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Espectáculo musical: Queen Symphonic Rhapsody, en el teatro Coliseum (Barcelona)


El próximo 12 de mayo llega al teatro Coliseum Queen Symphonic Rhapsody, un espectáculo de más 2 horas de duración en las que descubrir o volver a disfrutar de las mejores creaciones de QUEEN, interpretadas por Thomas Vikström, Michele McCain, Mats Levén y Graciela Armendáriz, Una poderosa fusión entre el rock en estado puro y el género clásico.

QUEEN SYMPHONIC RHAPSODY, es un espectáculo donde se necesitan los cinco sentidos para entender que, después de QUEEN no ha existido nada igual. Es un encuentro entre el clásico y el rock de muchas generaciones, un espectáculo y una producción sin precedentes. La combinación de las melodías del mejor rock de Queen con la música clásica.

La ONE WORLD SYMPHONIC ORCHESTRA, junto con la ROCK BAND, fusionan las obras y los éxitos más importantes de la célebre banda inglesa. La exuberancia se mezcla con momentos tenues, lo clásico con lo moderno, los ritmos más trepidantes con el romanticismo, durante los cuales todos los músicos, artistas, cantantes y coros demuestran una luz y una sombra sorprendente. Todos son Queen. Todos entran en una dimensión donde no se distingue entre la fantasía y la realidad.

Un espectáculo que se convertirá en un referente habitual dentro de la escena musical en vivo. Formado siempre por un elenco de artistas de primer nivel, capacitados no solo para no defraudar a los más fieles seguidores de QUEEN, sino para superar sus expectativas, un espectáculo que promete conmover a los fieles de la banda británica, creando un emotivo ambiente de complicidad, en el que la música y la energía que fluye entre los músicos y el público, culminan en una experiencia mágica e inolvidable.

Concierto Queen Symphonic Rhapsody – Gira 2012
Cantantes: Thomas Vikström, Michele McCain, Mats Levén y Graciela Armendáriz.
Bandas: One World Symphonic Orchestra y Rock Band
Organizado por: Moon World Records

Lugar: Teatro Coliseum (Barcelona)
Fechas: 12 y 13 de mayo de 2012
Horarios:
    – Sábado 12 de mayo a las 21:00 horas
    – Domingo 13 de mayo a las 19:00 horas

Precio: de 35 a 45 €.



Gira 2012 Queen Symphonic Rhapsody

28 Abril – ELDA – Teatro Castelar
30 Abril – SANTANDER – Palacio de Festivales
1 Mayo – SANTANDER – Palacio de Festivales
2 Mayo – OVIEDO – Teatro Filarmónica
6 Mayo – ELCHE – Gran Teatre
12 Mayo – BARCELONA – Teatro Coliseum
13 Mayo – BARCELONA – Teatro Coliseumanulada
17 Mayo – EL EJIDO – Auditorio de El Ejido
18 Mayo – ALMERÍA – Teatro Maestro Padilla
20 Mayo – CARTAGENA – Auditorio El Batel

4 al 16 Sep. – MADRID – Teatro Nuevo Apolo
7 Nov.
 – BILBAO – Palacio Euskalduna
8 Nov. – LOGROÑO – Auditorio Rioja Forum
9 Nov. – AVILÉS – Auditorio Casa de Cultura de Avilés
11 Nov. – SAN SEBASTIÁN – Teatro Reina Victoria Eugenia
15 Nov. – ZARAGOZA – Teatro Principal
16 Nov. – SALAMANCA – Auditorio Caem
17 Nov. – ÁVILA – Auditorio Lienzo Norte
18 Nov. – MÁLAGA – Teatro Cervantes
23 Nov. – GRANADA – Auditorio Palacio de Congresos
24 Nov. – MURCIA
27 Nov.  ALICANTE – Teatro Principal
28 Nov. – ALICANTE – Teatro Principal
30 Nov. – PALMA MALLORCA – Auditorio de Palma de Mallorca
1 Dic. – PALMA MALLORCA – Auditorio de Palma de Mallorca
4 Dic. – VALENCIA – Palau de la Música

Más información: http://www.queensymphonicrhapsody.com/

Programación en Porta 4 para el mes de mayo

El próximo mes de mayo la sala Porta 4 renueva su programación teatral; aquí os presentamos los espectáculos que se podrán ver en la pequeña sala de Gràcia en las próximas semanas.

Yo, sola, de Verónica Pallini

Regresa a este pequeño teatro de Barcelona Yo, sola, la divertida biografía escénica explicada por Verónica Pallini, quien asume su soledad para someterse a una experiencia terapéutica alternativa, conocida como Terapia Disney, que le permitirá convertirse en aquellos personajes Disney que ansiaban encontrar a su príncipe azul –Wendy Pan, Blancanieves o su terrible Madrastra– y que el tiempo les demostró que esa búsqueda es totalmente estéril.

Idea original: Verónica Pallini
Dramaturgia: Fernanda Metilli, Patricia Suárez y Verónica Pallini
Performer/actriz: Verónica Pallini
Colaboraciones: Mon Costa, Montse Valentí, Tuni Montserrat, Gautam Rao
Producción: Porta 4

Horario: todos los viernes a las 23:00 horas
Duración: 75 minutos
Idioma: castellano
Precio: 12 €

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Noel Road 25: a genius like us

Joe Orton y Keneth Halliwell eran dos jóvenes artistas en la sociedad inglesa de los años 60. Convertidos en amantes, decidieron mudarse a un pequeño estudio del número 25 de Noel Road, lugar del que nunca más volvieron a salir: el 9 de agosto de 1967, Halliwell mató a Orton con nueve golpes de martillo en la cabeza, y a continuación se suicidó. Carlos Be adapta esta triste historia para situar a esos dos personajes en un paraíso infernal, mezcla de cielo y purgatorio, donde vuelven constantemente para buscar las causas de sus miserias

Autor: Carlos Be
Dirección y dramaturgia: Gaston Core
Intérpretes: Sergi Gibert y Andoo Rius

Horario: los sábados 5, 12 y 26 de mayo a las 20:00 horas
Duración: 60 minutos
Idioma: catalán
Precio: 10 €

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Anguilas, de Andrés Cavallin

Andrés Cavallin firma un monólogo basado en cinco historias escritas y dramatizadas por él mismo. En el texto que nos presenta habla de la memoria, la identidad, la inmigración y la integración, un monólogo que nos permitirá conocer su infancia en el río de la Plata hasta el presente, en tierras catalanas, en una representación tragicómica y poética alejada de la superficialidad.

Autor: Andrés Cavallin
Intérprete: Andrés Cavallin
Diseño de luces: Mónica Luchetti
Música: Ferran Martinez Palou y el Nono
Construcción: Andrés Cavallin

Horario: los sábados a las 22:00 horas
Duración: 60 minutos
Idioma: castellano y catalán
Precio: 10 €

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No exit?, de la Cía. Amartis

La Compañía Amartis presenta este proyecto polivalente y espontáneo en el que encontramos teatro físico, performance, música en directo y vídeo proyecciones de creación propia para hablar sobre el T.O.C. [Trastorno Obsesivo Compulsivo] que padece la protagonista, una mujer insegura, con la autoestima baja y que apenas siente respeto por sí misma, un blanco perfecto para los dardos destructivos y la espiral del autoengaño.

Intérprete: Elisenda Selvas
Producción: Compañía Amartis

Horario: los domingos a las 19:00 horas
Duración: 60 minutos
Idioma: catalán
Precio: 10 €

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Ñaque O de piojos y actores, de Aldarull Teatre

Basado en un texto de José Sanchis Sinisterra, en Ñaque O de piojos y actores se cruzan dos épocas: el siglo XVI, en el que viven los dos protagonistas, y el siglo XXI, en el que se encuentra el público. Solano y Ríos son dos actores condenados a viajar en el tiempo, a reaparecer en cualquier teatro y en cualquier época para volver a representar su repertorio. Provistos de un arcón en el que guardan sus utensilios teatrales, ambos van desgranando su arte y recordando sus andanzas ante un público que, aparentemente, sólo mira y escucha.

Autor: José Sanchis Sinisterra
Intérpretes: Fátima de Gispert y Diego Reparaz
Dirección: Anna López Cañellas
Producción: Compañía Aldarull Teatre

Horario: los domingos a las 21:00 horas
Duración: 60 minutos
Idioma: castellano
Precio: 10 €

 

Crítica teatral: Campanades de boda, La Cubana en el Teatro Tívoli.


La Cubana
regresa a los escenarios con un espectáculo de humor «cotidiano» en el que recrea uno de los eventos familiares más teatrales que existen: la ¡celebración de una boda!, todo un reto que puede acabar con la paciencia y la firmeza de cualquier familia.

Como les decía, es precisamente, y sin ninguna duda, la celebración de una boda, una de las situaciones en las que una familia, por muy sólidos que sean sus lazos y por muy firme que sea su estructura, puede llegar a sufrir las mayores tensiones y estrés a la hora de presentar en público no solo a todos y cada uno de los miembros que la componen, sino también la capacidad económica y resolutiva de la misma. Eso en una familia que podríamos considerar «normal», si es que se puede utilizar este adjetivo al respecto. Imagínense si la compañía de teatro La Cubana está de por medio… la situación puede estallar en una vorágine de risas y carcajadas… Y eso es exactamente lo que va a pasar!!

Figúrense: la familia Rius, propietaria de una de las floristerías más conocidas de la ciudad de Barcelona, está organizando la boda de Violeta, la única hija casadera de la «nissaga«. El problema es que ella misma no está muy interesada en el asunto, y lo deja todo en manos de su madre Hortensia y de su tía Margarita, las dos cabezas de familia que se encargarán de transformar una pequeña ceremonia en un bodorrio por todo lo alto. A todo ésto se suma un ingrediente algo exótico: la joven Rius se casa con Vickram Sodhi, un actor indio del espectáculo Bollywood the Show que conoció en Barcelona.

Este es el punto de partida que, no lo duden, no dejará de complicarse de la mano de los integrantes de La Cubana. La representación se inicia justo en el después, cuando las dos matriarcas de la familia, Margarita y Hortensia, reflexionan sobre cómo ha ido la boda. De inmediato nos situamos varias horas antes del evento y somos testigos de todos los problemas que se pueden presentar en un acontecimiento de tal magnitud: el lugar de celebración es demasiado pequeño para albergar a todos los invitados a la boda; el restaurante que falla; se están reuniendo en el mismo espacio los diferentes miembros de la familia que, en muchos casos, no «se tragan»: La tía andaluza chapada a la antigua; el ex-marido policía nacional que trae a su actual pareja, algo casquivana y alcohólica; los dos hermanos de Violeta, Narcís y Jacint con sus respectivas parejas, una brasileña rebelde que cazó al heredero del negocio y un joven afable y tradicional que quiere también casarse; los últimos arreglos de los trajes y de los peinados; las últimas dudas y nerviosismos… Como ven, una materia prima de primera para La Cubana!!

El espectáculo se divide en dos grandes partes; la primera en la que veremos los últimos preparativos y las indecisiones de la familia, que se desarrolla en el escenario, con la casa familiar de los Rius como telón de fondo; la segunda en la propia celebración de la boda, donde La Cubana se nos muestra como ella misma y donde la interactuación con el público será constante. Es en este momento en el que los espectadores del espectáculo se transforman en los invitados de la boda y donde pasarán a formar parte de la misma celebración. Por cierto, no se apure que si no ha ido todo lo bien «arreglada» que debiera, tendrá la oportunidad de retocarse un poco!!! Es en esta parte de la representación donde los actores y el público interactuarán, también, con la pantalla de video: la boda se realiza mediante poderes, lo que significa que estaremos conectados audiovisualmente con la «otra» celebración que se realiza en la India. Un recurso este último que ya había utilizado la compañía anteriormente.

Como les digo, será en esta última parte de la actuación donde el humor, que ya ha calentado motores en la previa, explotará por los aires (en el sentido positivo de la palabra) y no pararemos de reír hasta el final de la representación, en base al humor de La Cubana, un humor cotidiano y corriente que se fija en lo ordinario de la vida (también en el buen sentido de la palabra) y que nos hace reír porqué nos recuerda, seguro, algún episodio o persona de nuestra vida privada: las madres y «tietas» metomentodo; los hermanos calzonazos, los padres «casposos» y morunos; el servicio doméstico y familiar «de toda la vida»…

Pues bien, La Cubana nos presenta un obra coral que no desmerece, en ningún sentido, al tipo de espectáculos a los que nos tenía acostumbrado (Cómeme el coco negro, Cegada de amor, Mamá, quiero ser famoso…), y en el que la habilidad y el buen hacer de sus actores queda del todo probado… Una verdadera obra de grupo en el que cada una de las actuaciones se suma a las otras para crear un auténtico festín de humor y de risas.

Yo de ustedes, no dejaría escapar una oportunidad como ésta (tienen de tiempo hasta el 3 de junio!), si quieren disfrutar del humor de una compañía con 32 años de recorrido y si quieren echarse unas carcajadas a costa de una celebración de boda que, y eso es lo mejor, podría ser la de cualquiera de nosotros!!! Un seguro para pasárselo de lo grande…


Campanades de boda” se representa en el Teatre Tívoli del 2 de marzo al 3 de junio de 2012.
ESPECTÁCULO PRORROGADO!!

Director: Jordi Millan
Reparto: Mont Plans, Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Maria Garrido, Meritxell Duró, Annabel Totusaus, Babeth Ripoll, Bernat Cot, Montse Amat, Oriol Burés y Jordi Milán
Jefe Técnico: Ramón Rey
Técnico de Luces: Adrià Ferré
Técnico de Sonido: Oriol Llistar
Producció: La Cubana

Horarios: de martes a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:30 horas.
Precio: de miércoles a domingo, 29-35 €; martes 21 €.
Idioma: Castellano

Crítica teatral: Som una noció, en el Club Capitol.


El pasado 16 de marzo se estrenó en la sala Pepe Rubianes del Club Capitol una obra de teatro que repasa la historia de Cataluña en clave de comedia, un ejercicio de humor histórico recomendable para todos los públicos.

Siempre se ha dicho que en el teatro se narran historias, todas ellas revestidas por un envoltorio escénico compuesto de actuaciones, luces y de sonido. En el caso de Som una noció el tópico va más allá de las palabras ya que la obra se propone realizar un periplo histórico por la historia de Cataluña. Y no me dirán que la historia de cualquier país o de cualquier nación no nos proporciona una gran cantidad de situaciones y personajes a los que poder tratar con sentido del humor. Y más si de la historia de la que hablamos es la de Cataluña.

Pues bien, este es el objetivo de Som una noció, un repaso de algunas escenas de la historia de Cataluña repensadas y revisitadas con una visión cómica. La obra nos permitirá ser testigos de la concesión por parte del rey franco Luis el Piadoso de la insignia condal que dio origen a la señera; realizaremos un paseo turístico por los extensos dominios mediterráneos de la Corona de Aragón; testimoniaremos los acuerdos draconianos que llevaron a la unión entre Castilla y la Corona de Aragón; asistiremos a un celebración en un ateneo de finales del siglo XIX o veremos como una pareja de ancianos catalanes «celebran» el final de la dictadura franquista.

Toda la obra está recorrida por un latente sentido del humor que nos permitirá revivir nuestra historia bañada por un humor benevolente que establece constantes relaciones entre pasado y presente. Si bien a la representación le cuesta algo arrancar y mantenerse en vuelo «teatral», pero una vez que lo consigue serán constantes los gags y las risas del público.

Todo ello se consigue con un concienzudo trabajo de guión y de adaptación teatral. Hemos de tener en cuenta que toda la representación se basa en el trabajo de dos jóvenes actores, Oscar Orbezo y Mariona Blanch, y de dos músicos-monjes, Xevi Capdevila y Oriol Pidelaserra, que le darán al asunto un toque musical y cómico. En este aspecto se ha de destacar el intenso esfuerzo actoral de los protagonistas que entrando y saliendo del escenario irán representado a todos y cada uno de los «personajes históricos» a los que hacen referencia. Y lo hacen además con un acertado grado de humor socarrón (y como les he dicho antes, algo soft, no se me vayan a asustar!!) que proporciona a la obra ese toque humorístico tan catalán.

La obra se subdivide en escenas o episodios históricos, hecho que le da una mayor amplitud al espectáculo, pero que ralentiza el ritmo de la representación, ya que las transiciones entre una y otra se hacen un poco largas. Una problemática que se intenta solucionar con un touch musical que se llega a hacer algo repetitivo.

Som una noció, obra que intenta incluso hacer un chiste con su título, es un buen ejemplo de cómo desmilitarizar la historia en estos días en el que cualquier declaración o comentario que hacen los políticos, y aquellos que no lo son, devalúan, tergiversan y convierten el pasado en una arma arrojadiza. Una historia, la de cualquier país, ya sea una gran potencia o una pequeña nación sin estado (como es el caso) que puede legitimar todas y cada una de nuestras ideas y lo que es peor, cualquiera de nuestras acciones, por más viles e inhumanas que éstas sean, y que el espectáculo teatral se esfuerza por relativizar y «comicizar», con el objetivo de reírnos de nosotros mismos y de nuestra historia.

Así que ya sabe, si quiere rememorar algunos de los episodios históricos más destacados de la historia de Cataluña, tiene una cita en la sala Pepe Rubianes del Club Capitol. Pero recuerde, una mirada histórica enriquecida por un generalizado sentido del humor. Un espectáculo no recomendado para aquellos que sufran de o posean una idea de la historia demasiado seria y reverenciada.


Som una noció” se representa en la Sala Pepe Rubianes del Club Capitol del 16 de marzo al 6 de mayo de 2012.

Director: Jordi Purtí
Reparto: Oscar Orbezo y Mariona Blanch
Música: Xevi Capdevila y Oriol Pidelaserra

Horarios: miércoles, jueves, viernes a las 21:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 20-25 €

Programación en Porta 4 para el mes de abril

El próximo mes de abril la sala Porta 4 renueva su programación teatral; aquí os presentamos los espectáculos que se podrán ver en la pequeña sala de Gràcia en las próximas semanas.

Noviembre del 36, de Topich Theatrical y Junna Films

Rafael Alberti declaró en la academia de Bellas Artes que su propósito con “Noche de guerra en el Museo del Prado” era: “dar la palabra a la pintura”.

Hay dos épocas; la Guerra Civil y la Guerra de la Independencia. Ése es el paralelismo que propone la obra; pero el gran acierto, sin duda alguna, es hacer hablar a los cuadros de Goya, de Tiziano, de Velázquez, o de Fra Angélico, entre otros. Este no es un alegato a la guerra, es una reflexión sobre nuestros tiempos con la intención de no olvidar nuestra historia para no repetir los errores del pasado.

1936-1808: “Tenían los mismos rostros, iguales oficios, hervor idéntico en las venas”.

Versión, dramaturgia y dirección: Alain Chipot
Interpretes: Mario Layunta, Sandro López, Miriam Macías, Carlos Manuel, Lola Romero, Rosa Rubio y Yolanda Urban
Asistente de dirección: Yolanda Urban
Productor ejecutivo: Edwin Solache
Diseño de iluminación: Daniel Gener
Fotografía: Edu Barbero

Horario: sábados 14, 21 y 28 de abril a las 20:00 horas y a las 22:30 horas
Duración: 75 minutos
Idioma: castellano
Precio: 10 €

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Yo piedra quiere ser agua, de Palma Morena

La protagonista de Yo piedra quiere ser agua es una mujer hecha de piedra que cada noche sueña con convertirse en agua. Palma Morena presenta un espectáculo en el que encontraremos danza, teatro y clown, un trabajo de investigación que pretende conocer el pensamiento íntimo de una mujer que vive su existencia con la sensación de estar hecha de piedra; el conflicto se manifiesta en su imaginario inconsciente: cada noche, en sueños, la mujer se convierte en agua, y así experimenta la sensación de libertad que nada tiene que ver con su realidad.

Creación e interpretación: Palma Morena Greco
Coreografía: Palma Morena Greco
Músicas: Bau,Gadijo Dilo, G.L.Ferretti, Luigi Nono y Giacinto Scelsi
Sonido: Triggez
Foto cartel: Davide Belfiore
Edición videotrailer 2009: Bure Garcia
Vídeo: Raquel Garcia
Fotos: Chicaverde de la Rubia

Horario: Domingos 15, 22 y 29 a las 19:00 horas
Duración: 50 minutos
Precio: 10 €

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Bufanga, de Timuke Produccions

Bufaganda es una comedia en forma de monólogo en el que encontraremos una compilación de momentos, situaciones y gags que se inspiran en la niñez y la adolescencia de Núria Pellisa, la actriz que ha creado este espectáculo junto a la directora de la obra, Ester Cort.

Espectáculo de creación colectiva: Ester Cort y Núria Pellisa
Dirección: Ester Cort
Intérprete: Núria Pellisa
Ayudante de dirección: Pau Ferran
Escenografía y vestuario: Timuke Produccions
Diseño de luces: Abraham Pérez y Aitor S.Roselló
Grabación sonora: Joël Prieto
Técnico de luces y sonido: Abraham Pérez
Diseño gráfico: Arnau Caparó y Elena Rius
Producción ejecutiva: Timuke Produccions

Horario: domingos 15, 22 y 29 de abril a las 21:00 horas
Duración: 60 minutos
Idioma: catalán
Precio: 10 €

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En John i la caixa de música, de La Trama Produccions

Programado dentro del Petit Porta 4, En John i la caixa de música es un espectáculo familiar especialmente recomendado para los niños de 3 a 10 años, una historia ambientada en el taller de los juguetes de la Calle Estret donde el aviador John se dedica a volar cada noche; así, en una de sus rutas aéreas nocturnas descubre una muñeca autómata en una cajita de música que está desorientada, triste y un poco enfadada. Para animarla John le explicará una historia con la ayuda de un pequeño teatro de sombras chinas.

Dramaturgia y dirección: Xavier Pàmies y Carla Ricart
Intérpretes: Xavier Pàmies y Carla Ricart
Producción: La Trama Produccions
Escenografía: La Trama Produccions
Música: Carlos Cros
Vestuario: La Trama Produccions
Luces y sonido: La Trama Produccions
Diseño gráfico: La Trama Produccions

Horario: 1 de abril a las 12:00 horas
Duración: 50 minutos
Precio: 6 €

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Kashtanka, de la Compañía “Teatro ruso-barcelonés”

La Compañía “Teatro ruso-barcelonés” adapta un cuento de Antón Chejov. Kashtanka es una perrita que se pierde y es acogida por un director de circo, que le inicia en el mundo artístico. La nueva vida transcurre sobre ruedas pero, ¿podrá Kashtanka olvidar sus orígenes?

Texto original: A. Chejov
Adaptación musical y teatral: Compañía “Teatro ruso-barcelonés”
Intérpretes: Imanol Tolaretxipi y Natalia Garustovich
Diseño de luces: Pablo Tudela

Horario: 1 de abril a las 17:00 horas
Precio: 6 €

Crítica teatral: Temporada de Ópera en el teatro Coliseum, La Traviata.


El Grupo Balaña ha programado del 7 al 18 de marzo una experiencia operística en la ciudad de Barcelona que constó de la programación de dos obras, La Traviata de Verdi y Madame Butterfly dePuccini, llevadas a escena por la Compañía Lírica s. XXI, una oportunidad que ha permitido disfrutar al público de la ciudad condal de dos obras maestras del género dirigidas por el director de orquesta Carlos Cuesta.

Una experiencia que no se ubica en el espacio convencional para este tipo de montajes, sino que lo hace en el teatro Coliseum, con la voluntad de acercarse a un público más general con ganas de disfrutar de dos de los grandes clásicos de la ópera.

El Grupo Balaña se ha especializado desde la temporada pasada en la realización de breves temporadas de género, una actividad que inició el año pasado con la programación de algunas de las grandes piezas de la zarzuela española en el teatro Tívoli y que continua en el 2012 con el estreno de estatemporada de ópera en el Coliseum, dos fugaces degustaciones que vienen a satisfacer los gustos y las necesidades de un público que, al menos en la ciudad de Barcelona, no disfruta de una gran oferta en este ámbito.

La programación operística que nos ofrece Grupo Balaña y la Compañía Lírica s. XXI, es firme y consistente, y no sin razón, ya que está elaborada por los miembros de una compañía de carácter internacional que sabe dotar a la representación de un imponente clasicismo y que mantiene visualmente a sus espectáculos en un formato de ópera tradicional.

Una compañía que incluye, entre otros, varios nombres de peso en el panorama operístico como sonNatasha Tupin, Sergio Escobar, Andrés del Pino, Elena Ramos o Lucas Groppo, guiados por la batuta experta de Carlos Cuesta, acostumbrada a la dirección de proyectos internacionales.

La programación de ópera estuvo conformada por un menú doble: del 7 al 11 de marzo se representó La Traviata, de Giuseppe Verdi y del 14 al 18 de marzo Madame Butterfly de Giacomo Puccini.

La representación de La Traviata fue magnifica, hecho no tan solo reconocible por el esfuerzo interpretativo y musical de una obra de esas características, sino también por los aplausos del público que acudió a la representación, bañados por continuos bravos. Una actuación donde predominó la experiencia y la calidad de las voces y de las interpretaciones, que dieron vida a una ópera donde el amor, el desamor y las palpitaciones sentimentales de los personajes están muy presentes.

Si se puede señalar algún reparo en la representación de esta ópera, sería sin duda, la falta de espacio sobre el escenario, demasiado pequeño para un espectáculo con tantos intérpretes en escena, y la construcción de los decorados, demasiado “infantiles” en algunos momentos, hecho que sin duda, restaba efectividad al producto.

Sin embargo, la representación de la Traviata y de Madame Butterfly confirman algunos aspectos, como el hecho de que al público de Barcelona le interesa y le gusta la ópera, demasiado encorsetada en un espacio tan sublime y a veces tan arcano como El Gran Teatre del Liceu. También ratifica que la programación de ópera es posible, también, en otro tipo de espacios que rompen el rigor y la suntuosidad de un género que por su altura, prestigio y nobleza queda reducido muchas veces a ciertas clases y comportamiento sociales. Todo un ejemplo de lo que se conoce como “creación de públicos” y que, visto la asistencia de espectadores, como en el caso de la Temporada de Zarzuela del año pasado en el Tívoli, es más que posible que se pueda repetir en el futuro,

Sin duda alguna la temporada de Ópera en el Teatro Coliseum ha constituido un “menú operístico” de calidad compuesto por grandes voces internacionales y algunas de las piezas más célebres del género, dotadas de una cercanía y una calidez artística que seguro que ha hecho vibrar las “emociones musicales” de aquellos espectadores amantes de la ópera y de aquellos que quisieron adentrarse en uno de los géneros más reconocidos y proverbiales de la música y el teatro.

La «Temporada de Ópera” se representó en el Teatro Coliseum del 7 al 18 de marzo de 2012.
La Traviata, de Giuseppe Verdi (del 7 al 11 de marzo)
Madame Butterfly, de Giacomo Puccini (del 14 al 18 de marzo)

Director escena: Jose Manuel Mouriz
Director musical: Carlos Cuesta
Coreografía: Orietta de la Peña
Diseño de vestuario: Vicente Carrasco
Diseño decorados: Nayden Stefanov y Jose Manuel Mouriz
Diseño iluminación: Meme Tejedor
Producción: CIA. LIRICA s XXI
Reparto: Andrés del Pino, Natasha Tupin, Sergio Escobar, Elena Ramos, Lucas Groppo, Marcelo Aguilar, Meritxell Coma, Tony Durán, Rodrigo del Castillo
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: El tipo de la tumba de al lado, en el Teatro Goya.


El amor surge en el lugar más inesperado, sin entender, a priori, de clases ni culturas, pero ¿funciona a largo plazo al ser los enamorados demasiado diferentes? Si te gustan las amables comedias americanas de amor y desamor “El tipo de la tumba de al lado” es tu obra, pues te hará sonreír ante los problemas de relación que viven sus dos y únicos protagonistas, Maribel Verdú y Antonio Molero.

Laura (Maribel Verdú) es una joven bibliotecaria que ha perdido a su marido y que visita asiduamente su tumba en el cementerio para hablar y desahogarse con él. Pablo (Antonio Molero) es un granjero que visita la tumba de su madre para comentarle como va la granja. Él es, lógicamente, el tipo de la tumba de al lado. Los dos personajes se estudiarán y menospreciarán a distancia de lápida, pero al final se encontrarán y se enamorarán…

Todo esto en un escenario minimalista compuesto por un fondo con un montículo verde por donde los actores pasean y que simula el campo o la granja de Pablo. Y dos prismas rectangulares donde los personajes se sientan para hablar consigo mismos, o entre ellos. Un espacio desnudo que se convertirá, si es necesario, en otros escenarios alejados del cementerio.

Los dos actores comparten, en un principio, sus monólogos con el público cuando cuentan sus experiencias o valoraciones del otro. Hábilmente pasan a conversar entre ellos y vamos asistiendo al inicio y la evolución de esta peculiar historia de amor.

La obra pone de relieve los problemas que surgen en la relación al pertenecer sus integrantes a dos mundos tan diferentes que, incluso, llegan a chocar. Él es de campo a la antigua usanza, sencillo y directo; ella es culta, delicada y algo neurótica. Ninguno de los dos quiere estar solo, pero tampoco quieren renunciar a sus vidas. Maribel Verdú está deliciosa en su papel de mujer aparentemente fuerte, al igual que Antonio Molero como hombre de campo que quiere una mujer para su hogar. Los dos son actores «como la copa de un pino» y llenan el amplio escenario con sus preocupaciones y dudas, que nos plantean como si fuésemos amigos. En este contraste de vidas no esperéis encontrar situaciones como las de “Granjero busca esposa”. El humor es fino y nada chabacano ni soez. Memorable y divertida es la escenificación del primer encuentro sexual entre los dos.

El tipo de la tumba de al lado pasa de la comedia ligera, al drama, cuando hay tensiones en la pareja, pero los dos géneros son tratados con una gran suavidad. De hecho desde el inicio de la obra escucharemos los bucólicos cantares de los pajarillos que pululan imaginarios por el campo y por el cementerio, dando sensación de bienestar, una impresión que nos durará hasta el final de la representación.

El tipo de la tumba de al lado es una adaptación de la exitosa novela sueca del mismo título escrita porKatarina Mazetti. La versión teatral estrenada en el Teatro Goya está dirigida por José María Pou, todo un aval de calidad y divertimento.

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«El tipo de la tumba de al lado» se representa en el Teatre Goya del 11 de febrero al 9 de abril de 2012.

Autora: Katarina Mazetti
Adaptación escénica: Alain Ganas
Dirección: José María Pou
Versión: Josep Maria Pou
Reparto: Maribel Verdú y Antonio Molero
Ayudante Dirección: Fran Arráez
Diseño de Escenografía: Ana Garay
Diseño de Iluminación: Albert Faura
Estilismo: José Juan Rodríguez y Paco Casado
Espacio Sonoro: J. Ballve
Producción: Trasgo Producciones y Focus

Horarios: miércoles, jueves y viernes, a las 21:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingo a las 17:00 y a las 19:00 horas.

Funciones especiales:
6 de abril a las 18:00 y a las 21:00 horas
7 de abril a las 18:00 y a las 21:00 horas
8 de abril a las 18:00 horas
9 de abril a las 18:00 horas

Precio: miércoles y jueves, 25 €; viernes y sábado, 29 €; domingo a las 17:00 h, 25 € y domingo a las 19:00 h, 29 €.

Precio Funciones especiales
6 de abril, 29 €
7 de abril, 29 €
8 de abril, 29 €
9 de abril, 29 €

Duración de la obra: 90 minutos
Idioma: castellano
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Escrito por: Taradete

Crítica teatral: Deflacionable, en la Nau Ivanow.


El pasado jueves 15 de marzo se estrenó en el espacio escénico de la Nau Ivanow Deflacionable, la nueva reflexión teatral que Daniel J. Meyer realiza sobre las consecuencias sociales y económicas de una ruptura amorosa.

Meyer presenta lo que se podría considerar la secuela de Descartable, obra que se estrenó el año pasado también en la Nau Ivanow y que fue representada por los componentes de la compañía Descartable Teatre. Si en su anterior trabajo éramos testigos del día a día de una joven pareja vencida por la inercia y las imposiciones propias de nuestros tiempos, en Deflacionable asistimos a la ruptura de la relación, y más concretamente a la «fiesta del divorcio» de la pareja formada por Víctor y Ana. Y como buena fiesta de divorcio, el espectáculo se representará en un espacio poco convencional que no es otro que el bar de la Nau Ivanow, en donde los propios integrantes de la compañía nos invitan a tomar una copa (recuerden, estamos en una fiesta!!) y nos animan a fotografiarnos (recuerden, estamos en una celebración familiar).

Una vez que cada uno de nosotros ocupa su asiento, da inicio la fiesta-representación. En ella los rituales sociales se invierten. Estarán presentes Ana y su madre, Víctor y su nueva pareja, Fernando, y un showman-presentador que dirigirá todo el cotarro. Es en este momento en el que se mostrarán las voluntades y los objetivos de todos los asistentes a la fiesta: Ana quiere quedarse con la casa que compartió con Víctor, pero para ello ha de pagar la mitad de su valor a su ex-pareja. Víctor necesita el dinero para entregárselo a Fernando para que éste pague la hipoteca de la vivienda donde vivirán juntos. Todo un dominó dinerario que se rompe cuando el banco deniega a Ana el préstamo que ha solicitado, a pesar de los altos ingresos generados de su profesión como arquitecta (una clara referencia a la impune crisis económica en la que vivimos). Esta denegación pondrá en marcha las ambiciones y la codicia de todos los asistentes a la fiesta, en un combate entre todos por hacerse con los recursos necesarios para materializar sus deseos cueste lo que cueste.

Meyer nos proporciona con Deflacionable más material para el debate socio-teatral y disecciona, de nuevo, el mundo de la pareja, de la familia y el papel del hombre y la mujer en el mundo actual. Para ello nos presenta su nueva obra como si fuera un reality show, un formato al que estamos más que acostumbrados gracias a la programación de muchos canales de televisión. El espectador se comporta como un voyeur contemplando todo lo que pasa en la fiesta de divorcio de Víctor y Ana, y como cada uno de los personajes se mueve con el único objetivo de realizar sus deseos egoístas, una clara crítica al sistema capitalista en el que vivimos sumergidos. En escena se nos mostrarán la avaricia y el deseo generado por el dinero; la incapacidad de amar realmente al otro y por lo tanto la facilidad con la que cambiamos de pareja o lo devaluado de conceptos como el amor o el compromiso; el consumo de alcohol como substitutivo y medicina ante nuestros fracasos impuestos por el propio sistema, que necesita de fracasados para su normal funcionamiento; y como no, la dependencia que cada vez más tenemos de la omnipresente tecnología, materializada con el formato de reality show televisivo que adquiere la obra.

El objetivo de cada uno de los protagonistas les llevará, incluso, a traicionarse a sí mismos y a los otros, aunque para ello se vean obligados, en una de las escenas más despiadadas de la obra, a vender en porciones al hijo fruto de la relación «in extremis» entre Víctor y Ana, llamado oportunamente Provecho. Una cruel metáfora del capitalismo llevado hasta sus últimas consecuencias.

El espectáculo diseñado por Meyer y la compañía Descartable Teatre se propone objetivos ambiciosos, si bien se queda a medio camino en su consecución. La obra es arriesgada aunque su materialización escénica no llega a las cotas que alcanzó su anterior trabajo Descartable. Si en aquélla la realización y el lenguaje teatral mantenían una delicada puesta en escena, en Deflacionable el formato está menos «pulido» y el avance de la representación es algo más disparatado, hecho éste que descoloca al espectador en más de una ocasión.

La obra posee un destacable componente de interacción con el público, al que saca del espacio escénico habitual para ubicarlo en un bar/cantina, un lugar más próximo y cotidiano para la mayoría de espectadores. Aunque esta ganancia se desvanece con las dificultades de visualización desde algunos sectores de la improvisada platea. Por lo que respecta a las interpretaciones de los jóvenes integrantes de la compañía, parece que les falta algo más de pulimento en general, algo que no ha de extrañar debido al poco rodaje del espectáculo. No obstante cabe destacar la interpretación como showman-presentador de Marc Pociello, que nos guiará a lo largo de la representación ejerciendo como anfitrión del espectáculo, y la comicidad de Sónia López, que le da a la obra un toque de humor muy sui generis!!

Deflacionable es un buen ejercicio de crítica social manufacturado por una compañía y un director familiarizados con el género, aunque su composición final no alcanza las cotas esperadas. Aún así se convierte en un producto necesario en una época como la nuestra en la que el compromiso, el amor, la buena voluntad y la amistad se agrian día a día contaminadas por la hediondez resultante de una forma de organización económica, política y social que nos embrutece día a día, y que de momento, por desgracia, parece no tener fecha de caducidad.

Deflacionable” se representa en el Espacio Guillot la Nau Ivanow del 15 al 25 de marzo de 2012.

Dramaturgia y dirección: Daniel J. Meyer
Intérpretes: Laia Pellejà, Oscar Jarque, Sonia López, Rafa Delacroix y Marc Pociello
Iluminación: Natalia Ramos
Vestuario: Gimena González
Escenografía: AUS3
Diseño Gráfico: AUS3
Producción: DESCARTABLE TEATRE

Duración de la obra:70 minutos
Idioma:
castellano y catalán
Género:
comedia
Especificaciones:
Fiesta de divorcio con copas incluidas
Entradas:
A la venta en Atrapalo, Telentrada o en taquilla (con o sin copa)

Crítica teatral: Violines y trompetas, en el Teatro Borràs.

El pasado 5 de marzo se estrenó en el Teatre BorràsViolines y trompetas, una de las obras de más éxito del teatro español contemporáneo y un “sentimental” recuerdo a Paco Morán, que interpretó uno de los papeles protagonistas de la misma en la década de los setenta. La pieza analiza, en clave de humor, las peripecias y las componendas sentimentales de los tres integrantes de un trío de música de cámara, encarnados por Joan Pera, Ferrán Rañé y Lloll Bertran.

El re-estreno del pasado lunes tuvo un alto componente de recuerdo y homenaje al dramaturgo Santiago Moncada, autor de la obra (que estuvo presente en el teatro) y a Paco Morán, uno de los grandes cómicos teatrales españoles y una de las claves del éxito de Violines y trompetas allá en el año 1977.

Y no era para menos ya que la ocasión se lo merecía, no solo por aquellos que formaron parte del elenco original sino por aquellos que integran el reparto en esta ocasión: Pera, Lloll (siempre Lloll) y Rañé, a los que acompaña la joven actriz Anna Gras.

La trama de la comedia puede parecer convencional si le echamos un rápido y superficial vistazo, aunque esconde en el texto y en su representación un juego de ideas y una riqueza de matices que la individualizan y le dan esos “puntos positivos” que la convierten en una comedia de éxito y humor asegurado.

Todo el entramado comienza en la casa de Gabriel (Ferran Rañé) e Irene (Lloll Bertran), dos de los componentes de un trió de música de cámara, en donde somos testigos de uno de los últimos momentos de pasión de la pareja. Parece que la magia se ha acabado y que la relación toca a su fin. La ruptura lleva a Irene a marcharse, no sin que se haya producido la inevitable discusión. Todo esto que les explico sería un episodio bastante cotidiano y normal, si me apuran, si no fuera porque Irene es la mujer de Rafael (Joan Pera), el tercer integrante del trío musical y Gabriel su mejor amigo y, por si esto fuera poco, la relación amorosa mantenida entre Gabriel e Irene tiene el visto bueno de Rafael.

Pero el lio no acaba aquí. Gabriel ha provocado la discusión con Irene con el objetivo de iniciar una nueva relación amorosa con una joven (Anna Gras) a la que conoció en un percance ocurrido en el metro, y de la que está rabiosamente enamorado. El objetivo de Gabriel será, pues, conseguir que Irene y Rafael vuelvan a retomar su relación de pareja “oficial”, y conseguir, así, vía libre para su nueva conquista.

Como ven la historia, de la que no se preocupen que no explicaré el final, es una suma de contradicciones humorísticas con las que Santiago Moncada habla de la amistad, del amor y de las relaciones sexuales de un trío, compuesto por dos hombres y una mujer de edad adulta, y de la relación que se establece entre ellos.

Gabriel e Irene que son “la pareja”, en realidad son amantes; Rafael que es el esposo legítimo no solo “bendice” la relación de su esposa y su amigo, sino que la fomenta y la cuida como si fuera la suya propia. Gabriel se dispone a ser infiel con su pareja, asimismo infiel a su marido, y ha de conseguir que Rafael e Irene vuelvan de nuevo a estar juntos, para tener así el camino libre para consolidar su relación con María. Bueno… si les he de ser sincero, no sé si me he perdido yo mismo a la hora de explicar el argumento… Todo un lío, pero revestido con una capa de fino e inteligente humor y de unas interpretaciones magistrales repletas de humor y comicidad.

El epicentro de todo la trama no es otro que Joan Pera, que reinterpreta, de nuevo, su personaje favorito: Joan Pera. En Violines y trompetas, Pera interpreta al miembro más débil del trío musical, en el aspecto físico (altamente hipocondríaco) y en el aspecto anímico. Su actuación y su devaneo por el escenario le dan a su carácter la credibilidad necesaria para que nos creamos la situación en la que vive. Como no podía ser de otra forma, Pera deleita al público presente con su forma de actuar, con sus tics y con su humor “natural”, que inunda cada una de las obras de teatro (léase, comedias) que interpreta. Aunque en esta ocasión Pera cuenta con la asistencia de dos colaboradores de lujo: Lloll Beltrán, que interpreta a su ex esposa y actual amante de su mejor amigo, una mujer con carácter, temple y con unas necesidades sexuales difíciles de cubrir por un único compañero sentimental. Para cerrar este triángulo Rañé interpreta al amigo aprovechado y sin escrúpulos en lo que respecta a la pasión, que solo tiene en cuenta sus intereses, los cuales pondrán en marcha la representación. A este núcleo central se suma la actuación de Anna Gras que interpreta a María, la joven apasionada y enamoradiza que abre su corazón y su cuerpo a un solicito Rañé, al que rechazará cuando éste le pida una relación con algo más de consistencia.

Como se pueden imaginar el trío principal (Pera, Bertran y Rañé) es una “apuesta teatral” que asegura un sinfín de risas y carcajadas, no solo las contenidas en el texto original, sino las provocadas por los pluses de humor que aportan cada uno de ellos. Es necesario, aquí, advertir a aquellos que no digieren bien el humor “a lo Pera”. En este reestreno la obra se construye en base a la actuación y al humor del actor catalán. O sea, que ya saben…

A los demás, que sin duda son mayoría, les recomiendo el visionado de la obra. Una buena excusa para reír y pasárselo en grande con un humor que, desde la blancura y la inocencia de la época en la que fue creado y el “saber hacer” de su autor y, claro está, de su director, Miquel Gorriz, y de su reparto, hará las delicias de todos aquellos que quieran pasárselo bien con las desgracias y tribulaciones de los componentes de un trío musical que además de estar unido por la música, compartirán la amistad, el amor, las decepciones y las experiencias sexuales, todo ello en un orden estricto, claro está. No se olviden de que la obra fue escrita en la espléndida y libertadora década de los setenta…

Violines y trompetas” se representa en el Teatre Borràs desde el 25 de febrero de 2012.

Autor: Santiago Moncada
Dirección: Miquel Gorriz
Reparto: Joan Pera, Lloll Bertran, Ferran Rañé y Anna Gras
Escenografía: Elisabet Castells
Iluminación: Nani Valls
Vestuario: Miriam Compte
Caracterización: Toni Santos
Espacio sonoro: Pau de Nut / Alejandro Vera
Producción: Focus

Horarios: miércoles y viernes a las 21:00 horas; jueves a las 18:00 y a las 21:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingo a las 18:00 horas.
Precios: de 20 a 29 euros
Idioma: catalán
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: Golfus Hispanicus, en el Teatre Arteria Paral·lel.


Moncho Borrajo
 regresa a los escenarios con una crítica «histórica» al poder, a los políticos y a los golfos «hispánicos» en general, un espectáculo de humor y cabaret a lo «Borrajo» que estará en la cartelera del Arteria Paral·lel hasta el próximo 11 de marzo.

Es posiblemente este juego de palabras, Golfus Hispanicus, con origen en el filme musical satírico Golfus de Roma (A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, 1966), el que mejor define la visión que una gran parte de la población tiene (perdón, tenemos!!) sobre los políticos, los financieros y los grandes hombres de negocios que han llevado a nuestro país a una situación de profunda crisis económica y me arriesgo a definir, también, anímica y espiritual.

Borrajo nos propone un antídoto, pero uno que solo actúa durante un par de horas (las que dura el espectáculo) y que nos permite reírnos de nosotros mismos, de nuestros políticos y de la historia de un país que, por desgracia, muchas veces se parece demasiado a un cómic de viñetas.

Y este antídoto se basa en una gran dosis de humor, 100 mg de improvisación, 200 mg de historia de España, 150 mg de espectáculo de cabaret y 300 mg de incontinencia verbal. Algo que, sin duda, nos ha de recordar a la figura y la comicidad de Moncho Borrajo.

Una vez analizados los ingredientes veamos la puesta en escena. Borrajo nos presenta un espectáculo en el cual Monchus Borrajus, un personaje hispano del siglo III d.C. «con posibles», es autorizado por el dios Júpiter a hacer un viaje en el tiempo que lo traerá directamente a la Barcelona del siglo XXI. En su viaje temporal Borrajus ha podido coger algunos apuntes sobre la historia de España, y con ellos en la mano procederá a darnos una «clase magistral». Pero no se asusten no, que esta clase la dará en el más puro sentido Borrajus, en el que el humor, el cabaret, el musical, las cosas dichas tal como son y la improvisación estarán muy pero que muy presentes. Borrajus estará acompañado en su viaje por su joven esclavo (Antonio Campos), que aunque mudo desde pequeño será su ayudante a lo largo de todo el espectáculo.

Podríamos decir que Golfus Hispanicus es un espectáculo dividido en varias partes o tramos. La que da inicio a la obra es la propiamente golfa e hispánica. En ella Borrajus, con su habitual y «políticamente incorrecto» humor repasa los grandes episodios de la historia de España, haciendo continuas referencias y concordancias entre el ayer y el hoy, dejando claro que, muchas veces, nada es tan nuevo «bajo el sol»: los pueblos de la Iberia antigua, la romanización, la invasión de los pueblos germanos (guiados por su gran diosa Merkel), la conquista musulmana, la creación de los reinos cristianos y, como no, la «forja» de la España indisoluble y una con el matrimonio de los Reyes Católicos (que, seguramente, no lo eran tanto…). Un análisis en el que Borrajo se deja llevar por el humor y la ironía para no dejar títere con cabeza. Las referencias a la actualidad, constantes a lo largo de la función, se materializan plenamente al final de esta parte, con la cita textual de «frases» y la descripción de comportamientos de algunos de nuestros políticos «más insignes» en la que reciben todos los colores y todas las ideologías.

Una vez acabado esta parte da inicio un segundo acto en el que la intervención del público es básica, y en la que algunos afortunados podrán participar en uno de los números coreográficos-musicales a «lo moncho» y donde veremos al Borrajo más improvisador en otro «juego» escénico con el público. Acto que es seguido, como resopón, por un breve monólogo final en el que Borrajo se nos presenta sin vestiduras y sin maquillaje, en su versión más auténtica.

Golfus Hispanicus es un espectáculo que se nota que Borrajo quería hacer y que ha hecho desde lo más profundo de su ser, de sus entrañas humanas y escénicas. Un revulsivo a su situación personal y a la situación que vive un país arruinado por la incompetencia de sus políticos y la avaricia y la vileza de los grandes hombres de negocios. Si bien, es posiblemente un espectáculo con una duración excesiva y con una configuración demasiado diversa como para ser completo.

Aún así Golfus Hispanicus es una buena opción para todos aquellos que quieran «ausentarse» un poco, al menos un par de horas, de la tragedia económica y social en la que vive la mayoría de los españoles, riéndose de situaciones y de comportamientos que tanto podrían pasar en nuestra España del siglo XXI, como en la Hispania del siglo III. Es también una ocasión ideal para el reencuentro entre el público y Moncho Borrajo, y volver a degustar un menú de humor, de sátira, de cabaret y de musical al que Borrajo nos tenía acostumbrados.

Una obra prescrita para todos aquellos que quieran apearse momentáneamente de las crudas y desastrosas noticias y realidad que vemos, oímos y leemos en los medios de comunicación y quieran «medicarse» con un poco de realismo humorístico y cotidiano en el que Moncho Borrajo se desenvuelve como pez en el agua. Una oportunidad, sin embargo, que solo podrán gozar hasta el próximo 11 de marzo.


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«Golfus Hispanicus. Tragicomedia musical en un solo acto» se representará en Arteria Paral·lel de Barcelona del 29 de febrero al 11 de marzo de 2012.

Reparto: Moncho Borrajo y Antonio Campos
Voces en off: JM. Sánchez y Lucía Bravo
Diseño de escenografía: Iván Manzanero
Arreglos musicales: R. Borrajo y Rafael Rabay
Diseño iluminación: Daniel Bossio
Diseño de sonido: Víctor Tomé
Vestuario: Ramón Domarco
Autor: Moncho Borrajo
Director: Víctor Conde
Producción: Suspiro Producciones

Horarios: miércoles, jueves y viernes a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo a las 18:00 horas.
Precio: miércoles y jueves de 14,75 a 27 €; viernes, sábados y domingos de 19 a 32 €.
Duración de la obra: 2 horas sin descanso.
Idioma: castellano
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez