoridades médicas? Y si me apuráis, ¿Qué es la democracia o qué uso hacemos de ella?

Todo esto irá generando un in crescendo de tensión entre los personajes que irá llevando a la obra por unos derroteros cada vez más insoportables, lo que nos permitirá finalmente descubrir quienes son los participantes del experimentos demoscópico y por qué están allí.

Casanovas acierta de nuevo con una propuesta que suma intriga, dramatismo y responsabilidad social y que nos permite reflexionar sobre la pandemia, su gestión y en cómo nos comportamos nosotros mismos durante la crisis epidémica provocada por la Covid-19. El texto de Casanovas es sólido y directo y crea una serie de situaciones incómodas a veces pero creíbles y que rozarán, estoy seguro, la sensibilidad de los y las espectadoras asistentes.

La propuesta también acierta en el casting de actores y actrices. Todos y todas tienen su momento, sobre todo cuando cada uno de ellos y ellas irán descubriendo sus identidades, componiendo una actuación coral a veces muy tensa, en un espacio escénico, esto es, la sala en la que se reúnen los participantes en la consulta, que nos traslada a un género de ciencia ficción.

Por todo ello, hemos de felicitar a Casanovas y a La Villarroel por atreverse a plantear una propuesta actual, provocativa y polémica por lo a flor de piel de las reflexiones y los hechos que trata la obra, que han marcado y marcarán, sin duda, la vida de todos y de todas.

«immunitat» se representa en La Villarroel del 2 de julio al 7 de agosto de 2022.

Autoría y dirección: Jordi Casanovas
Reparto: Òscar Muñoz, Mercè Pons, Javier Beltrán, Vicenta Ndongo, Ann Perelló , Borja Espinosa, Carla Tovias
Escenografía: Albert Pascual, Carles Piera
Iluminación: Sylvia Kuchinov 
Sonido: Enric Viñeta
Caracterización: Anna Rosillo
Vestuario: Albert Pascual, Goretti
Producción: La Villarroel Produccions y Grec 2022 – Festival de Barcelona

Horario y precios: Web La Villarroel
Duración: 90 minutos
Idioma: Catalán
HOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Minerva, en el Festival internacional de teatro clásico de Mérida

Este año el 68 Festival internacional de teatro clásico de Mérida ha llegado con una aguda visión de género. A la muchacha en busca de nombre de El Misántropo, se le suma, a partir del 20 de julio Minerva, obra escrita por Assumpta Serna y Scott Cleverdon e interpretada por ella misma, Fermín Núñez, Francesc Albiol, Sara Jiménez y Vero Parreño.

«Minerva es la historia de una familia de clase alta en una de las épocas más turbulentas y apasionantes de la historia romana. El siglo I d.C. La figura central es Minerva, una mujer de espíritu indomable y profunda perspicacia, que es fiel a su nombre de la Diosa de la sabiduría».

Nos enfrentamos, pues, a una saga familiar en la que Minerva (Assumpta Serna) es su soporte principal. Una dama romana que aunque con una infancia vivida con tintes trágicos, ha sabido crear una familia junto al arquitecto imperial Celer (Francesc Albiol), encontrando, además, su sitio en una sociedad profundamente tradicional y machista. Aunque los problemas harán pronto acto de presencia.

Como os comentaba, Minerva es un alegato, algo anacrónico históricamente hablando, al empoderamiento femenino en época romana. La representación nos muestra la vida de una familia romana de clase alta y los sinsabores y problemas a los que se ha enfrentar: lo inestable de la vida política del momento; las ansias de libertad de la joven Gaia (Sara Jiménez); las consecuencias del trabajo obsesivo del pater familias Celer; la persecución de los cristianos… De esta forma la propuesta nos traslada a una Roma más cotidiana, en la que seremos testigos de los aciertos y los errores de los miembros de la familia en una época política y socialmente complicada.

Por desgracia el ritmo de la obra no es el más adecuado para una propuesta de una duración de 2 horas, en las que la intensidad decae en algunos momentos y, a veces, la trabazón entre unas escenas y otras se hace embrollada. La dirección no ha sabido engarzar los diversos elementos de la propuesta para hacerla más convincente tanto en su desarrollo como en su contexto. Si bien ha trasladado al texto realidades muy actuales como el feminimo, el aborto, la eutanasia

Merecen, eso sí, destacarse dos elementos. La obra hace referencias constantes a Hispania, aunque la acción está ambientada en la ciudad de Roma, y a través de la historia de Gaia, joven escritora, al teatro de Mérida con, incluso, toques de veracidad histórica al hacer referencia a las molestias que la actividad del cercano anfiteatro podía provocar al desarrollo de la representación teatral. Asimismo, la escena del emperador Domiciano y la «prueba de la cicuta» destaca por su crueldad y por la negativa imagen del emperador (para variar), si bien reflexiona sobre la soledad y la inclemencia del poder, en este caso el poder absoluto.

Las interpretaciones, en general, están al nivel esperado, destacado entre ellas las de la propia Assumpta Serna, que destaca por su delicadeza y la de Fermín Núñez que interpreta a Polux, el amigo y protector de la familia.

No podemos acabar la crítica de la obra sin hacer referencia al contexto arqueológico de la representación. Y es que el teatro romano de Mérida es un lujo en relación a la historia, no por otra hace dos mil años ya se representaban obras de teatro en él, como a nivel estético, aunque la comodidad de sus asientos, sea dicho, no es la ideal. Si bien todo se perdona para con un festival que reivindica lo moderno de lo antiguo, y el teatro como una forma de reflexión histórica, social y muy, pero que muy, actual.

«Minerva» se representa en el Festival internacional de teatro clásico de Mérida del 20 al 24 de julio de 2022.

Autores: Assumpta Serna y Scott Cleverdon
Productor: Fermín Núñez
Director: Scott Cleverdon
Reparto: Assumpta Serna, Fermín Núñez, Francesc Albiol, Sara Jiménez, Vero Parreño, Francis J. Quirós, Juan Carlos Castillejo, Carlos Ceña, Arturo Núñez, Robert Giordano, Carmen Adsuara
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Samarkanda Teatro

Horarios y precios: Web del Festival
Duración: 2 horas
Idioma: castellano

Crítica teatro: El burlador de Sevilla (Festival Grec)

El Festival Grec comenzó su singladura teatral y cultural el pasado miércoles 29 de junio y nos acompañará en estas calurosas jornadas estivales hasta el domingo 31 de julio. Y la primera obra que reseñamos de esta edición es El burlador de Sevilla, obra en la que Xavier Albertí ha dirigido a la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Es esta una propuesta que se propone actualizar el texto de Tirso de Molina que creó uno de los mitos literarios españoles más universales, el Don Juan Tenorio. Un delicado texto que juega deliciosamente con el idioma y con la rima y que es un deleite para los oídos, una joya literaria en sí misma, aunque difícil de adaptar a los tiempos actuales.

Pero a la propuesta de Albertí le falla algo. No sé si es el ritmo, si es la declamación, la interpretación en sí misma, o lo pretérito que pueden parecer los personajes y los roles de la obra, sobre todo el de Don Juan Tenorio, muy alejado de lo políticamente correcto en la actualidad.

Puede también que sea un poco la suma de todo ello, pero a la propuesta escénica le falta el gancho que atraiga o mantenga la constante atención del espectador durante la representación de la obra. A ello no ayuda la interpretación del actor principal, Mikel Arostegui, que resulta poco convincente y que lastra el esfuerzo interpretativo del resto de la compañía, a la que Albertí no ha conseguido insuflar del todo el ánima necesaria. Pocos momentos resultan, así, intensos, a excepción del monólogo interpretado por las mujeres afectadas por la flema sexual de un Don Juan Tenorio inexpresivo e insensible ante las consecuencias de sus actos.

La escenografía tampoco ayuda a la comprensión de la adaptación, presidiendo en medio del escenario una gran estructura rectangular que hace las veces de mesa, tálamo, sepultura e, incluso, de rostra para las recriminaciones femeninas, pero que no ayuda a la representación.

Albertí ha intentado dar una nueva forma algo más moderna, que no mucho, a un clásico del Siglo de Oro, pero, por desgracia no parece haber alcanzado el acierto de su intento anterior con la versión de El gran mercado del mundo de Calderón de la Barca, estrenada en el TNC en el año 2019.

Aún así, El burlador de Sevilla nos permite deleitarnos del fino uso de la lengua que Tirso de Molina fraguó en sus obras, que representa un valor quasi-arqueológico literaria y teatralmente y que vale la pena disfrutar por su excelencia y por la fina ironía que acompaña a las palabras tejidas por el autor.

Y respecto al personaje, que más decir, ya que las gestas amorosas de Don Juan Tenorio se precipitan, en la actualidad, hacia el abismo del comportamiento machista y tóxico, algo que desnaturaliza la recepción de la obra y nos hace pensar en cómo ha cambiado nuestra sociedad al respecto… aunque Gira, il mondo gira…

«El burlador de Sevilla» se representa en el Teatre Grec del 3 al 4 de julio de 2022.

Versión y dirección: Xavier Albertí
Dramaturgia: Albert Arribas
Interpretación: Jonás Alonso, Miguel Ángel Amor, Cristina Arias, Mikel Arostegui Tolivar, Rafa Castejón, Antonio Comas, Alba Enríquez, Lara Grube, Álvaro de Juan, Arturo Querejeta, Isabel Rodes, David Soto Giganto, Jorge Varandela
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo
Vestuario: Marian García Milla
Espacio sonoro: Mariano García

NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Company, en el teatro Apolo

Un musical de Broadway siempre es un musical de Broadway, y cuando uno de sus artífices es Stephen Sondheim, lo es aún más. Y por suerte el pasado mes de mayo Company llegó al teatro Apolo de Barcelona de la mano del Soho CaixaBank de Antonio Banderas.

«¿Es mejor vivir soltero o en compañía? Esta es la pregunta que se hace Bobby el día de su cumpleaños, mientras sus mejores amigos le preparan una fiesta sorpresa que no lo es tanto. Bobby siempre ha sido un soltero de oro y no le faltan oportunidades para casarse, pero hasta ahora no se ha atrevido a dar el paso definitivo. ¿Acaso es demasiado tarde? ¿Existe un tiempo límite para encontrar la felicidad? A lo largo de una serie de encuentros cómicos y melancólicos con las parejas que le rodean en su ámbito más cercano y con las tres mujeres con las que suele salir, Bobby reflexionará sobre los pros y los contras de asentar una relación».

Company es un musical completo en el que no falta de nada. La música de Sondheim, el libreto de George Furth y el protagonismo, sí también, de la ciudad de Nueva York y sus residentes. Así, la obra se centra en la reflexión de Bobby que ha cumplido los 35 años, un logro que le hará replantearse que ha hecho con su vida: soltero y sin una relación estable cuando la mayoría de sus amigos, si no todos, tiene pareja y han creado familias más o menos funcionales. Así, pues, Bobby iniciará una introspección vital en la que las relaciones que ha establecido a lo largo de la vida estarán muy presentes: parejas rotas, parejas bien avenidas, parejas en la que la necesidad pesa más que el amor… De esta forma, Company analiza la vida amorosa de los neoyorkinos de la década de los 70, evidenciado como la realidad de la pareja había evolucionado en esa época.

Banderas, el director del espectáculo, vuelve a acertar con la versión de la obra, en una representación muy coral en las que las interpretaciones, las voces, y la dirección musical están muy afinadas. El malagueño sabe muy bien que es lo que quiere hacer y como lo debe de hacer, a la hora de decidir que proyectos dirige y al materializarlos sobre el escenario. El reparto es amplio, en el que cada uno de los actores y de las actrices han sido apropiadamente escogidos para la ocasión. Entre ellos destaca Roger Berruezo que interpreta a Bobby y sus vicisitudes vitales. Pero en esta ocasión su protagonismo queda relegado por la actuación del resto del reparto, que da el do de pecho en sus actuaciones, con una orquesta también bien afinada.

El escenario nos muestra una azotea de la Gran Manzana que como arte de magia se puede transformar en cualquier otro espacio de toque neoyorquino, y que se adapta para ello a la perfección.

La única pega es, tal vez, su larga duración, 180 minutos, si bien la magia musical sondhemiana convierte el escenario en un caleidoscopio de luz, de música y de color que nos permite disfrutar de Nueva York y de sus criaturas y de las extrañas relaciones que establecen los unos con los otros. Una nueva oportunidad para comprobar la estrella de Banderas y para disfrutar con un musical a lo grande, que nos hará disfrutar también a lo grande.

«Company» se representa en el teatre Apolo del 2 de mayo al 12 de junio de 2022.

Autores: Stephen Sondheim, George Furth
Libreto: George Furth
Dirección: Antonio Banderas
Reparto: María Adamuz, Carmen Barrantes, Roger Berruezo, Albert Bolea, Lorena Calero, Lydia Fairén,Robert González, Dulcinea Juárez, Silvia Luchetti, Anna Moliner, Julia Möller, Paco Morales, Marta Ribera, Carlos Seguí, Rubén Yuste, Nando González, Beatriz Mur, Mariola Peña, Ángel Saavedra
Traducción: Roser Batalla
Adaptación: Ignacio García May
Dirección musical: Arturo Díez-Boscovich
Escenografía: Alejandro Andújar, Alejandra González
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo, Carlos Torrijos
Sonido: Roc Mateu
Caracterización: Sandra Lara
Vestuario: Antonio Belart, Maria Maraver
Coreografía: Borja Rueda
Producción: Teatro del Soho CaixaBank

Horarios y precios: Web Teatre Apolo
Duración: 170 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5

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Jorge Pisa

Crítica teatro: Ser o no ser, en el teatro La Latina

El pasado 17 de marzo el teatro La Latina estrenó Ser o no ser, una comedia que trata sobre el nazismo y en la que Hitler es uno de sus personajes. Una obra, por cierto, creada para el cine por Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer en el año 1942 y versionada en el año 1983 por Mel Brooks, algo que ya de por sí nos puede dar una idea del tipo de obra a la que nos referimos.

«Varsovia, agosto de 1939. La Compañía teatral del matrimonio Tura se instala en un teatro para ensayar ¡Gestapo!, un obra que satiriza la amenaza mundial que suponen Hitler y el nazismo. A la vez, representan Hamlet, cuyo verso “ser o no ser” será la clave de un affaire extraconyugal. Pero los problemas se les multiplicarán tras la invasión alemana de Polonia. Los actores de la Compañía tendrán que ingeniar una doble trama teatral, de guardarropía y suplantación, para desactivar la entrega de un documento a las autoridades nazis que puede acabar con la Resistencia y para huir de Polonia a Inglaterra».

Echanove se atreve con una comedia en la que el auge del nazismo y los inicios de la Segunda Guerra Mundial están muy presentes y en donde los equívocos y las situaciones comprometidas son la clave de la trama. De esta forma veremos como lo grave de la situación política y militar de Europa a finales de los años 30 del siglo pasado se entremezcla con la actividad de la resistencia polaca y con los líos de faldas propios de la compañía de teatro Tura, un mix este que, evidentemente, generará la comicidad de la propuesta.

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Ser o no ser se basa, así, en el humor dentro de lo trágico, de una compañía de teatro que intenta sobrevivir en una situación muy complicada, con la intención de abandonar lo antes posible el país. El humor, así, está servido, y la comedia no dejará de ser un in crescendo de acciones y reacciones que pondrán constantemente en peligro a todos los miembros de la compañía.

Hasta aquí, la trama, todo está bien. La contrariedad comienza con el reparto. No vamos a poner en duda el saber hacer de Echanove, que da vida a Joseph Tura, el personaje principal de la representación, pero la vis cómica del actor no es, seguramente, la más adecuda para una comedia de enredos de este tipo. Este hecho provoca que la propuesta quede tocada. A lo que se suma una adaptación y una escenografía que dificultan al espectador seguir la acción, sobre todo en la consumación final de la trama. El resultado, así, queda afectado escénicamente, aunque en parte es compensado por la pericia y el buen hacer del resto de la compañía, que consigue elevar, ahora sí, el tono humorístico de la obra.

Ser o no ser es una propuesta que gustará, no lo dudo, pero que no acaba de explotar todas las posibilidades de una comedia que tanto Lubitsch como Brooks consiguieron plasmar en todas sus posibilidades. Y es también una oportunidad para confirmar que el humor puede con todo, incluso al adentrarse en una época y en un contexto, el del nazismo, y salirse airoso del intento.

«Ser o no ser» se representa en el teatro La Latina de Madrid desde el 17 de marzo de 2022.

Autoría: Ernst Lubitsch y Edwin Justus Mayer
Director: Juan Echanove
Adaptación: Bernardo Sánchez
Reparto: Juan Echanove, Lucía Quintana, Ángel Burgos, Gabriel Garbisu, David Pinilla, Eugenio Villota, Nicolás Illoro
Diseño de escena y vestuario: Ana Garay
Diseño de iluminación: Carlos Torrijos
Técnico de sonido y video: Natalia Moreno
Vestuario: Peris Costumes
Maquillaje y peluquería: Chema Noci
Música: Jose Recacha

Horarios: Miércoles a viernes a las 20:00h; Sábados a las 18:00h y 21:00h y Domingos y festivos a las 19:00h
Precios:
Platea: de 24,00€ a 28,00€
Club: de 20,00€ a 24,00€
Anfiteatro: de 17,00€ a 20,00€
Precios reducidos los miércoles

Duración: 100 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica teatro: A Chorus Line, en el teatro Tívoli

Regresa al Tívoli de Barcelona A Chorus Line, el musical creado por James Kirkwood y Nicholas Dante con música de Marvin Hamlisch y dirigido, en esta ocasión, por Antonio Banderas, que nos muestra los entresijos del mundo del espectáculo.

A Chorus Line es uno de aquellos grandes musicales que han cosechado un gran éxito desde el día de su estreno en el año 1975. Un musical made in Broadway que habla del espectáculo, y más concretamente de las vidas de los que se dedican al teatro, de los que forman la línea del coro.

Una propuesta, la de Banderas, esplendida desde cualquier punto de vista. Hacía tiempo que no veía un espectáculo tan completo como A Chorus Line. El musical tiene todo lo que ha que tener un buen musical. No hace falta que hable de la trama: un grupo de aspirantes a coristas en medio de una audición en un teatro de Broadway. El director quiere tomar la mejor de las decisiones, quiere conocer a las personas y las vidas que hay detrás de cada uno de ellos y de ellas. De esta forma conoceremos las experiencias y los dramas vitales que han llevado a los aspirantes hasta el teatro.

La representación nos sitúa de pleno en la prueba de selección, donde Zach (en esta ocasión Manuel Bandera), el director, se esfuerza por hacer el mejor casting entre los aspirantes, de ahí que los ensayos sean agotadores y que Bandera entre y salga de escena constantemente.

Así, pues, A Chorus Line nos permite enfocar el interés del público en la realidad y los sueños, a veces truncados, que hay detrás de las grandes producciones teatrales, y que normalmente quedan ocultos tras las bambalinas.

Para ello la producción de la obra, Soho CaixaBank, ha llevado a cabo un casting minucioso, ya que los actores de la versión española del musical no solo han de bailar y cantar bien, sino que han de interpretar bien. Y el resultado no es otro que magnífico. El elenco, demasiado amplio para ser citado aquí, canta, baila e interpreta a la perfección, sin que haya ningún momento en que se pierda la intensidad, haciendo evidente a los espectadores los dramas, los sacrificios y, también, los éxitos que dan vida a las chicas y los chicos del coro.

Banderas, además, ha afinado la dirección ya que siendo la obra coral, cualquier desequilibrio afecta al global de la representación. Y lo ha conseguido con creces. En A Chorus Line todo está muy bien afinado: la interpretación de los actores y actrices, el ritmo de la obra y la escenografía y los juegos de luces que, aunque minimalistas, envuelven y refuerzan a la perfección las historias que nos son narradas. Por lo que respecta a la música, la orquesta dirigida por Pau Baiges suena maravillosamente bien.

Como les digo todo luce perfecto. Los número musicales, la interpretación de los actores y actrices, que conectan, seguro, con las vivencias del público, y como no la apoteosis final, en la que la línea del coro interpreta a la perfección One, el tema final, el que conocemos todos, y que ha ido sonando en un in crescendo a lo largo de la representación.

Como os podéis imaginar, no me queda nada más que quitarme el sombrero, de nuevo, ante una esplendida propuesta de espectáculo musical. No os la podéis perder, si queréis disfrutar de verdad del teatro (musical) bien hecho y si, además, queréis conocer y os queréis conmover con las vidas de los chicos y chicas de la línea del coro.

«A Chorus Line» se representa en el teatro Tívoli del 22 de abril al 29 de mayo de 2021.

Concepción, dirección y coreografía originales: Michael Bennett
Reposición de la dirección y coreografía originales: Baayork Lee
Libreto: James Kirkwood y Nicholas Dante
Música: Marvin Hamlisch
Dirección: Antonio Banderas
Reparto: Manuel Bandera, Angie Alcázar, Miguel Ángel Belotto, Lucía Castro, Alex Chavarri, Aaron Cobos, Anna Coll, Daniel Délyon, Sonia Dorado, Roberto Facchin, Víctor González, Bealia Guerra, Pep Guillem, Cassandra Hlong, Fran Moreno, Estibalitz Ruiz, Lorena Santiago, Sarah Schielke, Javier Cid, Diana Girbau, Daniel Garod, Ariel Juin, Juan José Marco, Graciela Monterde, Aida Sánchez, Tomy Álvarez, Flor Lopardo, Joan López-Santos, Marcela Nava, Mario Rios, Irene Rubio
Dirección musical: Pau Baiges
Escenografía: Robin Wagner
Iluminación: Tharon Musser y Carlos Torrijos
Sonido: Javier G. Isequilla y Francisco Manuel Rubio López
Caracterización: Sandra Lara
Vestuario: Theoni V. Aldrege
Producción: Teatro del Soho CaixaBank

Horarios y precios: Web Grup Balañà
Duración: 130 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El cuidador, en el Teatro Bellas Artes de Madrid

Aunque ya lo hemos escrito en alguna ocasión, vale la pena repetirlo: Un Pinter siempre vale la pena. Y la ocasión se presenta en el Teatro Bellas Artes de Madrid, con el estreno el pasado 16 de marzo de El cuidador, clásico escrito por Pinter en el año 1960.

«El cuidador hace referencia de una manera ambigua tanto a la posibilidad de cuidar a otra persona como a la de cuidar un piso. Los tres personajes de la obra intentarán cuidarse y cuidar la propiedad de una manera que vista desde afuera parece un desastre propio de una comedia clásica en blanco y negro dentro de una película de intriga y suspense».

De nuevo Pinter más que una trama nos presenta una situación en la que analiza la esencia del ser humano y lo absurdo, a veces, de su existencia. Tres personajes, uno mayor y los otros dos más jóvenes, coinciden en un apartamento. A partir de aquí iremos descubriendo la historia de cada uno de ellos y los claro-oscuros que han marcado y marcan sus respectivas vidas: un anciano que malvive con trabajos en precario aunque con ínfulas de grandeza; un joven que le acoge en su apartamento con un historial de tratamientos psicológico que le han dejado secuelas y su hermano, una persona mucho más activa aunque incapaz de tomar decisiones y llevarlas a cabo.

De esta forma el autor utiliza la excusa del “apartamento” en el que conviven los tres personajes, para tratar, con un sutil sentido del humor y la ironía, la base de la existencia humana. Tres vidas perdidas o en camino de perderse, condicionadas ya sea por el pasado, por el presente o por el futuro, tres personajes que buscan compañía ante sus inconsistentes existencias con la que comunicarse, aunque a veces la comunicación sea difícil entre ellos.

El cuidador se convierte así en un tour de force entre los tres actores: Joaquín Climent encarna a un hombre marcado en la piel por el desalentador paso de la vida y que ha llegado a la vejez desconfiando de casi todos; Juan Díaz da vida al personaje más débil de la trama y Alex Barahona aporta el carácter más desenfadado de la representación, aunque incapaz e inconstante.

El escenario nos muestra un apartamento vacío sin muebles, o mejor dicho, con muchos muebles y cachivaches pero amontonados y desordenados, como la vida de los personajes, lo que permite que destaque sobre todo la actuación de los tres actores, bien dirigidos para la ocasión por Antonio Simón, que consigue recrear el efecto Pinter con una sutil dirección de actores.

El cuidador requiere atención por parte del espectador, y es que un Pinter siempre requiere un pequeño esfuerzo por parte del público, aunque una vez en línea con el trasfondo de la trama, la reflexión emana por sí misma, forzándonos a reflexionar sobre la existencia de los personajes que pululan sobre el escenario, y por qué no, sobre lo vacío de un mundo, el nuestro, en el que lo material, en este caso el apartamento, se impone a lo espiritual, en la deriva existencial que muchos y muchas nos vemos obligados a recorrer a lo largo de la vida.

«El cuidador» se representa en el Teatro Bellas Artes de Madrid del 16 de marzo al 24 de abril de 2022.

Dirección: Antonio Simón
Reparto: Joaquín Climent, Álex Barahona y Juan Díaz
Autoría: Harold Pinter
Traducción: Juan Asperilla
Escenografía: Paco Azorín y Alessandro Arganceli
Iluminación: Pedro Yagüe
Sonido: Lucas Ariel Vallejos
Vestuario: Ana Llena

NOTA CULTURALIA: 7,9

Jorge Pisa

Crítica teatro: Els homes i els dies, en el TNC

El TNC estrenó el pasado 21 de abril Els homes i els dies, una propuesta arriesgada que trata la vida y las reflexiones del escritor catalán David Vilaseca, vertidas en un dietario que abarca su vida desde los 23 a los 46 años.

«Xavier Albertí dirige la adaptación teatral de Josep Maria Miró de Els homes i els dies que convierte al yo, los miedos, el sexo y otras vivencias personales en literatura de alto vuelo. La novela es la autobiografía póstuma de David Vilaseca, donde encontramos una voz poderosa y una literatura provocadora y estimulante».

Una propuesta atrayente, reveladora y despiadada que nos permite contemplar la vida de Vilaseca, un joven profesor de literatura homosexual y su continuo desencanto con él mismo y con la vida que le rodea. Els homes i els dies nos transporta con una escenografía vacía, casi nula, a un mundo y una época no muy lejana en el tiempo, entre los años 1987 y 2009, pero muy diferente al mundo actual a través del dietario postumo de Vilaseca que no acaba de encontrar su lugar en el mundo. Su incómoda homosexualidad y la creencia en la falsedad de su existencia se nos muestra a través de la interpretación de los fragmentos de su obra escrita.

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De ahí que la representación tenga más de monólogo, en el que el protagonista interactúa con el resto de los personajes o con los recuerdos que de ellos tenía cuando escribía su dietario. Por ello, son las reflexiones del propio Vilaseca sobre sí mismo, su vida y el mundo en el que le ha tocado vivir, las que nutren la esencia de la dramaturgia.

Así, pues, el tono de la obra tiende al pesimismo, ambiente en el que la vida de Vilaseca se movió hasta el día de su muerte, y en el que la desilusión, el fracaso, la sexualidad y la relación con su familia y con los otros son los protagonistas. Albertí y Miró, el primero en la dirección y el segundo en la dramaturgia, han sabido dotar a la obra del desanimo necesaria para acotar la interpretación de los actores y actrices, entre los que destacan Rubén de Eguía que da vida al propio Vilaseca, Mercè Aranega que interpreta a su madre y el joven Alejandro Bordanove.

El resultado final es un escenario-composición donde se muestran los claros-oscuros de la existencia humana en el que todos y todas nos movemos a lo largo de la vida y que confirma que lo más importante no son los logros y los fracasos que nos acontecen en la vida, si no la actitud que cada uno de nosotros tomamos ante ella.

Una propuesta muy interesante para re-descubrir un mundo que dejamos atrás hace tiempo, pero que siempre, mientras vivamos, estará presente en nuestras vidas.

“Els homes i els dies” se representa en el TNC del 21 de abril al 29 de mayo de 2022.

Dirección: Xavier Albertí
Autor: David Vilaseca
Dramaturgia: Josep Maria Miró
Reparto: Mercè Arànega, Albert Ausellé, Paula Blanco, Alejandro Bordanove, Abdi Cherbou, Francesc Cuéllar, Luiz Felipe, Roberto G. Alonso, Rubén de Eguía, Oriol Genís, Federico Metral
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: David Bofarull
Sonido: Jordi Bonet
Vestuario: Silvia Delagneau
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Duración: 120 minutos
Idioma: Català
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Una noche con Whitney, en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío de Madrid

No hace falta que os diga que la tecnología está desde hace años en fase expansiva. Y como era de esperar este avance también afecta al teatro y a la música. Esta es la clave para entender el espectáculo Una noche con Whitney, que se representa en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío de Madrid, una recreación en formato holograma de un concierto de Whitney Houston.

“Llega a Madrid el espectáculo musical dedicado a Whitney Houston basado en hologramas, un homenaje a una de las más grandes figuras de la música pop que nos permitirá revivir la magia de sus canciones. Esta temporada teatral tiene un nombre propio: el de Whitney Houston”.

Pues sí, la tecnología digital hace milagros, en este caso revivir en directo una actuación de Whitney Houston. La clave del espectáculo se centra en la pantalla donde veremos el holograma de la diva en concierto, acompañado de los músicos y de un cuerpo de baile en directo, a lo que se suma un juego de luces que recrea una actuación de la cantante. Un formato, que, si lo piensas, podría recuperar “en vivo y en directo” a las grandes figuras de la música de todos los tiempos, como ya funciona con Callas en concierto, un espectáculo basado igualmente en hologramas programado también en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío.

El espectáculo está producido por la compañía americana Base Hologram, dirigido por Fátima Robinson, considerada como una de las «100 personas más creativas en entretenimiento», y con la dirección musical de Keith Harris. Y tiene muchos elementos a favor. El primero, la presencia en holograma de la diva, que convence al público, aunque muestra un aspecto demasiado frontal debido a la pantalla en la que aparece, hecho este que, sin duda, lastra la idea de holograma. El segundo, los grandes éxitos de la cantante, entre los que sonaron, I’m Every Woman, Didn’t We Almost Have It All, Greatest Love Of All, I’m Your Baby Exhale, Saving All My Love For You, Run to You, How Will I Know, I Wanna Dance with Somebody y el invitable I Will Always Love You.

Es espectáculo fomenta el efecto realista con músicos y coros en directo que acompañan al avatar de la cantante y un cuerpo de baile reducido pero que se complementa bien con los temas interpretados, dando un mayor verismo a la actuación. Y todo ello presentado en el solemne espacio de la antigua estación de tren de Príncipe Pío reacondicionada como espacio escénico, lo que provee al espectáculo de un envoltorio de lujo.

La propuesta de Base Hologram es de notable, ya que las y los fans de la Houston, que son muchos, pueden disfrutar de los éxitos de la diva del pop. Si bien el avatar de Houston, que es sin duda el fundamento del espectáculo, queda afectado en sus movimientos e interacción con el escenario por la frontalidad de la pantalla, lo que, al fin y al cabo, resta realismo a la propuesta.

Aun así, es seguramente Una noche con Whitney un augurio de las muchas posibilidades que la digitalización puede brindar al espectáculo teatral y musical. Imaginaos, pues, a dónde puede llegar la tecnología en el futuro…

“Una noche con Whitney” se representa en el Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío del 30 de abril al 28 de mayo de 2022

Dirección: Fátima Robinson
Dirección musical: Keith Harris
Diseño de luces: LeRoy Bennet
Producción y tecnología: BASE Hologram

Horarios: Sábados a las 13:00 horas
Precios: A partir de 18 €
Duración: 75 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Entre el 1 de julio y el 21 de agosto de 2022 tendrá lugar la 68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, dirigido por Jesús Cimarro a través de la empresa Pentación Espectáculos. En esta ocasión, el espectacular Teatro Romano de la ciudad acogerá 9 espectáculos nacionales e internacionales, con gran presencia femenina, entre los que no faltará música, danza y por supuesto, los mejores clásicos.

La edición de este año incluye la programación de varios espectáculos como la versión de Julio César del Complejo Teatral de Buenos Aires; la música y la poesía de Safo con Christina Rosenvinge bajo la dirección de Marta Pazos; una versión de El misántropo de Menandro y a Assumpta Serna protagonizando Minerva. También se programarán en el mes de julio dos espectáculos de danza: Ariadna, al hilo del mito de la mano del Ballet de Rafaela Carrasco y De Sheherazade de la compañía de María Pagés.

El mes de agosto arranca con Miles Gloriosus, dirigido por Pep Anton Gómez y protagonizado por Carlos Sobera. Seguirá El aroma de Roma, un musical protagonizado por Leo Rivera y Agustín Jiménez y el mes finalizará con La tumba de Antígona de María Zambrano, con dirección de Cristina D. Silveira.

Festival de Merida_1

Este año el Festival inaugura un nuevo espacio dentro de la programación teatral, el Teatro María Luisa, que acogerá 5 espectáculos durante el mes de julio. Comenzará la compañía Els Joglars con ¡Qué salga Aristófanes!, espectáculo que conmemora el 60 aniversario de la compañía; seguido de Penélope, del Ballet de Murcia. Continuará una versión de Antígona de la compañía portuguesa Chapitô, tras el que llegará una versión del clásico de Cervantes, Numancia, una coproducción de la compañía Nao d’amores y de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC). Para cerrar la programación de este nuevo espacio contaremos con una versión de Las Bingueras de Eurípides a cargo de Las Niñas de Cádiz.

La edición del Festival cuenta un año más con las sedes en Medellín, Regina y Cáparra donde podrán verse algunas de las obras que triunfaron en la pasada edición como Los Dioses y Dios de Rafael Álvarez El Brujo, Mercado de amores, Las Suplicantes e Hipatia de Alejandría y además una nueva producción en colaboración con la ONCE: 2500 años de Antígonas y Creontes.

A estas, se suma, como cada dos años, la extensión del Festival en Madrid, con representaciones de las obras de las pasadas ediciones Hipatia de Alejandría, Las Suplicantes, Tito Andrónico y 50.000 pesetas en los teatros Bellas Artes y Reina Victoria.

El Festival cuenta, como en las ediciones anteriores, numerosas actividades como cursos, exposiciones y talleres, propuestas infantiles y para adultos y el pasacalle Las Pasiones de Zeus se celebrarán en distintos espacios de la ciudad emeritense.

Como cada año el festival volverá a ser accesible, con funciones audiodescritas, subtituladas, con bucle magnético y amplificadas con auriculares en el Teatro Romano y sus otras sedes.

Os dejamos aquíoel programa de la 68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida:

Nos vemos en Mérida!!

68a Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Cuándo: Del 1 de julio y el 21 de agosto de 2022
Dónde: Mérida y otras localizaciones
Más información: Web Festival Internacional Teatro Clásico de Mérida