Si el teatro tiene una historia, esta se puede contar. Y esto es lo que hacen los miembros de Timaginas Teatro con Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, una comedia locuaz que nos traslada al origen del teatro en la Grecia antigua.
“Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, es una divertidísima parodia sobre el origen del teatro protagonizada por tres actores que, interpretando al coro clásico de las primeras tragedias, cuentan en clave de humor los inicios de las artes escénicas en la Antigüedad Clásica con anacronismos disparatados. Estos tres personajes, llamados Alfa, Beta y Gamma, dan su particular visión de las grandes tragedias de Esquilo, Sófocles y Eurípides, tales como La Orestíada, Ifigenia o Edipo Rey«.
El espectáculo que se representa en el Teatro Arlequín Gran Vía hasta el próximo 18 de octubre, lleva a cabo un repaso de los orígenes del teatro en la Grecia antigua, pero con un toque de humor guasón que permite al público conocer una faceta del arte escénico muchas veces olvidada o desconocida, y esta no es otra que su evolución des de un ritual religioso vinculado con el culto a Dioniso a un espectáculo público muy celebrado por los antiguos griegos en el que tenía cabida el drama, la tragedia e incluso la comedia.
Esta es la gran baza del espectáculo, que consigue explicar al público de forma sugestivamente humorística los orígenes del teatro, cosa que hace que todo fluya de una forma más fácil y asequible.
Los artífices de todo ello son 2 actores y una actriz, que adoptan los nombres Alfa, Beta y Gamma, o lo que es lo mismo, María Rodríguez, Armando Jerez, Andreas Trujillo y Cristian Beltrán, que encarna al percusionista mudo que acompaña a la función.
Al espectáculo, sin embargo, le falta a veces ritmo y a veces, también, redondear algunas de las escenas, que en algunos casos se llegan a hacer algo largas.
Aún así, vale la pena ir a ver Eurípides no me Sófocles que te Esquilo para poder contemplar el teatro desde otra perspectiva, y para poder reírnos de algunos grandes lugares comunes del teatro desde un punto de vista actual y por ello anacrónico, hecho este que provee a la obra de una esencia propia.
Escenografía: María del Carmen Rodríguez Ortega Iluminación: Aarón S. Ramos Sonido: Jesús González Ortega Vestuario: María del Carmen Rodríguez Ortega Producción: Timaginas Teatro Horarios: miércoles a las 18:00 horas Precio: A partir de 15€ Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 6 ——
El pasado 30 de agosto el Teatro Pavón de Madrid estrenaba Hechos y faltas, una obra escrita por Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel, adaptada y dirigida por Bernabé Rico e interpretada por Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti que analiza el mundo del periodismo en la era digital.
«El reputado autor John D’Agata ha escrito una crónica sobre la tasa de suicidios en Las Vegas para una de las mejores revistas del país. Emily, su redactora jefa, encarga al becario Jim Fingal la verificación de hechos del escrito pero pronto se encuentra con un “pequeño” problema: gran parte de ellos se los ha inventado. Lo que empieza como un trabajo más, pronto se convertirá en una hilarante historia sobre los límites que separan la libertad narrativa de la ficción».
Hechos y faltas nos propone una reflexión sobre la realidad del periodismo en la actualidad, subordinado a inflexibles ritmos de publicación y plagado de bulos e imprecisiones. Gracias al trabajo de verificación de un artículo (perdón, una crónica) escrita por John D’Agata (Antonio Dechent),uno de los autores estrellas de la revista dirigida por Emily (Ángeles Martín), la obra nos mete de lleno en las entrañas del periodismo para reflexionar sobre cuál es el objetivo de la profesión y qué límites creativos tiene.
La peculiaridad de la obra es que está basada en el libro The Lifespan of a Fact, escrito por los los auténticos D’Agata y Fingal y que recoge la correspondencia que mantuvieron ambos sobre la corrección de un escrito del primero. De ahí que la obra se presente como un duelo entre Dechent, un periodista demasiado creativo y Juan Grandinetti, el joven becario verificador de datos algo obsesivo con su trabajo. Entre ellos se generarán rayos y centellas a la hora de llevar a cabo su trabajo, arbitrado todo ello por la mediación de la experimentada directora de la revista (Martín), que verá amenazado el futuro de su publicación.
Así que, en clave de tragicomedia periodística, Hechos y faltas propone al espectador un debate en el que aparecen temas como el estado del periodismo actual, cómo se ve afectada la profesión por la digitalización y las redes sociales o sobre cuáles son los límites entre la ficción y la información en un texto periodístico. ¿Es permisible la creatividad en una crónica periodística?
Y es aquí donde recae el acierto de la obra. Primero en el buen hacer de la producción y de la interpretación. Los actores y la actriz protagonistas se hacen creíbles a la hora de defender sus papeles, ya sea como directiva experimentada, como escritor de renombre afectado por su propia inventiva o como el becario que se toma su trabajo de corrección de forma muy personal. Los diálogos y las embestidas entre ellos están muy afinados.
Por otra parte, un texto que ofrece al público un tema actual para reflexionar, y que no es otro que el presente y el futuro de la profesión periodística en un mundo en el que las Fake News, la inmediatez y la imposición de las redes sociales es muy intensa.
Así que ya lo sabéis, hasta el próximo 8 de octubre tenéis la oportunidad de ver Hechos y faltas en el Teatro Pavón. Seguro que no saldréis decepcionados.
«Hechos y faltas» se representa en el Teatro Pavón de Madrid del 30 de agosto al 8 de octubre de 2023.
Autores: Jeremy Kareken, David Murrell y Gordon Farrel Versión y dirección: Bernabé Rico Intérpretes: Ángeles Martín, Antonio Dechent y Juan Grandinetti Diseño de escenografía: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (AAPEE) Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro Iluminación: José Manuel Guerra Producción: TALYCUAL y MEJOR TEATRO
Horarios: de miércoles a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas Precio: desde 14€ Duración: 1 hora 30 minutos Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 8 ——
En la era de los musicales en la que vivimos, se echa en falta muchas veces una presencia más ibérica ante el arrollador éxito de los espectáculos «made in Broadway» como The Producers, El fantasma de la ópera, Pretty Woman, Charlie y la fábrica de chocolate o Ghost. De ahí que sea de agradecer el estreno el pasado 31 de agosto en el Teatre Apolo de Barcelona de Lola, el musical, un espectáculo basado en la vida y las canciones de la gran Lola Flores.
«Lola, el musical es un espectáculo con música en vivo, lleno de creatividad, color y con 30 artistas en escena. Un musical completo de emociones y recuerdos que mima y trata con cariño y admiración el legado artístico de Lola Flores a través de sus canciones, sus pasiones y sus anécdotas más divertidas».
Como decía, tras la estela del éxito de los musicales «made in Broadway», llegan otro tipo de espectáculos más cercanos, me atrevería a decir más nuestros, que basan su esencia en personajes y realidades más cercanas. Este es el caso de Lola el musical, que intenta hacer un repaso a la vida de la artista, sus canciones más populares y a diversas anécdotas y personajes ligados a ella.
Lola, el musical es un espectáculo de mediano formato con música en directo y con hasta 30 artistas en escena, lo que ya nos da una idea de la envergadura de la propuesta. Como os podéis imaginar la base de todo el proyecto está en Lola Flores, o mejor dicho, en Verónica Carmona, artista que tras ser «descubierta» en un programa de talentos de Canal Sur, se atreve y con muy buena nota a dar vida a una de las artistas con más genio y más populares de la historia musical de nuestro país.
El espectáculo repasa la vida de Lola Flores, desde sus inicios hasta ser reconocida como la Lola de España, y eso incluye la interpretación de varios de sus temas más populares como A tu vera; Ay pena, penita, pena; Que me coma el tigre o el mismo Lola de España. Además, la propuesta amplía su repaso al repertorio musical de La Flores incluyendo a personajes como Manolo el Caracol, su marido El Pescailla y con la interpretación de diversos temas popularizados por sus hijos Lolita, Antonio y Rosario Flores.
Sin embargo el espectáculo queda algo corto, ya que la vida y obra de Lola Flores es muy difícil de resumir en menos de 2 horas de espectáculo. Aún así la capacidad de Verónica Carmona de «convertirse» en Lola Flores e interpretar sus grandes temas es asombrosa y deja al espectador la sensación de haber revivido los grandes momentos de La Flores con La Flores. Siempre y cuando se superen los problemas técnicos del día del estreno, en el que la voz de los actores y las actrices iba y venía arbitrariamente y se mejore la transición entre actuación y actuación, hecho este que le roba el lustre que merece al musical.
Lola el musical es una buena oportunidad para recordar a una de las artistas más grandes de la copla española, y vale la pena no perdérselo si queréis revivir la vida y las canciones de La Faraona, de Lola Flores.
«Lola, el musical», se representa en el Teatre Apolo del 31 de agosto al 24 de septiembre de 2023
Dirección: Juan Ramón Utrera y Rafa Sánchez Idea original: Rafa Sánchez Dirección artística: Pedro Centeno Reparto: Verónica Carmona, Cayetana Moreno, Jesús González, Raúl Palomo, Coraíma Martínez, Vito Jiménez, Naomi Santos, Carlos Nosea
Horarios: Jueves y domingos a las 20:00 horas, viernes 17:30 horas y sábados a las 21:00 horas Precio: A partir de 28€ Idioma: castellano Duración: 105 minutos NOTA CULTURALIA: 7 ——
Vivimos meses de festivales de verano. Toda ciudad o localidad que se precie celebra un festival, ya sea de arte, de cine, de música, de lo que sea… Pero entre todos ellos destacan algunos por su trayectoria, su riqueza histórica y patrimonial y por la calidad de su programación. Este es el caso del Festival de Teatro Clásico de Almagro, que este año se celebró entre el 29 de junio y 23 de julio y que ha destacado por una programación diversa, integradora y de altura.
Nosotros asistimos a las representaciones de dos obras clásicas y de dos recitales. En esta entrada valoraremos las dos representaciones escénicas, La discreta enamorada de Lope de Vega y Mañanas de abril y mayo de Calderón de la Barca.
La discreta enamorada, Joven Compañía nacional de Teatro Clásico.
Nunca es tarde para ver una buena obra de teatro, y menos si el autor es Lope de Vega. En esta ocasión tuvimos la fortuna de poder asistir a la representación de la adaptación de la JovenCompañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) de La discreta enamorada, un ejercicio de teatro histórico llevado a cabo por una de las compañías mejor conocedoras de la época.
La versión dirigida por Homar y representada en el Espacio Adolfo Marsillach hace equilibrios entre lo clásico de la propuesta y lo moderno de los tiempos en los que vivimos. 14 intérpretes, entre ellos Lluis Homar y Montse Diez, ponen en acción de forma competente la trama que Lope creó para esta obra, en la que el autor cuestiona las normal sociales de la época con una trama de apariencias equívocas que da mucho juego.
Así, pues, somos testigos de todas las artimañas que ha de poner en juego Fenisa (Cristina Marín-Miró), con el objetivo de evitar su futuro matrimonio con el capitán Bernardo (Homar), mucho mayor que ella, y enlazarse con su hijo Lucindo (Felipe Muñoz), del que está realmente enamorada. Sus tretas inician una deriva de confusiones y malos entendidos que darán vida a una trama en la que la comedia tiene un papel preponderante.
Los miembros de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico hacen un alarde de interpretación y declamación para hacerse con uno de los clásicos de Lope de Vega y salirse airosos de la tentativa. Para ello se ha adaptado y resumido el texto y se le ha dado una ambientación entre clásica y moderna, en la que también tiene cabida la música. Es una suerte poder disfrutar de un texto clásico con una adaptación que mantiene muchos de los dejes y formas del castellano de la época, pero de una forma entendible para el público actual.
Por lo que respecta al escenario, se ha optado por la creación de diversos espacios atenuados que enmarcan el avance de la acción y que le dan un toque grácil y actualizado a la propuesta.
Una oportunidad, sin duda, de disfrutar del teatro clásico adaptándolo a formas escénicas más modernas, pero que no pierde su idiosincracia por el camino. Algo que es muy de agradecer.
La discreta enamorada. Espacio: Espacio Adolfo Marsillach Fechas: 14 al 23 de julio de 2023, 22:45 h
Autor: Lope de Vega Dirección: Lluís Homar Reparto: Iñigo Arricibita, Xavi Caudevilla, Montse Díez, Cristina García, Ania Hernández, Nora Hernández, Antonio Hernández Fimia, Lluís Homar, Pascual Laborda, Cristina Marín-Miró, Felipe Muñoz, Miriam Queba, María Rasco, Marc Servera Escenografía: Jose Novoa Iluminación: Pilar Valdelvira Vestuario: Deborah Macías Composición musical: Marc Servera
Mañanas de abril y mayo, Teatro Fernán Gómez y Teatro de Malta.
«Mañanas de abril y mayo es una deliciosa comedia llena de alegría y vitalidad. Plagada de enredos y confusiones, donde se recrea un Madrid verde y florido, bucólico y sensual, en el que las jóvenes parejas de enamorados se confunden, se evitan, se engañan, se sorprenden, se buscan, y, a veces, hasta se encuentran. Todo es juego y alegría en este Calderón primaveral y retozón, donde la fuerza de la naturaleza se impone a la reflexión, y los huertos, jardines y bosquecillos de Madrid resultan ser los otros grandes protagonistas de la trama».
Otro de los clásicos de esta edición que tuvimos ocasión de ver fue Mañanas de abril y mayo de Calderón de la Barca, una versión tuneada llevada a cabo por las compañías Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa y Teatro de Malta y representada en la Antigua Universidad Renacentista (AUREA).
En esta ocasión la clave del embrollo entre galanes y damas es una confusión que se produce en el parque y que provocará el enredo que hará que Don Juan dude de la fidelidad de su amada Doña Ana y que Don Hipólito lleve a cabo diversas argucias para hacerse corresponder por el amor de Doña Clara. Como veis, la estructura es la propia de una comedia del Siglo de Oro, en la que la maraña argumental provee a la representación de la clave de la comedia.
Es seguramente la adaptación al estilo “Blake Edwards” lo que le da a la obra su fundamento más identificativo. Carolina África y Laila Ripoll se han encargado de darle a la representación un toque muy de los años 50 y 60, en el que han incluido color, luz, alegría y, también, música, rejuveneciendo la propuesta para un público más actual.
El resultado puede que no sea el mejor, ya que al acierto de la actualización le falta un ritmo algo más sosegado, en el que el espectador acabe de asimilar a los personajes y el avance de la trama, que es confusa de por sí. Puede, además, que la abreviación del texto original no se haya hecho de la forma más atinada posible.
En relación al reparto, destacan sobre todo, el atrevimiento de Don Hipólito (José Ramón Iglesias), lo bohemio de Dona Clara (Ana Varela) e impetuoso de Don Juan (Pablo Béjar) y la sorna de los criados, ya sea Arceo (Guillermo Calero) o Inés (Sandra Landín).
Comentario aparte lo merece el escenario donde se realizó la representación de la obra, la Antigua Universidad Renacentista de Almagro (AUREA), un lujo arquitectónico no al alcance de todos.
En resumen, una comedia clásica del Siglo de Oro, adaptada como un clásico de Hollywood, para un público actual.
Mañanas de abril y mayo Espacio: AUREA Fechas: 21 – 22 Julio 2023, 20:00 h.
Compañía: Teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa y Teatro de Malta (Madrid / Castilla-La Mancha) Duración: 90 min. Idioma: Español
Autor: Calderón de la Barca Versión: Carolina África Dirección: Laila Ripoll Reparto: Pablo Béjar, Guillermo Calero, José Ramón Iglesias, Sandra Landín, Juan Carlos Pertusa, Alba Recondo, Nieves Soria y Ana Varela Escenografía: Arturo Martín Burgos Iluminación: Luis Perdiguero Música y espacio sonoro: Mariano Marín Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas
Una vez llegado el verano siempre es bueno refrescarse, ya sea yendo a la playa, poniendo el aire acondicionado en casa o salir a ver una comedia de teatro. Este es el caso de El joc de la veritat, una comedia sentimental en la que la verdad está en juego.
«Albert y Joana ya llevan unos años de relación de pareja y esta reclama con urgencia nuevas expectativas. Enric y Carmen ya han superado este estadio y su relación parece estar a prueba de todo.
Todo sigue su curso, hasta el día en que las cosas empiezan a torcerse y las mentiras afloran entre los cuatro. ¿Pero quién engaña quién? ¿Y a quién afectan estas mentiras? ¿La mentira por sí sola es un motivo de infidelidad? Las mentiras… o las verdades se convierten al fin en un juego demasiado peligroso».
El espectáculo programado por el Teatre Gaudí, escrito y dirigido por Miquel Murga e interpretado por Octavi Pujades, Míriam Tortosa, Cristina Dilla y Roger Cantos, nos ofrece una comedia fresca en la que las relaciones de pareja y las mentiras de pareja están muy presentes. Porque ¿mientes a alguien si no le explicas la verdad? Aquí es donde radica la esencia de este vodevil que se irá complicando sentimentalmente a medida que la trama avance.
Así, pues, tenemos un texto dinámico en el que se ve la traza de Murga para crear escenas algo alocadas y divertidas que afectan a la vida de pareja de los cuatro protagonistas. Y en esta interpretación coral, se nota la buena química que hay entre los cuatro protagonistas: Octavi Pujades y Cristina Dilla encarnan a una pareja bien situada económicamente que parece haber perdido la pasión de los primeros días. Roger Cantos y Míriam Tortosa dan vida a una pareja más joven y algo más abierta. Las relaciones entre ambas parejas será la clave de la comedia, cuyos enredos seguro que harán reír al público asistente.
Por lo que respecta al escenario, se ha buscado un decorado efectivo y divertido que simula un tablero del parchís, con diversos colores que nos indican los distintos espacios y que potencian la idea de juego en la que se basa la obra.
El joc de la veritat es una buena oportunidad para desconectar de la calurosas veladas en este mes de julio en la ciudad condal, y reírnos de los problemas que conllevan a veces las relaciones entre las personas, y decidir si vale la pena saberlo todo, o mejor dicho, si la verdad en la vida, o en este caso en las relaciones de pareja, está sobrevalorada.
«El joc de la veritat» se representa en el Teatre Gaudí, del 25 de mayo al 30 de julio de 2023.
Texto y dirección: Miquel Murga Intérpretes: Octavi Pujades, Míriam Tortosa, Cristina Dilla, Roger Cantos Producción: Hamlet Produccions Iluminación: Quim Algora Espacio escénico: Laura Orri Figurinismo: Àngels Cases
Horarios: Web Teatre Gaudí Precio: desde 18€ Duración: 70 minutos Idioma: catalán NOTA CULTURALIA: 7,5 ——
Una vez finalizada la 46ª edición del Festival de Teatro Clásico de Almagro y tras haber disfrutado de una programación de alta graduación escénica, vale la pena valorar algunas de las propuestas a las que asistimos. Y comenzamos con dos recitales.
Toda la noche m´alumbres, Corral de Comedias (21 y 22 de julio)
El primero, Toda la noche m´alumbres, es un recital entretejido a partir de la música antigua, la lírica y la mística del Siglo de Oroespañol, una propuesta en la que Pepe Viyuela y Elena González declaman parte del arsenal poético castellano de la época, acompañados por la arpa clásica y la voz de Sara Águeda.
El recital, que mezcla poesía, voz, actuación y música no deja impasible a nadie, y más porque se representa en el Corral de Comedia de Almagro, lugar en el que se funde la historia y el teatro y, en esta ocasión, la poesía. De ahí que el juego entre esos diferentes géneros, que no lo son tanto, lleve al espectador a ser testigo de las representaciones teatrales de otra época. Por las voces de los intérpretes pasan las palabras de autores como San Juan de la Cruz, Santa Teresa, Garcilaso, Góngora, Lope de Vega o Jorge Manrique, dejando un muy buen sabor de boca al público en este homenaje al amor y a la vida.
La propuesta se desarrolla con un mínimo de factores escénicos, salvo la presencia de los propios «recitadores» y el juego de luz y oscuridad propio del espacio del corral, que combina muy bien con el objeto de la representación, en la que destaca, sin duda, la arpa de Águeda, como símbolo de la época que se quiere evocar.
Sin duda un aditamento perfecto para un Festival que busca la excelencia del teatro español del Siglo de Oro. Como el propio festival indica, un recital que hace anidar en el oído y el corazón del espectador la belleza que viaja en la palabra.
Toda la noche m´alumbres Dirección: Elena González y Pepe Viyuela Música: Sara Águeda Reparto: Elena González, Pepe Viyuela, Sara Águeda (arpa)
Espacio: Corral de Comedias Fechas: 21 – 22 Julio 2023 Compañía: Cía. El Vodevil (Madrid) Duración: 70 min. Idioma: Español
Yo deseo (recital electrónico de inconfesiones femeninas), Casa Palacio de Juan Jedler (21 y 22 de julio de 2023)
Por su parte, en el espacio escénico de la Casa Palacio de Juan Jedler, se representó las noches del 21 y 22 de julio Yo deseo, un recital electrónico que mezcla de forma innovadora textos escritos por mujeres a lo largo de la historia en el que reflexionan sobre el deseo, el cuerpo, la belleza, la excitación y el sexo femenino, temáticas y actitudes normalmente vinculadas al texto masculino. Pero que en esta ocasión la dirección de Eduardo Mayo, la interpretación de Eva Rufo y la música de Enrico Bárbaro, nos hacen conocer de una forma atractiva y novedosa.
Todo en Yo deseo está muy trabajado. Lo primero la selección de textos que van desde la Antigüedad al la Actualidad, y que recogen el testimonio de autoras desde Safo, Sor Juana Inés, Li Ye, Wallada, Hildegarda de Bingen, Hadewijch de Amberes, Hafsa Al-Rakunía, Christine de Pizan, Florencia Pinar, Teresa de Ávila a Aphra Behn.
La puesta en escena mezcla la sencillez y la sobriedad del espacio con la fragancia verbal de Eva Rufo, actriz familiarizada con el repertorio clásico, que pone voz y cuerpo a los desvelos de la mujer a lo largo de la historia. Rufo está acompañada por la música electrónica de Enrico Bárbaro, a lo que se suma un sugestivo juego de luces, que provee al espectáculo de una sensualidad y de un aroma que le va muy pero que muy bien.
Ya lo veis, dos recitales, sí, pero muy diferentes entre ellos que nos revelan las voces de otras épocas, algunas más conocidas y otras menos, pero que contribuyen a hacer que el Festival de Teatro Clásico de Almagro se haya convertido en un referente, ya sea por la belleza del lugar en el que se desarrolla o por la excelente y diversa programación que ofrece al público asistente, que anida en sus espacios escénicos a lo largo de los meses de junio y julio de este abrasador verano.
Yo deseo (recital electrónico de inconfesiones femeninas) Dirección: Eduardo Mayo Adaptación: Sergio Adillo Iluminación: Fernando Herranz Música: Enrico Barbaro Reparto: Eva Rufo y Enrico Barbaro Escenografía: Eduardo Mayo y Fernando Herranz
Espacio: Casa Palacio de Juan Jedler Fechas: 21 – 22 Julio 2023, 22:45 h. Compañía: La Carne (Madrid) Duración: 75 min. Idioma: Español
El pasado 28 de junio regresaba al Poliorama La tendresa, la obra creada por Alfredo Sanzol galardonada con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2017 y el XII Premio Valle-Inclán de Teatro, una versión libre de las comedias de Shakespeare que nos habla del amor, del atrevimiento y del sufrimiento.
«La tendresa narra la historia de una reina algo maga y sus dos hijas, que viajan en la Armada Invencible, obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses después de haber invadido Inglaterra. La reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre le han condicionado la vida y le han robado la libertad, así que no está dispuesta a permitir que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que la reina considera desierta, provoca una gran tormenta que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esta isla con sus hijas para no tener que volver a ver nunca más a ningún hombre. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años vive un leñador con sus dos hijos, que se escondieron para no volver a ver a una mujer en su vida».
La ternura es una propuesta, sin duda, ganadora, por la trama de comedia que nos propone, basada en el universo y el libro de estilo de Shakespeare, en un texto travieso y en unas actuaciones que están en línea con todo lo anterior.
Sanzol nos habla en su Tendresa del amor y de los riesgos que comporta y que, como bien sabéis, nos hacen ser más humanos. Basándose en las estratagemas literariasshakesperianas la obra nos presenta dos grupos humanos, uno masculino y uno femenino, recluidos en una isla desierta (pretendídamente desierta), en la que ambos grupos han decidido apartarte del sexo contrario. Esta situación provocará, como es lógico, aventuras, enredos, confusiones y finalmente, y como no puede ser de otra forma, una atracción entre los miembros de los dos grupos, que se intentará evitar a toda costa por parte de los progenitores.
Sanzol ha creado para su obra una escenografía vacía y con muy poco atrezo, lo que fuerza al espectador a imaginarse parte de la obra y sumergirse en la acción que se desarrolla encima del escenario.
Por lo que respecta al reparto, La Ternura apuesta por talentos jóvenes y talentos con más experiencia. Entre estos últimos destacan Marta Pérez y Jordi Rico, que interpretan respectivamente a la madre y al padre que intentan alejar del amor a sus hijas e hijos para evitarles penurias emocionales. Genial Pérez en su papel de pérfida madre cansada de la dominación masculina. Entre los más jóvenes hallamos a Laura Aubert, Anna Castells, Albert Prat y Ferran Vilajosana, que proveen a la representación de la frescura y la inocencia propia de la juventud, y que será la clave de los enredos que acabarán afectando a las entrañas emocionales de todos los protagonistas.
La tendresa os hará reír al contemplar los vanos esfuerzos de los protagonistas por luchar contra sus sentimientos, algunos sabiendo que la clave del amor es indomable y otros confundiéndose al recorrer una emociones o bien desconocidas o bien olvidadas hace mucho tiempo.
Una propuesta fresca y muy recomendable, sin duda, para sobrevivir a este tórrido mes de julio en la ciudad condal.
«La tendresa» se representa en el Teatre Poliorama del 28 de junio al 4 de agosto de 2023
Texto y dirección: Alfredo Sanzol Traducción: Joan Lluís Bozzo Reparto: Laura Aubert, Anna Castells, Marta Pérez, Albert Prat, Jordi Rico y Ferran Vilajosana Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar Iluminación: Pedro Yagüe Música original: Fernando Velázquez Sonido: Roger Ábalos Caracterización: Eva Fernández Producción: TRES PER 3, en colaboración con Dagoll Dagom y T de Teatre, El Teatro de la Ciudad y el apoyo del ICEC
Horarios: de lunes a viernes a las 20:30 horas Precio: desde 12,5€ Idioma: catalán Duración: 1 hora y 50 minutos NOTA CULTURALIA: 8,5 ——
Llega el verano y con él de nuevo los festivales de verano. El pasado 29 de junio inició su singladura Les Nits de Barcelona (Palau Pedralbes) un festival gestionado por la promotora Clipper’s Live que pretende amenizar las calurosas noches de verano en la ciudad condal con música y actuaciones.
En esta edición la programación familiar se abre paso con la representación de De Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó, el tributo a la historia del Rey León llevada a cabo por la compañía Onbeat.
«Hay películas y canciones que han pasado a la historia y que atraen la curiosidad de todo tipo de espectadores alrededor del mundo. Es el caso del Rey León, que tras más de 20 años del estreno de la primera película sigue cautivando al gran público gracias a las distintas producciones musicales que se han realizado en distintos países». Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó presenta una versión en catalán del musical que ha conmovido al mundo durante años con espectaculares voces en directo, atractivas coreografías y una gran puesta en escena».
De Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó presenta una propuesta de entretenimiento para los más pequeños basada en el gran éxito del Disney del año 1994. Onbeat ha preparado una adaptación para toda la familia que incluye a dos maestros de ceremonias, una ardilla hambrienta y un tucán, que no solo nos relatarán lo sucedido en El Rey León para ponernos en situación, sino que amenizará con diversos extras musicales el avance de la representación.
La escenografía del espectáculo es de mínimos, pero funciona, ya que el principal gancho de la propuesta también lo hace, que son la adaptación de los temas musicales. Las coreografías son efectivas y captan la atención de los más pequeños. Pero si algo destaca en la propuesta es la versión en catalán de los temas creados por Elton John y Tim Rice para la banda sonora compuesta por Hans Zimmer. Todo un acierto.
Un seguro de entretenimiento para los más pequeños y también los más grandes que los acompañan, que podrán disfrutar de las aventuras de El Rey León narradas para todas las edades.
De Simba a Kiara, el tribut al Rei Lleó se representó en Les Nits de Barcelona (Palau Pedralbes) el domingo 16 de julio de 2023
Dirección Artística: Antonio Martín Dirección, guión y producción: Antonio Martín Regueira Reparto: Dilla: Fran Caparrós, Rafa Chaves Flo: Fátima Padial, Paula Cuesta, Gema Burgos Simba: Rodrigo Castillo, Jose Carlos Palao Nala: Ángeles Vela, Leyre Aranda Scar: Cristina López Jirafa: Álvaro López Bailarinas: Carmen Vargas, Valentina Urbano, Cris Maillo
El próximo mes de julio dará inicio una nueva edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que inicia una nueva etapa en la que mostrará al público la capacidad del teatro áureo para dialogar con la sociedad, para trascender y emocionar, para contagiar otras artes y demostrar el vigor y la vigencia del Siglo de Oro a través de distintas propuestas por el que transitan el talento, la pasión y el esfuerzo.
En una época de ruido, las artes nos permiten soñar con volver al contacto, a la comunidad, a la serenidad. En una sociedad distraída por formas de comunicación cada vez más fugaces o inmediatas, donde los mensajes apenas suman unos pocos caracteres, el Festival pretende devolver a la palabra su valor fundamental, su virtud, su poder sanador, en su espacio propio de pausa y observación, ajeno a las urgencias del mundo actual.
La edición de este año del Festival reivindica la alegría, el pensamiento, la imaginación, la capacidad de cruzar los límites de lo convencional y aventurarse a recorrer caminos secundarios. El 46º Festival de Almagro será el festival de la convivencia entre lo clásico y lo contemporáneo, donde la herencia y la tradición no compiten con el presente, será un espacio donde se encuentren la emoción con la reflexión, donde confluyan el oficio con la experimentación y en el que se descubran, de frente, artistas y públicos.
El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro de este año será la edición de los sentidos, un lugar para palpar el legado universal del Siglo de Oro, su historia, sus olores y sabores; un festival que recoge el patrimonio cultural con la complicidad de quienes lo habitan y que nos hará partícipes del teatro, la música, la danza o el circo, pero también de experiencias sensoriales que reivindican la emoción
Siempre vale la pena ver una obra de teatro de Joan Pera. Y Junior es una buena ocasión si uno quiere disfrutar con el humor blanco «made in Pera» en una comedia que mezcla fantasía, política y un rejuvenecimiento inesperado.
«El expresident Muy Honorable Señor Magí Folgueroles acaba de cumplir 80 años y, ciertamente, no lo lleva muy bien. Aunque ya no tiene mucho que hacer, él se siente joven de espíritu y no tiene intención de retirarse. Sin embargo, poco después de soplar las velas, recibe la visita de la Muerte en persona que le comunica que el final de su vida está cerca. Aún así, llegarán a un acuerdo: la Muerte le concede 6 meses más de vida pero los tendrá que vivir en el cuerpo de otro, un joven youtuber y hip-hopero. No hace falta decir que la juventud de hoy en día no es lo que era y estos seis meses se le harán muy largos».
Como veis una premisa que asegura las risas y las carcajadas. Podremos ver a Pera en unas circunstancias muy diferentes a las habituales, con una mente de 80 años en un cuerpo de un treintañero, que además está vinculado con la familia. Y sí, una premisa muy trillada pero a la que Joel Joan y Hèctor Claramunt le han sabido dar un toque especial.
La comedia se construye con un reparto reducido en el que Pera está acompañado por Fina Rius y Paula Vives, que interpretan respectivamente a la mujer y a la hija del Folgueroles; Oriol Cases da vida al secretario personal del expresident y Francesc Cuéllar al joven que verá su cuerpo invadido por el espíritu burlón de Pera. Clara Giralt está fantástica interpretando a una Muerte 2.0.
La obra consigue, además, darle un toque fantástico a la trama jugando muy bien con modestos efectos especiales, como el falso espejo en el que se reflejará la auténtica imagen del cuerpo ocupado por Pera. A lo que se suma toda una serie de situaciones cómicas que, seguro, harán las delicias, incluso, del espectador o espectadora más reticente, como la escena del parto, en el que las risas, perdón, las carcajadas están aseguradas.
La obra se representa en diversos actos que nos trasladan de la oficina del expresident a la vivienda en la que Pera/Junior tendrá que exprimir al máximo sus últimos seis meses de vida en un cuerpo más joven y con unas circunstancias más actuales.
Una propuesta que no podéis dejar escapar, si queréis disfrutar del humor «de’n Pera» en una comedia original, con ritmo y que nos hará pensar en aquello de las segundas oportunidades y si vale la pena arriesgarlo todo a una sola carta, aunque la vida (o la muerte) nos vaya en ello.
«Junior» se representa en el Teatre Condal del 20 de enero al 7 de mayo de 2023.
Dirección: Joel Joan Autoría: Joel Joan y Hèctor Claramunt Reparto: Joan Pera, Fina Rius, Paula Vives, Oriol Casals, Francesc Cuéllar, Marta Codina y Clara Giralt Escenografía: Pep Olivé, Taller Jorba-Miró, Sergi Corbera Gaju, Paula Font Creixell Iluminación: David Bofarull Caracterización: Imma Capell Diseño ilusiones: Carlos Fusté Vestuario: Nídia Tusal y Toñi Chamorro Producción: Focus, Bitò, Maite Pijuan, Marina Vilardell
Horarios: web del teatre Condal Precio: a partir de 26€ idioma: catalán Duración: 2 horas con entreacto NOTA CULTURALIA: 8.5 ——
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