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Crítica teatro: Casa Calores, en la Sala Beckett

El paso del tiempo es seguramente una de las cuestiones que más abruman al ser humano. Las consecuencias de las decisiones que tomamos en la vida y el gradual abandono de la juventud nos afectan, de una forma u otra, a todos. Casa Calores, estrenada el pasado 10 de abril en la Sala Beckett, nos plantea una reflexión sobre ello, con una propuesta escrita y dirigida por Pere Riera e interpretada, entre otros, por Rosa Renom y Jordi Boixaderas.

“Los veranos son estaciones preciadas. Dicen que la juventud es la más preciada de las etapas vitales. Y cuando eres joven, una de las mejores cosas que te pueden pasar, es vivir los veranos cerca del mar. Si, encima, has nacido en un pueblo con barcas y espigón, es posible que todos los veranos de tu juventud estén amarados de un recuerdo cálido y salobre. En Casa Calores pasan los años, las macetas se marchitan y la ropa deja de mecerse en los tendederos. Los mayores que sobreviven, se hacen viejos; y los jóvenes que no ven la hora de crecer de una vez, intentan poner freno al inexorable paso del tiempo. Un tiempo que los enfrenta al más preciado de los peligros: el pasado”

La Beckett nos presenta una reflexión sobre la vida que seguro nos tocará la fibra emocional. Quien no recuerda los veranos de su juventud, asociados a los disfrutes del periodo estival y, sobre todo, a las amistades que, en aquellos momentos, parecían imperecederas. Riera, pues, juega con las emociones escénicas para tejer un texto sobre la memoria que, seguro, nos permitirá realizar un viaje por nuestros más preciados recuerdos de la infancia y la juventud.

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La trama de la obra nos sitúa en una localidad cerca del mar en verano. En ella se condesa la vida de sus habitantes como las gotas de sudor cuando hace mucho calor. La existencia se reduce a un ciclo diario de actividades pocas veces interrumpido. Riera nos muestra el día a día de un grupo de jóvenes amigos, Emma Arquillué, Júlia Bonjoch, Arnau Comas y Eudald Font que han alcanzado aquel momento de la vida en el que se está abandonando la infancia y se aproxima a la época adulta. Muchos son los cambios que se producen, poco a poco, en los cuerpos y en las personas, y también son muchas las decisiones que se han de tomar y que marcarán, sin duda la vida adulta.

En Casa Calores la presencia de los adultos, en este caso Jordi Boixaderas y Rosa Renom, también es importante. Las elecciones tomadas a lo largo de la vida, acertadas o no, también han marcado su presente, y nos dejan claro que el drama del paso del tiempo y las elecciones vitales marcan la existencia de todos, los personajes de la obra y, también, del público asistente.

Riera ha creado una pequeña joya teatral que nos hará recordar, nos hará pensar y nos hará disfrutar en partes iguales a todos. Como escenario una azotea en la que trascurre, a través de diversas escenas, la vida de todos los personajes y que nos permiten ser conscientes del paso del tiempo. Los primeros amores, las primeras decisiones sobre el futuro, la importancia de la familia, las primeras decepciones…

Algunas escenas protagonizadas por los personajes más jóvenes que se concatenan con otras interpretadas por los personajes más adultos vinculados a la Casa Calores, una terraza condenada a desparecer con el tiempo, como el tiempo hace desaparecer la infancia y la juventud y nos enfrenta a las vidas que, en gran medida, escogemos vivir.

La propuesta de Riera y la Beckett no defrauda, no nos quiere convencer con finales felices o con finales redondos, tan solo intenta mostrar, poéticamente diría yo, la vida, y nos intenta conmover a través de la memoria, a través del recuerdo de lo que fuimos cuando aún no éramos lo que somos ahora.

Solo por eso, pero por mucho más, vale la pena ver Casa Calores, por contemplar el escenario-azotea donde se desarrolla la acción, por asistir a un ejemplo más del drama vital humano y para disfrutar de una historia que, seguro, nos toca a todos y nos recuerda que el pasado y la juventud no es nada más ni nada menos que una burbuja repleta de posibilidades y de sueños, que de una forma u otra, han marcado nuestra existencia. El pasado, siempre el pasado.

«Casa Calores» se representa en la Sala Beckett del 10 de abril al 19 de mayo de 2024

Autoría y dirección: Pere Riera
Reparto: Emma Arquillué, Jordi Boixaderas, Júlia Bonjoch, Arnau Comas, Eudald Font y Rosa Renom
Voz en off: Pablo Derqui
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: Guillem Gelabert
Sonido: Jordi Bonet
Vestuario: Marian Coromina
Caracterización: Clàudia Abbad
Producción: Sala Beckett

Horario: De miércoles a sábado, 20 h y Domingo, 18:30 h
Duración:1 hora y 40 minutos
Espacio: Sala de baix
Precio: de 11 € a 22 €
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Salomé, en el Teatre Goya

Es lícito y hasta necesario llevar a cabo reinterpretaciones del pasado, ya sea de periodos de la historia o de personajes históricos en concreto. De ello el teatro da buena cuenta con propuestas que analizan la historia y, más importante aún, popularizan personajes o etapas históricas. Este es el caso de Salomé, obra estrenada el año pasado en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, y que se representó del 19 al 24 de marzo en el teatre Goya de Barcelona, con dirección de Magui Miras y en la que Belén Rueda dio vida a uno de los personajes más desdeñados de la historia bíblica.

“En los primeros años del Siglo I de nuestra Era, los romanos dominan las tierras que rodean el Mediterráneo. Colocan monarcas que gobiernan a sus gentes. Llegan a Judea. Y allí una princesa, Salomé, apoya en secreto a los rebeldes que resisten al gobierno del Rey Herodes, ese títere corrupto nombrado por Roma. Un hombre sin moral que gobierna sin ley.

Juan el Bautista, líder espiritual de su pueblo, grita contra el invasor y se descarna cautivo en la prisión del Palacio de Herodes. Da la vida por un Tiempo Nuevo. Es un Profeta. Dice que la esperanza es el aliento de todos los sueños. Y enciende el deseo de la princesa. Salomé, perdida en la cabeza de su amado Juan el Bautista, sufre. Rechazada por él se transforma en una mujer sangrante. Salomé, expresión del Poder Sensual Absoluto, extrema su deseo por el Bautista. Un deseo que se desborda en muerte”.

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La versión de Magüi Mira es una propuesta arriesgada, ya que se basa en la biografía de una figura maltratada por la tradición y caracterizada por esa pulsión femenina hacia el deseo y la destrucción, asignada a las mujeres en otras épocas. Pero la obra se inserta en la tendencia que redefine o reinterpreta al personaje y el periodo con los ojos de la modernidad, tan alejada del propósito original del texto bíblico.

Asistimos, pues, a una obra que aúna una representación dramática con toques cómicos e, incluso, con ingredientes de musical, de la mano de Pablo Puyol, que da vida a Juan el Bautista, el foco de atención de Salomé en el episodio bíblico. Mira se propone deconstruir el personaje tal como nos ha llegado en la tradición y darle un toque más actual que le permita ser mejor comprendido por el público del siglo XXI.

La propuesta lo consigue por momentos, ya que sus diversos ingredientes, drama, comedia y musical, rompen lo que podría ser una representación más lineal. La clave de todo está en la reinterpretación de la historia y en la lectura que se hace de ella.

Salomé se representa en un único escenario minimalista que se transforma en los diversos espacios que requiere la obra, como si fuera el papiro en blanco en el que se escribe la Biblia. Por él pasarán reyes, reinas, princesas, profetas, agoreros, dioses y soldados.

En lo que respecta a la interpretación, el peso principal lo lleva a cabo Belén Rueda, que se esfuerza en darle a Salomé una credibilidad escénica más allá de la simbología femenina que le atribuye la Biblia. Así Salomé se transforma en una mujer independiente y seguidora del nuevo mundo por el que lucha Juan el Bautista. Solo el rechazo de este provocará el final trágico de la historia y de la misma Salomé. Rueda está acompañada de un reparto a la altura, en el que destacan Luisa Martín como Herodías y Juan Fernández como el débil y malévolo Herodes, que representan con nota el fondo de disolución moral que tanto critica la Biblia. Pablo Puyol está acertado en su interpretación del Bautista, en el que hayamos los principios y la convicción propia del personaje. La obra incorpora a Sergio Mur que encarna a la divinidad que nos relatará en parte la historia y que da a la representación los toques más poéticos.

Salomé, sin embargo, pierde integridad y realismo en su voluntad de re-interpretar un personaje, símbolo bíblico del poder y del deseo sexual femenino, la voluntad del cual queda significativamente alterada por la visión transformadora de la actualidad. Algo, por otra parte, muy habitual en los tiempo que vivimos, que gusta de revisionar a los personajes históricos dotándoles de voluntades y puntos de vista sin duda espurios, más propios del siglo XXI que de los tiempos a los que pertenecen.

Si exceptuamos este último elemento de valor histórico y religioso, aún siendo conscientes de su importancia, Salomé es una oportunidad de acercarnos a una representación de carácter bíblico con una alta calidad de producción y con una interpretación coral que no nos defraudará, que nos permitirá reflexionar sobre el cambio que se está produciendo en los roles femeninos, en los que las reivindicaciones de igualdad y empoderamiento del movimiento feminista están consiguiendo, poco a poco, crear un espacio de equidad necesario en cualquier sociedad que pretenda ser democrática.

“Salomé” se representa en el Teatre Goya del 19 al 24 de marzo de 2024

Texto y dirección: Magüi Mira
Composición musical: Marc Álvarez
Reparto: Belén Rueda, Luisa Martín, Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández y Jose de la Torre
Escenografía: Curt Allen Wilmer y Leticia Gañan (Estudio deDos AAEE)
Diseño de vestuario: Helena Sanchis
Iluminación: José Manuel Guerra
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos

Horarios y precios: Web teatre Goya
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 6

Crítica teatro: Voltaire/Rousseau. La Disputa, en el Teatre Romea

El teatro Romea estrenó el pasado 25 de febrero Voltaire/Rousseau. La Disputa, sin duda una de las joyas teatrales de la temporada. Una propuesta que nos plantea reflexionar sobre la vida y la sociedad de la mano de dos de los más destacados filósofos de la Ilustración, Voltaire i Rousseau.

«Un panfleto anónimo acusa Jean Jacques Rousseau de haber abandonado a sus cinco hijos. Rousseau recurre a Voltaire para averiguar juntos quién es el autor de esta abominación. Una situación que proporciona la oportunidad de asistir a una gran escena doméstica donde los dos filósofos enfrentan sus ideas sobre Dios, la igualdad, la educación y el teatro. Dos maneras igualmente generosas, pero muy diferentes, de concebir la sociedad».

Voltaire/Rousseau. La Disputa es una obra-discusión en la que todo está tal y como debe estar. Una delicia teatral que comienza con la visita del joven Rousseau a Voltaire en busca de ayuda para identificar el autor del panfleto escrito contra su persona. Este hecho permitirá que ambos personajes expongan sus ideas filosóficas, todo ello aderezado, a medida que la discusión avanza, con las opiniones que cada uno de ellos tiene de su adversario.

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Jean-François Prévand ha creado una joya dialéctico-teatral que para ser creíble necesitaba de dos magníficos actores para encarnar a Voltaire i Rousseau. Al primero le da vida un magnífico Josep Maria Flotats, que provee a su personaje de una locuacidad intelectual e interpretativa que brilla por sí misma. Pep Planas encarna a un apesadumbrado Rousseau que, aunque de origen más humilde y de carácter más sombrío, muestra sobre el escenario un aguerrido espíritu intelectual.

Ambos están geniales en sus respectivos papeles, a lo que ayuda un texto que, aunque trata de forma concéntrica sobre la autoría del libelo contra Rousseau, irá avanzando y enriqueciéndose al desarrollar las teorías filosóficas de ambos personajes, que discutirán sobre temas tan diversos como la religión, la sociedad, la cultura, el teatro, la tolerancia, la igualdad o los derechos. Todo ello engarzado de forma soberbia en el espléndido texto de Prévand, y llevado a la genialidad por la dirección del propio Josep Maria Flotats, que en esta ocasión eleva el horizonte escénico de la representación a unas cotas teatrales difíciles de alcanzar.

Así, pues, la obra no necesita de grandes avatares escénicos ni efectos de ningún tipo, si exceptuamos la magnífica interpretación de los dos únicos actores. Toda la acción se representa, además, en el salón de la residencia de Voltaire, definido con un escaso atrezo y una imagen tapiz que nos muestra el lugar donde se produce el encuentro.

No hay palabras, os lo confieso, para valorar una magnífica obra como Voltaire/Rousseau. La Disputa. Tan solo queda apremiar a los últimos y las últimas rezagadas a aprovechar la última semana de representación de la obra en el Romea para saber quién es el verdadero autor del libelo contra Rousseau y disfrutar de una representación teatral digna de los filósofos a los que hace referencia.

«Voltaire / Rousseau. La disputa» se representa en el teatre Romea del 25 de febrero al 1 de abril de 2024.

Autoría: Jean-François Prévand
Dramaturgia y dirección: Josep Maria Flotats
Traducción: Salvador Oliva
Reparto: Josep Maria Flotats, Pep Planas, Arnau Puig (Voz en off)
Espacio escénico: Josep Maria Flotats
Vestuario: Renato Bianchi
Iluminación: Insuel
Producción: Teatre Romea

Horarios: Web teatre Romea
Precio: A partir de 18,40€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 9,9

Estreno teatro: Salomé, en el teatro Goya

Llega al teatro Goya Salomé, obra escrita y dirigida por Magüi Mira en la que Belén Rueda interpreta al personaje bíblico que representa todo lo que a las mujeres se les ha censurado y y criminalizado a lo largo de la historia, la sexualidad.

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En los primeros años del Siglo I de nuestra Era, los romanos continúan invadiendo las tierras que rodean el Mediterráneo. Colocan monarcas, dictadores salvajes para someter a sus gentes. Llegan a Judea. Y allí una princesa, Salomé, apoya en secreto a los rebeldes que resisten al gobierno del Rey Herodes, ese títere corrupto nombrado por Roma. Un hombre sin moral que gobierna sin ley.

Juan el Bautista, líder espiritual de su pueblo, grita contra el invasor y se descarna cautivo en la prisión del Palacio de Herodes. Da la vida por un Tiempo Nuevo. Es un Profeta. Dice que la esperanza es el aliento de todos los sueños. Y enciende el deseo de la Princesa. Salomé, perdida en la cabeza de su amado Juan el Bautista, sufre. Rechazada por él se transforma en una mujer sangrante.

Salomé, expresión del Poder Sensual Absoluto, extrema su deseo por el Bautista. Un deseo que se desborda en muerte.

«Salomé» se representa en el Teatre Goya del 19 al 24 de marzo de 2024

Texto y dirección: Magüi Mira
Composición musical: Marc Álvarez
Reparto: Belén Rueda, Luisa Martín, Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández y Jose de la Torre
Escenografía: Curt Allen Wilmer y Leticia Gañan (Estudio deDos AAEE)
Diseño de vestuario: Helena Sanchis
Iluminación: José Manuel Guerra
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos

Horarios y precios: Web teatre Goya
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos

Estreno teatro: Voltaire/Rousseau. La Disputa, en el Teatre Romea

El Teatre Romea estrena Voltaire/Rousseau La Disputa, una obra escrita por el francés Jean-François Prévand que pone en escena un combate de altos vuelos entre dos de los filósofos más importantes del siglo XVIII, Voltaire y Rousseau, que tiene como protagonista a Josep Maria Flotats y a Pep Planas.

Un panfleto anónimo acusa Jean Jacques Rousseau de haber abandonado sus cinco hijos. Rousseau recurre a Voltaire para averiguar juntos quién es el autor de esta abominación. Una situación que proporciona la oportunidad de asistir a una gran escena doméstica donde los dos filósofos enfrentan sus ideas sobre Dios, la igualdad, la educación y el teatro. Dos maneras igualmente generosas, pero muy diferentes, de concebir la sociedad.

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Con Voltaire Rousseau, de Jean-François Prévand, asistimos a un verdadero duelo verbal intenso, vibrante, feroz y a la vez divertido, entre dos figuras emblemáticas de la Ilustración: dos grandes filósofos, dos inmensos escritores, dos conceptos del mundo y de la sociedad; conceptos que el 1778, apenas muertos los dos, alimentarán los ideales de la Revolución francesa (1789). Dos concepciones del mundo y de la sociedad muy opuestas; Prévand nos pone delante de dos facultades: la razón y la emoción. Pero tampoco se para aquí. Para no dejar al aire ningún elemento esencial, la obra nos habla de la creencia en Dios, la educación, la propiedad, la cultura, el teatro, las artes, la tolerancia, la libertad, la república y la igualdad. Los espectadores encontrarán un conocimiento preciso, no tan solo de las dos personalidades, sino de las preocupaciones sociales e intelectuales del Siglo de las Luces, que a pesar de los años que nos separan, están bien poco alejadas de las nuestras de hoy.

«Voltaire / Rousseau. La disputa» se representa en el teatre Romea del 25 de febrero al 1 de abril de 2024.

Autoría: Jean-François Prévand
Dramaturgia y dirección: Josep Maria Flotats
Traducción: Salvador Oliva
Reparto: Josep Maria Flotats, Pep Planas, Arnau Puig (Voz en off)
Espacio escénico: Josep Maria Flotats
Vestuario: Renato Bianchi
Iluminación: Insuel
Producción: Teatre Romea

Horarios: Web teatre Romea
Precio: A partir de 18,40€
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos

MAR I CEL, AL TEATRE VICTÒRIA

50 anys ja des del naixement de la companyia Dagoll Dagom. I jo recordo com si fos ahir, aquella pujada a Barcelona, amb el grup de teatre del poble , el 1988 per veure Mar i cel,  una obra que em va captivar perquè havíem llegit a l’escola un text de Guimerà, i perquè la Isabel Soriano, amb la seva veu innocent i forta, va arribar fins a dalt de tot de la platea.

Tornar a recuperar l’espectacle, no és banal, és un obra tan actual, encara, que es fa necessària, el conflicte etern entre els diferents, entre els que tenen poder i els que es veuen sotmesos. I tot i estar ambientada al segle XVIII, podem imaginar-nos perfectament el dolor de les famílies que actualment es veuen obligades de fugir de les seves cases.

Mar i cel, un muntatge estrenat l’any 1988 –amb l’adaptació que Xavier Bru de Sala va fer del text original d’Àngel Guimerà, amb música d’Albert Guinovart–, reposat el 2004 i el 2014 i que retorna per quarta vegada, amb un repartiment nou, tot i que per mi Saïd , sempre serà el Carlos Gramaje, i nous elements tècnics que de segur faran aixecar al Teatre Victòria.

Prenent com a punt de partida l’expulsió dels moriscos de l’any 1609, l’obra situa Saïd i els seus homes, un grup de pirates obligats a buscar-se la vida pel món després que els arrabassessin les seves terres, viatjant sense rumb preestablert en el seu majestuós vaixell amb un grup de presoners cristians, entre ells Blanca, una delicada jove a punt de casar-se. Aviat, però, començaran els conflictes entre els mateixos pirates, incapaços d’arribar a un acord sobre què fer amb els captius, amb Saïd tractant de mantenir la seva autoritat entre els seus companys al mateix temps que veu com l’aversió que sent vers Blanca va deixant pas a l’amor.

Per tot això resulta evident que Dagoll Dagom sap crear musicals de factura impecable, els avalen cinquanta anys de trajectòria triomfal, però el gran encert de Mar i cel, ara ja convertit en un clàssic del musical català, és haver aconseguit popularitzar les seves cançons entre el seu públic potencial, que arriba al Teatre Victòria completament entregat a la causa, predisposat a gaudir dels temes més coneguts de l’espectacle; així, no és d’estranyar que les interpretacions de “Per què he plorat?” i, sobretot, l’“Himne dels Pirates” siguin els moments més celebrats pels espectadors.

«Mar i cel» es representarà al Teatre Victòria a partir del 14 de setembre de 2024.

Equip artístic

Text: Xavier Bru de Sala
Música i orquestació: Albert Guinovart
Dramaturgia i adaptació: Joan Lluís Bozzo, Xavier Bru de Sala, Anna Rosa Cisquella y Miquel Periel
Direcció original: Joan Lluís Bozzo
Direcció Mar i Cel 2024: Anna Rosa Cisquella y Miquel Periel
Direcció musical: Joan Vives y Sergi Cuenca
Disseny d’escenografia i vestuari: Montse Amenós e Isidre Prunés
Dissey de so: Jordi Ballbé
Disseny de caracterizació: Eva Fernandez
Equip de producció


Horaris: dimarts i dimecres a les 20:00 hores, divendres a les 18:00 hores, dissabtesa les 16:30 i a les 20:15 hores i Diumenges a les 17:30 hores

Web: https://www.teatrevictoria.com/es/cartelera/c/183_mar-i-cel.html

Preu: de 30 € a 60 €
Idioma: català
Durada: dues hores, amb descans de deu minuts.

Crítica teatro: La Historia Interminable, el musical, en el Teatre Apolo

Todos hemos sido niños y niñas, y todos hemos soñado alguna vez con protagonizar una aventura fantástica. Esta es la clave de La Historia interminable el musical, un espectáculo producido por Beon Entertainment que se estrenó en el Apolo el pasado mes de noviembre, y que nos traslada al reino amenazado de Fantasia, que solo podrá ser salvado por el valor y la audacia de un joven guerrero.

La Nada está haciendo desaparecer los paisajes y las criaturas mágicas del mundo de Fantasia. Para evitarlo, la Emperatriz Infantil envía a Atreyu el guerrero a buscar una solución en una aventura heroica y desesperada.
Esta es la historia del libro que Bastian, un niño que ama la lectura, descubre en la librería del señor Koreander. ¿O es el libro quien ha llamado a Bastian?
Seres fantásticos, brujas, silfos nocturnos, gigantes comerrocas, dragones voladores… Bastian queda fascinado por el libro mientras lee las aventuras de Atreyu como si las estuviera viviendo él mismo.
Ojalá él pudiera ayudar a la Emperatriz Infantil…”

Estamos ante una propuesta escénica de gran formato, básica para recrear el mundo de fantasía y las aventuras del joven guerrero Atreyu. Beon Entertainment lo ha puesto todo de su parte para llevar a cabo una adaptación a la altura de la novela del escritor alemán Michael Ende publicada en el año 1979, llevada a la gran pantalla en el año 1984 y que se convirtió en un gran éxito del cine fantástico de aventuras.

Y se nota. Si en algo destaca la propuesta es en la construcción escénica y los efectos especiales. Los diversos personajes de la novela se han recreado para el musical, desde la tortuga Morla, el comerrocas, el enano Gluckuk y caracol de carreras, el caballo Ártax, o el dragón blanco volador Fújur. La productora ha conseguido recrear sobre el escenario un mundo de fantasía con gran acierto. Pocas veces he visto en el teatro personajes fantásticos tan bien representados, más diría yo… tan mágicamente representados.

En lo que corresponde a la escenografía todo está también a la altura de las circunstancias. Se ha recreado el mundo mágico de Fantasia de una forma creíble y funcional. Todo ello hará que los más pequeños, aquellos a los que va dirigida la obra principalmente, disfruten de la representación como nunca, en un espectáculo acrecentado con toda una serie de temas musicales interpretados en directo.

El reparto también acompaña. Desde Atreyu, el héroe de la historia o la emperatriz infantil, hasta el hombre lobo Gmork o los gnomos Enguivuck y Urgl, todos están bien afinados ya sea en sus actuaciones o interpretando los temas musicales que harán que las aventuras de Bastian y Atreyu se conviertan en inolvidables.

Sin embargo, el eslabón débil de la propuesta es la adaptación en sí de la novela de Ende. Iván Macías y Félix Amador han creado una historia que a veces es difícil de seguir, sobre todo en la segunda parte del espectáculo, hecho este que confunde, seguro, a los más mayores y a los más pequeños, sobre todo si tenemos en cuenta que el musical está especialmente dirigido a estos últimos, despojándole de parte de la magia que la propuesta requiere.

Un hándicap, sin embargo, que queda minimizado por una puesta en escena espectacular y unas construcción escénica, que harán las delicias del público asistente y que transporta a los más adultos a otra época, aquella en la que vimos y disfrutamos de la Historia Interminable y cantamos, seguro, el Neverending story de Limahl como un símbolo de la magia que todos y todas llevamos dentro, aunque a veces su recuerdo esté muy lejano.

La Historia interminable, el musical” se representa en el Teatro Apolo del 22 de noviembre de 2023 al 7 de abril de 2024.

Autoría: Michael Ende
Dirección artística: Federico Barrios Fierro
Reparto: David Sarnago, Marcos Sarnago, Marta Porris, Pablo Castiñeira, Alicia Scutelnicu, Karina Scutelnicu, Martina Hernàndez, Noelia Rincón, Rocío Barroso, Teresa Abarca, Alba Cuartero, Josean Moreno, Teresa Ferrer, Álex Forriols, Paco Arrojo, Noemi Mazoy, Joselu López, Pablo Badillo, Gerard Mínguez, Natàlia Zarco, Ruth Ge, Ernesto Pigueiras, Noelia Marlo, Gustavo Rodríguez, Tamara Suárez, Belén Marcos, Ernesto Santos, Joan López, Marta Castro, Irene Barrios, Guillermo Pareja, Rocío Margón, Briel González, Elena González, Nil Carbonell
Dirección técnica: Pablo Santos
Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda
Iluminación: Felipe Ramos, Jesús Díaz
Sonido: Alejandro Martín
Caracterización: Aarón Domínguez
Vestuario: Antonio Belart
Coreografía: José Felix Romero
Movimiento: José Felix Romero
Música: Iván Macías
Letras: Félix Amador
Producción: Dario Regattieri, Beon Entertainment

Horarios: Web La Historia interminable, el musical
Precios: a partir de 23€
Idioma: español
Duración: 2 horas 30 minutos (con descanso)
NOTA CULTURALIA: 8
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Els Buonaparte, en el Teatre Akadèmia

Comienza el año y con él publicamos las primeras críticas de teatro. Y en esta ocasión iniciamos el recorrido con Els Buonaparte, obra que nos narra el encuentro de los hermanos Bonaparte (Napoleón y José) en Vitoria tras la retirada del segundo de Madrid, en el contexto de la Guerra de la independencia.

“Tras invadir la península Ibérica y destronar a los Borbones, Napoleón Bonaparte sienta en el trono de España y de las Indias a su hermano mayor José.
José I llega a Madrid el 20 de julio de 1808. El día 29, nueve días más tarde, la victoria del ejército español en Bailén, provoca revueltas contra el nuevo monarca que le obligan a huir de Madrid. José se refugia con su corte en Vitoria. Napoleón, enterado de la fuga de su hermano, viaja de París a Vitoria para exigirle su regreso inmediato a Madrid.
Los dos hermanos se encuentran la noche del 5 de noviembre en una casa solariega en las afueras de Vitoria. Estaban solos, no hubo testigos; pero todo hace presagiar que fue una noche de confesiones, celos, disputas y desconfianzas”.

La historia es, muchas veces, muy teatral y el teatro se aviene muy bien a hablarnos de la historia. De aquí que Ramon Madaula en el guión y Sílvia Munt en la dirección nos muestren el encuentro de dos monarcas de la misma familia, un rey y un emperador, necesitados el uno del otro, ya sea como hermanos o como aliados políticos.

En encuentro escénico nos permite presenciar la reconstrucción de un episodio de intimidad histórica del que no conocemos nada. Así, en este encuentro privado conoceremos las ambiciones políticas y las necesidades del uno y del otro. Un Napoleón que sueña con imponer la revolución al mundo y un José quebrantado por su pobre aceptación como rey de España y de las Indias.

Madaula construye un texto y unos personajes creíbles históricamente y teatralmente, y basa la fuerza de la obra en una conversación entre dos personajes que nos acercan no tanto a las grandes figuras políticas como a sus fueros internos, sus anhelos, sus miedos, sus éxitos y sus fracasos. Magnífica la visión francesa sobre la realidad española de la época (la visión negativa sobre las costumbres hispanas y su admiración por la gastronomía española del momento).

Sílvia Munt ha conseguido dar consistencia dramática a un texto que fluye fácilmente, sin obstáculos, de forma natural, como una conversación privada entre conocidos o familiares. Y en ello no son ajenos los tres protagonistas. Pau Roca se mimetiza con Napoleón, confirmando de nuevo el interés que el actor tiene por las obras teatrales históricas. David Bagés encarna a la perfección a un devastado José Bonaparte al que las fuerzas han abandonado en su cometido real y que necesita del abrazo emocional de su hermano para seguir adelante. Oriol Guinart es el tercero en discordia e interpreta en esta ocasión al esclavo mameluco de Napoleón que provee a la obra de los comentarios y las reflexiones más sarcásticas, un punto de vista más mundano y popular que da a la obra un registro cómico que facilita su desarrollo y la recepción por parte del público.

Como se desprende de lo ya escrito, Els Buonaparte es, sin duda alguna, una excelente propuesta para comenzar el año teatralmente, que nos permitirá disfrutar de una muy sugestiva obra de teatro y de una reflexión histórica y emocional de altura, de aquellas que dejan un muy buen sabor de boca.

“Els Buonaparte” se representa en el Teatre Akadèmia del 20 de desembre de 2023 al 14 de enero de 2024.

Autor: Ramon Madaula
Dirección: Sílvia Munt
Reparto: Pau Roca, David Bagés y Oriol Guinart
Espacio escénico: Sebastià Brosa y Paula Bosch
Iluminación: Lluís Serra
Espacio sonoro: Sergi Andrades
Vestuario: Carlota Ricart
Producción: Teatre Akadèmia

Horarios: de martes a viernes a las 20:00 horas; sábado a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas
Precio: a partir de 22€
Idioma: catalán
Duración: 1 hora y 15 minutos
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Conqueridors, en el teatro Goya

Teatro e historia van muchas veces de la mano, solo hace falta fijarse en las versiones de obras de Shakespeare que se representan en la actualidad en todo el mundo. Depende de cómo, la historia nos puede decir mucho del mundo en el que vivimos. No por otra Ramon Madaula vuelve a los escenarios con un guión escrito por él mismo en el que la ficción y la historia están muy presentes.

“Conqueridors» es una comedia épica sobre el afán de conquista que todos llevamos dentro. La acción tiene lugar en un plató de televisión donde se graba una serie sobre la figura de Jaume I el Conqueridor. Se trata de una gran producción audiovisual, sin embargo, el rodaje se encuentra en un punto muerto: el actor que encarna a Jaume I no logra conectar del todo con el personaje. No consigue una interpretación creíble del monarca. Por esta razón, los productores empiezan a ponerse nerviosos: han invertido mucho dinero en el proyecto y el protagonista les está fallando. ¿Qué pasaría si de repente aparece el propio Jaume I con la intención de contar su propia historia?

Y es que el trabajo de actor es muy duro, y más si eres la clave de una producción ambientada en la Edad Media, y más concretamente en los tiempos de uno de los referentes históricos de la Corona de Aragón. El actor principal parece no estar a la altura de las circunstancias y del personaje, de ahí que necesite un empujoncito. Y este se lo dará el propio Jaume I, que regresa del siglo XIII a la actualidad para ayudar a recrear su historia, con todas las incidencias que ello comporta y os podéis imaginar: el comportamiento del monarca en un plató políticamente correcto, las contradicciones del propio personaje y el rechazo que provoca en la mayor parte del reparto y del equipo técnico.

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Madaula ha querido poner sobre el escenario las discordancias entre las dos épocas, la medieval y la actual, a través de un personaje (Jaume I) que no se acabará de adaptar al mundo actual: su forma de hablar, su opinión sobre la convivencia entre cristianos y musulmanes, su manifiesto desprecio ante la igualdad de géneros… todo ello genera la clave de humor de la comedia.

Pero su objetivo se cumple a medias. Asistimos a una propuesta bien trabada y original en el sentido del personaje (Jaume I), la situación (la grabación de una serie que no “tira”)… y las contradicciones que provoca la presencia del auténtico conde de Barcelona en el estudio de rodaje. Si bien la comicidad no acaba de explotar del todo ni en las situaciones ni en los giros de la obra. Madaula como autor y Josep Maria Mestres como director no acaban de hacer arder la pólvora humorística que tienen entre manos.

Con un reparto, además, capacitado para algo más. El que más destaca es el propio Madaula, que provee a la figura de Jaume I de una presencia portentosa que marcará el transcurso de la obra. Roger Coma cumple con su papel de actor superado por la grandeza de su personaje. A ellos les acompañan Vanessa Segura que da vida a la directora no del todo interesada en la producción o Xavier Bertran que interpreta a diversos personajes que pululan por el estudio de filmación con la comicidad acostumbrada en él. Sin olvidarnos por supuesto, de Tilda Espluga y Mònica Glaenzel, acertadas en sus roles respectivos de regidora de grabación y de personal de limpieza respectivamente

Por desgracia todo queda empañado con un “final feliz” que no cuadra demasiado con el transcurso de la obra, aunque posee algo poético, que descoloca en gran medida al público.

Una propuesta, sin embargo, válida para estos días de celebración navideña, si lo que queremos es pasarlo bien con una comedia que podría haber llegado a más en las manos de Madaula, pero que sin duda nos dejará un buen sabor de boca…

“Conqueridors” se representa en el Teatre Goya del 17 de noviembre de 2023 al 21 de enero de 2024

Autoría: Ramon Madaula
Dirección: Josep Maria Mestres
Reparto: Moha Amazian, Xavier Bertran, Roger Coma, Tilda Espluga, Mònica Glaenzel, Ramon Madaula y Vanessa Segura
Escenografía: Ignasi Camprodon, Cesc Colomina
Iluminación: Ignasi Camprodon
Sonido: Jordi Bonet
Caracterización: Helena Fenoy y Marta Ferrer
Vestuario: Nidia Tusal
Producción: Bitò, Focus

Horarios: lunes a las 19:00 horas; de martes a viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: desde 16,20€
Duración: 90 minutos
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 6.5
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Jorge Pisa

Programación especial de Navidad del Teatre Cúpula Arenas

El Teatre Cúpula Arenas Barcelona presenta una programación especial para estas fiestas de Navidad con el espectáculo familiar OLIVER TWIST, un total de 8 shows de bandas tributo, tres sesiones de El Bingo Musical – Christmas Edition, la actuación de la artista infantil Luli Pampín y una función especial de Navidad con Toni Moog.

Oliver TWIST – Christmas Story

El sábado 16 de diciembre tendrá lugar el estreno oficial de Oliver TWIST – Christmas Story, un espectáculo familiar inspirado en la famosa novela de Charles Dickens que ha sido creado, dirigido y coreografiado por Coco Comin.

El espectáculo que podrá verse en La Cúpula hasta el 7 de enero, es una nueva producción en catalán con 11 actores sobre el escenario que recrea una historia inmortal a través de un cautivador show con inolvidables temas cantados en directo. Los protagonistas de Oliver TWIST – Christmas Story son cinco niños y una niña. Algunos de ellos, como Max Vilarrasa, Ángel Olaya, Lia Gordillo y Alejandro Garcia, formaron parte del elenco de Billy Elliot, el Musical en el Teatre Victòria.

Versión navideña de EL BINGO MUSICAL de David Moreno y la banda Versión Imposible

Los días 23, 25 y 26 de diciembre la fiesta está garantizada con EL GRAN BINGO MUSICAL – Christmas Edition, presentado por el showman David Moreno y su banda Versión Imposible. Un espectáculo cien por cien participativo en el que el público es el principal protagonista: música en directo, concursos, juegos y mucha fiesta arriba y abajo del escenario.

La fiesta empieza ya a las puertas del mismo teatro, donde los espectadores disfrutarán de una bienvenida mágica con personajes navideños. Además, durante el espectáculo se repartirán más de 100 premios y regalos. Highway to Hell, Nochentera, Mamma Mia!, Soy Minero, Yo quiero Bailar o Jingle Bells son sólo algunos de los 90 temas musicales que componen un repertorio atemporal que abarca muchas épocas y registros, y que será interpretado por la banda en directo.

EL GRAN BINGO MUSICAL_p

Grandes tributos a Beatles, Queen, Elvis Presley, Abba, David Bowie, Sinatra y al rock catalán

La serie de tributos musicales comenzó el pasado viernes 8 de diciembre con el grupo musical Babalu Band, que presentó SWING FOR CHRISTMAS, un espectáculo navideño muy original con un estilo de swing elegante, divertido y bailable . Un show que invita al público a vivir la magia de Navidad con un recorrido por estandards como Jingle Bells, Silent Night o White Christmas, popularizados por crooners como Frank Sinatra, Bing Crosby, Dean Martin o el trío vocal Andrews Sisters.

FRANK SINATRA será el protagonista del tributo que la misma banda presentará en La Cúpula el 28 de diciembre, donde sonarán canciones míticas -como My Way, Nueva York, Nueva York, Fly Me to The Moon o Something Stupid– que el crooner estadounidense elevó a la categoría de himnos.

Los homenajes seguirán el día 15 de diciembre con el espectáculo RUC’N’ROLL, dedicado a los clásicos del rock catalán y la actuación de la prestigiosa banda Abbey Road, que el sábado 16 de diciembre presentará THE BEATLES SHOW, un espectáculo 100% Beatles único en Europa que combina la tecnología con la esencia del cuarteto de Liverpool. Además, el grupo interpretará por primera vez en directo la nueva canción de los Beatles, Now and Then.

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El 21 de diciembre será el turno de THE MAN WHO SOLD THE WORLD, la banda tributo al camaleónico David Bowie, que no solo se atreve a interpretar con éxito un repertorio ecléctico como el del Duque Blanco, sino que lo hace rindiendo también homenaje a la capacidad de la música británica para emocionar, provocar y conmover al público.

La siguiente cita será el 29 de diciembre con QUEEN FOREVER, considerado como el mejor Queen después de Queen, tal y como lo avalan los miles de fans y las numerosas crónicas de medios especializados. El grupo mallorquín se enfrenta con el repertorio de la banda de Freddie Mercury, lo hace suyo y lo interpreta con tanta solvencia y entusiasmo que, si los espectadores cierran los ojos, se imaginan en el Live at Wembley de 1986 y, si los abren, se sorprenden con la puesta en escena y los detalles del vestuario, viva imagen del grupo original.

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El día 31 de diciembre ABBA THE NEW EXPERIENCE -actualmente, una de las mejores bandas tributo a Abba– serán los encargados de despedir el 2023 con una divertida fiesta cargada de energía y mucho ritmo en La Cúpula, el escenario más elevado de Barcelona, ​​situada en el Km 0 de las grandes celebraciones de Año Nuevo. Después de homenajear al cuarteto icónico sueco en prestigiosos festivales, el grupo tributo presenta Evolution, un espectáculo más visual, más emocionante i más Abba.

El Día de Reyes (6 de enero) regresa El Rey de la mano de GREG MILLER, considerado por la prensa internacional como el mejor imitador de Elvis Presley de todos los tiempos. Greg mantuvo una estrecha relación con Elvis en sus últimos años de vida, perfeccionando sus dotes imitando al Rey. En su espectáculo legendario, Miller interpreta los clásicos de Elvis acompañado del prestigioso grupo de rock Elvis Tribute Band (ETB) y luce un imponente vestuario confeccionado en las mismas sastrerías de Las Vegas donde los encargaba el propio Elvis.

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Función especial 15a temporada de NAVIDAD CON TONI MOOG y concierto de LULÍ PAMPÍN

El 30 de diciembre el humorista Toni Moog vuelve a casa por Navidad para seguir jorobando al espíritu Navideño después de 14 temporadas de éxito, reviviendo las típicas escenas de estos días tan señalados (y, a menudo, insufribles) pasadas por el turmix sin botón de stop del caústico cómico. La representación en La Cúpula de NAVIDAD CON TONI MOOG es la única oportunidad para esta temporada en Barcelona de disfrutar de un espectáculo que ya se ha convertido en un clásico navideño como Els Pastorets, la Fira de Santa Llúcia o el vestido de la Pedroche.

Y el jueves 4 de enero será la artista infantil LULÍ PAMPÍN la encargada de hacer cantar i bailar al público con su show Bienvenidos. Más de 12 millones de seguidores -los lulipampineros– se aprenden cada canción y cada coreografía de los exitosos vídeos de esta ídolo internacional, que suman más de 6.000 millones de visualizaciones.

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Entradas Teatre Cúpula Arenas: https://teatrecupulaarenas.com/