Nueva publicación: Inferno, de Dan Brown, ed. Planeta.

inferno_9788408114178Llega el nuevo hiper-bestseller de Dan Borwn, Inferno, la nueva aventura del experto en simbología Robert Langdon que le enfrentará al desciframiento de textos antiguos, de enigmas y misterios artísticos y a un grave peligro que amenaza al mundo.

En sus bestsellers internacionales El código Da Vinci, Ángeles y demonios y El símbolo perdido, Dan Brown aunó con maestría historia, arte, códigos y símbolos. En su fascinante nuevo thriller, Inferno, Brown recupera su esencia con su novela más ambiciosa hasta la fecha.

En el corazón de Italia, el catedrático de Simbología de Harvard Robert Langdon se ve arrastrado a un mundo terrorífico centrado en una de las obras maestras de la Literatura más imperecederas y misteriosas de la Historia: el Infierno de Dante.

Con este telón de fondo, Langdon se enfrenta a un adversario escalofriante y lidia con un acertijo ingenioso en un escenario de arte clásico, pasadizos secretos y ciencia futurista. Apoyándose en el oscuro poema épico de Dante, Langdon, en una carrera contrarreloj, busca respuestas y personas de confianza antes de que el mundo cambie irrevocablemente.

El pasado 16 de mayo Inferno salió a la venta en lengua castellana con una tirada inicial de 1.000.000 de ejemplares y ha sido el libro más reservado de las últimas semanas.

Dan Brown es autor de El código Da Vinci, una de las novelas más leídas de todos los tiempos, así como de los bestsellers internacionales Ángeles y demonios, El símbolo perdido, La conspiración y La fortaleza digital. Actualmente, vive en Nueva Inglaterra (EE. UU.) con su mujer.

Título: Inferno
Autor: Dan Brown
Editorial: Planeta
Fecha de publicación: 16 de mayo de 2013
Nº de páginas: 640 páginas
ISBN: 978-84-08-11417-8
Formato: 15 x 23 cm.
Presentación: Rústica con solapas
Colección: Planeta Internacional
Precio:
Rústica con solapas: 22,50 €
Libro electrónico (ePub): 12,99 €

enlaceCrítica literaria: Inferno, de Dan Brown, ed. Planeta.

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Estreno teatral: Racconto de Mayumana, en Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

racontoMayumana celebra con Racconto 15 años de éxitos en los mejores escenarios del mundo. Un show que reúne lo mejor de Mayumana y que cuenta con la voz y el humor de Andreu  Buenafuente. El espectáculo se estrenará el 9 de octubre en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

Mayumana presenta RACCONTO, un show que reúne los ingredientes que han convertido a la compañía en un referente escénico a nivel mundial. Con Racconto, Mayumana conmemora sus 15 años de creación artística, los más de 7 millones de espectadores que han visto sus espectáculos y el éxito alcanzado en los grandes escenarios del mundo como Nueva York, París, Madrid, Buenos Aires, Milán o Berlín. Tras finalizar la primera parte de su gira española 2012 el pasado diciembre, la compañía se embarcó en una ambiciosa gira internacional que se extenderá hasta octubre, fecha en la que visitará Madrid. Desde que empezó el año, Mayumana ya ha actuado en los escenarios de Bélgica, Austria, Holanda y Australia. Tras su paso por la capital española, donde estará 8 únicas semanas, la compañía retomará sus compromisos internacionales.

Para su presentación en España, Andreu Buenafuente ha sido el encargado de adaptar el guión al humor español, además de ser la voz en off que enlaza las imágenes de vídeo y los diferentes números.

Racconto es un espectáculo único e irrepetible, una celebración llena de ritmo, movimiento, teatro, música, danza y humor, al estilo del Mayumana más puro y original. La compañía aúna en este nuevo espectáculo los mejores ingredientes de shows como Mayumana, Bejuntos, Adraba, Momentum… y muchas más sorpresas.

mayumana_racconto_arriagaSin duda una oportunidad irrepetible para volver a disfrutar con la originalidad, la frescura y la energía de todos aquellos números que han hecho de Mayumana un referente escénico de primer orden a nivel mundial.

Desde su primera visita a España en abril de 2001, Mayumana se ha convertido en uno de los espectáculos de mayor éxito en nuestro país. Ha girado por más de 40 ciudades españolas, que han colgado el cartel de “agotadas las localidades” sumando la cifra de más de 1.200.000 espectadores. Mayumana también ha visitado, de manera paralela, otras ciudades a lo largo del mundo: Nueva York, Milán, Ámsterdam, Paris, Berlín, Buenos Aires o Méjico han sido algunas de sus últimas citas. Más de 7 millones de espectadores han disfrutado de alguna de las producciones de la compañía en todo el mundo.

Racconto” de Mayumana se representará en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid del 9 de octubre al 1 de diciembre de 2012.

Horarios: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 17:30 y a las 20:00 horas.
Precio: Entre 25 y 33 € (entre semana) y entre 30 y 38€ (fin de semana)

Más información y compra de entradas:

http://www.mayumana.com/racconto/
http://www.summummusic.com/cartel_mayumana.html
http://www.entradas.com/entradas/mayumana—racconto-evento_1_2_28_76310

Estreno teatral: Moonwalker The Show, en el teatro Coliseum.

429Moonwalker the Show, el último tributo musical a Michael Jackson, llega al Teatro Coliseum  del 6 al 9 de junio de la mano de Fréderick Henry, quien tras pasar por grandes escenarios estadounidenses trae a Barcelona su homenaje al rey del pop.

Con motivo de la trágica muerte del Rey del Pop, el inolvidable Michael Jackson, el casino “Stratosphere” de Las Vegas, creó un gran homenaje para el mítico cantante. El protagonista era el neoyorkino Frederick Henry. En enero de 2012, Linda Collins creó en Las Vegas, Moonwalker con Mr. Firestone para el público americano, y, simultáneamente, para Europa y Asia, otro similar. En este caso, con Frederick Henry.

Moonwalker the Show se estrenó en Madrid en el Teatro Nuevo Alcalá, con arrollador éxito, en abril del año pasado, en Francia, Alemania, Portugal y el pasado mes de marzo en Malasia.

MOONWALKER THE SHOW - FREDERICK HENRY AS MICHAEL JACKSONEl elenco del espectáculo está formado por Lorena Jamco, Antonio Tomás, Agustín Guerrero y Jordi Pinyol junto a un cuerpo de ballet en la que destaca la gran bailarina Ainhoa Mouriz. La coreografía es obra de la aclamada Orietta de la Peña que actualmente se encuentra en Londres preparando otro musical.

Es un espectáculo de casi dos horas de duración que inunda de ritmo el escenario, en el que canciones como “Thriller” o “They don’t care about us” se combinan con videos espectaculares, en muchos casos inéditos. Sobre las tablas del Coliseum desfilarán desde lo mejor de los Jackson Five hasta los últimos éxitos de Michael; un total de diecisiete canciones inolvidables entre las que estarán “Smooth criminal” o “Billy Jean“.

Fréderick Henry, el protagonista de Moonwalker the Show, cuenta con el beneplácito de la familia Jackson, y se ha pasado media vida en Las Vegas perfeccionando las coreografías de su ídolo a quien conoció personalmente.

Moonwalker the Show” se representa en el teatro Coliseum del 6 al 9 de junio de 2013.

Reparto: Frederick Henry, Lorena, Jamco, Antonio Tomás, Agustín Guerrero, Jordi Pinyol, Ainhoa Mouriz…
Horarios: jueves 6 y viernes 7 a las 21:00 horas; sábado 8 a las 18:30 y a las 21:30 horas y domingo a las 19:00 horas.
Precio: 25 – 30 €

Crítica del espectáculo en Culturalia: https://blogculturalia.net/2013/06/07/critica-teatral-moonwalker-the-show-en-el-teatro-coliseum/

Presentació audiovisuals: Arxipèlag de les Còmores, Brunei i Palawan, de Jordi Llorens Estapé.

Palawan_1El divendres dia 7 de juny el fotògraf Jordi Llorens Estapé presentarà al Centre Cultural de Vilanova del Vallès els nous audiovisuals dels seus dos últims viatges:

Les illes Comores, al nord de Madagascar; El sultanat de Brunei a l’illa de Borneo i l’illa de Palawan a les Filipines. Tres diferents destinacions on gaudir dels colors maragda de les seves cristal·lines aigües que permeten somiar que encara existeixen paradisos perduts pel món poc explotats habitats per una gent acollidora que obren d’una manera senzilla les portes del seu territori encara verge.

Una possibilitat de viatjar pel món a través de l’audiovisual i de la màgia de les fotografies!!

Aquí tens una breu sinopsis del que podràs veure:

ARXIPÈLAG DE LES COMORES: “Les illes de la Lluna”

Viatjar a les Comores no sempre resulta fàcil. Però pot suposar una lliçó de paciència, humilitat i tenacitat. Tot es mou mora mora (a poc a poc) i les instal·lacions turístiques són molt bàsiques, però per a mi ja és prou atractiu perquè és el que busco en els viatges: llocs remots, fora dels circuits turístics. Una ruta ambiciosa en un arxipèlag on el temps sembla haver-se aturat i on els seus encantadors habitants d’arrel àrab-suahili ens obren les portes d’aquest territori encara verge. Capritxosament escampades per l’oceà índic, les misterioses i boniques Illes Comores m’han ofert tot tipus d’encisos per desconnectar del món durant un temps.

BRUNEI: El racó oblidat de Borneo

Brunei, un dels països més petits del mon i alhora més rics, s’amaga discretament en una de les illes més grans del planeta, Borneo. Un lloc poc freqüentat pel turisme i del que poc es coneix, si exceptuem les excentricitats del sultà que el governa i la seva llegendària fortuna.

PALAWAN: l’última frontera de les Filipines

Palawan té molts tresors ocults: El Nido sedueix pels seus nombrosos escenaris naturals verges, dels quals destaquen les solitàries platges tropicals. I Coron,  amb les formacions de pedra calcària, oculten misterioses llacunes i platges perdudes. En aquest espai colossal, milers d’illes duen a fantasies i desitjos, envoltades de cels de foc. Palawan pot fer recuperar la nostàlgia per la intensitat dels moments viscuts, pels blaus maragda de les aigües i sobretot pels somriures en els ulls profunds de la gent acollidora.

Audiovisuals: Arxipèlag de les Còmores, Brunei i Palawan
Autor: Jordi Llorens Estapé
Lloc: Centre Cultural de Vilanova del Vallès
Dia: 7 de juny de 2013
Hora: 20:30 hores

Més informació: http://www.jordillorens.com/

“Primer amor” en La Villarroel: Beckett y Arquillué descansan juntos

El inquietante Samuel proclama: “Acuéstate, todo parece detenerse; acuéstate y quédate quieto.”

Y Pere, obediente, recibe a su público estirado en un inmaculado catre hecho de sábanas de una frialdad penetrante y soberbia elegancia.

La Villarroel repone “Primer amor”, el relato de un muerto que revivirá para sentenciar que la vida y el amor no tienen sentido fuera del recluimiento personal.

El Samuel del primer párrafo se apellida Beckett y, para quitarle la solemnidad que normalmente le acompaña, diremos que nos azota con una historia espeluznantemente hermosa.

Y ese Pere en posición horizontal se trata ni más menos que de Arquillué, primera espada de la escena catalana, pero para nosotros será enajenado cómplice guiñándonos el ojo hacia un viaje fascinante.

“Yo nunca fui de los que cortan la hierba; al contrario, la cubría de estiércol más bien.” Reconoce sin pudor el desquiciante protagonista. Su lamento se adueña del escenario. No contento con eso, se propaga por el patio de butacas y no se conforma hasta asfixiar al público.

Beckett y Arquillué reflexionan sobre la absurdidad de la vida social convencional y proponen como salida el encierro. Por dentro y por fuera. Un individuo joven se convierte en huérfano y, prácticamente al instante, es desahuciado para morar sin una brizna de entusiasmo hasta dar en un banco público con otra criatura que le abre sus piernas, su casa y su fertilidad (en este orden). Y en su nuevo aislamiento (la convivencia y el matrimonio son ahora el detonante) el impávido personaje casi hallará la paz.

Miquel Górriz y Àlex Ollé, también presentes, ejercen como maestros de ceremonias poniendo a Samuel y a Pere en contacto. Su labor de directores les distingue como creadores exquisitos por el minimalismo de la propuesta: en un espacio neutral por su blancura y despojado de artificios, en el que tramoyista, actor y escenario son uno, porque se retroalimentan continuamente, demuestran una vez más que el teatro es vida hecha de palabra, sugestión e intriga.

Arquillué pone en marcha su solvencia ampliamente contrastada y exhibe, proyecta, modifica y programa de nuevo un registro amplio que recorren el humor surreal, la reflexión concienzuda y el grito de repulsa intransigente. Sus ademanes son calculados y deliberadamente mecánicos: Nos presenta a una criatura terriblemente deshumanizada, un cadáver aún bien articulado.

Beckett, desde debajo del estiércol empuja con tesón la hierba de este “amor iniciático”. Me atrevería a decir que hasta desearía revolcarse con nosotros en este barrizal en que se convierte la sala durante la representación de su maloliente obra.

Por Juan Marea

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   Apasionante agonía

La Villarroel
Barcelona, c/Villarroel, 87
del 7 de mayo al 16 de junio
autor: Samuel Beckett
versión: José Sanchis Sinisterra
traducción: Anna Soler
dirección: Miquel Górriz y Àlex Ollé
actor: Pere Arquillué
espacio sonoro: Josep Sanou
asistencia de movimiento: Eva Roig
diseño de luces: Carles Borràs
duración: 65 minutos
horario: martes, miércoles y jueves:20.30 h, viernes: 21 h, sábados: 18.30 y 20.30 h, domingo: 18.30 h
precios: 22€ (descuento a mayores de 65 años, menores de 14 años, Tarjeta Rosa, Tarjeta Discapacitado, Club TR3SC y Carnet Jove)

 

Crítica literaria: La leyenda del ladrón, de Juan Gómez-Jurado, ed. Planeta.

la-leyenda-del-ladron_9788408004998Hablar de Gómez-Jurado es, seguramente, hablar de éxito en el mundo de la literatura. El escritor es un autor mediático y de éxito, traducido a un gran número de lenguas y que además sabe escoger y dar forma a sus proyectos de manera inteligente, documentada y seductora. Su última propuesta, La leyenda del ladrón, publicada por editorial Planeta, es una novela histórica que transcurre en la Sevilla de finales de siglo XVI, no olvidemos, la sede del monopolio comercial castellano-americano, seguramente el primero de carácter mundial y un emplazamiento algo más refrescante y original que los habitualmente utilizados para situar las tramas históricas ambientadas en esta época.

La obra de Gómez-Jurado nos traslada a la Sevilla de los truhanes, de los pícaros, de los ladrones y de la miseria. Poco o nada se interesa por los personajes de alto copete, tan solo como referente contextual, y nos presenta una aventura, o unas aventuras, vividas por Sancho de Écija, joven que rescatado de la muerte gracias a la compasión de un oficial de la Corona, es llevado al orfanato de la ciudad de Sevilla, lugar donde pronto será consciente del ominoso futuro que la vida le ha reservado. Su partida del orfanato abrirá la puerta a Sancho a la clandestinidad y la prisión. Tras cumplir parte de su condena en galeras, Sancho llevará a la práctica la venganza contra aquellos que truncaron sus esperanzas y que le llevará a regresar a Sevilla y forjar una leyenda en la ciudad, la leyenda del ladrón.

Gómez-Jurado nos presenta una novela cotidiana respecto al argumento y a los personajes, que huye de ambientes palaciegos y aristocráticos. Su trama nos llevará por las calles y los barrios más populares de la Sevilla del momento, en donde transcurre la vida de ladrones, asesinos, prostitutas y delincuentes del tres al cuarto. Es así, que el ambiente del libro es las más de las veces sucio y de olor grueso. Por lo que respecta a su escritura el libro muestra una excelente redacción, un sello propio de Gómez-Jurado, que nos permite trasladarnos fácilmente a la época y al lugar, tanto por el acertado uso de arcaísmos castellanos como por lo natural de su desarrollo.

2Copy-Ricardo-Martin-203412_LTambién se deduce de la lectura un profundo trabajo de documentación, ya que algunas de sus escenas son de un efectivo realismo. Un ejemplo de ello son las páginas que nos relatan la estancia de Sancho en galeras, tremebundas e impactantes y que superan, sin duda, en su vívida descripción a la mítica escena de galeras reproducida en el inigualable peplum cinematográfico que fue Ben-Hur (William Wyler, 1959), que aunque ambientada en época romana y rodada con una imagen mucho más pulcra y delicada, es el referente que todos poseemos, al menos aquellos con una cierta edad y apasionados por el cine, de lo que podría ser una condena en galeras.

Por lo que respecta al argumento podemos clasificar el libro más que como una novela histórica, que también, como un libro de aventuras sobre un lienzo histórico, esto es, en ella no seremos testigos de las acciones de los grandes personajes o acontecimientos del momento, sino que seguiremos las andanzas y la posterior venganza llevada a cabo por su protagonista principal, como no enmarañada con una historia de amor entre Sancho y Clara, la hija de una de las esclavas del rico y pérfido comerciante Francisco de Vargas, y la que podríamos considerar la protagonista de una segunda línea argumental que convergerá con la primera a lo largo del desarrollo de la historia.

Una trama, por cierto, muy bien modulada en capítulos o secciones que estructuran acertadamente el avance de la novela, que podríamos considerar también de espadachines, y que nos recuerda, en parte, la saga literaria protagonizada por el capitán Alatriste y escrita por Pérez Reverte.

Y como elementos que suman positivos a la novela citaré tres:

El primero, el libro posee códigos QR, elementos que favorecen una lectura enriquecida del libro, permitiendo acceder a contenidos exclusivos, una clara prueba de que los tiempos están cambiando en el mundo editorial.

El segundo, el libro también nos muestra en sus guardas anterior y posterior el mapa ilustrado de la ciudad de Sevilla de la época, en el que están resaltados algunos de los espacios donde transcurre la acción de la novela. Una asistencia necesaria en muchas novelas históricas y obligatoria en La leyenda del ladrón, en la que el escenario sevillano está tan presente.

El tercero, el papel secundarioque el autor otorga en su novela a dos de los autores más famosos de la historia de la literatura, que además vivieron en la época en la que está ambientada el libro, y que nos son otros que William Shakespeare, presentado como un joven y alcoholizado actor teatral de segunda fila, y Miguel de Cervantes, mostrado como un fiel y honrado comisario de abastos del rey. Sin duda las escenas en las que aparecen ambos son de las más jocosas y singulares de toda la novela.

Gómez-Jurado nos presenta una novela de aventuras históricas que se lee y se disfruta de forma placentera, y nos propone un decorado histórico original con personajes atractivos y aventuras estremecedoras en algunas ocasiones y palpitantes en otras, que sin duda, han hecho, o harán de él, un seguro de ventas.

Título: La leyenda del ladrón
Autor:
Juan Gómez-Jurado
Editoril: Planeta
Colección: Autores Españoles e Iberoamericanos
Fecha de publicación: 01/06/2012
Nº de páginas: 664
Idioma: Español
Formato: 15 x 23 cm.
Presentación: Tapa dura con sobrecubierta
Precio:
Libro tapa dura: 21,90 €
Libro bolsillo: 10,95 €
Epub: 6,99 €
Comprar en Amazon: La leyenda del ladrón

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Critica teatral: Escuela de calor, el espectáculo, en el teatro Coliseum.

411Definitivamente estamos en un momento de auge de la programación de espectáculos musicales al menos sobre los escenarios barceloneses. Si hace unos días hablábamos de las representaciones de The World of Abba, en el teatro Tívoli y de Michael Jackson The Immortal World Tour, en el Palau Sant Jordi, Culturalia también se ha hecho eco de espectáculos como My sweet country, una singular propuesta escénico-musical de The Mamzelles en el Poliorama, The wild party (La festa salvatge) en el Teatre Gaudí o T´estimo, ets perfecte, ja et canviaré, también en el Poliorama. A lo que se suma el próximo estreno por parte de Grup Balaña de Moonwalker, Michael Jackson The Show un nuevo espectáculo tributo a la música del rey del pop o el estreno en septiembre del famoso musical Sonrisas y lágrimas.

Es ahora el turno de Escuela de calor, el espectáculo, un show musical que recorre los éxitos de la música española de los años 80 y 90, todo un legado artístico y musical que nace de los orígenes de la movida madrileña y que recorre varios de los exitazos que produjo la música española a lo largo de los últimas décadas del siglo XX.

Escuela de calor es, también, un claro homenaje a la radio, que fue el medio en el que en aquella época la música llegaba al público, cuando al no existir la miríada de dispositivos fijos y móviles ni el revolucionario servicio de internet de los que gozamos hoy en día, la fm y los casetes reinaban por doquier.

923230_10151540468239130_681849488_nEl espectáculo en cuestión está planteado como un concierto en el que tres cantantes, Alberto Comesaña (Amistades peligrosas), Joaquín Padilla (Iguana Tango) y Pablo Perea (La trampa) interpretan los diversos temas. Cada uno con su propio tono de voz y su propio estilo: Un Comesaña más melódico e interactivo, un Padilla más enérgico y un Perea más intenso y hondo.

Como elemento de nexo en la interpretación de los temas que irán sonando a lo largo de las dos horas y media de actuación encontramos la historia de una joven locutora de radio (Paula Sebastián) que irá trabando a través de su historia trágica, cada una de los canciones. Una historia, por otra parte, plagada de los ingredientes típicos de la noche madrileña de aquella/s época/s, estos es, el alcohol, el sexo y la droga.

Momentos a destacar hay muchos y muy diversos, y tan solo hace falta ver el movimiento acompasado de cabezas, hombros y cuerpos de parte del público agitándose al son de las canciones para darse cuenta de que el efecto musical llegaba a buen puerto. Por mi parte he de destacar las dos canciones en tonos rasgados que entonó Pablo Perea, Me cuesta tanto olvidarte de Mecano, y el Te dejé marchar de Luz Casal junto al Embrujada de Tino Casal, cantado por el mismo Perea o las canciones de Loquillo interpretadas magistralmente por Joaquín Padilla, por no hablar de los temas grupales interpretados por los tres cantantes ayudados por las alegres coreografías de Paula Sebastián, como fueron el Mediterráneo de los Rebeldes o el Hace calor de los Rodríguez. Como ven la selección es variada e incluye además temas de otros grupos y artistas como Héroes del Silencio, Gabinete Caligari, Danza invisible, Antonio Flores, Miguel Bosé, Hombres G, Joaquín Sabina, Nacha Pop o Radio Futura entre otros.

954797_10151540470879130_2090403772_nTodo ello sobre un escenario provisto de un espacio para los cantantes, de pantallas con proyecciones audiovisuales (en el que podremos ver parte del famoso videoclip de Mediterráneo de Los Rebeldes), y una plataforma para la banda de músicos, todo ello acompañado de una escenografía simple que nos muestra las imágenes, como no podía ser de otra forma, de las caratulas de los discos de éxito del momento, que le da al espectáculo un enfoque musical que destaca sobre todo lo demás.

Así que ya lo sabes, si te gustó y te gusta la música española de los 80s y 90s, si disfrutabas en los conciertos de los grupos de entonces y te gustaría revivir las sensaciones de aquella época, Escuela de calor es un espectáculo hecho a tu medida. Así que saca del armario aquella chaqueta de cuero que hace años que no te pones, busca aquellas mallas, seguramente rotas, que juraste que nunca tirarías, ponte (y esto es optativo) un poco de maquillaje provocativo y disfruta de un intensivo de música de la buena de entonces. Pero date prisa, ya que solo tendrás tiempo hasta el próximo domingo 26. ¿Dejarás escapar esta oportunidad?.

Escuela de calor, el espectáculo” se representará en el teatro Coliseum del 15 al 26 de mayo de 2013.

Intérpretes: Albert Comesaña, Joaquín Padilla y Pablo Perea.
Batería: Trevor Murrell y Toni Vázquez
Piano y teclados: Pedro Roncero
Guitarra: Borja Montenegro
Guitarra: Jorge Ojea
Bajo: Ricardo Esteban
Saxo: Iñaki Arakistain

Horarios: miércoles, jueves viernes a las 21:00 horas; sábado a las 19:00 y a las 21:30 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precio: de 19 a 36 €

Próximas actuaciones:

1 Jun. – Teulada (Alicante)
11 al 22 Sep. – Madrid – Nuevo Teatro Apolo
15 Oct. – Alicante
16 Oct. – Alicante
18 Oct. – Cáceres
19 Oct. – Ciudad Real
24 Oct. – Murcia
27 Oct. – Málaga
9 Nov. – Oviedo

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crónica concierto: Pedro Guerra, presentación disco 30 años.

ep004915_1La última vez que asistí a un concierto de Pedro Guerra fue el que ofreció en el año 2002 en el Auditori de Barcelona, en su gira de presentación del disco Hijas de Eva. Fui al concierto junto a uno de mis mejores amigos, y disfrutamos tanto de los temas que presentó entonces como del repaso que hizo de sus “grandes temas”, con el que nos deleitó en la segunda parte del concierto. Mi amigo, poco después, se marchó a vivir a Madrid, a iniciar una nueva vida junto a la que ahora es su mujer, si bien nuestra amistad ha permanecido a lo largo del tiempo, más de diez años, gracias al uso de las nuevas tecnologías y de constantes, aunque ya no tanto, viajes de ida y vuelta.

Les digo esto porque Pedro Guerra es, para mí, como un buen amigo que aunque no tengas cerca y accesible, se mantiene a tu lado, igual que su música, haciéndote compañía y reconfortándote desde la distancia a través del recuerdo de sus canciones y la escucha de sus discos.

Pues bien, el pasado viernes 17 de mayo, Pedro Guerra regresó a Barcelona, esta vez en el Barts (Barcelona Arts on Stage), el reconvertido Arteria Paral·lel y en esta ocasión para presentar su disco de recopilación 30 años, en el que repasa su carrera como compositor y cantautor a toque de guitarra, micrófono y pies descalzos. Una velada musical que de nuevo destaca por la sensibilidad humana y artística del cantante.

La actuación de Pedro Guerra transcurre en un ambiente de intimidad que nace del propio escenario, en el que solo le acompaña, como es habitual, una silla, un micrófono, una mesa, algunos pequeños instrumentos y una débil iluminación. En esta atmósfera Pedro, con su habitual simpatía y delicadeza, la que siempre muestra en directo, repasa no solo los temas de su dilatada carrera musical sino también las peripecias artísticas y vitales que los acompañan. Anécdotas que van desde la correcta pronunciación del nombre del pueblo donde creció (Güímar, con diéresis sobre la u y acento en la i); la música que cantada por su padre hacía suya desde pequeño en su hogar; o su traslado y establecimiento en una gran ciudad como Madrid.

20130416063753El concierto fue pues un itinerario musical en el que Guerra realizó una selección equilibrada entre sus grandes temas y otras canciones no tan populares. Entre los primeros Siete Puertas, Contamíname, Ofrenda, Pasa, Debajo del puente, El marido de la peluquera, canción a través de la cual le conocimos muchos, o Deseo. Entre las segundas Caperucita Roja, Cuna vacía, Mar de Mármara, La maestra o la contestataria Contra el poder.

Y es que con Pedro Guerra cada espectador, cada seguidor y cada fan construye de una forma interior y personalizada su propio ranking de canciones, a través de la emotivización de sus ritmos y, sobre todo, de sus letras. Al ser estas tan cotidianas y cercanas, cada uno las acomoda fácilmente a su experiencia personal e íntima. En mi caso se llevan la palma canciones como Deseo, El reencuentro de Viola y el Barón, El marido de la Peluquera o Tan cerca de mí, canciones que hice mías en la época en que las oía por la radio, en un mítico programa como La Gramola de M80 Radio, y que vuelvo a gozar cada vez que las oigo asociadas a momentos, recuerdos o situaciones concretas.

Explico esto porque es muy habitual que en los conciertos de Pedro Guerra al inicio de la interpretación de los temas suene un murmullo de aprobación entre el público, con una ligera tonalidad femenina, que muestra como las canciones de Guerra acarician la sensibilidad de los asistentes. Y de estos runruneos, se lo aseguro, el pasado viernes se oyeron muchos, más pronunciados, evidentemente, en el momento de interpretar los grandes temas del cantante.

Fue así una velada musical especial e íntima la que se vivió a lo largo de dos horas/dos horas y media que duró el concierto de Pedro Guerra, algo por lo que hay que felicitar al propio cantante y compositor, solo faltaría, pero también al magnífico espacio en el que se celebró y a los esfuerzos de gestión de The Project, que ha permitido de nuevo la actuación del artista canario en Barcelona.

PRÓXIMOS CONCIERTOS:

24 de mayo – Madrid – Teatro Fernán Gómez
30 de mayo – Ceutí (Murcia) – Auditorio
15 de junio – Gandía (Valencia) – Recinto por confirmar
28 de junio – La Orotava (S/C de Tenerife) – Liceo Taoro

Más información:

http://www.pedroguerra.com/
http://www.theproject.es/es/
http://www.barts.cat/


Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: “Shopping and Fucking” de la Compañía Ferran Vilajosana-Oriol Rovira: Bajarse a la vida


A callarse todos. Y a desesperarse. Porque la sociedad de consumo nos reclama y no se conforma con guiñarnos el ojo, sino que quiere aplastarnos sin derecho a reclamación ni mucho menos a devolvernos dinero alguno.

Tampoco el sexo nos liberará del pesar de sentirnos adquiridos, utilizados y finalmente vaciados. Ni hablar: Suframos lo indecible relacionándonos mal unos con otros a golpe de coito mal ejecutado y de intentar alejar con ello cualquier pretensión de realizarnos emocionalmente.

ImageVacío interior a punto de liberarse.

Con “Shopping &Fucking” de Mark Ravenhill nos vamos todos, personajes, actores y espectadores, de compras y follamos compulsivamente para sentirnos mejor. A un gran centro comercial donde los productos de oferta son un puñado de jóvenes desnortados aunque con las ideas muy claras. Ahí radica uno de los grandes aciertos de la pieza: La marginalidad en la que viven sumidos la perseverante Lulu (espléndida Clara Lago), el disciplinado Mark (impecable David Marcé), el apasionado Robbie (vigoroso Ferran Vilajosana) y el coherente Gary (conmovedor Quim Àvila) y acrecentada por la mirada adulta de un embaucador-pigmalión Brian (contundente aunque algo histriónico Mingo Ràfols) se ve frenada y finalmente anulada por una actitud determinante de todos aquellos frente a la adversidad repleta de entusiasmo vital. Del bueno. Que rezuma por debajo de una estrafalaria trama en la que parece que todas las catástrofes sociales tenían hora simultánea. Esto sí que es una gozada. Porque el texto se vale de materiales efectistas (tan a menudo malogrados en otras propuestas superficiales) para llegar a un fondo de autenticidad individual gracias al apoyo del grupo.

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Un grupo repleto de individuos

En esta especie de cruce entre la “Perversidad sexual en Chicago” de David Mamet (por su enfoque del sexo desbocado como catalizador de la frustración existencial cotidiana) y “Bajarse al moro” de Alonso de Santos (ese espíritu solidario de animosa supervivencia), asistimos con impaciencia a los vaivenes del acontecer diario de estos perdedores-ganadores, impregnándonos de la comicidad de sus momentos más trágicos (como la vida misma, ¡qué caray!). Oriol Rovira, director del espectáculo, apuesta fuerte por la dirección de actores y gana a pesar de una puesta en escena funcional que hubiese agradecido cierto riesgo: Al arranque de la historia (impecable en el ritmo), vamos sumando momentos como el del monólogo de Lago sobre la barrita de chocolate o su disertación sobre la globalización a partir de la comida envasada en monorraciones (que, además, prueban la excepcional actriz teatral que es) que se mezclan con escenas estremecedoras por su dramatismo y crudeza (la sodomización exigida como parte de una terapia y religiosamente ejecutada de manera ejemplar por los tres actores jóvenes restantes; el encuentro en el probador de ropa donde Marcé y Àvila intentan convencerse de que están enamorados). Y cuando emerge el final feliz (algo tardío, puesto que la obra adolece de cierta reiteración de escenas que perjudican parcialmente el ritmo de la obra) para sorpresa de todos, no solo lo aceptamos. También lo elogiamos.

Nos los llevamos a todos. Y no hará falta que nos los envuelvan.

 por Juan Marea

Teatre Tantarantana
c/ de les Flors, 22 de Barcelona
del 2 al 19 de mayo
Autor: Mark Ravenhill
Dirección y traducción: Oriol Rovira
Actores: Clara Lago,David Marcé, Ferran Vilajosana, Mingo Ràfols, Quim Àvila
Diseño de escenografía y vestuario: LaCol
Diseño de iluminación: Isidro Ortiz
Espacio sonoro: Blai Barba
Caracterización: Anna Álvarez

Nueva exposición: Chema Madoz: Ars combinatoria, en La Pedrera

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Hoy en día cualquiera puede ser un fotógrafo en potencia: la gran cantidad de dispositivos electrónicos que tenemos a nuestro alcance nos permiten inmortalizar aquellos momentos que creemos únicos con mayor o menor gracia. Sin embargo,  convertir aquella instantánea en una pieza de museo no es una tarea tan sencilla, ya que para ello se necesitan grandes dosis de talento, disciplina y una visión muy personal de la realidad, cualidades de las que ha hecho gala Chema Madoz a lo largo de toda su trayectoria como fotógrafo, un hábil artista capaz de transformar objetos cotidianos en imágenes cargadas de poesía para, así, crear un mundo onírico propio que podremos descubrir en Ars combinatoria, la retrospectiva sobre sus últimos 30 años de carrera que se inauguró el pasado 9 de abril en La Sala d’exposicions La Pedrera de Barcelona.

Chema Madoz,agujaaguaLejos quedan aquellos tiempos en los que Chema Madoz (Premio Nacional de Fotografía en el año 2000) trabajaba en un banco; por entonces ya había hecho sus pinitos como fotógrafo –reportajes en los que se centraba en la figura humana–, pero pronto decidió dar un paso al frente, dejar su profesión y centrarse en su verdadera pasión. Sin embargo, poco a poco perdió el interés en fotografiar personas para dar el protagonismo a los objetos, a quienes despoja, con mucha imaginación, de su función principal y les otorga posibilidades mucho más poéticas que las evidentes, con la intención de que el espectador reflexione acerca de su entorno más inmediato. Así, el artista busca una imagen precisa a partir de una idea preconcebida, en escenarios íntimos que él mismo crea o manipula, siempre en blanco y negro y con una cuidada elección de la luz para jugar con las sombras que proyecta el protagonista.

En La Pedrera, el visitante tendrá acceso a ese universo paralelo creado por el fotógrafo, un total de 70 obras en las que nada es lo que parece a simple vista: en ese mundo ficticio es posible encerrar una nube en una jaula, quebrar un huevo duro y su soporte como si fueran un mismo objeto, unir con aguja e hilo unas perlas que no son otra cosa que diminutas gotas de agua, convertir una batuta en una escuadra y un cartabón, confeccionar un majestuoso arco tan solo con libros, transformar un bastón en una barandilla preciosa o una hoja de afeitar en el punto de libro perfecto. Madoz no duda en buscar la complicidad sincera del espectador, y por ese motivo no le ofrece ninguna pista, ni siquiera pone título a ninguna de sus imágenes con el objetivo de que sea él mismo quien las interprete.

chema-madoz-fotografia-90Además, en Ars combinatoria –título que hace referencia al arte combinatorio pensado por el filósofo mallorquín Ramon Llull– se incluyen dos vídeos que muestran la forma tan meticulosa, casi obsesiva, en la que trabaja y construye sus estructuras (su perfeccionismo es tal que le ha llevado a elaborar entramados de gran complejidad para obtener una imagen impactante); la curiosidad del espectador quedará saciada con la exposición de diversas libretas de anotaciones en las que dibuja las primeras ideas de sus proyectos, cinco objetos originales que el mismo Madoz ha realizado para incluir en sus fotografías –entre ellos un guante que funciona como un elegante monedero– y sus colaboraciones con los poetas catalanes Salvador Espriu y Joan Brossa, el mismo que a principios de los 90 se felicitaba por descubrir en él a un “hermano” en el terreno artístico.

Ars combinatoria se podrá ver en La Sala d’exposicions La Pedrera de Barcelona del 9 de abril al 28 de julio de 2013, de lunes a domingo, de 10:00 horas a 20:00 horas. La entrada es gratuita.

Más información: http://www.lapedrera.com