Ferdinando Vicentini Orgnani, director de cine: “¡La democracia con miedo a la crítica está enferma!”

Mi grabadora despierta con la llamada de Ferdinando. Y, rápidamente, desecha bostezos burgueses para enderezarse decidida al compás de la intensidad del realizador.

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¿Qué es UN MINUTO DE SILENCIO?

Un documental sobre el cambio político en Bolivia durante los últimos quince años, un país que pasó de ser neoliberal (y con un pasado caracterizado por la violencia y la inestabilidad) a vivir una presunta revolución socialista con Evo Morales al frente.

 ¿Por qué hablar de ello?

Porque mucha gente ignora la situación de allí. Cuando empecé a rodarlo en 2008, yo estaba entusiasmado con ese cambio. Y con la increíble participación popular. ¡Después de quinientos años de exclusión total, los bolivianos podían tocar con sus manos el poder! Yo venía de Europa, donde la política, especialmente en Italia, se ve como algo muy negativo…

¿Qué pasó con el triunfo electoral de Morales?

Morales suponía una nueva oportunidad. Y contaba con el apoyo de la mayoría de la población: No solo indígena, sino también los intelectuales. Fue un espectáculo extraordinario: Todos tenían la esperanza de que habría un cambio. Ahora, Evo tiene un poder casi absoluto. El poder absoluto es algo muy peligroso para un presidente y hasta tuve la tentación de volver a Italia sin acabar la película.

El físico Francesco Zaratti cita a Nietzsche en tu película: “Miramos un árbol y nos fijamos en el fruto cuando deberíamos mirar las semillas.”

¡Se refiere al error que está cometiendo el Gobierno de Evo! Es una pena que la experiencia de una revolución democrática de inclusión social se esté transformando en una dictadura encubierta. No hay oposición: Todos los demás líderes con algo de carisma están encarcelados o retirados de la vida política. ¡La democracia que tiene miedo de la crítica está enferma!

También aparece el expresidente Gonzalo Sánchez de Lozada.

No fue precisamente un santo, pero en los años noventa su primera gestión incluyó una serie de reformas muy interesantes. Sin embargo, acabó muy mal. En mi película, también muestro lo desatroso que fue su segundo gobierno, que provocó su huida a Estados Unidos con toda la familia.

¿Cómo fue el encuentro con él?

Cuando llegué a Bolivia por primera vez, la gente le tildaba de genocida. Al entrevistarle, me explicó lo que su padre le enseñó: Que, para ser un hombre, hay que plantar un árbol, escribir un libro, tener un hijo y exiliarse…

Hablas de la importancia de la coca para los bolivianos: La toman para empezar el día y trabajar pero, a la vez, parece como si pudiese acabar con el país.

En Bolivia, se toma tradicionalmente. Lamentablemente, en los últimos años ha crecido mucho la producción destinada a fabricar la cocaína. Y, ahora, los narcotraficantes mexicanos y colombianos van al Alto (La Paz), a comprar la pasta base de la coca… Se ha convertido en algo muy importante para la economía del país.

Tu obra es muy explícita: En ella, escuchamos críticas abiertas a los diferentes gobernantes. Y vemos las cosas directamente.

En UN MINUTO DE SILENCIO, detallo el ataque de los militares a la Marcha indígena del TIPNIS. Eran de las tierras bajas. Votaron a Morales y, luego, se sintieron traicionados. Me costó mucho dar con ellos: Estaban convencidos de que me seguía la policía secreta. ¡Tenían mucho miedo!

¿Un director de cine no es como un policía secreto?

En los primeros viajes, conté con un pequeño equipo de producción boliviano. Pero después, cuando la situación cambió, acabé siendo como un turista filmando con su pequeña cámara…

¿Qué frutos está dando UN MINUTO DE SILENCIO?

El periodista Carlos Valverde, que también aparece en el filme, me ayudó a distribuirla en Bolivia. Solo se vio en Santa Cruz, La Paz y Cochabamba. Fue de manera muy precaria porque no podíamos hacer publicidad. Pero la prensa independiente le dio mucha cobertura. También la hemos llevado a Sâo Paulo, Oaxaca (México) y al Festival de cine latinoamericano de Trieste.

No es tu primera película controvertida.

En el 2002, rodé ILARIA ALPI-EL MÁS CRUEL DE LOS DÍAS, sobre una periodista asesinada en Somalia y me vi implicado en siete procesos penales. Ahora se exhibe en las escuelas de toda Italia. En esta ocasión, opino que uno puede meterse con la izquierda y sus mitos intocables. ¡Se puede juzgar un Gobierno revolucionario! El sentido de un documental político es subrayar las contradicciones y ofrecer una visión lo más amplia posible la realidad…

Recomiéndame una película de ficción.

LA DOLCE VITA, que me sorprende cada vez que la veo. Me gusta muchísimo Fellini, por su gran capacidad de comprender la esencia de mi país con una visión muy profética.

Mi grabadora se endulza finalmente con la sonrisa de Ferdinando. Y la vida triunfa aquí y allí.

Por Juan Marea

http://www.unminutodesilencio.org/

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Crítica teatral: Rhum, en el Teatre Lliure.

rhum_2Cuando se acercan las Navidades parece como si el circo y con él los payasos volvieran de nuevo a la vida. Es en esta época cuando comienzan a aparecer en la ciudad grandes y coloridos carteles anunciando la llegada de clásicas compañías circenses que aseguran hacer la delicia de los niños y de los adultos. Un suceso, este, que se combina en el Lliure de Gràcia con la representación de Rhum, un merecido homenaje a los payasos y sobre todo a la figura de Joan Montanyès Monti, payaso de referencia de las pistas catalanas fallecido el pasado año, un proyecto del propio Monti, Jordi Martínez y Martí Torras Mayneris dirigido por este último.

Rhum & Cia llevan años sin trabajar y nunca les llaman para actuar en ninguna parte. Sus payasos malviven en el almacén de la compañía y un día reciben una llamada inesperada: tienen un bolo. Han conseguido un bolo. Hay bolo, sí… de la noche a la mañana. Todos los miembros de la compañía se movilizan: sacan el polvo de los instrumentos, las polillas de los vestidos y ensayan el espectáculo que los hizo famosos. Pero tienen algunos problemas: En el bolo tiene que actuar Rhum y además hay dos carablancas en la compañía y la pista de circo es demasiado pequeña para tanta inteligencia. Uno de los dos deberá dejar de ser el payaso listo y tendrá que ponerse la nariz roja.

Rhum se convierte en un múltiple homenaje. El primero al payaso al que hace referencia el nombre de la obra, Enrico Jacinto Sprocani ‘Rhum’. El segundo a Monti, que además formó parte del desarrollo inicial del proyecto que se representa en la actualidad en el Lliure de Gràcia. Y por último al mundo del circo y del clown.

El estilo del espectáculo recuerda a Petita feina per a pallasso vell, una pequeña obra que se estrenó en el 2010 en el Club Capitol, y que nos mostraba a unos viejos payasos que malvivían en el mundo ordinario y que se enfrentaban por conseguir una última oportunidad laboral que les permitiese regresar a los escenarios. Una obra en la que ya participaran tanto Monti como Jordi Martínez.

rhum_1En el caso de Rhum el espectáculo arranca con una compañía de payasos que no ha trabajado desde hace tiempo, y que ha de ensayar de forma atropellada su viejo espectáculo para actuar en un bolo para el que se le acaban de contratar. A través del ensayo el público re-descubrirá el mundo del circo y podrá disfrutar con la batería de números, gags y sketchs humorísticos propios de una compañía de payasos de circo que arrebatarán innumerables risas y sonoras carcajadas tanto a niños como a mayores.

Rhum es un divertimento, un espectáculo propio de las fechas en las que vivimos, aunque no del todo redondo. Me explico. El desarrollo del espectáculo es el correcto y el esperado en este tipo de representaciones, si bien en él podemos intuir los arreglos y los cambios que el espectáculo sufrió tras la muerte de uno de sus creadores, con el objetivo de convertirlo en un nuevo proyecto, por lo que el relato que subyace en él no acaba de armonizarse del todo, lo que comporta que la naturaleza de la obra se resienta en su globalidad.

Algo que contrasta, por otra parte, con el acierto en el ámbito de las interpretaciones. Si el desarrollo creativo de la obra muestra algunos trazos deshilachados, se colma, por el contrario, gracias al trabajo de los actores. Guillem Albà, Joan Arqué, Roger Julià, Jordi Martínez y Pep Pascual ponen toda la “carne” escénica y humorística en el asador para dar vida a los diferentes miembros de una compañía de clowns que harán pasar un muy buen rato, se lo aseguro, al público asistente, que lo que busca, en definitiva, es disfrutar de una clásica y divertidísima actuación de payasos.

Un magnífico esfuerzo grupal que convierte el escenario del Lliure de Gracia hasta el día 10 de enero, en una pequeña y muy personal pista de circo en la que los corazones de los actores y de los espectadores vibrarán con la ilusión y el humor necesarios en una época del año en la que la magia y la nostalgia se apoderan, sin duda, del espíritu de muchos de nosotros.

Rhum” se representa en el Teatre Lliure de Gràcia del 17 de diciembre de 2014 al 10 de enero de 2015

Dramaturgia: Martí Torras Mayneris, Joan Montanyès Martínez y Monti & cia
Dirección: Martí Torras Mayneris
Reparto: Guillem Albà, Joan Arqué, Roger Julià, Jordi Martínez y Pep Pascual
Dirección musical: Pep Pascual
Música original: Pep Pascual y Monti & cia
Escenografía: Sarah Bernardy y Martí Torras Mayneris
Vestuario Rosa Solé
Iluminación: Quico Gutiérrez
Sonido: Ramon Ciércoles
Caracterización: Toni Santos
Producción: Velvet Events y Grec 2014 Festival de Barcelona

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas (31/12 no hay función).
Precio: 23 € / 9 € menores de 14 años
Duración: 1 hora y 25 minutos sin pausa
Idioma: catalán y castellano
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Jorge Pisa

Crítica cómic: Natacha, François Walthéry, Dolmen editorial

NatachaNatacha es un personaje surgido del cómic franco-belga que se empezó a publicar en la revista Spirou en 1970 de la mano del guionista y dibujante François Walthéry, con guión en las primeras historias del también guionista y dibujante Gos.

Walthéry concibió a Natacha como una guapa, joven y desenfadada azafata propensa a meterse en líos y vivir aventuras allá donde viajaba como azafata de avión, acompañada en muchas ocasiones del aturdido y algo alocado auxiliar de vuelo Walter, que no duda en seguirla debido a la amistad que los une y a sus evidentes encantos. Ambos son los dos personajes principales del serial.

Natacha es un personaje femenino fuerte, independiente y de acción, algo que no era frecuente encontrar en una protagonista en la bande dessinée de aquellos años y mucho menos con curvas, por lo que fue un éxito desde que apareció y ya cuenta con 22 álbumes publicados hasta la fecha.

El personaje no es muy conocido en España ya que su publicación fue muy corta: un par de álbumes en 1978 en la editorial mejicana Novaro y en algún número de la revista Super Spirou Ardilla en 1980. Pocas apariciones que supieron captar, sin embargo, la atención de los lectores que la descubrieron, en parte porque se escapaba de los estándares físicos femeninos del tebeo juvenil a los que se estaba acostumbrado por aquel entonces.

Natacha-azafata-1-pag-42144 años después de su creación Natacha aterriza como es debido en España de la mano de Dolmen Editorial. Es decir, presentada en cuidados tomos desde el principio de sus aventuras y complementándose con interesantes extras, igual que en la edición original. A diferencia del también recomendable tomo de Los Hombrecitos, en el que algunas historias no tenían la calidad de impresión deseada por problemas de escaneos y originales, no hay peros en esta edición cronológica que es perfecta y que además posee una buena calidad de papel y de presentación.

Natacha ya era un cómic avanzado a su tiempo, los años 70, en lo que respecta a la narración, por lo que sigue siendo un cómic muy moderno y ágil al ser leído en la actualidad. No escatima en viñetas y dibujos de gran calidad por página y en las cuatro historias incluidas en este primer tomo ya se aprecia la evolución grafica de Walthéry, aunque parte de un nivel ya muy alto. No ocurre como en otras series clásicas de cómics en las que las primeras historias tienen un dibujo mucho más simple y arcaico. Esto se debe a que el autor ya era un genio del dibujo cuando inicio Natacha a la edad de 24 años.

En este primer tomo de Domen Editorial encontraremos pura aventura: historias policíacas, secuestros, selvas perdidas, malvados dictadores, disparos, persecuciones, acción y emoción sazonadas con una pizca de humor sutil:

Natacha, Azafata de vuelo. Guión: Gos. Dibujos: Walthéry (44 páginas)
El avión en el que vuela Natacha es secuestrado, lo que obliga a realizar un aterrizaje forzoso en una selva habitada por una peligrosa tribu de reductores de cabezas.

Natacha y el Maharajá. Guión: Gos. Dibujos: Walthéry (42 páginas)
Natacha y sus amigos se hallan practicando pilotaje de aviones ligeros y paracaidismo. El Maharajá Mamad Zarrad quiere reclutar a un grupo de estos expertos paracaidistas para fines turbios. Nuestra protagonista y su amigo Walter acabarán siendo acusados de espionaje e intentarán huir del país del Maharajá.

Un momento de pánico. Guión: Wasterlain. Dibujos: Walthéry (18 páginas)
Natacha y Walter se encuentran trabajando en un avión en el que han colocado una bomba. La tensión esta servida…

La memoria de metal. Guión y dibujo: Walthéry. Basado en una novela de Etienne Borgers. (26 páginas)
Una azafata amiga de Natacha implora la ayuda de esta al verse perseguida por dos peligrosos hombres que le reclaman un “objeto”. Nuestra protagonista se verá atrapada en una espiral de violencia para salvar su vida, mientras intenta resolver el misterio que esconde ese “objeto”.

François Walthéry
François Walthéry

Como se puede observar, aunque Walthéry está al frente de la parte gráfica, la serie ha contado con guionistas de la talla de Gos, Peyo, Maurice Tillieux, Raoul Cauvin, Mittéï y Marc Wasterlain, pero sin perder la esencia del personaje ni la cohesión de la historieta.

Natacha aparece en un momento de la primera aventura amordazada, y es que su creador juega con el morbo y el erotismo suave que desprende su sexy personaje sin proponérselo, presentándola en situaciones aparentemente inofensivas, como atada para que no escape. Una baza es su atractivo erótico que ha encandilado a miles de lectores. La ultima historia del tomo, La memoria de metal, es la más completa en relación al argumento y al trabajo artístico. Es trepidante y con un ritmo muy cinematográfico. Y nos deja con ganas de leer nuevas historias de esta azafata.

Los extras que ocupan un total de 20 páginas, están muy bien y además de relatarnos la biografía de Walthéry y el proceso de creación del personaje, informan al lector de anécdotas y curiosidades de las historias incluidas en el tomo. Impagable y potente la viñeta en broma que le mostraron al editor Charles Dupuis, y que luego sirvió para ilustrar la revolución sexual en el cómic belga.

Los tomos de Natacha aparecerán en Dolmen editorial en principio cada tres meses. Así que ya lo sabes, si te gustan los cómics clásicos del estilo de Spirou y Fantasio, no dejes pasar esta oportunidad!!

Titulo: Natacha
Guionista: Gos, Wasterlain, Etienne Borge
Dibujante: Walthéry
Encuadernación: Cartoné
Tomo 1
Editorial: Dolmen Editorial
Paginas: 160
Precio: 29,95 euros.
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Taradete

Descalzos en Cincómonos Espai d’Art: Simpático resfriado

Cuando Neil Simon creó a la “extraña pareja” de Paul y Corie se limitó a recordar al espectador que él mismo también podía ser un personaje teatral. ¿Quién no ha desafiado por amor las leyes de la prudencia y el orden? ¿Hay alguno entre nosotros que pueda decir en voz alta y clara que no le encanta la locura del amor imprevisible e incontrolable? Si lo hay, por favor, manténgase receptivo, que estas líneas van por él.

Mucho antes de que el amable Neil llegara, ya existían tipas de delicioso desequilibrio como Katharine Hepburn y sus víctimas indefensas, tipos irresistiblemente rígidos del perfil de Cary Grant.

A estas alturas, si uno aspira a ser recordado por líneas como estas, mejor será que desista de pretender ser original hablando de que los polos opuestos se atraen. Escribiré, pues, sobre el placentero goce de reconocerlo una vez más. Y el lugar de los hechos fue esta vez Cincómonos Espai d’Art, acogedor rinconcito para entrar a vivir ya emociones escénicas.

descalzos

Los viernes representan DESCALZOS, una nueva versión de “Barefoot in the park” de Simon, que prolonga el acierto de ofrecer con un humor blanco, a veces desternillante, las dificultades de arrancar de una parejita recién nacida (chispeante Anabel Riquelme, enternecedor Pablo Salinas) provocando, con sus ingenuos lances, el maravilloso efecto secundario de formar una pareja madura (excelsa Lucía Jurjo, entrañable Jorge Salinas) que acabará dándoles la lección definitiva: Disfrutemos juntos y hagamos de nuestras diferencias la fiesta más ruidosa.

El mismo Pablo dirige con desenvoltura esta comedia romántica de réplicas a veces afiladas pero, al fin y a cabo, inofensiva y consigue un extraordinario equipo interpretativo: La química de ambas parejas es ejemplar y el ritmo que insuflan a sus embates sentimentales está sabiamente administrado. Y también se asoma la eficacia de ese robaescenas que es Christian Salinas que aquí (y quizás porque estos sean días de compartir con la familia) no se queda para él sino que amplía su horizonte escénico.

Salinas pincha, en cambio, en su concepción escenográfica: Teniendo en cuenta que el personaje central de esta pieza es el cuchitril (y ático sin ascensor) donde Paul y Corie hacen y deshacen su nidito de amor, y que gran parte de la comicidad de la historia radica en la estrechez del espacio, nos encontramos un escenario tan despejado que no nos resulta creíble. Tampoco se muestra acertado en algunas transiciones de escenas, interrumpiendo la agilidad que sus actores reparten a raudales.

¿Será que esto de andar sin zapatos por recomendables parques reclama un confort burgués que contrarreste tanta dicha?

Por Juan Marea

DESCALZOS se representa en Cincómonos Espai d’Art de Barcelona el viernes 26 de diciembre a las 21 h.
http://www.cincomonos.org/descalzos.html

Crítica gastronómica: Naya Gastromusic, Barcelona.

Naya gastromusic_1A nadie se le escapa que la ciudad de Barcelona es desde hace años un referente internacional en lo que respecta a la gastronomía y la innovación culinaria, lo que comporta que la oferta gastronómica se amplíe rápidamente. Este es el caso de Naya Gastromusic, una nueva propuesta que aúna la cocina selecta con una oferta musical y cultural variada.

El nuevo restaurante, inaugurado el pasado mes de octubre, está situado en Gran Vía de les Corts Catalanes 459 y su cocina está a cargo de la santacrucera Diana Marcelino, que ha trabajado con chefs como Juan Carlos Clemente, Martin Berasategui o Paolo Casagrande. Marcelino ofrece una cocina actual y selecta con un ojo puesto en aquellos comensales que quieren degustar la originalidad y la innovación en la cocina presentada con un estilo joven y fresco.

Naya Gastromusic, como su propio nombre indica, ofrece además a los comensales una fusión entre comida y ocio cultural que resalta su presencia en Barcelona, siguiendo modelos de negocio gastronómicos ya existentes en otros países de Europa. Una oferta musical que se programa los fines de semana y que hará pasar por el restaurante actuaciones en formato reducido y acústico de géneros como el funk, jazz, groove, blues, pop y propuestas innovadoras y de fusión, el sello propio del restaurante.

La apuesta gastronómica y cultural de Naya está dirigida a un público joven-adulto con ganas de gozar de una cocina moderna y de disfrutar tras la cena de una actuación en pequeño formato, algo que en parte recuerda, si bien de forma actualizada, a los clubs nocturnos de antaño, una idea que se impone poco a poco en las calles de Barcelona.

Naya gastromusic_2Naya Gastromusic posee una carta que incluye 6 platos de picoteo, 23 platos principales y para compartir y 5 postres diferentes. En el menú degustación que probamos destacaban sobre el resto tres de los platos que nos hicieron probar: el Secreto ibérico con rúcula y parmesano; la coca con tomate, cebolla caramelizada y anchoas y la carrillera de cerdo ibérico, todo un acierto para compartir en buena compañía. A lo que hemos de sumar una carta de vinos que incluye diversas referencias de procedencia Rioja, Duero, Andalucía y Cataluña. Por último Naya Gastromusic suma una variedad de cócteles con los que acompañar el final de la cena y la interpretación musical y que incluye varios de los combinados clásicos, algunos de ellos en su versión sin alcohol.

El espacio de la sala comedor tiene una disposición rectangular con el escenario al final del mismo, donde actúan los grupos invitados. Tanto las mesas como los asientos estás pensados para compartir platos y conversaciones. Por su parte el servicio destaca por su sencillez y cortesía.

Naya Gastromusic está abierto de domingo a jueves de 18:00 a 02:00 horas y los viernes y sábados hasta las 03:00, concentrando de momento su actividad en las cenas. Su oferta se dirige especialmente a grupos que quieran disfrutar de un ambiente distendido y musical, en el cual la interacción entre el escenario y los asistentes se puede dar fácilmente. Un ambiente gastronómico en el que la música se puede gozar muy de cerca y, como la propia publicidad del local especifica, una propuesta con la que reunirse con amigos o compañeros de trabajo para tomar una copa tras la jornada laboral en un ambiente desenfadado.

INFORMACIÓ PRÀCTICA

Naya Gastromusic
Gran Via de les Corts Catalanes, 459
www.naya-barcelona.com
Tel.: 935 27 50 86
Email: info@naya-barcelona.com
Reservas: http://www.naya-barcelona.com/index.php/reservas

Cómo llegar:
Metro: Línea 1 – Rocafort
Autobuses: H12, 50 y nit bus

Horario:
De domingo a jueves, de 18:00 a 02:00 horas
Viernes y sábado, de 18:00 a 03:00 horas
Lunes cerrado
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Jorge Pisa

La casita de Chocolate en la Sala Karpas: ¿Hay algún dentista en la sala?

Hansel y Gretel merodean estos domingos por la Sala Karpas de Madrid. Y con su habilidad para zaherir y una contagiosa afición por la distracción llevan a la desesperación al Brujo Escalambrujo, al borde de la inanición y casi a dejarle sin techo.

La Compañía sirve una versión muy desenfadada del cuento recogido por los Hermanos Grimm en el que la “joie de vivre” aplasta cualquier aspecto tétrico o adoctrinador. Porque parece que ya no estamos para cuentos. Y sí para pasarlo bien.

Así que organizan un “show” que toma un poco de “Pulgarcito” (la perseverancia de los protagonistas por recuperar el equilibrio familiar después del repetido abandono por parte de los padres), otro poco de “Alicia en el país de las maravillas” (esas plantas dicharacheras y con dificultades para aguantar la compostura) y hasta de “La bola de cristal” (los ripios amenazadores de la Bruja Avería aquí los recoge un malvado una y otra vez apaleado), un puñado de canciones sabrosonas (que van de la rumbita a la salsa) y algunas morcillitas coyunturales para que los adultos también se laman un poquito los dedos. Todo ello acaba convirtiendo el material de partida en un mero pretexto para conseguir una horita de entretenimiento encantador pero banal.

casita

Belén Orihuela y Nerea Rojo paciendo azúcar.

Porque aquí Gretel es una ingenua histérica; Hansel, un niño extremadamente prudente; y el enemigo, un bobalicón tan inocuo como simpático. Poco importa la lucha entre el Bien y el Mal. Incluso volver a casa sanos y salvos si podemos engullir dulces nada nutritivos y bailar al son de criaturas imprevisibles (lo mejor de la función: el escarabajo Baldomero, con un salado Chema Moro).

La propuesta de Manuel Carcedo Sama se resiente, en lo dramatúrgico, de esta dispersión narrativa: Por una parte, a duras penas avanza la historia. Por otra, la dirección de actores adolece de una falta de cohesión evidente: algunos son excesivamente histriónicos; otros, demasiado contenidos. En cambio, aplaudimos el tono festivo de su dirección: La diversión es constante gracias a esa mezcla de delirio ocioso de los protagonistas, que incluye los tiernos mugidos de una vaca tan despreocupada como los dos hermanitos y en quien recaerá, entre pasos de baile zumbones y repetidas expresiones de sorpresa, la tarea de enderezar a los terribles niños a la hora de urdir su plan de derribo del famélico hechicero y triunfal victoria final.

 Por Juan Marea

 

LA CASITA DE CHOCOLATE se representa en la Sala Karpas de Madrid.
http://www.karpasteatro.com/programacion-actual/programacion-infantil-gg/la-casita-de-chocolate

Crítica teatral: Prendre partit, al Teatre Goya

prendre partit goya_2Josep Mª Pou des de fa uns anys es dedica a dirigir aquelles obres que li agradaria veure a ell, sense amoïnar-se de si estarà de moda i, sobretot, sense preocupar-se si el públic en general respondrà al seu missatge. Així que Pou ens està acostumant a un teatre que retorna a l’essencial de l’escenari, el text, la paraula i el silenci. Un teatre clàssic i de vegades fins i tot acadèmic que tracta de ferir el cap i les ments dels espectadors per remoure els seus valors o la manca d’ells.

Prendre partit ens explica la relació del director musical Wilhem Furtwängler amb el nazisme. I com, tot i fer un seguit d’investigacions sobre la seva vida pública i privada, no es va poder demostrar la seva afecció amb el règim. «¿Què havia de fer… Quedar-me o marxar?» diu Furtwängler, qui es sent impotent i exageradament passiu davant les preguntes intimidatòries del comandant Arnold. Aquesta pregunta, serà la llosa que arrossegarà el director després d’haver renunciat a fugir d’ Alemanya per dirigir l’Orquestra Filharmònica de Berlín durant el període nazi.

La posada en escena d’aquesta versió de ‘Prendre partit’ —l’original es va estrenar a Londres i Broadway el 1995 i el 1996, i es va adaptar al cinema (‘Taking Sides‘, 2001), sota la direcció d’István Szabó— aprofundeix en la lluita entre cultura i política, i l’ús que en fa el poder de la cultura a favor dels seus interessos, trepitjant la llibertat dels artistes. Aquesta contradicció enfronta els dos protagonistes del duel: el mateix director d’orquestra Wilhem Furtwängler (Josep Maria Pou) i el major nord-americà Steve Arnold (Andrés Herrera), un personatge obsessionat en trobar el punt feble, real o imaginari, dels acusats en els seus interrogatoris una vegada finalitzada la Segona Guerra Mundial.

L’obra pretén activar la reflexió de l’espectador i no cau en el maniqueisme, sinó al contrari, el públic surt fent-se la pregunta, “jo m’hagués quedat? Hagués marxat?” Una qüestió que es va repetint a mesura que avança l’interrogatori.

L’escenografia ajuda a l’espectador a entrar dins el contextt. Se’ns presenta un marc de postguerra i desolació, escenificat amb una edifici mig derruït. El saló gris amb els grans finestrals trencats, és el marc perfecte per simbolitzar no només l’Europa de la postguerra (l’edifici), sinó també la fragilitat de l’animà humana (els finestrals) dins una situació extrema, i com s’adapta a ella cadascun dels personatges.

prendre partit goyaEl que ha aconseguit Pou en la seva direcció és que cap dels personatges es mengi els altres, i per això tots tenen el seu propi espai de reflexió on despullen les seves misèries i personalitats. Per sobre de tots i com a conductor dels altres tenim al major Steve Arnold que en certs moments ens ha semblat massa intens. Pou com a contrapunt de l’exagerada adrenalina del seu inquisidor, es mostra seré i intel·ligent. Però per sobre de tots destaca el rol de l’actor Pepo Blasco en el paper de segon violí de la Filharmònica Helmuth Rode. Mesurat, humà, contingut, i ple de matisos. Blasco ens presenta així el seu personatge i aconsegueix enganyar l’espectador sobre la realitat que l’envolta fent tot un viatge interior des de l’ pretesa innocència fins a la caiguda als inferns.

L’obra en certs moments perd el seu ritme i resulta lenta, ja que ens trobem amb escenes amb llargs silencis que pretenen donar un espai de reflexió a l’espectador, perquè sigui ell qui construeixi la seva pròpia veritat. La situació d’aquest silencis està perfectament estudiada dins els interrogatoris i marquen una bretxa entre la cultura representada pel director musical i la política representada pel seu interrogador.

L’atmosfera està embolcallada per una banda sonora que neda entre els enregistraments de la Orquestra Filharmònica i el soroll dels bombardejos que retronen dins el cap del major Arnold, en un intent d’afrontar el que ha vist als camps de concentració. I aquesta visió és la que no deixa a Arnold soltar la presa, intentant per tots els mitjans dictar un judici interpretant les proves per condemnar a Furtwängler.

A l’espectacle, tot i tenir moments brillants, encara li falta recorregut. En alguns moments pot resultar dens, però l’estètica general, recolzada per una il·luminació i un vestuari molt encertat, ajuden a alleugerir-la. A més la feina dels actors acaba de perfilar una obra que ja s’espera dura per la mateixa temàtica que tracta.

Prendre partit” es representa al Teatre Goya fins a l’1 de març de 2015.

Autor: Ronald Harwood
Traducció: Ernest Riera
Direcció: Josep Maria Pou
Repartiment: Josep Maria Pou, Andrés Herrera, Sandra Monclús, Anna Alarcón, Pepo Blasco i Sergi Torrecilla
Escenografia: Joan Sabaté
Il·luminació: David Pujol
Vestuari: María Araujo
Espai Sonor: Àlex Polls
Caracterització: Toni Santos
Producció: Focus

Horaris: de dimarts a divendres a les 20:30 hores; dissabtes a les 18:00 i a les 21:00 hores i diumenges a les 18:00 hores
Preu: de 24 a 28 €
Idioma: català
Duració: 1 hora i 50 minuts (sense entreacte)
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Tere Gilisbars

Fisuras en el Teatro María Guerrero: Si duelen, que se queden.

Compartir techo de un hospital permite contrastar heridas. Y, cuando la tragedia empieza a relativizarse por la recuperación diaria, también los pacientes pueden compartir su temor. Por lo que sucedió y cómo afectó a quines les rodean. Y lo que resulta más interesante dramatúrgicamente: por si pretenden volver a ser quienes eran o, en cambio, están dispuestos a seguir adelante.

El Centro Dramático Nacional propone hasta el domingo 21 de diciembre que el espectador meta el dedo en las FISURAS de Diana I. Luque. La forma que sugiere la autora es adoptando la mirada entre rutinaria y escéptica de los estudiantes MIR. Juntos, podemos pasar visita a dos casos clínicos de diferente índole aunque a ambos une una cerrazón a la pronta superación de sus males: un bailarín aterrorizado al descubrir que sus piernas pueden volver a moverse y un niño (magnífico Ángel Perabá) cuyo corte en la mano no es más que una llamada de atención a un padre sonámbulo incapaz de rehacer su vida sentimental.

A continuación, se diseccionan retazos del realismo coyuntural de los dos citados que se comparan, interseccionan y, finalmente, alejan para dejar que ambas líneas argumentales cicatricen en su propia piel. La autora recurre a dos personajes femeninos para que los enfermos puedan decidir si se hunden en su desesperación o bien se agarran a la cuerda fuertemente tensada por el vitalismo (una bailarina que emprenderá el vuelo profesional soltando el lastre del novio convaleciente, una psicóloga infantil oportunamente jovial para que el precoz niño madure).

Y lo que en el papel son poco más que apuntes sobre criaturas dramáticas, en el escenario imploran una entidad que David Ojeda como director otorga parcialmente: la presentación de los personajes vibrante y trepidante aunque efectista como si ejecutasen una danza fatal. En la misma dirección, Ojeda potencia la ambigüedad que acerca y aleja a unos y a otros (el doble papel femenino interpretado por la elegante Xenia Sevillano, que derrochan firmeza exterior y de los que, a la vez, brotan gotas de inseguridad personal). Y, en fin, David realza las preguntas que el texto plantea para salvar al público de la sensación de excesiva fragmentación: ¿Un accidente puede suponer un punto de inflexión en la vida de uno? Y, si fuese así, ¿nuestra cobardía nos permitiría asumirlo?

Por Juan Marea

 

FISURAS se representa en el Teatro María Guerrero de Madrid (c/ Tamayo y Baus, 4) hasta el 21 de diciembre.
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Crítica teatral: En el estanque dorado, en el Teatre Romea.

En el estanque dorado_RomeaExiste un tipo de obras de teatro, de historias en definitiva, que podríamos considerar generacionales y que no solo están interpretadas por actores y actrices de una cierta generación, sino que están dirigidas principalmente a un público también de esa generación. En el estanque dorado es una de ellas y nos habla sobre la vejez, los últimos años dorados, de una pareja que, como cada año, va a pasar los meses estivales en la cabaña que poseen cerca del lago.

Ethel y Norman Thayer son un anciano matrimonio que pasa sus vacaciones en un lugar paradisíaco: El Estanque Dorado. Norman, un hombre muy activo, soporta muy mal las limitaciones de la vejez y la proximidad de la muerte. Inesperadamente, llega de visita Chelsea, la hija de los Thayer, que siempre ha mantenido unas relaciones muy tensas con su padre.

La obra de Ernest Thompson es un clásico del teatro contemporáneo traducida a treinta idiomas y representada en más de 40 países. El Romea nos ofrece, en esta ocasión, una versión de Emilio Hernández dirigida por Magüi Mira, que actualiza mínimamente la obra representada por primera vez en Estados Unidos en el año 1979.

En el estanque dorado nos habla de la vejez y de la proximidad de la muerte. Ethel (Lola Herrera) está en la sesentena aunque mantiene un espíritu joven y activo. Norman (Héctor Alterio), está en la setentena rayando la ochentena, posee un carácter burlón y cínico, su salud ha empeorado en los últimos años y vive afectado por los pensamientos de una muerte cercana. La tranquila estancia de la pareja se verá alterada por la llegada de Chelsea (Luz Valdenebro) y su nueva pareja (Camilo Rodríguez), que acompañados por Billy (Adrián Lamana), el hijo de él , pasarán unos días en la cabaña del estanque. La llegada de Chelsea y Billy afectarán de pleno el día a día de los Thayer y permitirá el contacto entre generaciones diferentes. La representación se divide en diferentes actos que marcan los diferentes meses de la estancia en la cabaña. Gracias a ellos iremos conociendo el carácter y la personalidad de Ethel y Norman y la situación vital en la que se hallan.

En el estanque dorado_Romea_2Al reseñar esta obra uno se ha de sentir influenciado, claro está, por la versión que en el año 1980 interpretaron en la gran pantalla Henry Fonda y Katherine Hepburn, dirigidos por Mark Rydell y en la que la propia hija de Fonda, Jane, interpretaba el papel de Chelsea. Un listón muy alto, que la versión de Hernández y Mira sigue muy de cerca y de la que solo cambia algunas formas en la expresión y en el estilo de la obra, corriendo la representación por los cauces originales. Es por ello que la obra se convierte en una oportunidad de lucimiento para los actores principales, Herrera y Alterio, que saben proveer a esta tragicomedia de los momentos de humor oportunos y de los instantes de emoción y ternura que requiere. Casi podríamos decir que la obra está hecha para ellos, Herrera haciendo de Herrera y Alterio proveyendo al personaje de ese ingrediente de fragilidad y sorna que requiere.

Es así que la obra es un producto redondo y reconocible. Redondo porque la propuesta está bien concebida y desarrollada y reconocible porqué se mantiene en los cauces clásicos del proyecto original. La representación, además de enriquecerse con las interpretaciones de Herrera y Alterio, se nos presenta envuelta en un magnífico escenario que nos muestra el interior de la cabaña en la que acontece la acción de la obra y que acaba potenciando la sensación de familiaridad que de por sí ya genera el texto.

En el estanque dorado es una nueva oportunidad de gozar de Herrera y de ver a Alterio sobre los escenarios barceloneses, y es una apropiada propuesta para la época del año en la que estamos, en la que la familia y la tradición marcan, sin duda, la agenda de nuestras vidas, al menos hasta que acaben las fiestas navideñas y, como en la obra, recojamos todo y esperemos que la Navidad regrese el año que viene!

En el estanque dorado” se representa en el Teatre Romea hasta el 11 de enero de 2015.

Autor: Ernest Thompson
Versión: Emilio Hernández
Dirección: Magüi Mira
Reparto: Lola Herrera, Héctor Alterio, Luz Valdenebro, Camilo Rodríguez y Adrián Lamana
Diseño escenografía: Gabriel Carrascal
Diseño iluminación: José Manuel Guerra
Diseño vestuario: Rodrigo Claro y Cuca Ansaldo
Espacio sonoro: David San José
Producción: Teatre Romea y Pentación Espectáculos

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 19:30 horas y domingo a las 18:00 horas
Precio: de 18 a 28 €
Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 45 minutos
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Jorge Pisa

Duel de sèries: True Detective vs Game Of Thrones

Duel de sèries

En els darrers anys el fenomen de les sèries s’ha popularitzat de tal manera que els espectadors ens hem acabat tornant verdaders hooligans, seguidors apassionats que defensem les nostres preferències amb un fervor poc justificable i totalment irracional. El crític Toni de la Torre, convençut que confrontar dues propostes exitoses seria un bon espectacle, va decidir organitzar el primer duel de sèries a la Fàbrica Moritz de Barcelona: True Detective vs Game Of Thrones, un original combat serièfil convertit en l’excusa perfecta per a presentar la col·lecció de samarretes Suxinsu, il·lustrades amb motius de les sèries i pel·lícules més conegudes.

Així, a la Fàbrica Moritz es van citar el Team Rust (Pep Prieto i Àlex Santaló) i el Team Tyrion (Josep Maria Bunyol i Oriol Estrada), uns valents amb ganes de gresca o, segons els va definir De la Torre, “quatre crítics que no tenen vergonya de res”. El combat dialèctic va començar amb serenitat i joc net per ambdues parts, amb el Team Rust afirmant que el mèrit de True Detective està en haver reinventat el gènere policíac i les buddy movies, mentre que el Team Tyrion sostenia que el discurs sobre el poder que manté Game Of Thrones li juga a favor, a més d’haver aconseguit el que a priori semblava impossible: malgrat estar condemnada al públic més freaky, ha acabat convertint-se en un fenomen mainstream gairebé sense voler.

Malgrat tot, la sang no va arribar al riu i els dos equips van acabar brindant
Malgrat tot, la sang no va arribar al riu i els dos equips van acabar brindant

Ben aviat, però, les bones paraules i intencions del principi van deixar pas als atacs més furibunds (amb molt d’humor, això sí): el Team Tyrion definia True Detective com un refregit d’altres pel·lícules (amb especial menció a Hannibal), mentre que el Team Rust acusava Game Of Thrones d’aprofitar-se perillosament de l’imaginari de J. R. R. Tolkien. Per la seva part, Prieto desmitificava el missatge de Game Of Thrones per superficial, “només tetes i dracs”, i Estrada desenfundava la seva tablet per a desmuntar el mite d’“actor de mètode” que enguany acompanya Matthew McConaughey: va mostrar els pòsters (sospitosament semblants) de les nombroses pel·lícules romàntiques que l’estrella de True Detective ha protagonitzat durant la seva carrera, i va arribar a la conclusió evident que la sèrie haurà estat el seu únic moment de glòria perquè va mancat de registres. D’altra banda, Santaló es queixava que els responsables de Game Of Thrones s’inventaven morts cada vegada més estrambòtiques (amb l’assassinat d’un dels protagonistes en un lavabo com a màxim exemple), i Bunyol arrencava les rialles del públic amb la idea que Albert Espinosa segur que es va emocionar amb el final de True Detective perquè “semblava el de la pel·lícula Planta 4a”.

Després de gairebé una hora d’apassionats arguments a favor de l’opció defensada i, sobretot, sentències que desacreditessin els rivals, arribava el moment en què el públic s’havia de mullar i votar a mà alçada pel Team Rust o el Team Tyrion: victòria ajustadíssima dels primers (23 a 22); el resultat, però, va ser el de menys: els guanyadors van ser els espectadors, que van gaudir d’un duel de sèries divertidíssim (regat, com no podia ser d’altra manera, amb cervesa Moritz), confiats que ben aviat es repeteixi la cita amb dues noves propostes.