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Crítica teatro: La fortaleza, en el Teatre Lliure Gràcia

El teatro clásico es el pilar sobre el que se puede construir la realidad escénica de cualquier obra. No por otra la Compañía Nacional de Teatro Clásico encargó a Lucía Carballal una actualización de una dramaturgia de El castillo de Lindabridis de Calderón de la Barca, que ha dado como resultado La fortaleza, una obra de reflexión sobre la figura de un padre ausente y el peso de la tradición y la familia.

“¿Cómo se relaciona la autora, que, como Lindabridis, perdió a su padre, con esta historia fantástica? Lo hace de la mano de tres actrices, Natalia Huarte, Mamen Camacho y Eva Rufo, que reflexionan sobre la paternidad y la ausencia en una propuesta autoficcional. En ella, Carballal rastrea la figura de un padre ausente, arquitecto de profesión, a través de los edificios que construyó y, al mismo tiempo, se interroga sobre el sentido del teatro clásico —y de la tradición— en nuestro tiempo. La herencia, ya sea material o inmaterial; aquello que recibimos de nuestros padres o el patrimonio cultural que nos legan las generaciones anteriores son algunos de los temas que atraviesan La fortaleza”.

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Carballal nos propone para este Grec 2026 una reflexión basada en El castillo de Lindabridis, que la autora convierte en La fortaleza, un término con más de un sentido figurado que incluye desde los recuerdos y el patrimonio familiar hasta la capacidad de superación que vamos desarrollando cada uno y cada una de nosotros a lo largo de la vida.

Por eso, como en la obra de Calderón, la ausencia de la figura del padre marca el desarrollo de la representación y las reflexiones de la protagonista, interpretada por tres actrices que consiguen transmitir al público de una forma atrevida a la par que emotiva los recuerdos, los anhelos y las heridas que va dejando la vida a medida que la vamos viviendo y vamos creando nuestros elementos de resistencia, esa fortaleza que da título a la obra.

Y para ello no se necesita nada más que el arte escénico que atesoran las tres protagonistas, un guion que sabe extraer de la vida las reflexiones más sustanciales y un escenario vacío o casi vacío que permite a los espectadores centrar la atención en lo qué se dice y cómo se dice.

La fortaleza es, así, un guiño con el ojo tanto a una obra de referencia, El castillo de Lindabridis, como al público en su conjunto, un propósito que muestra cómo una obra clásica se puede transmutar en una propuesta actual que extrae de los agravios vitales que todos arrastramos a lo largo de la vida una enseñanza, que es justamente esa, la de que todos y todas tiramos hacia adelante superando tanto lo bueno como lo malo, aquello que al final nos hace ser como somos. Una clase de teatro vital que nos deja un poso con el cual enriquecer nuestro criterio, una intención en sí nada desdeñable.

«La fortaleza» se representó en el Teatre Liure Gràcia el 9 y el 10 de julio de 2026.

Dramaturgia y dirección: Lucía Carballal
Interpretación: Mamen Camacho, Natalia Huarte, Eva Rufo
Escenografía y vestuario: Pablo Chaves Maza (AAPEE)
Iluminación: Pilar Valdelvira (AAI)
Diseño de sonido: Benigno Moreno
Vídeoescena: Elvira Ruiz Zurita
Texto videoescena: Pablo Carballal

Duración: 80 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Primera Llei de Newton, en La Villarroel

La vida en un instituto es dura, esto no lo podemos obviar. La diversidad y la complejidad de la misma sociedad hace que las realidades / experiencias que se viven en un centro de educación secundaria pueda ser, para alumnos y también para profesores, una tarea dura. De ahí que el teatro se interese por la realidad educativa con el estreno el pasado 1 de julio de Primera Llei de Newton, una obra que trata el conflicto que acontece en un instituto en relación al comportamiento tramposo de un alumno.

«Un instituto de alta complejidad, recientemente premiado por su proyecto educativo, se ve sacudido por un conflicto que pone en crisis su discurso de oportunidades.
A pocos días del claustro final, se descubre que Izan, un alumno a punto de graduarse, ha copiado sistemáticamente los exámenes de una asignatura. La tensión aumenta cuando la madre de Izan se presenta en el instituto para solicitar un certificado que garantice que su hijo obtendrá el título de la ESO, al mismo tiempo que el centro recibe la visita de una joven influencer interesada en la historia de éxito del instituto».

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Primera Llei de Newton es una obra que toca diversos temas relacionados con la educación de los más jóvenes. Eu Manzanares, con un muy buen ojo clínico, ha creado una realidad escénica que nos obliga a contemplar la “dura” realidad que se vive en nuestros institutos. Una situación particular, el comportamiento tramposo de un alumno y su actitud chuleta, obliga a los profesores a discutir sobre si este se merece o no el título de estudios secundarios para poder ser fichado por un club de futbol, que le puede solucionar la vida a él y a su familia. Como veis, el dilema está servido.

A través de discusiones, flashbacks y algunas escenas de alta tensión, la obra abre un debate tragicómico sobre la sociedad en la que vivimos y nos pregunta sobre si «el todo vale», aunque no sea legal o correcto, es la mejor forma de solucionar los problemas de la vida. Para ello se necesita un guion de altura, obra de Manzanares, que nos encamine hacia el debate sin prejuzgar el comportamiento de los diversos personajes, y que posea la tensión necesaria para mantener el interés del espectador a lo largo de la representación.

Pero todo ello no conseguiría el efecto requerido si el reparto de actores y actrices no estuviera a la altura. Y lo está!! Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun y Max Vilarrasa dan en el clavo en sus interpretaciones, dando vida a los profesores que han de decidir sobre el futuro del alumno fullero; la madre del mismo, que ha de defender la actuación de su hijo, como cualquier buena madre, y la posibilidad de que consiga el certificado de estudios que le abra las puertas de la promoción social; o la joven influencer que se sentirá amenazada en un barrio muy alejado de sus estándares sociales. Un elenco dirigido con maestría por Nelson Valente, que sabe darle a la representación la compostura adecuada.

Primera Llei de Newton es una de esas obras que se revuelve en la actualidad y que sin duda nos obliga, una vez salidos del teatro, a debatir con nuestros acompañantes y si es posible, a opinar… ¿Es lícito hacer trampas cuando el sistema es injusto?

“Primera Llei de Newton” se representa en La Villarroel del 1 de julio al 2 de agosto de 2026.

Autoria y adjunta a dirección: Eu Manzanares
Dirección: Nelson Valente
Reparto: Lua Amat, Dafnis Balduz, Sara Diego, Rosa Gamiz, Anna Sahun, Max Vilarrasa
Escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Zaida Crespo
Iluminación: Jaume Ventura
Espacio sonoro: David Solans
Caracterización: Toni Santos
Producción: La Villarroel, Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: miércoles y viernes a las 19:30 horas; jueves a las 17:30 y a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 24,10€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica teatro: El retrat de Dorian Gray, en el Teatre Romea

Llegamos, sin duda, a una de las joyas de este Grec 2026, que no es otra que la versión de El retrato de Dorian Gray que el pasado 30 de junio se estrenó en el Teatre Romea, con una Àngels Gonyalons en estado de gracia.

Àngels Gonyalons se pone en la piel de Oscar Wilde para defender El retrato de Dorian Gray de los ataques de la crítica de su tiempo, y es a través de su voz que vemos a todos los personajes de la controvertida novela. Ella es Dorian, el joven que siente envidia de la belleza de su propio retrato y hace un pacto con el diablo para conservar eternamente la juventud. Ella es Basil Hayward, el pintor del controvertido retrato. Ella es Sibyl Vane, la joven actriz de la que Dorian se enamora. Pero, sobre todo, ella es Lord Henry, el dandi depravado que acompaña a Dorian en su descenso a los infiernos, mientras su retrato se va transformando monstruosamente”.

En verdad fue el título y el cartel de la obra lo que provocó interés en mi persona. Una historia acerca del peligro de la sobreestimación de la belleza. Un clásico de Oscar Wilde con un muy buen maridaje en nuestra época. Hasta que no estuve sentado en la butaca no fui consciente de la arquitectura escénica que Marc Rosich había construido con la obra original y lo bien que casaba con un formato de pequeño musical.

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Del acierto en gran parte es responsable Àngels Gonyalons, cuya veteranía le permite interpretar a todos los personajes principales de la obra con un suave gesto o un simple cambio de tonalidad en la voz. Así que Gonyalons es Dorian, es Basil Hayward, es Sibyl Vane y es Lord Henry, o lo que es lo mismo, consigue hacer creíble un monólogo plural tocado con la magia de diversos temas musicales, que proveen a la representación una sensibilidad soberbia.

Gonyalons está acompañada por un trío vocal interpretativo y musical integrado por Jordi Vidal, Pau Oliver i Pol Blancafort que actúa como un coro clásico para ayudar al avance de la representación, y por un quinteto musical que interpreta la música en directo compuesta por Jordi Cornudella con un carácter íntimo que enlaza perfectamente con la representación de la obra.

Todo en El retrat de Dorian Gray es sedoso y agradable al tacto, con una Gonyalons en estado de inspiración que solo necesita de su dominio sobre el escenario para hacer creíble una historia sobre el culto a lo bello, a lo físico, que se materializa en el cuadro de Dorian Gray y que nos permite ver, a través de los ojos de Oscar Wilde, lo peligroso de centrar nuestros apetitos tan solo en lo material, subsistiendo con vidas vacías que no llevan a ninguna parte, y que por ello son más controlables.

Felicidades al Festival Grec y a Focus, que han sabido dar en el clavo en la elección de la obra y a la hora de darle una tonalidad escénica inmejorable.

«El retrat de Dorian Gray» se representa en el Teatre Romea del 30 de junio al 2 de agosto de 2026.

A partir de la obra de Oscar Wilde
Dirección de escena y dramaturgia: Marc Rosich
Dirección musical y composición: Jordi Cornudella
Intérpretes: Àngels Gonyalons, Jordi Vidal, Pau Oliver, Pol Blancafort
Músicos: Leos Quintet
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Joana Martí
Iluminación: Bernat Jansà
Espacio sonoro: Jordi Ballbé
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea y Grec 2026 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 19:30 horas; sábados a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 27,50€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Una bufetada a temps, en La Villarroel

La educación de los más pequeños no es algo a tomar a broma. Gran parte del potencial que desarrollará la persona a lo largo de la vida se asienta en las primeras etapas de la existencia. Y es aquí donde la familia y los centros de educación juegan un papel fundamental. Pero ¿qué pasa cuando los adultos no sabemos cómo gestionar esta etapa formativa de los pequeños?

“El abuelo de un niño de ocho años, después de una rabieta de su nieto, le da una bofetada. La escuela convoca a la familia a una reunión y anuncia su intención de presentar una denuncia contra el abuelo. Y esa es la chispa que lo hace estallar todo.
Ramon Madaula y Montse Guallar protagonizan esta comedia que retrata con sentido del humor e ironía lo difícil que es educar a un niño. Un debate de enorme actualidad sobre los modelos educativos y las herramientas disciplinarias que podríamos considerar aceptables”.

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Como veis, la propuesta de Marta Buchaca intenta abrir un debate a partir del humor sobre la educación y los límites que se pueden establecer sobre el comportamiento de los más pequeños. La comedia da inicio en el momento en el que los abuelos y los padres de Roc son convocados a una reunión para analizar un caso de agresión: la bofetada que ha recibido Roc por parte de su abuelo (Ramon Madaula). La discusión deja en evidencia la diferencia de criterios educativos entre los abuelos, los padres y la escuela. El avance de la discusión permitirá descubrir a los espectadores lo complejo del asunto.

Y así, la comedia está servida, con un guion que explota las contradicciones en los carácteres de las generaciones y la forma de educar a las nuevas generaciones. En este dilema, observaremos lo lejos que pueden llegar a estar las visiones antagónicas de las dos generaciones retratadas en la obra.

Buchaca ha creado un guion ágil en el que los planteamientos de los diversos protagonistas se muestran de forma rápida y directa, y revelan cómo ha cambiado el concepto de la educación en las últimas décadas: de una visión dominante de las generaciones más mayores a otra más consciente de las necesidades de los niños y las niñas.

Esto provocará toda una serie de choques entre la pareja de “abuelos”, Ramón Madaula y Montse Guallart y la pareja de jóvenes padres, Marc Rius y Sara Diego Boladeras, que se ven superados ante un tiempo de cambios rápidos en todos los aspectos de la vida. Pero esto no es todo, ya que la trama de Buchaca evoluciona a lo largo de la representación, convirtiendo la reflexión sobre la educación de Roc en un análisis cómico sobre las miserias de la vida.

Una bufetada a temps es un acierto no solo por el tema que presenta y por lo afilado de su guion, sino también por el reparto que lo hace posible, en el que destaca un Ramón Madaula que sabe proveer a su personaje de la templanza y la sorna necesaria para hacerlo creíble. Junto a él Montse Guallart, Marc Rius, Eudald Font y Sara Diego Boladeras completan el quinteto de actores y actrices que, valorando la obra por el nivel de risas que provoca, cumplen de forma efectiva con su cometido, que no es otro que hacer pasar al público 75 minutos de diversión reflexiva sobre los límites de la educación en esta época de posmodernidad.

«Una bufetada a temps» se representa en La Villarroel del 1 de abril al 17 de mayo de 2026.

Autoría y dirección: Marta Buchaca
Reparto: Ramon Madaula, Montse Guallar, Marc Rius, Eudald Font, Sara Diego
Escenografía: Sebastià Brosa Vestuario: Marta Pell
Iluminación: Anna Espunya
Espacio sonoro: David Solans
Producción: La Pocket y La Villarroel

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: a partir de 29,50€
Duración: 75€
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9
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Jorge Pisa

Crítica teatral: Coses nostres, en la Sala Atrium.

vertic_880_0La sala Atrium es un seguro, hoy por hoy, de un teatro contemporáneo que se apropia de la realidad que nos rodea para analizarla sobre el escenario y hacernos reflexionar sobre nosotros mismos. Un nuevo ejemplo de ello es Coses nostres, la primera obra escrita y dirigida por Ramon Madaula y que nos habla del teatro, de la crítica y de la interactuación entre ambas disciplinas.

«El director de un teatro público y un reputado crítico se encuentran para hablar de «sus cosas». En el transcurso de la conversación aparecen varias cuestiones: ¿Cómo y quién determina la calidad artística? ¿La crítica tiene prejuicios? ¿El éxito o el fracaso de un espectáculo puede depender del tratamiento que le da la prensa? ¿Las ayudas públicas pueden dormir el genio? ¿Qué es más importante para un artista, el coraje o talento? Todas las preguntas tienen un “depende” como respuesta, pero todas son necesarias para ellos. Los dos hombres se necesitan. ¿Llegarán a algún tipo de pacto?»

Madaula nos propone, en su estreno como dramaturgo, un debate sobre el teatro que nos abastece de temas interesantes sobre los que reflexionar y una mirada recelosa hacia la crítica. Todo tiene lugar en el espacio de creación de un teatro público donde se han citado su director y un reconocido crítico. De ahí que se traten temas de debate que parecen ya clásicos: ¿Qué es el arte? ¿Cómo se establece la calidad artística? o si las subvenciones han amortiguado el talento artístico. Madaula trata estos temas poniéndose en parte «a favor» del creador, como no podría ser de otra forma, y aguijoneando al crítico, del que poco a poco iremos conociendo cuáles son sus desvelos y carencias, lo que nos hará dudar sobre si la crítica es objetiva o no.

1429256120De todo ello posiblemente la reflexión más interesante sea la de que, en verdad, el arte tan solo necesita que haya alguien que tenga algo que decir, un razonamiento interesante y eficaz. Si bien, la representación adopta un toque algo maniqueo, sobre todo en su segunda parte, cuando la integridad del crítico se irá resquebrajando ante nuestros propios ojos con aquel razonamiento, seguramente cruel y clásico, de que detrás de todo crítico hay un escritor frustrado. Es aquí donde el debate, hasta ese momento casi entre iguales, se convierte en la oportunidad de Madaula para desquitarse con la crítica, los juicios de la cual han afectado y afectan la carrera de cualquier artista. Algo que queda patente en el acto final de la obra, innecesario y que le roba parte de su madurez creativa.

Algo en lo que el texto tampoco acaba de atinar es en la visión que Madaula da al poder de la crítica en la actualidad. En la obra se entrevé un ecosistema de la crítica, con el gran crítico todopoderoso, que creo, y esta es una valoración personal, que o ya no existe o cada vez existe menos, ya que cada vez más la clásica crítica unidireccional y vertical se está transformado, gracias a las nuevas tecnologías, en una crítica compartida y horizontal, hecho este que le roba parte de veracidad al texto a las alturas del siglo XXI en el que estamos.

Para encarnar a los personajes de su primera obra, Madaula ha escogido a Raimon Molins que interpreta al joven director de teatro asaeteado por la última crítica recibida y a Albert Pérez, siempre correcto, en el papel del crítico, un personaje principal en el que es difícil de ver. Ambos interactúan sobre el escenario dándole a la representación el realismo que requiere. La mano de Madaula, por su parte, se deja en un texto muy personal y en la capacidad de los dos actores para apoderarse de la situación escénica.

Coses nostres es un ejercicio de análisis sobre el teatro y la crítica que aunque pone acertadamente el dedo en la llaga, no acaba de ser lo merecidamente neutral que debería, convirtiéndose, a medida que avanza la representación en algo parecido a una «pataleta» de Madaula en contra de una crítica que no siempre está a la altura de su cometido. Aún así vale la pena asistir a su representación y observar cuáles son las preocupaciones de un actor (y ahora director) con una larga carrera teatral a sus espaldas, y por tanto con algo qué decir al respecto. Diga lo que diga la crítica.

«Coses nostres» se representa en la Sala Atrium hasta el 10 de mayo de 2015.

Autor: Ramon Madaula
Director: Ramon Madaula
Reparto: Raimon Molins y Albert Pérez
Puesta en escena: Ramon Madaula
Técnico luz y sonido: Xavier Alabart
Producción: Intent Produccions

Obra ganadora del premio Recull 2014

Horarios: de miércoles a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 19:00 horas.
Precio: 19 € / Existencia de descuentos
Idioma: catalán

NOTA CULTURALIA: 6,5
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Jorge Pisa

Crítica teatral: El crítico, en el Teatre Borràs.

489Podríamos decir que existen obras de teatro, algo así como un subgénero, que nos hablan sobre el mismo teatro, si bien no hay demasiadas, que yo sepa, que traten sobre la crítica teatral. Una de ellas, El crítico, si supiera cantar me salvaría se representa en el Teatre Borràs desde el 22 de enero, una oportunidad para profundizar un poco más no solo en el trabajo del crítico sino en la naturaleza de una obra de teatro.

Todo comienza con el regreso a casa del crítico Volodia. Ha asistido a un estreno teatral, por lo que se dispone, como acostumbra a hacer siempre, a escribir la crítica de la obra esa misma noche. Alguien llama a su puerta. Volodia se sorprende al constatar que Scarpa, el autor de la obra a cuyo estreno ha acudido, quiere compartir con él el momento de la redacción de la crítica. ¿Será positiva o negativa? Poco a poco irá desarrollándose entre ellos una contienda verbal sobre la forma de ver y entender el teatro, o lo que es lo mismo, cómo entender la vida.

Juan Mayorga, el autor de la obra, nos propone un texto que reflexiona sobre la realidad y el artificio en el teatro, una voluntad materializada en el combate dialéctico que mantienen un autor teatral de éxito y un antiguo crítico de teatro dispuesto a reseñar su obra. Para reforzar esta sensación de combate nos serán recitados parte de los diálogos de la obra ficticia que Volodia ha de reseñar y que trata del mundo del boxeo y del fallido aprendizaje entre un viejo entrenador, del que no se sabe que nunca boxeara, y un joven boxeador con un gran potencial pero que se deja llevar por el empellón del público.

Una contienda que poco a poco veremos que no es a un solo asalto sino que es la culminación de un antiguo vínculo que se ha establecido entre ambos a lo largo del tiempo, desde que el autor estrenó su primera obra. Entre ellos se ha creado un fuerte lazo emocional que ninguno de los dos ha querido reconocer hasta esta noche, pero que ha marcado el desarrollo de sus vidas y de sus profesiones.

juanjo-puigcorbe-pere-ponce-2En la discusión que se establecerá entre autor y crítico surgirán múltiples temáticas que abarcan el mundo del teatro y la creación teatral. ¿Qué representa una crítica? ¿Existe la crítica objetiva? ¿Cuál es el grado en el que un director transforma la obra de un dramaturgo? ¿Existe un teatro auténtico? ¿Por qué exigimos veracidad al teatro cuando en la vida misma la mayor parte de las cosas son mentira?

Como ven los temas que trata la obra son profundos, a veces incluso demasiado, lo que provee a la representación de un ritmo sosegado acorde a la naturaleza de los temas que se tratan. No esperen, pues, otra cosa. Esperen, eso sí, una exploración sobre el mundo del teatro y de la crítica que, seguro, les tocará la fibra, mezclado con ingredientes de thriller o misterio, que irán salpimentando el desarrollo de la obra y complicando algo en exceso la trama en cuestión.

El crítico, además, nos habla sobre diferentes tipos de teatro. Si Scarpa apuesta por un teatro más vivo y actual, que conecta fácilmente con el público aunque a veces lo haga a través de lo postizo, el segundo defiende un teatro de calidad, fiel a sí mismo, desnudo y verdadero, que no se deja persuadir por las falsas modas y que apela a los sentimientos más puros. De ahí que Scarpa se nos presente como un hombre del hoy (y del mañana) y Volodia como un hombre del ayer, del pasado del Metropol, el teatro ya desaparecido donde trabajaban sus padres y donde él conoció el teatro clásico de los años 50.

El director, Juan José Afonso, responsable de obras como Almacenados, La extraña pareja, La cena de los idiotas o El arte de la entrevista, escrita por el propio Juan Mayorga, provee a la representación de un toque clásico y consistente que se construye a partir de una escenografía sencilla pero imponente que nos muestra el interior de la casa de Volodia. En lo que respecta a las actuaciones Puigcorbé impresiona con la plasmación de un personaje, el del solitario crítico Volodia, fiel a sí mismo y minucioso, aunque miembro de una especie de críticos en claro peligro de extinción. El Scarpa de Pere Ponce, sin embargo, se queda algo atrás y no alcanza toda la intensidad necesaria para hacer de antagonista de Volodia. De todas formas, en esta obra el texto está por encima de las actuaciones concretas (y esto lo digo sin ninguna intención de desmerecer el trabajo de los actores) ya que las ideas y las reflexiones cautivas en él absorben, muchas veces por completo, la atención de los espectadores.

El crítico nos propone, así, una hora y diez minutos de espectáculo teatral que nos permiten reflexionar sobre el trabajo de los profesionales del arte escénico (y de la prensa especializada!). Aunque al final una obra de teatro es solo una ficción, y una crítica teatral, como la que ahora estás leyendo, no es más que una valoración que nos habla de lo que otros hacen sobre el escenario, tan subjetiva, en definitiva, como cualquier otra opinión, aunque, y esto es siempre de agradecer, al menos algo más formada y conocedora de lo que habla. ¿No lo creen así?

«El crítico» se representa en el Teatre Borràs desde el 22 de enero de 2014.

Autor: Juan Mayorga
Reparto: Juanjo Puigcorbé y Pere Ponce
Dirección: Juan José Afonso
Escenografía y Vestuario: Elisa Sanz
Diseño de iluminación: Carlos Alzueta Bengoetxea
Diseño de sonido: Raúl Bustillo

Horarios: miércoles y jueves a las 20:30 horas; viernes a las 21:30 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 20 a 28 €
Idioma: castellano
Duración: 1 hora 10 min
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Jorge Pisa Sánchez