Crítica teatral: Dones com jo, en el Teatre Romea.

foto_promo_01_tdeteatre_dcjLa compañía T de Teatre regresa a los escenarios con Dones com jo, una comedia negra que nos plantea el drama generacional y social de los tiempos de crisis en los que vivimos, una propuesta dirigida por Pau Miró e integrada holgadamente en el sello teatral de la compañía.

La obra da comienzo con el asilamiento buscado por una mujer desesperada. Necesita huir de su vida y de su familia al menos durante algún tiempo. Gracias a la ayuda de una de sus amigas se esconde en el viejo estudio de un abogado. Ante sus ojos la realidad que la rodeaba se ha degradado hasta reventar. Sus amigas no van a dejarla sola y compartirán con ella un momento tan penoso como este. Pero al hacerlo cada una de ellas se dará cuenta de lo precario de sus vidas, una situación que solo podrán afrontar juntas. Será en ese momento cuando les llegue una oportunidad para solucionar sus problemas ante la que tendrán que decidirse. Posiblemente esta sea su última oportunidad.

T de Teatre nos presenta una nueva reflexión que aunque de género es posible trasladar a una generación, como parece indicar su título, e incluso a una sociedad entera, y que no es otra que la perdida de anclajes y objetivos vitales que ha provocado el callejón sin salida social, económico y político que sufrimos tras décadas de falsa democracia. El conjunto de personajes que nos presenta la obra está compuesto por mujeres adultas que han ido fracasando a lo largo de la vida. La primera es una arqueóloga que trabaja limpiando suelos; la segunda es una maestra a la que acaban de echar del trabajo por culpa de los recortes; la tercera, licenciada en biología, trabaja en una cabina de peaje y la cuarta, la que pone en marcha todo el drama, es arquitecta, trabajaba como dependienta en una tienda de la cual la han echado hace poco y se ha visto obligada a prostituirse para hacer frente a las necesidades familiares.

Como ven la construcción de los personajes intenta mostrarnos un reflejo, si bien parcial, del momento socio-económico en el que vivimos y que en muchas ocasiones nos obliga a dilapidar proyectos personales y profesionales a jóvenes y no tan jóvenes. El drama que todo esto representa nos lo relata Pau Miró con un sello inconfundible T de Teatre, es decir, a través de una tragicomedia de género que lleva al espectador de momentos tensos y pesarosos hasta instantes de comicidad que nos muestran el panorama personal de cada uno de los personajes o los frágiles lazos familiares que han sido capaces de crear.

image-1Por ello las protagonistas necesitan un respiro que les permita apropiarse de una reserva de ánimo con la que hacer frente a sus atribuladas vidas reales, un lugar que hallan en el estudio que ocuparán ilegítimamente, que parece suspendido en el tiempo y que perteneció a un abogado fallecido del que nadie reclama ni sus bienes ni su memoria, una muestra dolorosa de la implacable sociedad en la que vivimos.

Dones com jo nos habla, de esta forma, de cosas muy cotidianas y lo hace con la plantilla T de Teatre, esto es, con una estructuración, unos diálogos y una creación de personajes típico de la compañía a lo que hay que sumar una trama que recuerda demasiado a la que dirigió el propio Miró en Els jugadors, en la que un grupo de hombres, bastante más entrados en edad aunque también fracasados, lo arriesgaban todo en un último «golpe» que podía cambiar sus vidas. Así, pues, Dones com jo se podría considerar el sumatorio de dos plantillas teatrales, la de Miró y la de T de Teatre, por lo que en este aspecto no esperen hallar nada demasiado original.

La baza que juega la obra es la del relato que seguro que hará moverse impetuosas las fibras emotivas de muchos, sobre todo a aquellos que están pasando por calvarios parecidos a los que nos narra la obra, una agitación intestinal que fomenta la vinculación del espectador con la historia que se desarrolla sobre el escenario.

Por lo que respecta a las interpretaciones la propuesta no escapa de la plantilla que les comentaba, en la que Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Àgata Roca desarrollan de nuevo los roles que ya estamos acostumbrados a ver y que van desde el feminismo agresivo, la ironía despechada, la sensualidad desilusionada o la aspereza transgresora, lo que convierte la propuesta en un episodio más de la serie teatral producida por la compañía, un sello que ha triunfado en los escenarios y en la televisión.

La dirección de Miró se deja ver más en la historia y el envoltorio que en las propias interpretaciones, mostrándonos una escenografía parecida a la de Els jugadors que se va diluyendo a medida que avanza la representación y un ambiente pesaroso que se apodera poco a poco de la obra, salpimentado, eso sí, con momentos de humor, como la descolorida coreografía que las integrantes de T de Teatre realizan al son de la canción de Last Dance de Donna Summer.

Un título de canción que nos recuerda que siempre existe un último baile, una última oportunidad, la de apostar por uno mismo por encima de todo lo demás. Una oportunidad de decirle al mundo que estamos ahí y que vamos a seguir estando pase lo que pase y ocurra lo que ocurra, y que nada puede acabar con la voluntad de cada uno de nosotros de cumplir nuestros sueños y alcanzar la felicidad, por muy dura, cruel y salvaje que sea la realidad que nos rodea.

«Dones com jo» se representa en el Teatre Romea hasta el 18 de marzo de 2014.

Autor y director: Pau Miró
Intérpretes: Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Àgata Roca
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar
Iluminación: Albert Faura
Sonido: Roger Ábalos
Coreografía: Roberto G. Alonso
Producción: T de Teatre

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 17 a 29 €
Idioma: catalán
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica cómic: Edición original facsímil de El capitán Trueno, Ediciones B.

P-Facsimil-TRUENO2El Capitán Trueno apareció en los quioscos a mediados del año 1956 con la historieta titulada “A sangre y fuego”. En aquella España de posguerra triste y gris los niños y jóvenes no tenían tantas distracciones y diversiones como ahora. Por 1,25 pesetas, o en su mayoría por cambios de tebeos o préstamos de ejemplares, se abría ante ellos el mundo de Trueno plagado de aventuras, acción y humor. El Capitán Trueno es valiente, inconformista, desenfadado, alegre y rebelde. Sus historias cautivaron y entretuvieron a miles de lectores desde ese mítico primer cuadernillo. El héroe encarna el honor, la amistad y un modo de ver la vida, tal vez sin matices, pero donde lo que importa es luchar contra la injusticia allí donde se diese. Una filosofía a la que aspiraban muchos lectores y que, sin duda, les marcó.

Los artífices de este éxito fueron sus creadores el guionista Víctor Mora y el dibujante Miguel Ambrosio Zaragoza, conocido como Ambrós. Víctor Mora recibió el encargo de Bruguera de intentar conseguir otro éxito como el de los cuadernillos de El Cachorro de G. Iranzo que se publicaban desde 1951. El escritor y guionista presentó a un héroe ambientado en la Edad Media a finales del siglo XII. El Capitán Trueno al principio lucha contra los musulmanes infieles como mandan los cánones franquistas, pero pronto se aparta de este cliché y junto a sus inseparables amigos Goliath y Crispín, desenreda entuertos en cualquier parte del planeta.

Ambrós dibujó en solitario los 35 primeros cuadernillos, luego debido a la periodicidad semanal y a que también se encargaba de las aventuras de El Capitán Trueno que aparecían en las páginas centrales de la revista Pulgarcito, contó en las tintas con la ayuda del dibujante Beaumont en los números 47 al 168. Luego la serie la continuaron diferentes dibujantes como el propio Beaumont y entre muchos otros Tomas Marco, Ángel Pardo, Adolfo Buylla, José Grau, Fuentes Man, Martínez Osete y Vicente Torregrosa.

Los dos tomos que ha reeditado Ediciones B abarcan los primeros 96 cuadernillos apaisados de El Capitán Trueno tal y como se publicaron en el lejano 1956. Cada tomo contiene 48 cuadernillos de 12 páginas cada uno contando portada y contraportada. La portada de cada cuadernillo está dibujada en cuatricromía, las páginas interiores en blanco y negro y la contraportada en color azul, siguiendo el modelo original, aunque el color de portada y contraportada varía un poco. Las tapas realizadas en cartoné a color negro presentan una bonita ilustración blanco sobre negro con la imagen de Trueno y el titulo del cómic. Las sobrecubiertas están elaboradas en fondo blanco y hacen destacar la ilustración, que es la misma que en las anteriores ediciones en este formato, pero con un diseño más elegante.

trueno-pagina-2La primera historieta nos presenta al Capitán Trueno como jefe de un grupo de cruzados españoles. Osado e inteligente su iniciativa será crucial para tomar la fortaleza enemiga. Ambientada en la época de las Cruzadas, en las primeras páginas se enfrenta al mismísimo Ricardo Corazón de León. El propio rey descubre su fuerza en el torneo amistoso en el que ambos se enfrentan antes de iniciar la batalla contra los infieles al grito de Trueno de ¡Santiago y cierra España!

Ediciones B nos propone una nueva ocasión para leer la mejor etapa de este tebeo sin adulterar, que si bien es hijo de la época en que nació, sigue manteniéndose fresco gracias al arte de Ambrós y a la imaginación de Víctor Mora. Si eres adulto seguro que volverás a sentirte como un niño releyéndolas!!

En esta edición las espadas, las flechas y la violencia física y verbal lucen como en sus inicios, puesto que la censura hizo estragos con el cómic en ediciones posteriores a la original de 1956. Además en estos números la aventura es pura y dura ya que la serie no había derivado aún en una sobreexplotación del personaje, con repetición de caras, posturas y viñetas ya en la época en la que no la dibujaba Ambrós. El desgaste, pues, queda lejos en estos dos primeros tomos y son por sí solos históricos dentro del mayor éxito del cómic español. Una obra imperecedera, un tesoro a descubrir por las nuevas generaciones.

lomoEsta, sin embargo, no es la primera vez que se edita esta colección facsimilar de El Capitán Trueno, lo que nos demuestra la longevidad y el cariño que se tiene al héroe. Ya en 1991 aparecieron las historietas protagonizadas por el héroe hispano en cuadernillos coleccionables en entregas de 6 números de quiosco para su posterior encuadernación. Y este bonito formato en tomo fue estrenado en 1995 con 13 volúmenes en tapa dura y sobrecubierta que reunían los 618 cuadernillos que constituyen la serie. Posteriormente en 2003 se reeditaron tan solo los seis primeros tomos con cubiertas de tela y más adelante aparecieron de nuevo tan solo los tomos 1,2 7,9,10 y 11.

Y desde diciembre del 2013 Ediciones B presenta esta nueva edición de las aventuras de El Capitán Trueno que reedita los 13 tomos de la serie con los 618 cuadernillos. Una nueva oportunidad de reunir toda la colección original de El Capitán Trueno en tomos muy bien editados de los que ya se pueden conseguir en las librerías los primeros dos volúmenes.

Título: Edición original facsímil de El capitán Trueno
Tomo 1 y 2
Editorial: Ediciones B
Encuadernación: Cartoné
Dimensiones: 16 x 24 cm
Páginas: 576
Precio: 29 € x tomo
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Taradete

Crítica teatral: El crítico, en el Teatre Borràs.

489Podríamos decir que existen obras de teatro, algo así como un subgénero, que nos hablan sobre el mismo teatro, si bien no hay demasiadas, que yo sepa, que traten sobre la crítica teatral. Una de ellas, El crítico, si supiera cantar me salvaría se representa en el Teatre Borràs desde el 22 de enero, una oportunidad para profundizar un poco más no solo en el trabajo del crítico sino en la naturaleza de una obra de teatro.

Todo comienza con el regreso a casa del crítico Volodia. Ha asistido a un estreno teatral, por lo que se dispone, como acostumbra a hacer siempre, a escribir la crítica de la obra esa misma noche. Alguien llama a su puerta. Volodia se sorprende al constatar que Scarpa, el autor de la obra a cuyo estreno ha acudido, quiere compartir con él el momento de la redacción de la crítica. ¿Será positiva o negativa? Poco a poco irá desarrollándose entre ellos una contienda verbal sobre la forma de ver y entender el teatro, o lo que es lo mismo, cómo entender la vida.

Juan Mayorga, el autor de la obra, nos propone un texto que reflexiona sobre la realidad y el artificio en el teatro, una voluntad materializada en el combate dialéctico que mantienen un autor teatral de éxito y un antiguo crítico de teatro dispuesto a reseñar su obra. Para reforzar esta sensación de combate nos serán recitados parte de los diálogos de la obra ficticia que Volodia ha de reseñar y que trata del mundo del boxeo y del fallido aprendizaje entre un viejo entrenador, del que no se sabe que nunca boxeara, y un joven boxeador con un gran potencial pero que se deja llevar por el empellón del público.

Una contienda que poco a poco veremos que no es a un solo asalto sino que es la culminación de un antiguo vínculo que se ha establecido entre ambos a lo largo del tiempo, desde que el autor estrenó su primera obra. Entre ellos se ha creado un fuerte lazo emocional que ninguno de los dos ha querido reconocer hasta esta noche, pero que ha marcado el desarrollo de sus vidas y de sus profesiones.

juanjo-puigcorbe-pere-ponce-2En la discusión que se establecerá entre autor y crítico surgirán múltiples temáticas que abarcan el mundo del teatro y la creación teatral. ¿Qué representa una crítica? ¿Existe la crítica objetiva? ¿Cuál es el grado en el que un director transforma la obra de un dramaturgo? ¿Existe un teatro auténtico? ¿Por qué exigimos veracidad al teatro cuando en la vida misma la mayor parte de las cosas son mentira?

Como ven los temas que trata la obra son profundos, a veces incluso demasiado, lo que provee a la representación de un ritmo sosegado acorde a la naturaleza de los temas que se tratan. No esperen, pues, otra cosa. Esperen, eso sí, una exploración sobre el mundo del teatro y de la crítica que, seguro, les tocará la fibra, mezclado con ingredientes de thriller o misterio, que irán salpimentando el desarrollo de la obra y complicando algo en exceso la trama en cuestión.

El crítico, además, nos habla sobre diferentes tipos de teatro. Si Scarpa apuesta por un teatro más vivo y actual, que conecta fácilmente con el público aunque a veces lo haga a través de lo postizo, el segundo defiende un teatro de calidad, fiel a sí mismo, desnudo y verdadero, que no se deja persuadir por las falsas modas y que apela a los sentimientos más puros. De ahí que Scarpa se nos presente como un hombre del hoy (y del mañana) y Volodia como un hombre del ayer, del pasado del Metropol, el teatro ya desaparecido donde trabajaban sus padres y donde él conoció el teatro clásico de los años 50.

El director, Juan José Afonso, responsable de obras como Almacenados, La extraña pareja, La cena de los idiotas o El arte de la entrevista, escrita por el propio Juan Mayorga, provee a la representación de un toque clásico y consistente que se construye a partir de una escenografía sencilla pero imponente que nos muestra el interior de la casa de Volodia. En lo que respecta a las actuaciones Puigcorbé impresiona con la plasmación de un personaje, el del solitario crítico Volodia, fiel a sí mismo y minucioso, aunque miembro de una especie de críticos en claro peligro de extinción. El Scarpa de Pere Ponce, sin embargo, se queda algo atrás y no alcanza toda la intensidad necesaria para hacer de antagonista de Volodia. De todas formas, en esta obra el texto está por encima de las actuaciones concretas (y esto lo digo sin ninguna intención de desmerecer el trabajo de los actores) ya que las ideas y las reflexiones cautivas en él absorben, muchas veces por completo, la atención de los espectadores.

El crítico nos propone, así, una hora y diez minutos de espectáculo teatral que nos permiten reflexionar sobre el trabajo de los profesionales del arte escénico (y de la prensa especializada!). Aunque al final una obra de teatro es solo una ficción, y una crítica teatral, como la que ahora estás leyendo, no es más que una valoración que nos habla de lo que otros hacen sobre el escenario, tan subjetiva, en definitiva, como cualquier otra opinión, aunque, y esto es siempre de agradecer, al menos algo más formada y conocedora de lo que habla. ¿No lo creen así?

«El crítico» se representa en el Teatre Borràs desde el 22 de enero de 2014.

Autor: Juan Mayorga
Reparto: Juanjo Puigcorbé y Pere Ponce
Dirección: Juan José Afonso
Escenografía y Vestuario: Elisa Sanz
Diseño de iluminación: Carlos Alzueta Bengoetxea
Diseño de sonido: Raúl Bustillo

Horarios: miércoles y jueves a las 20:30 horas; viernes a las 21:30 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 20 a 28 €
Idioma: castellano
Duración: 1 hora 10 min
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Jorge Pisa Sánchez

Festes de Santa Eulàlia 2014.

Festes-de-Santa-Eulalia-2014Demà divendres comencen les Festes de Santa Eulàlia que enguany transformen la ciutat amb el festival LLUMBCN oferint als ciutadans tradició i avantguarda.

Durant els dies 7, 8, 9 i 12 de febrer la ciutat de Barcelona celebrarà les festes de Santa Eulàlia amb un ampli ventall d’activitats que recolliran les tradicions i la història però també il·luminaran la cara més avantguardista i innovadora.

Durant la Festa Major d’hivern, Barcelona s’omplirà de gegants, capgrossos, colles sardanistes, diables, festes de foc i una moixiganga provinent de la cultura popular i, a més, transformarà racons de la ciutat gràcies al festival LLUMBCN. Durant les festes de Santa Eulàlia la llum esdevindrà l’element central d’un gran festival urbà capaç de mostrar-nos una ciutat nova, de transformar edificis o de conferir a petits racons de la ciutat antiga una màgia carregada de significat i poesia.

LLUM_Ajuntament-1Així, el barri Gòtic mostrarà una desena de paisatges que han nascut del talent i la fantasia dels estudiants i els professors de diversos centres docents dedicats a la il·luminació, el disseny, l’arquitectura o l’interiorisme. En cadascun dels patis de Ciutat Vella en què han intervingut, han estat capaços de suggerir mil i un significats a partir dels ambients creats amb la il·luminació: des d’evocar la història d’un edifici medieval fins a fer plorar Santa Eulàlia amb llàgrimes de gel o convertir un pati en un jardí subaquàtic.

Completen el festival la revisió dels mappings més espectaculars de la Mercè, la il·luminació especial d’edificis de la ciutat (fragments de la muralla de Barcelona i la casa de Salvador Espriu) i un recorregut per una part del parc de la Ciutadella que acull espectacles de llum repartits per camins, edificis i làmines d’aigua.

Bandera+Santa+EulC3A0lia-1Enguany, la festa de Sant Eulàlia se celebra en el marc dels actes del Tricentenari BCN i per això el Born Centre Cultural obre les portes gratuïtament a tots els ciutadans que vulguin veure les restes arqueològiques i les exposicions per descobrir els fets de fa tres-cents anys i descobrir com era aquesta part de la ciutat a principis del segle XVIII. El divendres 7, rebent la cercavila de la copatrona s’encendran prop de 1.500 espelmes per recrear, amb llum, el logotip dels actes del tricentenari dels fets del 1714 i de divendres a diumenge, en fer-se fosc, 300 flames il·luminaran la plaça del Born.

A més, l’any en què Santa Eulàlia commemora el tricentenari dels fets de 1714, Cardona és la ciutat convidada a la festa i porta a la ciutat part del seu imaginari festiu i alguns dels seus col·lectius de cultura popular. D’aquesta manera participaran en les celebracions un total de tretze gegants de Cardona, a més dels nans i de la nova Àliga.

«Festes de Santa Eulàlia 7, 8, 9 i 10 de febrer».

Per a més informació:

http://santaeulalia.bcn.cat/

 

 

HARKET (PROTOCOLO) a La Seca- Espai Brossa: Programada per fascinar

Hi ha amors que es fonamenten en el respecte.
Com el d’una filla al pare.
Altres amors troben la seva fortalesa en la incomunicació.
El d’una noia decidida per un ens d’intel·ligència artificial, per exemple.
La Cristina és amorosa. El seu pare la va convertir en víctima d’un projecte d’aïllament en un búnquer. I el MAP esdevingué el seu únic consol.
I l’escenari que acull aquest triangle alienant és La Seca-Espai Brossa de Barcelona fins al 16 de de febrer.

HARKET (PROTOCOLO)” és una proposta insòlita on la dansa suposa camí narratiu; l’esplendor audiovisual, espai escènic; i l’experimentació artística, poderosa coartada.

En aquesta peça fascinant, Cristina Fernández combina amb convicció exercici físic, ironia quotidiana i tragèdia existencialista.

Els temors de la pretensiositat s’esvaeixen perquè la dramatúrgia de Juan Pablo Mendiola aposta encertadament per documentar els instants de supervivència d’una criatura ingènua que acceptà de bon grat ser conillet d’índies tancant-se. Sense més pulmó exterior que un ordinador eficient, amè i empàtic a priori.

En comptes d’entretenir-se el text a articular un discurs apocalític de verb solemne, es posa al servei de l’agilitat corporal de la Cristina i de la seva entrega interpretativa.

I, gràcies a això, podem somriure davant la preplexitat de la nostra heroïna (perquè és nostra des que la distingim escalfant mentre entrem a la sala) quan comença a afartar-se d’atendre a rutines informatitzades. Riem justament en els moments en què s’enfronta al seu segrestador virtual per la manca de sensibilitat “humana” que el caracteritza. Però és que també ens quedem desconcertats finalment perquè entenem que les coses no podran seguir així i que la protagonista haurà de rebel·lar-s’hi.

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“Harket”, dirigida amb pols ferm pel mateix Mendiola, constitueix ensems una mostra curiosa i valuosa de les possibilitats que ofereix la tecnologia visual a l’hora de delimitar (o ampliar, con en aquest cas) no només escenari, sinó que obre la porta a una interacció dramàtica sorprenent: actriu i imatge projectada pertot dialoguen, discrepen i s’enfronten sense pietat.

Aquest “protocol” no està exempt d’alguna irregularitat. La història s’encalla a estones, abusant llavors de l’exhibició dels recursos coreogràfics de la ballarina que principalment és Cristina.

Però això no és més que una taca negra enmig de tan enlluernador espectacle, de ritme vibrant i conclusió desarmant. Que ens recorda que teatre no és només allò que volem veure que passa als altres: Teatre és, a més, tot allò que ens terroritza i que ens pot destapar una artista apassionada, un director minuciós i una posada en escena singular per la seva bellesa. Tots tres, exquisidament arriscats.

 Per Juan Marea

 http://www.laseca.cat/ca/obra/47/harket-protocolo–juan-pablo-mendiola/

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Crítica teatral: Boig per tu, en el teatre Borràs.

concierto-boig-per-tu-del-29-enero-al-16-febrero-barcelona_img 149204No es algo extraordinario, ni mucho menos, que el teatro se nutra de la trayectoria artística de cantantes y de grupos para construir sus propias propuestas. La receta ya la hemos visto en espectáculos como Ojos verdes, que repasaba la vida de Miguel de Molina; Hoy no me puedo levantar que transitaba por los grandes éxitos de Mecano, y los múltiples espectáculos que recorren la carrera musical de formaciones como Abba o solistas como Michael Jackson, por no hablar de uno de los éxitos recientes como Cop de Rock, el espectáculo creado a partir de los éxitos del rock catalán.

Como consecuencia de este gran éxito y atisbando con acierto las posibilidades del rock catalán sobre un escenario teatral, Silencio Rodamos inició el año pasado la producción de Boig per tu, el musical basado en la trayectoria musical del grupo Sau, que junto a Sopa de Cabra capitanearon, allá por los años noventa, las hormonas y las cavilaciones de la joven generación catalana del momento.

«Un grupo de jóvenes encara un nuevo verano en el que las circunstancias les pondrán frente a un mundo nuevo: el paso a una cierta madurez sentimental que les marcará el futuro más inmediato. Con la excusa de organizar una fiesta de cumpleaños, el grupo de amigos se reúne, charlan, discuten, ríen y sobre todo cantan sus miedos y alegrías, sus deseos y, en el fondo, su temor a avanzar hacia la madurez. Un cumpleaños, una noche y un baile que marcarán un verano donde reinarán el amor, el desamor y sobre todo la amistad».

La productora Silencio Rodamos, especializada en cine y televisión, se lanza a la producción teatral con el musical Boig per tu, un espectáculo que recorre los éxitos de Sau. La propuesta nos presenta el mundo de la juventud que es en el que triunfó el grupo. Si bien no está ambientada en los años 90 sino que su trama transcurre en la actualidad y nos muestra la diversidad de relaciones de amistad, compañerismo y amor que existe en un grupo de amigos que ronda la veintena, esto es, que hace muy poco que han dejado la adolescencia atrás. Así que ya se pueden imaginar que el amor, la aceptación por parte del grupo, los novi@s, los estudios, el futuro o la voluntad de aparentar más edad de la que en verdad se tiene, son las grandes cuestiones que afectan a los protagonistas. Un planteamiento que sin duda, nos retrotrae a nosotros mismos a esas épocas de nuestro pasado, cuando éramos jóvenes y seguíamos entusiamad@s los éxitos de nuestros grupos de música favoritos.

boig per tuBoig per tu es una celebración de la amistad y de la música, y más concretamente de la creada por Sau, por lo que tanto la frecuencia de los actores, sus interpretaciones e incluso el vestuario nos transmite positivismo, algo que por sí solo ya valdría en la situación socio-económica en la que vivimos. La producción, además, hace hincapié en aquella juventud, que también existe aunque aparezca menos en los medios de comunicación, que práctica una vida sana y positiva, algo que también es agradecido de ver alguna vez sobre el escenario.

La trama nos hace transitar por todo ese mundo de sentimentalismo, romanticismo y rebeldía propio de la juventud y lo hace construyendo la historia a partir de las canciones de Sau, que poseen, sin duda, un toque intimista y pasional nacido de la sensibilidad artística de Carles Sabater y Pep Sala, los músicos que hicieron revolotear a velocidades supralúminicas las hormonas de sus jóvenes fans. Un intimismo pasional que se desarrolla, además, desde el humor potenciado por una actuación coral de los chicos (Roger Borrull, Joan Olivé, Roc Olivé, Ferran González, Pol Nubiala y Oscar Monclús) y de las chicas (Carla Mercader, Cristina Murillo, Lidia Ibañez, Neus Pàmies, Julia Creus y Mónica Macfer) y que está dirigida por Ricard Regüant en cuanto a la interpretación y por Pep Sala, impulsor de la propuesta, en cuanto a la música, un sello de fidelidad al grupo que emana de cada segundo del espectáculo.

Aunque la interpretación es, como decía, coral en ella destaca con luz propia el buen hacer del jovencísimo Pol Nubiala, que encarna al hermano menor de una de las amigas del grupo, y que destaca por su juego de voces, su excelente actuación cómica y las ganas que pone en la creación de su personaje, en el que se intuye su gracejo personal innato.

Sin embargo la potencia del musical no luce lo que merece debido a las limitaciones de producción. El escenario, pequeño para un musical de este tipo, se queda corto al igual que algunas de las coreografías y la solución escenográfica se muestra algo pobre y poco original con paneles metálicos móviles que no ayudan al espectador a meterse en la historia. Además el musical hace un pobre uso de la pantalla audiovisual en la que como colofón del espectáculo se ofrece un homenaje a Carles Sabater, que no se puede contemplar correctamente debido a la propia escenografía de la obra. Algo que seguro que mejorará a partir de marzo cuando que el espectáculo se represente en el Teatre Borràs.

Aún así Boig per tu dispara la adrenalina y los recuerdos de una generación que vivió la eclosión del rock catalán y que siguió a los grupos que componían la movida catalana a lo largo de los noventa con canciones, entre otras, como Boig per tu, como no podría ser de otra forma, Es inutil continuar, Tu ho esperes tot de mi, Foc al cos, El tren de mitjanit, El teu estiu o Envia’m un angel. Una oportunidad para rememorar la historia musical escrita en catalán que se prorroga en la sala Barts hasta el próximo 16 de febrero.

«Boig per tu» se representa en la Sala Barts hasta el 16 de febrero de 2014.

ESPECTÁCULO PRORROGADO del 14 de marzo al 11 de mayo en el Teatre Borràs.
Escenario nuevo, nueva escenografía y nuevo diseño de iluminación

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 12:00 y a las 18:30 horas.

Más información:
https://www.grupbalana.com/teatro_cs/507/0/1/0/boig-per-tu.html

Texto: Joan Gallart, Ricard Reguant y Pep Sala
Dirección escénica: Ricard Reguant
Dirección musical: Pep Sala
Reparto: Roger Borrull, Joan Olivé, Roc Olivé, Ferran González, Pol Nubiala, Oscar Monclús, Carla Mercader, Cristina Murillo, Lidia Ibañez, Neus Pàmies, Julia Creus y Mónica Macfer
Música y canciones: Pep Sala, Joan Capdevila y Carles Sabater
Escenografía y vestuario: Ramon Ivars
Coreografías: Maite Marco
Iluminación: Luis Perdiguero
Producción: Silencio Rodamos Producciones

Duración del espectáculo: 140 minutos
Idioma: catalán
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Jorge Pisa Sánchez

Stefan Drössler, director del Museo del Cine de Múnich: “La historia es algo vivo porque la mirada del pasado cambia continuamente.”

Una grabadora sirve para acompañar. También para desafiar la curiosidad.

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Usted vino a presentar “JUD SÜSS»(El judío Süss, Veit Harlan, 1940) en el seno de la Muestra de “Cinema i Propaganda Nazi” que se ha exhibido en la Filmoteca de Catalunya este pasado mes de enero. ¿Qué importancia tiene esta película?

En Alemania, tiene una historia muy específica: Seguramente, se trata dela película más turbia del cine producido por el Tercer Reich. Todos conocen su título pero la mayoría no la han visto. Más allá de su contexto político, me resulta muy difícil valorarla porque es una obra típica de los años 30. Tiene un estilo muy típico de su realizador: el melodrama monumental algo pesado. No es su mejor película pero sí la que mayor influencia política tuvo.

¿Qué tema trata “Jud Süss»?

Es una película propagandística antisemita basada en un suceso histórico de la Edad Media. Adapta los hechos de tal manera que prepara emocionalmente al espectador para la exclusión y exterminio de los judíos.

¿Cómo valora la programación de este cine propagandístico desde un punto de vista artístico?

No son películas verdaderamente innovadoras. No las hubo en la Alemania Nazi: A los sistemas totalitarios no les gustan los cineastas independientes porque cuando estos prueban algo nuevo ponen en peligro los límites impuestos. Era un cine que sufría un gran control político. Y, aunque no hubo obras maestras que se salieran del estándar, sí que fueron sólidas. Las seleccionadas en esta muestra están entre las mejores de la época. Ni siquiera Leni Riefenstahl, que supo aprovechar las distintas tendencias vanguardistas de “La nueva objetividad”, inventó nada…

¿Qué hemos visto estos días en Barcelona?

El director más eficaz fue Hans Steinhoff, del que se proyectaron las impresionantes “EL FLECHA QUEX (“Hitlerjunge Quex”, 1933) y “OHM KRÜGER(1941). Gustav Ucicky, autor deHEIMKEHR(El regreso, 1941), que está muy bien hecha, fue un buen director de cine. Ejemplos de buenos artesanos.

Usted es experto en cine mudo. ¿Qué perdió el cine cuando empezó a hablarse en él?

Al final de los años 20, el cine tenía un gran desarrollo estético. Trabajaba únicamente con imágenes de modo que acabaron rodándose películas que ya no necesitaban intertítulos. Pero cuando llegó el cine hablado muy pocos directores de cine (René Clair, Hitchcock, Fritz Lang) comprendieron que podía trabajarse de modo interesante con el sonido. Eso provocó un estancamiento estético durante unos diez años.

También se encarga de la restauración de películas estropeadas o que se han perdido parcialmente.

Cuando restauramos una película en el Museo, empezamos por reunir toda la información posible sobre la misma: la historia de la producción, su valoración en la época en que se realizó, el trasfondo. Se trata de restaurar la película y su contexto. A partir de ahí, nos ocupamos del trabajo meramente técnico. Todo ello supone una investigación histórica cultural. Yo suelo distinguir la reconstrucción de la restauración.

¿En qué se diferencian?

“Reconstruir” es volver a hacer el rompecabezas de la película y reflexionar sobre cómo llenar sus lagunas. Hemos reconstruido películas a partir de tan solo tres minutos de imagen en movimiento, siendo todo lo demás foto fija. A través del montaje y la música, logramos una mínima expresión de la obra original. La “restauración”, en cambio, se limita a limpiar las imágenes y a decidir en qué formato digital y con qué resolución hay que escanearlas. ¡A mí me interesa más la reconstrucción!

Con la reconstrucción ¿se crea una nueva obra?

Sí. Intentamos formarnos una idea de cómo era el original y aproximarnos todo lo posible. Ello implica adoptar muchas decisiones estéticas. Al final, obtienes algo nuevo y propio. Un buen ejemplo es “Metrópolis” (Metropolis”, Fritz Lang, 1927), de la que se prepararon en su momento como mínimo dos negativos con puntos de vista distintos: uno, de uso nacional y el otro, para el extranjero. Su reconstrucción ha durado décadas. El Museo se puso manos a la obra con esmero. Y, cuando acabamos, apareció una copia en Latinoamérica de la versión realizada para el extranjero que había ido a parar allí poco después del estreno. ¡Ese material resultó ser idéntico a la imagen que nos habíamos formado durante nuestro trabajo!

¿Podemos sintetizar la historia del cine en una serie de títulos?

Siempre he sido partidario de una visión relativa: Todas las películas son intercambiables o representan algo determinado. Para mí, la historia es algo vivo porque la mirada del pasado cambia continuamente.

¿En qué han estado trabajando recientemente en el Museo?

Acabamos de reconstruir “Algol-Tragödie der Macht” (Hans Werckmeister, 1920), un filme mudo sobre una máquina todopoderosa que permite cubrir las necesidades energéticas de todo el mundo, cuestión de gran actualidad. Es muy interesante porque al expresionismo de su dirección artística debemos sumar el realismo de su temática. Es una película prácticamente desconocida y con unas referencias históricas muy directas a la Primera Guerra Mundial.

Mi grabadora ya está lista para la reconstrucción. Y, con ello, mi curiosidad aumenta.

Por Juan Marea

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Crítica teatral: La Gran Duquessa de Gerolstein, en el Teatre Gaudí.

TEATRE_BARCELONA_La_gran_duquesa_de_GerolsteinEl Teatre Gaudí nos sorprende este mes de enero con la programación de La Gran Duquessa de Gerolstein, una opereta antimilitarista de Jaques Offenbach adaptada por primera la vez al catalán por la compañía Bratislava en un espectáculo de pequeño formato dirigido por Víctor Álvaro e interpretado por Anna Arena, Laura Pau, Mònica Portillo y Albert Ruiz.

Tras el éxito del año pasado con el estreno de una impactante y entusiasta versión de The Wild Party de Andrew Lippa, el Gaudí apuesta este año de nuevo por el teatro musical, en este caso por la opéra bouffe u opereta cómica, con la programación de La Gran Duquessa de Gerolstein, una de las obras menos conocidas de Jaques Offenbach, el autor más representativo del género.

La opereta nos traslada a una época no del todo definida en la que la malcriada y tirana duquesa de Gerolstein está aburrida, hecho que la obliga a entretenerse declarando la guerra en el exterior y haciéndole la vida imposible a la corte y a su ejército en el interior. Durante una revista a sus tropas, la gran duquesa se enamora perdidamente del hermoso y viril soldado Fritz, al que asciende rápidamente, incluso por encima de su superior el general Bum. Los voluptuosos deseos de la duquesa, que menosprecia desde hace seis meses a su prometido oficial, el afeminado príncipe Pol, generará una conmoción en Gerolstein en la que se mezclarán el autoritario ambiente castrense, las intrigas de corte y los inesperados derroteros que tomarán los caprichos de la hastiada duquesa.

La joven compañía Bratislava nos propone un divertimento musical que adopta la forma de una crítica al militarismo sin sentido y al poder político en el que el humor está muy presente. El espectáculo, de pequeño formato, adapta la obra de Offenbach con un gusto irreverente y con muchos toques que la actualizan. La propuesta opta por una inversión de los roles sexuales por la cual el chico hace de chica (de duquesa) y las chicas hacen de chicos, lo que provee al espectáculo de un mayor grado de humor y obliga a sus intérpretes a realizar un tour de force para estar a la altura de los requerimientos de la representación, esto es, el movimiento constante de los actores y actrices sobre el escenario, la caracterización cómica de los mismos y su intrepidez a la hora de interpretar y/o cantar cada una de las canciones que componen el libreto de la obra.

DdG-9571La dirección de Víctor Álvaro es inteligente y potencia todos estos elementos, lo que se traduce en una actuación global ingeniosamente cómica que incorpora un importante grado de caracterización del teatro infantil. Un acierto acompañado por una puesta en escena sencilla y un vestuario que fomenta una visión infantiloide de la política que se cocina en palacio. Los arreglos y la interpretación musical del espectáculo están a cargo de Ferran Martínez Palou, cuyo empeño está acompañado en parte, también, por las aptitudes musicales de los intérpretes que tocan el flautín, el tamborí, el trombón o el violín, proveyendo a la obra de una sencillez musical muy acorde con la inocencia de la puesta en escena.

La obra, así pues, se configura como una opereta cómica en la que temas tan notables como el militarismo, la guerra y el poder tiránico e inmoral se tratan como un cuento musicado en el que los actores caricaturizan a sus personajes como mofa a los intereses que representan.

La interpretación de la obra es de carácter coral y múltiple. Coral porque todos los actores contribuyen en un mismo grado a dar forma a la obra y múltiple porque la mayoría de ellos dan vida a diversos personajes. De esta forma el único chico, Albert Ruiz, encarna a una encantadora gran duquesa sargentona e infantil que obliga al resto de los personajes a bailar al son de sus apetitos más íntimos; Anna Arena interpreta al soldado Fritz y al Barón Grog ofreciéndoles una apuesta presencia y un chorro de voz que destaca en diversas ocasiones por encima de la del resto de los actores; Laura Pau que da vida al afeminado y rechazado Príncep Pol y al atribulado tutor Nepomuc; y por último Mònica Portillo interpreta al enfurecido e intransigente General Bum. Todos ellos proveen a la obra de una candidez y una ingenuidad al relatar las andanzas de los personajes durante la representación que deja en el espectador un muy buen sabor de boca.

En definitiva, la compañía Bratislava se apunta una medalla con la producción y el estreno de La Gran Duquessa de Gerolstein, no solo por dejarnos gozar de una de las obras no tan conocidas de Offenbach, sino por el buen hacer a la hora de presentarnos una cautivadora trama que apela a la consciencia para explicarnos cosas muy importantes a través de la música y de la sencillez casi infantil de su puesta en escena.

«La Gran Duquessa de Gerolstein» se representa en el Teatre Gaudí del 17 de enero al 16 de marzo de 2014.

Autores: Jaques Offenbach, Henri Meilhac y Ludovic Halévy
Traducción y adaptación: Companyia Bratislava
Dirección general: Víctor Álvaro
Dirección musical: Ferran Martínez i Palou
Reparto: Anna Arena, Laura Pau, Mònica Portillo y Albert Ruiz
Coreografía: Jordi Ribot Thunnissen
Escenografía: Companyia Bratislava
Vestuario: Companyia Bratislava
Técnico luces y sonido: Sergi Coch

Horarios: de jueves a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 20:00 horas.
Precio: 20 €
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 25 minutos
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Jorge Pisa Sánchez

Novetat discogràfica: Sacrifiqueu la princesa, de Mazoni

Sacrifiqueu la princesa

La recerca de nous desafiaments amb què sortir de la zona de confort ja coneguda ha portat Jaume Pla, Mazoni, a deixar de banda les seves habituals guitarres per jugar amb les bases electròniques i els sintetitzadors, i el resultat és Sacrifiqueu la princesa, el vuitè disc d’aquest músic de La Bisbal de l’Empordà que consolida el gir musical iniciat tímidament ara fa tres anys amb el seu anterior treball (Fins que la mort ens separi). Amb aquesta nova proposta, Pla renuncia al rock perquè el considera un terreny que ha explorat anteriorment tantes vegades que ha deixat de ser fèrtil per a ell, intueix que no farà millors cançons rockeres que les ja publicades, així que ha trobat la inspiració en aquest so nou i electrònic amb què confia no decebre els seus incondicionals, al mateix temps que capta nous seguidors.

La llegenda de Sant Jordi serveix a Mazoni per a posar nom al seu nou àlbum, un LP on el principal protagonista és l’amor, cançons optimistes i de melodies pop en què les lletres no suposen cap trencament amb el seu material anterior –“És la mateixa classe d’univers. La meva vida dels dos últims anys: vaig deixar una relació i en vaig començar una altra. Per això hi ha la fase d’amor-odi, la pèrdua, la d’enamorar-se…”–, només ha variat la sonoritat de les seves composicions, ara més pròximes al pop psicodèlic que mai abans, i amb un to esperançador que contrasta amb la introspecció i la foscor que trobàvem al seu anterior disc. Així, Mazoni signa un total de dotze temes nous entre els quals cal destacar La promesa, el primer senzill del disc i que ve acompanyat d’un videoclip realitzat per Miquel Matas, Un petó per cada cicatriu, El crit, amb què Pla mostra el seu costat més reivindicatiu, 23 d’abril i Elvis (últim dia), una peça en què la lletra l’hi va inspirar un curiós resum de les darreres hores del músic nord-americà que va trobar a internet.

Jaume Pla, Mazoni, en una imatge promocional
Jaume Pla, Mazoni, en una imatge promocional

Un mes després de la publicació de Sacrifiqueu la princesa, Jaume Pla presentarà en directe el seu nou treball a Barcelona, on oferirà tres actuacions a la Sala d’Assaig del Palau de la Música dins el cicle Bandautors (21 i 22 de febrer). El gir evident en el so de les noves cançons farà que l’empordanès hagi de modificar l’estructura habitual de la banda, a més d’adaptar els seus anteriors temes al nou estil, en què destacarà l’absència de bateria acústica. Després de les actuacions a Barcelona, Mazoni continuarà la gira a Girona (23 de febrer a la Sala de Cambra de l’Auditori), Lleida (8 de març al cafè del Teatre) i Torelló (15 de març al Teatre Cirviànu), entre d’altres cites ja confirmades.

Títol: Sacrifiqueu la princesa
Autor: Mazoni
Edició: Bankrobber
Data de publicació: Gener 2014
Preu: 14,99 €
Més informació: https://facebook.com/Mazoni/

Joan Arqué, director de “Vaques sagrades”: “Necessitem transcendir alguna cosa del que ens envolta.”

Hi ha herba amb gust a asfalt. I, en comptes de menjar-nos-la, ens devorem. La meva gravadora prefereix regar-la.

ImageJoan Sacríleg

Quin és el punt de partida de “Vaques sagrades”?

Una notícia que vaig veure per televisió: Tres vaques s’escapen d’un escorxador quan les anaven a sacrificar. Això em va obrir tot un món. Em va admirar la valentia d’aquestes bèsties innocents i el que són capaces de fer.

I què és el que van fer?

Doncs col·locar tota una ciutat en estat de xoc fent anar de corcoll les forces de seguretat i causant-hi danys materials quan en teoria estava preparada per a esdeveniments molt més grans. Aleshores, em vaig preguntar: Si tres vaques que lluiten per sobreviure fan tot això, ¿de què serien capaces tres, tres-centes, tres mil o tres milions de persones compartint la idea de la nostra supervivència?

Com s’escapen?

Donant una coça ben forta al teòric botxí, trobant la porta oberta i marxant amb la força que et donen la por i les ganes de viure. Elles veuen una oportunitat, l’aprofiten i no s’aturen a mirar enrere sinó que tiren endavant cap a la muntanya, la terra promesa, d’allà on vénen.

A la vostra proposta, aquestes vaques s’escapen per Barcelona. Com la veuen?

Des del punt de vista de l’Henrietta, la més ingènua de les tres, és un nou món molt interessant ple d’oportunitats i sobretot d’uns éssers humans que no són dolents, que mereixen una oportunitat i amb els quals podrien arribar a entendre’s. Una Barcelona plena d’esperança que a poc a poc va tornant-se d’un altre color.

Arran de la fugida, l’ordre establert es trenca. Quin ordre és aquest?

Aquell que sigui quin sigui convida a buscar els seus límits per modificar-los. Per reprimir la violència il·legítima del comportament de les protagonistes, es posa de manifest una violència legítima que sotmeti les coses al seu estat primari. El que aquestes vaques posen en evidència són és els límits de l’ordre i el sentit d’aquest. I sembla que vivim un moment en què n’estem buscant alguns, de límits.

Com es fa pujar unes vaques a un escenari?

Doncs igual que duent-les a l’escorxador: enganyant-les! Dient-los que tenim quelcom interessant a explicar i que això potser pot commoure o remoure alguna coseta a la gent. Que ho podem aconseguir. I un cop que hi ets, pensar que no hi ha marxa enrere i que el que val la pena és provar-ho.

El tema principal que tracteu és el del sacrifici com a cosa sagrada.

Etimològicament, “sacrificar” vol dir “convertir alguna cosa en sagrada”. Aquesta idea ha estat lligada a la religió durant molt de temps. Però què és sagrat avui dia a la nostra societat? D’altra banda, és curiós que per referir-nos a matar un animal (ja sigui domèstic o bé de consum) en diem portar-lo a “sacrificar”. El traslladem a un altre estadi sublimant-lo. Quan aquestes vaques descobreixen què vol dir aquest mot, es pregunten: sagrades? sacrificades? En nom de què i per qui?

També defenseu que necessitem quelcom de sagrat.

Tots necessitem transcendir quelcom del que ens envolta. Potser perquè el que ens envolta és ple de mediocritat. I ho fem amb qualsevol cosa: un objecte, una idea, una persona, un ídol. Per a què acabi de donar sentit a allò que fem.

“Vaques sagrades” és el teu treball de fi de carrera de l’Institut del Teatre.

I el valoro molt positivament: Hi ha molta experimentació i molta feina darrere. D’allà estem sortint gent amb moltes ganes malgrat les circumstàncies actuals. Treballant amb il·lusió i picant pedra per a què el nostre futur incert en aquesta professió esdevingui quelcom.

És també la teva segona col·laboració amb la dramaturga Denise Duncan després de “Més enllà de la foscor” a la Sala Beckett el 2012.

La nostra amistat va començar fa uns sis anys durant les proves d’accés a l’Institut compartint nervis i il·lusions llavors i, després, el dia a dia a classe. Fins i tot, moltes ploreres! En l’àmbit professional a més ens entenem molt bé.

El teatre ens ajuda a sortir d’aquesta mediocritat?

Crec que sí. El teatre serveix per a moltes coses: per entretenir-se, pensar, meravellar-se, imaginar i reflexionar. I si aquesta reflexió pot portar a l’acció, molt millor. Amb el teatre, artistes i espectadors podem pactar. I o bé deixem a la sala quelcom que ens fa marxar millor o bé ens emportem quelcom d’ella que potser ens farà millors.

I si ens fa sentir pitjor?

També va bé pensar-hi. Per trobar-hi una solució o bé per seguir i saber de la seva existència. Tendim a amagar el que ens fa sentir pitjor o el que és dolent: Els escorxadors i els cementiris que ara apartem de la vista abans estaven als centres de les poblacions. Però tot això ens és intrínsec. I tard o d’hora, ho hem d’afrontar.

Recomana’m alguna obra de teatre que hagis vist recentment.

Vània” de Les Antonietes al Teatre Lliure i “Este no es un lugar adecuado para morir” d’Albert Boronat a La Beckett.

Què passa quan fugim de l’escorxador?

Doncs que, havent vist la mort de prop, et planteges la vida d’una altra manera. Com relacionar-te amb els éssers vius des d’un altre lloc perquè units i lluitant tenim moltes coses a fer més enllà d’una retòrica que sembla que s’usi molt. A veure si ens ho comencem a creure. Al cap i a la fi, tenim el poder de decidir.

Doncs “mu”.

“Muuu” per molt anys.

Per Juan Marea

ImageLes vaques mugeixen en comú.

“Vaques sagrades” es representa a l’Almeria Teatre fins al 26 de gener i els dies 1 i 2 de febrer al Teatre de Ponent de Granollers.
http://www.almeriateatre.com/
http://www.teatredeponent.com/

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Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado