Moonwalker the Show, el último tributo musical a Michael Jackson, llega al Teatro Coliseum del 6 al 9 de junio de la mano de Fréderick Henry, quien tras pasar por grandes escenarios estadounidenses trae a Barcelona su homenaje al rey del pop.
Con motivo de la trágica muerte del Rey del Pop, el inolvidable Michael Jackson, el casino «Stratosphere» de Las Vegas, creó un gran homenaje para el mítico cantante. El protagonista era el neoyorkino Frederick Henry. En enero de 2012, Linda Collins creó en Las Vegas, Moonwalker con Mr. Firestone para el público americano, y, simultáneamente, para Europa y Asia, otro similar. En este caso, con Frederick Henry.
Moonwalker the Show se estrenó en Madrid en el Teatro Nuevo Alcalá, con arrollador éxito, en abril del año pasado, en Francia, Alemania, Portugal y el pasado mes de marzo en Malasia.
El elenco del espectáculo está formado por Lorena Jamco, Antonio Tomás, Agustín Guerrero y Jordi Pinyol junto a un cuerpo de ballet en la que destaca la gran bailarina Ainhoa Mouriz. La coreografía es obra de la aclamada Orietta de la Peña que actualmente se encuentra en Londres preparando otro musical.
Es un espectáculo de casi dos horas de duración que inunda de ritmo el escenario, en el que canciones como «Thriller» o «They don’t care about us» se combinan con videos espectaculares, en muchos casos inéditos. Sobre las tablas del Coliseum desfilarán desde lo mejor de los Jackson Five hasta los últimos éxitos de Michael; un total de diecisiete canciones inolvidables entre las que estarán «Smooth criminal» o «Billy Jean«.
Fréderick Henry, el protagonista de Moonwalker the Show, cuenta con el beneplácito de la familia Jackson, y se ha pasado media vida en Las Vegas perfeccionando las coreografías de su ídolo a quien conoció personalmente.
«Moonwalker the Show» se representa en el teatro Coliseum del 6 al 9 de junio de 2013.
Reparto: Frederick Henry, Lorena, Jamco, Antonio Tomás, Agustín Guerrero, Jordi Pinyol, Ainhoa Mouriz… Horarios: jueves 6 y viernes 7 a las 21:00 horas; sábado 8 a las 18:30 y a las 21:30 horas y domingo a las 19:00 horas. Precio: 25 – 30 €
El inquietante Samuel proclama: “Acuéstate, todo parece detenerse; acuéstate y quédate quieto.”
Y Pere, obediente, recibe a su público estirado en un inmaculado catre hecho de sábanas de una frialdad penetrante y soberbia elegancia.
La Villarroel repone “Primer amor”, el relato de un muerto que revivirá para sentenciar que la vida y el amor no tienen sentido fuera del recluimiento personal.
El Samuel del primer párrafo se apellida Beckett y, para quitarle la solemnidad que normalmente le acompaña, diremos que nos azota con una historia espeluznantemente hermosa.
Y ese Pere en posición horizontal se trata ni más menos que de Arquillué, primera espada de la escena catalana, pero para nosotros será enajenado cómplice guiñándonos el ojo hacia un viaje fascinante.
“Yo nunca fui de los que cortan la hierba; al contrario, la cubría de estiércol más bien.” Reconoce sin pudor el desquiciante protagonista. Su lamento se adueña del escenario. No contento con eso, se propaga por el patio de butacas y no se conforma hasta asfixiar al público.
Beckett y Arquillué reflexionan sobre la absurdidad de la vida social convencional y proponen como salida el encierro. Por dentro y por fuera. Un individuo joven se convierte en huérfano y, prácticamente al instante, es desahuciado para morar sin una brizna de entusiasmo hasta dar en un banco público con otra criatura que le abre sus piernas, su casa y su fertilidad (en este orden). Y en su nuevo aislamiento (la convivencia y el matrimonio son ahora el detonante) el impávido personaje casi hallará la paz.
Miquel Górriz y Àlex Ollé, también presentes, ejercen como maestros de ceremonias poniendo a Samuel y a Pere en contacto. Su labor de directores les distingue como creadores exquisitos por el minimalismo de la propuesta: en un espacio neutral por su blancura y despojado de artificios, en el que tramoyista, actor y escenario son uno, porque se retroalimentan continuamente, demuestran una vez más que el teatro es vida hecha de palabra, sugestión e intriga.
Arquillué pone en marcha su solvencia ampliamente contrastada y exhibe, proyecta, modifica y programa de nuevo un registro amplio que recorren el humor surreal, la reflexión concienzuda y el grito de repulsa intransigente. Sus ademanes son calculados y deliberadamente mecánicos: Nos presenta a una criatura terriblemente deshumanizada, un cadáver aún bien articulado.
Beckett, desde debajo del estiércol empuja con tesón la hierba de este “amor iniciático”. Me atrevería a decir que hasta desearía revolcarse con nosotros en este barrizal en que se convierte la sala durante la representación de su maloliente obra.
Por Juan Marea
Apasionante agonía
La Villarroel Barcelona, c/Villarroel, 87 del 7 de mayo al 16 de junio autor: Samuel Beckett versión: José Sanchis Sinisterra traducción: Anna Soler dirección: Miquel Górriz y Àlex Ollé actor: Pere Arquillué espacio sonoro: Josep Sanou asistencia de movimiento: Eva Roig diseño de luces: Carles Borràs duración: 65 minutos horario: martes, miércoles y jueves:20.30 h, viernes: 21 h, sábados: 18.30 y 20.30 h, domingo: 18.30 h precios: 22€ (descuento a mayores de 65 años, menores de 14 años, Tarjeta Rosa, Tarjeta Discapacitado, Club TR3SC y Carnet Jove)
Definitivamente estamos en un momento de auge de la programación de espectáculos musicales al menos sobre los escenarios barceloneses. Si hace unos días hablábamos de las representaciones de The World of Abba, en el teatro Tívoli y de Michael Jackson The Immortal World Tour, en el Palau Sant Jordi, Culturalia también se ha hecho eco de espectáculos como My sweet country, una singular propuesta escénico-musical de The Mamzelles en el Poliorama, The wild party (La festa salvatge) en el Teatre Gaudí o T´estimo, ets perfecte, ja et canviaré, también en el Poliorama. A lo que se suma el próximo estreno por parte de Grup Balaña de Moonwalker, Michael Jackson The Show un nuevo espectáculo tributo a la música del rey del pop o el estreno en septiembre del famoso musical Sonrisas y lágrimas.
Es ahora el turno de Escuela de calor, el espectáculo, un show musical que recorre los éxitos de la música española de los años 80 y 90, todo un legado artístico y musical que nace de los orígenes de la movida madrileña y que recorre varios de los exitazos que produjo la música española a lo largo de los últimas décadas del siglo XX.
Escuela de calor es, también, un claro homenaje a la radio, que fue el medio en el que en aquella época la música llegaba al público, cuando al no existir la miríada de dispositivos fijos y móviles ni el revolucionario servicio de internet de los que gozamos hoy en día, la fm y los casetes reinaban por doquier.
El espectáculo en cuestión está planteado como un concierto en el que tres cantantes, Alberto Comesaña (Amistades peligrosas), Joaquín Padilla (Iguana Tango) y Pablo Perea (La trampa) interpretan los diversos temas. Cada uno con su propio tono de voz y su propio estilo: Un Comesaña más melódico e interactivo, un Padilla más enérgico y un Perea más intenso y hondo.
Como elemento de nexo en la interpretación de los temas que irán sonando a lo largo de las dos horas y media de actuación encontramos la historia de una joven locutora de radio (Paula Sebastián) que irá trabando a través de su historia trágica, cada una de los canciones. Una historia, por otra parte, plagada de los ingredientes típicos de la noche madrileña de aquella/s época/s, estos es, el alcohol, el sexo y la droga.
Momentos a destacar hay muchos y muy diversos, y tan solo hace falta ver el movimiento acompasado de cabezas, hombros y cuerpos de parte del público agitándose al son de las canciones para darse cuenta de que el efecto musical llegaba a buen puerto. Por mi parte he de destacar las dos canciones en tonos rasgados que entonó Pablo Perea, Me cuesta tanto olvidarte de Mecano, y el Te dejé marchar de Luz Casal junto al Embrujada de Tino Casal, cantado por el mismo Perea o las canciones de Loquillo interpretadas magistralmente por Joaquín Padilla, por no hablar de los temas grupales interpretados por los tres cantantes ayudados por las alegres coreografías de Paula Sebastián, como fueron el Mediterráneo de los Rebeldes o el Hace calor de los Rodríguez. Como ven la selección es variada e incluye además temas de otros grupos y artistas como Héroes del Silencio, Gabinete Caligari, Danza invisible, Antonio Flores, Miguel Bosé, Hombres G, Joaquín Sabina, Nacha Pop o Radio Futura entre otros.
Todo ello sobre un escenario provisto de un espacio para los cantantes, de pantallas con proyecciones audiovisuales (en el que podremos ver parte del famoso videoclip de Mediterráneo de Los Rebeldes), y una plataforma para la banda de músicos, todo ello acompañado de una escenografía simple que nos muestra las imágenes, como no podía ser de otra forma, de las caratulas de los discos de éxito del momento, que le da al espectáculo un enfoque musical que destaca sobre todo lo demás.
Así que ya lo sabes, si te gustó y te gusta la música española de los 80s y 90s, si disfrutabas en los conciertos de los grupos de entonces y te gustaría revivir las sensaciones de aquella época, Escuela de calor es un espectáculo hecho a tu medida. Así que saca del armario aquella chaqueta de cuero que hace años que no te pones, busca aquellas mallas, seguramente rotas, que juraste que nunca tirarías, ponte (y esto es optativo) un poco de maquillaje provocativo y disfruta de un intensivo de música de la buena de entonces. Pero date prisa, ya que solo tendrás tiempo hasta el próximo domingo 26. ¿Dejarás escapar esta oportunidad?.
«Escuela de calor, el espectáculo» se representará en el teatro Coliseum del 15 al 26 de mayo de 2013.
Intérpretes: Albert Comesaña, Joaquín Padilla y Pablo Perea.
Batería: Trevor Murrell y Toni Vázquez
Piano y teclados: Pedro Roncero
Guitarra: Borja Montenegro
Guitarra: Jorge Ojea
Bajo: Ricardo Esteban
Saxo: Iñaki Arakistain
Horarios: miércoles, jueves viernes a las 21:00 horas; sábado a las 19:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 19:00 horas. Precio: de 19 a 36 €
Próximas actuaciones:
1 Jun. – Teulada (Alicante)
11 al 22 Sep. – Madrid – Nuevo Teatro Apolo
15 Oct. – Alicante
16 Oct. – Alicante
18 Oct. – Cáceres
19 Oct. – Ciudad Real
24 Oct. – Murcia
27 Oct. – Málaga
9 Nov. – Oviedo —
A callarse todos. Y a desesperarse. Porque la sociedad de consumo nos reclama y no se conforma con guiñarnos el ojo, sino que quiere aplastarnos sin derecho a reclamación ni mucho menos a devolvernos dinero alguno.
Tampoco el sexo nos liberará del pesar de sentirnos adquiridos, utilizados y finalmente vaciados. Ni hablar: Suframos lo indecible relacionándonos mal unos con otros a golpe de coito mal ejecutado y de intentar alejar con ello cualquier pretensión de realizarnos emocionalmente.
Vacío interior a punto de liberarse.
Con “Shopping &Fucking” de Mark Ravenhill nos vamos todos, personajes, actores y espectadores, de compras y follamos compulsivamente para sentirnos mejor. A un gran centro comercial donde los productos de oferta son un puñado de jóvenes desnortados aunque con las ideas muy claras. Ahí radica uno de los grandes aciertos de la pieza: La marginalidad en la que viven sumidos la perseverante Lulu (espléndida Clara Lago), el disciplinado Mark (impecable David Marcé), el apasionado Robbie (vigoroso Ferran Vilajosana) y el coherente Gary (conmovedor Quim Àvila) y acrecentada por la mirada adulta de un embaucador-pigmalión Brian (contundente aunque algo histriónico Mingo Ràfols) se ve frenada y finalmente anulada por una actitud determinante de todos aquellos frente a la adversidad repleta de entusiasmo vital. Del bueno. Que rezuma por debajo de una estrafalaria trama en la que parece que todas las catástrofes sociales tenían hora simultánea. Esto sí que es una gozada. Porque el texto se vale de materiales efectistas (tan a menudo malogrados en otras propuestas superficiales) para llegar a un fondo de autenticidad individual gracias al apoyo del grupo.
Un grupo repleto de individuos
En esta especie de cruce entre la “Perversidad sexual en Chicago” de David Mamet (por su enfoque del sexo desbocado como catalizador de la frustración existencial cotidiana) y “Bajarse al moro” de Alonso de Santos (ese espíritu solidario de animosa supervivencia), asistimos con impaciencia a los vaivenes del acontecer diario de estos perdedores-ganadores, impregnándonos de la comicidad de sus momentos más trágicos (como la vida misma, ¡qué caray!). Oriol Rovira, director del espectáculo, apuesta fuerte por la dirección de actores y gana a pesar de una puesta en escena funcional que hubiese agradecido cierto riesgo: Al arranque de la historia (impecable en el ritmo), vamos sumando momentos como el del monólogo de Lago sobre la barrita de chocolate o su disertación sobre la globalización a partir de la comida envasada en monorraciones (que, además, prueban la excepcional actriz teatral que es) que se mezclan con escenas estremecedoras por su dramatismo y crudeza (la sodomización exigida como parte de una terapia y religiosamente ejecutada de manera ejemplar por los tres actores jóvenes restantes; el encuentro en el probador de ropa donde Marcé y Àvila intentan convencerse de que están enamorados). Y cuando emerge el final feliz (algo tardío, puesto que la obra adolece de cierta reiteración de escenas que perjudican parcialmente el ritmo de la obra) para sorpresa de todos, no solo lo aceptamos. También lo elogiamos.
Nos los llevamos a todos. Y no hará falta que nos los envuelvan.
por Juan Marea
Teatre Tantarantana c/ de les Flors, 22 de Barcelona del 2 al 19 de mayo Autor: Mark Ravenhill Dirección y traducción: Oriol Rovira Actores: Clara Lago,David Marcé, Ferran Vilajosana, Mingo Ràfols, Quim Àvila Diseño de escenografía y vestuario: LaCol Diseño de iluminación: Isidro Ortiz Espacio sonoro: Blai Barba Caracterización: AnnaÁlvarez
En alguna que otra reseña he afirmado que a nivel de programación teatral anual tanto el Lliure como el TNC se llevan la palma en Barcelona por la calidad y el acierto de sus propuestas, diferentes, claro está, pero que consiguen ambas desparramar un fulgor de calidad y pedigrí teatral que ilumina sus respectivos escenarios.
Y la programación de Els feréstecs es una prueba indiscutible de lo que digo, tanto por la filigrana creativa de su autor, Carlo Goldoni; por la finura de la comedia por él escrita; por el trabajo de los actores y actrices que intervienen en ella; y por su sencilla y discreta puesta en escena.
A ver, lo intentaré explicar comenzando por el principio. Els feréstecs es una comedia escrita por Carlo Goldoni en el año 1760 que analiza los cambios en las formas de pensar que se vislumbraban ya por aquella época (recuerden que en 1789 estalló la Revolución Francesa) y la perenne guerra entre sexos que tiene su origen en el alba de los tiempos.
La acción se desarrolla, en esta ocasión, en tierras catalanas, en un pueblo de comarcas. Allí no todos sus habitantes ven con buenos ojos las diversas novedades que en las costumbres sociales y en el comportamiento ha promovido el nuevo régimen político, la I República española (1873-1874), fruto prematuro del desarrollo político del siglo XIX basado en el liberalismo político y fallido reformador de todas las desigualdades propias del Antiguo Régimen.
En concreto, dos cabezas de familia, intolerantes y bravíos, están intentando concluir un acuerdo de matrimonio para enlazar a sus respectivos hijos, en Quimet (Pol López) y la Llucieta (Laura Aubert). Aquellos, chapados a la antigua, no solo rechazan cualquier innovación en cualquier ámbito sino que actúan siempre en base a las normas y costumbres de sus antepasados. Así, a los implicados en el matrimonio se les niega, incluso, el derecho a conocerse antes de la boda y mucho menos se les permite decidir con quién quieren casarse.
Por su parte las mujeres de ambas familias (Rosa Renom y Rosa Vila) poseen unos espíritus más abiertos y rebeldes, y ayudadas por Victòria (Laura Conejero) pretenden al menos permitir a los jóvenes casaderos verse antes de tan crucial acontecimiento. Las continuas riñas y trifulcas entre hombres y mujeres generarán un sinfín de situaciones hilarantes, que dan forma a la trama de la obra.
La puesta en escena de esta versión de Els feréstecs es extremadamente sencilla, hiper-minimalista (a veces incluso demasiado) y me bastará con decirles que a nivel de escenografía tan solo hallaremos la propia decoración de la sala Fabià Puigserver y un reducido juego de sillas, que junto a la existencia de diversas puertas crearán metafóricamente los espacios interiores de las viviendas en las que se desarrolla la acción.
Lluís Pascual, el director, ha optado por ambientar la pieza, como les decía, en un pueblo del interior de Cataluña, un espacio ideal para situar la numantina resistencia ideológica de los feréstecs, y por trocar el veneciano del texto original de Goldoni por una suma de dialectos (mallorquín, valenciano, leridano y gerundense), a veces algo costoso de seguir, sobre todo a aquellos con reducida sensibilidad auditiva, como el que estas líneas escribe, pero que generan toda una serie de giros y chanzas que potencian la comicidad de la obra.
La dirección de Pascual ha favorecido, además, una interpretación extremada de sus actores y actrices que resalta con mucho la hilaridad de la representación, acompañada de una serie de ademanes y dichos que aderezan el imponente resultado final. De esta forma destaca, como siempre, Jordi Bosch, que desarrolla un carácter estúpido y bonachón, si bien riguroso, con una solvencia como la que ya vimos en La Bête. En el bando agreste le siguen Boris Ruiz, Xicu Masó, magnífico en su composición aunque bastante secundario y Andreu Benito, al que le falla en algo, a veces, la partitura de su personaje. Por su parte Pol López encarna al hijo casadero en cuestión.
Del bando femenino, en el que hallamos a Rosa Vila, Laura Conejero, Rosa Renom y Laura Aubert, no se puede más que destacar, también, el trabajo coral de todas ellas, cuyas contradicciones entre sus ideas más domesticas y liberales y su situación y anclaje en unas familias y una sociedad ampliamente machistas, generan las circunstancias idóneas para fabricar humor y del bueno.
El resultado, aunque superando unas fallas técnicas importantes que provocaron el parón por unos días en las representaciones, es una pieza con toques de «obra maestra» sobre el escenario, uno de esos momentos en los que el teatro, el arte y la cultura se unen para dar un respiro al alma, en este caso en forma de comedia, con el que descubrimos que lo actual y lo contemporáneo acostumbra a tener su raíz en los clásicos, y que es la suma de tradición, innovación y adaptación lo que muchas veces permite alcanzar la palma del triunfo.
Parece, pues, que el Teatre Lliure ha tocado el cielo, alcanzando, de nuevo, un enorme acierto a la hora de programar su temporada teatral.
Un hurra por el Lliure!!
«Els feréstecs» se representa en el Teatre Lliure del 16 de abril al 19 de junio de 2013.
Autor: Carlo Goldoni
Dirección: Lluís Pasqual
Reparto: Laura Aubert, Andreu Benito, Jordi Bosch, Laura Conejero, Pol López, Carles Martínez, Xicu Masó, Rosa Renom, Boris Ruiz y Rosa Vila
Traducción del veneciano: Lluís Pasqual
Escenografía: Paco Azorín
Vestuario: Alejandro Andújar y Luis Espinosa
Caracterización: Eva Fernández
Iluminación: Rai Garcia y Lluís Pasqual
Producción: Teatre Lliure
Horario: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21 horas y domingos a las 18 horas. Precios: 30,25 €; 21,30 € (miércoles, día del espectador) / 25,75€ con descuento Idioma: catalán y castellano Duración: 1 hora y 30 minutos sin pausa
—
Aviso para espectadores: La personas somos como volcanes. Algunas entran en erupción. Otras permanecen inactivas por los siglos de los siglos. A la sazón, vamos a ponernos cerquita y así nos impregnaremos con sumo gusto de la lava escénica de la compañía “Atresbandes”. Porque su espectáculo (fraguado en Can Felipa de Barcelona, exquisitamente abrillantado en Birmingham y Kosovo y ahora de enhorabuena en la Sala Beckett) es vibrante, ocurrente y elegante.
Saben jugar en el espacio. Su entusiasmo es contagioso y, además, como tienen ese carisma difícil de encontrar, al instante de presentarse ya queremos irnos a su casa. Aunque poco después vayan a darnos con la puerta en las narices. A pesar de que la trama se agote a los pocos minutos. Tampoco es impedimento que alarguen algunos gags hasta la saciedad (de tanto oír hablar del milhojas, no solo lo olimos sino que se ha convertido en uno de nuestros platos favoritos; y la escena de la cena en la que los anfitriones no tienen nada que ofrecer a sus invitados nos proporciona una digestión ligera y deliciosa).
Te estoy amando locamente pero nunca lo admitiré.
La historia es más o menos la de siempre: Si tienes pareja, no hace falta que te la cuente. Si no la tienes, tomarás apuntes. En cualquier caso, cuando entre tú (un Miquel Segovia dinámico, ágil, encantador) y el otro (Mònica Almirall versátil, sacando las uñas para sufrir después indefensa) se interpone tu subconciente (chispeante Albert Pérez Hidalgo, bajo un pasamontañas que no solo no reprime su talento cómico sino que la realza), emerge triunfal el triángulo amoroso más puntiagudo. Y en esta ocasión, además, las ganas de que nos lo claven.
Porque los tres actores se sitúan en estado de gracia casi permanente. Y se deslizan del desenfado a la tragedia, del humor absurdo a la violencia doméstica con una frescura muy inquietante. Sus manos se cruzan; sus labios se golpean; sus genitales se penetran; sus cuerpos son plural ejemplar cuando entran en contacto. Y nos inyectan una vitalidad poco habitual. Su expresividad gestual es casi milimétrica. Su discurso, preciso. Y la belleza que construyen (el momento en que uno de ellos toca un piano aparecido tras una cortina de humo es conmovedor), hermoso cráter al que nos asomamos generosamente.
por Juan Marea
Sala Beckett c/ Alegre de Dalt, 55 bis, de Barcelona del 8 al 26 de mayo horario: de miércoles a sábado a las 21.30 h; domingos a las 18.30 h precio: 20€; miércoles y jueves, 15€ dirección, dramaturgia e interpretación: Mònica Almirall, Albert Pérez Hidalgo y Miquel Segovia diseño de luces: Aitor Larrea duración: 1 hora
Si a los que están leyendo esta reseña se les preguntara cuál es el grupo más importante de la música pop/disco de las décadas de los años 70/80, seguro que muchos responderían, entre risas y algo de excitación, Abba, por supuesto. Un grupo que aunque solo estuvo activo musicalmente una década posee un legado artístico que no ha hecho más que revalorizarse en los últimos tiempos, prueba de lo cual son los millonarios números de venta de su disco recopilación Abba Gold; la creación del musical Mamma Mia!, basado en las canciones de Abba, también un éxito mundial y que propicio un film del mismo título interpretado por Meryl Streep, Amanda Seyfried y Pierce Brosnan, y por último la reciente inauguración, tan solo hace unos días, de un museo en Estocolmo dedicado al grupo.
No es extraño que aprovechando el tirón del momento se estrenara en Barcelona el espectáculo musical The World of ABBA, producido por Eventfama y cuyo reparto encabezan Rebeca, Lorena Jamco, Antonio Tomás y Agustín Guerreo.
Como se pueden imaginar el espectáculo recorre los temas de la carrera musical de Abba a través de 16 de sus grandes éxitos, en inglés y en castellano, con la voluntad de conectar con el Abba-fan que seguro que todos llevamos dentro y que solo dejamos salir al exterior muy de tanto en tanto.
El espectáculo está organizado en formato concierto e integra música en directo, coreografías interpretadas por un cuerpo de baile y audiovisuales mostrados en una gran pantalla de fondo. A nivel de voces, las femeninas están encarnadas por el toque más glamoroso de Lorena Jamco y el estilo más impetuoso de Rebeca, el gran reclamo del espectáculo junto a las canciones del cuarteto sueco. Por su parte las voces masculinas las aportan Antonio Tomás y Agustín Guerreo y quedan más en un segundo plano, algo que ya pasaba en el grupo original.
Sin embargo no todo luce tal como debería. Y me explico. La propuesta, al menos la vista en Barcelona, cuenta con varios déficits que afectan el nivel del espectáculo, entre ellos una producción técnica y artística que deja mucho que desear. Ejemplos de lo que digo fueron los constantes problemas de sonido, que provocaban que no se pudieran escuchar/entender todo lo bien que debieran las voces de los cantantes (esperemos que este sea un yerro solucionable), unas coreografías de baile no del todo conseguidas y que hacen pequeño el escenario y unos audiovisuales que no ayudaban demasiado a ensalzar la imagen del espectáculo, a lo que podemos sumar una estructuración demasiado rígida del ritmo del espectáculo, con pocos elementos de enlace entre tema y tema.
Toda una suma de inconvenientes a nivel de producción que no permitieron al espectáculo desparramarse artística y musicalmente más allá del escenario e invadir la sala de butacas, donde el público se mostró bastante frío a lo largo del show. Solo con el medley final y la repetición de algunos de los hits más movidos de Abba, el espectáculo consiguió hacer bailar a los espectadores. Una franca desilusión escénica que, sin duda, se hace evidente en la mayoría de los comentarios que los espectadores más exigentes han hecho del espectáculo en internet. Y es una lástima ya que la propuesta poseía de partida un legado musical, el de Abba, potente, fascinante y seductor, aunque al desarrollo del show aún le queda algo de trayecto para obtener y mostrar lo mejor de sí mismo.
Aún así, el interés del público por el estreno y su representación en el Tívoli de Barcelona nos recuerda que no siempre lo innovador supera a lo que ya existía antes y que el aroma, en este caso musical, de una época, en este caso la de la década de los 70 y principios de los 80, tiene su lugar también en un siglo, el nuestro, que parece que repudia todo lo que huele a antiguo en favor de cualquier chisme, formato o contenido que le ofrezca innovación, progreso o modernidad (o todo ello junto a la vez). Una oferta que a veces no puede equipararse, ni mucho menos, a la buena música que se hizo en el pasado, ¿no creen?
«The world of Abba» se representa en el teatro Tívoli del del 30 de abril al 12 de mayo de 2013.
Director musical y arreglos: Jordi Pinyol
Cantantes: Rebeca, Lorena Jamco, Antonio Tomás y Agustín Guerreo
Ballet: Susana Lara, Alicia Santos, Sara Miquel, Ainhoa Mouriz, Sergio Perez, Antonio Fago, Jose Maria Zamora, Alberto Escobar y Javier Luque
Músicos: Jordi Pinyol, José Bueno, Marco Niemietz y Miguel Sánchez
Coreografía: Ainhoa Mouriz y Orietta de la Peña
Espacio escénico y luces: Nayden Stepanov
Sonido: Miguel Turia
Diseño vestuario: Susi Cerro
Horarios: de martes a jueves a las 21:00 horas; viernes a las 21:30 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingo a las 18:00 horas. Precio: de 20 a 35 €. Duración del espectáculo: 90 minutos
Michael Jackson ha sido, sin duda, el creador de toda una serie de hits que han dado formato musical a nuestra infancia y juventud (si el que lee esta reseña está entre los 30 y los 40 años), un ingenio de crear superéxitos musicales cuyo legado no ha caído en el olvido tras su trágica muerte en 25 de junio de 2009, sino todo lo contrario. No solo sus temas nos siguen acompañando a través de multitud de radio fórmulas, entre ellas M80 Radio, y sus videos se pueden rememorar en diversos canales televisivos temáticos y en internet, sino que se han generado toda una serie de shows escénicos musicales basados en su carrera musical y que giran alrededor del planeta con éxito mundial. Por Barcelona ya pasaron Forever King of Pop y Man in the mirror, Michael Jackson’s Greatest Hits y ahora es el turno de Michael Jackson The Immortal World Tour, el espectáculo artístico y musical diseñado por Cirque du Soleil que repasa la figura y la obra musical del que fue apodado «el rey del pop«.
Cirque du Soleil presentó el pasado 17 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona un show hecho «a la americana» que suma a la espectacular y demoledora lista de éxitos de Michael Jackson, las creaciones coreográficas y artísticas de claro cuño Cirque du Soleil. Un espectáculo de grandes dimensiones que durante cuatro días iluminará la pista del equipamiento deportivo ubicado en Montjuïc.
Si bien algunos pueden pensar que Cirque du Soleil y Michael Jackson poseen dos conceptos y estilos poco afines, algo que la propuesta presentada en Barcelona deja bien claro, la verdad es que la suma de elementos y formatos da como resultado un espectáculo al gusto de todos, esto es, con una primera parte donde predominan las coreografías y las composiciones artísticas de Cirque du Soleil, y una segunda parte, seguramente la más potente, en la que toman protagonismo los temas más conocidos del cantante, acompañados, también, por algunas de la coreografías más espectaculares que uno ha visto: bailarines que flotan en el aire; un universo de luz y de color habitado por aerial dancers; un duelo instrumental entre una guitarra y un chelo eléctricos o la militarizada danza de un ejército de robots que da paso a un medley de los temas más pop y ochenteros de Michael Jackson. Todo ello aderezado, claro está, por la sensibilidad artística propia de Cirque du Soleil.
La compañía circense ha creado, pues, a partir de la unión de dos estilos muy distintos, las fuentes de inspiración y la potencia de las canciones de Michael Jackson, que se convertían en grandes eventos de comunicación en cuanto se estrenaban en la televisión, en aquella añorada, a veces, cultura analógica, y la magia creativa del mundo de fantasía y circo que caracteriza a la compañía Cirque du Soleil. La suma, pues, es una explosión de música, de juegos de luces, de coreografías y de artilugios y parafernalia artística que conduce al público, a través de un impetuoso in crescendo, a un arrebato que dispara la adrenalina y se apodera, involuntariamente, de los brazos y las piernas de los espectadores y les obliga a seguir con su movimiento el ritmo de los temas que se representan sobre el escenario, entre ellos, Smooth Criminal, Dangerous, Thriller, Beat It, Earth Song, They Don’t Care About Us, Man in the Mirror, Can You Feel It…
Les puedo asegurar que pocas veces he asistido a un espectáculo con tanta fuerza y en la que la música, la coreografía, la fantasía, el componente audiovisual y los artilugios escénicos se unieran de tal forma, sobre todo en la segunda parte del espectáculo, como para generar el asombroso estado de ánimo musical que se observaba en el patio de butacas desde la zona de prensa del Sant Jordi. Si bien cabe indicar que el show a veces adolecía de multitud de focos de atención, una circunstancia que generaba algo de confusión a la hora de seguir el desarrollo del espectáculo.
Aún así, un merecido tributo a uno de los artistas más reconocidos de la historia de la música que dejó un inmenso vacío difícil de copar tras su muerte, un espacio de recuerdo y de disfrute que intenta llenar Michael Jackson The Immortal World Tour, un espectáculo sin duda, a la altura de Cirque du Soleil y sobre todo, a la talla de la grandeza musical de Michael Jackson.
“Michael Jackson THE IMMORTAL World Tour” se representará en el Palau Sant Jordi del 17 al 21 de abril de 2013.
Contemplar un paisaje puede causarnos placer. Como asistir a un espectáculo teatral. También la observación de un panorama nos puede inquietar. Como comprobar que una propuesta escénica aborda el lado más sórdido de nuestro entorno. Incluso darse de bruces con unas vistas desoladoras nos empujará a tomar conciencia de que las cosas no van bien.
La Virgueria, compañía que tiene como pulmón derecho el compromiso social y como pulmón izquierdo el nadar a contracorriente, enmarca su paisaje plantando en un suelo poético y minucioso unos personajes que aspiran a transmutar su condición de antihéroes en figuras que sobrevuelen con arrojo la miseria en que se hallan empantanados.
Aleix Fauró, diseñador de esta estampa honesta y bienintencionada, desperdiga en el escenario a unos actores esforzados y muy voluntariosos para que las proclamas del autor Pablo Ley se conviertan en clamor escénico.
Pero ocurre que es tanto el detenimiento del dramaturgo recreando su discurso en la descripción de la frustración existencial de sus personajes como morosa la narración de su quehacer diario que este “Paisaje” no solo no tiene “casas”, sino que además arrastra a su aridez la calidez que los personajes reclaman a gritos.
¿Y si pasamos a la acción?
Y vayamos más allá de los efectismos de esta propuesta, como son la simpatía que suelen despertar en nuestra burguesa complacencia el retrato de los más desfavorecidos; o una escenografía realista que reproduce hasta el último detalle de una estancia doméstica.
Si nuestra mirada es clara y decidida, distinguirá el atractivo de comprobar que lo verdaderamente relevante en el aspecto dramatúrgico es la definición de los protagonistas a partir de su actitud de cronistas: uno de ellos (resultón Carles Gilabert) relatando hasta el último detalle sus andanzas de delincuente como “copiloto” aplicado de un compañero que nunca aparece; el otro (vulnerable Javier Beltrán), asintiendo y apostillando lo injusto que es este mundo del progreso para los que no pueden avanzar por veredas de consumismo.
Y luego está ese mundo exterior del que tanto hablan, que destripan y retuercen con puños de pasividad alarmante, y que les devoraría sin piedad en cuanto abandonasen su acomodada plática. Todo ello ejemplificado maravillosamente por Eduardo Telletxea (sugerente, contenido y verosímil) cuando irrumpe en escena episódicamente. La rudeza de su físico; lo parco de su expresión verbal y la resistencia a apalancarse de la criatura que le toca encarnar dinamizan el espectáculo y permiten también entrever lo rico que hubiese sido este “Paisaje” en el caso de haber dejado de lado la pretenciosidad de su discurso y si, además, sus protagonistas pudiesen expresarse sin tanto artificio literario y pose intelectual.
La vida, al fin y al cabo, es como insiste y persiste uno de los personajes: hurtar la lata de atún, cargar con ella como preciado tesoro y, sobre todo, dar buena cuenta de ella después.
por Juan Marea
Teatre Lliure Plaza Margarida Xirgu, 1 de Barcelona del 24 de abril al 11 de mayo dramaturgia: Pablo Ley dirección: Aleix Fauró intérpretes: Javier Beltrán, Carles Gilabert y Eduardo Telletxea espacio escénico: Ian Gehlhaar iluminación: Andreu Romaní en castellano duración: 80 minutos (sin pausa) horarios: de miércoles a viernes, 21 h; sábados, 21.30 h precios: 12€ (anticipada), 15€ (1 hora antes en taquilla); descuentos: alumnos de interpretación (10% descuento); miembros de la Asociación de Actores y Directores Profesionales de Cataluña (1 entrada a 6€ y 50% de descuento para acompañante)
«Pep Plaza viurà cada nit una funció diferent, marcada pel diàleg en viu i en directe i la seva manera tan inconfusible d’interactuar amb el seu públic en el qual presenta més de 60 personatges i mostra una vintena de cantants d’ahir i d’avui.
I ara què? neix de la pregunta del públic sobre què passa a la seva vida com a imitador després de la marxa de Pep Guardiola, una de les seves imitacions més conegudes a Crackòvia «.
En Pep Plaza té un do. I es que en Pep Plaza, és únic en l’art de fer riure i en la capacitat d’extreure el millor i el pitjor d’un ampli repertori de la fauna catalana que imita al seu espectacle I ara què? durant una hora i mitja amb ritme, elegància i afecte.
I ara què? és una exhibició del savoir faire de l’humor català en el que en Pep aconsegueix mutar extraordinàriament en els personatges més estimats i esperats de la seva àmplia col·lecció: Pep Guardiola, Eugenio, Santi Millan, Jordi Pujol, Tomeu Penya, Quim Monzó, etc. I també ens descobreix personatges nous i divertits que connecten amb el públic a l’instant.
Un producte de marca catalana, i especialment dirigit al col·lectiu Polònia/Crackòvia alternat amb alguna pinzellada dels més apreciats i immortals personatges espanyols com en Machín, Matias Prats o el rei, entre d’altres.
Un espectacle totalment recomanable on el riure està assegurat!
«I ara què» es representa al Club Capitol des del 15 de març de 2013.
Director: Pep Plaza
Repartiment: Pep Plaza
Direcció musical: Miquel Tejada
Horaris: divendres i dissabte a les 23:00 hores i diumenges a les 20:00 hores. Preu: 23 €
Idioma: català Duració de l’espectacle: 90 minuts
—
Moonwalker the Show, el último tributo musical a Michael Jackson, llega al Teatro Coliseum del 6 al 9 de junio de la mano de Fréderick Henry, quien tras pasar por grandes escenarios estadounidenses trae a Barcelona su homenaje al rey del pop.
El elenco del espectáculo está formado por Lorena Jamco, Antonio Tomás, Agustín Guerrero y Jordi Pinyol junto a un cuerpo de ballet en la que destaca la gran bailarina Ainhoa Mouriz. La coreografía es obra de la aclamada Orietta de la Peña que actualmente se encuentra en Londres preparando otro musical.
Culturalia 