Estrena cinematogràfica: Any de Gràcia, de Ventura Pons

El proper 2 de març s’estrena la pel·lícula Any de Gràcia, la història d’un jove que deixa el seu poble natal per emprendre una nova vida a Barcelona, un film que significa l’esperat retorn a la comèdia de Ventura Pons per al qual ha comptat amb Rosa Maria Sardà i Oriol Pla en els papers principals.

Fotograma de la pel·lícula

El David és un jove de vint anys que arriba a Barcelona carregat d’il·lusions i bones intencions. El noi trobarà allotjament a la casa de la Gràcia, una dona que ja ha superat els seixanta anys i que li ofereix una habitació a canvi de companyia i atenció. La convivència, però, no serà gens fàcil: ell busca la manera de fer realitat tots els seus somnis, mentre que ella, desencantada de la vida, ja ha abandonat qualsevol esperança de convertir-los en realitat.

Ventura Pons (Mil cretins) dirigeix Any de Gràcia, una pel·lícula rodada als carrers del barri de Gràcia que mostra la difícil relació entre un jove acabat d’arribar a la ciutat i la dona que l’acull a casa seva, conflictes generacionals que tots dos intentaran solucionar amb bones dosis d’humor i tendresa. En aquesta ocasió, el director català ha tornat a confiar en Rosa Maria Sardà (Anita no perd el tren) per al paper de la dona rondinaire, mentre que Oriol Pla debuta en cinema interpretant el noi que busca una oportunitat a la gran ciutat. Santi Millan (Bruc, el desafiament), Amparo Moreno (Morir (o no)) i Diana Gómez (Eloïse) completen un repartiment de luxe en què fins i tot hi ha lloc per a la cantant Núria Feliu.

Any de Gràcia s’estrenarà als nostres cinemes el 2 de març de 2012.

Títol: Any de Gràcia
Gènere: Comèdia
Any: 2011
Durada: 90 minuts
Director: Ventura Pons
Guió: Jaume Cuspinera, Carme Morell, Ventura Pons
Intèrprets: Rosa Maria Sardà, Oriol Pla, Santi Millan, Amparo Moreno, Diana Gómez, Alex Maruny, Ricard Farré, Lluis X. Villanueva, Núria Feliu

Crítica teatral: República Bananera, en el Versus Teatre.


El Versus Teatre nos invita con República Bananera a una reflexión acerca de la democracia y de su funcionamiento, en un momento, como el actual, de crisis económica y política generalizada. Un debate acalorado y vigente de la mano de la compañía de teatro La Barroca.

El Versus Teatre nos ofrece una seductora experiencia teatral con la programación de esta mezcla de musical y teatro de reflexión política y social escrita por Joan Yago, dirigida por Israel Solà y protagonizada por Mercè Boher, Cinta Moreno y Arnau Puig. Una oportunidad para reflexionar, en clave de comedia-musical, sobre la democracia y la justicia, y sobre si es posible que los seres humanos, alguna vez o en algún lugar, podamos llegar a alcanzarla tan altas metas.

La obra da inicio tras un conflicto bélico de liberación en Guatemala, que afecta a la apacible vida de los turistas occidentales en la isla de San Jorge, obligando a las potencias europeas a iniciar la evacuación apresurada, en medio de la noche, de todos sus ciudadanos en la zona. Aunque no todos los turistas estarán dispuestos a dejar la isla, un auténtico paraíso terrenal. Dos mujeres y un capitán de la marina comercial se niegan a interrumpir su descanso y deciden permanecer en el lugar, donde están dispuestos a crear un nuevo Estado, un nuevo país, que respete todos los derechos inalienables de todos los ciudadanos. Un imperioso y bienintencionado objetivo que con-moverá los espíritus de los tres residentes.

Este primer impulso humanista se irá debilitando y degradando a medida que las diferencias de carácter, de opinión y de objetivos vayan haciendo brecha en el ánimo y en las voluntades de los tres únicos habitantes del nuevo Estado. Unas diferencias que comportarán desastrosas consecuencias y que nos mostrarán bien a las claras lo difícil de la vida política y lo imposible de hacer realidad los deseos de TODAS las personas.

La Barroca nos ofrece una lección reflexiva sobre la idea del bien, de la justicia y de los derechos y de su aplicación en la realidad humana que nos engloba. República Bananera, cuyo título ya nos indica por donde pueden ir los tiros, nos propone una clara y definitiva contradicción entre los aspectos más ideales y platónicos que guían la existencia de (la mayoría) de los seres humanos y su transmutación práctica en el mundo real. Si bien la obra comienza con una gran declaración de ideales y de objetivos tras la conflagración bélica que pone en inicio la representación, la propia puesta en marcha del proyecto de Estado y de ciudadanía “ideales” muestra bien a las claras uno de los grandes retos a los que se ha enfrentado, se enfrenta y se enfrentará la humanidad a lo largo de los siglos: ¿es posible hallar una estructuración política que permita a todos los ciudadanos realizarse como personas y hacer uso de sus derechos y prerrogativas sin menoscabo de los derechos de los demás? ¿Nos puede servir para ello el sentido común?

No sé qué opinión tienen ustedes (la mía me la guardo ya que creo que es demasiado pesimista para el tono que le quiero dar a esta reseña!!), aunque lo que nos propone La Barroca es una cuestión difícil, si bien no aburrida o pesada. La obra está concebida con un vigoroso sentido del humor. Ya los mismos contrastes entre los propios personajes marcarán una pauta cómica: Mercè Boher es una acaudalada aristócrata que está de vuelta de todo y, sobre todo, de las continuas constricciones que la sociedad del momento (mediados del siglo XX) le impone como ciudadana y como mujer; Cinta Moreno caracteriza a una joven bobalicona que aunque inicialmente se mantiene en la isla por la falta de respeto y las impertinencias de aquellos que llevaban a cabo la evacuación de la isla, irá adoptando cada vez una visión más glamurosa y clasista de lo que ha de ser su “paraíso terrenal”. Por último Arnau Puig encarna a un seductor capitán de marina que ha viajado por todo el mundo dejando tras de sí una estela de corazones rotos en cada puerto. La divergencia de opiniones y de visiones del mundo generarán los primeros problemas entre los ciudadanos de República Bananera, que sin duda se irán ampliando y profundizando a medida que avanza la obra.

La trama y los personajes están aderezados por el tono musical de la obra. Su director, Israel Solà, le ha dado un toque sinfónico a la obra alternando la trama “político-social” con temas musicales con sonidos y ritmos de la época: chachachá, habaneras… Un ingrediente que sin duda, le resta efectividad al asunto. Y me explico. Es posiblemente la combinación de los dos géneros (teatro de denuncia-reflexión con teatro humorístico-musical) lo que le sustrae más puntos a la obra. Si como elementos separados ambos estilos muestran una buena realización (un dilema reflexivo acerca de la libertad, del sentido común y de los derechos y las obligaciones de los ciudadanos y sobre quién está capacitado para imponer su visión de los bueno y lo correcto a los demás), el tono jocoso y cómico de los temas musicales (que lo son y mucho) rompen el mensaje para convertir a la obra en un producto de entretenimiento. La reflexión y la crítica quedan, así, en un segundo plano, casi simbólico al final de la representación, momento en el cual el tono humorístico crece en exceso, si lo que se proponía la compañía era “hacer pensar” a los espectadores.

Una pega, ésta, que le resta mérito al producto global. Sin embargo, deja un buen sabor de boca al público asistente, marcado por unos diálogos y unas situaciones a veces hilarantes y unos temas musicales que llegan, incluso, a sonrojar al respetable. Una pena ya que la cuestión que nos propone República Bananera es un tema actual y jugoso que podría haber dado mucho más de sí tratado de otra forma.

República Bananera es así, un buen espectáculo musical y de humor que se queda a medias como producto de crítica política y social, en un momento en el que necesitamos tanto del humor como de la reflexión, y sobre todo, de la acción en consecuencia!! Ven como ya me pongo pesimista!!

La obra, por otra parte, es un producto teatral mucho más que correcto. En ella se suma originalidad, ideas, buenas actuaciones y divertidos temas musicales. Aunque recuerde, es más una comedia musical que una excusa para la reflexión y la meditación. Si es consciente de este hecho disfrutará con la representación de República Bananera. Y es posible, que luego, un poco más tarde piense: ¿Es posible un mundo mejor para todos? ¿O estamos condenados a ser humanos para siempre?

República Bananera” se representa en el Versus Teatre del 3 de febrero al 18 de marzo de 2012.

Texto: Joan Yago
Dirección: Israel Solà
Intérpretes: Mercè Boher, Cinta Moreno y Arnau Puig
Escenografía: Albert Pascual y Elisenda Rodríguez
Vestuario: Albert Pascual
Iluminación: Elisenda Rodríguez
Música: Gori Matas
Compañía: La Barroca

Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas,domingo a las 18:00 horas
Precio: 16 €
Idioma: catalán
Duración: Una hora y veinte minutos
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica: 428 después de Cristo. Historia de un año, de Giusto Traina.

Pocos son los libros que se publican a lo largo del año que por su características y peculiaridades, se diferencian del resto de novedades bibliográficas, y menos aún en el campo de la historia. Por eso la publicación el año pasado del libro 428 después de Cristo. Historia de un año de Giusto Traina, editado por Akal, es una novedad digna de destacar por varios motivos.

El libro, como su nombre indica, está dedicado a la historia de un año, o mejor dicho, a la historia de un periodo corto de tiempo que se ubica en el 428 y en los años inmediatamente anteriores y posteriores, y pretende realizar una “instantánea” de un momento concreto de la historia del Imperio romano, por lo que se aleja de la narración diacrónica de la historia, para ofrecernos un estudio sincrónico de la misma. O lo que es lo mismo, el autor no pretende estudiar la fase histórica que conocemos como Antigüedad tardía, sino que pretende analizar un momento histórico preciso y concreto de ella.

Lo más curioso del intento es que la fecha escogida no es una de esas que “pretendidamente” marcan un antes y un después en la historia, o en los que piensan que la historia depende de momentos y de acciones singulares, sino que es un año “en blanco”, casi lo podríamos considerar un año vacío o con poca transcendencia, sino es porque fue precisamente ese año, el 428, cuando el reino de Armenia, una de las causas principales de la lucha entre Roma y Persia, dejó de ser un estado independiente en manos de un rey de la dinastía arsácida, y se constituyó como un marzbanato o provincia dentro del imperio persa sásanida.

Si bien éste es un hecho de notable relevancia para el Oriente romano, algunos lectores de esta reseña se preguntarán en qué afectó este suceso a la historia del Imperio romano, que es el tema principal al que está dedicado el libro. Yo, por mi parte, considero la selección de Traina una excusa, como otra cualquiera, para analizar una época histórica apasionante como es la Antigüedad tardía, y más concretamente el siglo V d.C., de una forma global e interrelacionada. Es, posiblemente, más interesante para el lector conocer la historia de un Estado como el romano durante un año “cualquiera”, que en una fecha “crítica” en la que parece que todo ha de cambiar, que todo está en transformación “de un estado a otro”. Hemos de tener presente, además, que Giusto Traina es un autor especializado en la historia de Armenia, por lo que no es de extrañar que sea un hecho “armenio” el que escoja como punto de partida para analizar un momento histórico en concreto.

Pues bien, a través de las páginas del libro nos trasladaremos al año 428 d.C., e iniciaremos un viaje por los territorios que formaban parte de Roma, de su imperio, y aunque de forma secundaria, por los territorios de Armenia e incluso del Imperio persa, al que el autor dedica un último capítulo. Y la visión sincrónica que les comentaba nos permitirá observar las interconexiones y las relaciones que existían no tan solo entre regiones y lugares, sino entre personajes, entre procesos y entre acontecimientos históricos, unos nexos que podían pasar algo desaparecido a través del estudio diacrónico de los hechos al que estamos acostumbrados. Y es seguramente este punto de vista estático y global el que le da al libro su baza bibliográfica más importante.

A todo ello hay que sumar el especial interés que el autor muestra a lo largo de la obra por los temas religiosos cristianos; a los obispos, y a las herejías; a las luchas por el poder en la Iglesia y por establecer la ortodoxia cristiana, un contenido que viste la mayoría de los capítulos del libro. Un peso que, en algunos momentos, puede ser algo desmesurado si pensamos que el objetivo del libro no es el estudio de la Iglesia cristiana sino del Imperio romano del siglo V d.C. Si bien, es un claro recuerdo del protagonismo cada vez mayor que el cristianismo, y sobre todo, la Iglesia, iba acumulando en esa época.

Giusto Traina

El estudio es, como decía, un análisis histórico global, si bien se divide en diversos capítulos que van avanzando geográficamente por las diversas regiones que constituían el Imperio romano. En este aspecto funciona más como una breve introducción a las diversas “piezas” territoriales del imperio, aunque desde una perspectiva ampliamente académica. Traina tiende a presentarnos al Imperio romano de la segunda década del siglo V d.C. aún como una unidad “conceptual” de funcionamiento, aunque administrativamente estaba dividido en dos partes (o en dos “Estados”) en aquellos momentos, la Occidental y la Oriental. Una visión, la suya, en la que no están de acuerdo todos los especialistas.

El autor demuestra un amplio conocimiento de la realidad histórica del momento, sobre todo de la zona oriental del Imperio. De esta forma, podremos constatar cuales eran las condiciones y las problemáticas de los diversos territorios sobre los que gobernaba aún Roma (y Constantinopla) en el año 428, que, como es normal, dependían muchas veces de acontecimientos y características locales, como podían ser, por ejemplo, los efectos de las migraciones germanas en el limes del norte, o la relación con el reino persa en la frontera oriental. Elementos que diferenciaban grandemente las derivas históricas de ambas partes del imperio.

El texto está acompañado, además, de una extensa batería de notas a pie de página y de una amplia bibliografía, que le dan a la obra un relevante perfil académico y que permiten al lector no solo conocer las fuentes de las afirmaciones del autor, sino también las obras donde hallar cualquier información relacionada. Es por tanto un libro no demasiado útil para una primera aproximación a la época (atención lectores menos avezados!!) sino más bien una obra que proporciona una visión estructuradora y ordenadora de conocimientos previos.

Si en una cosa destaca el libro es en la rica galería de personajes tratados en el texto, lo cual resulta en un relato más cercano, más humano y más cotidiano del que estamos acostumbrados a leer, sobre todo en lo referente a esta época dominada por las grandes personalidades políticas y religiosas y por los grandes hechos. Hallaremos a personajes como los generales Flavio Constancio y Aecio, a la emperatriz Gala Placidia, al emperador Teodosio II, o a los religiosos San Agustín, Nestorio, Cirilo de Alejandría, Hidacio, o el anacoreta Simeón el Estilita, que irán pasando, junto a otros, a lo largo de las páginas escritas por Traina.

Todo lo cual nos provee de un corte estratigráfico y cronológico de primera magnitud de una época infravalorada durante mucho tiempo pero que, con obras como las de Giusto Traina, es cada vez más conocida por el amplio público y valorada en su justa medida, ni más ni menos, rompiendo, así, ese odioso velo que la situaba como el primer acto de la mal llamada Edad Media, considerado, indecorosamente, como uno de los períodos más oscuros de la historia europea.

Título: 428 después de Cristo. Historia de un año
Autor: Giusto Traina
Editorial: Akal
Año edición: 2011
Colección: Universitaria
Traductor: Manuel J. Parodi Álvarez
Materia: Historia
ISBN: 978-84-460-2791-1
Dimensiones: 14 x 22
N.° páginas: 208
Precio: 19,50 €
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estrevista: Claudio Biern Boyd, fundador de la compañía de animación BRB Internacional.


Claudio Biern Boyd
es licenciado en derecho y técnico de publicidad. Fue miembro fundador y vicepresidente de la Academia de Televisión. Fundó en 1972 la compañía BRB Internacional que empezó como agencia de merchandising y de gestión de derechos de populares series animadas extranjeras para al poco lanzarse a la producción de sus propias series de dibujos animados. Series que han sido éxitos y que son imperecederas. Series que han marcado a varias generaciones porque los guiones eran buenos y la animación también. Biern es el responsable de que un sábado del lejano año 1985 acabáramos niños y mayores con un nudo en el estómago y lágrimas en los ojos viendo el desenlace de la serie David el Gnomo. Algo perdonable por los cientos de buenas horas animadas que nos ha hecho pasar.

BRB Internacional sigue al pie del cañón produciendo series propias y licencias derivadas, usando las nuevas tecnologías. La compañía Screen 21, impulsada por él mismo, crea unas cinco series anuales. Han realizado largometrajes animados y ¡de imagen real! Actualmente se han introducido en los musicales teatrales con montajes que rememoran sus éxitos animados. Recientemente han colgado buena parte de su catalogo de series para ver gratuitamente en Internet.

Iniciamos la entrevista.

¿Qué series de dibujos te gustaban de joven?

TOM Y JERRY

En la España de los sesenta la animación se usaba más para el campo de la publicidad con los Estudios Moro a la cabeza. ¿Qué opinas de esta tradición que se ha perdido?

No se ha perdido, aún se utilizan con frecuencia (Danone, Cola- Cao, fabricantes de juguetes etc.)

¿Cómo te interesaste por el mundo de los dibujos animados y como llegaste a fundar tu compañía, todo un referente en este campo? Algo que tiene merito porque en alguna entrevista has mencionado que apenas sabes dibujar…

Siempre me habían atraído los dibujos y sobre todo el mundo infantil. (Tengo 6 hijos). Empecé como agente de Merchandising de productoras europeas y americanas. Luego distribuí series y por último decidí producir por mi cuenta.

Cuándo fundas tu compañía ya existía una muy veterana desde 1963, Estudios Cruz Delgado, artífices del primer éxito en una serie animada española: Don Quijote (1979). ¿Ahí ya sospechaste el éxito de animar grandes clásicos de la literatura universal?

Tenía que usar éxitos de la literatura Universal por dos motivos: 1) Porque de pequeño devoraba los libros de Julio Verne, Salgari, Zane Grey, Dumas y los tebeos españoles. 2) Porqué eran conocidos a nivel internacional. Y facilitaba su comercialización.

En los inicios distribuías series internacionales como la abeja Maya o El Bosque de Tallac… ¿Os esperabais el éxito de las mismas o os pillaron por sorpresa?

El Bosque de tallac. 1977

Sabíamos que serían éxitos porque venían de triunfar en otros países de Europa.

“Bola de Drac” fue una de las series más populares en Cataluña y durante muchos años no tuvo nada de merchandising. ¿Los derechos y licencias japonesas eran difíciles de adquirir antes y en la actualidad?

A los japoneses, como a todos, les gusta el dinero… osea…

Uno de los grandes recuerdos de chaval eran los álbumes de cromos de Danone. ¿Nos puedes hablar un poco sobre ellos? ¿Participabais de alguna manera en el producto o lo hacían empresas ajenas a la vuestra?

Fueron el gran impulsor del consumo de yogures en los hogares españoles. Lo hacíamos a través de terceros y se llegaron a fabricar millones de álbumes.

Tu primer logro animado llega en 1980 con “Ruy, el pequeño Cid” o las aventuras de Rodrigo Díaz de Vivar de niño. Una serie española y la primera de una larga colaboración con Nippon Animation. ¿Cómo se organizaba el trabajo de producción?

Muy difícil. No había ni fax (por supuesto no existía Internet, ni móviles, ni nada de nada). Sólo había Telex (teletipo) que no permitía mandar imágenes. Había que crear todo el material personajes, diseños, fondos, documentación, guiones, story-boards, etc… en España y tener personas con carácter fijo en el país de producción. Luego toda la post-producción en España.

Después vinieron las exitosas D´Artacan y los tres Mosqueperros (1982) y La vuelta al mundo de Willy Fog (1983). ¿Por qué el uso de personajes animales antropomorfos?

D´Artacan y los tres Mosqueperros. 1982

Son más simpáticos para los niños y más fáciles de animar.

¿Cuánto tiempo llevaba hacer una de estas series? ¿Cuántos profesionales trabajaban en ella?

Mínimo dos años. Unas 350 personas.

El año 1985 es especial para ti pues creas cierta serie (David el Gnomo) en una espera en un aeropuerto…

Al volver de viaje a Asia en la escala del avión en Ámsterdam vi el libro en el kiosco del Aeropuerto. Me atrajo tanto que lo compré (estaba en holandés) y de ahí vino lo demás.

En Wikipedia se afirma que para la versión americana de esta serie se tuvieron que rebajar los pechos de la mujer de David o quitar las escenas en que amamantaba a sus bebes. ¿Es cierto?

Se quitaron 3 escenas: a) Cuando Lisa amamanta a sus bebés, b) cuando un gnomo orina contra un árbol y c) cuando 2 gnomos jóvenes ordeñan las ubres de una vaca.

¿Nos puedes explicar algo sobre la creación de las sintonías de las series? Todo un éxito entre los chavales de entonces y un recuerdo mágico para los adultos de ahora.

Soy un gran aficionado a la música y especialmente al cine musical. Además los niños/as se quedan enseguida con la música. Contacté con grandes músicos: Guido y Mauricio de Angelis, Albert Hammond, Teo Carralda, etc..  E intérpretes: Mocedades, Marta Sánchez, etc.… Y consiguieron crear melodías que aún hoy en día se recuerdan y se cantan:

¿Y En relación al doblaje de vuestras series?

Con actores tan buenos nunca hubo el más mínimo problema.

¿Fue difícil competir en Europa y en el mundo a principios de los 80 con una empresa de animación para televisión establecida en España?

David el Gnomo. 1985

Pues mucho pero tuvimos suerte y acierto en las series que produjimos.

Algunos dibujantes de cómics mencionan que en los noventa hubo crisis en el 9º arte y muchos se pasaron a la animación. De hecho vuestro estudio realizo Mortadelo y Filemón (1994) y Zipi y Zape (2000) ¿Es difícil trasladar personajes de cómics a los dibujos animados captando su esencia? ¿Lees o te gustan los cómics?

Me encantaron, me encantan y me encantarán los comics. No es difícil pero hay que ser muy fiel al autor.

En estos años también hubo segundas partes de las series de D´Artacan o Willy Fog que no tuvieron tanta repercusión como sus predecesoras. ¿Tal vez el tipo de animación a lo D´Ocon Films tuvo algo que ver?

La animación era la misma que las primeras partes y fueron de mucho éxito de ventas ya que las emisoras que habían comprado la primera parte compraron la segunda.

¿Existe alguna idea, algún personaje o alguna serie que se haya quedado en el tintero a lo largo de todos estos años?

Sí, varias. Incluso alguna serie inició su producción pero no se llevó a cabo por falta de aceptación o financiación.

En la actualidad los niños crecen más rápido, están más estimulados y tienen menos paciencia. El ritmo pausado semanal de una serie ya casi no existe. Los cambios de las franjas horarias televisivas y la creación de los canales temáticos de dibujos animados han afectado, seguro, a la producción de dibujos animados para la televisión. Sin embargo pensamos que si alguna cadena potente le dedicase a una serie animada la franja horaria de las 3:30 los sábados y domingos podría lograr el éxito. ¿Qué piensas?

TOTALMENTE DE ACUERDO ¡!!!!!!!

Ahora más que nunca, vuestras producciones están dirigidas a una audiencia  mundial. ¿Es muy diferente hacer una serie para un niño de los 80 que para un niño del siglo XXI?

La vuelta al mundo de Willy Fog. 1983

Sí. El niño actual tiene a su disposición muchísima oferta para elegir: TV, consolas, móvil, Internet, etc.. y dentro de cada uno de estos medios de transmisión tiene decenas si no cientos de ofertas.

El lema de vuestro estudio ha sido “educar con la diversión y el entretenimiento y hacer felices a los niños”. Series didácticas de vuestro sello como “los Sabios” lo avalan. ¿Viendo la sociedad en la que vivimos y de la que poco a poco se va apropiando la generación a la que se dirigían las series de BRB Internacional en los años 80, crees que el objetivo educativo se ha conseguido también? ¿Faltan o ya no tiene cabida series didácticas?

Las emisoras comerciales quieren audiencia y el didactismo no les atrae.

Es indudable que en la actualidad los recursos y la calidad visual / técnica a la hora de crear series de dibujos animados han evolucionado mucho. Pero ¿crees que los contenidos de las series de dibujos animados han mejorado también?

Como hay muchas más producciones hay más mediocridad pero sigue habiendo series muy creativas.

¿Qué piensas de series como “South Park” o “Padre de Familia”?

En mi opinión son más para adultos que para niños.

¿En que situación está en la actualidad la industria animada televisiva en España? ¿A dónde se dirige?

Muy mal por falta de apoyo no solo institucional sino privado. Los canales temáticos para niños están en manos de empresas extranjeras que dan preferencia a sus series.

Sábado 3:30. El musical. 2011

Hoy en día una persona o un grupo con pocos medios puede montarse su serie animada, ahí tenemos el éxito en Internet de Calico Electrónico. Sin embargo han tenido que cerrar… ¿Internet ayuda o perjudica?

Creo que Internet ayuda mucho a que gente con pocos medios pueda desarrollar su profesionalidad que de otra manera no podría.

En los últimos años habéis apostado también por transportar la magia de vuestras series a los escenarios. ¿Cómo surgió la idea? ¿Cuál ha sido el resultado de esta experiencia teatral?

Por mi afición a los musicales. La experiencia ha sido positiva a nivel personal ya que he conocido un mundo distinto y he estado en contacto directo con los padres y los hijos. A nivel económico no tanto.

¿Qué serie animada es la que ha aportado más beneficios económicos a BRB Internacional y cuál es tu favorita?

David el Gnomo la más exitosa. Y como digo siempre mi favorita es la que estamos produciendo ahora.

¿Nos puedes adelantar algún nuevo proyecto?

Largometrajes para cine de BERNI y D’ARTACAN.

Qué puedes decir brevemente de los siguientes directores de animación:
CHUCK JONES: Creativo al máximo y divertidísimo.
HANNA BARBERA: Los conocí a los dos personalmente y a sus mujeres (todos grandes personas). Grandes dibujantes y creativos. Sorprendidos por su éxito
TEX AVERY: Creatividad U.S.A.
WALT DISNEY: El primero y único.

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Entrevista realizada por: Culturalia y El Rincón del Taradete.

Crítica teatral: Ara estem d’acord estem d’acord, en el SAT! Teatre.


¿Qué tienen en común el mito de la caverna de Platón, el cuento de la tortuga y la liebre, una taberna, la letra del himno de un club de futbol y el teatro? La solución podría ser casi todo o casi nada. La verdad la pueden contemplar sobre el escenario del SAT! Teatre, que programa desde el pasado 17 de febrero la obra Ara estem d’acord estem d’acord, un esfuerzo creativo y reflexivo de la compañía de teatro Indi Gest, dirigido por Jordi Oriol e interpretado por él mismo y Jofre Carabén, Isak Férriz, Carles Pedragosa y Jordi Santanach.

Al redactar la reseña de una obra como Ara estem d’acord estem d’acord cuesta, al menos a un servidor, escribir sobre el tema que trata o sobre las ideas o los sentimientos que transmite. Primero porque esto siempre es complicado, en cada análisis de cada obra. Segundo, porque el propósito en este caso es altamente imposible. Solo hemos de tener en cuenta uno de los principios creativos de la compañía: lleva a cabo un “proceso de creación que comienza desde cero y en el que no existe ningún tipo de limitación creativa aparente“.

Es así que Indi Gest nos presenta un espectáculo teatral en el que el espectador, y cada uno de una forma personal e intima, ha de darle significado a aquello que ven sus ojos, a lo que oyen sus oídos y, en general, a lo que perciben sus sentidos. Pues nada más y nada menos que de ello va la función. Me intentaré explicar dejando claro, ya desde el principio, que la obra se dirige a cada uno de los espectadores presentes en la platea de una forma única, y les obliga a reflexionar y a crear parte del contenido del espectáculo que ellos mismo estás contemplando.

La acción da inicio en una taberna mítica en la cual los ocupantes viven una falsa existencia dominada por las sensaciones y por las representaciones, que podemos resumir en la ingesta de alcohol (que altera, sin duda, nuestros sensores) y la visualización de una gran pantalla de televisión que retransmite un partido de futbol de uno de los equipos de la ciudad (alusión al opio del pueblo). Parece que la vida en la taberna (en el mundo de las sensaciones) está sometido a esas reglas de juego. Todo cambia cuando uno de los seres en cautividad, una tortuga, es “accidentalmente” expulsada del mundo de las falsas sensaciones (de las sombras de figuras en la pared de la cueva) para acceder al mundo real, al de las ideas, al que el nuevo ocupante tendrá que acostumbrarse y del que tendrá que aprender cuáles son sus reglas de existencia. En el mundo real la tortuga se topará con personas “de verdad” integrantes del club de la esencia y del club de la inocencia, cuyos objetivos, parecidos pero al mismo tiempo contrarios, nos mostrarán la relatividad de los falsos principios que ordenan y vehiculan la razón y el entendimiento de las personas y de las sociedades. Y nos veremos inmersos en una carrera del conocimiento, donde solo uno de los dos clubs podrá vencer. Aunque en realidad ambos clubs pueden perder… Algo que parece muy real y muy humano…

Esta excusa, creativa, de eso no hay ninguna duda, permite a los componentes de la compañía Indi Gest reflexionar sobre la realidad, sobre la sociedad en la que vivimos (o malvivimos) y sobre el mundo de las ideas, y de rebote, de aquellos que las piensan.

Es aquí donde el lenguaje, la técnica y el desarrollo de la obra contactan de forma íntima y personal con cada uno de nosotros. ¿Cuál es el mundo en el que vivimos? ¿De qué se compone? ¿De qué nos sirve el conocimiento? ¿Conocemos la realidad en la que vivimos? ¿Qué es más valioso el conocimiento en sí, la inocencia y la naturalidad, o el mundo de las falsas sensaciones donde existimos y donde algunos desean persistir?

La respuesta no es clara, y como les decía es personal. Indi Gest utiliza un método de creación abierto que como tal, permite y potencia un sistema de recepción abierto también. No se esperen hallar un texto o una representación lineal convencional. La función avanza, vuelve, tuerce hacia un lado, luego a otro, y da vueltas sobre los puntos y los argumentos que más le interesan, siempre desde el sentido del humor y desde la construcción grupal más ecléctica.

La obra se representa en un doble escenario, en el cual el espacio de la mítica taberna, un cuchitril animado tan solo por las imágenes de una pantalla de televisión, se alternará con el territorio árido de la verdad, y entre los cuales irá avanzando la representación con continuos traspasos de un nivel de la existencia al otro.

Un esfuerzo colectivo orquestado por Jordi Oriol, que actúa como maestro de ceremonias, y materializado por él mismo y el resto de los miembros de la compañía: Jofre Carabén e Isak Férriz, estos dos en actitud más actoral, y Carles Pedragosa y Jordi Santanach, estos dos últimos no tan solo actuando, sino aportando una interpretación musical con un aire jocoso y cómico. Una dirección, por otra parte, que me arriesgo a afirmar que, en realidad es bastante coral, como la creación de la obra, y que no es más que la suma de los esfuerzos, de las sensibilidades y de las ideas de todos los actores y profesionales que intervienen en la obra…

En lo que respecta a la actuación, y sabiendo que la de Ara estem d’acord estem d’acord es grupal, no puedo dejar de destacar, sin embargo, el esfuerzo interpretativo que realiza Isak Férriz tanto en su papel dentro de la “taberna mítica”, agudo paralelo de la cueva del mito de Platón, como el que representa en la cruda y espesa realidad.

Soy consciente de que no he dado demasiada información sobre la trama de la obra, la cual, recuerden, es abierta y personal. Pero creo que es necesario ver la obra para entenderla (o dejarla de entender) en su totalidad, y además creo que esta crítica se me está haciendo algo extensa… Lo que sí que les puedo avanzar es que la obra toca y recapacita sobre la vida misma, y reflexiona, sobre todo, acerca de las representaciones y las opiniones que nosotros, simples humanos, nos hacemos de ella. Pero como les decía, este producto teatral está hecho para que cada uno de ustedes le confiera el cierre adecuado, e interactúen dramática y emotivamente con él. Así, pues, bon appétit!!

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Ara estem d’acord estem d’acord” se representará en el SAT! Teatre del 17 de febrero al 4 de marzo de 2012.

Autor y director: Jordi Oriol
Intérpretes: Jofre Carabén, Isak Férriz, Jordi Oriol, Carles Pedragosa y Jordi Santanach
Escenografía: Silvia Delagneau
Iluminación: Raimon Rius y Alex Aviñoa
Técnico de luces: Alex Aviñoa
Arreglos musicales: Carles Pedragosa y Jordi Santanach
Coproducción: Indi Gest y Teatre Lliure

Horarios: viernes a las 21:00 horas; sábado a las 21:30 horas y domingos a las 18:30 horas.
Precio: 16 €.
Duración de la obra: 1 hora y 10 minutos.
Idioma: Catalán.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Programación teatral en Porta 4 para el mes de marzo

El próximo mes de marzo la sala Porta 4 renueva su programación teatral; aquí os presentamos los espectáculos que se podrán ver en la pequeña sala de Gràcia en las próximas semanas.

Bingo!, de la Compañía Interfans

Dos actrices coinciden en un tren después de haber realizado el mismo casting. Candela Olmedo, una actriz consagrada y de vuelta de todo que no vive su mejor momento profesional, se ve obligada a compartir el trayecto con Didi Moulin, una aspirante a actriz, ingenua y llena de sueños que ha sido admiradora suya toda la vida. A lo largo del viaje saldrán a la luz las diferentes visiones que ambas tienen del mundo del show business, dos maneras contrapuestas de ver la vida mostradas en forma de comedia.

Creado, dirigido e interpretado por: Sonia Barba y Lorea Uresberueta
Imagen: Meritxell Martín
Técnica: Emma Henriquez
Escenografía: Peio Biscaia
Vídeo: Nacho Reig
Agradecimientos: Maria Luisa de la Iglesia

Horario: todos los sábados a las 20:00 horas
Duración: 60 minutos
Idioma: castellano
Precio: 10 €

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Decameron, de la Compañía MARIPILI

Un grupo de amigos se refugian en una villa a las afueras de Florencia; para pasar el tiempo deciden explicarse historias ingeniosas y subidas de tono, unos relatos que sirvieron a Boccaccio para denunciar la hipocresía de la sociedad de su época, obligada a mantener una imagen políticamente correcta. Del centenar de historias del texto original, la Compañía MARIPILI ha escogido solo cuatro (“La adúltera discreta”, “L’emmalaltiu de Calandrino”, “El bressol” y “El Jardinero del convento”), las que consideraron que eran las más divertidas.

Texto original: Giovanni Boccaccio
Adaptación: Compañía MARIPILI
Dirección: Juan Carlos González
Intérpretes: Pilar Jiménez, Maribel Camacho, Jordi Alberich, Óscar Navarro, Oriol Roca, Alberto Guerrero, Mercè Aulina, Carola Osorio

Horario: todos los sábados a las 22:00 horas
Duración: 90 minutos
Idioma: castellano
Precio: 10 €

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Tu i jo, de la Compañía fiLÒmans

Definida como una “tragicomedia con tendencia al teatro del absurdo”, Tu i jo muestra las dudas, las desazones y las horas muertas de un hombre y una mujer que comparten la vida; el hombre se aferra a la parte física del mundo, mientras que la mujer se refugia en los sueños para buscar una realidad mejor. Tu i jo es la crónica de su vida, una obra de la Compañía fiLÒmans premiada con el 13º Premio Boira de Teatro de Vic.

Texto y dirección: Roger Simeon
Intérpretes: Jordi Pagès y Carles Sanz
Música: Jaume Tardiu y Jordi Estany
Escenografía: Rosa Vancells
Vestuario: Laia Encinas
Maquillaje: Núria Muñoz
Técnicos: Eloi Rodríguez y David Montero
Producción: fiLÒmans
Colaboradores: Marta Presas, Jordi Castella, Ricard Martin

Horario: todos los domingos a las 18:00 horas
Duración: 60 minutos
Idioma: catalán
Precio: 8 €

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Frágiles como grillos, de la Compañía la Carne Expuesta

En este drama con toques de comedia encontraremos la fragilidad humana y la frustración de unos personajes que crean sus propias jaulas y son incapaces de romperlas, al mismo tiempo que llenan su existencia de palabras cuando en el fondo saben que lo único que no nos traiciona es el silencio, un espectáculo de la joven Compañía la Carne Expuesta que mezcla lenguajes realistas y poéticos con la intención de emocionar al público, pero también de confundirlo y hacer que dude sobre aquellos conceptos que creía tener claros.

Autoras: Elaine Hervello y Daniela Poch
Director: Javier Estevez
Intérpretes: Nacho Alberto, Clara Garcés, Javier Estévez, Gloria Viguer, Dani Pulido, Iolanda Monge, Daniela Poch, Sara Vallecillo
Productora: Elaine Hervello
Escenografía: Arnau Solé
Música original: Salvatore Maldera
Montaje, luz y sonido: Toni Martínez
Diseño gráfico: Iolanda Monge
Figurinista: Gloria Viguer
Fotografías: Isidre Santacreu

Horario: todos los sábados a las 22:00 horas, domingos a las 19:00 horas (excepto el domingo 4)
Duración: 100 minutos
Idioma: castellano, catalán y fragmentos en inglés
Precio: 8 €

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En John i la caixa de música, de La Trama Produccions

Programado dentro del Petit Porta 4, En John i la caixa de música es un espectáculo familiar especialmente recomendado para los niños de 3 a 10 años, una historia ambientada en el taller de los juguetes de la Calle Estret donde el aviador John se dedica a volar cada noche; así, en una de sus rutas aéreas nocturnas descubre una muñeca autómata en una cajita de música que está desorientada, triste y un poco enfadada. Para animarla John le explicará una historia con la ayuda de un pequeño teatro de sombras chinas.

Dramaturgia y dirección: Xavier Pàmies y Carla Ricart
Intérpretes: Xavier Pàmies y Carla Ricart
Producción: La Trama Produccions
Escenografía: La Trama Produccions
Música: Carlos Cros
Vestuario: La Trama Produccions
Luces y sonido: La Trama Produccions
Diseño gráfico: La Trama Produccions

Horario: todos los domingos a las 12:00 horas
Duración: 50 minutos
Precio: 6 €

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Muertos sin sepultura, de Mutis por el foro


Este es un drama ambientado en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. En el verano de 1943 un grupo de rebeldes es detenido en Francia tras fallar un golpe. A la espera de ser interrogados en un almacén, los muchachos se cuestionan quiénes son realmente, ya que cada uno de ellos tiene una actitud diferente ante esa misma situación. Así, y a pesar de la tensión de esos momentos, el grupo intentará soportar su cautiverio con la mejor de sus sonrisas.

Dirección: Naiara Herrero
Intérpretes: María García de Andoni, María Scherezade Garrido, Elena Ardila, David Escalada, Daniel Naya, Javier Muruzábal, Pablo de la Barrera, Juan Gutiérrez, David Alén, Txiki Blasi, Íñigo Zugadi, Gaspar González
Ayudante de dirección: María Cano
Escenografía y vestuario: Naiara Herrero
Luces: María Cano y Naiara Herrero
Sonido: Macarena Millán y María Cano

Horario: domingo 18 de marzo a las 22:30 horas
Duración: 75 minutos
Idioma: castellano
Precio: 10 €

Estreno cinematográfico: Mi semana con Marilyn, de Simon Curtis

El próximo 24 de febrero se estrena Mi semana con Marilyn, un biopic sobre la figura de Marilyn Monroe dirigido por Simon Curtis y centrado en el romance que mantuvo la mítica actriz con su asistente durante el rodaje de El príncipe y la corista, una historia que cuenta con dos nominaciones a los premios Oscar de este año: a mejor actriz (Michelle Williams) y mejor actor de reparto (Kenneth Branagh).

Fotograma de la película

En el verano de 1956 Colin Clark empezó a trabajar como asistente en el rodaje de El príncipe y la corista, una película interpretada por Sir Lawrence Olivier y Marilyn Monroe. Por entonces Marilyn estaba casada con el escritor Arthur Miller, una situación que no impidió a la actriz comenzar una relación con el joven Clark cuando su marido regresó a Estados Unidos, una idílica semana en la que conoció los placeres de la vida británica de la mano de su asistente personal.

Dirigida por el británico Simon Curtis, Mi semana con Marilyn es un retrato íntimo de Marilyn Monroe que muestra su relación con Colin Clark y las tensiones de la actriz con Lawrence Olivier, su compañero de reparto en El príncipe y la corista, un film para el que Curtis ha contado con Michelle Williams (Blue Valentine) en el papel de Monroe, y a quien acompañan Eddie Redmayne (Las hermanas Bolena), Kenneth Branagh (Valkiria), Julia Ormond (El curioso caso de Benjamin Button), Emma Watson (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte), Judi Dench (Jane Eyre) y Derek Jacobi (Templario).

Mi semana con Marilyn se estrenará en nuestros cines el 24 de febrero de 2012.

Título: Mi Semana con Marilyn
Título original: My Week with Marilyn
Género: Drama, Biopic
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 2011
Duración: 99 minutos
Director: Simon Curtis
Guión: Adrian Hodges
Intérpretes: Michelle Williams, Eddie Redmayne, Kenneth Branagh, Emma Watson, Judi Dench, Julia Ormond, Derek Jacobi, Dominic Cooper, Dougray Scott, Miranda Raison, Philip Jackson, Eric Coco, Cara Bamford, Pete Noakes

Estrena teatral: La terra oblidada, a la Sala FlyHard

El proper 23 de febrer s’estrenarà a la Sala FlyHard La terra oblidada, la nova proposta de la companyia Arcàdia centrada en les relacions familiars difícils i els conflictes que allunyen germans i pares, una història dura que no té res a veure amb les comèdies que la companyia ha representat fins ara.

Marta, Maria i Isaac són tres germans que no tenen una bona relació amb el seu pare, un home malalt que ja fa temps que es troba en una cadira de rodes i que ara ha emmudit. Els germans decideixen visitar-lo amb les seves millors intencions per aconseguir que torni a parlar o, si més no, entendre el motiu del seu silenci. Les hores passen i l’home continua sense dir res, una situació que farà desesperar els nois al mateix temps que tornarà a obrir velles ferides entre ells, conflictes que semblaven oblidats però que en aquests instants estan lluny de solucionar-se.

La terra oblidada és el darrer espectacle d’Arcàdia, una companyia teatral nascuda l’estiu del 2009 amb l’objectiu de crear nous textos teatrals que ells mateixos representen. Malgrat que la companyia s’ha caracteritzat, des dels seus inicis, per portar a escena espectacles eminentment humorístics, a la Sala FlyHard estrenaran un drama familiar signat per Llàtzer Garcia més seriós del que en ells és habitual, una obra protagonitzada per Marta Aran, Muguet Franc, Josep Mota, Guillem Motos i Mima Riera.

La terra oblidada es representarà a la Sala FlyHard del 23 de febrer al 12 de març de 2012.

Text: Llàtzer Garcia
Direcció: Llàtzer Garcia
Intèrprets: Marta Aran, Muguet Franc, Josep Mota, Guillem Motos, Mima Riera
Ajudant de direcció: Javier J. Moyano
Espai escènic i vestuari: Albert Pascual
Producció: FlyHard Produccions S.L.
Producció executiva: Roser Blanch

Horaris: dilluns, dijous i divendres a les 21:00 hores, dissabte a les 22:30 hores
Preu: 5 – 10 €, a decidir a taquilla
Idioma: català

Publicación literaria: La investigación, de Stanislaw Lem.

El mes de febrero del año pasado (2011) la editorial Impedimenta publicó, con una nueva traducción del polaco de Joanna Orzechowska, la obra La investigación, de Stanislaw Lem, una indagación en la que se ven envueltos cadáveres resucitados y que mezcla el género de la novela policiaca y el de terror. Una reflexión lemiana sobre los límites del conocimiento humano.

Gregory, un joven teniente de Scotland Yard, recibe el encargo de investigar una serie de extraños sucesos que tienen intrigada a la policía. De diversos puntos de la zona metropolitana de Londres llegan informes sobre cadáveres aparentemente resucitados que empiezan a levantarse y caminar, a vestirse y recorrer largas distancias antes de desaparecer sin dejar rastro. Nadie encuentra una explicación racional para lo sucedido, y lo que comienza siendo una anécdota intrascendente acabará convirtiéndose en una auténtica plaga. ¿Se trata realmente de muertos que vuelven a la vida? ¿Estamos ante un caso de ladrones de cuerpos? Pronto se hará evidente que el principal misterio no radica únicamente en la investigación en sí, sino en los efectos que los sucesos tienen sobre el propio lector.

Stanislaw Lem nos seduce con una intriga policíaca de tintes filosóficos y metafísicos, en un Londres neblinoso y nocturno en que casi ninguna pregunta tiene respuesta.

Stanisław Lem nació en la ciudad polaca de Lvov en 1921, en el seno de una familia de la clase media acomodada. Aunque nunca fue una persona religiosa, era de ascendencia judía. Aunque nunca fue una persona religiosa, era de ascendencia judía. Siguiendo los pasos de su padre, se matriculó en la Facultad de Medicina de Lvov hasta que, en 1939, los alemanes ocuparon la ciudad.

La editorial Impedimenta, fundada en el año 2007 en Madrid por Enrique Redel, aspira a recuperar y redescubrir aquellas obras literarias esenciales para poder disfrutar de nuestro largo camino como lectores: obras que se lean, que se disfruten y que se guarden.

Título: La investigación
Autor: Stanislaw Lem
Traducción: Joanna Orzechowska
ISBN: 978-84-15130-10-9
Encuadernación: Rústica
Formato: 13 x 20 cm
Páginas: 248
Precio: 18,95 €

Estreno teatral: Deflacionable, en la Nau Ivanow.


Descartable teatre
regresa a la Nau Ivanow para presentarnos su nuevo trabajo, Deflacionable, una nueva disección de la pareja, de la sociedad actual y de las tendencias destructoras que afectan a nuestra realidad más cotidiana.Read More

Deflacionable se desarrolla íntegramente en la fiesta de divorcio de Víctor y Ana, bajo la forma de una fiesta de casamiento. El conflicto es el pago, por parte de Ana, de la mitad de la casa en la cual convivían, para poder continuar viviendo. No posee el dinero y, a pesar de sus altos ingresos, los bancos le deniegan el crédito. Su madre actúa como confidente pero no ofrece soluciones prácticas a su hija. Fernando, el amigo de Víctor, espera también el dinero puesto que lo utilizará para el pago de la hipoteca de su casa, en la cual vivirán ambos. Fernando se enterará de la falta de dinero de Ana pero no llegará a decírselo a Víctor puesto que las estrategias de cada uno de los personajes para obtener el dinero ya estarán activadas y las consecuencias catastróficas, ya gestadas.

Los líos serán variados y nos permitirán apreciar que para cada uno de estos personajes maquiavélicos “el fin justifica los medios” aunque, paradójicamente, en ningún momento se plantean justificarlos.

El quinto personaje es un presentador/anfitrión que también hará de camarero. Este personaje se irá transformando en un showman que nos desvelará que estamos presenciando un reality show donde todo sirve para conseguir los objetivos monetarios. Será el conductor de la obra, el que produzca el extrañamiento brechtiano con el público, quién nos aleje de la ficción y nos transporte a otra ficción con un lenguaje ajeno al teatro y a la vida misma.

Daniel J. Meyer nace en Buenos Aires, donde estudia a COSATYC/ANDAMIO 90 y se especializa en dirección e interpretación. Complementa sus estudios teatrales con los de producción musical. El año 2003 se instala en Barcelona y participa en varios cursos de dramaturgia y dirección. Además, participa en el posgrado de Producción y Gestión de espectáculos en la UB. Ha trabajado en Sin noticias de Gurb, con Rosa Novell; ayudante de dramaturgia y dirección en Èdip 1,2,3,4, en el Versus Teatre (bajo la dirección de Josep Galindo y dramaturgia de Pablo Ley); ayudantía de dirección de: Si avui és diumenge demà és dijous; Boeing Boeing (con dirección de Alexander Herold), El senyor de les mosques (dirección de Abel Coll) y de La doble vida d’en John (dirección de Àngel Llàcer). Es ayudante en Geronimo Stilton, el musical, de Àngel LLàcer y Manu Guix.

Ha escrito y dirigido con Descartable teatre, compañía de teatro de la cual es fundador, Descartable, estrenada el año pasado en la Nau Ivanow y Daian&Giggy LIVE SEX, estrenada en el Festival Fora de Temporada de Girona también en el 2011.

Descartable teatro Es la compañía de Daniel J. Meyer y Laia Pellejà. Cuenta con colaboradores permanentes, como Natalia Ramos (en el ámbito de la iluminación) o el actor Rafa DelaCroix. La compañía tiene como objetivo crear espectáculos que acerquen las artes escénicas a aquel público que no está habituado a ellas o que actualmente no ve reflejadas sus inquietudes culturales. Es por eso que apuesta siempre por un lenguaje directo y multidisciplinario, de acuerdo con la sociedad contemporánea.

Deflacionable” se representará en el Espacio Guillot la Nau Ivanow del 15 al 25 de marzo de 2012.

Dramaturgia y dirección: Daniel J. Meyer
Intérpretes: Laia Pellejà, Oscar Jarque, Sonia López, Rafa Delacroix y Marc Pociello
Iluminación: Natalia Ramos
Vestuario: Gimena González
Escenografía: AUS3
Diseño Gráfico: AUS3
Producción: DESCARTABLE TEATRE

Duración de la obra: 70 minutos
Idioma: castellano y catalán
Género: comedia
Especificaciones: Fiesta de divorcio con copas incluidas
Entradas: A la venta en Atrapalo, Telentrada o en taquilla (con o sin copa)