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Crítica teatro: Una mena d’Alaska, en el teatre Lliure

Siempre es un acontecimiento escénico asistir a la representación de una obra de Harold Pinter. Todo ha de salir muy bien para que la obra salga bien. Por eso el estreno de Una mena d’Alaska en el Lliure presagiaba una noche de teatro en mayúsculas.

Pinter escribe una pieza tan enigmática como emocionante sobre un despertar fascinante y esperado, el de una mujer que ha sufrido encefalitis letárgica. La pieza transcurre en medio de ese estado tan reconocible en el que la realidad y la ensoñación conviven paralelamente, donde la vida y la muerte se entrelazan virtuosamente hasta el punto de llegar a dudar si lo soñado ha sido vivido o lo vivido solo ha sido un sueño. Un texto maravilloso y poético, cuyo trasfondo político se vislumbra sutilmente como el fondo de un lago en calma y nos invita a reflexionar sobre la sociedad dormida y el inminente despertar de esta época letárgica”.

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La magia de Pinter vuelve al Lliure bajo la dirección de Ivan Benet, con la interpretación de Mireia Aixalà, Carles Martínez y Aida Oset y los pasos de danza de Andrés Corchero, para mostrarnos, de nuevo, una situación escénica enigmática que adapta uno de los casos clínicos del neurólogo Oliver Sacks. De ahí que todo en la propuesta sea indescifrable.

Pinter nos presenta el caso del tratamiento de una paciente afectada encefalitis letárgica (Mireia Aixalà) que despierta tras 29 años de letargo, hecho este que generará una realidad extraña para ella, en la que estará acompañada por el médico (Carles Martínez) que le ha atendido durante su convalecencia. Como veis, una situación muy propia de Pinter que crea una situación escénica en la que nunca sabremos qué es realidad y qué no lo es, qué es verdaderamente lo que ha pasado y que es lo que está ocurriendo.

De ahí que la fuerza de la obra esté en la conexión que se establece entre los dos personajes principales sobre el escenario. Mireia Aixalà (Deborah) sorprende con una actuación muy convincente de su personaje, que fluctúa entre la incredulidad y los recuerdos de la infancia cuando cayó enferma. Carles Martínez (Dr. Hornby) interpreta hábilmente, como siempre, al doctor que ha conseguido hacer despertar a su paciente, ayudando a crear una atmósfera de misterio a veces contradictoria. Aida Oset encarna a Pauline, la hermana de Deborah y provee a la obra de un a veces arcano toque musical. Por último Andrés Corchero dota a la representación del fondo más onírico con movimientos de danza que ayudan a mostrar de alguna forma el alma de la paciente atrapada en un escenario ajeno a su capacidad racional de comprensión.

Pinter ha regresado al Lliure y lo ha hecho de forma contundente. La dirección de Benet ha conseguido recrear el universo tan propio del autor británico dándole el toque enigmático que requiere la trama. A ello ayuda la escenografía minimalista y la reducida presencia de luz, que ayuda a recrear el espacio intimo de los personajes.

Una propuesta que pierde algo de concisión y dinamismo con la adición de los pasos de danza de Corchero, que ralentiza de alguna forma la representación de la obra. Aún así, una muy buena ocasión para disfrutar de un Pinter algo más arduo de lo habitual, que ya es decir, y de una adaptación muy personal de su mundo escénico.

«Una mena d’Alaska» se representa en el Teatre Lliure del 7 de mayo al 1 de junio de 2025

Autor: Harold Pinter
Dirección: Ivan Benet
Reparto: Mireia Aixalà, Carles Martínez, Aida Oset, Andrés Corchero
Traducción: Cristina Genebat
Coreografía: Andrés Corchero
Escenografía: Sílvia Delagneau
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: Damien Bazin
Música original: Aida Oset

Horario: de miércoles a viernes a las 19:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: de 12€ a 32€
Duración: 1 hora y 20 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Electra, en el Teatre Lliure

El origen del teatro occidental está, ya lo sabéis, en la Antigua Grecia y, de alguna manera, en su forma de dar vida al mundo mítico helénico que ha llegado hasta nosotros. Gracias a esa supervivencia conocemos hoy el relato de Electra, Hija de Agamenón y Clitemnestra, en tres versiones diferentes, de la mano de los tres grandes clásicos griegos Esquilo, Sófocles y Eurípides.

El Teatre Lliure presenta una resumida y actualizada visión de la triple historia de Electra en una propuesta dirigida por Alícia Gorina, e interpretada por una compañía de jóvenes actores y actrices graduadas del Institut del Teatre.

«El episodio del asesinato de Clitemnestra por parte de sus hijos, Orestes y Electra, es el único de la mitología clásica relatado por los tres trágicos griegos: Esquilo, Sófocles y Eurípides. En esta propuesta, ocho intérpretes nos confrontan con tres versiones breves en clave íntima y contemporánea de cada una de las tres tragedias. Tres piezas independientes que corresponden también a tres estilos diferentes de puesta en escena”.

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Gorina, que la temporada pasada ya se internó en el mundo de los clásicos con Ifigènia, también en el Teatre Lliure, se interesa en su nueva propuesta en un aspecto fundamental del relato de Electra, que no es otro que el asesinato de Clitemnestra, su madre, por parte de sus dos hijos. Para ello elabora un relato tripartito, de la mano de Albert Arribas, basándose en la obra de los tres grandes trágicos dándole a cada una de ellas un tono y una escenografía diferenciada. Para el relato de Esquilo, el texto más antiguo, Gorina emplea a un coro clásico, una forma teatral más arcaica, que provee a la representación de un tono más atávico, casi espiritual; para el turno de Sófocles la directora opta por monólogos recitados por los diversos personajes y para el turno de Eurípides Gorina escoge un estilo deconstruido en el que la trama se representa con un formato más actual.

El resultado es una obra que podríamos considerar de arqueología teatral, que mostrará al público la naturaleza evolutiva e innovadora del teatro clásico griego y como una historia puede transformarse, adaptándose a las condiciones sociales y culturales del momento.

El reparto, como ya he dicho, está constituido por jóvenes graduados y graduadas del Institut del Teatre, esto es, Ariadna Chillida, Fermí Delfa, Marta Margarit, Clara Mir, Pau Oliver, Àlex Pujol, Joan Sentís, Carla Vilaró que saben dar a la representación, en cada uno de sus estilos, un toque propio, fresco y juvenil.

El Lliure y Gorina nos embarcan, de esta forma, en una aventura de descubrimiento teatral quasi-arqueológico que nos dirigirá hacia el origen del teatro griego y que nos permitirá reflexionar sobre la naturaleza del teatro y sobre su vigencia en nuestros días, al permitirnos ver como el relato de cualquier acontecimiento puede imponerse, incluso, a su propia sustancia.

“Electra” se representa en el Teatre Lliure del 27 de febrero al 23 de marzo de 2025.

Autoría: Esquilo, Sófocles y Eurípides
Dirección: Alícia Gorina
Adaptación: Albert Arribas
Reparto: Ariadna Chillida, Fermí Delfa, Marta Margarit, Clara Mir, Pau Oliver, Àlex Pujol, Joan Sentís, Carla Vilaró
Escenografía: Xevi Oró
Vestuario: Adriana Parra
Caracterización: Alba Quintos
Iluminación: Quim Algora
Sonido: Igor Pinto
Movimiento: Iris Marrot
Producción: Teatre Lliure e Institut del Teatre

Horarios: de jueves a sábado a las 19:30 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: de 7 a 32€
Duración: 1 hora 30 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Les tres germanes, en el Teatre lliure

Chéjov regresa al Teatre Lliure, y lo hace de nuevo con una versión de Les tres germanes realizada por Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique y dirigida por este último, un análisis del alma humana en una época de cambio y de crisis.

«La historia de tres hermanas (Masha, Olga e Irina) y un hermano (Andrei) es la vida insatisfecha y decadente de las clases privilegiadas en la Rusia rural. Moscú es el principal elemento simbólico de la pieza, siempre idealizado y deseado por los personajes, atrapados en su burbuja, ansiando un nuevo mundo que ya despunta».

Les tres germanes es una reflexión sobre el alma humana que si originalmente se ambientaba en la Rusia rural de finales del XIX y principios del XX, Manrique se ha dispuesto a sintetizar, actualizar y reconfigurar, como es su habitual, con el objetivo de acercarla más al público del siglo XXI y con ello abarcarnos a todos y todas en la reflexión.

La propuesta nos provee de una ponderación del alma humana elaborada desde el desasosiego que nos presenta a los hermanos, o mejor dicho, a las hermanas Prozorov, que tras la muerte del patriarca se verán obligadas a hacer frente a unas vidas vacías, sin dirección y repletas de sueños rotos. Nadie se salvará del abismo que provocan las vidas no deseadas ya sea por motivos sentimentales, profesionales o existenciales.

La vida en la casa familiar de los Prozorov se irá haciendo con el paso del tiempo más triste y asfixiante: Masha (Maria Rodríguez) con una relación de pareja vacía e inconsistente; Olga (Cristina Genebat) con un trabajo como profesora que no le llena e Irina (Elena Tarrats) con unos anhelos de juventud y de futuro que no llegará a cumplir nunca y que sumirán su vida en la desesperanza. Por su parte, Andrei (Marc Rius), el hermano, no será capaz tampoco de realizarse ni profesional ni familiarmente, una situación que lo atrapará y abocará, también, al desánimo.

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Como veis un panorama triste y demoledor que se completa con la situación de todos los personajes relacionados con la familia, y que se verán también atrapados en vidas mediocres o en situaciones no deseadas. De ahí que la idea de trasladarse a Moscú, la capital, y cambiar de vida será el único anhelo que dará coherencia a sus respectivas existencias. A lo que acompañará una constante reflexión filosófica de varios de los personajes sobre el futuro del hombre y de la humanidad, como una alegoría de su incapacidad para cambiar y mejorar.

Así, pues, Les tres germanes, en las manos de Manrique, se convierte en un análisis de la desesperanza, de la vacuidad de la vida, que no tan solo atañe a los que están sobre el escenario, sino que nos puede afectar a todos y a todas, tan solo al dejar de lado aquello que mueve nuestras entrañas y que hace que nos esforcemos por lo que queremos. Cuando no atendemos a esa energía vital, abrimos las puertas de nuestro ser al vacío y al desasosiego, y en consecuencia al fracaso. Como ven algo muy profundo, nada a extrañar si recordamos que la obra es, en origen, de Chéjov.

La adaptación de Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique ha transfigurado así un texto clásico y, si me lo permiten, delicioso, en una propuesta actual con una puesta en escena contemporánea y con un grupo de actrices y actores que dan mucho de sí en la representación.

A Genebat, Rodríguez, Tarrats y Rius, que conforman el cuerpo principal de las actuaciones, se suma el esfuerzo actoral de Mireia Aixalà, Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Lluís Soler y Jordi Rico, que completan el elenco de la obra.

La escenografía es a la vez sencilla y al mismo tiempo sorprendente, ya que el escenario se convierte en una pecera, en la que veremos como se desarrolla la vida de los personajes, sin capacidad alguna de estos de escapar de ella… Una acertada alegoría a la situación vital que pretende mostrar la obra.

Un empeño, el de versionar a Chéjov, del que ya salió con éxito Manrique en el 2010 al adaptar L’hort del cirerers en el teatro Romea, y que deja un buen sabor de boca en el espectador, aunque el ritmo de la obra no sea siempre todo lo dinámico que debería. Aún así, Les tres germanes es una propuesta a tener en cuenta, un Chéjov, ya sabéis, siempre lo es, y más cuando la obra nos habla de la esencia de la vida, de aquello que nos llena como personas y que nos hace ser lo que somos, cumplamos nuestros anhelos o no.

«Les tres germanes», se representa en el Teatre lliure de Montjuïc del 10 de diciembre de 2020 al 17 de enero de 2021.

Autor: Anton Chéjov
Adaptació: Marc Artigau, Cristina Genebat y Julio Manrique
Dirección: Julio Manrique
Interpretes: Mireia Aixalà,Joan Amargós, Ivan Benet, Carme Fortuny, Cristina Genebat, Jordi Rico, Marc Rius, Maria Rodríguez, Lluís Soler y Elena Tarrats
Espacio escénico: Lluc Castells
Vestuario: Maria Armengol
Caracterización: Núria Llunell
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure

Horarios: de miércoles a sábados a las 19:00 horas; domingos a las 18:00 horas
• Martes 22/12 y 29/12 a las 19:00 horas
Precio: de 9€ a 29€
Idioma: Català
Duración: 2 horas y 15 minutos
NOTA CULTURALIA: 8

Crítica teatral: The Scarlet Letter, en el Teatre Lliure

Bueno, pues ha llegado la nueva normalidad también al teatro, lo que nos ha permitido en Culturalia volver por fin al patio de butacas de la mano del Festival Grec de Barcelona y el Teatre Lliure, para ver The Scarlet Letter de Angélica Liddell, una reflexión escénica sobre la represión de la mujer.

La autora e intérprete se basa en La letra escarlata, obra del siglo XIX escrita por Nathaniel Hawthorne que narra la opresión sufrida por la protagonista al saltarse las normas vigentes en la sociedad puritana de Nueva Inglaterra de principios del siglo XVII. Este pretexto le sirve a Liddell para hacer un recorrido por la represión que ha sufrido la mujer a manos de una sociedad de profunda raigambre y dominio masculino. Este repaso escénico se construye a través de una gran belleza visual que atañe a todos los elementos de la producción: un escenario vacío en el que predomina la coloración escarlata y en el que la masculinidad, materializada en el cuerpo desnudo de ocho hombres, intenta dominar y dar forma a la vida de la protagonista de la novela.

Liddell nos presenta una propuesta atrevida por lo que nos dice y por cómo nos lo dice. La obra mezcla texto recitado con movimientos de danza contemporánea al son de un hilo musical que evoluciona desde los cantos místicos religiosos iniciales a temas más actuales, que nos indican que la reflexión de la autora se extiende más allá de la época en la que se ambienta la novela de Hawthorne.

¿Qué papel ha jugado y juega la mujer en la sociedad occidental? ¿En qué medida la sexualidad ha dado forma a los roles y los espacios sociales ocupados por hombres y mujeres? ¿Cómo la religión y la justicia en el pasado y la ideología en la actualidad aprisionan a la mujer? ¿Qué es el feminismo?

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The Scarlet Letter no deja impasible a nadie. Afirmación que se evidencia en los monólogos que la propia Liddell se encarga de interpretar de forma espléndida y de una dureza implacable, y que se completa con una serie de escenas en las que el movimiento y la desnudez de los actores-bailarines nos permite elevar la mirada y visualizar el peso de la sexualidad en la estructuración de la sociedad del pasado y, también, en la nuestra.

El espectáculo, principalmente en castellano, comparte pátina idiomática con otros idiomas, hecho que nos sugiere la universalidad de la reflexión, siempre claro está, basándose en los temas y los personajes de la obra de Nathaniel Hawthorne.

The Scarlet Letter es una propuesta original e híbrida, ya saben que esto último está muy en boga en la actualidad, y aunque demasiado larga en extensión, nos ofrece una reflexión escénica y visual de impacto, en la que la desnudez, del escenario, de los intérpretes y de la realidad que refleja les dejará en algún momento helados en sus asientos.

El Teatre Lliure, por cierto, se ha adaptado concienzudamente a esta nueva normalidad con gestión online de la venta de entradas, presencia de gel hidroalcohólico, reducción del aforo, uso de mascarillas en el interior y con un sistema de salida del público ordenado y escalonado. Algo a lo que nos tendremos que ir acostumbrando…

The Scarlet Letter se representa en el Teatre Lliure del 2 al 4 de julio de 2020.

Texto, escenografía, vestuario y dirección: Angélica Liddell
Inspirado en: The Scarlet Letter, de Nathaniel Hawthorne
Interpretación: Pietro Quadrino, Tiago Costa, Julian Isenia, Angélica Liddell, Borja López, Tiago Mansilha, Daniel Matos, Thomas Conor Doherty , Nuno Nolasco, Antonio Pauletta, Antonio L. Pedraza, Sindo Puche. Con la participación de: Valeri Bernat, Thomas Sgarra, Philomène Troullier
Diseño de la iluminación: Jean Huleu
Diseño del sonido y del vídeo: Antonio Navarro

Horarios: de jueves a sábado a las 20:30 horas
Precio: 15€
Idioma: castellano e inglés, portugués, italiano (con subtítulos en castellano)
Duración: 105 minutos

Días de confinamiento 3: teatro y artes escénicas en casa

No podía ser que después de recomendaros visitas a exposiciones y lecturas online para estos días de confinamiento debido a la pandemia de coronavirus COVID-19, nos olvidáramos del teatro, una sección con un peso muy importante en nuestro blog. Así, pues, os dejamos aquí con una selección de propuesta, muy escénicas y muy interesantes para consumir en casa.

Teatroteca

Teatroteca

Teatroteca es el portal que el Centro de Documentación Teatral del INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música) ofrece a los aficionados a las artes escénicas con un catálogo de 1.595 títulos. Tan solo hay que suscribirse, de manera gratuita, para poder visionar tanto espectáculos históricos como recientes. Un portal que además ofrece, en muchas de sus obras, autodescipción para personas con discapacidad visual, subtitulado para sordos y lengua de signos.

Enlace Teatroteca

Archivo RTVE

Archivo RTVE

En el archivo de RTVE se pueden recuperar desde casa un montón de obras de dramaturgos de todo el mundo, desde clásicos a contemporáneos, incluyendo dramas, comedias y piezas de vanguardia.

Enlace Archivo RTVE

Teatro de la Zarzuela

Teatro de la Zarzuela

El canal de YouTube del Teatro de la Zarzuela ofrece en abierto todas las retransmisiones que se han hecho en directo para que todos podamos disfrutarlas durante este periodo desde casa.

Enlace Teatro de la Zarzuela

Teatre LLiure

Teatre Lliure

El teatre Lliure con la propuesta #LliureAlSofà comparte algunos de sus espectáculos a través de su canal de youtube.

A partir del día 19 de marzo, el Teatro Lliure de Barcelona, a través del hashtag #TheShowMustGoOn, ofrece algunas obras en sus redes sociales de Instagram, Youtube o Twitter. La propuesta estrella es #LliurealSofà, que permite ver al completo obras teatrales en la cuenta del teatro en Youtube.

Enlace Teatre Lliure

Youtube: Obras completas en castellano

Youtube

Como no podía ser de otra forma Youtube ofrece inmumerables propuestas teatrales en su web. Os recomendamos que busqueis el playlist «Obras completas en castellano» que posee un amplísimo y muy variado número de espectáculos completos.

Enlace Youtube

BROADWAY HD

Broadway HD

BROADWAY HD pone a disposición de todos los usuarios online la posibilidad de ver su catálogo gratis durante una semana. A partir de esa semana la suscripción es automáticamente de pago, y se puede cancelar en cualquier momento.

Enlace BROADWAY HD

Alltheater

Alltheater

También hay plataformas de pago como la española Alltheater que posee un amplio catálogo de espectáculos. Con alltheater.es tendrás acceso exclusivo a algunas de las producciones más interesantes y relevantes, contenidos extras, entrevistas, podcasts e información sobre la producción teatral.

Si te registras en la sección #CulturaEnMarcha #SinSalirDeCasa, podrás disfrutar gratis de las obras en catálogo.

Enlace Alltheather

Teatro real

Teatre Real

La propia plataforma del Teatro Real: My Opera Player, te ofrece gratuitamente una gran variedad de espectáculos líricos o de danza representados en diferentes teatros del mundo.

Enlace Teatro Real

Teatros del Canal

Teatros del Canal

La iniciativa ‘La cuarta sala del Canal’ ofrece al público diferentes piezas creadas por los artistas desde sus casas. Podemos acceder a ella a través de la cuenta de Facebook de los Teatros del Canal y en las cuentas de Twitter e Instagram con las etiquetas #SinSalirDeCasa, #ElCanalEnCasa y #LaCuartaSalaCanal.

Enlace Teatros del Canal

El TNC a Casa

TNC

El TNC junto a Arola Editors ofrece gratuitamente más de 60 textos teatrales para todos los gustos, tanto clasicos como contemporáneos. A ello se suman prólogos, artículos y otros textos para profundizar en la lectura de cada título.

Enlace TNC a Casa

GRUP FOCUS #TeatreaCasa

Focus

Grupo Focus comparte con el público una parte de su catálogo que incluye Adossats y El fantasma de Canterville o películas con origen teatral como El nom y Res no tornarà a ser com abans.

Enlace Grup Focus

Crítica teatral: Assaig sobre la lucidesa, en el Teatre Lliure

assaig.sobre.la.lucidesa_Teatre lliureEl Festival Grec va tocando ya a su fin este año, y en Culturalia nos disponemos a reseñar algunos de los últimos espectáculos programados. En esta ocasión analizamos Assaig sobre la lucidesa, obra de teatro basada en la novela de José Saramago, adaptada por Jumon Erra y que nos permite reflexionar sobre la relación del ser humano y la política y los derechos y obligaciones de la ciudadanía.

«En una ciudad se convocan elecciones y la mayor parte de la población decide votar en blanco. Este hecho, que se suma a un extraño episodio de ceguera que ya vivió la ciudad años atrás, sitúa a los políticos a la ofensiva con el objetivo de averiguar qué está pasando y quien es el culpable. Para ello no dejarán de recurrir a los métodos más arbitrarios, poniendo en riesgo los derechos e incluso la vida de los ciudadanos».

Assaig sobre la lucidesa posee dos valores principales. El primero no es otro que adaptar una obra de Saramago, algo ya de por sí meritorio, y que sigue la estela de la adaptación cinematográfica de Ensayo sobre la ceguera (A ciegas, Fernando Meirelles, 2008). El segundo es la reflexión que propone la obra, ya que indaga sobre la relación entre gobernados y gobernantes y sobre el desgaste de las democracias en el mundo actual.

Jumon Erra opta por un espectáculo de pequeño formato en el que concentrar toda la reflexión de Saramago. Cuenta con la base de un buen relato y con la complicidad de los cinco actores y actrices que integran el elenco: Elena Fortuny, Xavier Frau, Òscar Intente, Maria Ribera y Jacob Torres, que dan vida a los diferentes personajes de la historia. Una dirección de actores que si bien muestra una cierta premura en los inicios de la representación, se va consolidando a medida que pasan los minutos.

El resto es dejado a la imaginación del público, ya que aparte de mínimos elementos de atrezo y la utilización de rotuladores con el que se marca la acción sobre el escenario, el espacio escénico se mantiene vacío a lo largo de la representación.

Y el relato de la obra, que podemos hacer nuestro muy fácilmente, nos propone reflexionar sobre cómo la política y los políticos gestionan a los gobernados. Que la mayoría de la población de una ciudad se atreva a votar en blanco sin respeto a las leyes democráticas de convivencia, pondrá a los políticos de la ciudad y del país en una situación complicada, que les forzará a tomar medidas cada vez más drásticas para descubrir quién está al frente de la «revuelta» ciudadana.

Es aquí donde hallamos la pluma más afilada de Saramago, al proponer un inicio de crisis en el sistema y detallarnos cómo el propio sistema pretende solucionarlo, sin tener en cuenta las libertades y los derechos de los ciudadanos y las ciudadanas. Algo hacia lo que podría dirigirse la política mundial en un mundo de cambio y de pérdida de autoridad de los poderes establecidos.

La compañía La danesa da en el clavo con esta propuesta, que si bien casi entra más en el ámbito de la ciencia-ficción, como ya le paso en parte a Ensayo sobre la ceguera (en la que Saramago nos mostraba la violencia ejercida por la propia población en un momento de crisis) nos permite especular sobre cómo respondería la política y los políticos ante una revolución ciudadana.

«Assaig sobre la lucidesa» se representó en el Teatre Lliure el viernes 27 y el sábado 28 de julio de 2018.

Autoría: José Saramago
Versión / Adaptación: Jumon Erra
Interpretación: Elena Fortuny, Xavier Frau, Òscar Intente, Maria Ribera y Jacob Torres
Dirección escénica: Roger Julià
Dramaturgia: Jumon Erra, Roger Julià
Escenografía y vestuario: Clàudia Vilà
Espacio sonoro: Enric Monfort
Diseño de la iluminación: Sylvia Kuchinow
Producción ejecutiva: Cia. La Danesa, Elena Fortuny

Idioma: catalán
Duración: 80 minutos

NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatral: En la solitud dels camps de cotó, en el TNC

Pocas veces se puede ver sobre los escenarios un duelo interpretativo como el que Ivan Benet y Andreu Benito, actores con un curioso juego de apellidos, llevan a cabo en En la solitud dels camps de cotó, obra escrita por el dramaturgo francés Bernard-Marie Koltès, dirigida por Joan Ollé y estrenada en el TNC el pasado 19 de enero, una experiencia teatral que reduce la ilusión escénica al mínimo para abrirnos una puerta a los abismos de la esencia humana.

En la solitud dels camps de cotó es, así, una apuesta descarnada donde asistimos al enfrentamiento entre dos personajes opuestos de los cuáles no conoceremos demasiado, que se encuentran por la noche en un callejón oscuro de la ciudad y que inician un duelo verbal, casi existencial. Si bien, nunca sabremos quiénes son ni qué es lo que realmente ansían, tan solo seremos testigos de la relación que se establece entre ellos, una negociación o intercambio dominado por la voluntad de subyugar al adversario.

Lo primero que destaca de la obra es el texto. En la solitud dels camps de cotó es una pieza de ingeniería textual, en el que Koltès transmuta la prosa en poesía, elaborando diálogos firmes e impenetrables, centrados más en la situación que se establece entre los dos protagonistas que en los personajes.

en-la-solitud-dels-camps-de-cotoUna vez que comienza la representación los motivos y las razones que mueven a los personajes desaparecen, y lo único que queda expuesto ante el espectador son las palabras y las intenciones, aunque estas últimas nunca llegarán a definirse del todo. Así, los diálogos escritos magistralmente por Koltès arremeten no tan solo contra los protagonistas sino también contra los espectadores, que inútilmente intentarán descifrarlos a lo largo de la representación.

La acertada dirección de Ollé se observa en lo definido y lo sólido de las actuaciones y en la consistencia de la puesta en escena, creando una obra casi desde la nada. A esto se ha de sumar unas interpretaciones despiadadas y en algunos momentos también violentas. Un Benito enorme y magistral que aporta, además, una gran presencia sobre el escenario. Y un Benet que avanza con pasos firmes en su carrera y que nos muestra  una réplica al rojo vivo.

La acción de la obra, o mejor dicho, la situación escénica, se desarrolla en un espacio sin forma, configurado tan solo por un sutil juego de luces y sustentado por una plataforma móvil, que acompaña el movimiento de los actores y que confirma la idea de un abismo, en el que lo único auténtico son las palabras y las emociones.

En la solitud dels camps de cotó es, como decía, una experiencia teatral, un tour de force entre dos grandes actores que juega con los elementos propios del teatro para llegar directamente a la conciencia del espectador. Una ocasión para disfrutar de la interpretación de Benito y Benet y de una propuesta innovadora tanto en su escritura como en la forma que adopta sobre el escenario. Una oportunidad imposible de rechazar.

«En la solitud dels camps de cotó» se representa en el TNC hasta el 19 de febrero de 2017.

Autor: Bernard-Marie Koltès
Dirección: Joan Ollé
Traducción: Sergi Belbel
Reparto: Ivan Benet y Andreu Benito
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Míriam Compte
Iluminación: Lionel Spycher
Sonido: Damien Bazin
Movimiento: Andrés Corchero
Caracterización:  Núria Llunell
Producción: Teatre Nacional de Catalunya

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:00 horas y los domingos a las 18:00 horas
Precio: 23€
Duración: 1 hora y 15 minutos, sin entreacto
Idioma: catalán

NOTA CULTURALIA: 8.5
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Jorge Pisa

Crítica teatral: Historia, en el Teatre Lliure

Aunque los grandes personajes históricos y los diversos períodos de la historia suelen ser los protagonistas de muchas obras de teatro, no acostumbra a serlo la Historia como disciplina científica. Pero la compañía Sixto Paz Produccions se atreve en Història a analizar el proceso de estudio histórico relatándonos las pesquisas de un joven estudiante de Historia que además ha iniciado una relación amorosa con la hija de uno de sus profesores de la Universidad.

Todo comienza cuando los dos jóvenes protagonistas de la obra, Pau Roca y Vicky Luengo, se conocen y la química amorosa aflora entre ellos. El trabajo universitario que él iniciará sobre la muerte del historiador Marc Bloch, fusilado por los nazis en el año 1944, le llevará a poner en duda el relato histórico sobre este episodio. Este hecho y el singular desarrollo de su relación de pareja, le harán ser consciente de lo complejo de la psique humana y de lo escurridizas que pueden ser llegar a ser las grandes afirmaciones de la Historia.

Tanto Jan Vilanova Claudín, el autor de la obra, como su director Pau Roca, han sabido plasmar muy bien en la obra cómo se desarrolla el método de investigación histórica, esto es, poner en duda las verdades comúnmente aceptadas. Además esto se adereza al mostrarnos lo complicado de las relaciones humanas, sobre todo si se desarrollan en el sí de un triángulo existencial en el que los lazos y los recursos emocionales se han erosionado con el paso del tiempo.

historia_teatre-lliureLa obra es placida y sencilla, tanto al mostrarnos el progreso de la investigación histórica, apoyada por las nuevas tecnologías y las nuevas bases del conocimiento global, léase Wikipedia, como al narrarnos el avance de las relaciones personales que se tejen entre los tres protagonistas, confirmándonos que la vida es mucho más compleja de lo que nos lo ha podido parecer en algún momento.

Así pues, Història es otro buen trabajo de creación por parte de la compañía Sixto Paz Produccions, en la que destaca una dirección, la de Pau Roca, que se toma su tiempo para narrarnos aquello que nos quiere narrar, y lo hace de forma acertada. A esto se suma una notable interpretación del reparto, en el que Víctor Pi encarna al profesor de Historia que no ha sabido mantener vivos los lazos emocionales con su hija; el mismo Pau Roca, que encarna al joven estudiante abocado a una reflexión histórica y existencial y Vicky Luengo, que lleva a cabo una interpretación fría y afilada de su personaje.

Història es una buena oportunidad para no tan solo reflexionar sobre los continuos retos que comporta el enfrentarse a la vida, a los sentimientos y a las carencias que cada uno de nosotros albergamos en nuestro interior, sino que también nos sorprende mostrándonos que las grandes (y las pequeñas) afirmaciones históricas están muy lejos de ser verdades históricas.

«Història» se representa en el Teatre Lliure del 11 al 29 de enero del 2017.

Autor: Jan Vilanova Claudín
Dirección: Pau Roca
Producción: Sixto Paz Produccions
Reparto: Miquel Gelabert / Víctor Pi, Vicky Luengo y Pau Roca
Espacio escénico: Paula Bosch
Vestuario: Silvia Delagneau
Iluminación: Ignasi Bosch
Música: Pablo Miranda y Txume Viader

Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 15 minutos sin pausa

NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatral: L’Inframón, en el Teatre Lliure

Como es bien sabido, los avances tecnológicos comportan cambios en las vidas de aquellos que los utilizan y, a la larga, modificaciones a la hora de valorar nuestra propia existencia. He aquí una de las claves de L’Inframón, obra estrenada en el Teatre Lliure de Gràcia el pasado 21 de septiembre, escrita por Jennifer Haley y dirigida por Juan Carlos Martel Bayod, y que nos propone una reflexión sobre el límite entre lo que es legal y lo que no en el mundo virtual de internet.

L’Inframón es una thriller de ciencia-ficción con un adn muy cinematográfico en el que Haley reflexiona sobre el impacto de las nuevas tecnologías e internet en el mundo actual. Así, la obra nos presenta una investigación policial en el inframundo, el internet del futuro, que el agente Morris (Mar Ulldemolins) lleva a cabo con el objetivo de desarticular un negocio virtual vinculado con el abuso de menores y la violencia regentado por Sims (Andreu Benito).

Este supuesto permite a Haley no solo crear una trama de intriga policial al estilo hollywoodiense, con giros e insinuaciones falsas en la trama, sino hacernos reflexionar también sobre el uso que le damos a la tecnología que tenemos a nuestro alcance, presentándonos “el inframundo”, una red de conexión a internet evolucionada que permite integrar las sensaciones en la experiencia virtual. De esta forma, la obra nos hace dudar y, por lo tanto reflexionar, sobre la naturaleza de la realidad que percibimos, y sobre qué vidas son más reales, aquellas que nuestros avatares pueden llevar a cabo en internet o las nuestra propias.

La trama se ubica en un futuro cercano pero indefinido y se estructura en un doble relato escénico. Por un lado seremos testigos de la investigación policial que se está realizando en el plano real, mientras que por otra parte podremos presenciar la investigación que se lleva a cabo en el ámbito virtual, todo ello exquisitamente resuelto con la utilización combinada de audiovisuales y juegos de luces y superficies, que permiten hacer aparecer y desvanecer espacios sobre el escenario, permitiendo a los espectadores, así, situarse a la perfección en la doble realidad de la que nos habla la historia.

l_inframon_teatre-lliureLa obra, como ya he comentado, trata además temas sensibles en la actualidad como son la actividad maliciosa en el mundo virtual de internet, la violencia y, sobre todo, el abuso de menores. Aún así, Haley y Martel Bayod examinan estas temáticas con gran elegancia, algo que potencia, además, el alcance y el acierto de la propuesta.

Por lo que respecta a las interpretaciones, Benito, Ulldemolins y Carreras dan vida a los personajes principales de la trama. Benito acierta, como siempre, en la composición del personaje oscuro sobre el que gira la trama y el mundo virtual que nos es presentado; Carreras, aunque de forma secundaria, muestra su destreza interpretativa, si bien Ulldemolins no acaba de encontrar su lugar a la hora de dar vida a la investigadora policial del inframundo que lleva a cabo la investigación del negocio de Sims. Y, cabe destacar por su frescura y pericia, la jovencísima Carla Schilt que da vida a Iris, seguramente el personaje clave de la obra.

L’Inframón en una reflexión que hace uso de los géneros de la ciencia-ficción y de la intriga en el teatro de forma firme e intensa, pero que no acaba de ser un producto redondo, ya sea debido a su naturaleza próxima al episodio televisivo o al thriller cinematográfico de éxito, que la asemejan a tantas otras propuestas ya conocidas, o porqué, y siendo muy puristas, no acaba de rizar el rizo en lo que respecta a la conclusión de la historia.

En lo que sí que destaca la propuesta del Lliure es en su voluntad de hacernos meditar sobre temas importantísimos en nuestra vida cotidiana y que cada vez lo serán más a medida que evolucione la tecnología y con ella nuestra forma de comprender la realidad. L’Inframón es, pues, una excelente oportunidad para ver el teatro de otra forma e intuir hacia dónde nos puede llevar el avance tecnológico, y algunos de los dilemas legales y morales que, seguro, este generará.

L’Inframón” se representa en el Teatre Lliure de Gràcia hasta el 16 de octubre de 2016.

Autora: Jennifer Haley
Dirección: Juan Carlos Martel Bayod
Reparto: Andreu Benito, Joan Carreras, Carla Schilt, Víctor Pi y Mar Ulldemolins
Traducción: Neus Bonill
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar
Caracterización: Eva Fernández
Iluminación: David Bofarull (a.a.i.)
Sonido: Damien Bazin
Producción: Teatre Lliure  y GREC 2016 Festival de Barcelona

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precios: de 15 a 29€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 20 minutos sin pausa

NOTA CULTURALIA: 8.5
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Jorge Pisa

De Damasc a Idomeni, en el Teatre Lliure, una obra de teatro para mantener activo el barco de salvamento marino Astral

Os presentamos hoy una acción escénica solidaria producida por el Teatre Lliure, cuyo objetivo es ayudar al mantenimiento de la actividad de salvamento de refugiados en las aguas del Mediterràneo llevada a cabo por el barco Astral de la ONG Proactiva Open Arms.

El 12 de Septiembre el Teatre Lliure ofrecerá un espectáculo solidario con la ONG Proactiva Open Arms, con la participación de 60 grandes nombres de la escena de este país. Dos funciones en un mismo día, a las 20:00 y a las 21:30 horas, con el objetivo de mantener el barco de salvamento marítimo Astral en activo durante un mínimo de 15 días.

La ONG. Proactiva Open Arms fue fundada por socorristas voluntarios en el año 2015 para actuar en la crisis de los refugiados en las costas griegas, la organización estableció su campamento base en Lesbos, y actualmente trabaja en las nuevas rutas marítimas abiertas hacia Europa desde el acuerdo entre la UE y Turquía para el cierre de fronteras terrestres el pasado marzo. Para llevar a cabo esta actividad, les ha sido cedida una embarcación, el Astral, que han convertido en barco medicalizado de salvamento y vigilancia, y han ampliado sus equipos para conseguir reducir el número de naufragios en aguas internacionales del Mediterráneo.

El proyecto. Se ha unido a 20 autores, 20 directores y 20 intérpretes con el compromiso de hacer visible esta crisis humanitaria de primera magnitud, la mayor vivida por Europa desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Con la colaboración de representantes de varias entidades que han seguido de cerca el conflicto, se ha realizado un trabajo previo con la voluntad de conocer la realidad más allá de lo que conocemos a través de los medios y las redes. Asímismo, hemos querido reducir al mínimo la distancia entre esta realidad y nosotros, un criterio que ha conformado también el espectáculo.

El espectáculo. Se representará en la Sala Fabià Puigserver. El patio de butacas se convertirá en una gran sala con 20 mesas independientes dispuestas para recibir a 8 espectadores cada una. En cada mesa, simultáneamente, un intérprete contará un monólogo vinculado con la experiencia de la guerra y el exilio. Los monólogos serán de un máximo de 5 minutos cada uno, y los intérpretes irán cambiando de mesa. Se calcula que en los cuarenta y cinco minutos que durará la función los espectadores de cada mesa podrán presenciar entre 5 y 6 monólogos, sin tener que cambiar de asiento y en la más corta distancia.

El objetivo. El coste de mantener el barco de Proactiva Open Arms en activo durante 15 días es de 22.400€. Si conseguimos llenar las dos funciones con una aportación media de 70€ por persona, ¡reto conseguido!

Para realizar un donativo. No se cobrará entrada en el momento de realizar la reserva ni antes de entrar en la función; los donativos se realizarán a la salida, directamente a la ONG, en efectivo o con tarjeta. Se ha establecido un importe mínimo de 50€ por persona.

Para asistir a la función. El aforo de cada función es sólo de 160 localidades. Para asistir debéis reservar entrada a través de los canales habituales:

• Por el servicio de venta de entradas por internet
• Por email info@teatrelliure.com
• Por teléfono al 902 106 369

Dramaturgos:
Marc Angelet
Gemma Brió
Marta Buchaca
Jordi Casanovas
Clàudia Cedó
Cristina Clemente
Guillem Clua
Daniela Feixas
Marta Galán
Llàtzer Garcia
Josep Maria Miró
Pau Miró
Anna Maria Ricart
Pere Riera
Marc Rosich
Jordi Oriol
Marilia Samper
Mercè Sarrias
Victoria Szpunberg
Joan Yago

Directores:
Xavier Albertí
Sergi Belbel
Iban Beltran
Pau Carrió
Imma Colomer
Alícia Gorina
Carol López
Juan Carlos Martel
Xicu Masó
Josep Maria Mestres
Sílvia Munt
Lluís Pasqual
Carme Portaceli
Jordi Prat i Coll
Magda Puyo
Àlex Rigola
Ramon Simó
Carlota Subirós
Oriol Tarrasón
Ferran Utzet

Intérpretes:
David Bagés
Sílvia Bel
Ivan Benet
Jordi Bosch
Àlex Casanovas
Aina Clotet
Eduard Farelo
Lluís Homar
Míriam Iscla
Mònica López
Pol López
Marta Marco
Àurea Márquez
Nora Navas
Vicky Peña
Rosa Renom
Fina Rius
Rosa Maria Sardà
David Selvas
Toni Sevilla
Emma Vilarasau

Producción: Teatre Lliure
Fecha: 12 de septiembre
Horarios: 20:00 y 21:30 horas
Duración aproximada: 45 minutos

Enlaces de interés:

Proactiva Open Arms
El barco