El 4 de febrero llega al Teatro La LatinaViejo amigo Cicerón, obra en la que José María Pou encarna al célebre filósofo y político romano en un texto de Ernesto Caballero dirigido por Mario Gas.
“Pretérita mutare non possumus, sed futura providere debemus». No podemos cambiar el pasado, pero debemos prever el futuro. Mirar al pasado para entender el presente. Bajo esta premisa, Ernesto Caballero nos invita a reflexionar sobre ética, moral, justicia y convivencia, guiados por el célebre orador Cicerón, una de las figuras fundamentales de la política y el pensamiento de la antigua Roma, quién mantuvo la coherencia de sus convicciones políticas incluso en las circunstancias más adversas.
El espectáculo sitúa al espectador en la Roma Antigua, una etapa de la cual la sociedad actual es inevitablemente heredera, para descubrir a un Cicerón humano, un intelectual que analizó las diferentes dimensiones de la vida en sociedad desde la razón y el sentido común.
Marco Tulio Cicerón se nos presenta, pues, como un político excepcional en un mundo de mezquinas ambiciones personales, deslealtades y pequeñas componendas tan propias de la vida pública desde entonces. Político, jurista, orador, filósofo, divulgador, podría encarnar la célebre máxima de Terencio, pues nada de lo humano le resultaba ajeno. En cualquier caso, nuestra propuesta participa de características propias del mundo del hombre y la mujer de nuestros días, tanto es así que en el texto aparecen expresiones próximas al lenguaje conciso y coloquial de nuestro tiempo presentando una obra cuya principal intención es, al modo ciceroniano, suscitar el debate cívico de nuestro momento histórico, tan inquietantemente similar al que vivió Cicerón. Le acompañarán en este fascinante viaje su incondicional secretario Tirón, su amada hija Tulia y su fiel amigo y consejero Ático.
«Viejo amigo Cicerón» se representa en el Teatro La Latina a partir del 4 de febrero de 2021.
Autor: Ernesto Caballero Director: Mario Gas Reparto: José María Pou, Alejandro Bordanove y Maria Cirici Escenografía: Sebastià Brosa Iluminación: Juanjo Llorens Vestuario: Antonio Belart Espacio Sonoro: Orestes Gas Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Teatre Romea de Barcelona
Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas, sábados a las 18:00 y a las 20:30 horas y domingos a las 19:00 horas Precio: de 20 a 30€ Duración: 70 minutos Idioma: castellano Edad recomendada: mayores de 14 años
La productora El Terrat cumple 30 años en activo, algo digno de celebrar en un medio tan cambiante como es el de la producción audiovisual y cultural. Y para ello, en medio de estos tiempos de pandemia, ha conseguido poner sobre los escenarios varias producciones, entre ellas Pegados el musical, el pasado año, y actualmente La gran ofensa y L’ èxit de la temporada, obra de la que nos ocupamos en esta crítica.
«Seis amigos que triunfan como cómicos en programas de radio y televisión, deciden unirse para sacar adelante el espectáculo teatral “Romeo y Julieta” y así poder reivindicarse como intérpretes más allá de los lugares comunes donde parece que los encasillan. Un incidente fortuito hace que el espectáculo no se pueda llegar a estrenar. Veinte años después, estos seis amigos se reencuentran para intentar hacer realidad el espectáculo que no hicieron en el pasado. El mundo ha cambiado, ellos han cambiado, sus relaciones, sus cuerpos, su talento, sus objetivos vitales, su visión del teatro, sus fobias… todo ha cambiado».
La nueva propuesta de El Terrat, que ha tenido un cocinado lento debido a las restricciones provocadas por la Covid-19, llega finalmente al teatro Coliseum para divertir y hacer pensar en otras cosas al público asistente. La obra dirigida por los jóvenes Enric Cambray y Israel Solà reagrupa a algunos los pesos pesados de la productora, enre ellos a Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez y Jordi Rios a los que se suman energías más jovenes como la de Alba Florejachs y Mònica Macfer.
La trama es de aquellas basadas en la nostalgia de otros tiempos, a la que se suman las dificultades para producir una obra escénica, al estilo de Pel davant i pel darrera o Boulevard. Si a ello le añadimos una reflexión sobre el oficio del teatro y sobre la amistad, tenemos los ingredientes que componen esta comedia, trágica en algunos momentos.
Entre medio asistimos a una mezcla de realidad y ficción, la primera basada en la trayectoria profesional de los actores y las actrices a lo largo de los treinta años de existencia de la productora, ligada a la sabia dirección del humorista y presentador Andreu Buenafuente. De ahí que las continuas referencias a personajes como la niña de Shrek, El Gilipoyes, Chikilicuatre o la imitación del rugido de un dinosaurio de Fermí Fernández vayan apareciendo y enriqueciendo a su paso la representación. La segunda, la ficción, que nos muestra todos los hándicaps que tendrá que superar la compañía para poner en valor y representar Romeo y Julieta, con unos actores y actrices para los que han pasado 20 años y muestran un interés relativo en el proyecto.
L’Èxit de la temporada es un concentrado de humor y de recuerdos, aquellos que han acompañado al espectador, a unos más y a otros menos, a lo largo de las últimas décadas televisivas, teatrales e incluso radiofónicas. Y funciona, por esta razón, con un público que reconoce a los cómicos y las cómicas y ha reído con ellos y ellas a lo largo de muchas noches, ya sea con programas como Sense títol, La cosa nostra o Late Motif.
Si bien, en algunos momentos a la obra le falta, también, algo de punch, aunque tenga escenas, como la de representación final de la obra, que provoca las carcajadas entre el público. El espectáculo, además, muestra un final algo artificial, que no acaba de cuadrar con el resto de la representación, y que además rompe algo adulteradamente la magia escénica.
Aún así, L’ Èxit de la temporada cumple su cometido, esto es, celebra con nota el reencuentro de actores, actrices y personajes made inEl Terrat, y provee de una hora y cuarenta minutos de un divertimento mucho más que merecido a un público fiel a la productora y necesitado, en estas fechas, de humor, en un contexto como el actual anclado en la incertidumbre y el desasosiego provocado por la pandemia de Covid-19.
«L’Èxit de la temporada»se representa en el Teatro Coliseum del 7 de enero al 28 de febrero de 2021.
Dirección: Enric Cambray e Israel Solà Dramaturgia: Enric Cambray e Israel Solà Reparto: Sílvia Abril, David Fernández, Fermí Fernández, Oriol Grau, Mònica Pérez, Jordi Rios, Mònica Macfer y Alba Florejachs Escenografía: Mercè Luchetti y Marc Salicrú Iluminación: Ignasi Camprodon Sonido: Jordi Bonet y Eudald Gili Vestuario: Albert Pascual Producción: El Terrat
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: desde 16€ Duración: 1 hora y 40 minutos Idioma: Catalán NOTA CULTURALIA: 7,5 ——
Como ya sabéis el teatro en Barcelona ha pasado y está pasando una época complicada, derivada de los efectos provocados por la pandemia de Covid-19. Aún así, y con ganas de mantener su espíritu provocador y combativo, el pasado 28 de diciembre se estrenó en la Sala Barts, La Gran ofensa, una obra de teatro que reflexiona sobre los límites del humor. Una consideración, creo, interesante y oportuna en el mundo en el que vivimos, en el que cómicos como Dani Mateo y Guillermo Toledo, por citar solo los casos más conocidos, han tenido que vérselas en los juzgados.
«Sergio (Cristian Valencia) y Bernat (Dani Amor) son dos cómicos que están empezando a despuntar en el dificilísimo mundo de la comedia. Pero cuando todo parecía que iba sobre ruedas son demandados por uno de sus chistes por Mateu (Artur Busquets). Con la ayuda de María Pilar (Betsy Túrnez), una abogada de dudosa reputación, Sergio y Bernat intentarán no acabar en prisión y que la opinión pública no acabe con ellos».
Pues bien, la obra ya alerta desde un buen principio que los temas que se van a tratar sobre el escenario y la forma en la que se van a tratar pueden «herir sensibilidades». ¿Estamos capacitados para aceptar que se haga humor, o que se hagan chistes, sobre temas como la violencia de género, la pederastia, el procés independentista y sus consecuencias o, y aquí está el meollo de la cuestión, sobre el atentado terrorista de las Ramblas de Barcelona del año 2017?
Como veis son temas candentes y «política y socialmente controvertidos» sobre los cuales cuesta esbozar una tímida sonrisa en la butaca, y que permiten recapacitar sobre si el humor requiere de límites o no. ¿Puede lo cómico hacer referencia a cualquier aspecto de la vida personal y/o social por muy comprometida que sea su naturaleza?
El Terrat y La Bendita Compañía han producido este espectáculo que se mueve entre la comedia y, a ratos, la tragedia. Y de dar vida a esta propuesta se encargan en el aspecto actoral Dani Amor y Cristian Valencia que encarnan respectivamente al guionista y al cómico que, para conseguir notoriedad mediática, se disponen a representar un monólogo cómico en la televisión cuyo humor caustico y desacomplejado provocará las iras de Artur Busquets, uno de los afectados en el atentado de las Ramblas de Barcelona. El reparto se completa con la presencia de la abogada María Pilar (Betsy Túrnez / Agnès Busquets), que intentará defender el caso, y cuyo carácter provee a la obra de sus momentos más desenfrenados. Y es aquí donde humor, respeto, consideración y responsabilidad entran en liza. Se puede hacer humor sobre un acontecimiento traumático que ha provocado víctimas. ¿Qué pensáis al respecto?
La gran ofensa es una comedia que funciona y que nos lleva a reflexionar sobre un tema cada vez más candente, debido al auge cada día mayor de los contenidos digitales y de las redes sociales y de la exigencia de notoriedad en esos medios. Aún así, aunque la propuesta funciona y, aunque no lo creáis, os hará reír, a la obra le falta algo de punch cómico, esa energía que hace que la comedia fluya de forma constante. Un descuido, este, atribuible tanto a la creación y la dirección, en este caso en manos de Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia que aunque valiente por la temática que se dispone a tratar, no acaba de despegar, y en parte a la interpretación que no acaba de sentirse del todo a sus anchas sobre el escenario.
Aún así, La gran ofensa nos permite, desde una vertiente cómica, considerar un tema, la linde del humor, en un mundo globalmente desarticulado y en el que el público, de forma interactiva, podrá valorar al final de la función si el humor de la gran ofensa se ha pasado de la raya o no.
«La gran ofensa» se representa en la Sala Barts del 28 de diciembre de 2020 al 17 de nero de 2021.
Dramaturgia: Dani Amor, Oriol Pérez, Serapi Soler y Cristian Valencia Dirección: Oriol Pérez y Serapi Soler Intérpretes: Dani Amor, Artur Busquets / Jon Arias, Betsy Túrnez / Agnès Busquets y Cristian Valencia Escenografía: Noemí Costa Diseño de iluminación: Adrià Rico Producción: La Bendita Compañía y El Terrat
Horarios: de martes a jueves a las 20:30 horas, viernes a las 18:00 y a las 20:30 horas, sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas Predio: A partir de 22€ Duración: 80 minutos Idioma: espectáculo en catalán y castellano NOTA CULTURALIA: 7,5 ——
Chéjov regresa al Teatre Lliure, y lo hace de nuevo con una versión de Les tres germanes realizada por Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique y dirigida por este último, un análisis del alma humana en una época de cambio y de crisis.
«La historia de tres hermanas (Masha, Olga e Irina) y un hermano (Andrei) es la vida insatisfecha y decadente de las clases privilegiadas en la Rusia rural. Moscú es el principal elemento simbólico de la pieza, siempre idealizado y deseado por los personajes, atrapados en su burbuja, ansiando un nuevo mundo que ya despunta».
Les tres germanes es una reflexión sobre el alma humana que si originalmente se ambientaba en la Rusia rural de finales del XIX y principios del XX, Manrique se ha dispuesto a sintetizar, actualizar y reconfigurar, como es su habitual, con el objetivo de acercarla más al público del siglo XXI y con ello abarcarnos a todos y todas en la reflexión.
La propuesta nos provee de una ponderación del alma humana elaborada desde el desasosiego que nos presenta a los hermanos, o mejor dicho, a las hermanas Prozorov, que tras la muerte del patriarca se verán obligadas a hacer frente a unas vidas vacías, sin dirección y repletas de sueños rotos. Nadie se salvará del abismo que provocan las vidas no deseadas ya sea por motivos sentimentales, profesionales o existenciales.
La vida en la casa familiar de los Prozorov se irá haciendo con el paso del tiempo más triste y asfixiante: Masha (Maria Rodríguez) con una relación de pareja vacía e inconsistente; Olga (Cristina Genebat) con un trabajo como profesora que no le llena e Irina (Elena Tarrats) con unos anhelos de juventud y de futuro que no llegará a cumplir nunca y que sumirán su vida en la desesperanza. Por su parte, Andrei (Marc Rius), el hermano, no será capaz tampoco de realizarse ni profesional ni familiarmente, una situación que lo atrapará y abocará, también, al desánimo.
Como veis un panorama triste y demoledor que se completa con la situación de todos los personajes relacionados con la familia, y que se verán también atrapados en vidas mediocres o en situaciones no deseadas. De ahí que la idea de trasladarse a Moscú, la capital, y cambiar de vida será el único anhelo que dará coherencia a sus respectivas existencias. A lo que acompañará una constante reflexión filosófica de varios de los personajes sobre el futuro del hombre y de la humanidad, como una alegoría de su incapacidad para cambiar y mejorar.
Así, pues, Les tres germanes, en las manos de Manrique, se convierte en un análisis de la desesperanza, de la vacuidad de la vida, que no tan solo atañe a los que están sobre el escenario, sino que nos puede afectar a todos y a todas, tan solo al dejar de lado aquello que mueve nuestras entrañas y que hace que nos esforcemos por lo que queremos. Cuando no atendemos a esa energía vital, abrimos las puertas de nuestro ser al vacío y al desasosiego, y en consecuencia al fracaso. Como ven algo muy profundo, nada a extrañar si recordamos que la obra es, en origen, de Chéjov.
La adaptación de Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique ha transfigurado así un texto clásico y, si me lo permiten, delicioso, en una propuesta actual con una puesta en escena contemporánea y con un grupo de actrices y actores que dan mucho de sí en la representación.
A Genebat, Rodríguez, Tarrats y Rius, que conforman el cuerpo principal de las actuaciones, se suma el esfuerzo actoral de Mireia Aixalà, Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Lluís Soler y Jordi Rico, que completan el elenco de la obra.
La escenografía es a la vez sencilla y al mismo tiempo sorprendente, ya que el escenario se convierte en una pecera, en la que veremos como se desarrolla la vida de los personajes, sin capacidad alguna de estos de escapar de ella… Una acertada alegoría a la situación vital que pretende mostrar la obra.
Un empeño, el de versionar a Chéjov, del que ya salió con éxito Manrique en el 2010 al adaptar L’hort del cirerers en el teatro Romea, y que deja un buen sabor de boca en el espectador, aunque el ritmo de la obra no sea siempre todo lo dinámico que debería. Aún así, Les tres germanes es una propuesta a tener en cuenta, un Chéjov, ya sabéis, siempre lo es, y más cuando la obra nos habla de la esencia de la vida, de aquello que nos llena como personas y que nos hace ser lo que somos, cumplamos nuestros anhelos o no.
«Les tres germanes», se representa en el Teatre lliure de Montjuïc del 10 de diciembre de 2020 al 17 de enero de 2021.
Autor: Anton Chéjov Adaptació: Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique Dirección: Julio Manrique Interpretes: Mireia Aixalà,Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Cristina Genebat, Jordi Rico, Marc Rius, Maria Rodríguez, Lluís Soler y Elena Tarrats Espacio escénico: Lluc Castells Vestuario: Maria Armengol Caracterización: Núria Llunell Iluminación: Jaume Ventura Espacio sonoro: Damien Bazin Producción: Teatre Lliure
Horarios: de miércoles a sábados a las 19:00 horas; domingos a las 18:00 horas • Martes 22/12 y 29/12 a las 19:00 horas Precio: de 9€ a 29€ Idioma: Català Duración: 2 horas y 15 minutos NOTA CULTURALIA: 8
Tras el parón teatral debido a la segunda ola de la Covid-19, el pasado sábado asistí a la representación de L’home de la flor als llavis i… una creación colectiva de Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll que reflexiona sobre el teatro y el recuerdo a partir de la figura de Luigi Pirandello.
“Un cine durante la Italia de los años 50 sirve como punto de partida de una aventura y de un encuentro en el que de entre medio del público, el acomodador de la sala, antes actor, divisará una cara conocida, la de la misma Marta Abba. Un reencuentro que los llevará a reflexionar sobre su trayectoria y el oficio de ser intérprete. Recuerdo, ficción y actualidad entrelazan en un espectáculo que profundiza en los valores de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del s. XX”.
El teatre Akadèmia ha vuelto a tejer una obra consistente en la que el teatro, el oficio y la vida de los y de las que se dedican a ello se nos hace palpable desde la sencillez y el buen gusto. Para ello se ha escogido la vida de Pirandello, uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX, del que se ofrece al público una realidad ampliada que abarca su teatro, su vida privada y la relación que mantuvo con algunos de los actores y actrices de su compañía.
La obra se estructura de una forma atentamente delicada y en varios formatos que incluyen el monólogo, con el que conoceremos a los personajes, Ruggero Ruggeri (Àlex Casanovas), Marta Abba (Montse Guallar) y el propio Pirandello (Xavier Ripoll), el diálogo, en la única escena en la que Casanovas y Guallar comparten escena y la representación teatral dentro de la representación teatral, que nos acerca al juego de desdoblamiento habitual en la obra de Pirandello con la interpretación de una escena de la obra L’home de la flor als llavis.
En esta ocasión todo está llevado a la práctica con una delicadeza extrema, ya sea por respeto a la obra de Pirandello o por la consideración hacia una profesión, la teatral, que ha sido y es uno de los grandes pilares del arte en nuestra sociedad. En la puesta en escena, además, destaca la materialización de la relación epistolar mantenida a lo largo del tiempo entre la actriz Abba y el propio Pirandello, una delicia por como está tratada y por los temas vitales y profesionales que son tratados en ella.
En lo que toca a la dirección y la actuación, L’home de la flor als llavis i… alcanza cotas notables. Gas ha creado un contexto escénico que ha permitido a los tres actores, Casanovas, Guallar y Ripoll, navegar escénicamente de una forma contenida pero a la vez realista e intensa. Magnífica, por otra parte, la caracterización de Ripoll de la personalidad y la imagen de Pirandello.
L’home de la flor als llavis i… es una gozada. La obra solo pretende hacernos disfrutar del teatro por el teatro, de las trayectorias vitales de los actores, de las actrices y de los directores de teatro y que, además, nos regala al reflexionar sobre los valores y las ideas de uno de los dramaturgos fundamentales de la Europa del siglo XX. Una pequeña y estimulante gozada teatral.
Dirección: Mario Gas Autor: Luigi Pirandello Dramaturgia: Mario Gas, Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll Traducción: Pau Vidal Reparto: Àlex Casanovas, Montse Guallar y Xavier Ripoll Escenografía: Sebastià Brosa, Paula Bosch, Francesc Colomina y Art Coolers Figurines: Antonio Belart Iluminación: Lluís Serra Sonido: Orestes Gas Caracterización: Helena Fenoy, Marta Ferrer y Mercè Sánchez Vestuario: Cornejo, Goretti i Época Producción: Teatre Akadèmia
Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 18:00 horas. Horarios especiales: consultar web Teatre Akadèmia Precio: 22€ Duración: 95 minutos Idioma: Catalán NOTA CULTURALIA: 9 ——
Llega al Teatro EDP Gran Via de Madrid¿Quién mató a Sherlock Holmes? un musical de formato reducido con un elenco de lujo, formado por Daniel Diges, Enrique Ferrer, Talía del Val, Julia Möller, Joseán Moreno y Enrique R. Del Portal. Un espectáculo que nos permitirá emocionarnos, enamorarnos y vivir una historia nunca contada sobre el alma humana.
Sherlock Holmes se enfrenta al caso más difícil de su carrera: investigar su propio asesinato. Enfrente, un anfitrión misterioso, unos invitados desconocidos y la siempre turbadora presencia de Irene Adler.
El Londres victoriano. Un misterioso personaje envía invitaciones a varios desconocidos. Cada nota dice: “Le han descubierto. Venga esta noche a mi mansión de Tennison Road si quiere salvarse”. A la hora fijada, llega a la mansión el Dr. Watson. Allí se reúne con Irene Norton, el profesor Moriarty y la misteriosa Mrs. Roberts. Ninguno de ellos se conoce entre sí ni conoce al anfitrión, un personaje excéntrico y peculiar que les transmite una noticia inesperada: Sherlock Holmes va a ser asesinado. ¿Se trata de un juego? ¿Una conspiración? El anfitrión les ofrece una cantidad de dinero si permanecen en la mansión hasta la medianoche. Pero el asesinato está al caer y la víctima no es Sherlock… El detective acudirá para enfrentarse al misterio y a la turbadora presencia de Irene, la única persona que consiguió engañarle. Todo se complica. Hay secretos que es mejor no desvelar. Sherlock Holmes está a punto de descubrir la verdad… y su inevitable destino.
Un pequeño espectáculo que recupera la esencia de la programación musical de la Gran Via de Madrid.
Música, libreto, dirección y producción artística: Iván Macías Letras y libreto: Felix Amador Dirección: José Luis Sixto Reparto: Daniel Diges, Talía del Val, Enrique Ferrer, Josean Moreno, Enrique del Portal y Julia Moller Coreografía y Movimiento Escénico: Federico Barrios Escenografía y Vestuario: Marina Calvo Iluminación: Manolo Ramírez Sonido: Miguel Ángel García Caracterización: Aarón Domínguez
Horarios: martes a jueves a las 20:30 horas; viernes a las 19:00 horas; sábados y domingos a las 18:00 horas Precio: desde 20€ • Horarios especiales diciembre y navidades: consultar calendario Duración: 105 minutos Idioma: Castellano
Regresa el teatro a la Sala Beckett tras el cierre de la actividad escénica el pasado octubre debido a la puesta en marcha de las medidas anticovid aprobadas por la Generalitat, y lo hace con Avinguda Nacional del dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, una propuesta que no dejará indiferente a nadie dirigida por Martí Torras Mayneris e interpretada por Josep Julien, Patrícia Bargalló, Babou Cham, y Oriol Roca.
«Se hace llamar Vandam. Como Jean-Claude van Damme. Es un héroe. Un guerrero. Lo sabe todo de los combates. Tiene una opinión sobre todo. La política. Las mujeres. El mundo… En 1989, en Praga, marchó por la Avenida Nacional, donde el 17 de noviembre tuvo lugar una manifestación que llevó a la caída del régimen comunista en la antigua Checoslovaquia. Ahora, su segunda casa es el bar Severka. Este es su mundo. Es aquí donde discute de política, donde reniega, donde a veces levanta el brazo derecho, evocando el saludo de los romanos, da lecciones sobre la vida o rompe los dientes a alguien».
Avinguda Nacional es una obra dura, no apta para todas las sensibilidades, un texto despiadado que nos traslada al infierno personal en el que sobrevive un ser devastado. En ella se habla de la vida pero de una forma atroz, o lo que es lo mismo, a través de los ojos de Vandam (Josep Julien), un personaje al que la existencia ha maltratado y que por lo tanto se cree con el derecho a maltratar a los demás.
La dirección de Martí Torras Mayneris nos presenta un escenario desolado, en el que Vandam nos irá abriendo su alma al mismo tiempo que nos relata su pasado y su presente. Alguien que se ha pasado la vida mintiendo e imponiéndose a los demás, las más de las veces a través de la violencia, la cual conoce muy bien, hecho este que le permitirá, incluso, dar lecciones sobre ella.
Josep Julien encarna brillantemente a ese ser oscuro y violento y le da vida de una forma que, por momentos, da miedo. La personificación es perfecta, hasta tal punto que el actor consigue desaparecer de escena para poder mostrar las obscenas y repulsivas entrañas del personaje que interpreta. Un acierto que, sin duda, se debe tanto al actor como a la dirección. El resultado es una obra impecable e implacable que permite al publico reflexionar no solo sobre la violencia en sí sino también sobre actitudes cívicas en las que el furor contra los diferentes, contra los que no opinan igual o contra los que no son iguales tiene un papel destacado.
Pero Vandam no está solo en escena, aunque en la obra se imponga el monólogo al diálogo. A Julien le acompañan sobre el escenario los actores Patrícia Bargalló y Babou Cham, que dan la réplica al personaje desde su misma sustancia y el músico Oriol Roca, que interpreta el hilo musical minimalista de la representación e encarna, también de forma minimalista, al hijo de Vandam.
Así, pues, la Beckett retoma su programación escénica con una pequeña joya, a la que ha dado forma el dramaturgo checo Jaroslav Rudiš, ha adaptado Martí Torras Mayneris y ha elevado casi a la perfección Josep Julien, una reflexión sobre la violencia y las causas que nos llevan irremisiblemente hacia ella, personalmente y como sociedad.
Avinguda Nacional es una producción de la Sala Beckett en el contexto del proyecto Fabulamundi. Playwriting Europe, que quiere promover el conocimiento y el intercambio de textos y autores entre los diferentes países miembros. La Sala Beckett forma parte desde 2017 conjuntamente con teatros de Alemania, Austria, Francia, Italia, Polonia, República Checa y Rumanía.
«Avinguda nacional» se representa en la Sala Beckett del 24 al 29 de noviembre de 2020.
Autor: Jaroslav Rudiš Traducción: Naila Rami Oms Dirección y adaptación: Martí Torras Mayneris Reparto: Patrícia Bargalló, Babou Cham, Josep Julien y Oriol Roca Escenografía: Judit Colomer Iluminación: Gane Gil Vestuario y caracterización: Fàtima Campos Espacio sonoro: Oscar Villar Música: Oriol Roca Producción: Sala Backett
Horarios: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 19:00 horas. Precio: de 10€ a 18€ Duración: 1 hora y 25 minutos Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 9
La Compañía Nacional De Teatro Clásico presenta El enfermo imaginariode Molière en el Teatro de la Comedia, con dirección de Josep Maria Flotats y con un reparto que incluye a Flotats, Anabel Alonso, Belén Landaluce, Lola Baldrich, Alejandro Sigüenza.
El enfermo imaginario es una comedia ballet muy celebrada desde su estreno en 1673. Argán se cree muy enfermo y no puede vivir sin estar rodeado de médicos. Para conseguir tener uno en su familia que le haga ahorrar la ingente cantidad de dinero que destina a sus curas, medicamentos y potingues, no duda en concertar un matrimonio de conveniencia entre su hija Angélica con el hijo del doctor Diafoirus.
Pero Angélica ha conocido al joven Cleanto, se ha enamorado perdidamente de él y no esta dispuesta a casarse con Tomás Diafoirus. Entretanto, Belinda su segunda esposa solo se mueve por interés y se comporta como una arpía; Toñita, su fiel criada, descarada, impertinente, lianta y trapacera, hará lo necesario para ayudar a su joven señora y salvar al señor Argán de los médicos que le sangran y de la hipocresía de su esposa. Con la complicidad de la hermana de Argán, Beralda, maquinarán una ceremonia hilarante y esperpéntica que transformará al enfermo en doctor.
En El enfermo imaginarioMolière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegar al siglo XXI convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que el descontento ante sus deseos y proyectos de vida insatisfechos; de ahí, las contrariedades ante los menores hechos que generan una desazón inquietante; de ahí, la depresión que afecta a miles de personas ante cualquier suceso adverso, por mínimo que sea; de ahí, que se busque como solución mágica la cura de sus desilusiones en la medicina y el remedio en las pastillas.
«El enfermo imaginario» se representa en el Teatro de la Comedia (Madrid) del 18 de noviembre al 27 de diciembre de 2020.
Dirección: Josep Maria Flotats Autor: Jean Batiste Poquelin Molière Reparto: Josep Maria Flotats, Anabel Alonso, Belén Landaluce, Lola Baldrich, Alejandro Sigüenza, Rubén de Eguía, Eleazar Ortiz, Francisco Dávila, Belinda Benedetti, Claudia Quintana, Ana López Díez, Laura López Díez, Joaquín Notario, Bruno Ciordia y Arturo Martínez Vázquez Movimiento escénico: Óscar Jiménez Ávila Vestuario: Franca Squarciapino Composición musical: Daniel Espasa Escenografía: Ezio Frigerio Iluminación: Paco Ariza Traducción: Mauro Armiño Producción: Compañía Nacional De Teatro Clásico (CNTC)
Horarios: de martes a domingo a las 20:00 horas Precio: de 6 a 25€ Idioma: castellano
El pasado viernes se estrenó en el Teatro Infanta Isabel de MadridLa golondrina, una reflexión sobre el ser humano y sobre las consecuencias del odio y la violencia, con texto escrito por Guillem Clua, dirección de Josep María Mestres e interpretado por Carmen Maura y Dafnis Balduz.
La obra reúne a dos personajes, Amelia y Ramón. La primera, una severa profesora de canto, recibe en su casa a Ramón, quien desea mejorar su técnica vocal para cantar en el memorial de su madre fallecida recientemente. La canción elegida tiene un significado especial para él y, al parecer, también para la mujer quien, a pesar de sus reticencias iniciales, accede a ayudar al joven alumno.
«¿Qué es lo que nos hace humanos? De todo aquello que somos y hacemos, ¿qué crees que realmente define nuestra humanidad?» Para Amelia, una madre herida en lo más profundo de su alma, la respuesta está en el dolor. Lo que realmente nos hace humanos es la capacidad de sentir como propio el dolor de los demás. Eso es lo que nos diferencia de las bestias, dice. Y ese es el sentimiento que recorre la espina dorsal de La golondrina, el último texto de Guillem Clua.
El texto se inspira directamente en el ataque terrorista del barPulse de Orlando (EE.UU.) de junio de 2016 en el que murieron 49 personas, pero La golondrina no habla solo de ese atentado. En ella también resuenan las tragedias de la Sala Bataclán de París, del paseo marítimo de Niza, de Las Ramblas de Barcelona… y trata de comprender el sinsentido del horror, las consecuencias del odio y las estrategias que utilizamos para que no nos destruyan el alma.
El Cervantes Theatre de Londres (Reino Unido) acogió en septiembre de 2017 el estreno mundial La golondrina. El texto se inscribió en el primer ciclo New Spanish Writing, organizado por Acción Cultural Española en la recientemente inaugurada sede londinense de la Spanish Theatre Company. El objetivo de la sala es promocionar la dramaturgia española en la capital londinense y se dirige tanto al público español como al local.
«La golondrina» se representa en el Teatro Infanta Isabel de Madrid del 13 de noviembre de 2020 al 10 de enro de 2021.
Dirección: Josep Maria Mestres Texto: Guillem Clua Reparto: Carmen Maura y Dafnis Balduz Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo Escenografía: Alessio Meloni Vestuario: Tatiana Hernández Música: Iñaki Salvador
Horarios:web teatro Precio: desde 18,75€ Idioma: castellano Duración: 90 minutos
Llega a Madrid el espectáculo musical dedicado a Whitney Houston y basado en hologramas, un homenaje a una de las más grandes figuras de la música pop que nos permitirá revivir la magia de sus canciones.
Esta temporada teatral tiene un nombre propio: Whitney Houston. El espectáculo internacional Whitney Houston hologram Tour revive a Houston en holograma y tendrá su estreno mundial en Madrid, en el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío.
Whitney Houston hologram Tour ha sido posible gracias a la última tecnología desarrollada por Base Hologram, junto a un aclamado equipo creativo, como Fátima Robinson, directora de arte nombrada como una de las 100 personas más creativas en el show business, o Keith Harris, director musical ganador de un premio Grammy. Ellos son algunos de los nombres propios que han llevado a escena este espectacular show, supervisado por la hermana de Whitney Houston.
Tras retrasar su estreno en Las Vegas debido a la situación mundial provocada por el Covid-19, será Madrid la ciudad que acogerá el gran estreno de la temporada.
Una noche con Whitney es una gira póstumade conciertos con el holograma de la cantante estadounidense Whitney Houston.
Una experiencia teatral y musical basada en hologramas en la que ya tiene experiencia el Teatro Bankia Príncipe Pío, que desde el pasado mes de octubre y hasta mediados de noviembre programa el espectáculo Callas en concierto – en holograma, un espectáculo basado también en hologramas que ha permitido a María Callas volver también a escena, consiguiendo que la mítica cantante lírica se muestre nuevamente al público como si estuviera allí de nuevo, en carne y hueso.
«An Evening With Whitney The Hologram Tour», se representa en el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío de Madrid del 2 al 29 de noviembre de 2020.
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