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Crítica: El triunfo romano, Una historia de Roma a través de la celebración de sus victorias, de Mary Beard, ed. Crítica.

Solo muy de tanto en tanto uno tiene la suerte de hacer la reseña de un libro que no solo le llamó poderosamente la atención al verlo en la mesa de novedades de las librerías, sino que, además, su lectura ha sido una fuente de disfrute y de aprendizaje.

Este es el caso de la monografía escrita por Mary Beard sobre el triunfo romano, publicada por la editorial Crítica en enero de este año (publicada originalmente por la misma editorial en el año 2008) y que analiza, como su título indica, la realidad y la trascendencia de la ceremonia triunfal no tan solo en la cultura y la sociedad romana, sino también la influencia que tuvo en épocas posteriores.

Lo primero que debemos tener en cuenta al estudiar el triunfo romano es el peso de las imágenes (y por tanto de las ideas preconcebidas) que todos tenemos de esta ceremonia, gracias al continuo uso que el cine, el arte y la literatura han hecho de ella y que han contribuido a moldear nuestra percepción del pasado romano. Una representación que, junto a otras como las famosas y orgiásticas bacanales o las mortíferas jornadas en el anfiteatro y el circo, no acostumbran a resistir los primeros embates de un análisis histórico riguroso.

Beard analiza en las páginas de su libro los diversos elementos que constituyen la ceremonia del triunfo romano, una tarea que realiza con un sorprendente sentido del humor, académico, claro está, y que arranca con el estudio de uno de los triunfos mejor conocidos de la historia romana, aquel que celebró Pompeyo por sus victorias en Oriente en el año 61 a.C. En este primer capítulo podremos examinar la organización y la representación de inicio a final de un triunfo romano.

A partir de aquí y con una visión global del asunto, Beard procede al análisis de los diversos componentes del ritual, ya sean los distintos tipos de triunfos que existían y las diferencias entre ellos, el recorrido triunfal, la fastuosidad de los desfiles, las “escenografías” diseñadas, el papel representado por el general victorioso, el destino de los vencidos expuestos en el desfile, los despojos o las normas y disposiciones que cualquier general victorioso debía respetar para poder celebrar un triunfo.

El triunfo romano repasa, además, en sus capítulos finales los orígenes de la ceremonia, tanto aquellos más míticos localizados en el periodo monárquico, como los más históricos situados en época republicana, y examina su evolución a lo largo de la historia de Roma hasta época imperial, en la que el triunfo fue adaptado y monopolizado en favor de la figura del emperador y los miembros de la familia imperial. Un episodio final que permite a la autora reflexionar sobre cuál se puede considerar el último triunfo romano de la historia y adentrarse, aunque de forma escueta, en la historia medieval y bizantina.

Triunfo romano

Beard pretende, de esta forma, hacer un examen exhaustivo del triunfo romano, tanto de lo que sabemos de él como de lo que desconocemos, y les puedo asegurar que ignoramos mucho más de lo que podría parecer a simple vista. En este último aspecto la autora analiza, también, la forma en la que se ha ido configurando el conocimiento sobre esta temática concreta de la historia romana, y como los aciertos y los yerros han ido formando una base a veces algo alejada de la realidad histórica a la que hacen referencia.

Un aspecto interesante del libro lo conforma la descripción de las luchas políticas desatadas entre las diversas facciones del Senado a la hora de conceder el triunfo y, de esta forma favorecer la carrera política de alguno de sus miembros. Es curioso al respecto, observar el juego político en la sombra o la falta de decoro de personajes como el propio Cicerón a la hora de informar al Senado de sus logros para obtener el triunfo al regreso de su promagistratura en Cilicia, y observar, de esta forma, como los tejemanejes y las falsedades de los políticos han constituido, ya desde época romana, una parte importante de sus ardides y artimañas para prosperar en la carrera hacia el poder, quedando la verdad eclipsada por el sabio y manipulador uso de las palabras.

El estilo del libro de Beard permite recomendar su lectura no tan solo a los especialistas o a aquellos que conocen la temática, sino también a todo aquel al que, de una forma u otra, le interese el tema, y pretenda ampliar de una forma grata y rigurosa, sus conocimientos sobre la Roma antigua. Como ya les he comentado, el libro está escrito con un notable gracejo, que permite a la autora hilvanar comentarios y opiniones que, se lo aseguro, les hará aflorar, en más de una ocasión, una sonrisa, con la que comprobar lo «pequeños» que fueron no tan solo lo «colosos romanos», sino también los magnos historiadores que analizaron sus proezas a lo largo del tiempo.

El triunfo romano es obra magistralmente escrita y bien traducida, «marca de la casa» en la editorial Crítica, siempre un seguro en este aspecto, algo que no es tan fácil de encontrar, se lo garantizo, en una monografía histórica y nos presenta el triunfo romano con un afán crítico, ameno e incluso combativo. Una obra imprescindible y muy recomendable para conocer una de las ceremonias más célebres del mundo romano.

Título: El triunfo romano. Una historia de Roma a través de la celebración de sus victorias
Autora: Mary Beard
Editorial: Crítica
Colección: Tiempo de Historia
Fecha de publicación: 26/01/2012
Páginas: 584 páginas
Idioma: Español
ISBN: 978-84-9892-320-9
Formato: 15,5 x 23 cm.
Encuadernación: Tapa dura con sobrecubierta

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crítica cinematográfica: The possession, el origen del mal, de Ole Bornedal.


El próximo viernes 7 de septiembre llega a las carteleras españolas The possession, el origen del mal, un film de terror que nos narra, como su título indica, una posesión maléfica «basada en una historia real». Una película producida por Sam Raimi, dirigida por Ole Bornedal e interpretada por Jeffrey Dean Morgan, Kyra Sedgwick y Natasha Calis.

The possession nos acerca, de esta forma, a los peligros que comporta mezclarse, aunque sea de forma accidental, en los asuntos de ultratumba. Todo comienza y está ligado a una antigua caja, comprada en un mercadillo de segunda mano por Emily (Natasha Calis), la hija menor de la familia Brenek. El cofre, con un misterioso sistema de apertura y una enigmática inscripción hebrea, comenzará a ejercer un poderoso influjo sobre Em, cuyo carácter y comportamiento se irán envileciendo y volviéndose más violento. Una contrariedad que se suma a la difícil situación de divorcio que vive la familia, causada por las continuas ausencias laborales de Clyde (Jeffrey Dean Morgan) y las carencias afectivas que resultan de todo ello.

Las cosas se complicarán al sospechar Clyde que su hija puede estar poseída por un espíritu maligno, un dibbuk, que se está apropiando del cuerpo y de la voluntad de Em y que hará todo lo posible para conseguir aquello que no tiene, la vida. La familia Brenek luchará para liberar a su hija de las maléficas garras del espíritu maléfico enfrentándose a él con la ayuda de un joven rabino (Matisyahu, Matthew Paul Miller) y la mayor arma que tienen a su disposición, el amor que aún la mantienen unida.

The possession, el origen del mal, se desarrolla por las vías habituales de las películas del género que siguen la estela del gran éxito que supuso El exorcista en el año 1973. Algo que no hace desmerecer a la película, ya que el film de William Friedkin marcó, de una forma u otra, las líneas de desarrollo de la mayoría de películas que tratan la temática de la posesión/exorcismo.

Tras la presentación de la familia, y de los problemas que padece, provocados en gran parte por el absorbente trabajo de Clyde como entrenador de baloncesto y la poca presencia familiar que su dedicación le permite, hace la aparición la «fuente» de los problemas a los que se enfrentarán los Brenek, la caja ritual de origen hebreo donde está prisionero el espíritu maligno que aterrará a la familia.

El film de Bornedal alterna, de esta forma, las escenas más intimistas y familiares, como las que nos muestran los fines de semana compartidos por Clyde con sus dos hijas o los conflictos que suponen la nueva relación de Katherine (Kyra Sedgwick) con Brett (Grant Show, en un papel muy muy secundario), su nueva pareja. A estas se suman las escenas propiamente de terror en las que seremos testigos de la evolución «a peor» de Emily. Vale la pena indicar que las escenas de terror en The possession tienden a ser más «realistas» que en otras películas del estilo. Y entiéndaseme cuando digo más realistas: no veremos demasiados efectos especiales «terroríficos» sino que las escenas se centrarán más en la violencia que genera la posesión. Olvídense, pues, de niñas escupiendo un vómito verde, bajando las escaleras de formas poco anatómica, o levitaciones místicas. En este aspecto el film es más cotidiano.

Otro de los elementos que le hace salir al film, aunque solo sea un poco, de la plantilla habitual del género es su trasfondo judaico, que releva al habitual cristiano que tienen la mayor parte de estos films. De esta forma el sacerdote católico al estilo padre Carras es substituido por un joven rabino judío, no del todo ortodoxo, que se dispone a ayudar a la familia.

Por lo que respecta a las interpretaciones, todas son correctas. La única que destaca sobre las demás es la de Natasha Calis como la niña poseída, que consigue dar a su papel el toque inocente y maligno que la posesión requiere. Es curioso ver como el uso del maquillaje, del tinte de la fotografía, de una mirada como la de la escena del columpio y de una ligera ráfaga de viento, pueden dar a la muchacha un carácter tan siniestro. Algo que se agradece, ya que son pocas las películas de «terror con niño» que superan las dificultades de trabajar con menores. Digno de destacar es, también, por lo insólito de su papel, la interpretación de Matisyahu como el joven rabino que asistirá a la familia en su duelo contra el mal. Un papel que adapta, en parte, su singular opción artística como cantante reggae-jasídico en la vida real.

En lo que Possession, el origen del mal no es demasiado original es en el trasfondo familiar que nos propone. Este sí que parece que es un cliché difícilmente superable para las películas de cuño norte-americano, donde, al parecer, la unión, el amor familiar y los continuos problemas que una «buena familia americana» (y cristiana) han de vencer son como un mantra machacón que muchas cintas de terror no se pueden quitar de encima. Un leitmotiv que la mayoría de las veces repercute en el ritmo de la película en cuestión, sobre todo porqué prefigura, en muchos casos, el final de la historia.

Vale la pena indicar que aún siendo una producción Raimi, el film posee un toque más actual que el ochentero de su última producción Arrástrame al infierno (2009). Por lo que respecta a su director, Ole Bornedal, se le reconoce una amplia experiencia en los géneros del thriller y el terror con títulos como El vigilante nocturno (1994), La sustituta (2007) o Deliver us of evil (2009).

Aún así, The possession, el origen del mal, es una buena oportunidad para aquellos a los que les guste pasar miedo en la butaca (avisados están de que es un miedo más realista) y disfruten con los estrenos del género de terror. Y por si el tema de las taquillas les interesa o les influye a la hora de ir a ver una película al cine, que sepan que el fin de semana pasado The possession fue número uno en el Box Office estadounidense, recaudando la friolera de 17.700.000 dólares (la película tuvo un coste de 14.000.000 de dólares), lo que parece asegurar una segunda parte, algo de lo que ya ha hablado el bueno de Raimi.

Título: The Possession (El Origen del Mal)
Dirección: Ole Bornedal
Reparto: Jeffrey Dean Morgan, Kyra Sedgwick, Madison Davenport, Natasha Calis, Grant Show y Matisyahu.
Guión: Juliet Snowden y Stiles White
Productores: Sam Raimi, Robert Tapert y J. R. Young
Director de fotografía: Dan Laustsen, D. F. F.
Diseño de vestuario: Carla Hetland
Música: Anton Sanko
Género: Terror
Nacionalidad: USA
Fecha de Estreno: 7 de Septiembre de 2012

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Novedad editorial: Calle de los olvidados, de Stefanie Kremse, ed. Edhasa.

La editorial Edhasa presenta Calle de los olvidados, la nueva novela de la alemana Stefanie Kremse, que nos sumerge en una arrebatadora trama policíaca para ofrecernos un espectacular retrato de la Barcelona de nuestros días en el que predominan la profundidad de campo y el claroscuro de género.

Anna Silber, periodista profesional y detective ocasional, llega por primera vez a Barcelona con el objetivo de escribir una guía de viajes alternativa de la ciudad. Sin embargo, esta hija de un alemán y de una catalana recientemente fallecidos alberga también la esperanza de hallar algunas piezas de su pasado que la ayuden a construir y afirmar su identidad, para superar de este modo una amarga crisis personal.

La ciudad donde aterriza en nada se parece a los tópicos que muestran las postales, y no tarda en descubrir que los habitantes del barrio en que se aloja viven atemorizados por lo que parece un asesino en serie. Al tiempo que es arrastrada por la vorágine de una vida cultural desenfrenada, Anna empieza a verse envuelta en una estremecedora trama en la que la especulación inmobiliaria, las mafias de Europa del Este y una serie de enigmáticos ritos parecen establecer extrañas vinculaciones.

Una novela en la mejor tradición de la novela negra barcelonesa de González Ledesma y Vázquez Montalbán.

Stefanie Kremser, nacida en 1967 en Alemania, creció con su familia germánico-boliviana en la ciudad de Sao Paulo, en Brasil. A los veinte años se trasladó a Múnich, donde cursó estudios de cinematografía documental en la Escuela de Cine y Televisión. Es autora de varios guiones para el cine y la televisión, y su primera novela, Postal de Copacabana, se publicó en la prestigiosa editorial alemana Piper. Actualmente reside en Barcelona, escenario de Calle de los olvidados.

Título: Calle de los olvidados
Autora: Stefanie Kremser
Editorial: Edhasa
Sello: Polar
Formato: Rústica c/solapas / 14.5 x 22.5 cm
Traducción: Isabel Romero Reche
ISBN: 978-84-350-1076-4
Precio: 18 €

Más información:
Web oficial de la autora: http://www.stefaniekremser.de

Crítica teatral: Records a Broadway, en el Versus Teatre.


No descubro la fórmula de la Coca-cola si les digo que si existe en el mundo una calle conocida por la magia de sus teatros y por la categoría de sus espectáculos musicales, esta no es otra que Broadway, la neoyorquina avenida donde nació y se desarrolló el espectáculo musical moderno. Broadway se ha convertido en un referente, en un tópico que hace volar nuestra imaginación hacia los grandes teatros, con esplendorosas escenografías y magníficas coreografías en los cuales los sueños y los deseos se hacen realidad, acompañados de algunos de los temas musicales y de los nombres, ya sea de autores, de compositores, de cantantes o de actores, más reconocidos del mundo del entertainment y del show business.

Es en este patrimonio en el que se basa Records a Broadway, un espectáculo musical de pequeño formato que recorre la historia de la calle más famosa de Manhattan. La obra, producida por la compañía La Nota Teatre, nos propone un viaje por los grandes espectáculos musicales representados en Broadway, haciendo especial hincapié en las figuras que los crearon y en los grandes temas que nacieron en los escenarios que orillan la avenida.

El Versus Teatre nos presenta, pues, una mirada diferente al Broadway más espectacular que año tras año llega a los teatros barceloneses rodeado de formidables parafernalias técnicas y escénicas. Records a Broadway nos muestra, por el contrario, un lienzo escénico más intimista y más próximo. Será en un viejo bar donde sus cuatro actores, cantantes y músicos (Arnau Burdó, Marc Casanova, Antoni Font y Arnau Tordera) versionan los clásicos de Broadway, que podremos escuchar en catalán, de la mano de la traducción y arreglos de Arnau Tordera, Rosa Collell y Antoni Font.

Records de Broadway realiza de esta forma un repaso histórico, comenzando con la obra renovadora y sensual de Ziegfeld y pasando por los grandes nombres como Hammerstein, Sondheim, Bernstein o Lloyd Webber, hasta llegar a la magia de las versiones teatrales de las historias Disney, escritas por auténticos magos musicales como Howard Ashman, Tim Rice o Alan Menken. El recorrido incluye, entre otros, temas de Show Boat, Boscos endins, West Side Story, Sonrisas y lágrimas, Cantando bajo la lluvia, A Little Night Music, La Sirenita o La Bella y la Bestia. Si bien no escucharemos todos los temas en sus versiones completas sino adaptaciones de las mismas, agrupadas en algunos casos en medleys o suites, lo que hace posible que suenen a lo largo del espectáculo hasta 24 temas diferentes.

La propuesta musical de La Nota Teatre posee sus aciertos y sus fallos. Entre los primeros están las versiones de los temas interpretados, que demuestran un trabajo elegante y delicado que respeta la esencia de las canciones originales. Es una gozada escuchar las grandes melodías de Broadway en catalán, sobre todo cuando los arreglos son los adecuados. La interpretación y los números musicales también son buenos y nos muestran el grado de compenetración y el trabajo colectivo de la compañía. De ello son buena señal el magnífico medley que recoge tres de los temas de West Side Story (Maria, Somewhere y Something’s Coming) o algunas de las interpretaciones a coro. Seguramente el punto débil del espectáculo sea la presentación de los temas, realizada con un ritmo que recuerda demasiado las formas de un documental, lo que hace que el compás del espectáculo no sea todo lo ágil que debiera.

La escenografía, aunque un poco limitada, nos permite hacernos la idea de que estamos en un pequeño bar frecuentado por artistas vinculados al teatro, algunos autores y actores noveles y otros ya consagrados a los que le gusta recordar sus inicios. En este ambiente los cuatro intérpretes de la obra nos irán relatando la historia de Broadway. Un itinerario salpicado de los hits más teatrales. Un homenaje a una de las factorías de ilusión y de sueños (y de un sinnúmero de enamoramientos) poseedora de una de las denominaciones de origen más conocidas del mundo.

Un homenaje al que no pueden faltar todos aquellos que, de tanto en tanto, y normalmente a escondidas de los demás, tararean el I’m fell pretty de West Side Story, el Singing in the rain de Cantando bajo la lluvia o el Be our guest de La Bella y la Bestia, para acompañarse en su rutina diaria de los temas más famosos de Broadway, que seguro que les transportan a algunos de los momentos más felices y azucarados de su propia existencia.

«Records a Broadway» se representa en el Versus Teatre del 21 de agosto al 30 de septiembre de 2012.

Dirección escénica y teatral: Arnau Burdó, Marc Casanova, Antoni Font y Arnau Tordera
Actores: Arnau Burdó, Marc Casanova, Antoni Font y Arnau Tordera
Arreglos: Arnau Tordera
Traducción y adaptación de las canciones: Rosa Collell y Antoni Font
Dramaturgia: Marc Casanova y Antoni Font
Coreografía: Karina Amato
Escenografía: Pau Sánchez
Diseño de sonido: Arnau Burdó
Diseño de iluminación: Antoni Font
Producción: La Nota Teatre

Horarios: de martes a sábado a las 22:30 horas y domingos a las 21:00 horas.
Precio: 16 €.
Duración del espectáculo: 1 hora.
Idioma: catalán.

Novedad editorial: Maratón, de Andrea Frediani, ed. Algaida

Os presentamos una novedad en novela histórica del mes de junio de la editorial Algaida ambientada durante las Guerras Médicas, el gran conflicto militar que enfrentó a persas y griegos a principios del siglo V a.C. Una historia intensa y cautivadora sobre la guerra y el amor en la Atenas clásica amenazada por el Oriente dominado por los grandes soberanos persas.

480 a. C. La flota griega espera conocer el resultado de la batalla de las Termópilas. Esquilo, que presta servicio en una de las naves como hoplita, recibe la visita de una mujer misteriosa que le cuenta su versión de la batalla de Maratón, en la que el propio poeta había participado diez años antes. Los recuerdos de los dos interlocutores se cruzan para reconstruir una historia jamás contada sobre el primer enfrentamiento entre griegos y persas, y lo que ocurrió inmediatamente después, cuando los heraldos corrieron a Atenas para comunicar la victoria griega antes de que quienes apoyaban a los persas abrieran las puertas a los invasores. Maratón es la apremiante crónica de una batalla y de una carrera, los tres protagonistas ponen en juego su amistad y su propia vida para disputarse el amor de una mujer, pero también para descubrir los límites de su propia ambición.

Título: Maratón
Autor: Andrea Frediani
Editorial: Algaida
Colección: Algaida Literaria>Inter
Formato: Rústica Hilo / 15,5 x 23 cm.
Fecha de publicación: junio de 2012
Nº de páginas: 416
I.S.B.N.: 978-84-9877-792-5
Precio: 18 €

Carlo Rambaldi, un genio de los efectos especiales.


El pasados 10 de agosto moría a los 86 años de edad Carlo Rambaldi, uno de los grandes especialistas italianos en efectos especiales y creador de algunos de los seres de ciencia-ficción más famosos del cine, entre los que hallamos al gorila gigante de la versión de King Kong del año 1977; el terrorífico y sanguinario depredador de Alien, el octavo pasajero y, sobre todo, el alienígena amistoso de E.T. El extraterrestre, uno de las personajes cinematográficos más famosos de todos los tiempos.

Terror en el espacio (1965)

Rambaldi poseía formación como topógrafo y era pintor y escultor licenciado en la Accademia di Belle Arti di Bologna. Destacó pronto en la ingeniería y la animación electro-mecánica creando esculturas y marionetas animadas. Su primera colaboración con el cine fue la creación del dragón Fafner de 16 metros de altura para el film El Tesoro de los Nibelungos, dirigido por Giacomo Gentilomo en el año 1957. Esta colaboración le permitió trabajar en multitud de películas italianas de género, principalmente de terror, giallo (muy de moda en Italia en los años 60 y 70), aunque también colaboró en películas de aventuras, péplums o ciencia-ficción. Entre ellas cabe destacar Terror en el espacio (1965), dirigida por Mario Bava, en la miniserie L’Odissea (Franco Rossi, Piero Schivazappa y Mario Bava, 1968), Una lagartija con piel de mujer (1971) de Lucio Fulci, Bahía de sangre (Mario Bava, 1971) o Frankestein’80 (Mario Mancini, 1972).

Cabe destacar que su colaboración en el film de Fulci (Una lagartija con piel de mujer) le valió a este último un juicio, ya que fue acusado de maltrato y crueldad animal en relación a las escenas donde se mutilaba a un perro. Rambaldi tuvo que mostrar los ingenios y los efectos que había utilizado para rodar las escenas en cuestión para conseguir la absolución de Fulci, hecho que nos informa del realismo de su trabajo.

King Kong (1977)

En el año 1975 Rambaldi se encargo de los efectos especiales de Rojo oscuro de Dario Argento. Al año siguiente inició su «aventura» americana, que le haría ser conocido en todo el mundo, al participar como constructor-ingeniero del gorila gigante en King Kong de John Guillermin (producida por Dino De Laurentiis y la Paramount). Su trabajo en la creación y los movimientos del gran gorila y de su mano mecánica, que sostenía en una de sus más famosas escenas el cuerpo de Jessica Lange, le abrió las puertas a nuevas colaboraciones en las grandes producciones en Hollywood.

A King Kong le siguió en el año 1977 Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg), en la que Rambaldi diseñó los pacíficos alienígenas que llegaban a la tierra para contactar con los humanos y que aparecían al final del filme, acompañados de la música compuesta de John Williams, con una de sus melodías más reconocidas. Ese mismo año Rambaldi colaboró, también, en la película El desafío del búfalo blanco (J. Lee Thompson), en la que contribuyó a la hora de dar movimiento al gran búfalo protagonista.

Alien, el octavo pasajero (1979)

Ridley Scott y Hans Ruedi Giger recurrieron a la experiencia de Rambaldi para desarrollar el movimiento mecánico del alienígena sediento de cuerpos humanos en Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979) en el cual Rambaldi pondría todo su empeño en dar vida a una de las criaturas más terroríficas del cine, cuyo éxito propició tres secuelas más, dos precuelas (la primera de las cuales Prometheus se estrenó el pasado 3 de agosto) y tres derivados que enfrentan a aliens contra predators, y cuyo campo de batalla es la tierra (la tercera entrega de esta franquicia se espera para el año 2016). Todo un éxito de taquilla que ha perdurado a lo largo de los años.

Tras su participación en La mano (1981) y La posesión (1981), dos película de género, llegó el gran momento de Rambaldi cuando Spielberg satisfecho del resultado de su trabajo en el diseño de los aliens de Encuentros en la tercera fase, le fichó para la creación de un nuevo alienígena, esta vez tierno y pacífico, para E.T. el extraterrestre, (1982) uno de los films más reconocidos y estimados de todos los tiempos y uno de los más taquilleros de la historia del cine, hasta que fue desbancado de la primera posición en la recaudación mundial por el estreno en 1993 de Parque Jurásico, también del director Steven Spielberg.

E.T. el extraterrestre, (1982)

Después del éxito de E.T., Rambaldi colaboró con la segunda entrega de las aventuras de Conan (Conan el destructor, 1984), en la que dio vida y movimiento al monstruo/divinidad Dagoth con el que Conan debía enfrentarse para salvar la vida de la princesa Jehnna, sobrina de la malvada reina Taramis.

Ese mismo año Rambaldi diseñó también los gusanos de arena gigantescos que poblaban el planeta Arrakis en el film Dune (David Lynch), seguramente una de las producciones de ciencia-ficción más extrañas e incomprendidas de la historia.

Conan el destructor (1984)

Rambaldi se encargó posteriormente de los efectos especiales de films como Miedo azul (Daniel Attias, 1985), King Kong 2 (John Guillermin, 1986), La habitación del miedo (Armand Mastroianni, 1988) o Rage, furia primitiva (Vittorio Rambaldi, 1988).

Por su trayectoria profesional Rambaldi ganó tres oscars por sus trabajos en King Kong, Alien, el octavo pasajero y E.T. el extraterrestre.

Nos deja, pues, uno de los grandes del género, alejado de la memoria y el recuerdo de muchos, seguramente, porque su trabajo más artesanal y mecánico ha sido substituido en los últimos años por unos efectos especiales más informáticos y digitales, que potencian, evidentemente, su impacto sobre el espectador, pero que no poseen la magnificencia de aquellos efectos especiales más artesanales que dominaron la producción de las películas de los géneros de terror y ciencia-ficción de los años 80.

Carlo Rambaldi Requiescat in pace

Escripor por Jorge Pisa Sánchez

Crítica tetral: Lulú, primera nit, en el Teatre Gaudí Barcelona.


A nadie se le escapa que es a estas alturas del año, en la época estival, cuando aquellos que permanecemos en la ciudad de Barcelona sufrimos las altas temperaturas y el bochorno de las tórridas tardes y noches de la ciudad. Un ambiente que el Teatre Gaudí Barcelona se ha obstinado en caldear con la programación en su cartelera de verano, de Lulú, primera nit, un espectáculo de danza escénica creado por la compañía Roberto G. Alonso y basado en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, en el que el deseo y la pasión sexual rezuman por todas partes.

El espectáculo deja a un lado todos los tabúes y prejuicios necesarios para mostrarnos cuatro cuerpos dominados por la pasión, por el sexo y por la fluidez erótica. Lulú nos aparece inicialmente como una joven falsamente inocente que no puede contener su deseo ante la visión la sexualidad masculina. La seducción, a través del cuerpo y de los movimientos, le forzará a introducirse en una vorágine de pasión y perversión ante la que no podrá ni querrá oponer resistencia.

Su necesidad de estimular y completar su sexualidad la llevará a iniciar una relación a tres bandas donde el sadismo, la brutalidad y el lesbianismo serán los caminos que le permitirán explorar sus deseos y pensamientos más íntimos, y será, también el señuelo que la conducirán a un final tenebroso en las desgarradoras manos de Jack el destripador.

La compañía Robertto G. Alonso nos propone un descenso a los infiernos (y creo que últimamente estoy utilizando demasiado esta frase…) para explorar nuestro interior más concupiscente y sensual, aquel que somos capaces de refrenar en la mayoría de las ocasiones, siguiendo las reglas y las normas establecidas por la sociedad. Una exploración basada en la contradicción, expresada en el uso de los blancos y los negros (¿inocencia y perversión?); en la interpretación de una coreografía donde los tabúes y la hipocresía dejan paso a la más íntima y voluptuosa expresión de los deseos y las necesidades sexuales y donde la música acaba de dar ese toque tenebroso y sensual que requiere el final del espectáculo y la conclusión de la trama narrada por Wedekind.

El Teatre Gaudí Barcelona se suma otro punto positivo al programar uno de los espectáculos más destacados de la trayectoria del coreógrafo Roberto G. AlonsoLulú, primera nit se estrenó en el año 2000 en el Festival Internacional de Teatre de Sitges y se ha ido representando desde entonces en diversas salas y teatros catalanes. Una coreografía que, como les decía, hará subir la temperatura tanto de la sala como de aquella que llevamos dentro. Una propuesta no apta, no obstante, para aquellos poseedores de una concepción cerrada y reglamentista de lo que ha de ser el comportamiento y las costumbres de los hombres (…y de las mujeres).

«Lulú, primera nit» se representa en el Teatre Gaudí Barcelona del 10 de agosto al 30 de septiembre de 2012.

Coreografía y Dirección: Roberto G. Alonso
Dirección escénica: Toni Vives
Intérpretes: Cristina Martí, Toni Luque, Beatriz Torralvo y Roberto G. Alonso
Escenografía: Paco Azorín
Diseño de sonido: Josep M. Portavella
Diseño de iluminación: Toni Murchland
Coproducción: Cia. Roberto G. Alonso y Teatre Bartrina
Compañía: Roberto G. Alonso

Horarios: viernes y sábados a las 22:30 horas y domingos a las 20:00 horas.
Precio: 18 €
Sala Grande

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Itineraris Literaris: Tots els noms de Barcelona a la Setmana del Llibre en Català.

Culturalia es fa ressò d’un dels itineraris que organitza la Setmana del Llibre en Català (del 7 al 16 de setembre de 2012) relacionat amb una de les novetats literàries que ja us vam presentar el mes passat, Tots els noms de Barcelona, de David Izquierdo, publicat a l’editorial Stoker Books.

La Setmana del Llibre en Català ofereix com a novetat d’aquest any 9 rutes literàries diferents que transcorren pel centre de la ciutat de Barcelona. Tots els itineraris estan vinculats a un llibre. En alguns l’escriptor mostrarà de primera mà als lectors espais on es desenvolupa alguna de les seves obres i en d’altres descobrirem curiositats, espais i llegendes del centre de la ciutat fent servir com a punt de connexió diverses publicacions. En tots els casos gaudirem d’una petita excursió d’una hora i mitja de durada que començarà i acabarà a l’avinguda de la Catedral de Barcelona.

Itinerari: Tots els noms de Barcelona
A càrrec de David Izquierdo
Diumenge 9 de setembre a les 18.30h

En aquesta ruta ens endinsarem a la Barcino romana i medieval i recorrerem els espais de la novel·la oferint al lector la possibilitat de veure què és realitat, ficció i llegenda al rerefons de la història.

Tots els noms de Barcelona” és una novel·la basada en una llegenda centenària que diu que pel subsòl de Barcelona hi passa un riu. L’obra parteix del fet que al 2010 un equip d’arqueòlegs i historiadors troben indicis de l’existència d’aquest riu. El que descobreixen però, acaba sent transcendental per al passat, present i futur dels habitants de Barcelona.

Reserves:

Preu: 5 euros per persona i itinerari – Places limitades a 25 persones per itinerari.
A partir del 20 d’agost cal enviar un correu electrònic a reserves@lasetmana.cat indicant:

  • Títol i data de l’itinerari
  • Nombre de places que reserveu
  • Nom i cognoms
  • Telèfon de contacte

Un cop rebeu la confirmació de la Secretaria de La Setmana, disposareu d’un termini de 5 dies per fer el pagament anticipat al nº de compte que us facilitaran.
Si feu la vostra reserva abans del 30 d’agost rebreu l’obsequi d’un ventall personalitzat de La Setmana.
Per a més informació podeu trucar al Tel. 932956017 de dilluns a divendres, de 10 a 18h

Informació dels altres itineraris de La Setmana:
http://www.lasetmana.cat/index.php/component/content/article?id=38

Crítica teatral: De Carmen (Ballant a la sorra), en el teatro Goya.


Es algo normal que acercándose el centenario del nacimiento de Carmen Amaya, la ciudad de Barcelona se engalane con sus ropajes y escenarios más flamencos para conmemorar la figura de una de sus bailaoras más reconocidas, y más si cabe si la artista nació en el barrio de barracas de Somorrrostro, construido sobre las arenas de la playa de la ciudad condal.

De esta forma, el Festival Grec de Barcelona inició su homenaje a la artista con la producción, de la mano de Trànsit Dansa, del espectáculo De Carmen (Ballant a la sorra), representado los días 4 y 5 de julio, y que ahora el Teatre Goya programa del 3 de agosto al 2 de septiembre en el marco del Festival Dansalona.

De Carmen (Ballant a la sorra) nos propone un recorrido onírico a través de la vida y el baile de Carmen Amaya. Para ello se ha construido un escenario que representa, en parte, la playa y el mar que la vio nacer, y donde tiene cabida el espacio de danza para los bailarines y un rincón para los músicos. Sobre esta escenografía creada por Quim Roy, se desarrollará el espectáculo, una combinación de flamenco, danza contemporánea y música, especialmente compuesta para la obra por Juan Gómez “Chicuelo”, junto a la formación Taller de Músics.

Un viaje onírico construido a través de los compases más actuales y estilizados de los miembros de Trànsit Dansa y del arraigo, la potencia y la ferocidad del flamenco que la bailaora catalana Cristina Chacón ha materializado bajo la dirección de la coreógrafa Maria Rovira. Toda una suma de talentos, a los que hay que añadir el trabajo de Victòria Szpunberg que ha creado el nudo argumental del espectáculo, y el vestuario diseñado por el escenógrafo y figurinista Ramon Ivars, que ha reinterpretado los atuendos originales de Carmen Amaya.

Todo ello, como en una reacción donde cada uno de los elementos están dispuestos de forma correcta, dan como resultado un espectáculo bello y equilibrado, en el que son protagonistas el baile y la música. El desarrollo del espectáculo está muy bien cuidado e incluye algunas de las más bellas coreografías que ha visto el que estas líneas escribe. En concreto la coreografía en la que un juego de banquetas permiten a Chacón realizar su baile de forma alzada y, sobre todo, la coreografía en la que los once bailarines del espectáculo se juntan para convertirse en la cola del vestido de la bailaora provocando un efecto maravilloso y fantástico en el espectador.

Pero es que en general el espectáculo desprende una belleza esplendorosa a lo largo de sus 70 minutos de duración. Una escenografía minimalista que evoca aquella también creada por Trànsit Dansa para el espectáculo Somorrostro, que se representó el año pasado en el Teatre Romea más o menos por las misma épocas. Unos pases y coreografías de baile y danza que hacen mella en el público y una música que une, también, lo moderno con lo flamenco, todo ello combinado para que Cristina Chacón y los bailarines que la acompañan puedan ejecutar algunos de los pasos más característicos de Amaya y convertirse, así, en un homenaje al arte y a la vida de una bailaora que logró alzarse como uno de los grandes mitos del baile flamenco.

«De Carmen (Ballant a la sorra)» se representa en el Teatre Goya del 3 de agosto al 2 de septiembre de 2012.

Creación y dirección: Maria Rovira
Composición musical y arreglos: Juan Gómez «Chicuelo»
Interpretación: Cristina Chacón, Reinaldo Ribero, Daniel Rosado, Sol Vázquez, Pere Molsosa, Eddie Pezzopane, Maria Garriga, Lara Miso, Laia Santanach, Antonella Sampieri y Roser Tutusaus
Interpretación musical: Tomas Lorenzo (guitarra), Rosalia Vila (cante), José Antonio Martín «Salao» (cante), Isaac Vigueras (percusión) y Carlos Caro (violín)
Dramaturgia: Victoria Szpunberg
Ambientes sonoros: Xavier Gamazo
Diseño escenografía: Quim Roy
Diseño de vestuario: Ramon B. Ivars
Diseño de iluminación: Xavi Costas
Producción: Grec 2012 Festival de Barcelona y Art Trànsit Dansa

Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: de 22,50 € a 25,50 €
Duración del espectáculo: 70 minutos

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crítica literaria: Cincuenta sombras de Grey, E. L. James, ed. Grijalbo.

El mundo editorial, ese que une a autores, editoriales y lectores, está subyugado en gran medida en la actualidad por la literatura de género, ya sea la policíaca, la histórica, la fantástica, o la romántica, por no hablar de los fenómenos literarios juveniles tipo Harry Potter o la saga Crepúsculo, a los que podríamos sumar las sagas Juego de Tronos o Los juegos del hambre, los cuales están batiendo record de ventas a lo largo y ancho del planeta.

Pues bien, parece que ahora los estantes y las mesas de novedades de las librerías tendrán que dejar espacio a otro género literario, el erótico, que parece que se puede convertir en otra máquina de hacer dinero con el papel escrito. Y la obra que ha abierto la veda no es otra que Cincuenta sombras de Grey, de E. L. James, la primera entrega de una trilogía que la editorial Grijalbo ha puesto a la venta en España entre los meses de junio y julio de este mismo año. Tres novelas que por el estruendo mediático que su publicación ha generado y por los listados de libros más vendidos, parece que va a ser uno de los fenómenos literario del año, al menos en España.

El argumento se podría describir como una moderno y urbano relato de hadas, aunque en el caso de esta trilogía, el príncipe se ha substituido por un atractivo y sombrío millonario americano, y la cenicienta está encarnada por una joven recién titulada a la que el azar (que no la suerte) le abre las puertas de la vida adulta y del placer sexual.

Cincuenta sombras de Grey, nos es narrada en primera persona por Anastasia Steele, una estudiante de literatura inglesa. Como favor a Kate, su mejor amiga, compañera de piso y redactora de la revista de la facultad, accede a hacerle una entrevista a Christian Grey, uno de los hombres más ricos de Estados Unidos, un joven apuesto y triunfador que dirige uno de los holdings empresariales más poderosos del país y es el principal mecenas de la Universidad.

El encuentro entre ambos y la atracción resultante de la entrevista harán que Grey quede cautivado por la sensualidad, la frescura y el carácter de Anastasia, y se inicie una relación sentimental entre ellos. El mundo inocente y enamoradizo de Anastasia se romperá al descubrir que Christian esconde una cara oscura y sombría, unas inclinaciones sexuales dominadas por el sadismo y la sumisión. Grey intentará introducir a Anastasia en su realidad sexual y afectiva, mientras ella intentará averiguar el porqué de los gustos y la forma de ser de Christian. Todo un descenso a los infiernos en el que el sexo «duro», el castigo y las carencias afectivas serán las protagonistas.

Cincuenta sombras de Grey, como les decía, podría considerarse una actualización «sui generis» de un clásico cuento de hadas. Algo como una fábula urbana en la que se potencian algunos de sus elementos más sórdidos. Pero no se asusten… La novela, y la trilogía por extensión si sigue el camino marcado por la primera entrega, está dirigida a un público amplio. No por otra se ha considerado una novela para las amas de casa, para aquellas mujeres que buscan emociones fuertes que las hagan salir de la monotonía de la rutina diaria. Y la novela lo consigue, además de narrar algunas escenas que disparan, sin duda, la libido de aquel o aquella que la lea. Les comento…

E. L. James, ha cocinado, si me permiten que utilice esta metáfora, una novela que incluye algunos de los elementos de las fábulas amorosas de siempre: el príncipe maravillosos y atractivo que se enamora de la joven servicial e inocente, y normalmente con pocos recursos, a la que brinda la oportunidad de vivir una vida de ensueño. Si bien James nos propone un mundo más que de cuento, de pesadilla, en lo que respecta a la afectividad y la sexualidad de sus protagonistas. La imagen del atractivo y afortunado príncipe se nos resquebrajará muy pronto cuando conozcamos, al mismo tiempo que lo hace Anastasia, las tendencias sexuales de Grey, dominadas por el sadismo, la sumisión y la violencia (controlada, claro está), y su incapacidad de mantener una relación «normal» con la chica a la que quiere. Todo ello se potencia con la inocencia sexual y las dudas de Anastasia, que no ha mantenido aún una relación amorosa con ningún chico, lo que hace más extrema la diferencia entre los dos.

La autora, E. L. James.

La trama de la novela se centrará, pues, en la relación que establecen ambos, que nos será narrada en primera persona y en presente, desde el punto de vista de Anastasia. Sus temores a ser arrastrada al mundo sombrío y violento de Grey, a esas cincuenta sombras a las que hace referencia el título, y su reacción ante las apetencias y necesidades sexuales de Christian. Un miedo que se opone, sin embargo, a la pasión y la atracción que siente Anastasia por él. Una encrucijada sentimental y, desde luego, sexual ante la que Anastasia tendrá que decidirse: el mundo oscuro y sumiso de Grey o la rutina diaria de su vida antes de conocerle.

La novela, como no podría ser de otra forma debido a su temática, está repleta no solo de las reflexiones y las dudas de Anastasia, sino también de escenas de sexo «duro» y dominación, si bien descritas desde el orden y la compostura que un best-seller requiere. No se vayan a pensar que Cincuenta sombras de Grey es una novela pornográfica, ni mucho menos, pero si les aseguro que los latidos de su corazón y su tensión sanguínea se alterarán con la lectura del libro, gracias a la capacidad imaginativa (o eso espero!!) y descriptiva de James. Si bien, algo destacable es la brevedad de la mayoría de las escenas «más subidas de tono» de la novela, algo que a mí, personalmente, me sorprendió.

Otro de los elementos interesantes de la novela es el carácter perfeccionista, obsesivo y controlador que la autora concede a Christian Grey, uno de los elementos que, por cierto, más irritarán y fastidiarán a Anastasia, pero que al mismo tiempo permitirán algunos de los diálogos y reflexiones más interesantes de la novela, algo en lo que sí que se esmera James, hasta el punto de que en algún momento pueden llegar a ser algo repetitivos, como lo son las continuas dudas que todos tenemos en relación a aquellos problemas que nos preocupan a diario. Algo a destacar también son los «personajes internos» que ayudan a Anastasia a tomar sus más difíciles decisiones. Todo un acierto…

Cincuenta sombras de Grey es una novela de pocos personajes, dos principales Christian y Anastasia, y algunos pocos más de secundarios, y como les decía, se centra mucho en la relación que mantienen ambos, ya sea tanto en vivo como a distancia, a través de todos los chismes «de control» con los que Grey regalará a su novia-sumisa. Son interesantes las conversaciones que ambos mantienen a través de correo electrónico, y que nos muestran como las nuevas tecnologías también permean la literatura escrita en papel.

Pero en fin, Cincuenta sombras de Grey no es más que un acicate, una propuesta atrevida y erótica (que no pornográfica, al menos para mi gusto) para un público amplio (de amas de casa y de no amas de casa) que nos permitirá estimular un tanto las acaloradas, y por qué no, sensuales noches de veranos, en las que la excitación visual y la imaginación más calenturienta invaden nuestros sentidos, estímulos éstos que son transmitidos a nuestro cerebro y nos fuerzan a pensar, a imaginar y por qué no, a hacer, «cosas» que no acostumbramos a hacer. Y por qué no, a leer Cincuenta sombras de Grey.

Título: Cincuenta sombras de Grey (Trilogía Cincuenta sombras 1)
Autora:
E.L. James
Editorial: GRIJALBO
Colección: Ficción
Fecha publicación: junio de 2012
Formato: Tapa blanda con solapa / 151 X 230 mm
Número de páginas: 544
ISBN: 9788425348839
Temática: Novela romántica y femenina
Precio: 17,90 €

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Escrito por Jorge Pisa Sánchez