Crítica teatral: L’any que ve serà millor, en La Villarroel.

El teatro, a lo largo de su historia, se ha ido constituyendo en un espejo que no tan solo refleja la forma de pensar del autor que da forma a una obra, sino también la época en la que viven aquéllos que la representan, ya sean el director, los actores o las actrices. De ahí que el teatro haya ido casi siempre de la mano del momento en el que los textos teatrales se han ido creando y representando. Esta actualización se consigue o bien “tuneando” (si me permiten la expresión) una obra ya escrita y representada en una época anterior o, como en el caso de L’any que ve serà millor, creando una idea y un texto nuevos forjados de las mismas entrañas de la actualidad y por lo tanto idéntica y propia a ésta. No sorprende, pues, que el espectáculo estrenado en La Villarroel el pasado 1 de octubre derrame actualidad desbordando el recipiente teatral que lo contiene.

L’any que ve serà millor está escrita por cuatro mujeres, Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias y Victòria Szpunberg; está dirigida por una mujer, Mercè Vila Godoy y está interpretada por cuatro actrices: Neus Bernaus, Alba Florejachs, Mireia Pàmies y Vanessa Segura. Con lo indicado en este párrafo podremos intuir que la obra tiene un primordial carácter femenino, que queda de manifiesto desde el primer minuto de la representación…

La obra no posee una trama continua, sino que nos muestra toda una serie de escenas más o menos cortas cuyo único vínculo entre ellas son los personajes y las actrices que las interpretan. Estas escenas nos revelan las coordenadas sociales, económicas y emocionales del mundo en el que vivimos, al menos aquellas experimentadas por sus jóvenes personajes, esto es, la fragilidad económica, la interinidad emocional, la precariedad laboral, o las imposiciones de la moda y del consumismo de una generación “perdida” que aunque llega a su edad madura con las mejores condiciones educativas y formativas de la historia, se ve reducida a una realidad privativa ya sea en sus aspectos laborales, económicos, emocionales o estructurales.

L’any que ve serà millor es un reflejo de la actualidad que vemos día a día a través de la televisión. Es, también, una reflexión desenfadada y en clave de comedia sobre la sociedad occidental actual, y más concretamente de la catalana, que pretende hacernos pensar acerca del modelo de sociedad que compartimos y que, ahora más que nunca, sufrimos todos.

Como ya he indicado anteriormente la obra se organiza en sketches que fluyen uno detrás de otro, delimitados tan solo por el entrar, el salir y el actuar de las actrices protagonistas, mostrándonos así, con su propia estructuración, el egoísmo, el aislamiento y la desesperación de las personas en una época que, aunque desarrolla multitud de herramientas de comunicación e información, a veces hasta la extenuación más desmotivadora y frustrante, no fomenta la transmisión de lo más privado y personal que uno lleva dentro.

Vale la pena indicar que este estilo narrativo, la estructuración en escenas o sketches de la representación, se está imponiendo cada vez más a la hora de dar forma a un espectáculo teatral. En este sentido solo hace falta que recordemos Días estupendos y Coses que deiem avui, dos ejemplos de la propia Villarroel; Delicades representada en el teatro Poliorama y la reciente Llum de Guardia estrenada en el teatro Romea. Una forma teatral, como les decía antes, cada vez más común.

Las cuatro artífices de la obra (Buchaca, López, Sarrias y Szpunberg) demuestran una aguda capacidad de observación y de reflexión sobre los tiempos en los que vivimos y cómo estos se psicosomatizan en las vidas de las mujeres sobre las que escriben. Una suma de aciertos que hacen de la obra un producto variado y englobador. Creo que todas (y todos), al menos aquellos que tengamos una edad entre los 25 y los 45 años, nos veremos reflejados en alguno de los gags que nos muestra la obra, y esto es una prueba de su «puntería» teatral.

En el apartado de la interpretación volvemos, como en el caso de las obras citadas anteriormente, a una actuación coral en la que, solas o acompañadas, las actrices irán apareciendo en el escenario al ritmo de las escenas que interpretan. Unas actuaciones, las suyas, cargadas con un potente sentido del humor que propiciará las carcajadas en el patio de butacas. Neus Bernaus, Alba Florejachs, Mireia Pàmies y Vanessa Segura les harán reír, y les harán reír mucho, interpretando un variado registro de caracteres que abarcan a tipos muy diferentes de mujeres y de situaciones, aunque todas ellas marcadas por el individualismo feroz, la precariedad y el fomento de la competitividad a la que nos obligan cada vez más los tiempos en los que vivimos. Aún así, cabe destacar, la interpretación de Alba Florejachs que se apropia de gran parte de las risas y de los plausos del público. Toda una joya a tener en cuenta como actriz de comedia.

Espero, pues, haberles convencido con lo que les he escrito y si no es así aquí va mi último intento: si quieren disfrutar de una buena sesión de teatro (de comedia) a la vez que reflexionar sobre el mundo en el que nos ha tocado vivir, sobre todo si son jóvenes entre 25 y 45 años de edad (aunque la obra está abierta a todos los públicos), no sé que hacen desperdiciando el tiempo leyendo esta reseña en vez de adquirir entradas para ir a ver L’any que ve serà millor. Y si no ya me dirán…

L’any que ve serà millor” se representa en La Villarroel del 30 de septiembre al 27 de noviembre de 2011.

Autoras: Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias y Victòria Szpunberg
Dirección: Mercè Vila Godoy
Reparto: Neus Bernaus, Alba Florejachs, Mireia Pàmies y Vanessa Segura
Escenografía: Álex Aviñoa y Laura García
Vestuario: Laura García
Iluminación: Álex Aviñoa
Espacio Sonoro: Lucas Ariel Vallejos
Producción: La Villarroel

Horarios: de a jueves a las 21:00 horas; viernes a las 21:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:00 horas y domingos a las 17:30 horas.
Precio: de 22 a 26 €
Idioma: catalán y castellano
Duración de la obra: 90 minutos.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: El sopar dels idiotes, en el teatro Apolo.


El pasado 14 de septiembre inició sus representaciones en el teatro Apolo la nueva versión de El sopar dels idiotes, dirigida por Juan José Afonso, versionada por Josema Yuste e interpretada por David Fernández, Edu Soto y Santi Ibáñez.

Una comedia de enredos “de idiotas” que ya se representó en Barcelona en el año 2002 en el teatro Condal, con una versión dirigida por Paco Mir e interpretada por  Alex Brendemühl, Carlos Heredia, Cati Solivellas y Enric Ases y que nos narra las enojosas consecuencias que pueden causar la vanidad y la arrogancia de aquellos que por su situación social, económica o cultural se consideran más que los otros.

La obra nos presenta en esta ocasión a Edu Soto, un engreído y exitoso editor que organiza semanalmente con sus amigos esnobs una cena a la que son invitados algunos especímenes del género idiota, que amenizan la velada con sus estupideces, en algunos casos supina. Nuestro editor ha convocado a su “candidato a idiota” en su propia casa antes de ir al lugar de la cena, pero la lumbalgia le impide asistir al esperado evento. Este percance de última hora no le permite avisar a su candidato antes de que éste salga de su casa, por lo que el encuentro entre ambos será inevitable. Y es aquí donde comenzarán todos los problemas para Edu Soto, o lo que es lo mismo, dará inicio un recital de idioteces y gansadas que llegarán a afectar, incluso, a la vida personal del anfitrión.

Edu Soto y David Fernández han hallado una obra que les va como anillo al dedo y que les permite reinterpretar todo el registro de gags que les hicieron famosos a las órdenes del televisivo Andreu Buenafuente. Bueno puntualicemos un poquito esto ya que no es del todo cierto. En El sopar dels idiotes Edu Soto encarna el personaje más serio y formal, el del engreído editor, mientras que David Fernández vuelve a interpretar un tipo de personaje al que nos tiene acostumbrados (Gilipolles, Chiquilicuatre…) y en el que el actor se siente mucho más que cómodo.

El encuentro entre el editor y su candidato a idiota comportará toda una serie de equívocos y traspiés que llevarán a la obra y al público a una espiral de risas y de sonoras carcajadas que irán “in crescendo” a lo largo de la representación y que es, sin duda alguna, el mejor activo de la obra. Posiblemente no se pueden cometer (dentro de la ficción de la representación, claro está) más errores y estupideces de las que nos muestra la obra, en la que se colgarán el broche de oro David Fernández y su compañero de trabajo en la delegación de Hacienda, apellidado Fernández, interpretado por Santi Ibáñez.

Por tanto, y como pueden llegar a esperar, las interpretaciones tienen un carácter muy humorístico, algo indispensable en este tipo de comedia y muy propio de sus intérpretes. El sopar dels idiotes es un vodevil actualizado repleto de idiotismo, insensibilidad, esnobismo y estupidez humana (que de ésta hay mucha, tanto dentro como fuera de la representación) e incluso de frikismo (espectaculares las continuas referencias a las maquetas de grandes monumentos construidas por el idiota y los nombres o títulos que éste les pone), regado en su trama final por unos gramos de moralina que nos harán reflexionar sobre quién es verdaderamente más idiota, el que se lo hace o el que cree que no lo es.

Teniendo todo esto en cuenta ya saben cual es el plato que les espera en este menú de idiotas: una comedia sobre idiotas (que no de idiotas) que parece haber sido hecha para el lucimiento de sus dos actores principales, Edu Soto y David Fernández, que, si eso es lo que buscan, no les defraudará.

El sopar dels idiotes” se representa en el Teatre Apolo desde el 14 de septiembre de 2011.

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Autor: Francis Veber
Dirección: Juan José Afonso
Versión: Josema Yuste
Traducción: Gerard Florejachs
Reparto: Edu Soto, David Fernández, Santi Ibañez, David Ramírez, Claudia Cos y Anna Gras-Carreño
Escenografía: Ana Garay
Iluminación: Carlos Alzueta
Música: Marc Álvarez
Producción: Nearco Producciones, Olympia Metropolitana y Cobre Producciones

Horarios: miércoles y viernes a las 21:00 horas; jueves a las 18:00 y a las 21:00 horas; sábados a las 18:30 y a las 21:30 y domingos a las 18:30 horas.
Precio: de 18 a 27 €

Idioma: catalán
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno cinematográfico: Contagio, de Steven Soderbergh

El próximo 14 de octubre se estrena en las pantallas de nuestro país Contagio, la última película dirigida por Steven Soderbergh cuyo argumento –protagonizado por un virus de veloz contagio– no es apto para espectadores hipocondríacos, una historia que tiene en su reparto nombres tan conocidos como Matt Damon, Kate Winslet y Jude Law.

Fotograma de la película

La población mundial se encuentra en peligro. Un virus mortal se está propagando rápidamente debido a la facilidad con la que se transmite: por el aire, y provoca la muerte del afectado en apenas unos días. Para hacer frente a esta pandemia, la comunidad científica debe iniciar una lucha contrarreloj para, así, encontrar un remedio que solucione el problema y logre controlar el pánico que, poco a poco, va dominando a la población, cuya estremecedora lucha por la supervivencia se prevé ardua en una sociedad que se desmorona.

Posiblemente Contagio sea una de las últimas ocasiones de ver un film dirigido por Steven Soderbergh (Traffic, Ocean’s Eleven), cuya intención es la de dedicarse próximamente a la pintura para probar suerte en otra disciplina artística; así, para este film el director estadounidense ha elegido un magnífico elenco, con nombres de larga trayectoria cinematográfica como Matt Damon (Invictus), Kate Winslet (Revolutionary Road), Jude Law (Sherlock Holmes), Gwyneth Paltrow (Iron Man), Marion Cotillard (Midnight in Paris) y Laurence Fishburne (The Matrix).

Contagio se estrenará en nuestros cines el 14 de octubre de 2011.

Título: Contagio
Título original: Contagion
Género: Ciencia Ficción, Thriller Acción
Nacionalidad: USA
Año: 2011
Director: Steven Soderbergh
Guión: Scott Z. Burns
Intérpretes: Matt Damon, Kate Winslet, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Marion Cotillard, Laurence Fishburne, Bryan Cranston, Elliott Gould

Un programa per a tothom: Òpera en texans, de Ramon Gener

Aquesta tardor, Televisió de Catalunya s’ha proposat apropar el món de l’òpera, sovint elitista, a tota mena de públic amb el programa Òpera en texans, un espai de tan sols mitja hora de duració amb què pretén fer-nos un petit tast de les obres més significatives de la història, explicant-nos els secrets de cadascuna d’elles per, així, despertar en nosaltres l’interès per l’anomenat bel canto.

Per aconseguir el seu objectiu, Televisió de Catalunya ha confiat el projecte al baríton i pianista Ramon Gener, i, des del primer instant, Gener, home amb una poderosa ànima divulgativa, demostra que la seva elecció ha estat la més adient, ja que destaca per la passió i la simpatia que hi posa en cada moment, en cada explicació.

Ramon Gener

L’estrena del programa va esdevenir el passat 2 d’octubre, i es podrà seguir cada diumenge dins de l’esplèndida programació cultural del Canal 33, a partir de les 22.30 hores. L’encert d’aquest primer capítol va ser escollir una de les òperes més conegudes per tothom, entesos i profans, per, d’aquesta manera, aconseguir no espantar ningú des del primer dia: Carmen, de Georges Bizet, segurament l’òpera francesa de més èxit, un espectacle que va viure la seva primera representació el 3 de març de 1875, una història on la protagonista és una autèntica femme fatal, una dona provocativa que esdevé la perdició de tots els homes que tenen la desgràcia de creuar-se en el seu camí.

El programa dedicat a Carmen va començar, fugint de qualsevol mena de vergonya, plantant un piano a la mateixa Plaça de Catalunya de Barcelona, on el mateix Ramon Gener, envoltat de curiosos de tot tipus –el públic potencial de l’espai, ja que per gaudir d’aquest estil musical no hi ha cap límit d’edat–, comença a tocar melodies que, qui més qui menys, tothom ha escoltat alguna vegada, demostrant que en el nostre imaginari tenim més cançons d’òpera de les que creiem. A partir d’aquest moment, Gener es guanya el públic amb les seves anècdotes i la seva facilitat a l’hora de comunicar, fent que l’escena recordi una excursió amb el mestre envoltat d’alumnes embadalits.

Tot seguit, el programa ens mostra fragments de l’òpera interpretats per tres mezzosopranos diferents; d’aquesta manera, aquells que no coneixem gaire d’aquest món podrem descobrir el talent de les cantants Anna Caterina Antonacci, Béatrice Uria Monzon i Elina Garanca, intèrprets, totes elles, que en algun moment de la seva carrera han defensat amb encert el fogós personatge de Carmen.

El programa cuida fins al més petit dels detalls; així, per explicar-nos perquè ens fascina tant un personatge com la protagonista d’aquesta òpera, a estones cruel amb els seus pretendents, Òpera en texans es reuneix amb un especialista de la parella en el millor lloc possible: l’hotel 1898, antiga seu de la companyia de cigars, un lloc similar al que Carmen, cigarrera de professió, acudia a treballar.

Finalment, aquest capítol acaba amb algunes anècdotes sobre les primeres representacions de l’òpera, amb imatges intercalades de la versió que Calixto Bieito va presentar al Liceu; d’aquesta manera, sabrem que la primera protagonista, en una de les escenes, va tenir una premonició: la mort de Georges Bizet. Aquella mateixa nit, el 2 de juny de 1875, moria Bizet, sense haver pogut gaudir de la fama que Carmen acabaria tenint.

L’emoció amb què Ramon Gener parla d’òpera, l’interès vers un estil musical poc conegut pel gran públic, despullat aquí de qualsevol cotilla i mostrat de forma informal, i l’originalitat a l’hora de presentar algunes versions per part de cantants d’altres disciplines (en el primer capítol, Maika Makovski va fer una magnífica interpretació d’un dels temes de Carmen) avalen Òpera en texans, una producció de Televisió de Catalunya i Brutal Media dirigida per Xavier Morral que esdevindrà una de les sorpreses més agradables de la temporada televisiva, a més de ser un fantàstic manual d’instruccions per poder entendre l’òpera. Per aquest motiu, després del programa dedicat a la tràgica història de Carmen, Gener i els seus analitzaran Don Giovanni, Il trovatore, Parsifal, El barber de Sevilla Turandot, entre d’altres espectacles.

 

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

 

 

Crítica teatral: Escándalo en Palacio, en el teatro Arteria Paral·lel Barcelona.


Pedro Ruiz
regresa a Barcelona con Escándalo en palacio, espectáculo que se representará en el teatro Arteria Paral·lel del 19 de octubre al 1 de noviembre, un repaso en clave de comedia a la actual situación de crisis política y económica mundial.

El inicio de la trama es tan claro como sencillo. Un canal de televisión emite, varios años después de captadas, las imágenes robadas de Bernard Mathieu (Pedro Ruiz), presidente del gobierno de un país desconocido pero en el ámbito europeo (extrañamente identificable con Francia) y de su primera dama, Paola d’Angio (Laura Bascuñana), una joven y atractiva exmodelo, en pleno affaire sexual en los lavabos durante una recepción oficial. Una indiscreción con una mayor repercusión ya que el escarceo amoroso se produjo cuando el presidente aún estaba casado con su anterior esposa. El resto de la trama, es decir, toda, se desarrolla durante la larga, interesante e instructiva conversación que mantiene la pareja presidencial en la que analizan el porqué de la aparición de las imágenes y como reaccionar ante ellas.

Es aquí donde hace acto de presencia la sátira política a la que, desde siempre, nos tiene acostumbrado Pedro Ruiz. Toda la hipocresía, corrupción, juego de poderes y asesinatos políticos, en resumen, la alcantarilla del poder, se desgrana a través del texto de la obra escrita, dirigida e interpretada por Pedro Ruiz. Con su ya conocida capacidad de observación e inspiración crítica veremos como la pareja presidencial (curiosamente parecida a la formada por Sarkozy y Bruni) analiza la situación en sus variables políticas y responden ante ella. El presidente con una anticipación y una lucidez dignas de un estratega y la primera dama desde un punto de vista mucho más social y emocional. Es en este espacio entre ambas visiones y concepciones de la vida y de la política donde Pedro Ruiz nos ofrece su visión desapasionada y decepcionada del juego político, que en muchas ocasiones nos parece más digno de organizaciones mafiosas que de políticos dignos de ese nombre.

Todo el discurso y la ironía de Ruiz se contextualizan con la actualidad informativa más reciente y mediática. En un momento en que no puede uno abrir las páginas de un periódico ni sintonizar un canal de televisión sin verse obligado a ser testigo de lo que la democracia y los políticos hacen y deshacen en relación a la vida de sus conciudadanos (o, y por qué no súbditos). El Caso Gürtel; la Operación Pretoria; los concienzudos robos consagrados y perpetrados por el sr. Millet y sus compinches en el Palau de la Música que, no olvidemos, parece que pueden manchar el buen nombre de algunos partidos políticos catalanes; corrupción; Marbella, y un largo etcétera.

A través de la conversación entre Pedro Ruiz y Laura Bascuñana a uno se le vienen a la cabeza todos estos nombres, e incluso más,  y sobre todo los programas de crítica satírica que dirigió Pedro Ruiz en televisión durante los años 80 y 90  y que de una forma descarnada y realista analizaban la actualidad del momento.

Es así Escándalo en palacio, un monólogo dialogado entre Pedro Ruiz y Pedro Ruiz y Laura Bascuñana, en el cual irá apareciendo la trastienda política que el decoro y las formas (que no la educación política) solo nos permiten ver muy de tanto en tanto.

Como el propio Pedro Ruiz comenta, la obra es un buen pretexto para pasárselo bien durante un rato, para después, y pensándolo cada uno para sí mismo, iniciar una reflexión sobre lo que hemos visto y sobre la política y los hacedores de política, poniendo a cada uno no en el lugar donde se merece sino en el sitio donde ellos mismos se arrastran a veces.

Una vez bajado el telón nos damos cuenta que, al fin y al cabo, la historia y los personajes de Escándalo en palacio, no son reales. Lo que falta aún por saber es si los políticos de verdad son, en definitiva, mejores o peores… apuesten por lo peor!!!

«Escándalo en palacio» se representará  en el Arteria Paral·lel del 19 de octubre al 1 de noviembre de 2011.

Autor y director: Pedro Ruiz
Reparto: Pedro Ruiz y Laura Bascuñana
Música, direcciones y producción sonora: Luis Cobos
Audiovisuales: El Mundo TV
Escenografía: Bambalinas y Telones
Estilismo: Lluís Llongueras
Técnico de luz y sonido: José Ramón Cupeiro
Vestuario: Pedro del Hierro
Producción: Peruce S.A.

Horarios: de miércoles a viernes a las 21:00 horas; sábados a las 21:30 horas y domingo a las 19:00 horas
Lunes 31 de Octubre a las 21:00 horas
Lunes 1 de Noviembre a las 19:00 horas
Precio: de 14,25 a 31,5 €

Idioma: castellano
Duración de la obra: 1 hora y 45 minutos

Novedad discográfica: Su nombre era el de todas las mujeres, de Loquillo

A lo largo de los más de treinta años que lleva vinculado al mundo de la música, José María Sanz, Loquillo, siempre ha mostrado un especial interés en acercar a su público la obra de aquellos poetas que admira y revisa constantemente, ya sean autores clásicos o contemporáneos. De su pasión por la poesía nacieron dos discos, magníficos oasis dentro de su extensa discografía de raíz más rock’n’rollera: La vida por delante (1994) y Con elegancia (1998). Prácticamente catorce años después, Loquillo sigue en su empeño de llevar la contraria a aquellos incrédulos y demostrar que musicalizar los pensamientos de los poetas no tiene porqué resultar aburrido, y por ello ha escogido el extenso trabajo de Luis Alberto de Cuenca para, junto a su inseparable socio y amigo Gabriel Sopeña, transformarlo en las canciones que constituyen su nuevo disco, Su nombre era el de todas las mujeres, a la venta desde el pasado 4 de octubre.

En aquellos dos álbumes publicados en la década de los 90, Loquillo y Sopeña revisaban la poesía de una amplia selección de autores, escritores tan distintos como Jacques Brell, Manuel Vázquez Montalbán, Mario Benedetti o Joan Salvat Papasseit, entre otros; ahora, en cambio, ambos músicos han decidido centrarse únicamente en una figura, un autor vivo contemporáneo: Luis Alberto de Cuenca (Madrid, 1950), un poeta de estilo irónico y desenfadado que mantiene ciertos vínculos con el mundo del rock (entre sus múltiples trabajos hay también canciones), por lo que este disco no le resultará extraño.

Loquillo

Presentado a modo de elegante disco-libro, Su nombre era el de todas las mujeres contiene diez poemas de Luis Alberto de Cuenca pasados por el particular filtro de Loquillo, de entre las que el músico del Clot ha escogido Political Incorrectness como excelente single de presentación, una historia que defiende ir a contracorriente, aunque eso no sea lo que la sociedad espere de uno: que el individuo siga a la mayoría, sea políticamente correcto y no moleste. En este cuidado álbum, Sanz es quien pone voz a los textos del escritor madrileño y Sopeña se ha encargado de la música, mientras que los arreglos y la grabación del disco son responsabilidad del productor Jaime Stinus.

“A solas”, la gira de presentación de Su nombre era el de todas las mujeres, será especial: se desarrollará en los próximos cuatro meses, de noviembre a febrero de 2012, y se alejará de forma premeditada de los grandes escenarios que habitualmente acogen a José María Sanz para recalar en pequeños teatros que permitan ofrecer un recital intimista y próximo, y para el que, además de las canciones de este último trabajo, también incluirá piezas de sus seis discos en solitario que no suele incluir en sus habituales conciertos.

Título: Su nombre era el de todas las mujeres
Autor: Loquillo
Discográfica: Warner Music Spain, S.L.
Fecha de publicación: Octubre 2011

Más información: www.loquillo.com

Seminario: relaciones histórico-geográficas-artísticas de España con el Norte de África. AEPHG.


La Asociación Española del profesorado de Historia y Geografía organiza un seminario sobre las relaciones histórico-geográficas-artísticas de España con el Norte de África, programado durante 5 sábados de los meses de octubre, noviembre y diciembre del 2011.

RELACIONES HISTÓRICO-GEOGRÁFICO-ARTÍSTICAS DE ESPAÑA CON EL NORTE DE ÁFRICA

Seminario de 15 horas (1,5 créditos ) reconocido por Ministerio de Educación.

Objetivos de la actividad:
1. Conocer las relaciones históricas geográficas de España y el Norte de África.
2. Entrar en contacto con profesores de Melilla para intercambiar conocimientos y experiencias.
3. Profundizar en el estudio del arte del Norte de África y sus principales manifestaciones artísticas.
4. Relaciones sociales Melilla-Norte de África: Estereotipos

CONTENIDOS Y TEMPORALIZACIÓN:

DÍA TEMA PONENTE-COORDINADOR
15 Octubre 2011 África versus EuropaProyección de la películaLa batalla de Argelde G. Pontecorbo.Narra la lucha de Argelia para independizarse de Francia Sebastián BettosiniProf. E. Secundaria
22 Octubre 2011 Marco geográfico-cultural del Magreb Iván MartínInvestigador ICEI, UCM.
12 Noviembre 2011 Historias compartidas: Norte de África y España Feliciano Páez CaminoCatedrático Secundaria.
19 Noviembre 2011 Melilla entre la cultura africana y la europea Ramón Gutiérrez López Sociedad de Estudios Melillenses
2 Diciembre 2011 Europa versus África: SociedadProyección de la películaLa banderade Julien BuvivierTras matar a un hombre en París, Pierre Gilieth huye a Barcelona, donde se alista en la legión extranjera española. Una vez en África participará en combates en el desierto, se enamora de una chica de Marruecos, Aischa, y conoce a dos compatriotas, Mulot y Lucas, una amistad que puede no ser tan desinteresada… Miguel Ángel PastorProf. E. Secundaria


HORARIO:
5 sábados señalados de 10:30 a 13:30 horas.
LUGAR: CEIP. Antonio Moreno Rosales
C/ Olmo nº 4 Madrid. Metro Lavapiés o Tirso de Molina

Coordinador del seminario: Juan Brotat. Vocal formación AEPHG

¡¡¡ ESTÁIS TODOS INVITADOS !!!

Más información de las actividades de la Asociación española del profesorado de Historia y Geografía: www.aephg.es

Crítica teatral: Planeta ESO, en el Versus Teatre.


¿Cuál es la situación de la educación en Cataluña? ¿Cómo aprenden los jóvenes catalanes? ¿Qué es lo que les mueve, lo que les interesa? El Versus Teatre estrenó a finales del mes de agosto Planeta ESO, una obra que  pretende realizar un retrato de la situación educativa y generacional de los institutos catalanes basada en la obra del mismo título publicada en la editorial Plaza & Janés en el año 2003.

Como ya sabemos el teatro desde hace tiempo ha dejado de ser tan solo un lugar donde asistir a la representación de clásicos teatrales o hilarantes comedias de enredo y ha pasado a convertirse, cada vez más, en un espacio y una herramienta de análisis y crítica de la sociedad, la política y la economía actuales (o por lo menos actuales en el momento del estreno de la obra). Planeta ESO incorpora, sin embargo, ingredientes de diferentes géneros de teatro para presentarnos lo que pretende ser un retrato robot de la comunidad educativa y de la población estudiantil catalana.

Un retrato robot que nos hacen llegar Assumpció Ortet y Meritxell Ané dirigidas por Joan Gallart en clave de comedia, a veces crítica y a veces indulgente, de una de las problemáticas que más caracterizan no tan solo a los estudiantes catalanes sino también al modelo de sociedad que intentamos legar al futuro.

Como ya sabemos el trabajo de los profesores de secundaria es uno de los más arriesgados y agotadores que existen en la actualidad. Los profesores no solo tienen la obligación de formar a los alumnos en las diferentes ramas del conocimiento humano sino que, además, y como si esto fuera poco, han de luchar por asentar en las mentes semi-huecas de manadas de jóvenes desinteresados en cuestiones que no tengan relación con los éxitos televisivos, musicales, del mundo del videojuego y de la telefonía móvil, unos mínimos asientos éticos de comportamiento en unas edades que todos sabemos que son difíciles debido a la magra capacidad de atención de unos chicos y chicas que tienden a pensar más en sus necesidades e intereses personales inmediatos, al tiempo que descubren nuevas aplicaciones corporales (si es que no se han descubierto antes) que hacen que los miembros del sexo contrario comiencen a generar un gran interés que no se abandonará nunca.

Pues bien, y perdonen esta larga digresión que no sé a lo que venía, de todo esto trata Planeta ESO a través del “duólogo” interpretado por Ortet y Ané, que nos hará conocer de primera mano y sonreírnos con los comportamientos de los jóvenes estudiantes y con los analíticos e irónicos comentarios de dos supuestas profesionales de la educación.

La capacidad de expresión de los alumnos materializada en sus respuestas a algunas de las preguntas “de examen”; el descubrimiento de las artes y las gracias de sus cuerpos en plena ebullición hormonal descontrolada; la relación que se establece entre los propios estudiantes y entre ellos y sus profesores macerada, claro está, por un sentido del humor apto para todos los públicos; las con-vivencias en los viajes de fin de curso… A todo esto se suma el incomprendido papel de los padres, copartícipes en la educación de los jóvenes, al menos en sus vertientes más “comportamentales” que, en la mayoría de los casos o bien sobrestiman las capacidades de sus hijos (y por lo tanto subestiman el papel del profesor) o interfieren negativamente en una educación sana y de futuro para sus retoños.

Como les decía, todo esto es lo que veremos en Planeta ESO presentado en un menú de comedia soft, con dos ingredientes básicos: Assumpció Ortet y Meritxell Ané, las dos únicas actrices de la obra, que tanto interpretan a las profesoras (de ESO) que nos narran sus tragicómicas anécdotas profesionales, o dan voz a los inexpertos y atormentados alumnos ante los que se abre una vida de infinitas posibilidades y riesgos.

Planeta ESO pretende, así, ser una fiel adaptación del libro del que toma su nombre y un ejercicio de humor estudiantil, que se basa en la interpretación de las dos protagonistas femeninas. La representación opta, sin embargo, por una versión soft y esponjosa del tema que deja de banda los pespuntes más dramáticos de la actual situación educativa catalana (y española por extensión), aspirando a ser un producto digerible por el amplio público, objetivo que consigue como demuestra la prórroga del espectáculo en el escenario del Versus Teatre hasta el próximo 6 de noviembre.

Así, pues, ya saben, si quieren pasar un buen rato conociendo de primera mano o simplemente recordando aquellas anécdotas que todos, de una forma u otra, hemos vivido en nuestra etapa estudiantil, no deben de dejar escapar Planeta ESO, un ejercicio teatral en clave de humor que nos habla de la educación, de nuestros hijos, de los padres y de una sociedad que, en medio de una gran crisis económica, política y social no sabe que hacer casi con nada y menos con la educación pública universal, una de las claves de un futuro prometedor.

Planeta ESO” se representa en el Versus Teatre del 26 de agosto al 6 de noviembre de 2011.

Autores: Empar Fernández y Judit Pujadó
Dirección: Joan Gallart
Reparto: Assumpció Ortet y Meritxell Ané
Compañía: AGM Produccions

Horarios: de jueves a sábado a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas.de dijous a dissabte a les 19:00 hores i diumenge a les 18:00 hores.
Precio: 16 €
Idioma: catalán
Duració de la obra: 1 hora.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Novedad editorial: Una novela francesa, de Frédéric Beigbeder

Un escritor con talento puede transformar un dramático suceso personal en una magnífica novela. El francés Frédéric Beigbeder ya demostró su ingenio años atrás con 13,99 euros, una obra que le granjeó el reconocimiento del gran público, y ahora ha aprovechado una situación comprometida que vivió en 2008 para su nuevo libro, Una novela francesa, un relato en el que repasa su historia personal y la de su familia, a la vez que reflexiona sobre los últimos cuarenta años de la Historia de Francia.

Frédéric Beigbeder

El punto de partida de Una novela francesa es el 28 de enero de 2008, cuando Beigbeder era detenido por consumir cocaína en la vía pública, y pasaba a estar cuarenta y ocho horas en detención preventiva, una situación que contrastaba con la que viviría días después su hermano, el empresario Charles Beigbeder, cuando sería condecorado con la medalla de la Legión de Honor. En las horas que pasó en su celda, y que ahora plasma en este libro, Frédéric se entretuvo en recordar su infancia, la historia de sus dos familias –los Chasteigner, aristócratas, y los Beigbeder, burgueses venidos a menos–, rememoró la traumática experiencia que para él supuso el divorcio de sus padres,… En las páginas de Una novela francesa, el autor transita de la melancolía por aquellos días de infancia y juventud al drama de su detención, además de realizar feroces críticas a las dependencias penitenciarias de París, mostrar su indignación por el trato recibido en comisaría y efectuar una defensa acérrima del consumo de drogas.

Desenfadada e insolente, Una novela francesa no es sólo un retrato personal del autor y su familia, también es un interesante recorrido sentimental por la Historia de su país en las cuatro últimas décadas, un repaso tan honesto como visceral que Frédéric Beigbeder adereza con el humor y la ironía que le caracteriza, y que Michel Houellebecq se ha encargado de prologar.

Título: Una novela francesa
Autor: Frédéric Beigbeder
Editorial: Anagrama (en catalán, Amsterdam LLibres)
Colección: Panorama de narrativas
Páginas: 224 páginas
Fecha de publicación: Septiembre 2011
ISBN: 9788433975690
Precio: 18,50 €

Estreno cinematográfico: Intruders, de Juan Carlos Fresnadillo

 

El próximo 7 de octubre se estrena en las pantallas de nuestro país Intruders, la última película dirigida por Juan Carlos Fresnadillo que toma como argumento una historia de suspense repleta de presencias fantasmagóricas, y que tiene como protagonistas a Clive Owen, Carice Van Houten y Daniel Brühl.

Fotograma de la película

Juan es un niño de 7 años que vive en Madrid con su madre. Cada noche, el pequeño es víctima de un intruso sin rostro que se cuela en sus sueños, convirtiéndolos en pesadillas sin que nadie pueda evitarlo. A miles de kilómetros, en Londres, una niña de 12 años lee a sus compañeros de clase un cuento sobre Carahueca, un monstruo obsesionado con los niños; ese mismo día, su padre sufre un inexplicable accidente en el rascacielos donde trabaja. Ambas familias no lo saben, pero los intrusos ya están en sus casas.

Dirigida por Juan Carlos Fresnadillo (28 semanas después) y basada en Carahueca, una novela de Nicolás Casariego, Intruders es un thriller con elementos sobrenaturales que cuenta con un reparto de lo más internacional, con el británico Clive Owen (Sin City), el alemán Daniel Brühl (Salvador) y la española Pilar López de Ayala (Las 13 rosas) en los papeles principales, a quienes se añaden Carice Van Houten (El libro negro), Ella Purnell (Nunca me abandones), Kerry Fox (Intimacy) e Izan Corchero.

Intruders se estrenará en nuestros cines el 7 de octubre de 2011.

Título: Intruders
Género: Thriller sobrenatural
Nacionalidad: Reino Unido, España
Año: 2011
Director: Juan Carlos Fresnadillo
Guión: Nicolás Casariego, Jaime Marques
Intérpretes: Clive Owen, Carice Van Houten, Daniel Brühl, Pilar López de Ayala, Ella Purnell, Izan Corchero Kerry Fox