Second chance: Els veïns de dalt, en el Teatre Romea

els veins de daltNo digo nada nuevo si afirmo que aunque los vecinos no nos son mostrados a la hora de comprar o alquilar una vivienda, su existencia puede llegar a ser un verdadero hándicap para el sostenimiento de la frágil, a veces, salud familiar. De esto, en parte, nos habla Els veïns de dalt, obra estrenada en el Teatre Romea el pasado 23 de marzo, dirigida por Cesc Gay e interpretada por Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico, una tragicomedia sobre la crisis de la pareja y la relación con los vecinos «de arriba».

Els veïns de dalt es una comedia con una alta graduación de tragedia que nos habla del mundo de la pareja, aquel en el que, de una forma u otra, acaban morando la mayor parte de los mortales, y nos permite ser testigos de los últimos momentos de una relación sentimental, aquellos presididos por la inercia, los reproches y las ganas de dañarse mutuamente. Gay construye además, su historia con muy poco y nos lleva, como el operario de una pequeña montaña rusa, de un extremo a otro de la tragicomedia justo en el momento de la representación que él quiere.

La situación nos es presentada con el regreso de Juli (Pere Arquillué) a casa finalizada la jornada laboral. Anna (Àgata Roca) le recuerda que han invitado a los vecinos de arriba, Laura (Nora Navas) y Salva (Jordi Rico) a un pica a pica para agradecerles su ayuda durante su traslado e instalación en el piso. Las excusas y las estrategias de Juli para evitar la velada y las referencias a los molestos ruidos de los vecinos, nos mostrarán los primeros problemas visibles en la pareja. La reunión y la revelación de las prácticas sexuales «liberales» que mantienen los vecinos de arriba llevarán a Juli y a Anna a un viaje de recriminaciones y descubrimientos en el que las dos parejas se sincerarán.

els veins de dalt 2Las claves de la obra son pues la constatación de los problemas en la relación entre Anna y Juli, mostrándosenos unas veces en clave de comedia y en otras con un tono más bien trágico, y el descubrimiento de las singulares prácticas sexuales de los vecinos. Gay ya tiene experiencia narrando los problemas cotidianos de las parejas, solo hace falta recordar sus años de guionista en la series Jet lag (2001-2006) o la dirección del filme Una pistola en cada mano (2012) para ser consciente de su habilidad en la temática. Si a eso le sumamos el voltaje cómico que posee la confesión de las prácticas íntimas de los vecinos y la confrontación entre las relaciones que mantienen ambas parejas, obtendremos el mix de comedia y de melodrama que os comentaba antes.

Sin embargo, la obra decae algo hacia el final de la representación, cuando una reunión más o menos realista entre vecinos en clave de comedia, se convierte en una poco creíble sesión de terapia de pareja, en la que la acción se desarrolla de forma «facilona» para llegar, por fin, a la conclusión de la obra con un aceptable final feliz. Es esta parte de la representación la más predecible y la que alarga una trama que hasta ese instante había avanzado con firmeza.

Las interpretaciones están todas muy en el tono de la tragicomedia que vamos a ver. En ellas destacan las de la pareja protagonista principal: Àgata Roca se nos presenta como una mujer que ha perdido la esperanza en su relación pero que la mantiene por inercia. Luce, además, un modelo que realza con mucho su atractivo físico. Pere Arquillué, por su parte, lleva el peso de la comicidad en la obra. Jordi Rico y Nora Navas se compenetran a la perfección como pareja moderna, liberal y sin prejuicios que intentará ayudar a sus vecinos a superar sus agudos problemas. La escenografía nos introduce en el ámbito del diseño contemporáneo, como indicándonos la universalidad de los problemas de pareja que se nos relata.

En resumen, una buena oportunidad para echarse unas risas viendo los problemas de los otros (que a veces son también los nuestros) y para ser conscientes de lo singulares y cómicos que, como vecinos, seguro podemos parecer a los demás si les explicamos nuestras interioridades emocionales y comportamentales. Una comedia algo trágica sin mayores expectativas que les hará pasar un rato agradable para poder escaparse, de nuevo, de sus problemas más acuciantes.

Els veïns de dalt” se representa en el Teatre Romea hasta el 17 de mayo de 2015.

Autor y director: Cesc Gay
Reparto: Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico
Escenografía: Alejandro Andújar
Vestuario: Anna Güell
Iluminación: Carlos Lucena
Producción: Elefant, Teatre Romea, Mola Produccions, ICEC (Generalitat de Catalunya) i la colaboración del Teatre La Sala de Rubí

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 18 a 28 €
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 25 minutos

NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica literaria: Mr Mercedes, de Stephen King

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¿Es posible dar un giro en tu carrera y sorprender a tus seguidores cuando eres un escritor conocidísimo, con más de cincuenta títulos a tus espaldas? Probablemente Stephen King (Portland, Maine, 1947) se repitiera esta cuestión una y otra vez antes de escribir Mr Mercedes, su último libro publicado en nuestro país, mucho más que una novela, un reto para él: aparca momentáneamente la temática que tan bien domina (la del terror) para explorar un territorio nuevo, el de la novela policíaca, y lo cierto es que debuta con muy buena nota con esta historia sobre la sempiterna lucha entre el bien –representado por Billl Hodges, un policía de la vieja escuela con algo de sobrepeso– y el mal –ese Mr Mercedes del título, un joven que pasa totalmente desapercibido en su día a día, aquel vecino en el que nadie se fijaría nunca–, un juego perverso entre el ratón y el gato con giros argumentales sorprendentes y que cuenta con un último tramo sensacional.

King no pretende desafiar las habilidades deductivas del lector, no le plantea la duda sobre quién es el personaje que una madrugada de abril de 2009 utilizó un Mercedes-Benz SL500 de doce cilindros para embestir a un grupo de parados que esperaban lograr un empleo y convertirlos en «mermelada de fresa». Esa no es su intención ya que la identidad del asesino queda desvelada en las primeras cincuenta páginas, por lo que el interés del relato recae en el enfrentamiento entre ese desequilibrado escurridizo y el viejo inspector, ahora ya jubilado, que fue incapaz de darle caza en su día. Apenas un año después del suceso, los dos están retirados de sus “actividades”, así que, en cierto modo, ambos se necesitan mutuamente: el primero porque pretende sentir de nuevo la emoción de manipular a la gente a su antojo, siempre con fines siniestros, por supuesto, mientras que el segundo busca huir del tedio en el que se convirtió su vida desde que entregó su placa de policía, además de tratar de solventar los errores que cometió en aquella investigación.

El escritor Stephen King, en una imagen promocional
El escritor Stephen King, en una imagen promocional

Mr Mercedes cuenta con el sello propio de su autor, ese humor negro tan habitual en su literatura, además de dar forma a otro personaje demente y obsesivo que no desentona con sus anteriores criaturas literarias. Asimismo, King dibuja diversas escenas que evidencian su fascinación por el horror: desde la descripción minuciosa de la masacre que origina la historia a un episodio concreto de la infancia del criminal junto a su madre y su hermano pequeño (de una crueldad terrible), sin olvidar ese clímax final convertido en una carrera contrarreloj que dejará al lector sin aliento. Celebremos, pues, la irrupción de este nuevo Stephen King, un escritor renovado que sin duda se ha sentido muy cómodo en su nueva faceta, tanto que ya tiene a punto la segunda parte de esta trilogía policíaca protagonizada por el inspector Hodges bajo el título de Finders Keepers, a la venta a mediados del 2015.

Título: Mr Mercedes
Autor: Stephen King
Editorial: Plaza & Janés
Páginas: 492 páginas
Fecha de publicación: Noviembre 2014
ISBN: 9788401343117
Precio: 23,90 €

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Escrito por: Robert Martínez

Crítica teatral: Las amistades peligrosas, en el Teatre Goya.

Las amistades peligrosas_1Existen textos, como Las amistades peligrosas, escrita por Pierre Choderlos de Laclos en 1782, que resurgen de forma continuada a lo largo del tiempo, adaptándose en formatos diversos, tanto en el cine (con aquellas dos versiones consecutivas, Las amistades peligrosas, de Stephen Frears en 1988 y Valmont, de Miloš Forman en 1989), en la televisión como en el teatro y que nos hacen recordar que la obra sigue generando interés después de más de 230 años de existencia. Con todo ello no resulta extraño que Las amistades peligrosas se haya vuelto a estrenar en el Teatre Goya con una versión algo especial.

«Carmen Conesa en el papel de la ‘Marquesa de Merteuil’ y Edu Soto como el ‘Vizconde de Valmont’ juegan a la seducción en la irreverente y sensorial versión de Las amistades peligrosas. El discurso libertino y sensual del clásico de Choderlos de Laclos, su combinación de amor, humor, perversión y poder, está enhebrado en este montaje dirigido por Darío Facal con música en vivo. Todo un ‘collage’ escénico en el que los actores interpretan en directo rock, heavy, jazz y ópera».

La compañía Metatarso nos provee de una nueva versión de la obra que pretende ser una actualización de la novela, si bien no intenta trasladar la acción, como es habitual en gran número de adaptaciones, de la Francia pre-revolucionaria a cualquier otro contexto histórico, sino que juega con los formatos para proveer a la obra de un toque más moderno. Y esto lo consigue a través del escenario desnudo que acoge a la obra y del uso de la música en directo. Con el primero la obra descontextualiza la acción que se desarrolla sobre el escenario y con la segunda el proyecto consigue actualizarse a través del uso de instrumentos y melodías que nada tienen que ver con el siglo XVIII y sí mucho con el XX, como pueden ser el rock, el jazz, el punk o el heavy. Como ven todo esto le da a la representación un toque de originalidad que la vincula más a los públicos modernos, sirviéndonos una historia que pretendía ser testimonio del libertinaje y la bajeza moral de la aristocracia de los años previos a la Revolución Francesa.

Asimismo, el espectáculo conserva su estructuración epistolar, propia de la novela original, lo que le permite nadar entre dos corrientes adversas, las propias de la obra escrita a finales del XVIII y las que pertenecen a un siglo, el nuestro, en el que la innovación y la novedad se imponen.

Las amistades peligrosas_2Aunque no todo concuerda de la misma forma con las voluntades creativas del proyecto. A la versión de Darío Facal le falta una buena dosis de ritmo que hace encallar la historia en diversos momentos y no todo el reparto está a la altura de las circunstancias. Mientras Carme Conesa sí que le sabe dar a su interpretación ese toque de perversión e inmoralidad que su personaje requiere, Edu Soto no acaba de coger el punto a un Valmont mitificado por Malcovich en el cine en la versión de Stephen Frears. El resto de los actores y actrices están más que correctos en sus papeles respectivos, tanto Lucía Diez y Mariano Estudillo como los jóvenes amantes sobre los que recaerá la acción perversa de Merteuil y Valmont; Iria de Río que encarna a Tourvel, otro de los objetivos de seducción de Valmont y Lola Manzano que interpreta a Madame de Volanges.

La adaptación de Facal contiene un claro elemento de humor, que sigue al que ya existiera en el texto original, y que no solo apreciaremos a través del recitado, sino también en las actitudes de los actores y actrices. Facal acierta en el hecho de actualizar la propuesta no solo con ligeros toques modernizantes en el vestuario, sino también en la forma de actuar de los actores y actrices, que utilizarán micrófonos para recitar y para cantar. Asimismo, es todo un acierto de sutilidad el hecho de rebajar las escenas algo más subidas de tono con la interpretación de temas musicales, como en el primer encuentro sexual entre Valmont y Cecile, que transcurre en medio de un ejercicio de batería.

El Teatre Goya y Metatarso Producciones nos muestran un proyecto bien cocinado a medias, en el que las ideas parecen estar claras pero la realización de las mismas no dan el resultado requerido. Aún así vale la pena observar cómo puede el teatro del siglo XXI revisitar, de una forma fresca y saludable, un clásico teatral del siglo XVIII, que nos permite advertir las costumbres y los privilegios de una nobleza en vísperas de la Revolución Francesa, a punto de ser esquilmada por el avance ciego de la historia.

«Las amistades peligrosas» se representa en el Teatre Goya hasta el 5 de abril de 2015.

Versión: Javier L. Patiño y Darío Facal
Dirección: Darío Facal
Producción: Metatarso
Reparto: Carme Conesa, Edu Soto, Iria de Río, Lucía Diez, Mariano Estudillo y Lola Manzano

NOTA CULTURALIA: 6
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Jorge Pisa

Galeria Johnson: una nova sala d’exposició fotogràfica a Barcelona

Galeria Johnson

Els aficionats a la fotografia de temàtica musical estan d’enhorabona: el passat 6 de març va obrir les seves portes la Galeria Johnson, un nou espai cultural que arriba a Barcelona de la mà del galerista francès Phil Delécluse i que estarà dedicat a l’exhibició i venda de fotografies d’icones del rock i el blues dels últims 50 anys, imatges que han il·lustrat discos o han estat portada en revistes com Esquire, GQ, Rolling Stones o Vogue.

La sala rep el seu nom del músic Robert Johnson (1911-1938), un pioner del blues que en va tenir prou amb només una trentena de cançons per influir a músics tan reconeguts com Jimi Hendrix, The Rolling Stones, ZZ Top o Led Zeppelin, a més d’inaugurar l’anomenat “Club dels 27”, edat en què va morir. Per a Delécluse, la importància d’aquest músic de Hazlehurst (Mississipí) va ser definitiva en el desenvolupament de la música que ell pretén homenatjar: «Sense ell, ni el blues ni el rock’n’roll existirien». Potser per això també se’l coneix com l’Avi del Rock and Roll.

David Bowie i Mick Ronson esmorzen en un tren, una imatge signada per Mick Rock
David Bowie i Mick Ronson esmorzen en un tren, una imatge signada per Mick Rock

Així, Phil Delécluse ha triat una trentena de fotografies d’autèntics referents de la història del rock i el blues: David Bowie, Iggy Pop, Lou Reed, Slash, Freddie Mercury, The Clash, B.B. King o Freddie Mercury són alguns dels protagonistes d’aquesta exposició que serveix per a donar a conèixer la feina dels fotògrafs Mick Rock, George Dubose, Knapp, Adrian Boot i Desi Estévez. El responsable de la sala confia trobar un públic que comparteixi amb ell la fascinació per aquest tipus de fotografies, una atracció que ell explica d’una manera molt senzilla: «Al final, la fotografia de rock s’assembla molt a la música rock: no es centra tant en la tècnica sinó en l’emoció que destil·la cada instantània».

The Clash, en una imatge de 1976 realitzada per Adrian Boot
The Clash, en una imatge de 1976 realitzada per Adrian Boot

A la Galeria Johnson es podran trobar edicions limitades d’aquestes peces, numerades, signades i emmarcades, a preus que oscil·laran entre els 300 € i els 5.000 €. Delécluse espera consolidar el seu projecte ben aviat, i ja valora noves idees amb què atraure els aficionats: exposicions cada tres mesos, fotos a la carta per a regals especials, etc.

Galeria Johnson
Pg. del Rector Oliveras, núm. 4
08009 Barcelona.
De dilluns a dissabte, de 9:30 h a 13:30 h i de 16:00 h a 20:00 h

Més informació: http://www.galeriajohnson.com/

Novedad discográfica: En marcha, de Rubén Pozo

En marcha

«Este ha sido el parto más difícil. Ha habido que poner fórceps, pero ahora es una criatura hermosa». Así de rotundo y orgulloso se muestra Rubén Pozo al hablar de su nuevo disco, En marcha, el que es su segundo trabajo en solitario después de Lo que más (2012). Atrás quedan sus inicios adolescentes en Buenas Noches Rose y su etapa triunfal en Pereza junto a su inseparable José Miguel Conejo Torres, Leiva, con quien disfrutó de una década gloriosa. Sin embargo, este músico autodidacta del barrio de la Alameda de Osuna (Madrid) afronta ahora un momento decisivo, el de consolidar definitivamente su carrera en solitario, y para ello acaba de editar un LP con once nuevas canciones que ha ido puliendo en los últimos tres años.

Pozo se siente un tipo afortunado por haber logrado vivir de su pasión principal: la música. Forjó su estilo a base de escuchar repetidamente los discos que su padre tenía (The Rolling Stones, The Beatles, The New York Dolls…) y los que él mismo se agenciaba (Extremoduro, Barricada, Burning, Rosendo…), un bagaje musical que le ha convertido en uno de los rockeros por excelencia del país y con el que buscan colaborar músicos tan importantes como Joaquín Sabina, Iván Ferreiro o Carlos Tarque. A esa popularidad han contribuido decisivamente las letras de sus canciones, composiciones con su sello personal que el público siente como propios, que utilizan la jerga de la calle, y En marcha es un ejemplo perfecto de ello, con temas como Tonto de tanto (r´n´r´), Chatarrero, Todo palante, La chica de la curva o Esta es mi canción, una de sus preferidas.

Rubén Pozo, en una imagen promocional
Rubén Pozo, en una imagen promocional

Rubén Pozo asegura que detrás de En marcha hay mucho trabajo: «He querido que tenga un sonido más depurado, sin perder naturalidad pero con arreglos más meditados y trabajados». Con esas intenciones se puso en contacto con Nigel Walker, el productor del disco y con quien tuvo varios enfrentamientos durante la grabación, momentos de tensión comprensibles que ahora ya están felizmente superados. El resultado de ese arduo trabajo ya está en las tiendas, y el single elegido para darlo a conocer es Me quieres destrozar, una de esas canciones que, según confiesa su autor, es «de verdad», surgida de las circunstancias vitales por las que pasaba el músico en el momento en el que la escribió. Además, el tema viene acompañado de un excelente videoclip con aires de cortometraje, una pieza visualmente muy atractiva, rodada en un solo plano secuencia, que ha dirigido Titan Pozo.

Ahora ya solo falta el beneplácito de sus seguidores, quienes ya esperan impacientes la gira de presentación de este LP, que se iniciará el próximo 9 abril en la sala Porta Caeli (Valladolid), a la que seguirán sus actuaciones en Bilbao, Santander y Zaragoza antes de recalar en la sala Sidecar de Barcelona el 18 de abril.

Título: En marcha
Autor: Rubén Pozo
Fecha de publicación: Marzo 2015
Precio: 15,99 €
Más información: http://rubenpozo.com/web/

Curs: Comprendre el segle XX. De les Guerres Mundials a la construcció d’Europa, Centre Cívic Casa Golferichs

proposta capcelera curs_2El proper 21 d’abril comença un nou curs al Centre Cívic Casa Golferichs que tractarà sobre la Història d’Europa al segle XX. Us adjuntem el temari del curs, que començarà el proper 21 d’abril de 2015 i es desenvoluparà al llarg de 9 sessions.

Comprendre el segle XX. De les Guerres Mundials a la construcció d’Europa
Del 21 d’abril de 2015 al 16 de juny de 2015
Horari: Dimarts de 20 a 21.30 hores
Espai: Sala A Xalet
Professor: Jordi Pisa Sànchez
Preu: 67.14 € (IVA inclòs)

El segle XX ha estat testimoni d’alguns dels fets més tràgics que ha viscut la humanitat al llarg de la seva història. El desenvolupament tecnològic i les dues Grans Guerres Mundials van acabar amb l’opulència d’Europa i van permetre als EE.UU. convertir-se en una potència mundial. A partir de mitjans de segle el món es va dividir en dues grans esferes d’influència oposades, dominades pel Capitalisme i el Comunisme, ideologies que es van enfrontar fins a la dècada dels 90. La caiguda del Comunisme ha deixat pas a l’hegemonia nord-americana, ha possibilitat a Europa iniciar el camí de la unió i ha permès al capital apoderar-se del món. Un llegat, aquest, que amenaça el progrés als inicis del segle XXI.

TEMARI: 9 sessions

1.    La Belle Époque. Un bon inici de segle.
2.    Primera Guerra Mundial. El conflicte sacseja Europa.
3.    La Crisi de 29. La consolidació del Feixisme i el Comunisme.
4.    Segona Guerra Mundial. L’Holocaust d’Europa.
5.    La Guerra Freda. Un món, dos bàndols.
6.    Els anys 60 i 70. Un altre món és possible.
7.    El final de la Guerra Freda. Un món lliure?
8.    La Unió Europea. Un projecte amb futur?
9.    Europa. Reptes del segle XXI.

Per a més informació: Centre Cívic Casa Golferichs

Centre Cívic Golferichs

Crítica literaria: El cielo de Nueva York, de Alejandro Corral

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Consciente de la dificultad que implica iniciar una carrera como escritor teniendo a un reconocido novelista por padre, Alejandro Corral (Zaragoza, 1989), hijo del historiador José Luis Corral, decidió mantener en secreto sus inquietudes literarias mientras escribía El cielo de Nueva York, un debut gestado en la clandestinidad para huir de la presión familiar. Ahora, la editorial Minotauro ha decidido desvelar el secreto de este joven prometedor, que mezcló elementos propios del género negro con el thriller psicológico y el fantástico para dar forma a su primera novela.

El narrador de El cielo de Nueva York es Hank Williams, un magnate de las finanzas, un triunfador a la manera de Jordan Belfort (el célebre broker de El lobo de Walt Street) que en las primeras páginas se encuentra recluido en un hospital psiquiátrico para resolver sus problemas con las drogas y el alcohol. A sus casi cuarenta años, Williams había pasado de disfrutar del éxito más dulce al infierno más absoluto, pero sus problemas seguirán a la salida del centro: no le será fácil reinsertarse en esta sociedad que él mismo rechaza (odia el elogio al materialismo tan habitual en la actualidad), tampoco asumir que ha perdido a su mujer, a su hija y a la empresa que él mismo fundó, ni que deberá codearse con lo peor de los bajos fondos para salir adelante. Sin embargo, en su aventura no estará solo: a su lado tendrá a Jeremy Lewis, su antiguo compañero de habitación en el psiquiátrico y por el que siente una simpatía y admiración inexplicables.

El escritor Alejandro Corral
El escritor Alejandro Corral

En cierto modo la novela podría ser un ejemplo más del llamado “Sueño americano”, en el que el protagonista logra prosperar en un mundo tan complicado como el de los negocios a base de inteligencia y un instinto especial para aprovecharse de la confusa situación económica mundial, y qué mejor lugar para ambientar un relato como este que la ciudad de Nueva York, epicentro de ese submundo económico y que aquí ofrece sus dos caras más opuestas: del esplendor del Upper West Side a la miseria del Bronx, de los apartamentos lujosos a los edificios habitados por okupas.

En El cielo de Nueva York subyace una evidente crítica al capitalismo y a la ambición malentendida del ser humano, principalmente a los grandes hombres de negocios, para quienes no existe moral ni ética alguna que pueda detener sus ansias de poder. A ese tipo de personajes (secundarios algo desdibujados en contraste con los dos protagonistas) se enfrentarán Hank Williams y Jeremy Lewis, apenas dos idealistas insignificantes que pretenden «demostrar que este sistema es una mierda». Sin duda la novela resulta más interesante cuando se centra en esta idea (a pesar de que la sombra de Chuck Palahniuk planea sobre ella en todo momento), mientras que el relato pierde intensidad cuando ahonda en esos universos paralelos a los que inexorablemente se ve afectado Williams, una trama que desluce el resultado final. Sea como sea, debemos considerar que esta es la primera novela de su autor, y lo cierto es que en él intuimos un talento que, si logra pulir determinados aspectos en su escritura, logrará consolidarse en el futuro.

Título: El Cielo De Nueva York
Autor: Alejandro Corral
Editorial: Minotauro
Páginas: 464 páginas
Fecha de publicación: Febrero 2015
ISBN: 9788445002438
Precio: 19,95 €

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Escrito por: Robert Martínez

“Els veïns de dalt” de Cesc Gay: Gemecs solidaris

La comunicació és la millor manera de baixar als inferns propis. Quan ens relacionem amb els altres i els prenem seriosament, quelcom dins nostre tremola: Ens adonem que ni som tan feliços, ni tan equilibrats ni molt menys sabem aparentar-ho tan bé als ulls aliens.

Per això, tendim a defugir el contacte amb aquells que podrien amenaçar-nos amb més garanties d’èxit: la parella, la família, els companys de feina i els veïns. De tots ells, ens quedarem amb els primers i amb els darrers.

Aquesta és una història sobre dos que no s’entenen i que trobaran una segona oportunitat quan obren la porta de la seva llar a uns altres dos que viuen justament a dalt i que vénen amb una bona nova.

 

En Cesc Gay, després d’explorar amb sensibilitat l’univers individual dels sers humans i el boicot propi a la seva realització personal a pel·lícules com “En la ciudad” o “Ficció”, es llença ara la piscina de la comèdia teatral comercial sobre parelletes en crisi seguint el rastre del seu altre film “V.O.S.”. I troba uns banyistes que neden amb bona tècnica: un quartet d’actors continguts (excepte algunes concessions d’en Pere Arquillué a la galeria), expressius i creïbles. L’aigua que els manté a la superficie és un text eficaç (malgrat la seva previsibilitat) perquè tracta novament com la llibertat sexual no només pot alleujar la crispació sentimental, sinó que a més pot arribar a refermar el vincle tan pesant de la parella. I, en aquest sentit, el públic torna a mossegar l’ham: Seguim sent criatures reprimides. No només al llit o sobre la catifa. També a l’hora d’expressar-nos emocionalment. Per tant, ens cal rebre contínues lliçons per aprendre a superar-ho.

Aquests “veïns de dalt” aposten molt encertadament per la vis còmica d’Àgata Roca (magnífica amb les seves onomatopeies i monosíl·labs i el seu tarannà liberal cada cop més destapat), la naturalitat de Nora Navas (graciosa i deliciosa com a progre llibertina), la frescor de Jordi Rico i el carisma de l’Arquillué. La història, plena de moments divertits, no aporta cap novetat al subgènere de la comèdia negra burgesa urbana però té un bon ritme, perquè ni resulta afectada ni barroera. I perd una mica el nord en la seva part final amb la teràpia improvisada, per un afany d’en Gay d’alliçonar un públic que podria arribar també a la mateixa conclusió sense tantes facilitats.

Per Juan Marea

ELS VEÏNS DE DALT es representa al Teatre Romea fins al 17 de maig.
http://www.teatreromea.com/es/ex/1000/els-veins-de-dalt

Crítica teatral: L’art de la comedia, en el TNC

L'art de la comediaYa saben que al teatro le gusta tratar sobre muchas cosas, a veces inmerecidas, y en no pocas ocasiones le place reflexionar sobre sí mismo y su acomodamiento en la vida política, social, y económica. Una de estas ocasiones la representa L’art de la comedia, de Eduardo de Filippo, que el TNC estrenó el pasado 12 de febrero, dirigida por Lluís Homar e interpretada por él mismo, Victòria Pagès, Joan Carreras, Lluís Villanueva y Andreu Benito entre otros.

«En una ciudad de provincias italiana, el nuevo prefecto se dispone a recibir a las visitas de su primer día de trabajo. Para distraerse un rato, aceptará escuchar al director de una troupe ambulante que ha perdido su teatrillo debido a un incendio, y que pretende invitarle a asistir a su espectáculo para que el nuevo dirigente, con su presencia, demuestre a la ciudadanía que ese arte aún tiene una gran importancia social. Tras una apasionada controversia en la que político y humorista harán patentes sus desavenencias, el artista se llevará por error la lista de visitas del prefecto, y saldrá por la puerta amenazando con hacer que su familia teatral convierta esa sala de audiencias en una zona de incertidumbre»

Como ven una idea bien labrada que permite a Filippo tratar sobre la ligazón entre la política y el teatro (intensa a veces, vilipendiada otras) y sobre las diferencias que existen entre la realidad y la figuración, en un momento en el que la relación en este país entre el gobierno y la cultura se ve contaminada por una política desubicada que incluye la subida del IVA cultural al 21% con las nocivas consecuencias que esta medida ha provocado en el sector. El TNC, Homar y Filippo se alían de esta forma para dar un espaldarazo al teatro igualándolo a la política y aún más, a la misma realidad, ya que nunca sabremos con certeza, aunque lo podamos intuir, si la retahíla de personajes y situaciones que desfilan ante el nuevo prefecto son personas reales o personajes ficticios, lo que crea la fuente de humor, crítica y reflexión que posee la obra.

Sin embargo, L’art de la comedia, que juega en su título con la inversión del término Commedia dell’arte, no es una obra equilibrada del todo, lo que la convierte en una propuesta irregular. La obra se divide, así de primeras, en dos grandes secciones. La primera, como presentación, nos permite presenciar la conversación entre Campese (un bravo Homar) y el prefecto De Caro (Carreras), en la que veremos cuál es la opinión de cada uno sobre la relación entre el teatro y la política. Un acto este que se extiende en demasía, es en parte iterativo y le roba parte del ritmo a la obra.

L'art de la comedia2A lo largo de la segunda parte podremos observar como toda una serie de personajes hilarantes y/o con ideas descabelladas, se suceden al otro lado del escritorio del prefecto, desquiciando progresivamente a la autoridad, que no podrá saber nunca si lo que está pasando ante sus ojos es realidad o ficción, algo que en sí mismo habla de lo sublime del artificio teatral. En esta segunda parte, por desgracia, la representación es muy irregular y la comicidad a veces escasa, excepto en la historia narrada por Mosén Salvati (Andreu Benito) que le sabe dar a su historia el humor que necesita el personaje.

Como prueba del artificio teatral la propuesta de Homar ha optado por permitir al público ver el truco existente en la obra misma, a través de un escenario y de un vestuario que se van construyendo poco a poco con la ayuda de los integrantes de la compañía, una opción que sorprende inicialmente al espectador, pero que después se convierte en un recurso algo repetitivo y acaba dejando un escenario extraño y difuso. Por lo que respecta al trabajo de los actores y actrices, se debe destacar a Homar y Carreras en la primera parte de la representación, y a Benito en la segunda, aportando a la obra el único acto de verdadera comicidad a la representación.

L’art de la comedia es, por otra parte, una obra que se entiende en un autor como Filippo que vivió toda su vida en el seno del teatro, ya fuera en la compañía familiar o, posteriormente, en sus propias compañías, circunstancia que no solo le permitió dominar la ficción propia del teatro, sino conocer en su misma persona la relación de este con la política y con la vida.

Como ven L’art de la comedia nos permite, de nuevo, reflexionar sobre el teatro, en esta ocasión sobre su vinculación con la política y la subvención pública, y la consideración que la autoridad tiene de la cultura y, más concretamente, de la profesión teatral. Puede ser que muchas cosas hayan cambiado desde la redacción de esta obra en el año 1964, aunque parece que la cultura siempre queda en un segundo lugar en referencia a las cosas importantes de esta vida. Un acierto, un error… todo depende del punto de vista des del que se mire.

«L’art de la comèdia» se representa en el TNC del 12 de febrero al 12 de abril de 2015.

Autor: Eduardo de Filippo
Dirección: Lluís Homar
Traducción: Xavier Albertí
Reparto: Lluís Homar, Pau Viñals, Victòria Pagès, Joan Carreras, Lluís Villanueva, Roger Casamajor, Andreu Benito, Mar Ulldemolins, Oscar Valsecchi, Eduard Muntada y Quimet Pla
Escenografía: Lluc Castells y Jose Novoa
Vestuario: Nina Pawlowsky
Iluminación: Ignasi Camprodon
Sonido: Jordi Bonet
Caracterización: Toni Santos

Horarios: miércoles y viernes a las 20:00 horas; jueves a las 17:00 horas; sábados a las 17:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: 28 € / Disponibilidad de descuentos
Idioma: catalán
Duración: 2 horas y 10 minutos

NOTA CULTURALIA: 7 SOBRE 10
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Jorge Pisa

“Atracar un banco con un bote de laca” de Cincómonos Teatro: Manual de instrucciones

Pues muy fácil: Sacándolo con decisión y dejando pasmados a cajeros propios y extraños. Pero antes, habrá que ver cómo se nos ocurre. Eso es lo que Quique Culebras describe en su texto: El proceso de emancipación de una sujeta mediocre que no encuentra otro modo de escapar de la insatisfacción que convirtiéndose en delincuente.

Y no se trata de una cuestión crematística: El dinero no hace la felicidad. Porque la cortejada señorita reclama otra clase de mimos. Como el tener agallas para lanzarse al vacío desde el precipicio de lo cotidiano. Como el asumir que formar parte del rebaño no garantiza más que aprender a balar.

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En “ATRACAR UN BANCO CON UN BOTE DE LACA”, nos reímos de lo inquietante que puede resultar sentirnos observados. Y hasta podríamos sentir lástima de nosotros mismos por ser poco más que el objetivo de quienes observan con ánimo fiscalizador. Pero, en resumidas cuentas, y a pesar de la pretenciosidad con que Culebras presenta su historia (como si se tratase de un experimento sociológico sobre miradas subjetivas conformando realidades plurales), la obra es un entretenido monólogo para actriz resultona y público impresionable.

En esta ocasión, Jorge Salinas revisita la propuesta y apuesta por la versatilidad de Sole Israel, cuya humanidad en escena es doblemente valiosa: enternecedora y cáustica. Cincómonos Espai d’Art se pone a los pies de la entrega de Israel y de una puesta en escena con matices a cargo de Salinas.

SoleLa Soledad que se redime en el escenario.

De todo el despliegue de capas que muestra y oculta la aspirante a limpiadora de sucursal bancaria protagonista, nos impactan sus enfoques televisados, de un halo seductor muy sugerente. Nos traslada a su espacio el momento en que llega al lugar de los hechos, haciendo una cola interminable que es un ejemplo de concisión escénica. Nos divierten los comentarios escépticos de la desdichada cuando se ve envuelta en una masturbación-homenaje a su triste figura. Y nos sobran los llantos existenciales por su poca verosimilitud sobre el papel.

Y es que a este divertimento a laca armada le basta y sobra su anécdota argumental: fresca como un fogonazo de aerosol; aparente como el efecto que causa sobre las cabelleras maltrechas; y con efecto de fijación relativa, la que agradecemos que se quede con nosotros durante la función y que luego se evapora alegremente cuando salimos de la sala para planear nuestros propios atracos…

Por Juan Marea

ATRACAR UN BANCO CON UN BOTE DE LACA se representa en Cincómonos Espai d’Art de Barcelona los viernes a las 23 horas.
http://www.cincomonos.org/atracar-un-banco-con-un-bote-de-laca.html

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Sobre Monstruos Reales y Humanos Invisibles

El rincón con mis relatos de ficción, humor y fantasía por Fer Alvarado