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Crítica cinematográfica: Cut Bank, de Matt Shakman

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Infinidad de directores se han mostrado fascinados por la rutina anodina en un pueblo de la América profunda, una lista a la que ahora se suma Matt Shakman, que tras dirigir diversos episodios de las televisivas Mad Men, A dos metros bajo tierra o House, debuta en el largometraje con una sencilla historia ambientada en uno de esos escenarios: Cut Bank, un thriller sobre la codicia que tiene su punto fuerte en el guión de Roberto Patino, un relato noir con los imprescindibles giros argumentales del género que destaca por su primera parte, cuando el espectador se ve envuelto en las intrigas que rodean a ese crimen que sacude el monótono día a día de la idílica comunidad; a medida que avanza la trama, la película se convierte en una doble caza al responsable del suceso: por una parte, el sheriff le sigue los pasos cada vez más de cerca, mientras que un psicópata que regresa de su exilio le busca para recuperar un paquete extraviado.

Cut Bank es ese pueblo en el que nunca pasa absolutamente nada, una verdadera prisión que ahoga los sueños de libertad de Dwayne y Cassandra. Sin dinero para iniciar su aventura en la gran ciudad, tan solo un concurso de belleza puede solucionarles la papeleta, pero la suerte se pondrá de su parte cuando una tarde graben el asesinato del cartero con su cámara. Tras esa casualidad, la recompensa para quien aporte pruebas en un delito de ese calibre será el ansiado salvoconducto con el que dejar atrás ese pequeño pueblo de Montana, conocido como “El lugar más frío del país”, aunque nada será tan fácil como imaginaban.

La sensación es que Shakman quiere jugar a ser uno más de los hermanos Coen, y lo cierto es que las comparaciones, cómo no, son odiosas: en esta ocasión la sombra de Fargo es alargada, un lastre para Cut Bank, que por sí misma sería una película correcta sobre unos buscavidas sin fortuna, con una buena trama y una dirección eficaz aunque sin riesgo alguno. En cuanto a los actores, la elección más discutible es la del protagonista –un Liam Hemsworth que pugna por ser algo más que ídolo teen, y que aquí pasa todo el metraje con un mismo registro, exasperadamente taciturno–, una decisión poco acertada compensada por la presencia de Billy Bob Thornton –un mecánico que además es el suegro del protagonista– y John Malkovich –un sheriff aprensivo que se enfrenta a su primer asesinato–, en un reparto coral que completan Teresa Palmer, Bruce Dern y Oliver Platt, sin olvidar a Michael Stuhlbarg, sensacional en la piel de un inquietante taxidermista, un personaje que sin duda hubiera merecido mayor atención en esta historia.

Título: Cut Bank
Director: Matt Shakman
Intérpretes: Liam Hemsworth, Teresa Palmer, Billy Bob Thornton, John Malkovich, Bruce Dern, Michael Stuhlbarg, Oliver Platt, Sonya Salomaa, Peyton Kennedy, Christian Distefano, Chilton Crane, Tom Carey
Guión: Roberto Patino
Año: 2015
Duración: 95 minutos

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Escrito por: Robert Martínez

Crítica cinematográfica: Terminator: Génesis, de Alan Taylor

TERMINATOR_GENESIS-posterNo es ninguna novedad que el cine americano se nutre cada vez con más frecuencia de actualizaciones, versiones y reboots de antiguas franquicias que se habían quedado, más o menos apolilladas, en los estantes de las grandes productoras esperando el momento idóneo para su regreso. Si Poltergeist decepcionaba por su excesivo respeto al canon y Mad Max: Furia en la Carretera maravillaba por saber llevar más allá el espíritu de la saga, Terminator era un caramelo que solo requería que Arnold Schwarzenegger decidiera volver a encarnar a uno de sus personajes de mayor éxito en las pantallas.

Finalmente Schwarzenegger se ha decidido y el resultado es Terminator Génesis, un film que ha sabido dar un paso adelante en la franquicia con una trama de acción que seguro que no desagradará a sus fans.

«Cuando John Connor (Jason Clarke), líder de la resistencia humana, envía al sargento Kyle Reese (Jai Courtney) al año 1984 para proteger a Sarah Connor (Emilia Clarke) y salvar el futuro, un inesperado giro de los acontecimientos crea una línea temporal fracturada. Ahora, el sargento Reese se encuentra en una versión nueva y desconocida del pasado, donde descubre aliados insólitos, como el Guardián (Arnold Schwarzenegger), nuevos y peligrosos enemigos, y una misión nueva e inesperada: reconfigurar el futuro…»

Terminator Génesis es un acierto en el desarrollo de una franquicia que con su tercera y cuarta partes, esta última incluso sin la presencia física de Schwarzenegger, daba la sensación de estar entrando en una fase de obsolescencia. La nueva entrega de Terminator parece revivir la franquicia y darle a la idea un giro que seguro que alegrará a la mayoría del público. Y todo ello nace de la idea de desarrollar algo más el tema de los viajes en el tiempo y las paradojas que estos pueden provocar en un argumento ya conocido por todos y establecido en su canon.

De esta forma, aunque en un principio la trama parece que sigue las reglas argumentales de la saga, tras el primer viaje en el tiempo veremos brillar la audacia de los guionistas que se apropian de la esencia de Terminator, esto es, de toda la franquicia cinematográfica, y se dedican a jugar con ella para recrear una historia en la que al espectador le costará avanzarse al propio desarrollo del argumento y en la que se le hará dudar sobre las motivaciones de los personajes y la capacidad de los protagonistas para poder modificar el futuro funesto de la humanidad.

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Los guionistas, Laeta Kalogridis y Patrick Lussier, de la mano de la dirección de Alan Taylor, con gran experiencia en la realización de series  televisivas, nos han preparado un cóctel que transita y juega con todos los momentos de la saga y en el que veremos a los diversos modelos Terminator conocidos, los famosos T-800 y T-1000, y evidentemente alguno más. La entrega nos presenta, asimismo, a todos los personajes principales de la saga, incluyendo a Sarah Connor, a Kyle Reese y a John Connor. Como os he comentado, el film representa una tentativa de reactivar la franquicia repasando todos lo datos a tener en cuenta. Y la película lo hace de una forma que sorprende, con motivo, al público.

Por lo que respecta a la acción, el film es fiel a los principios de la franquicia y se mantiene al respecto a un nivel alto, sin mostrarse demasiado recargada de efectos digitales, excepto, claro está, los necesarios, y realizando constantes guiños a las entregas anteriores. En la película destacan la escena en la que el canon de la saga se viene abajo y la secuencia de la persecución del autocar escolar, ambas bien diseñadas y bien resueltas.

Terminator Génesis suma, de este modo, a la acción típica de la franquicia lo que podríamos considerar una estratagema o guerra temporal en la que Skynet, el gran enemigo-máquina a batir por parte de los humanos, intenta sobrevivir a los efectos de las primeras entregas de la saga.

Por lo que respecta a las actuaciones, evidentemente lo más llamativo es el regreso de Schwarzenegger a la franquicia, integrando en la trama los evidentes signos de envejecimiento del actor (téngase en cuenta que el tejido que cubre en endoesqueleto de un Terminator es orgánico, por lo que también envejece) y generando algunos de los momentos más cómicos de la película. A esto hay que sumar que el guión del film tiende a resituar a Schwarzenegger en un segundo plano para dar más visibilidad a los personajes principales, un terrorífico John Connor (Jason Clarke), un aceptable Kyle Reese (Jai Courtney) y una poco destacable Sarah Connor (Emilia Clarke), a la cual no le acompaña el físico adecuado.

Terminator Génesis es una más que acertada revitalización de la franquicia. No por otra la película obtiene una nota de 7,1 en IMDB, consigue una puntuación de 7,55 en el portal de cine de terror Abandomoviez, aunque tan solo alcanza un 27% de aprobación por parte de la crítica en el site Rotten Tomatoes, logrando sin embargo un 69% de aprobación de los usuarios en el mismo portal. Todo ello un buen indicativo de que el trabajo se ha hecho bien y de que la franquicia, aunque «envejecida» por el paso natural de los años en los actores, se ha rejuvenecido para llegar a los nuevos públicos del siglo XXI.

Título: Terminator Génesis
Director: Alan Taylor
Reparto: Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Emilia Clarke, Jai Courtney, J. K. Simmons, Dayo Okeniyi, Matthew Smith, Courtney B. Vance y Byung-Hun Lee
Guión: Laeta Kalogridis y Patrick Lussier
Productora: Paramount Pictures y Skydance Productions
Música: Christophe Beck
Fotografía: Kramer Morgenthau
Estreno: 10 de Julio de 2015
Género: Acción, Ciencia Ficción
Nacionalidad: EE.UU.

NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Un merecido tributo a James Horner (compositor de bandas sonoras)

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James Horner

El pasado 22 de junio moría en accidente aéreo James Horner, uno de los más celebrados compositores de bandas sonoras de las últimas décadas, responsable de la música de películas como Cocoon, Braveheart, Titanic o Avatar.

Seguramente pocos identificarán el nombre de Horner, que en comparación con otras grandes figuras de la música de cine como Jonh Williams, Jerry Goldsmith o Danny Elfman, puede pasar algo desaparecido. Sin embargo Horner ha sido el responsable de 156 bandas sonoras, tanto de películas como de otro tipo de proyectos cinematográficos.

Horner realizó su primera banda sonora destacada para la película La dama de rojo (1979), pero no fue hasta su trabajo para Star Trek II La Ira de Khan (1982) que no destacó como compositor. A partir de entonces Horner inició una notoria carrera componiendo la música de películas de éxito de los años 80 y 90 como Proyecto Brainstorm (1983), Rocketter (1991), Sneakers, los fisgones (1992) o Leyendas de pasión (1994).

En el año 1986 Horner alcanzó sus primeras nominaciones a los oscars, ya fuera por la banda sonora que compuso para Aliens el regreso, como también por el tema Somewhere out there que escribió para el film Fievel y el nuevo mundo.

Sin duda, muchos de nosotros conocemos su obra gracias a dos películas que representaron dos grandes éxitos de taquilla: por un lado la histórica Braveheart (1995) y sobre todo por Titanic (1997), por la que Horner ganó, esta vez sí, el oscar tanto a la mejor banda sonora como a la mejor canción, por el tema My heart will go on, interpretado por Celine Dion y con el que consiguió el mayor reconocimiento comercial y de la crítica de su carrera.

A partir de aquí Horner dio el paso final en su consolidación como gran compositor de bandas sonoras de renombre y participó en diversos de los éxitos más taquilleros del cine americano del momento como Enemigo a las puertas (2001), Una mente maravillosa (2001), Troya (2004), o Avatar (2009), la película más taquillera de todos los tiempos.

Horner, además, compuso bandas sonoras para diversos géneros entre los que destacan la ciencia-ficción con partituras para Los 7 magníficos del espacio (1980), Star Trek III en busca de Spock (1984), Nuestros maravillosos aliados (1987) o El hombre bicentenario (1999). También se dedicó al cine infantil con bandas sonoras para películas como, En busca del valle encantado (1988), El guardián de las palabras (1994), Jumanji (1995) Mi gran amigo Joe (1998) o Casper (1995). Igualmente compuso partituras para el cine de aventuras con títulos como Krull (1983), El misterio de la pirámide de oro (1988), La máscara del Zorro (1988) o películas históricas y épicas como El nombre de la rosa (1986), Tiempos de gloria (1989), o Apocalypto (2006).

El trabajo de Horner ha sido, por otra parte, criticado al ser acusado tanto de reciclar y reutilizar parte de sus partituras en diversas de sus bandas sonoras, como por plagiar temas de compositores clásicos. Aún así Horner ha creado un sinfín de bandas sonoras que han potenciado, normalmente, la calidad de las películas en las que ha participado, legando algunas de las sinfonías y de los temas musicales más completos jamás escritos para el cine.

Se me hace muy difícil destacar alguna banda sonora por encima de otras de la carrera de Horner, que como Williams y Goldsmith, posee una gran cantidad de temas y sinfonías que nos muestran su estilo y dominio de la composición musical.

Su muerte, a los 61 años de edad, representa una pérdida irreparable para el cine y para todos aquellos que gozamos con las bandas sonoras.

«Requiescat in pace, James Horner»

Crítica cinematográfica. Poltergeist, de Gil Kenan

Cartel Poltergeist_2015La fiebre de las versiones en el cine norte-americano actual llega a casi todo, si bien los géneros de aventuras, ciencia-ficción y terror son los más visitados, por el hecho de que son temáticas con una gran capacidad para generar fanmanía. Ahora le llega el turno a Poltergeist, la película de terror producido por Steven Spielberg y dirigida por Tobe Hooper en el año 1982. Una actualización en manos de Gil Kenan como director y David Lindsay-Abaire como guionista, que no acaba de sacarle todo el jugo posible a una de las mejores historias terroríficas jamás realizadas en el cine.

La nueva versión de Poltergeist se mueve en el canon de la película original, lo que se convierte en un acierto y un error al mismo tiempo. Es decir, La nueva versión del film está dirigida a dos tipos de público, estos es, los que han visto el film original y los que no lo han visto. La excesiva fidelidad al film original se convierte para los primeros en la simple actualización de una historia ya contada de una forma magistral, a la que se suman algunos condicionantes actuales: una familia que está pasando problemas económicos (reflejo de la crisis) y que se muda a una nueva casa más asequible. De ahí que la relación de familia tenga mucha más presencia que en su predecesora, robándole minutos al apartado espiritual y fantasmal de la historia. Este es el único elemento donde innova el film y que, curiosamente, recuerda a la secuela Poltergeist II: El otro lado (Brian Gibson, 1986). Por el contrario, el resto de la película es un reflejo de situaciones, personajes y sustos que en parte ya hemos visto, excepto en el caso de la escena de la taladradora y las que nos muestran el «más allá», un ámbito psíquico-espiritual eludido en el film de 1982.

La cinta avanza, como he dicho, fiel al canon original, si bien reinterpretando algunos elementos y escenas con diversos guiños que pueden contentar a los más cinéfilos. Por desgracia, ese mismo canon no le permite a la película experimentar demasiado y crear una propuesta nueva más afín a las tendencias del cine de terror actual, con lo que Poltergeist se convierte en una película más de temática casa encantada.

Encontraremos a la niña, el receptor de televisión, el armario infantil que se convierte en la puerta dimensional que une el mundo de los vivos con el de los muertos, la escena del árbol asesino, el aterrador payaso, la entrada en el más allá… todo reelaborado y con poco que llegue a sorprender al espectador que ya viera el original. Además, musicalmente la propuesta pierde uno de los grandes referentes de la historia, ya que en ella no hay nada parecido a la espectacularidad orquestal y fantasmal de la banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith, que dio a la película de 1982 un aspecto tan magnífico y que fue nominada a los Oscars. Tanto el director Gil Kenan como el compositor de la banda sonora, Marc Streitenfeld, tienen poco bagaje profesional a sus espaldas, lo que se deja notar en lo descafeinado del resultado final la película.

Escena Poltergeist_2015Por lo que respecta al casting y las interpretaciones, se ha de indicar que el trabajo es más que correcto, aunque sin el glamur que infundieron al original Heather O’Rourke, JoBeth Williams, Graig T. Nelson, Beatrice Straight, o Zelda Rubinstein. En sus roles Kennedi Clements, Rosemarie DeWitt, Sam Rockwell y Jane Adams muestran la profesionalidad requerida y guardan un sorprendente parecido con el casting original, en el caso del medium, Jared Harris, la elección es poco idónea.

Para todos aquellos que no hayan visto el original de 1982, Poltergeist se convierte en una más de las propuestas de terror con casa encantada. El film funciona ya que el original funcionaba, no tan solo por su opción por el terror tecnológico materializado en los dispositivos audiovisuales que amenazan a la familia, sino porque la historia está bien narrada. Aunque puede decepcionar a todo aquel que quiera ver algo más y puede fallar en taquilla por la falta de un casting con gancho mediático.

Por lo que respecta a su recepción por parte del público y la crítica, en Abandomoviez la cinta ha alcanzado una puntuación de 5,10 sobre 10, un aprobado justito, mientras que en IMDB alcanza tan solo un 5,3 también sobre 10. Por otra parte en Rotten Tomatoes la cinta alcanza un 32% de aceptación en la crítica y un 28% por parte de sus usuarios.

Como podéis ver, todo un indicativo de que Poltergeist no va a ser el taquillazo terrorífico del año. Una pena porque por la historia truculenta que rodea a la producción de esta franquicia (que generó en su momento un amplio interés), el merecido éxito de la entrega original y el acierto de su argumento de «casa encantada», podía haber llegado muy lejos. Aunque parece que este no es destino de los reboots cinematográficos actuales, ni mucho menos.

Título: Poltergeist
Director: Gil Kenan
Guión: David Lindsay-Abaire
Reparto: Sam Rockwell, Rosemarie DeWitt, Jared Harris, Nicholas Braun, Jane Adams, Saxon Sharbino, Kennedi Clements, Kyle Catlett, Susan Heyward, Soma Bhatia, Karen Ivany, L.A. Lopes
Musica: Marc Streitenfeld
Fotografía: Javier Aguirresarobe

Estreno: 22 de Mayo de 2015
Género: Terror
Nacionalidad: EE.UU.

Nota Culturalia: 6
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Jorge Pisa

“El capital humano” de Paolo Virzì: Il nostro caro Blake Carrington

El afán por medrar en el estatus social provoca víctimas de largo alcance. ¿Cómo se recupera el nuevo rico de un descalabro económico cuando no dispone de un alma que pueda volar sola? Pues sumiéndose en una confusión irreversible, en la que la falta de escrúpulos no cede fácilmente el protagonismo.

EL CAPITAL HUMANO (IL CAPITALE UMANO) es un producto cinematográfico anodino que camufla tras unos personajes amorales y una trama accidentada el empeño de conseguir una obra entretenida de sobremesa. En la película de Paolo Virzì no hay ningún atisbo de sinceridad y sí mucho de tomadura de pelo: La exposición de su historia resulta ramplona por la falta de matices en la presentación de los personajes (los dos cabezas de familia tropiezan de manera tosca en fotogramas funcionales). El desarrollo del guión es una acumulación de golpes de efecto sin poso alguno (por ejemplo, el relato inverosímil de la ambición desemedida de Dino, que se limita a una galería de secuencias en las que chilla, gesticula y harta Fabrizio Bentivoglio).

Tampoco los actores pueden lucirse a pesar de que sus figuras viajen por escenas de lo más variadas ya que sus trajes (esto es, los personajes con los que les toca vestirse) están fabricados sin gracia ni estilo: Valeria Bruni Tedeschi irrita nuevamente como pazguata llorona; Fabrizio Gifuni parece salido de un “remake” de “Dinastía” y Valeria Golino no es más que un holograma fílmico porque se ve y no se ve según las ganas del espectador de seguir su rastro en el metraje. Esto último sí que es una lástima: Ella es la única con indicios de una buena interpretación pero, al carecer su “Roberta” de relevancia, se echa a perder.

En resumidas cuentas, el guión de Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo es mediocre y no logra sacar provecho del batiburrillo de temas que apunta. Ni siquiera el múltiple enfoque en el punto de vista que da a entender el supuesto carácter de obra coral resulta convincente porque ninguno de los protagonistas en que se centra la película a cada tramo está tratado con un mínimo de rigor.

Lo que sí consigue, en cambio, la película es que sustituyamos por un par de horas la pantalla del televisor para ver en formato panorámico un “episodio de serie” con conflicto “actual” y resolución “satisfactoria”: Nada cambiará al final. Los buenos seguirán siendo los que más fortuna derrochan para pasmo y admiración de televidentes siervos.

Por Juan Marea

EL CAPITAL HUMANO se ha estrenado en España el 10 de abril de 2015.

 

Publicación: Yo soy Espartaco, de Kirk Douglas. Ed. Capitan Swing Libros

KirkDouglasYoSoyEspartaco_150pppHemos hablado muchas veces en Culturalia de las películas de género histórico, considerando la corrección de la adaptación cinematográfica y las cualidades de los films en sí. Ahora os presentamos un libro interesantísimo al respecto, escrito por el propio Kirk Douglas, que nos habla de la creación de Espartaco (Stanley Kubrick, 1960), un clásico de las «películas de romanos«, en donde el actor estadounidense analiza la producción de un film que hizo historia.

Más de cincuenta años después de la filmación de su epopeya Spartacus, Kirk Douglas revela el fascinante drama que tuvo lugar durante la realización de la legendaria película del gladiador. En una era políticamente convulsa, cuando los magnates de Hollywood rechazaban contratar mediante acusaciones de simpatías comunistas, Douglas escogió para escribir el guión a Dalton Trumbo, un guionista puesto en la lista negra, uno de los hombres que habían ido a prisión tras declarar ante el Comité de Actividades sobre sus afiliaciones políticas.

Con su futuro financiero en juego, Douglas se sumergió en una producción tumultuosa. Como productor y como protagonista de la película, afrontó momentos explosivos con el joven director Stanley Kubrick y feroces luchas y negociaciones con personalidades como Laurence Olivier, Charles Laughton, Peter Ustinov y Lew Wasserman.

Escrito con el corazón y tras una meticulosa investigación de sus propios archivos, Douglas, a la edad de noventa y siete años, mira lúcidamente hacia atrás sobre las audaces decisiones que se vio obligado a tomar, entre las que cabe destacar su coraje moral al dar crédito público a Trumbo, una acción tan eficaz como arriesgada, pero que supuso el fin de la notoria lista negra de Hollywood.

Título: Yo Soy Espartaco
Autor: Kirk Douglas
Presentación: George Clooney
Editorial: Capitan Swing Libros
Traducción: Ricardo García Pérez
Formato: Rústica con solapas
Tamaño: 14x22cm
Fecha publicación: septiembre 2014
Páginas: 200
ISBN: 978-84-942213-9-2
Precio: 17 €

L’Alternativa’2014: Oportuno maná

El cineasta Juan Barrero, en el programa de mano de la edición de este año de L’Alternativa, se atreve a destapar lo que él denomina “tendencia monstruosa de nuestro tiempo” y la identifica con una deriva al desierto.

Voy a dedicarme estas líneas a decidir si me dejo arrastrar por la aridez o bien si me inclino, en cambio, por encontrar el camino a la civilización. Aunque también existe una vía intermedia: Distraer el agotamiento y la sed soñando con algún oasis.

sauerbrucharchitekten_hfArquitectos en trance y en tránsito

Antes de pronunciarme, y de que la insolación haga estragos, analicemos una pequeña parte de la programación del  que, del 17 al 23 de noviembre, anduvo desafiando la indiferencia de quienes no se quieren reconocer diferentes. SAUERBRUCH HUTTON ARCHITEKTEN es un juguete fílmico envenenado que cautiva a medida que amplía su exposición del proceso creativo de un despacho de arquitectos cuyas consignas son: minuciosidad, pragmatismo y reflexión. La cámara nada complaciente del aclamado realizador Harun Farocki se recrea en las contradicciones surgidas dentro del equipo de trabajo mostrando de manera casi impúdica las desavenencias que podrían estallar entre los arquitectos jóvenes por hacer prevalecer su deseo de convencer con sus ideas. Todo ello en un ambiente casi diáfano: el majestuoso minimalismo de la propia oficina, presentada como si se tratase de un centro de arte. Pero el empeño de Farocki rehuye el morbo como tema principal, con el que sigue coqueteando al ofrecer imágenes de los encuentros entre los arquitectos y los clientes y dejar entrever sin tapujos los puntos de vista a veces opuestos de unos y otros. Porque el realizador centra su máxima atención en el proceso de desarrollo de los trabajos encomendados. En esas secuencias, se vislumbra la pasión creadora: La dificultad de los protagonistas por hallar la solución más conveniente; la premura de los plazos de entrega; y la autoexigencia casi inasequible al desaliento (dice Matthias Sauerbruch que no deben presentar ningún proyecto que no les guste a ellos mismos, a pesar de que ello pase por obviar las peticiones de quienes les den de comer). Y es ahí donde la obra sobresale, trascendiendo toda tentación de caer en el panegírico: Las sesiones de puesta en común de las diferentes fases de los trabajos resultan admirables por el entusiasmo que transmiten. Farocki cierra su propuesta con una conclusión inquietante, acelerada y muy ambigua: ¿Podemos innovar dando la espalda a los demás? ¿Hasta qué punto podría ayudarnos el diálogo? Y, como llega sin que podamos contrastarla explícitamente con lo que hemos estado viendo hasta entonces, aplaudimos entusiasmados.

BEN O DEGILIM (No sóc ell), la película ganadora del Gran Premio del Festival, consiste en una historia de estructura circular (en palabras de Tayfun Pirselimoğlu, su guionista y director, “cuando algo acaba, algo empieza”) y es un estilizado trabajo sobre la necesidad de reinventarse el individuo anodino a base de usurpar otras personalidades que le acerquen a sentirse vivo. Y convence por su guión consistente que describe con precisión admirable a los protagonistas permitiéndoles hablar y relacionarse con verosimilitud anteponiendo la impasibilidad de su tesón a las convenciones sociales. La planificación visual está siempre al servicio de la historia y su tono se mueve entre el realismo más prosaico y el cuento fantástico. En cuanto al primero, destacan la descripción de su antihéroe casi impertérrito y la historia de amor con la mujer que le cocinará y le arrastrará después al mar. Si nos detenemos en el segundo, impresionan la anticipación sutil progresiva de lo que irá ocurriendo, las intrigantes escenas entre barrotes (y su lectura simbólica) y la sensación de que los personajes se van deslizando de una piel a otra con peligrosa magia. No obstante, la película insiste en rizar el rizo (la reaparición de ella reencarnada en alguien que nada sin temor) y, con ello, empalidecen los logros anteriormente destacados.

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Centauros tunecinos

Me apresuro ahora a presentaros la irritante BRÛLE LA MER (mención especial del jurado), con la que Nathalie Nambot y Maki Berchache pretenden denunciar la injusticia del inmigrante norteafricano en la poco hospitalaria Francia. Su punto de vista panfletario suele imponerse al acierto de algunas imágenes, algunas efectistas (la letanía sobre la documentación que debe reunir el aspirante a un visado), otras sinceras (el reencuentro del desdichado narrador con su familia, luminoso y silencioso, para dar paso a una última secuencia visualmente eficaz: la lluvia sobre los olivos tunecinos, que les hará fructificar) y las más interesantes, aquellas en que la cámara se detiene en el espacio estableciendo un poético diálogo con el narrador desahuciado de ella (la orilla que lleva a la barca obviando el mar hostil; la rambla nocturna desolada). Pero, en resumidas cuentas, la operación se revela incapaz de hablar con voz propia.

En cuanto a los cortometrajes, THE CLAUSTRUM, de Jay Rosenblatt, almacena imágenes “vintage”, psicoanálisis trasnochado y maravillosa pretenciosidad. Y sacude al jurado, que le concede el Gran Premio. Mientras tanto, Ramon Balcells sigue con su talante experimental y lo traslada a TRANSSILVÀNIA, pedazo de tierra audiovisual plantado de costumbrismo naturalista que crepita en brasas de exultante cromatismo ofreciendo una cosecha arriesgada por la que asoman recovecos de sugerente perversión.

Y ahora me toca cumplir lo prometido. Lo que ocurre es que no encuentro manera alguna de frenar mi naufragio entre las dunas…

Por Juan Marea
http://www.alternativa.cccb.org/2014/ct/

Crítica cinematográfica: [REC] 4: Apocalipsis, de Jaume Balagueró.

1413272707Es más bien extraño el fenómeno de las sagas en el cine español, y más si nos centramos en el género de terror. Y a eso debemos sumar el hecho de que la franquicia [Rec], clonada en EE.UU. con Quarantine, se mueve entre la putrefacción propia de los infectados o muertos vivientes. [Rec] alegró las vísceras emotivas de los fans del terror allá por el año 2007 y sus secuelas posteriores han ido consolidando una idea y una historia que han convertido a la saga en uno de los buques insignia del cine de terror patrio.

Jaume Balagueró prosigue con [Rec]4: Apocalipsis en su carrera de director de cine de terror que tan buenos resultados le ha dado con Los sin nombre (1999), Darkness (2002), Frágiles (2005) o Mientras duermes (2011), una actividad que ha enriquecido junto a Paco Plaza con 3 de los 4 films de la saga [Rec], de la que ahora vuelve a coger las riendas en solitario.

La acción de [Rec]4 comienza poco después de haber sido contenidas las dos amenazas de contagio desatadas en Barcelona. Los 4 supervivientes de ambas catástrofes sanitarias han sido trasladados a un carguero, llamado Zaratustra, en donde los científicos están intentando no solo identificar y controlar el agente patógeno causante de las infecciones sino obtener un antídoto. Pero algo no funciona correctamente y los supervivientes, los científicos, el cuerpo de seguridad y la tripulación del barco tendrán que hacer frente a una nueva crisis ante la aparición de un brote del virus en el barco.

[Rec]4 es un episodio más en la saga [Rec], y uno que aunque pretende ser conclusivo, deja la puerta abierta a más secuelas en el futuro. Balagueró nos presenta una trama de terror con un toque yanqui bien definido. De ahí que los anteriores escenarios barceloneses de la franquicia se hayan transformado en un navío de transporte internacional, con lo que la apariencia española de la historia desaparece para pasar a estar ambientada la acción en un laboratorio en alta mar, lo que recuerda en parte el estilo de Umbrella en Resident Evil, si bien con unos recursos más reducidos. La película también transforma en parte la naturaleza de la historia que nos cuenta, y del terror puro de [REC], en el que el miedo recorría las entrañas de los espectadores hasta el último minuto del metraje, en esta secuela la acción toma un mayor peso, de ahí que los zombis/infectados sean mucho más agresivos y el terror se genere por su hostilidad y los efectos visuales y sonoros que acompañan sus movimientos.

Nos encontramos ante un film que además nos muestra cómo los diferentes grupos instalados en la embarcación se enfrentan a la crisis microbiológica, y en la que los científicos se llevan la peor parte. Frente a ellos y al virus, también se verán amenazados los supervivientes de las crisis anteriores y los miembros de la tripulación que gobierna el barco. Por lo que la historia se podría clasificar también como un enfrentamiento entre “buenos” y “malos” ante el virus zombificador. Y los ingredientes del film son los ya clásicos. Una infección que se descontrola en un ámbito, típico en la saga, cerrado al exterior, o lo que es lo mismo, en cuarentena. Esta situación llevará al contagio de gran parte de aquellos que están en el barco y a la lucha sin tregua de los supervivientes.

1413465305En [Rec]4 sin embargo, aunque la caracterización de los infectados es más que correcta y la naturaleza de las escenas es la típica del género, parece que los efectos especiales pierden algo de la credibilidad y el realismo que poseían en otras entregas de la saga, como es el caso del movimiento acelerado de los infectados, utilizado con el objetivo de aumentar su ferocidad y el terror que provocan en el espectador. Además tras haber experimentado en la tercera entrega, dirigida por Paco Plaza en solitario, con zombis de dificultoso y estridente movimiento, en esta la agresividad y la velocidad de los zombis se multiplica, lo que permite convertir la película en ese tipo de acción terrorífica que comentaba al inicio de esta crítica, en lugar de un film de terror propiamente dicho.

[Rec]4 recupera en su haber la interpretación de Manuela Velasco, que había abandonado la saga en la tercera entrega, y se convierte en el rol principal de esta nueva propuesta. En esta ocasión está rodeada de otros supervivientes como Paco Manzanedo, Críspulo Cabezas y María Alfonsa Rosso, y de Ismael Fritschi, Mariano Venancio y Cristian Aquino que interpretan a diversos de los miembros de la tripulación del barco. Del lado de los científicos maliciosos hallamos las interpretaciones destacables de Héctor Colomé y Paco Obregón.

El film, además, tiene elementos de humor típicamente hispano que amenizan, como ya hicieran las precuelas, la historia de infección zombi desatada en la película. Si bien los resultados no han sido tan convincentes como en sus predecesoras. De ahí que en IMDB la nota obtenida por el film sea de 5,5 sobre 10 (público generalista) y en Abandomoviez, portal especializado en cine de terror, alcance tan solo un 5,77 sobre 10. La propuesta entretiene ya que la acción es continua y está bien diseñada y desarrollada, aunque, como se ha puesto de moda en el cine actual, la acción es difícil de seguir con claridad, debido a la forma de rodar las escenas, en la que se pierde claridad con el objetivo de obtener a cambio algo más de tensión. Al perder grados de terror el film se convierte casi en una oferta más de película de acción (terrorífica), de la que las pantallas actuales están repletas, y el miedo “a flor de piel” que te aseguraba la primera entrega no hace acto de presencia más que en breve ocasiones. Por otra parte, Balagueró abandona en esta ocasión la filmación cámara en mano, tan habitual en la franquicia.

La trama por su parte evoluciona más bien poco y cuando el espectador ha visto la película, sabe poco más sobre el virus, su origen o el extraño bichejo que ya apareció en la segunda entrega de la saga y que parece que es el foco propagador de la infección.

[Rec]4 se convierte, pues, en una película de acción terrorífica que parece que no acaba de sorprender y/o interesar ni a los fans del cine de terror de zombis ni a un público más amplio. Si bien es una nueva posibilidad de ver hacia dónde evoluciona la saga, si es que lo hace. Balagueró recupera la dirección de la saga aunque parece que no sabe ir más allá de ella. Algo que ya pareció con la segunda entrega, en la que más que hacer evolucionar la historia la complicaba en exceso, sin dar una respuesta o la información necesaria al espectador para gestionar el visionado. Podría parecer, pues, que Balagueró es bueno creando ideas, pero no tanto desarrollándolas.

Título: REC 4 Apocalipsis
Director: Jaume Balagueró
Reparto: Manuela Velasco, Paco Manzanedo, Héctor Colomé, Ismael Fritschi, Críspulo Cabezas, Paco Obregón, Mariano Venancio, María Alfonsa Rosso, Cristian Aquino, Javier Laorden, Carlos Zabala y Emilio Buale
Guión: Jaume Balagueró y Manu Díez
Música: Arnau Bataller
Director de Fotografía: Pablo Rosso
Director de Arte: Javier Alvariño
FX Maquillaje: David Ambit y Lucía Salanueva
Sonido Directo: Xavi Mas

Género: Terror
Nacionalidad: España
Fecha de Estreno: 31 de Octubre de 2014
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Jorge Pisa

III Ciclo de cine alemán actual en la Filmoteca de Catalunya: Willkommen, Liebelei!

El Amor en alemán y subtitulado.

A lo largo de esta nueva edición del Ciclo de cine alemán actual, hemos podido ver dos muestras de cómo este amenazador sentimiento provoca una adhesión casi ciega. En algunos casos, llevando al desconcierto (WESTENLAGERFEUER). En otros, empujando a la reafirmación decisiva (LOVE STEAKS). Y, en todos ellos, permitiendo que sus víctimas, los distinguidos protagonistas, adopten una actitud activa.

WESTENLAGERFEUER es la minuciosa crónica de una escapada. Para burlar el Muro berlinés, castrador de las ganas de vivir de Nelly. Su realizador, Christian Schwochow, toma como pretexto la necesidad de reinventarse de una madre joven para documentarnos sobre el proceso de éxodo de los alemanes confinados en la República Democrática Alemana hacia la Federal, otra falsa Tierra Prometida. Porque, una vez cruzada la línea, hay que volver a empezar si uno no quiere enterrarse en lo acomodaticio de los centros de acogida.

Tenemos aquí un drama de tintes histórico-sociales con el que empatizar sin que haga ninguna falta tener sangre germana. Schwochow nos presenta a una impecable madre coraje-viuda resignada-trabajadora orgullosa y, al fin, amante recompensada (convincente Jördis Triebel). Todo dentro de los cánones del género: historia de superación personal, personajes carismáticos y claramente reconocibles y muchos episodios argumentales. Para emocionarnos dentro de las convenciones universales.

LOVE STEAKS, de Jakob Lass, es más simpática pero menos consistente. Su punto de partida resulta curioso: Un masajista inexperto es contratado en un balneario donde construirá un hogar a base de traumatizarse con el atrevimiento de algunas clientas, lidiar con su torpeza (lo mejor de la película son los trompazos continuos que se da con las asépticas instalaciones) y apalear su pureza virginal al cruzarse en el camino de una inestable comehombres que supura sus ardores como poco profesional cocinera en el mismo centro. Obra de guión irregular pero con aire marciano que sopla con gracia hacia el bostezo del espectador, enternece gracias a las refrescantes interpretaciones de sus protagonistas: ella (Lana Cooper), estimulante por su extravagancia vital; él (Franz Rogowski), estupendo como “freak” social.

Por Juan Marea

El III Cicle de cinema alemany actual en la Filmoteca de Catalunya se proyecta del 14 al 31 de octubre.
http://www.filmoteca.cat/web/programacio/cicles/cicle-de-cinema-alemany-actual

 

Tour 2014 de la Film Symphony Orchestra. Una gira de cine!!

cartel_FSO_SEVILLAEl próximo viernes 26 de septiembre da inicio el Tour 2014 de la Film Symphony Orchestra en Madrid con un macroconcierto en la plaza de toros de Las Ventas. Un espectáculo por todo lo alto: 100.000 watios de Luz, 50.000 watios de sonido y pantallas gigantes acompañarán a la FSO en un sorprendente concierto. Con él se presenta un nuevo concepto de espectáculo que, seguro, os dejará ¡con la boca abierta!

La FSO deleitará a los asistentes con un repertorio de bandas sonoras conocidas por todos. Temas que van desde el cine clásico con “Lo que el viento se llevó” hasta obras más actuales como “Harry Potter”, pasando por grandes clásicos como “Star Wars”, “Batman” o “Regreso al futuro”.

La FSO dirigida por su director Constantino Martínez-Orts hará un guiño a las series de TV y por primera vez sonará en España la melodía de “Juego de Tronos” tocada por una orquesta sinfónica.

Una oportunidad que no se puede perder ningún aficionado al cine y a las Bandas Sonoras.

Programa completo concierto Film Symphony Orchestra:

1939 – Lo que el viento se llevó  (Max Steiner)
1959 – Ben hur   (Miklos Rozsa)
1960 – Los 7 magníficos  (Elmer Bernstein)
1962 – Lawrence de Arabia  (Maurice Jarre)
1977 – Star Wars IV   (John Williams)
1977 – Encuentros en la tercera fase  (John Williams)
1985 – Regreso al futuro (Alan Silvestri)
1989 – Batman  (Danny Elfman)
1991 – Robin Hood principe de los ladrones  (Michael Kamen)
1992 – El último mohicano  (Trevor Jones)
1994 – Forrest Gump   (Alan Silvestri)
1995 – Braveheart (James Horner)
2001 – El señor de los anillos  (Howard Shore)
2001 – Harry Potter   (John Williams)
2003 – Piratas del Caribe I  (Hans Zimmer)
2010 – Origen   (Hans Zimmer)
2011 – Juego de tronos (Stepehn Warbeck)

lasventas

Calendario Tour 2014 Film Symphony Orchestra

Madrid, 26 de septiembre, Plaza de Toros de Las Ventas
Sevilla, 18 de octubre, Auditorio Fibes
Ceuta, 19 de octubre, Teatro Auditorio Revellín
San Sebastián, 25 de octubre, Kursaal
Bilbao, 26 de octubre, Palacio Euskalduna
Zaragoza, 31 de octubre, Auditorio y Palacio de Congresos
Valencia, 1 de noviembre, Palau de la Música
Barcelona, 2 de noviembre, L’Auditori
Málaga, 8 de noviembre, MAC – Palacio de ferias congresos de Málaga
La Coruña, 22 de noviembre, Palacio de la Ópera

Compra las entradas en:

http://www.filmsymphony.es/entradas.php