El Palau Robert va tenir l’encert, l’any 2010, de programar l’exposició fotogràfica “Música pels ulls”, una compilació d’imatges signades per Francesc Fàbregas que documentaven vint anys de música a Barcelona, una època en què la ciutat va acollir els millors músics i alguns dels macroconcerts més interessants del moment, uns temps en què els dies grisos tenien les hores comptades per a deixar pas a uns anys d’efervescència cultural que obriria les portes de la ciutat als artistes més internacionals. Ara, dos anys després d’aquella magnífica exposició, l’Ajuntament de Barcelona ha decidit publicar les imatges que la van protagonitzar en un llibre (Música pels ulls. Barcelona 1974-1994) imprescindible per als mitòmans i amants de la música que, d’una manera o una altra, van estar vinculats als esdeveniments que va documentar Fàbregas en aquelles dues dècades.
El fotògraf Francesc Fàbregas
L’any 1972, un jove Francesc Fàbregas començava la seva trajectòria com a fotògraf, una decisió arriscada però que aquell noiet va prendre segur de sí mateix; la seva passió per la música el va portar a documentar aquells concerts que tant l’entusiasmaven, actuacions que a Barcelona es van anar fent cada cop més freqüents. D’aquesta manera, Fàbregas va posar el seu talent a disposició de les revistes culturals publicades a la ciutat a mitjans dels anys 70 (Vibraciones, Rock Espezial, Rockdelux), i es convertia, així, en tot un pioner del periodisme gràfic musical del país.
Aquell jove fotògraf va viure en primera persona el concert dels Rolling Stones a la Monumental (1976), va conèixer Bob Marley, Dylan, Freddie Mercury i Sting, va presenciar el debut de Bruce Springsteen a Barcelona (1981), va veure Lou Reed al Palau d’Esports (1975), el seu objectiu va captar també els membres de The Cure i The Smiths i, per descomptat, va viure un dels concerts més importants i amb una major quantitat d’artistes sobre l’escenari a finals dels 80, el que Amnistia Internacional va organitzar al Camp Nou (1988), bons músics reunits per una bona causa.
El Último de la Fila i Bruce Springsteen, al concert d'Amnistia Internacional (1988)
Però Fàbregas no només es va interessar pels artistes de renom internacional. Va passejar la seva càmera pel festival Canet Rock (1975 i 1977) i els membres de l’anomenada Ona Laietana; a més, el seu era un olfacte especial per a intuir maneres d’estrella a joves que començaven les seves carreres artístiques, com ara Loquillo, de qui va presenciar els primers concerts, va documentar les actuacions barcelonines dels grups que protagonitzaven la “movida madrileña”, com Radio Futura o Gabinete Galigari, va immortalitzar Pedro Almodóvar i Fabio McNamara, va fotografiar Alaska,…
Les imatges reunides a Música pels ulls. Barcelona 1974-1994 documenten dues dècades de música en directe a Barcelona, fotografies que al llibre estan acompanyades d’articles de reputats periodistes musicals, com Jordi Turtós o Àngel Cases, i on coneixerem també la opinió del promotor Gay Mercader, un dels principals responsables en convertir aquesta ciutat en destí imprescindible per als millors artistes del moment, un llibre que permetrà il·lustrar els records dels espectadors que omplien els estadis en aquells vint anys.
Títol:Música pels ulls. Barcelona 1974-1994 Autor: Francesc Fàbregas Editorial: Ajuntament de Barcelona Pàgines: 264 pàgines Data de publicació: Març 2012 ISBN: 9788498503630 Preu: 20,00 €
Os dejamos aquí con dos interesantes libros de historia publicados por la editorial Robin Book en sus colecciones «Historia Enigmas» y «Hermética» relacionados con la Antigüedad y con la historia más oscura y criminal del Imperio romano.
«Historia Enigmas» es un sello en el que destacan el misterio y los interrogantes de la historia. Su importante gama de productos, ha desafiado los grandes relatos históricos por la búsqueda de la verdad. Con sus pocos años como fondo editorial, ha orientado su visión a la investigación de culturas, religiones y personajes de la historia, tratando de brindar a sus lectores, los más amplios descubrimientos.
Historia criminal del Imperio romano. De Calígula a Trajano. Stephen Dando-Collins
La crónica fascinante de una época convulsa
Cuando el Imperio romano se encontraba todavía en pañales, ¿podría el asesinato de un gran líder erigirse en la raíz y la causa de su desmoronamiento posterior, ocurrido más de cuatro siglos después? Quizás sí, pero sólo si ese gran líder fuese el nieto de Marco Antonio, el hijo adoptivo del emperador Tiberio, elegido a dedo por Augusto para convertirlo en el tercer emperador, así como el padre de Calígula y el abuelo de Nerón.
Título:Historia criminal del Imperio romano. De Calígula a Trajano Autor: Stephen Dando-Collins Páginas: 304 Tamaño: 17 x 24 Encuadernación: Rustica ISBN: 978-84-9917-146-3 Género: Misterios Históricos Precio: 20,00 €
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«Hermética» es un sello en el que se integran el ESOTERISMO Y OCULTISMO.
Misterios de la Antigüedad.
SpencerCarter
¿Qué hay de verdad y de leyenda en los grandes mitos de la Antigüedad? ¿Qué nuevos hallazgos han obligado a revisar los enigmas pendientes? Una nueva y apasionante visión de los enigmas no resueltos de nuestro pasado.
Este libro arroja una nueva luz sobre los misterios sin resolver de todas las civilizaciones, misterios que, en ocasiones, se remontan a los nebulosos tiempos ancestrales de nuestro planeta.
El próximo 9 de marzo se estrena la película Dictado, una historia inquietante que muestra cómo la tranquila existencia de una joven pareja se ve truncada desde el mismo instante en que ambos se hacen cargo de una niña huérfana, un film que fue presentado en la pasada edición de la Berlinale, dirigido por Antonio Chavarrías y protagonizado por Juan Diego Botto, Bárbara Lennie y Mágica Pérez.
Fotograma de la película
Tras el suicidio de su padre, Julia es acogida por Daniel, amigo de la infancia de su padre, y su pareja, Laura. Poco a poco la presencia de la niña incomoda al muchacho, que se siente desplazado por ella y amenazado por algunas de las incomprensibles acciones de la pequeña, un comportamiento que despierta en el joven sus miedos y unos sentimientos del pasado que ya creía olvidados, pero que ahora regresan con más fuerza que nunca.
Dirigido por Antonio Chavarrías (Las vidas de Celia), Dictado es un thriller con elementos de terror que significa el debut cinematográfico de la pequeña Mágica Pérez, a quien acompañan Bárbara Lennie (Todas las canciones hablan de mí) y Juan Diego Botto (Silencio en la nieve) en los papeles protagonistas, y con Nora Navas (Pa negre), Ágata Roca (Las horas del día), Marc Rodríguez (Salvador) y Monti Castiñeiras (¿Y tú quién eres?) completando el reparto.
Dictado se estrenará en nuestros cines el 9 de marzo de 2012.
Título: Dictado
Género: Thriller Terror
Nacionalidad: España
Año: 2011
Duración: 95 minutos
Director: Antonio Chavarrías
Guión: Antonio Chavarrías
Intérpretes: Bárbara Lennie, Juan Diego Botto, Mágica Pérez, Nora Navas, Ágata Roca, Marc Rodríguez, Monti Castiñeiras
El próximo 26 de marzo actúa en el teatro Arteria Paral·lel el grupo musical Dospajárosyuntrío, con un espectáculo tributo al repertorio musical de Joaquín Sabina y Serrat que incluye la interpretación de 25 de los temas de los dos cantautores.
Dospajárosyuntrío nos proponen un concierto apto para todos los públicos, en especial para adultos de 20 años hacia arriba y jóvenes de 90 años hacia abajo.
El grupo está formado por once músicos y cantantes, que encadenan un amplísimo repertorio deSABINA & SERRAT de dos horas de duración, siempre desde el máximo respeto y consideración a su obra. El objetivo fundamental del espectáculo es hacer llegar al espectador la frescura del tributomusical a la obra y las canciones de dos de los mayores compositores de la música española y catalana.
En él se confrontan canciones lentas con rítmicas; baladas con rock and roll; melancólicas con temas alegres y divertidos, con el deseo de despertar en el espectador toda la sensibilidad poética de sus autores.
REPERTORIO ACTUACIÓN.
Ocupen su localidad Aves de paso Algo personal Y sin embargo No hago otra cosa que pensar en ti Quien me ha robado el mes de abril Princesa Contigo Tu nombre me sabe a hierba Señora Pequeñas cosas / Ruido / El muerto vivo Mediterráneo 19 días y 500 noches Penélope Más de 100 mentiras Fiesta Pastillas para no soñar Cantares Y nos dieron las diez Paraules d’amor La del pirata cojo Soledad Noches de boda Para la libertad Despedida
Próximos Conciertos del grupo Dospajárosyuntrío (2012):
10 Marzo – Palacio de Exposiciones y Congresos Lienzo Norte – Ávila 26 Marzo – Teatro Arteria Paral·lel – Barcelona 3 Mayo – Teatro Campos Elíseos – Bilbao 24 Junio – Mutilva – Pamplona – Navarra
El concierto «Dospájarosyuntrio tributan a Sabina y Serrat» se celebrará el próximo 26 de marzo en el Teatro Arteria Paral·lel de Barcelona.
Día: 26 de marzo de 2012 Hora: 21:00 Lugar: Teatro Arteria Paral·lel Duración del concierto: 2 horas y 15 minutos Precio: 29 – 34 €
El fotoperiodisme és una de les disciplines gràfiques més interessants de l’actualitat, un gènere que serveix per a descobrir els esdeveniments periodístics més rellevants del moment, a més de denunciar aquelles injustícies que ens passen desapercebudes per semblar-nos llunyanes. Així, i gràcies a les nombroses exposicions i premis que en els darrers anys han proliferat, la feina del reporter dedicat al fotoperiodisme ha aconseguit una difusió important que serveix, a més, com a reconeixement a una feina tan valuosa com arriscada.
Imatge de la catàstrofe de Japó feta Koichiro Tezuka
Un dels festivals més prestigiosos –i més antics– que mostra les fotografies d’aquests especialistes és Visa pour l’Image – Perpignan, una exposició que, per primera vegada, surt del seu espai habitual per aterrar a Barcelona, concretament al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), on des de l’1 de març el públic podrà descobrir una selecció de les imatges que van protagonitzar l’edició del 2011, un total de 165 fotografies que aquí es presenten sota el títol de «Més fotoperiodisme», i que serveixen per a conèixer quatre esdeveniments que durant l’any 2011 van ser notícia en els informatius d’arreu del món: el tsunami que va patir Japó, les revoltes conegudes com “la primavera àrab”, la narcocultura mexicana o la vida quotidiana d’una dona mutilada a Uganda.
La primera edició de Visa pour l’Image – Perpignan es remunta a l’any 1989, quan Jean-François Leroy va idear aquest festival internacional de fotoperiodisme que, actualment, és el més important que se celebra a Perpinyà any rere any, amb l’objectiu de reunir tots els professionals de la fotografia periodística. Vint-i-dos anys després d’aquella primera edició aquest festival ja està totalment consolidat, i s’ha convertit en una cita ineludible tant per als professionals com per als apassionats seguidors del fotoperiodisme, tal i com ho demostren els més de 225.000 visitants que, en la seva darrera edició, es van interessar per aquesta mostra.
Imatge que forma part del reportatge "La narcocultura", feta per Shaul Schwarz
Al CCCB es podran veure les 165 imatges que La Fundació Photographic Social Vision va triar d’entre tot el material exposat a Perpinyà. Així, a Barcelona podrem contemplar la mirada que la revista mensual Days Japan va oferir del tsunami succeït el mes de març passat al Japó –imatges de més de quaranta fotògrafs, tant professionals com amateurs, per documentar la difícil situació a què es va veure sotmesa la població japonesa després del drama natural–, les revolucions àrabs captades per l’ull del fotògraf de l’Agència NOOR Yuri Kozyrev –en aquest cas, una quarta part del material és inèdit, ja que s’hi inclouen els esdeveniments succeïts a partir de setembre de 2011 que el mateix Kozyrev va fotografiar–, la mirada, entre sarcàstica i irònica, de Shaul Schwarz sobre la narcocultura a Mèxic –una cultura compartida per milions de mexicans i llatinoamericans involucrats o afectats pel tràfic de drogues–, i el treball en blanc i negre, íntim i respectuós, de la fotògrafa italiana Martina Bacigalupo sobre la vida quotidiana a la Uganda postbèl·lica a través de la mirada d’una dona lluitadora que va perdre una cama, el seu fill petit i els seus dos marits com a conseqüència de la violència que pateixen els habitants del país.
«Més fotoperiodisme» es podrà veure al CCCB fins al 28 de maig, de dimarts a diumenge, d’11:00 hores a 20:00 hores. El preu de l’entrada és de 5,00 €.
Moncho Borrajo regresa a los escenarios con una crítica «histórica» al poder, a los políticos y a los golfos «hispánicos» en general, un espectáculo de humor y cabaret a lo «Borrajo» que estará en la cartelera del Arteria Paral·lel hasta el próximo 11 de marzo.
Es posiblemente este juego de palabras, Golfus Hispanicus, con origen en el filme musical satírico Golfus de Roma (A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, 1966), el que mejor define la visión que una gran parte de la población tiene (perdón, tenemos!!) sobre los políticos, los financieros y los grandes hombres de negocios que han llevado a nuestro país a una situación de profunda crisis económica y me arriesgo a definir, también, anímica y espiritual.
Borrajo nos propone un antídoto, pero uno que solo actúa durante un par de horas (las que dura el espectáculo) y que nos permite reírnos de nosotros mismos, de nuestros políticos y de la historia de un país que, por desgracia, muchas veces se parece demasiado a un cómic de viñetas.
Y este antídoto se basa en una gran dosis de humor, 100 mg de improvisación, 200 mg de historia de España, 150 mg de espectáculo de cabaret y 300 mg de incontinencia verbal. Algo que, sin duda, nos ha de recordar a la figura y la comicidad de Moncho Borrajo.
Una vez analizados los ingredientes veamos la puesta en escena. Borrajo nos presenta un espectáculo en el cual Monchus Borrajus, un personaje hispano del siglo III d.C. «con posibles», es autorizado por el dios Júpiter a hacer un viaje en el tiempo que lo traerá directamente a la Barcelona del siglo XXI. En su viaje temporal Borrajus ha podido coger algunos apuntes sobre la historia de España, y con ellos en la mano procederá a darnos una «clase magistral». Pero no se asusten no, que esta clase la dará en el más puro sentido Borrajus, en el que el humor, el cabaret, el musical, las cosas dichas tal como son y la improvisación estarán muy pero que muy presentes. Borrajus estará acompañado en su viaje por su joven esclavo (Antonio Campos), que aunque mudo desde pequeño será su ayudante a lo largo de todo el espectáculo.
Podríamos decir que Golfus Hispanicus es un espectáculo dividido en varias partes o tramos. La que da inicio a la obra es la propiamente golfa e hispánica. En ella Borrajus, con su habitual y «políticamente incorrecto» humor repasa los grandes episodios de la historia de España, haciendo continuas referencias y concordancias entre el ayer y el hoy, dejando claro que, muchas veces, nada es tan nuevo «bajo el sol»: los pueblos de la Iberia antigua, la romanización, la invasión de los pueblos germanos (guiados por su gran diosa Merkel), la conquista musulmana, la creación de los reinos cristianos y, como no, la «forja» de la España indisoluble y una con el matrimonio de los Reyes Católicos (que, seguramente, no lo eran tanto…). Un análisis en el que Borrajo se deja llevar por el humor y la ironía para no dejar títere con cabeza. Las referencias a la actualidad, constantes a lo largo de la función, se materializan plenamente al final de esta parte, con la cita textual de «frases» y la descripción de comportamientos de algunos de nuestros políticos «más insignes» en la que reciben todos los colores y todas las ideologías.
Una vez acabado esta parte da inicio un segundo acto en el que la intervención del público es básica, y en la que algunos afortunados podrán participar en uno de los números coreográficos-musicales a «lo moncho» y donde veremos al Borrajo más improvisador en otro «juego» escénico con el público. Acto que es seguido, como resopón, por un breve monólogo final en el que Borrajo se nos presenta sin vestiduras y sin maquillaje, en su versión más auténtica.
Golfus Hispanicus es un espectáculo que se nota que Borrajo quería hacer y que ha hecho desde lo más profundo de su ser, de sus entrañas humanas y escénicas. Un revulsivo a su situación personal y a la situación que vive un país arruinado por la incompetencia de sus políticos y la avaricia y la vileza de los grandes hombres de negocios. Si bien, es posiblemente un espectáculo con una duración excesiva y con una configuración demasiado diversa como para ser completo.
Aún así Golfus Hispanicus es una buena opción para todos aquellos que quieran «ausentarse» un poco, al menos un par de horas, de la tragedia económica y social en la que vive la mayoría de los españoles, riéndose de situaciones y de comportamientos que tanto podrían pasar en nuestra España del siglo XXI, como en la Hispania del siglo III. Es también una ocasión ideal para el reencuentro entre el público y Moncho Borrajo, y volver a degustar un menú de humor, de sátira, de cabaret y de musical al que Borrajo nos tenía acostumbrados.
Una obra prescrita para todos aquellos que quieran apearse momentáneamente de las crudas y desastrosas noticias y realidad que vemos, oímos y leemos en los medios de comunicación y quieran «medicarse» con un poco de realismo humorístico y cotidiano en el que Moncho Borrajo se desenvuelve como pez en el agua. Una oportunidad, sin embargo, que solo podrán gozar hasta el próximo 11 de marzo.
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«Golfus Hispanicus. Tragicomedia musical en un solo acto» se representará en Arteria Paral·lel de Barcelona del 29 de febrero al 11 de marzo de 2012.
Reparto: Moncho Borrajo y Antonio Campos
Voces en off: JM. Sánchez y Lucía Bravo
Diseño de escenografía: Iván Manzanero
Arreglos musicales: R. Borrajo y Rafael Rabay
Diseño iluminación: Daniel Bossio
Diseño de sonido: Víctor Tomé
Vestuario: Ramón Domarco
Autor: Moncho Borrajo
Director: Víctor Conde
Producción: Suspiro Producciones
Horarios: miércoles, jueves y viernes a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingo a las 18:00 horas. Precio: miércoles y jueves de 14,75 a 27 €; viernes, sábados y domingos de 19 a 32 €. Duración de la obra: 2 horas sin descanso. Idioma: castellano
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El espectáculo que estrenó el pasado 8 de febrero la sala 2 del Club Capitol tiene el contundente título de «Cock«, o lo que es lo mismo, «Polla» en castellano. En su cartel luce un gran pepino y su original programa de mano muestra como se llama al miembro viril en diferentes partes de Europa. Un título que puede llevar a pensar en un espectáculo fuerte, y lo es, pero para nada sexualmente explícito.
Pau Roca(John) es un joven indeciso, homosexual y con poca personalidad hasta las últimas consecuencias. Su angustia existencial le desborda. Albert Triola, su pareja masculina, es enérgico, vitalista pero muy posesivo, de aquellos a los que les gusta que “se haga lo que se ordena”. Un compañero que anula en gran medida a John. Llevan muchos años juntos y John se plantea acabar con esta dominación sentimental. En el camino al trabajo conocerá a una simpática e inteligente chica, encarnada por Mar Ulldemolins, que le descubrirá un mundo nuevo, lleno de posibilidades, de dudas y de gozos.
La indecisión de John a decantarse por uno o por otra, llevará a los protagonistas a la rocambolesca y descabellada idea de organizar una cena a tres bandas. Aquí entrará en liza el cuarto actor, Blai Llopis, que interpreta al padre del gay abandonado, que será un refuerzo en la lucha para salvaguardar la felicidad emocional de su hijo.
Cock huye del típico triangulo amoroso. En la obra hallamos a una pareja y a la chica en discordia, pero la novedad es que la pareja protagonista es gay. Con este peligroso cóctel se plantearán un torrente de emociones e interrogantes sobre la identidad sexual que nos forjamos cada uno de nosotros.
El escenario es aséptico y minimalista. Sólo está compuesto de cuatro grandes cubos que se iluminan y son usados para sentarse, tumbarse (y otras cosas) por los actores y un fondo ovalado sin ningún dibujo ni imagen. Los cuatro actores se emplean a fondo para mostrar toda la magnitud y la intensidad sentimental de la situación que nos narra Cock, mientras deambulan por los diferentes escenarios incorpóreos que no dejan de ser uno y el mismo. Y la verdad es que consiguen que te metas en la trama y atisbar los puntos de vista y las formas de ver y de afrontar la vida de cada uno de ellos. Menos mal que la obra está salpicada de múltiples momentos de humor, sino sería una experiencia dura y seca.
Diferentes escenarios, la ruptura, el nuevo amor o la reconciliación se irán intercambiando. De entre ellos divertidísimo el primer encuentro sexual entre el chico y la chica y muy bien resuelto visualmente. Con la aparición del padre de la pareja de John se plantean diferentes razonamientos sobre la homosexualidad (y la sexualidad) y sobre la aceptación y la falsedad de la sociedad con respecto a estos temas. La chica sin embargo planteará sus propias ideas. De hecho en este último acto que transcurre durante la cena, el escenario se transforma en «La Casa de las Dagas Voladoras» por los sarcasmos y las puyitas que se van echando los unos a los otros y que hacen estallar en risas al público. Solo cuando el indeciso John sea llevado al límite y estalle en ataques de cólera la verdad podrá salir disparada…
Cock es una comedia agridulce y descarnada que nos muestra la manipulación, el chantaje emocional y la angustia existencial que sufre el protagonista y plantea muchas preguntas: ¿es la novedad lo que nos hace cambiar? ¿Puede amar un hombre a otro hombre sin ser homosexual? ¿Han de existir las etiquetas? Suerte que, además de todo esto, la obra hacer reír.
«Cock» se representa en el Club Capitol del 8 de febrero al 1 de abril de 2012. NUEVA PROGRAMACIÓN: del 6 de septiembre al 21 de octubre de 2012.
Autor:Mike Bartlett
Traducción: Violeta Roca y Joan Sellent
Dirección: Marta Angelat
Reparto: Pau Roca, Albert Triola, Mar Ulldemolins y Blai Llopis
Diseño de luces: Jaume Ventura
Diseño de sonido: Toni Saigi Chupi
Construcción espacio escénico: Taller Escenografia Sant Cugat
Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:30 horas. Precio: miércoles y jueves 18 €; viernes, sábado y domingo 21 €. Duración de la obra: 90 minutos Idioma: catalán
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Coneixeu el “Jo mai mai”? Per qui no sàpiga de què parlo diré que és un d’aquells jocs que triomfen en les reunions entre amics, i que ens fa explicar els nostres secrets i conèixer els dels altres acompanyats d’una copa: si has fet allò que algú proposa, has de beure un glop; si no, no beus. L’èxit d’aquest popular joc va fer que l’actor Joan Dausà pensés que seria un bon títol per a un disc, així que dit i fet: el passat 14 de febrer va sortir a la venda Jo mai mai, el debut de Joan Dausà i Els Tipus d’Interès, un treball que es va començar a gestar fa gairebé dos anys mentre Dausà feia una barbacoa amb uns amics d’allò més interessants: Martí Maymó i Arnau Vallvé (dels Manel), Axel Pi (bateria de Sidonie) i Carol Duran (de La Carrau), uns amics que no van dubtar ni un instant a oferir-li el seu suport en la seva aventura com a cantant.
Conegut pels seus treballs en televisió (on ha participat en sèries com Ventdelplà o Porca Misèria), la veu de Joan Dausà se’ns va fer habitual quan va doblar el personatge de Xavi Masdéu, el protagonista modernet d’Arròs covat, la magnífica sèrie d’animació creada per Juanjo Sáez l’any 2009. Mentre treballava com a actor, la música només era una afició per a Dausà, qui ja a l’adolescència es va iniciar tocant temes de Lluís Llach i Joan Manel Serrat, fins que l’any 2010 va guanyar el Premi de la Votació Popular del Concurs de Maquetes Sona9 amb les cançons que ara publica.
Joan Dausà
Produït per Santos Berrocal i Florenci Ferrer (productors de grups com Sidonie o Love Of Lesbian) Jo mai mai conté onze cançons que pretenen emocionar, un treball marcat per la malenconia i la nostàlgia, amb un so íntim i sense artificis, que parla d’històries quotidianes, de parella, de sentiments personals, fins i tot de tristesa, però sense recrear-s’hi, ja que el músic de Sant Feliu recomana ser positiu davant les adversitats.
De les onze cançons cal destacar Martina, un preciós exercici imaginatiu en què Dausà evoca la joventut de La Tieta de Serrat, quan no podia imaginar que envelliria tota sola; M’hauria agradat, on s’expliquen desitjos que no es fan realitat; El señor Sommer i l’ós polar, la preferida de l’autor, una faula basada en el llibre de Patrick Süskind; 1979, que l’autor dedica a la seva mare, que va morir pocs dies després de néixer ell; i la cançó que dóna nom al disc, Jo mai mai, una història d’amor que es resumeix en un sopar on es juga a aquest joc, i que ve acompanyat d’un videoclip fantàstic en què Joan Dausà es reuneix amb els seus amics (Els Tipus d’Interès) per fer un cafè i jugar, i on trobarem les curioses confessions de Pep Cruz, Carles Flavià, Agnès Busquets, Marc Angelet, Juanjo Sáez, Clara Segura (que també col·labora a Encara hi som a temps), Miqui Puig, Anna Moliner,…
La gira de presentació de Jo mai mai va començar de forma exitosa a la sala Heliogàbal de Barcelona, on va esgotar totes les entrades per a la triple cita que va oferir a finals de febrer. Per a aquestes actuacions en directe (la propera, a Terrassa el 8 de març), i davant la impossibilitat de comptar amb Els Tipus d’Interès originals per problemes d’agendes, Joan Dausà ha reunit un nou grup que l’acompanyarà dalt de l’escenari, amb els músics Pere Ruiz, Eloi Isern, David Romero i Ferran Resines.
Títol: Jo mai mai
Autor: Joan Dausà i Els Tipus d’Interès
Discogràfica: Cameo
Data de publicació: Febrer 2012
Més informació: www.joandausa.com
No es una exclusiva comunicativa el constatar que el Teatre Gaudí Barcelona está llevando a cabo, desde hace tiempo, una programación de carácter «generacional» (en el sentido de generación, de grupo de edad), ni aseverar que, además, la calidad y el acierto están siendo elementos tenidos muy en cuenta. Y supongo que tampoco es un notición afirmar que los responsables de la programación artística se están «luciendo» a la hora de materializar textos, escenografías e ideas de una forma próxima, amena y actual.
Pues perdónenme ustedes, pero si esto no es un notición en el ámbito de la escena teatral de la ciudad, no sé lo que lo puede ser. Sobre todo si tenemos en mente que el teatro en cuestión no es uno de los principales de la ciudad en lo que se refiere a los «mimos» que recibe de la administración (o al menos, eso pienso yo!!), como tampoco lo es el circuito escénico que configura de forma conjunta con el Versus Teatre.
No hace falta, así, escudriñar demasiado en el pasado para ver que numerosas de las últimas producciones representadas en el Gaudí (Pasta Fullada, Dos punkis i un Vespino, In on It, o Mediocres) han sido todo un acierto en el aspecto artístico, al que hay que esperar que haya acompañado el éxito de público.
Este es, también, el caso de Oxigen, la obra escrita y dirigida por Mar Monegal e interpretada por Helena Bagué, Francesc Ferrer, Albert Mèlich y Betsy Túrnez y que analiza, en tono de tragi-comedia, las consecuencias que tiene para dos parejas jóvenes la búsqueda y la llegada de la descendencia. Un escenario y una trama cercanos a la mayoría de nosotros y que se puede convertir en un momento crítico en la existencia de cualquier pareja.
Y esta es la cuestión que trata la obra de Monegal. La directora utiliza un caso doble (y diverso) para acercarse al mundo de las relaciones, del amor y de la reproducción. Dos parejas en muchos aspectos opuestas y en muchos otros muy parecidas. Una de ellas, la formada por Marta (Betsy Túrnez) y Alex (Francesc Ferrer), es más convencional, más hecha a la antigua y mantienen una relación de amor/desamor, aunque, en realidad, se necesitan y se quieren demasiado el uno al otro. La otra, la formada por Ona (Helena Bagué) y Roger (Albert Mèlich), es una pareja más moderna, más actual, «algo más alternativa» que vive su vida al momento.
Todo esto cambiará, se transformará cuando ambas parejas, por motivos diferentes, se dispongan a tener un hijo. Esta «dramática» decisión, que transforma muchas veces a una pareja en una familia, tendrá amplias consecuencias en la vida de los cuatro protagonistas, pondrá en tensión a las dos relaciones y mostrará el «modo de ser» real de cada uno de ellos. Los preparativos de los padres; la adaptación del espacio familiar para recibir al nuevo miembro; la fecundación a veces más complicada de lo que debería; las interminables compras; los inevitables antojos; los continuos cambios de humor; las eternas discusiones de como se ha de hacer esto o como se ha de realizar lo otro; la necesidad de compromiso; las renuncias, las infidelidades, el sexo…
Las vicisitudes de estas dos parejas permiten a Monegal desplegar un muestrario más amplio de las consecuencias y las secuelas de la toma de tan importante decisión. Si en el caso de Marta y Alex asistimos a las respuestas dadas por una pareja más tradicional, en la cual Alex delega gran parte de la actividad familiar y doméstica de forma sumisa en manos de Marta, auténtico motor y director de la relación, en el caso de Ona y Roger parece que dos espíritus gemelos se han encontrado, lo que ha hecho crecer el mundo compartido por ambos. Un verdadero amor que embarga sus personalidades. Aún así, la decisión de tener un hijo afectará a ambas relaciones y las someterá a las tensiones y las presiones más impetuosas a las que se habían enfrentado hasta el momento. Todo un reto!!
Pero no teman. Lo que les explico, y que en algunos casos se puede convertir en una aguda crisis de pareja, se transforma en una tragicomedia que equilibra la interpretación de los dos actores y las dos actrices. Si las situaciones «padecidas» por Marta y Alex provocan un torbellino de hilaridad y de carcajadas, el día a día de Ona y Roger nos mostrará una reflexión más interior y espiritual, en la cual podremos observar como la aportación de cada miembro de una pareja a la relación no es ni mucho menos equitativa. Mientras que Ona se ha retirado a la vida familiar conjunta, Roger no ha abandonado del todo su vida «independiente» anterior, y sus obligaciones como padre desbordarán las más de las veces sus pocas aptitudes naturales.
Oxigen es una obra donde el humor está muy presente, una herramienta ésta que nos permite ver que nada en la vida es totalmente blanco o totalmente negro, ya sea en el día a día de dos parejas o en la existencia de cualquiera de nosotros, en la que, normalmente, predominan los grises de tonos más o menos vivos.
La obra se compone de una actuación coral a ocho manos. Sobre el mismo escenario se crearán desde casi la nada los hogares de las dos parejas, que se irán alternando uno tras otro en base a la necesidades de la representación, y se irán materializando con ayuda de los mismos intérpretes. Veremos pasar las semanas, los meses e incluso los años de la vida de los protagonistas de una forma fugaz pero nítida, lo cual nos revela el dominio de la textura escénica por parte de la directora, de los actores y del equipo artístico. Es una interpretación coral y con cierto grado de feedback entre los actores y el público, lo que nos hará pensar que más que estar en el teatro estamos visitando a unos conocidos. Otro acierto de la producción, el acercamiento entre el público y la representación.
Pero si entre las cuatro interpretaciones tuviera que destacar alguna, me quedaría, sin duda, con los chispazos que generan la pareja de Marta (Betsy Túrnez) y Alex (Francesc Ferrer), auténticos amperios de humor que comunican a sus personajes un altísimo grado de comicidad y «realismo doméstico». Aún así, y vuelvo a repetirlo, sería injusto valorar una o dos de las actuaciones por encima del resultado global que quiere dar a la obra su directora.
Oxigen, un título que hace referencia a aquello más básico que necesitamos para vivir, es un respiro de aire «teatral», de aquellos que todos requerimos de tanto en tanto. Una obra que habla de nuestro día a día, de los objetivos que nos marcamos en la vida y de los recursos que invertimos en su consecución. Es un drama, el de la vida, y es comicidad, que emana también de la vida misma, y nos provee de una buena dosis de oxigeno con el que desconectar de nuestros propios problemas y «disfrutar» de los problemas de los otros (que al mismo tiempo son los nuestros). Un soplo de aire fresco que, sabiendo como está la cosa «ahí fuera», todos deberíamos aprovechar.
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«Oxigen» se representa en el Teatre Gaudí de Barcelona del 27 de enero al 25 de marzo de 2012.
Dramaturgia y dirección: Mar Monegal
Intérpretes: Helena Bagué, Francesc Ferrer, Albert Mèlich y Betsy Túrnez
Compañía: Teatre Gaudí
Espacio sonoro: Javi Gamazo
Diseño de luces: Dani Gener
Espacio escénico: Mar Monegal
Fotografías: Josep Aznar
Horario: de jueves a sábado a las 20:45 horas y domingo a las 18:00 horas Precio: 18 € Idioma: catalán Duración: Una hora y veinte minutos
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Gracias al estreno del film La legión del águila el mes de abril del año pasado y la reedición, por parte de la editorial Plataforma, de la novela El águila de la novena legión, de Rosemary Sutcliff, en la cual se basa la película, Blog Culturalia ha podido iniciar y finalizar un viaje de análisis a través del mundo de ficción histórica creado por la autora inglesa en los años 50 del siglo XX. Un viaje que repasa, a través de las peripecias de la familia Aquila, la historia de Britania desde el siglo II al V d.C. y que revive, en forma de ficción histórica, la conquista y la dominación romana de la isla.
Esta tercera entrega de la saga, titulada Los guardianes de la luz, publicada originalmente en el año 1959 (y editada en español por Plataforma editorial también en el año 2011), posee un alto grado de finalización en lo que respecta al mundo romano establecido en la isla y tiene un acentuado carácter de inicio en relación a la fase medieval de la historia de las islas británicas.
Nos hemos de situar, pues, a mediados del siglo V d.C., cuando, debido a la crítica situación política que atravesaba el Imperio romano, el todopoderoso general Aecio decide retirar las últimas tropas romanas presentes en Britania ubicadas en la costa este, en el fuerte de Rutupiae, dejando, de esta forma, a la isla indefensa ante los ataques de los pueblos germánicos (anglos, jutos y sajones), que iniciarán el saqueo y la conquista del territorio britano.
Marco Flavio Aquila, decurión de la caballería romana de origen britano optará, ante la marcha de las águilas, por la deserción y por permanecer en la isla, junto a su familia, su padre y su hermana Flavia, y hacer frente a la invasión y a la inminente destrucción sajona. Ésta no se hará esperar y traerá la desgracia a la familia Aquila. El ataque germano acabará con la villa familiar, la muerte de su padre y el rapto de su hermana por parte de los sajones.
Aquila sobrevive al ataque germano para ser esclavizado por un joven juto, que lo llevará a tierras escandinavas donde servirá como esclavo. El destino, sin embargo, permitirá a Aquila volver a tierras britanas, donde podrá escapar y ponerse en contacto con las fuerzas de Ambrosio Aureliano, el líder celto-romano que capitaneará la resistencia frente a la invasión germana.
Sutcliff nos sitúa, literariamente hablando, en el cierre del periodo de dominación romana sobre la Britania antigua y nos ubica en un nuevo comienzo, el de la historia medieval de la isla, que la autora había escuchado tantas veces narrar a su madre. Un mundo donde la leyenda, la fábula y el heroísmo estarán muy presentes, no en vano nos adentramos en la época en la que se ambientan las leyendas del Rey Arturo y sus caballeros, presentes también en esta novela, si bien de una forma bastante más «realista» a la que estamos acostumbrados.
La autora, como decía, se zambulle en este ambiente de decadencia y de crisis política del poderío romano para concebir, seguramente, algunas de las escenas más emotivas de toda la saga. La primera es la de la deserción del propio Aquila, con el faro de Rutupiae y la marcha de las galeras romanas como símbolo final de la dominación romana y como leitmotiv que reaparecerá a lo largo de la novela. Toda una escena que nos sitúa rápidamente en lo que va a ser la trama histórica y que nos muestra el terror, las emociones y la fidelidad que Flavio mantiene no solo con su patria sino también con su familia. Una brecha que prefigura de alguna forma la rotura política entre la isla británica y el poderío romano continental.
La segunda, un poco menos verídica según mi opinión, es la llegada de los grupos de saqueadores sajones a la villa familiar de los Aquila, que acaba de poner fin al mundo romano que había desarrollado Sutcliff en sus dos novelas anteriores y que nos muestra claramente la brutalidad y la irracionalidad de la nueva época que se abría paso en la isla. Una visión muy propia de los autores y del público, de la primera mitad del siglo XX, y si me apuran, también en la actualidad.
Los guardianes de la luz se convierte en un episodio literario más que nos describe la historia de la Britania romana. La meta de Sutcliff, sin embargo, no era nada fácil, no solo por la falta de información histórica a la que pudo tener acceso la escritora, sino por la «legendarización» de todo el periodo de la mano, como he indicado anteriormente, de las leyendas artúricas y de la universalización de la figura del rey Arturo, que hemos de ubicar, más o menos, en esta época. Aún así Sutcliff opta, como ya hiciera en los dos volúmenes anteriores de la trilogía, por un ambiente mucho más histórico del que estamos acostumbrados. La autora nos relata la llegada de los sajones y su asentamiento en la isla y los esfuerzos de los britanos, los descendientes de la tradición romana, por defender su territorio. Es aquí donde aparecen personajes como Ambrosio Aureliano y Vortigern, dos caudillos britanos de época post-romana; Hengest, el cabecilla sajón que liderará la acometida germana en tierras britanas; e incluso Artos, personaje este último que prefigura al legendario rey Arturo.
Los guardianes de la luz, título que hace una clara referencia a la resistencia britana, es una novela de lucha y de supervivencia, que nos narra el choque «literario» entre dos mundos diferentes, la tradición britano-romana y la nueva realidad que representaban los invasores germanos, en la novela principalmente sajones, y que con el tiempo daría forma a la Inglaterra medieval.
Rosemary Sutcliff, la autora.
El espacio delimitado por la autora es el de un mundo en descomposición, el romano-britano, que ha de unirse para luchar contra los salvajes e inhumanos sajones. El marco es el que ya conocemos de la saga: una historia donde un joven miembro de la familia Aquila, en este caso Flavio, militar de profesión, es el protagonista, y de cómo, a través de su experiencia se materializa la transformación de la isla y de su historia. Flavio, tras la pérdida de su familia, de su lealtad (a las águilas romanas) y de su libertad a manos de los sajones, hallará la esperanza en la figura del líder britano-romano Ambrosio, donde residirá el futuro de los aterrorizados britanos. Una clara referencia a la transmutación de la identidad de la isla.
La tercera parte de la saga la podríamos considerar, también como en el caso de las dos entregas anteriores, como ejemplo de las novelas juveniles aptas, claro está, para todos los públicos. En ella estará presente la violencia, los valores, el compromiso y la esperanza, aunque se hallan ausentes las emociones amorosas, un hecho que sorprende ya que es en esta tercera novela donde por primera vez el protagonista mantiene una relación sentimental (en algunos tramos una relación de amor/odio) con una joven celta llamada Ness, hija de un caudillo britano. Aún así, el componente más afectivo de la relación está ausente, algo que podemos entender en base al público (juvenil) al que estaba dedicada la obra, y a la experiencia vital de la autora, la cual, debido a la enfermedad de carácter artrítico que sufrió desde muy joven, se vio pronto reducida a una silla de ruedas. Sutcliff no se casó nunca y no tuvo hijos, hecho que ayuda a explicar, en parte, esa ausencia de contenido sentimental y emotivo en sus obras, algo que no impidió que sus novelas triunfaran, no solo en su país sino también en el extranjero.
Los guardianes de la luz es una obra que nos permite echar un vistazo, en clave de «aventura» histórica, a un mundo convulso, donde el lector se verá reclutado por parte de las escasas y desprovistas huestes britanas y donde seguiremos los pasos de Flavio y de los nuevos referentes históricos de la isla, ya sea el líder britano Ambrosio o su gran oponente Vortigern, cuya malicia nos será mostrada ya desde muy pronto a través de su alianza con las bandas de guerreros sajones, que traerán la muerte y la destrucción al territorio britano.
La autora mantiene a lo largo de toda la novela el estilo grato, entretenido y emotivo, al que ya nos tiene acostumbrados en la saga y se nota que nos explica una historia muy querida por ella. Una historia que posee un marco en el que la decadencia está muy presente: la decadencia del poder romano o la decadencia de la romanidad, que se mostrará plenamente en la escasas descripciones que la autora realiza de las ciudades britano-romanas. En ellas se huele y se nota el declive y la falta de recursos que hacen que los centros urbanos decaigan, que vayan envejeciendo poco a poco. A esto se suma un cambio de escenario. Si en las anteriores novelas las ciudades estaban muy presentes en la trama, en esta tercera entrega siguen existiendo, si bien la acción no se desarrolla en ellas. El relato es más rústico, más agreste, ambientado sobre todo en los asentamientos celtas de carácter más rural. Una perspectiva ésta que, como dije, prefigura una visón más «medievalizante» de la historia.
Los guardianes de la luz es una novela de transición, una novela entre dos mundos, entre el romano y el medieval, una novela que abrió el camino a otras aproximaciones de Sutcliff a la épica medieval de la historia de Britania, que de una forma u otra también tendrían a la familia Aquila como protagonista. Es, en definitiva, un cierre de la autora a unos personajes y a un ambiente muy apreciados por ella. Una buena clausura para una trilogía que hizo las delicias de millones de lectores y que, gracias a Plataforma editorial, hará también, las delicias del público español gracias a su reedición en lengua castellana.
Título:Los guardianes de la luz Autora: Rosemary Sutcliff Año de publicación: 2011 Traducción: Ángel Jiménez Colección: Novela Histórica Formato: Rústica con solapas ISBN: 978-84-15115-03-8 Páginas: 371 Precio: € 19.95
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