Crítica teatral: Fedra, en el Teatre Romea.

image El teatro es, como ya saben, una suma de emociones: las sufridas por los autores y directores, que se transportan a través del texto y de las interpretaciones de los actores hacia un público que las recibe con el objetivo de cerrar él mismo su significado. Y si hablamos de pasiones, seguramente pocos las han sabido plasmar de forma tan brillante como los autores clásicos, aquellos que en los inicios del teatro supieron captar sus raíces vitales y comunicarlas de forma apasionada, no tan solo a los públicos de entonces, sino también a los futuros.

Y uno de sus frutos más representativos es, seguramente, Fedra, obra adaptada en 1677 por Racine a partir de las tragedias de Eurípides y Séneca, y que nos muestra las fatales consecuencias de la pasión enfermiza y descontrolada de una mujer que afectan trágicamente a todos aquellos que la rodean.

Fedra, enamorada de su hijastro Hipólito y empujada por su confidente, Enona, confiesa su pasión. Herida por el rechazo de Hipólito, ella no puede esconder sus sentimientos ante su esposo y rey de Atenas, Teseo. Azotada por un profundo sentimiento de culpa, Fedra se adentra en un infierno personal. Su pasión desbordante e irrefrenable la conducirá, a ella y al resto de personajes, a un trágico destino”.

Con la Fedra de Racine, dirigida por Belbel y acompañada por un nutrido cuerpo de contrastados actores y actrices, asistimos al atropello de pasiones, deseos y tumultos que tan del gusto era de los antiguos, y que a los espectadores del siglo XX les queda, puede, algo lejos, si no es en lo que se refiere a la creatividad artística, la puesta en escena y el registro de las interpretaciones. En el caso que nos toca, no todo está a la misma altura.

image(6)Hablemos primero de una puesta en escena que alcanza unos altos valores estéticos, con un escenario que comunica con la platea y que nos muestra un territorio desolado, como los sentimientos y los efectos de las pasiones que se desarrollarán sobre él, iluminado por la mortecina luz de una gran esfera solar que se irá eclipsando, como indicando la fatalidad de la acción, y un juego de luces que provee a la obra de un tamiz casi apocalíptico. Sobre este inquietante escenario es donde falla una parte importantísima de la obra, que no es otra que el de las interpretaciones y con ellas la dirección. Aunque el reparto de actores y actrices es magnífico, solo hay que citarlo para darse cuenta de ello (Emma Vilarasau, Mercè Sampietro, Lluís Soler, Xavier Ripoll y Jordi Banacolocha entre otros), algo no funciona. Vilarasau compone una interpretación demasiado impostada y artificial, que le roba magnificencia a su papel, primordial en la obra. Su yerro solo es equilibrado, en parte, por la actuación de otros actores, como Soler, Banacolocha o Ripoll, que sí que saben impregnar sus intervenciones con la soberbia e intensidad que el texto y las pasiones que este mueve se merecen.

Hay que ser conscientes, por otra parte, de que la interpretación de la obra se embellece, a la par que se dificulta, con la plasmación de los originales versos alejandrinos escritos por Racine, adaptados por el propio Belbel, que parecen aún no asumidos en la declamación por los actores, algo comprensible la noche del estreno, y que a veces complica la comprensión de un texto riquísimo y complejo por sí mismo.

De todo ello podemos resumir que, si bien la forma es muy bella, al espectáculo le falta precisión y aroma interpretativos. Esperemos que su propia desenvoltura en el tiempo sea lo necesariamente corregidora para llegar a la simbiosis dramática que requiere el espectador, no por otra Fedra nos habla de las pasiones, en este caso la amorosa y la sexual, del sentimiento de culpa, del amor no correspondido, de los tabús que acompañan a la civilización y de las consecuencias trágicas de nuestros hechos, sean estos los que sean, algo que desde siempre y por siempre acompañarán al ser humano en su singladura existencial.

Así, pues, a la Fedra de Belbel y Vilarasau le queda aún recorrido por hacer. Esperemos que lo alcance y nos muestre la radiación que un trágico elaborado en las manos de Eurípides y Séneca, urdido en la pluma de Racine y adaptado en el Romea en este siglo XXI se merece.

Fedra” se representa en el Teatre Romea del 20 de enero al 15 de marzo de 2015.

Autor: Jean Racine
Traducción y dirección: Sergi Belbel
Reparto: Emma Vilarasau, Mercè Sampietro, Lluís Soler, Xavier Ripoll, Jordi Banacolocha, Queralt Casasayas y Gemma Martínez
Escenografía: Max Glaenzel
Iluminación: Kiko Planas
Vestuario: Mercè Paloma
Espacio sonoro: Jordi Bonet
Caracterización: Toni Santos
Producción: Teatre Romea

Horarios: de martes a sábado a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 18 – 28 €
Duración: 2 horas y 15 minutos
Idioma: catalán
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Jorge Pisa

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“Flor de nit” a l’Almeria Teatre: Varietés comtals

Aquesta crisi que ens mossega no vol deixar-nos anar. Som presa saborosa. Perquè li donem la raó gairebé en tot ficant-nos a la seva gola per voluntat pròpia. Això l’enforteix i mai no en té prou.

Entre queixalada i queixalada, el nostre esperit pot jugar a revifar-se una mica. La forma menys arriscada és mirar enrere. Particularment, aquells moments d’esplendor que no tots vam viure però que ens evadeixen integrant-nos en un passat glorificat.

Entre els anys vuitanta i començaments dels noranta, Dagoll Dagom era el més semblant a Broadway que ens atrevíem a somiar aquí. I amb FLOR DE NIT gairebé van aconseguir fer un musical amb personalitat pròpia. Perquè il·lustrava amb escreix la Barcelona del primer terç de segle XXI, subratllant la seva esquizofrènia cosmopolita: de dia, lluitadora compromesa amb la revolució anarquista; de dia, desflorida per la frivolitat del seu procaç Paral·lel.

 

Ara, l’Almeria Teatre recupera aquest melodrama històric i mira d’encapsular-lo en un format minimalista potenciant el seu vessant de recital. La maniobra resulta exitosa i el públic s’hi concentra. Heus ací la fórmula: un repartiment dinàmic que es mou a través d’un espectacle farcit de varietats per a tots els gustos i la nostàlgia d’allò nostre que tan bé ens va per intentar enfocar aquest present incert on no volem ancorar-nos.

Víctor Álvaro demostra tenir bon gust per a l’entreteniment escènic: Amb el seu producte, aconsegueix moments molt celebrats. Els més reeixits són aquells que aposten deliberadament pel cabaret i la revista: amb un mestre de cerimònies entregat I ple d’energia (oportú Frank Capdet), gaudim amb la sensibilitat d’un transformista encisador (versàtil Joan Vázquez) i la irresistible picardia d’una vedette de bec d’or i bacallà voraç (eixerida Gracia Fernández). El suport coreogràfic dels números musicals dóna volada al costumisme ranci de les estampetes: La presentació dels personatges com si es tractessin d’autòmates que van articulant-se o l’immovilisme escènic de la colla de burgesos brètols exemplifiquen cert estil.

La proposta falla, en canvi (com ja succeïa en la versió originària de Joan Lluís Bozzo), a l’hora d’explicar el triangle amorós tràgic: ni els actors aporten profunditat dramàtica (una Beth Rodergas massa estrident, un Jorge Velasco amb poca autoritat, un Lluís Canet molt sobreactuat) ni els seus personatges estan ben cosits (en Reynals es mostra més com a atleta que com a dandi il·lustre; en Quimet es comporta com un clown quan canta i balla perdent la seva fúria sindicalista). Tampoc no ajuda el fet que Álvaro hagi mantingut pràcticament la totalitat de la dramatúrgia original: D’aquesta manera, el xou acaba sent inacabable i alguns dels seus moments estel·lars passen desapercebuts. Però la delicadesa de Bealia Guerra ajusta en part el desequilibri mentre seguim embadalits la seva elegància escènica quan passa del tango a la copla, del líric a l’extravagància.

Per Juan Marea

FLOR DE NIT es representa a l’Almeria Teatre fins al’1 de febrer.
http://www.almeriateatre.com/temporada06/flordenit.htm

“Serenata para un país sin serenos” de la Companyia Hongaresa de Teatre: En la penumbra, morimos.

El Hijo del Difunto debería respirar aliviado: Ahora ya podrá alzar el vuelo. La Viuda del Difunto se lanza a la bebida: No quiere levantar cabeza. Antes de que el primero despliegue sus ansias creadoras lejos del panteón en que el Difunto quiso encerrarle en vida tendrá la oportunidad de limpiar su conciencia. Lo hará en brazos de la segunda, que así podrá jugar a emanciparse levemente después de tanta autoridad.

En cualquier caso, este es un recital para dos instrumentos musicales de humana condición y para un violoncelo que increpa, desafía y hasta humilla.

SERENATA PARA UN PAÍS SIN SERENOS es un ejercicio fallido que orquesta un velatorio en el que poner en tela de juicio la veracidad de un triunfador social a costa de caer en todos los tics de la corrupción. También deja lugar a una reflexión sobre el teatro como medio de arraigo para el individuo. Y hasta explora las posibilidades que ofrece la música de cámara para dialogar en un contexto dramático.

En el primer aspecto, la historia de Lluïsa Cunillé y Paco Zarzoso almacena una cantidad ingente de tópicos intentando hacer verosímil una trama de patriarca castrador en un contexto eminentemente localista. Pero ni los personajes respiran en medio de tanto lugar común, ni la crítica de cierto poder fáctico de nuestra sociedad más próxima (el Todopoderoso Fútbol) llega a ser sangrante. Y los actores, como almas en pena por el depurado escenario, evidencian su desamparo.

En cuanto a la segunda cuestión, la obra milita en pro de una función del arte escénico terapéutica pero también social desde el testimonio de alguien que, con él, podría por fin enderezar su vida cortando los hilos con que le aprisionaba el fallecido. Ahí busca una razón de ser pero no osa adentrarse y a duras penas tantea el terreno.

A la tercera debería ir la vencida. Al menos, aquí distinguimos la peculiaridad de la “Serenata”: La elegancia del violoncelo logra que vaya ganando terreno como personaje. De este modo, su quejido le lleva a asumir el punto de vista externo a esta pareja que vela y no logra desvelarse. Y, utilizando su variedad de registros, se transmuta en los rivales más despreciables de los otros protagonistas. Sin embargo, la exquisitez de la propuesta aumenta el distanciamiento emocional del espectador y limita el juego interpretativo: No es posible así la interacción. En cambio, sí que intensifica el estupor. El del Hijo y la Viuda, cuya soledad ahora es más patente; y el del espectador, con una incomodidad nada desdeñable, no tanto por la eficacia del recurso sino más bien por verse obligado a descodificar esas conversaciones músico-verbales. Y esa tarea, dificultosa, es altamente estimulante.

Por último, la frase que el Hijo recuerda a la Viuda: “Tú piensas en continentes. Y yo, en mares”. Lo terrenal es ser sereno. Pero lo que nos hace avanzar, lanzarnos al agua que empapa constantemente el horizonte.

Por Juan Marea

SERENATA PARA UN PAÍS SIN SERENOS se representa en La Seca-Espai Brossa de Barcelona hasta el 31 de enero.
http://www.laseca.cat/es/obra/100/serenata-para-un-pais-sin-serenos–lluisa-cunille-y-paco-zarzoso/

“Un tipo a normal” de la Compañía El Calvo Invita: Escalando a gatas

Si uno quiere ser asesino, nunca podrá encontrar la víctima perfecta. Porque en algún rincón del no espacio yace desde hace un tiempo o dos: quietecita e irrepetible. Y pertenece a aquel que, en lugar de planteárselo, fue matarife impecable.

Por eso, no deja de enorgullecernos que este “tipo a normal” nos elija como serios aspirantes para sus empeños de convertirse en notorio verdugo. Su táctica consiste en designar a todos y cada uno de los miembros de su público como eventual objetivo mortal. Y eso, que no es moco de pavo, hasta provocará momentos hilarantes.

Falín M. Galán se presenta en el show como despistado escalador por la platea. Y, una vez que ya ha superado los escollos de un público a veces deslizante (con sus carcajadas), otras escarpado (por su escepticismo), intenta acampar en el singular escenario de Casa La Teatro.

Pero el nerviosismo de clown en prácticas le sitúa más cerca del cómico entrañable que del payaso concienzudo: Galán afronta su atribulado personaje con voluntariosas zancadas aunque su expedición escénica las frena a veces por el agotamiento de la dramaturgia: Los gags onomatopéyicos se amontonan cuando la trama se detiene.

El punto de partida es juguetón: Un pobre diablo, en un denodado esfuerzo por escapar de la insignificancia, se propone convertirse en despiadado individuo. Y lo que sigue será un despliegue de ocurrencias entretenidas que encuentran en la mirada del intérprete su mejor baza (inquietante, grotesca, guasona y todo a la vez), y prometedor aliada en la ternura del quejido verbal (implora misericordia, persevera en la ingenuidad de su propósito). Finalmente, lo que nos lleva a usar el piolet con Falín es percibir cómo se asemejan personaje y artista en la lucha por alcanzar la cima: ilusionados ambos, y exhibiendo con rubor encantador sus maneras de aprendiz de excursionista.

por Juan Marea

UN TIPO A NORMAL se representa en Casa La Teatro de Sevilla el miércoles 25 de febrero a las 21 h.
http://www.casalateatro.com/index.php

Novedad editorial: Friki Love, de Jorge Vesterra

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En los últimos años, la figura del friki ha abandonado la clandestinidad para convertirse prácticamente en un héroe popular gracias al enorme éxito de Sheldon Cooper, el célebre protagonista de The Big Bang Theory. De esta manera, los miembros de esta comunidad ya no se avergüenzan de mostrar sus aficiones por los cómics ni sus obsesiones por los videojuegos en público, pero ¿qué hay de sus relaciones amorosas? El escritor Jorge Vesterra (que debutó con ¡Yo soy tu padre! en 2014) intenta ayudarles en su camino hacia el amor con su nuevo libro, Friki Love, un divertido manual con el que pretende explicar todos los secretos del ligoteo en el mundo friki.

Especialmente indicado para quienes buscan a esa persona con la que compartir eternas noches de series o ir a las convenciones sobre su película de ciencia-ficción favorita, Friki Love parte de la idea que lo primero es conocerse a uno mismo, y por esa razón propone diversos tests con los que el lector podrá saber qué tipo de friki es, cuáles son sus armas de seducción, en qué ámbito se defenderá mejor y cómo podrá conservar sus relaciones; por otra parte, les aconseja sobre cuáles son las mejores zonas en las que intervenir dependiendo de si el objetivo es o no friki, e incluye una gran cantidad de material gráfico para ayudarle en su exitoso camino hacia el amor.

Con la convicción de que “todo friki es un seductor en potencia”, Jorge Vesterra (pseudónimo bajo el que se esconde un conocido personaje público, casado y con hijos) intentará que el lector abandone su tendencia al aislamiento y consiga sacar partido a sus puntos fuertes; además, complementa su trabajo con consejos sobre cómo actuar en el ciberespacio y el “mundo analógico” o la forma en que se deben afrontar las primeras citas, convirtiendo Friki Love en un canto a la esperanza ya que, tal y como afirma el autor, “si Superman tuvo a Lois, Anakin a Padmé y Leonard a Penny, ¿por qué no ibas tú a encontrar a tu media naranja?”.

Título: Friki Love
Autor: Jorge Vesterra
Editorial: Timunmas
Páginas: 176 páginas
Fecha de publicación: Enero 2015
ISBN: 9788445002360
Precio: 15,00 €

Novedad editorial: Crímenes que no olvidaré, de Alicia Giménez Bartlett

Crímenes que no olvidaré

En 1996 Alicia Giménez Bartlett (Almansa, 1951) publicaba la novela Ritos de muerte, el debut de la inspectora Petra Delicado, sin imaginar que ese personaje se convertiría en un icono de la novela policíaca que le granjearía una legión de seguidores no solo en nuestro país, sino también en Italia, Francia, Alemania o EE.UU. Casi veinte años después, Delicado continúa en plena forma en su lucha contra la delincuencia, y así lo demuestra en su nueva entrega, Crímenes que no olvidaré, una serie de episodios criminales que desbaratarán la vida privada de sus personajes principales.

En esta ocasión, la escritora afincada en Barcelona abandona el formato de novela, en el que reconoce sentirse muy cómoda, para afrontar un nuevo reto en su carrera literaria: escribir diversos relatos independientes entre sí y protagonizados por su celebrado personaje. De esta manera, la inspectora de policía Petra Delicado deberá enfrentarse a nueve casos que alterarán su cotidianidad en días tan señalados como la Navidad, los carnavales o las vacaciones estivales.

La escritora Alicia Giménez Bartlett, en una imagen promocional
La escritora Alicia Giménez Bartlett, en una imagen promocional

Tras diez libros dedicados a Petra Delicado y su inseparable Fermín Garzón, Alicia Giménez Bartlett ha logrado consolidarse como una de las figuras clave de la novela negra de nuestro país, una labor que verá recompensada el próximo 5 de febrero, cuando recogerá el testigo del escritor Andrea Camilleri como ganadora del Premio Pepe Carvalho 2015 dentro del festival BCNegra, un galardón que el jurado ha decidido concederle de forma unánime por “haber renovado la novela policíaca española, aportándole una perspectiva femenina y feminista que ha resultado pionera en este ámbito”.

Título: Crímenes que no olvidaré
Autora: Alicia Giménez Bartlett
Editorial: Destino
Colección: Áncora & Delfin
Páginas: 368 páginas
Fecha de publicación: Enero 2015
ISBN: 9788423348831
Precio: 18,50 €

Crítica teatral: #DPutuCooL, en El Molino.

10676244_689246567840400_538973268433146090_nEl regreso de El Molino a la actividad teatral el pasado 2010 no solo supuso el rescate de un local muy ligado a la vida artística del Paral·lel y de la ciudad de Barcelona, sino también la recuperación de una tipología de espectáculos vinculados al cabaret actualizado y picarón. Es en esta línea en la que el pasado 4 de diciembre se estrenó #DPutuCooL, el regreso de The Chanclettes a los escenarios para celebrar sus 20 años de trayectoria artística.

El espectáculo incide de nuevo en el mundo del cabaret y del género burlesque en el que The Chanclettes se mueve tan bien y se estructura en diferentes escenas en las que los tres integrantes de la compañía, Josep Mª Portabella, Xavier Palomino y Josep Coll, se disponen a desgarrar con su humor irreverente y mordaz y a través de la actuación en túrmixPlayback, la realidad y la actualidad que nos rodea o que nos ha rodeado en algún momento de nuestra vida. Así algunas escenas nos hablan de la sexualidad que palpitaba en una serie como Heidi; de las relaciones de parentesco en Star Wars; nos trasladan a la realidad pictórica de Las meninas de Velázquez para ironizar sobre la actualidad de la familia real; nos permiten re-visitar el célebre por ridículo discurso de Ana Botella durante la votación final para la elección de la sede de las Olimpiadas de 2020 (sí, aquel del “relaxing cup of café con leche“) o disfrutar de los éxitos de las incombustibles Raffaella Carrá y Alaska.

#DPutuCooL es una suma, pues, de la comicidad distintiva de The Chanclettes, el humor de ambiente, la representación de playbacks adaptados con coreografías y de una actitud irreverente hacia la vida que hace las delicias del público. Algo que se puede comprobar no solo a través de la implicación de los espectadores en el show, que se decanta claramente hacia la feedback platea-escenario, sino también gracias al cartel del espectáculo, que informa del 100% de ocupación del show, lo que ha llevado a que las representaciones de #DPutuCooL se prorroguen a lo largo de los meses de febrero y marzo de 2015.

En esta ocasión, además, The Chanclettes están acompañadas por dos maestras de ceremonias, Brigitta Lamoure y la Megapubilla, cuya actuación se irá alternando con la de los miembros de la compañía con el objetivo de potenciar el humor cabaret burlesque y de ambiente “made inEl Molino.

Aunque el aspecto técnico y la representación del espectáculo son notables, si bien el sonido se mantiene demasiado alto, el show es irregular, lo que fuerza al espectador a circular como en una montaña rusa donde a los momentos de torsión cómica y burlesca les siguen otros con algo más de decaimiento. Por otra parte se observa en el show el brillo de un humor pro-independentista que sorprende por su falta de objetividad (qué se le va a hacer, es el teatro!), algo compensado tan solo al final de la representación. Un final que por cierto, no está demasiado bien cerrado.

Aún así, vale la pena recordar al futuro espectador el tipo de espectáculo al que va a asistir, esto es, una mezcla de cabaret, burlesque y The Chanclettes, una marca registrada que no defraudará a su público.

#DPutuCooL” se representa en en El Molino des del 4 de diciembre de 2014.

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Jorge Pisa

Novedad editorial: Las ganas, de Santiago Lorenzo

Las ganas

La risa como catalizador para abordar los temas más delicados es un eficaz instrumento del que se sirven muchos escritores para confeccionar sus propios universos literarios. Este es el caso de Santiago Lorenzo (Portugalete, 1964), un autor con un sentido del humor despiadado que acaba de publicar su tercera novela, Las ganas (Blackie Books), una historia tragicómica protagonizada por una figura realmente peculiar: Benito Bernal, un antihéroe que intenta sobrellevar sus delicadas circunstancias personales sin demasiado éxito.

La vida de Benito está muy lejos de ser envidiable: en el ámbito personal anda desconsolado porque lleva tres años sin mantener relaciones sexuales; en cuanto al profesional, su trabajo como químico y emprendedor le ha permitido descubrir una sustancia milagrosa que regenera la madera, pero no acaba de concretar el acuerdo definitivo para comercializarla. Sus problemas podrían tener solución gracias a María, de quien está secretamente enamorado y a quien escribe correos electrónicos que nunca llega a enviar. ¿Será capaz de lograr una cita con ella? Solo el tiempo lo dirá…

El escritor Santiago Lorenzo, en una imagen promocional
El escritor Santiago Lorenzo, en una imagen promocional

Tras Los millones (2010) y Los huerfanitos (2012), Santiago Lorenzo regresa con su novela más tierna, el libro que a buen seguro lo consolidará como uno de los principales representantes de la risa melancólica. Lorenzo lleva casi veinticinco años dedicándose a lo que más le gusta: contar historias, primero como guionista, director y productor cinematográfico (en 1992 creó la productora El Lápiz de la Factoría, y siete años después estrenó su primer largometraje, Mama es boba), y desde el 2010, desengañado con la industria del cine, lo hace como escritor. En sus tres novelas se dan cita personajes caracterizados por tener una autoestima muy frágil, son seres acomplejados que no logran encontrar su sitio en la sociedad actual, protagonistas surgidos del imaginario de un escritor de gran talento al que la crítica emparenta con genios de la talla de Rafael Azcona, Eduardo Mendoza o Ramón María del Valle-Inclán.

Título: Las ganas
Autor: Santiago Lorenzo
Ilustración de la cubierta: Ricardo Cavolo
Editorial: Blackie Books
Páginas: 232 páginas
Fecha de publicación: Enero 2015
ISBN: 9788416290017
Precio: 19,00 €

Crítica literària: Primavera, estiu, etcètera, de Marta Rojals

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L’any 2014 va significar la consagració de l’escriptora Marta Rojals (La Palma d’Ebre, 1975) com una de les veus més interessants de l’actual literatura catalana gràcies a l’èxit de la seva segona novel·la, L’altra, però el cert és que el seu talent ja havia captivat els lectors amb el seu debut: Primavera, estiu, etcètera (La Magrana, 2011), un magnífic relat d’ambientació rural en què una jove entrada en la trentena torna al seu poble d’origen en un moment de crisi personal i professional, un retorn decisiu per a afrontar comptes pendents del passat i trobar el seu lloc al món en el present.

Amb Primavera, estiu, etcètera Rojals signava una d’aquelles novel·les generacionals amb què, d’una manera o una altra, resulta molt fàcil identificar-se: als trenta-quatre anys, la protagonista (a qui al poble sempre coneixeran com l’Èlia de cal Padró) pateix els estralls de la crisi en la construcció com a arquitecta; per si això no fos suficient, en l’àmbit personal les coses no li van molt millor: la seva ruptura amb la parella, amb qui estava des dels seus temps universitaris, l’han deixat completament desorientada i incapaç d’afrontar la reacció dels seus familiars a aquesta separació.

La Palma d'Ebre, el poble on va néixer Marta Rojals i que hauria inspirat l'escenari d'aquesta novel·la
La Palma d’Ebre, el poble on va néixer Marta Rojals i que hauria inspirat l’escenari d’aquesta novel·la

Així, l’Èlia arriba al poble per a Tots Sants sense imaginar que aquell retorn –en dos moments diferenciats: els primers dies de novembre i les vacances de Nadal– farà que s’adoni que aquella joveneta romàntica, pràcticament una adolescent, que va marxar de casa cap a Barcelona per a estudiar arquitectura ja no existeix, la il·lusió juvenil per començar una nova vida a la capital com si es dirigís al paradís (on l’esperava l’anhelat anonimat, una quimera impossible de trobar als carrers de la seva infantesa) s’ha acabat convertint en decepció (a la ciutat va perdre la sensació necessària de pertànyer a un lloc que sí tenia al poble), reflexions amb què conclourà que, sense gairebé ser-ne conscient, el seu trànsit cap a la maduresa ja és inevitable.

L’escriptora catalana utilitza un material conegut, el dia a dia en un poble, per a construir la trama (en què es desmunta la visió idealitzada de la vida de pagès), i ho fa, com no podia ser d’una altra manera, emprant la variant dialectal de les terres de l’Ebre, una peculiaritat que juga a favor de la versemblança d’aquest relat que barreja passat i present –l’Èlia recupera els seus records de la infantesa i adolescència per a contraposar-los al desencís amb què afronta els esdeveniments actuals– en un discurs amb pinzellades d’humor i de què es desprèn certa nostàlgia, una excel·lent novel·la amb què els lectors d’entre trenta i quaranta anys segur que s’hi reconeixeran.

Títol: Primavera, estiu, etcètera
Autora: Marta Rojals
Editorial: RBA La Magrana
Pàgines: 368 pàgines
Data de publicació: Febrer 2011
ISBN: 9788482649665
Preu: 20,00 €

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Escrit per: Robert Martínez

“Com us plagui” al Teatre Akadèmia: Perdeu-vos i reproduïu-vos!

Veniu sens temor: Aquí podreu estimar. Si us hi acosteu, el joc començarà. Tremoleu doncs! I, entre arbres que camuflin la vostra manca d’expertesa, somicareu. No estareu sols: Al bosc d’Arden, els humans teniu l’oportunitat de perdre-us els uns amb els altres. Dels vostres encontres, naixeran clarianes. Quan vulgueu fugir-ne, l’espessor de la vegetació us permetrà el millor mutis. Però si, a la fi, us decidiu a retrobar-vos, hi sereu legió.

Amb “Com us plagui”, Shakespeare torna a posar al tauler escènic a homes i dones. I si a “Molt soroll per no res”, l’orgull és qui basteix la barrera de la confusió i el malentès i a “Nit de Reis”, les diferències socials dificultaven molt l’acostament entre ambdues parts, ara i aquí trobem l’instint de supervivència com a principal impulsor de la joiosa comèdia.

Comusplagui_2Cap al paradís clorofíl·lic

Perquè els protagonistes de “Com us plagui” pateixen l’opressió del despotisme a la cort. La solució rau a emigrar al camp, on la Mare Natura els alliberarà oferint-los l’amor. Això no els dispensarà de pagar un preu elevat: Hauran d’exercitar les seves dots de seducció amb paciència, intel·ligència i carisma. Però què és, al capdavall, el ser humà sinó un treballador incansable de l’afecte?

El Teatre Akadèmia ha posat en mans d’en Dugald Bruce-Lockhart aquest tractat d’equívocs amorosos. I en Dugald planta una vegetació on preval el to dionisíac. Els personatges conviuen harmònicament quan interpreten belles melodies: Les seves veus projecten un encís que atrau l’espectador a l’escenari; els acompanyaments instrumentals són l’aire que omple d’alè vital la boscúria i els efectes sonors refresquen l’espai. Enmig de tot això, les criatures d’en William lluiten per reivindicar la seva autoritat. La grandiloqüència del perillós vers els depassa: La sobreactuació gairebé venç i, llavors, la màgia ambiental es mitiga. Però també saltironegen per l’escenari l’exquisida humanitat de la Núria Deulofeu (delicada, ocurrent, múrria i embadalida Rosalina), la venerable gràcia d’Emilià Carilla (divertit i subtil) més la versatilitat de Guillem Fernández-Valls (magnífic amb l’Oriol Casals en la lluita-duel, d’una elegància coreogràfica molt eficaç) i l’entusiasme de la resta del repartiment.

A la proposta de Bruce- Lockhart, l’atmosfera ociosa embolcalla l’estança i l’intercanvi constant de personatges dels seus dinàmics actors emfasitza l’ambigüitat d’una obra on el juganer William explora sense embuts els límits dels rols sexuals i la capacitat il·limitada del desig sexual.

I si aquests mots no us han complagut, us desafiu a contradir-los. I que el color de discussions com la nostra acabi amb la grisor del pensament propi quan no és integrador.

Per Juan Marea

COM US PLAGUI es representa al Teatre Akadèmia de Barcelona fins al diumenge 18 de gener.
http://www.teatreakademia.cat/espectacles/en-cartell/al-vostre-gust/