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Teatro

Crítica teatro: Trío, en la sala Ars

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Si es cierto que algunas salas de teatro de pequeño formato han cerrado en los últimos años en Barcelona y que otras viven una situación actual complicada, la verdad es que también han aparecido espacios nuevos que diversifican la oferta teatral en la ciudad condal. Uno de ellos es la Sala Ars, situada en la calle Jonqueres 15, que re-ocupa el antiguo teatro museo El rey de la magia. En Culturalia teníamos ganas de conocer la sala y aprovechamos el mes de septiembre para ver Trío, una comedia sexual escrita y dirigida por Gerardo Begérez e interpretada por él mismo, Sebastián Gancia, Santiago Granizal y Antonio Castillo.

«Rocco y Toni casi sin notarlo acceden a jugar a un juego divertido que poco a poco se va volviendo extraño. Trío es un espectáculo de humor negro, donde hay amor, desnudos y mucho misterio. Algo sucede pero no sabemos qué es. Ellos intentan divertirse. ¿Podrán hacerlo?».

Trío es una comedia sexual que intenta retratar con humor el día a día de una pareja gay que parece que está perdiendo la tensión sexual que existe entre ellos. Para solucionar el problema se lanzan a la piscina y deciden hacer un trío con otro hombre, un juego sexual que puede que devuelva la pulsión perdida a la pareja.

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De esta forma la obra arranca en el interior la casa que comparten Rocco y Toni en Barcelona con la discusión sobre la arriesgada propuesta, con lo bueno y lo malo que esta puede traer a la pareja y los miedos y las inseguridades de sus componentes, para después iniciar la aventura cómica y sexual en la que todo puede pasar. Asistimos, así, a una comedia gay-friendly de pequeño formato en la que las risas y los contrasentidos están garantizados, a lo que se suma un tono de suspense y misterio que mantendrá atento al espectador.

La obra dirigida por Gerardo Begérez, que ha estado durante tres años ininterrumpidos en la cartelera de Buenos Aires, llega a Barcelona para hacer pasar una hora y media entretenida, «excitante» y a veces hot al público asistente. En el intento el reparto alcanza un acierto desigual: Gerardo Begérez aporta gran parte de la vis cómica a la obra, acompañado por Sebastián Gancia con una interpretación algo más rígida, ambos escoltados por Santiago Granizal y Antonio Castillo, los terceros en discordia.

Una propuesta divertida, sin prejuicios que se ríe de los tópicos y los estereotipos sexuales y que nos introduce de lleno en un mundo de experiencias íntimas más abierto y provocativo. Una buena oportunidad para pasárselo bien, que no es poco, sin complejos.

«Trío» se representa en la Sala Ars del 10 de septiembre al 29 de octubre de 2020

Texto y dirección: Gerardo Begérez
Reparto: Sebastián Gancia, Gerardo Begérez, Santiago Granizal y Antonio Castillo
Horarios: Jueves a las 22:00 horas
Precio: 12,5€
Idioma: castellano
Duración: 90 min

Recomendada para mayores de 17 años
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica: Dirty Dancing, en el teatro Olympia de Valencia

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Dirty Dancing fue uno de aquellos superéxitos cinematográficos de los años 80 interpretado por Patrick Swayze y Jennifer Grey que todo o casi todo el mundo ha visto, y si no, ha oído alguno de los temas que aparecen en su banda sonora, ya sea el Hungry eyes de Eric Carmen, el Do you love me de Berry Gordy Jr o el temazo final del film (I’ve had) The time of my life. De ahí que la idea de crear un musical basado en la película sea un éxito asegurado. A principios de este mes de septiembre Dirty Dancing el musical recaló en Valencia, en el teatro Olympia, para iniciar una gira post-confinamiento que le llevará en el mes de diciembre a Cartagena y Bilbao y a Murcia en enero del año que viene.

“En el verano de 1963, Frances “Baby” Houseman, una jovencita de diecisiete años, se encuentra atrapada en unas aburridas y monótonas vacaciones junto a su familia en las montañas de Catskill de Nueva York. Sin embargo, la situación cambia cuando durante una fiesta en el hotel, se topa con el guapo y famoso profesor de baile Johnny Castle. Baby, además de aprender unos cuantos pasos de baile, cambiará su vida para siempre”.

La historia, ya conocida por todos y todas, nos narra las aventuras estivales de la joven e idealista Baby (Sara Ávila), que a través de la música y el baile conocerá algo más del mundo de lo que hasta ese momento abarcaba su vida en el seno de una familia bien situada. El espectáculo está ideado como una fiel adaptación de la película y nos irá mostrando escena tras escena, acto tras acto, la historia que nos narraba el film protagonizado por Swayze y Grey, a lo que se suman algunas escenas y temas musicales más.

Dirty Dancing, el espectaculo - the time of my life

El escenario, de reducidas dimensiones, nos muestra el centro vacacional al que acude la familia Houseman, con todo un decorado y toda una serie de movimientos que permiten al espectador situar la acción. También se utilizan efectos especiales para simular, por ejemplo, la escena de entrenamiento en el lago, seguramente una de las más recordadas de la película.

Pero lo que predomina por encima de todo son las actuaciones, las canciones y las coreografías que acompañan a la representación. Es este el plato fuerte de Dirty Dancing y en parte cumple las expectativas. La acción del musical está acompañada de bailes y de canciones, algunas icónicas del film y que forman ya parte de la cultura popular de los 80. Por eso algunos de los momentos estelares son, sin duda, las escenas de los ensayos de Baby y Castle acompañada del tema Hungry Eyes, la escena de baile clandestino en el que participan los trabajadores del hotel o, y no podía ser de otra forma, la escena del baile final de despedida con la canción (I’ve had) The time of my life. Todo listo y preparado pero representado a un ritmo entre escena y escena demasiado rápido, lo que no ayuda a alcanzar en algunos momentos la intensidad que el espectáculo debería.

Respecto a las interpretaciones, los roles principales están interpretados en esta ocasión por Dany Tatai (Johnny Castle) y Sara Ávila (Baby), acompañados por Fanny Corral que interpreta a la profesora y compañera de baile de Castle, Paco Morales y Lucía Torres que encarnan a los padres de Baby y Lilian Cavale que da vida a la hermana de esta.

Ya lo sabéis, todo está dispuesto para revivir en primera persona y en directo las emociones que Dirty Dancing dejó en la memoria de muchos y muchas que disfrutaron de la película allá en los años 80, y que la magia del teatro nos permite disfrutar en la gira que el musical sigue realizando este 2020 por diversos escenarios españoles.

“Dirty Dancig” se representó en el Teatro Olympia de Valencia del 1 al 6 de septiembre de 2020.

Director: Federico Bellone
Escritura: Eleanor Bergstein
Coreografía: Gillian Bruce
Diseño Escenografía: Roberto Comotti
Diseño Vestuario: Jennifer Irwin
Iluminación: Valerio Tiberí
Diseño Audio: Armando Vertullo
Reparto: Sara Ávila, Dani Tatay, Fanny Corral, Paco Morales, Lucía Torres, Lilian Cavale, Alvaro Blazquez, Jorge Galaz, Javier Ramos, María Gago, Oriol Anglada, Pedro Ekong, Enrique Cazorla, Ángel Lara, Alba Feliu, Eduardo Llorens y Laura Caurín
Producción: Letsgo, Lionsgate, Magic Hour Productions y Show Bees

Gira Dirty Dancing 2020 – 2021:
Cartagena: del 10 al 13 de diciembre de 2020
Bilbao: del 25 de diciembre de 2020 al 24 de enero de 2021
Murcia: del 28 al 31 de nero de 2021
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Here comes your man, en el Teatre Gaudí

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La infancia y los traumas asociados a ella están muy ligados a nuestro comportamiento en edad adulta, por lo que reflexionar sobre sus formas y sus causas es una buena excusa para ver Here comes your man en el Teatre Gaudí, obra escrita por Jordi Cadellans, dirigida por él mismo y Raül Tortosa e interpretada por Sergi Cervera y Marc Ribera.

«Los antiguos alumnos de una escuela religiosa se han reunido el fin de semana en un pequeño hotel en las afueras de la ciudad para rendir homenaje y celebrar la jubilación de quién fue su tutor. Las obras en el edificio han hecho que a Morales (Marc Ribera) y Torres (Sergi Cervera) les toque compartir habitación. No fueron demasiado amigos en clase y ahora parece que tampoco tengan mucho en común. La conversación que se iniciará entre ellos les llevará a recordar el episodio de bullying que hizo la vida imposible a Morales hasta el punto de dejarlo marcado para siempre».

Preparaos para asistir a una representación que no va a dejar indiferente a nadie, no solo porque toca un tema actual, duro y difícil como es el bullying, sino por la forma directa e intrigante en la que lo trata. La obra da inicio con la llegada de los dos alumnos a la habitación que comparten en el hotel. Uno de ellos más grave y retraído y el otro más directo y con don de gentes, dos caracteres que marcarán las diferencias entre el uno y el otro.

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El dilema aparecerá cuando en la conversación hagan acto de presencia los recuerdos de la escuela y de las vivencias de cada uno de ellos: Torres en el bando de los ganadores y Morales, un alumno afeminado, en el bando de los diferentes… de los perdedores. A partir de este momento el publico asistirá a una batalla dialéctica entre ambos personajes en la que el juego del gato y el ratón, entre el fuerte y el débil, el acosador y el acosado se irán intercambiando a medida que avance la representación. A lo que se suman constantes giros en los acontecimientos entre lo que pasó en el pasado y lo que pasa en el presente que acrecientan el interés del público hasta el final de la obra.

Here comes your man és un tour de force entre los dos actores protagonistas. Marc Ribera interpreta a Morales, que en la escuela sufrió acoso por su orientación sexual por parte de sus compañeros y también del propio colegio y que no lo ha podido superar aún. Sergi Cervera da vida a uno de aquellos del grupo de los guays que existe siempre en cualquier colegio. El primero con una actuación afectada por las consecuencias de su paso por la escuela, el segundo con un registro más abierto, como alguien acostumbrado a conseguir lo que quiere, aunque ello no sea un seguro para ser feliz en la vida. Aunque las dos interpretaciones alcanzan un alto registro, la de Ribera destaca por lo intenso y funesto de la misma, ayudada por un texto teatral encaminado a ensalzar su caracterización.

Cabe destacar también a su autor, Jordi Cadellans, por lo afilado y cortante del texto, que acierta al tocar un tema tan peliagudo, esto es, la homosexualidad y el acoso vinculado a ella, de una forma tan cruda como lo trata y con un juego constante de cambio de roles que incrementa la intensidad de la obra, aunque a veces pueda aparecer algo artificioso. Raül Tortosa ha sabido, además, dirigir a los actores en un esfuerzo escénico muy intenso y ha sabido darle el toque directo que la obra necesita.

Here comes your man es un ejemplo de acierto de teatro contemporáneo interesado en analizar problemas del presente desde una perspectiva realista y descarnada que propicia, seguro, el debate post-representación. Una propuesta que estará en el Teatre Gaudí hasta el próximo domingo 27 de septiembre.

«Here comes your man» se representa en el Teatre Gaudí del 13 de agosto al 27 de septiembre de 2020.

OBRA PRORROGADA: DEL 6 AL 22 DE OCTUBRE DE 2020
NUEVO HORARIO: martes y miércoles a las 20:30 horas y jueves a las 21:30 horas

Autor: Jordi Cadellans
Dirección: Jordi Cadellans i Raül Tortosa
Reparto: Sergi Cervera y Marc Ribera
Diseño escenografía: Ricard Martí y Sergi Cervera
Vestuario: Tarambana Espectáculos
Iluminación y espacio sonoro: Betho Carvajal y Sara Esquivel
Composición musical: Momo Cortés
Producción: Tarambana Espectáculos

Horarios: de jueves a sábado a las 21:30 horas y domingo a las 20:30 horas.
Precio: 18€
Idioma: catalán
Duración: 85 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatro: Esperando a Godot, en el Teatro Reina Victoria de Madrid

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El teatro, casi siempre, nos permite reflexionar sobre las contradicciones y los sinsabores de la vida. Se convierte, así, en una herramienta de introspección personal sobre temas que importaron en el pasado o temas candentes en la actualidad. Algo de todo esto lo tiene Esperando a Godot, obra representativa del teatro del absurdo escrita por Samuel Beckett a finales de los años 40 del siglo XX, dirigida para la ocasión por Antonio Simón e interpretada por Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi, que estará hasta el próximo 27 de septiembre en la cartelera del teatro Reina Victoria de Madrid.

«Vladimir (también llamado Didí, interpretado por Alberto Jiménez) y Estragón (conocido como Gogó, Pepe Viyuela) esperan la llegada de Godot junto a un camino, al lado de un árbol. Pasan el tiempo conversando y a veces discutiendo. Les interrumpe la llegada de Pozzo (Fernando Albizu), un hombre cruel que afirma ser el dueño de la tierra donde se encuentran, y que lleva atado del cuello a su criado Lucky (Juan Díaz), a quien parece controlar por medio de una larga cuerda. Tras la partida de Pozzo y Lucky, un Muchacho (Jesús Lavi) llega con un mensaje de Godot: “Aparentemente, no vendrá hoy, pero vendrá mañana por la tarde”.

La obra, la espera de un tal Godot por parte de dos amigos, Didí y Gogó, y todo lo que acontece mientras tanto, es la excusa con la que Beckett pretendía reflexionar, en clave de comedia oscura, sobre la vacuidad de la existencia y la inconsistencia de la comunicación humana. La espera se produce en un páramo desierto en el que solo aparecen las vías abandonadas de un tren y un árbol muerto, y en el que la humanidad de Didí y Gogó se nos hará evidente. No sabemos quiénes son, parecen mendigos y no sabemos a quién esperan ni por qué. Si bien sabremos que se conocen desde hace años y que comparten lo difícil de los tiempos. A ellos se sumarán, en el segundo acto de la representación, Pozzo y Lucky, personajes que nos demostrarán lo injusto de las convenciones sociales y el egoísmo del que se nutre la sociedad occidental.

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Simón consigue crear una atmósfera en la que lo absurdo de Beckett se manifiesta de una forma conmovedora, con una dirección sutil pero a la vez diestra que permite deambular a los personajes sobre el escenario y mostrar su naturaleza «becketiana». Un trabajo de dirección atento que posibilita a los actores alcanzar la cota de actuación necesaria para la representación de una obra cargada del sentido de «lo absurdo» como esta. Pepe Viyuela y Alberto Jiménez consiguen transmitir la fuerza de unos personajes desquiciados que se quieren y que son conscientes de que la sociedad puede que no les quiera a ellos, en una espera que no tiene sentido en lo particular pero sí en lo trascendental. Los personajes principales están perfectamente arropados por Fernando Albizu y Juan Díaz, que materializan con sus roles la desigualdad propia de nuestra sociedad occidental. A ellos les acompaña Jesús Lavi como vocero de Godot, el cual, aunque presente no descubriremos nunca.

Una especial mención a la escenografía y a la iluminación decadente a la vez que poética que sirven de base al desarrollo de la acción escénica y a un vestuario de tonos fríos que refuerzan el sinsabor de todo lo que acontece ante nuestros ojos.

Esperando a Godot es una buena ocasión para ver qué nos pueden decir los clásicos, sí, también los del siglo XX, en estos tiempos difíciles y melancólicos y para disfrutar de una propuesta teatral con un tono oscuro que nos recuerda que el alma humana está sola cuando la colectividad hace oídos sordos a sus exigencias.

«Esperando a Godot» se representa en el teatro Reina Victoria de Madrid del 3 al 27 de septiembre de 2020.

Autor: Samuel Beckett
Dirección: Antonio Simón
Reparto: Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi
Diseño de escenografía: Paco Azorín
Diseño e iluminación: Pedro Yagüe
Vestuario: Ana Llena
Espacio Sonoro: Lucas Ariel Vallejos
Productor: Pentación

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: de 24€ a 28€
Duración: 110 minutos aproximadamente
Idioma: castellano
Edad recomendada: mayores de 14 años
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Música,Teatro

Crítica teatro: I Want U Back, homenaje a Michael Jackson, en el teatro EDP Gran Vía de Madrid

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No hace falta que os recuerde que la pandemia de Covid-19 ha hecho estragos en la vida cultural y de ocio de nuestro país. Aún así el mundo de la cultura, y el teatro en concreto, ha hecho y hace un gran esfuerzo por mantener su actividad sin riesgo para los espectadores que quieren regresar a esa «nueva normalidad» tan deseada por todos.

Este es el caso de I Want U Back un nuevo espectáculo homenaje a Michael Jackson que subió el telón en el Teatro EDP Gran Vía en Madrid el pasado 5 de agosto y que estará en cartelera hasta el próximo 27 de septiembre. Una nueva oportunidad de disfrutar con los grandes éxitos de la música pop y del genio de un artista que reinó en el panorama musical mundial en los 70, los 80 y parte de los 90.

La propuesta de Smedia con dirección de Dani HDZ, coreografía de Alex Manga y producción de Ópera y Acción, permite revivir en un formato cercano al concierto los hits del rey del pop con una presentación sencilla en la que no están presentes locutores, audiovisuales efectistas ni parafernalias de efectos especiales, sino que se centra en la interpretación en directo de las canciones popularizadas por la megaestrella del pop. Y ¿cómo lo hace?

Pues bien, con música y músicos en directo, esto es importante, con un cantante, David Ortighosa, con un portentoso parecido en la voz con Jackson, que proporciona al espectáculo la base del homenaje musical; con SacMjj (Adrián Álvarez) el doble que encarna a la perfección la imagen del ídolo del pop, confundiéndose con él en diversos momentos; un apoyo musical con los cantantes Yasmina Azlor y Alex Dee, y un reducido grupo de danza que da cobertura a las diversas coreografías popularizadas por Jackson en sus vídeos.

I Want U Back_homenaje a Michael Jackson_1

Todo ello, bien dispuesto, combinado y ejecutado, crea la fantasía buscada, esto es, la ilusión de asistir a un concierto en vivo de Michael Jackson en el que nos encontraremos con la mayoría de sus hits y sus trazos más reconocibles. Un concierto-homenaje incluso emotivo en algunos momentos, en el que sus integrantes nos permitirán gozar y recordar aquellos años de nuestra vida en los que nos acompañaron los grandes temas de Jackson.

Puntos en contra: muy pocos. El primero el reducido aforo que la situación sanitaria provocada por el Covid-19 genera actualmente en todos los espectáculos en directo, y que el público se esfuerza en vencer con sus ganas de disfrutar de la música de Jackson. El segundo, que algunos temas se quedan en el tintero, y en mi caso dos de los más emotivos, como lo son Earth Song y Heal the World. Sin embargo, a su favor está el repertorio del espectáculo que incluye grandes temas como Human nature, Blame it on the boogie, Smooth criminal, She’s out of my life, The way you make me feel, Beat it, I just can’t stop loving you, Billie Jean, Thriller, Man in the mirror o Black or white y que finaliza con una versión a varias voces del We Are the World, escrito en el año 1985 por Michael Jackson y Lionel Richie y producido por Quincy Jones para la campaña USA for Africa.

En resumen, una nueva oportunidad de revivir la magia de la música del rey del pop y de saborear de nuevo aquellos días en los que las radios, las televisiones y las pistas de baile (y por supuesto también los walkmans…) quemaban las temas de Jackson.

«I Want U Back, homenaje a Michael Jackson» se representa en el teatro EDP Gran Vía de Madrid del 5 de agosto al 27 de septiembre de 2020.

Director Musical / Guitarra: Dani HDZ
Asistente Dir. Musical / Batería: Quim Castelló
Bajo y sinte bajo: Miki Santamaria & Nico Mellon
Teclados: Ricardo Padilla & Arty Party
Elenco: DaBeat (David Ortighosa) y SacMjj (Adrián Álvarez)
Coros: Yasmina Azlor y Alex Dee
Coreógrafo y bailarín: Alex Manga
Bailarines: Marisa Pareja, Vicky Gómez, Tania Simón, Robert Flow y Borja Palacios
Jefe Técnico: Eduardo Moreno (Príamo)
Regidora: Tania R. Gago
Productora: Ópera y Acción

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: desde 15€
Duración: 120 minutos
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

 

Teatro

Dirty Dancing regresa a Valencia en el Teatro Olympia

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Dirty Dancing, uno de los espectáculos contemporáneos de mayor éxito internacional y que ha batido récords tras su anterior gira por España, regresa el próximo 1 de septiembre a los escenarios en el Teatro Olympia de Valencia, e inicia una gira que llevará el espectáculo a Cartagena, Bilbao y Murcia a partir del mes de diciembre. Bajo la dirección de Federico Bellone, el espectáculo logra transportar al escenario las emociones que provocaron Jennifer Grey y Patrick Swayze en la mítica película de la gran pantalla.

«Dirty Dancing plantea cómo en el verano de 1963, Frances “Baby” Houseman, una jovencita de diecisiete años, se encuentra atrapada en unas aburridas y monótonas vacaciones junto a su familia en las montañas de Catskill de Nueva York. Sin embargo, la situación cambia cuando, durante una fiesta en el hotel, se topa con el guapo y famoso profesor de baile Johnny Castle. Baby, además de aprender unos cuantos pasos de baile, cambiará su vida para siempre».

Bajo la producción de Iñaki Fernández, alma máter de LETSGO Company, se encuentra el extraordinario talento internacional que conforma este montaje. Además, la música en vivo y la danza son, sin lugar a dudas, los protagonistas de Dirty Dancing, creando una provocadora atmósfera que hará vibrar al público.

Descubre el musical lleno de pasión y romance, con música memorable y bailes sensuales que harán subir el ritmo de tu corazón. Dirty Dancing incluye grandes éxitos como «Hungry Eyes», «Hey! Baby», “Do you Love Me?» y la siempre entrañable «(I’ve Had) The Time of My Life».

Dirty Dancing regresa al Teatro Olympia que será un punto de cultura segura, para lo cual se han aplicado toda una serie de medidas de seguridad siguiendo todas las indicaciones de las autoridades sanitarias.

«Dirty Dancig» se represneta en el Teatro Olympia de Valencia del 1 al 6 de septiembre de 2020.

Autor: Eleanor Bergstein (texto) y Gillian Bruce (coreografía)
Producción: LETSGO
Director: Federico Bellone (Dir. escénico) y Pedro Arriero (Dir. musical)
Intérpretes: Dani Tatay, Sara Ávila, Fanny Corral, Paco Morales

Horarios: de martes a jueves a las 20:00 horas; viernes y sábado a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingo a las 17:00 y a las 20:30 horas.
Precio: de 26€ a 55€
Idioma: castellano
Duración: 2 h 15 min (con descanso)

Gira Dirty Dancing 2020-2021:

Teatro Olympia (Valencia): del 1 al 6 de septiembre de 2020
Cartagena: del 10 al 13 de diciembre de 2020
Bilbao: del 25 de diciembre de 2020 al 24 de enero de 2021
Murcia: del 28 de enero al 31 de enero de 2021

 

Cine,Teatro

Cultura, política y Covid-19

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Bueno, parece que la situación epidemiológica se esta complicando de nuevo en España, y más concretamente en Cataluña, donde en diversas zonas con rebrotes se ha vuelto a activar cierto grado de confinamiento, aún no tan duro como en el mes de marzo, pero un paso atrás sin duda.

La razón: el virus no ha desparecido, a lo que se suma la incompetencia de las autoridades públicas y la irresponsabilidad de parte de la población. Todo ello ha llevado a suspender en las zonas más afectadas por los rebrotes las actividades culturales como cines y teatros, medida esta vez decretada por el gobierno autonómico de Cataluña.

La pregunta es: ¿tiene sentido el cierre total de las actividades culturales en las zonas afectadas de Cataluña? Mi experiencia personal, después de asistir este mes de julio a la representación de las obras de teatro, The Scarlet Letter, en el Teatre Lliure y ‘La morta’ de Pompeu Crehuet, en la Sala Beckett y sin ser un epidemiólogo, es que el sector cultural se ha puesto las pilas en referencia a las medidas de seguridad necesarias para hacer viable su actividad sin riesgo.

La entrada a los espacios controlada; gel hidroalcohólico disponible para los asistentes, aforo reducido y distancia de seguridad entre los espectadores (en el Lliure llegué a oir decir a uno de los asistentes que el espacio entre espectadores era exageradamente amplio), uso obligado de mascarillas en el interior y sistema de salida del público ordenado y escalonado.

Dicho esto, no parece que los esfuerzos del sector cultural en un momento crítico pero que parece bien gestionado por teatros y cines, pueda hacer entrar en razón al govern autonómico. Tanto quejarse de lo odiosamente mal que lo hacía el gobierno central durante el estado de alarma y cuando es el propio govern catalán el que lo gestiona, o bien no ha aprendido nada o bien su incapacidad manifiesta le ha llevado a tomar toda una serie de decisiones erróneas y a destiempo. Espero que esto, al menos, haga abrir los ojos a algunos…

Desde Culturalia esperamos que el sentido común se imponga en un momento muy delicado para todos. ¿Si bares, terrazas y playas pueden abrir, siguiendo las medidas de precaución y protección, por qué cines y teatros y el resto de actividad cultural que también han implantado estas medidas, no lo pueden hacer?

 

Teatro

Crítica teatro: ‘La morta’ de Pompeu Crehuet, en la Sala Beckett

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Bueno, vamos avanzando en esa Nueva Normalidad que, evidentemente, también afecta a las artes escénicas. Si la semana pasada os hablamos de The Scarlet Letter programado en el Lliure en el marco del Festival Grec, hoy lo hacemos de ‘La morta’ de Pompeu Crehuet en la Sala Beckett, espacio que retomó el pasado 1 de julio las representaciones de esta obra estrenada en marzo y suspendida poco después debido a la crisis provocada por el COVID-19.

«Marc Crehuet, dramaturgo en plena crisis creativa después del éxito de su obra El rei borni, recibe la visita del espectro de su bisabuelo, Pompeu Crehuet, que también era dramaturgo. Pompeu le pide que dirija su obra más exitosa para que la gente lo reconozca, por fin, como un autor canónico de las letras catalanas. Marc intenta esquivar la propuesta, pero la determinación de su bisabuelo es muy fuerte y se verá obligado a luchar para levantar una obra de principios del siglo pasado que parece no interesar a nadie, bajo la supervisión constante del fantasma de su bisabuelo».

La Beckett nos ofrece una tragicomedia que trata sobre el teatro y de aquellos que se dedican al teatro, en este caso un dramaturgo en horas bajas, que no consigue retomar el camino del éxito, hecho este que le vincula con la carrera de su bisabuelo, que no superó nunca el éxito de su primera obra de teatro.

La morta de Pompeu Crehuet

La obra se organiza, pues, en diferentes tiempos en los que se nos relata el día a día del dramaturgo Marc Crehuet y su crisis profesional y familiar. Por otra parte la representación incluye la puesta en escena de diversas escenas de La morta de Pompeu Crehuet, personaje no ficticio, que conste, lo que nos permite contemplar una obra de teatro catalán de principios del siglo XX.

El resultado de todo ello es una obra algo confusa en el relato que no acaba de exprimir toda su potencialidad, que la tiene. Y si no piensen: dramaturgo en crisis, fantasma de un antepasado desorientado y con ganas de revancha y un juego constante entre dramaturgia y metadramaturgia. El espectáculo se basa en una buena idea que enlaza con la historia familiar de los Crehuet, aunque no acaba de explotar la comicidad de las situaciones y de las actuaciones. En lo que respecta a las interpretaciones, tenemos a tres «bombas» cómicas, Xavier Bertran, Francesc Ferrer y Betsy Túrnez que no acaban de coger el tono humorístico que reclama la obra. Algo entendible debido al parón que ha sufrido la obra y las situaciones que todos hemos vivido, pero que le roba intensidad cómica a la representación.

Por otra parte destacamos la escenografía digital de la obra, un campo este que ofrece unas posibilidades espectaculares, tal y como podemos contemplar en la representación de la obra. Todo un acierto en la puesta de escena que permite a la obra jugar con el tiempo de representación y con los personajes y meter al espectador en la trama de una forma inesperada.

‘La morta’ de Pompeu Crehuet es una propuesta que aunque no alcanza el ritmo y la intensidad necesaria, se convierte en una opción fresca y en una comedia, algo trágica por momentos, que nos alegrará los calurosos días de julio. Una cierta recuperación de la normalidad que vale la pena.

Y recuerden, llegada y salida escalonada, gel hidroalcohólico y mascarilla en el interior de la sala. Algo que no debemos olvidar…

‘La morta’ de Pompeu Crehuet se representa en la Sala Beckett del 1 al 26 de julio de 2020.

Autoría y dirección: Marc Crehuet
Reparto: Anna Bertran, Xavier Bertran, Francesc Ferrer y Betsy Túrnez
Con la colaboración especial de: Laura Fernández y Eric Crehuet
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: David Bofarull (aai)
Caracterización: Mercè Sánchez
Audiovisuales: Francesc Isern
Producción: Sala Beckett

Horarios: de miércoles a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas.
Precio: 15€
Duración: 1 hora y 30 minutos
Idioma: catalán y castellano
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Jorge Pisa

Teatro

Crítica teatral: The Scarlet Letter, en el Teatre Lliure

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Bueno, pues ha llegado la nueva normalidad también al teatro, lo que nos ha permitido en Culturalia volver por fin al patio de butacas de la mano del Festival Grec de Barcelona y el Teatre Lliure, para ver The Scarlet Letter de Angélica Liddell, una reflexión escénica sobre la represión de la mujer.

La autora e intérprete se basa en La letra escarlata, obra del siglo XIX escrita por Nathaniel Hawthorne que narra la opresión sufrida por la protagonista al saltarse las normas vigentes en la sociedad puritana de Nueva Inglaterra de principios del siglo XVII. Este pretexto le sirve a Liddell para hacer un recorrido por la represión que ha sufrido la mujer a manos de una sociedad de profunda raigambre y dominio masculino. Este repaso escénico se construye a través de una gran belleza visual que atañe a todos los elementos de la producción: un escenario vacío en el que predomina la coloración escarlata y en el que la masculinidad, materializada en el cuerpo desnudo de ocho hombres, intenta dominar y dar forma a la vida de la protagonista de la novela.

Liddell nos presenta una propuesta atrevida por lo que nos dice y por cómo nos lo dice. La obra mezcla texto recitado con movimientos de danza contemporánea al son de un hilo musical que evoluciona desde los cantos místicos religiosos iniciales a temas más actuales, que nos indican que la reflexión de la autora se extiende más allá de la época en la que se ambienta la novela de Hawthorne.

¿Qué papel ha jugado y juega la mujer en la sociedad occidental? ¿En qué medida la sexualidad ha dado forma a los roles y los espacios sociales ocupados por hombres y mujeres? ¿Cómo la religión y la justicia en el pasado y la ideología en la actualidad aprisionan a la mujer? ¿Qué es el feminismo?

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The Scarlet Letter no deja impasible a nadie. Afirmación que se evidencia en los monólogos que la propia Liddell se encarga de interpretar de forma espléndida y de una dureza implacable, y que se completa con una serie de escenas en las que el movimiento y la desnudez de los actores-bailarines nos permite elevar la mirada y visualizar el peso de la sexualidad en la estructuración de la sociedad del pasado y, también, en la nuestra.

El espectáculo, principalmente en castellano, comparte pátina idiomática con otros idiomas, hecho que nos sugiere la universalidad de la reflexión, siempre claro está, basándose en los temas y los personajes de la obra de Nathaniel Hawthorne.

The Scarlet Letter es una propuesta original e híbrida, ya saben que esto último está muy en boga en la actualidad, y aunque demasiado larga en extensión, nos ofrece una reflexión escénica y visual de impacto, en la que la desnudez, del escenario, de los intérpretes y de la realidad que refleja les dejará en algún momento helados en sus asientos.

El Teatre Lliure, por cierto, se ha adaptado concienzudamente a esta nueva normalidad con gestión online de la venta de entradas, presencia de gel hidroalcohólico, reducción del aforo, uso de mascarillas en el interior y con un sistema de salida del público ordenado y escalonado. Algo a lo que nos tendremos que ir acostumbrando…

The Scarlet Letter se representa en el Teatre Lliure del 2 al 4 de julio de 2020.

Texto, escenografía, vestuario y dirección: Angélica Liddell
Inspirado en: The Scarlet Letter, de Nathaniel Hawthorne
Interpretación: Pietro Quadrino, Tiago Costa, Julian Isenia, Angélica Liddell, Borja López, Tiago Mansilha, Daniel Matos, Thomas Conor Doherty , Nuno Nolasco, Antonio Pauletta, Antonio L. Pedraza, Sindo Puche. Con la participación de: Valeri Bernat, Thomas Sgarra, Philomène Troullier
Diseño de la iluminación: Jean Huleu
Diseño del sonido y del vídeo: Antonio Navarro

Horarios: de jueves a sábado a las 20:30 horas
Precio: 15€
Idioma: castellano e inglés, portugués, italiano (con subtítulos en castellano)
Duración: 105 minutos

Música,Teatro

Llega el Festival Grec de Barcelona adaptado a la «nueva realidad»

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El Festival Grec de Barcelona se celebrará finalmente del 30 de junio al 15 de agosto y será uno de los pocos grandes festivales europeos que lo haga este verano. Ayudará de esta forma al sector escénico y a crear vida social y cultural en la ciudad.

El Grec, cuya programación se presentará en junio, tendrá una duración de dos semanas más de lo habitual con un total de unos 100 espectáculos, y se concentrará en los espacios teatrales de Montjuïc –Teatre Grec, Teatre Lliure, Mercat de les Flors– que abrirán a un tercio de su aforo o lo que la normativa sanitaria dictamine en ese momento.

El festival, que contará con 3,3 millones de euros de presupuesto para ayudar al tejido local, exhibirá fundamentalmente producción local y alguna perla internacional. El Lliure o el Mercat exhibirán obras pensadas para salas más pequeñas. Y será un Grec popular ya que las entradas costarán 15 € y 5€ en los espectáculos familiares.

Además del espacio central en Montjuïc, museos como MNAC, CCCB, Macba, Born y Marítim se suman para espectáculos de pequeño tamaño, y las televisiones y radios están ya dispuestas a retransmitir espectáculos para hacerlos llegar a más gente.