Entrevista a José Luis Corral, autor de La prisionera de Roma y El Códice del Peregrino, en Editorial Planeta.

José Luís Corral es uno de los autores españoles actuales de novela histórica más prolífico. Ha publicado novelas ambientadas principalmente en la Edad Media, pero también nos ha hecho viajar literariamente a la Antigüedad y de la Edad Moderna.

José Luis Corral

Corral combina su actividad literaria con su ocupación como catedrático de Historia Medieval en la Universidad de Zaragoza. Es autor, asimismo, de libros de divulgación histórica como Historia de la pena de muerte (2004), Breve Historia del Temple (2006) o Una historia de España (2008) y de gran número de artículos de historia en diversas revistas. Además es colaborador habitual en medios de comunicación y revistas de divulgación y ha realizado diversas excavaciones arqueológicas.

Como curiosidad podemos comentar que asesoró a Ridley Scott en la realización, en el año 1992 de la película 1492. La conquista del paraíso.

La entrevista que os presentamos a continuación abarca principalmente sus dos últimas novelas, La prisionera de Roma (2011) ambientada en el siglo III d.C. y con Zenobia de Palmira como principal protagonista, y El Códice del Peregrino (2012), una obra de ficción e intriga histórica y policíaca sobre el robo del Códice Calixtinus en Santiago de Compostela el pasado mes de julio de 2011.

Profesor (catedrático) de historia en la Universidad, autor de una treintena de ensayos y libros de investigación histórica y de un gran número de artículos de historia, y escritor de éxito de novelas históricas… ¿En qué ámbito te encuentras más a gusto?
R: En todos esos trabajos me siento bien, pero cada vez me atrae más la enseñanza directa con los alumnos, utilizando los viejos métodos, ahora un tanto relegados, de la conferencia y el contacto con ellos. Pero escribir novelas me encanta, casi se ha convertido en una necesidad.

El Oriente romano y el siglo III d.C. no son escenarios habituales en la novela histórica más comercial, y menos en el ámbito español. ¿Por qué Zenobia y por qué Palmira?
R: Porque hace cuatro años visité Palmira, en Siria, en compañía de José Calvo Poyato, el gran novelista e historiador español, y me fascinaron las ruinas de esa ciudad del desierto. Recuerdo un amanecer prodigioso en medio de las ruinas que me empujó a escribir “La prisionera de Roma”.

El siglo III d.C. y el periodo de la Anarquía militar quedan muy lejos de los omnipresentes (en el cine, en la televisión, en la literatura, en el teatro…) emperadores Julio-Claudios. Háblanos un poco de tu visión sobre el periodo.
R: Es una época apasionante porque confluyen varias circunstancias extraordinarias: el caos y la crisis en el Imperio, las incursiones bárbaras en todas las provincias, el auge del cristianismo, el declive y decadencia del Imperio… Es una época en la que parecía que Roma se iba a venir abajo pero pese a los augurios contrarios todavía logró resistir dos siglos más. Y además, el siglo III es un vacío literario y de historias, por lo cual el novelista tiene más campo para imaginar.

En la novela, Zenobia nos es mostrada como una mujer exuberante y hermosa pero a la vez culta y con grandes ambiciones políticas. ¿Una excepción en la historia y en una época dominada por hombres?
R: Así es como la describen los pocos textos que hablan de ella. Zenobia debió de ser una mujer extraordinaria, pero al final fue rea de su propia ambición. No obstante, su condición femenina fue en este caso una ventaja, pues su belleza y su decisión deslumbraron a los hombres que la conocieron.

En la novela queda patente un “supuesto” parentesco entre Zenobia y Cleopatra, ¿dos mujeres con un destino parecido?
R: Zenobia ordenó escribir una genealogía en la que se hacía descendiente de la mítica reina de Egipto. Y sí, ambas sucumbieron de una forma similar aunque su historia no es paralela. Cleopatra se unió a Julio César y luego a Marco Antonio y al lado de ambos jefes romanos quiso mantenerse al frente de Egipto. Zenobia luchó contra Roma para crear un imperio nuevo en el que ella sería la soberana, para luego dejarlo a su hijo Wabalato.

Palmira se ubica histórica y geográficamente entre dos grandes mundos, entre dos grandes culturas, entre dos grandes imperios, como lo fueron el romano y el persa. Palmira, y su soberana Zenobia, tienen que vivir, en tu novela, en un frágil equilibrio entre estos dos enemigos, aunque depende, en gran medida, del comercio caravanero entre ellos. ¿Un contexto algo difícil, no?
R: Palmira era la ciudad más rica y opulenta del mundo porque estaba entre los dos imperios más formidables del siglo III, el romano y el persa. Pero a la vez esa fue su perdición. Roma necesitaba el sometimiento de Palmira para mantener asentada la frontera oriental ante los sasánidas, y los persas ambicionaban conquistar Palmira como cabeza de puente para asaltar las posiciones romanas en Siria y la costa del Mediterráneo oriental, y en esa situación, Palmira tenía las de perder.

En la novela hay un importante espacio para el amor: el principal el de Zenobia hacia su ciudad y la pasión amorosa entre ella y su general Giorgios; pero también el enamoramiento de Zabdas por su soberana o la relación entre Kitot y la esclava Yarai; sin embargo en el libro está poco presente la violencia, en un periodo caracterizado por ella. ¿Por qué?
R: En la historia ha habido violencia, pero no todo el tiempo está dominado por la violencia. Los cronistas del mundo antiguo, y de la Edad Media, han resaltado los hechos bélicos y sangrientos sobre todos los demás, y por eso da la impresión de que se vivía inmerso en un mundo en permanente conflicto. Pero los momentos de paz, o al menos de tregua, fueron mucho más abundantes que los de guerra, si no la vida hubiera sido imposible.

Un elemento importante de la novela es la ciudad de Palmira (Tadmor), su ambiente populoso y comercial, sus calles, su población, sus murallas, y el oasis y las palmeras de las que toma su nombre. ¿Una gran ciudad sede de un efímero imperio?
R: Una ciudad que debió de alcanzar los 50.000 habitantes, aunque algunos dan cifras mucho mayores, era en el siglo III una gran ciudad. Su ubicación en la ruta de las caravanas de Mesopotamia a Siria la erigió en un emporio comercial formidable, una meca del comercio y del lujo. En Palmira vivían los mejores comerciantes de su tiempo, allí se servían las mejores comidas y se vestían los más lujosos atuendos. Si pudo poner en pie un imperio, aunque fuera efímero, fue gracias a que el tesoro de que disponían sus soberanos era tan ingente que pudieron reclutar un ejército capaz de hacerle frente a Roma y a Persia.

Numancia (2003) y La prisionera de Roma (2011), dos de tus novelas ambientadas en época romana, están narradas desde el punto de vista de los “enemigos” de Roma (íberos y palmirenos). ¿Te interesa este ángulo desde el que nos relatas la historia?
R: La perspectiva de los derrotados es más interesante que la de los vencedores, y además, los que vencen en la historia ya tienen suficientes cronistas a su servicio para resaltar sus gestas. En mis novelas me interesa mucho el mundo de los sentimientos, porque no suelen tratarse en los libros de Historia. Y los sentimientos de los vencidos son los más emocionantes.

¿Hay algún otro personaje o periodo histórico que te atraiga, que te gustaría tratar, sobre el que pudieras escribir una nueva novela?
R: Soy medievalista, pero me atraen todos los periodos históricos. Publicado ya “El códice del peregrino”, ahora estoy inmerso en una novela sobre el siglo XVI, periodo que nunca he tratado en mis anteriores novelas y que me está fascinando.

En el género de la novela histórica existe, actualmente, un gran número de publicaciones. ¿Es difícil para un autor español sobrevivir en un mercado tan activo y donde los autores internacionales tienen tanto peso?
R: A mí me parece un “milagro” cuando veo alguna novela mía en los anaqueles o sobre las mesas de algunas librerías. En este proceloso mundo de los escritores, nunca se sabe qué libro va a tener éxito, qué autor va a ser del gusto de los lectores, o qué tema va a atrapar al lector. Y además en España suele apreciarse más al autor extranjero que al nacional, y eso que tenemos verdaderos gigantes de la novela histórica europea como el propio Calvo Poyato, Eslava Galán o Maeso de la Torre.

En el año 1992 asesoraste al director Ridley Scott en la realización del film 1492: La conquista del paraíso. ¿Cuál de tus novelas crees que podría adaptarse o tiene un mayor perfil cinematográfico?
Cualquier texto, si cae en manos de un guionista profesional, puede convertirse en el guión para una película. En mi caso, Prodigius compró en 2007 los derechos de mi novela ¡Independencia! para llevarla al cine, y sobre ella elaboró un magnífico guión Michel Gaztambide, pero llegó al crisis económica y se detuvo la producción cuando ya estaban casi todo programado. Yo creo que mi novela El Cid puede ser una película, aunque el precedente de 1961 dirigido por Thomas Mann puede ser un freno, y por supuesto, si hubiera dinero para una gran superproducción, La prisionera de Roma. Pero la más reciente, El códice del peregrino, podría llevarse al cine perfectamente, porque esa novela es en sí un guión cinematográfico.

Si las novelas históricas tienen un público fiel y en continua expansión, las novelas de misterio e intriga histórica como El Códice del Peregrino se han convertido en un elemento importante en las novedades y en las ventas literarias. ¿Cuál crees que es la clave de su éxito?
R: No lo sé, nadie conoce la clave del éxito de una novela. Imagino que en el género de misterio lo que desea la gente es sumergirse en la trama para pasar un  buen rato y olvidar, aunque sea por unas horas, las preocupaciones cotidianas.

En alguno de tus libros has sido más bien crítico con la bibliografía “pseudo-histórica” que explota temáticas como la relacionada con los “misterios de los templarios”. ¿Crees que en las novelas de misterio e intriga histórica se ha de cuidar la veracidad histórica a la hora de desarrollar la trama para no caer en estas “trampas”?
R: Cada autor es libre de escribir lo que quiera, faltaría más, pero el lector merece el máximo respeto, y es ahí donde yo critico a ese tipo de novelas que presentan una pura ficción como si se tratara de hechos reales. Y eso suele ocurrir en algunas novelas que se califican por sus editores de “históricas” pero que no lo son. Para fabular lo inverosímil ya está el género de ciencia ficción, que también tiene una legión de seguidores. Lo que no debe hacerse es confundir y engañar a los lectores.

¿Te sientes a gusto en el género del misterio histórico? ¿Es posible que, tras la publicación de Fulcanelli. El dueño del secreto (2008) y El Códice del Peregrino escribas más novelas de este tipo?
R: También lo hice con Fátima. El enigma de las apariciones (2009), donde invento una trama para intentar dar una explicación racional a los misterios de las apariciones que tuvieron lugar en 1917 en la localidad portuguesa de Fátima. La historia está llena de misterios y de enigmas y no renuncio a seguir con nuevas novelas en esa línea.

Los orígenes del cristianismo y los misterios vinculados con la figura, la vida y las enseñanzas de Jesucristo han generado, últimamente, mucha bibliografía. ¿Por qué crees que en una época tan “moderna” (incluso tan postmoderna) como la nuestra interesan tanto estos temas?
R: Porque el cristianismo ha vivido en una permanente convulsión ya que es una religión fundada por san Pablo sobre un dogma sorprendente y novedoso en la historia de la religiones: el nacimiento de un niño que es el hijo de Dios y a la vez Dios mismo. Ese misterio sí que es insuperable, por eso ha atrapado a tantos seguidores y tantas discusiones.

¿Crees, como historiador, que poseemos una imagen fidedigna de la figura de Jesucristo? ¿O crees que la historia o la Iglesia se han encargado de “distorsionar” la imagen de uno de los personajes que mayor repercusión han tenido en la historia de Occidente? ¿Podemos conocer al auténtico Jesucristo?
R: Nunca podremos llegar comprender por completo la figura de Jesús de Nazaret, porque desde el momento mismo de su muerte todo han sido prejuicios sobre su vida y su obra. Y por ello, el desenfoque ha sido permanente. En estos días estoy pensando en la elaboración de un ensayo en el que acercarme a Jesús como si se tratara de la biografía se h ser humano más, desprovisto del aura divina con la que ha sido rodeado.

Parece que es habitual en este tipo de novela, la presencia de una pareja de investigadores (hombre y mujer) protagonista. Tú la desdoblas en El Códice del Peregrino y tenemos una pareja que lleva a cabo el robo y otra que lo investiga. ¿Esto te permite desarrollar una visión más amplia sobre la sustracción ficticia del Códice?
R: Esas dos parejas me permiten establecer varios diálogos entre ellos y así poder explicar algunas cuestiones de un modo más directo. En el caso de los dos ladrones puedo dejar que hablen de sus sentimientos y sus miedos entre ellos, y en el caso de los policías que se intercambien información y opiniones obre el caso. Creo ese recurso literario da bastante juego.

¿Crees que un nuevo robo como el del Códice Calixtinus es posible? ¿Las medidas de seguridad que protegen muchas de las obras de nuestro patrimonio histórico y artístico son las adecuadas?
R: No sólo pienso que es posible, sino que puede volver a ocurrir en cualquier momento. El robo de obras de arte es un problema a escala mundial. Cada día se roban obras de arte en todo el mundo y España no es una excepción. Además disponemos de un patrimonio extraordinario que requeriría de muchas más medidas de seguridad, y no sólo de alarmas y vigilancia, sino también de educación y cultura.

Intriga, robos, misterio, actualidad, investigación policial, Jerusalén en el siglo I d.C., luchas por el poder en la Edad Media, los restos del apóstol Santiago, ¿Alguno de estos ingredientes temáticos destaca sobre los otros en tu novela?
R: He intentado mezclar todos esos momentos y situaciones y relacionarlos de un modo coherente en la novela. La trama es compleja, pero estoy muy satisfecho con el resultado, y más teniendo en cuenta que la he escrito en cinco meses.

¿Qué crees que puede haber sido del Códice Calixtino en realidad?
R: No lo sé. Pero conforme pasa el tiempo y al ver que el manuscrito no aparece, temo que lo tenga en su poder un coleccionista, y en ese caso no se recuperará en muchos años. Aunque deseo que se reintegre pronto a su lugar en el archivo de la catedral de Santiago.
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Jorge Pisa Sánchez (Culturalia)

Crítica teatral: Mediocres, al Teatre Gaudí de Barcelona

Què és Mediocres? D’entrada Mediocres és un muntatge teatral que des del 17 de gener, i després d’haver-se estrenat al Versus Teatre el passat mes de novembre, té una segona oportunitat al Teatre Gaudí de Barcelona. Però, què és Mediocres? És una comèdia? Doncs sí, ho és, però rere l’humor s’hi amaga una reflexió intel·ligent sobre la societat actual, tan procliu a mirar cap a una altra banda quan veu problemes. Potser és un musical? Doncs no en el sentit estricte, malgrat incorporar coreografies i cançons interpretades en directe. ¿És un espectacle infantil? Rotundament no, però sí hi trobarem un esquetx amb unes titelles ben curioses que traurà l’infant que tot adult porta en el seu interior. Per tot això Mediocres és un muntatge difícil d’etiquetar però que, amb l’originalitat del seu plantejament i els diversos homenatges que hi reconeixerem, entusiasmarà el públic que tingui l’encert d’assistir a una de les seves brillants representacions.

Comença la funció amb una versió punk de What a Wonderful World (ironia, potser?), un tema cantat pels actors amb una contundència inusual que presagia un espectacle descarat i divertit. Són cinc personatges en un, cinc veus amb un mateix discurs que ens expliquen, d’una manera diferent, un dia de la seva vida, una existència mediocre a la ciutat que podria ser la de qualsevol de nosaltres. Així, el protagonista ens parla d’aquell dia concret en què li van robar la cartera al metro, un dia en què no va deixar d’anar al gimnàs ni a comprar com de costum al súper, un dia en el qual tot va ser tan mediocre com l’anterior. O potser no ho va ser tant?

Aquest és el primer espectacle de la companyia Buits i Nous, uns joves valents que amb aquest muntatge s’han arriscat molt: lluny de debutar amb una història convencional, amb un argument explicat de forma usual, ells han decidit crear un relat amb cinc personatges que en formen un de sol, una particularitat que obliga als actors –tots ells notables– a un esforç extra per tal de sincronitzar-se a la perfecció, uns intèrprets polivalents que fins i tot s’atreveixen a fer de làmpada o de divan, segons el moment.

Mediocres és una història urbana original, divertida i emotiva que, amb bon humor, critica alguns dels mals que afecten la societat del segle XXI; així veurem com, sovint, caiem en una tendència ridícula a la correcció política (“els/les companys/es”) mentre descuidem altres aspectes més importants, com la solidaritat vers els desfavorits, a qui mirem amb desconfiança, una societat mancada d’afecte que necessita anar al psicòleg per superar els dubtes i les pors que la fan ser fràgil, mediocre.

El gran encert, però, de la companyia Buits i Nous és la imaginació amb què ha plantejat aquesta obra: els actors escenifiquen divertits flashbacks i flashforwards per passar d’un dia a un altre, a més d’incloure-hi diversos homenatges, des de recordar els enyorats Monty Phyton –amb la interrupció de la funció a la mitja part– a fer un número que evoca la dansa contemporània, des de la poètica fusió dels cinc per a convertir-se en un de sol a un número musical extraordinari que transforma la banda sonora de Bola de Drac en una fantàstica cançó melòdica, o bé el recurs del running gag d’aquell personatge “brut, ronyós i famolenc” amb qui el protagonista es topa a cada instant. I tot això en un escenari buit on només hi ha un mur amb unes peces gegants de Tetris que els mateixos intèrprets transformen, segons l’ocasió, en una pissarra on desenvolupar complicats exercicis matemàtics, una passarel·la, la consulta d’un psicòleg o un supermercat pakistanès, entre d’altres.

“Què és Mediocres?” preguntava en el primer paràgraf. Doncs Mediocres és una de les propostes més divertides i atípiques que actualment podem trobar a la cartellera teatral de Barcelona, una d’aquelles joies inclassificables que no només ens farà riure, sinó que també ens farà reflexionar sobre nosaltres i el nostre entorn més proper, un espectacle fascinant que, senzillament, s’ha de veure.

Mediocres es representarà al Teatre Gaudí de Barcelona del 17 de gener fins al 22 de febrer de 2012.

Direcció: Joan Manuel Albinyana
Dramatúrgia: Núria Vizcarro Boix
Intèrprets: Empar Capilla, Agnès Esquerra, Carla Lindström, Andreu Martínez i Albert Mèlich
Companyia: Buits i Nous
Escenografia: Natalia Aguirre
So: Dani Seoane
Disseny d’il·luminació: Dani Sánchez
Tècnic d’il·luminació: Dani Rodríguez / Dani Tort

Horaris: dimarts i dimecres, a les 20:45 hores
Preu: 16 €
Idioma: català
Durada: una hora i quinze minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Entrevista radiofónica: El emperador Marco Aurelio. Luces en la Oscuridad.


Os dejamos con una charla grabada en el programa de radio Luces en la oscuridad de ABC Punto Radio que trata de la figura y el reinado del emperador romano Marco Aurelio (161 – 180 d.C.)

En ella se trata sobre los orígenes familiares y el acceso al poder de Marco Aurelio, su política, la redacción de sus Meditaciones, la relación con Adriano, Antonino Pío, su hijo Cómodo

Una interesante charla digna de ser colgada en nuestro blog Culturalia. Espero que la disfrutéis…

Marco Aurelio Antonino Augusto apodado como “El Sabio” fue emperador del Imperio Romano a partir del año 161 d.C. y gobernó los destinos de dicho Imperio durante 19 años ininterrumpidos hasta su muerte.

Asimismo, Marco Aurelio fue el último de los llamados “Cinco Buenos Emperadores”, tercero de los emperadores Hispanos, y ha pasado a la historia como una de las figuras más representativas de la filosofía estoica.

Filosofo y escritor, su gran obra fue “Meditaciones”, escrita en griego a lo largo de diferentes campañas militares. Dicha obra sigue siendo, hoy por hoy, considerada como un monumento al gobierno perfecto.

Pero, ¿Cuál es el legado de Marco Aurelio? ¿Cómo llegó al poder en Roma? ¿Por qué se le conocía como “El Sabio”? ¿Cuáles eran sus principios filosóficos? ¿A qué conflictos militares tuvo que hacer frente? ¿Fue Marco Aurelio un emperador amado por su pueblo?”

ENLACE: Luces en la Oscuridad: El emperador Marco Aurelio. 161-180 d.C.

Crítica teatral: Res no tornarà a ser com abans, a La Villarroel

Una cita de John Cassavetes expressa perfectament quina és la pretensió del darrer muntatge de La Villarroel: “La meva ment té un objectiu, només m’interessa això: l’amor i la falta d’amor”. Amor i desamor, doncs, autèntics motors de la vida, són els ingredients principals de Res no tornarà a ser com abans, l’obra que es va estrenar el passat 17 de gener amb una magnífica acollida que fa pensar en aquest com un nou èxit per a la sala de l’Eixample.

Carol López presenta aquí dos matrimonis que s’acosten perillosament a la frontera dels 40 anys. Tots dos pateixen una crisi de parella: Dolo i Andrés en són plenament conscients, mentre que Olalla i Andrew neguen l’evidència i continuen fingint que formen un matrimoni modèlic i sense fissures, al mateix temps que busquen consol en braços d’altres. Els quatre visiten un terapeuta –sessions enregistrades que ens mostrarà un monitor– per a salvar els seus matrimonis del naufragi però, possiblement, la reacció arriba massa tard per a alguns.

Fidel al seu estil marcadament cinematogràfic –aquí la intenció és fer una mena de documental per a mostrar la intimitat dels personatges–, López signa una comèdia urbana amb pòsit agredolç sobre el desengany generacional i la crisi de parella, una història que en tot moment destil·la autenticitat, on les confidències entre amics i els conflictes matrimonials són els protagonistes, i en què els homes pateixen una preocupant síndrome de Peter Pan sense adonar-se (sobretot Andrew, incapaç de triar ell mateix el seu camí) que créixer significa prendre les pròpies decisions.

El principal secret de Res no tornarà a ser com abans està en el seu text brillant, basat en un argument tan original com ho pot ser la vida mateixa i trufat de rèpliques enginyoses, uns diàlegs que la directora va polir en consens amb els intèrprets, en un treball en equip marca de la casa. El resultat és una comèdia intel·ligent sense gags estridents ni artificis innecessaris que s’expressa amb la naturalitat del carrer, en el bilingüisme (en aquest cas al català i castellà també s’hi incorpora l’anglès d’Andrew) que ja és habitual en els muntatges de Carol López.

La tria dels protagonistes és l’altre gran encert de l’obra, tots ells amb unes excel·lents actuacions. Els quatre actors mantenen els seus noms reals, probablement perquè cadascun d’ells aporta una mica del seu propi jo als personatges, i això fa que la història encara desprengui una major sinceritat. Així, Olalla Moreno i Andrew Tarbet donen vida a un matrimoni burgés que no és conscient de la crisi que els afecta, ella més preocupada del què diran que del que fa ell, tot un immadur egoista, mentre que Dolo Beltrán –el seu retorn als escenaris teatrals és una molt bona notícia, sis anys després– i Andrés Herrera –aquest amb una extraordinària actuació que es guanya el favor del públic amb la seva comicitat: aquí és un home senzill que té cura dels petits detalls per mantenir viva la flama de l’amor– formen una parella de barri amb molts dubtes però amb la certesa que encara s’estimen.

Aquest és un muntatge de factura impecable (amb una cuidada escenografia que divideix l’escenari en quatre àmbits, i una banda sonora deliciosa amb constants referències jazzístiques) signat per una directora que està en molt bona forma creativa i amb uns actors fantàstics, una història reveladora que ens descobrirà una evidència: ens fem grans sense poder-ho evitar, així que des del mateix instant en què acceptem aquesta premissa i deixem de perpetuar la nostra joventut, res no tornarà a ser com abans.

Res no tornarà a ser com abans es representarà a La Villarroel del 14 de gener al 11 de març de 2012.

Intèrprets: Dolo Beltrán, Andrés Herrera, Olalla Moreno i Andrew Tarbet
Amb la col·laboració de: Paul Berrondo
Dramatúrgia i direcció: Carol López
Escenografia: cube.bz.
Vestuari: Myriam Ibáñez
Il·luminació: Jaume Ventura
Espai sonor: Damien Bazin
Maquillatge: Toni Santos
Perruqueria: Pelukim
Vídeo: Focus Audiovisuals

Horaris: dimarts, dimecres i dijous, a les 21:00 hores; divendres a les 21:30 hores; dissabte a les 18:30 hores i a les 21:00 hores; diumenge a les 18:30 hores
Preu: de dimarts a dijous, 22 €; de divendres a diumenge, 26 €
Idioma: català
Durada: una hora i quinze minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Estreno cinematográfico: Arrugas, de Ignacio Ferreras

 

Un nuevo film de animación llega a las pantallas de nuestro país: el próximo 27 de enero se estrena Arrugas, un largometraje –basado en el cómic de Paco Roca que obtuvo el Premio Nacional de Cómic el año 2008– que narra las peripecias de unos ancianos recluidos en un geriátrico, una película de dibujos animados para adultos que ha dirigido Ignacio Ferreras.

Fotograma de la película

Emilio es un antiguo ejecutivo bancario que, enfermo de Alzheimer, es ingresado en una residencia para ancianos. Allí conocerá a Miguel, un astuto compañero que le prestará su ayuda para que no sea trasladado a la planta superior, lugar donde quedan confinados los llamados desahuciados. Su plan alterará la rutina de los internos, un grupo de venerables ancianos que demostrarán que aún tienen muchas ganas de vivir.

Ignacio Ferreras (Tokyo Onlypic 2008) dirige Arrugas, una historia de amistad que combina comedia y ternura a partes iguales, una película basada en el triunfal cómic de Paco Roca –ha vendido 40.000 ejemplares y ha sido exportado a Francia, Italia, Holanda, Finlandia y Japón– que ha sido rodada en un tiempo récord (dos años y medio) y que opta al Goya a la mejor película de animación.

Arrugas se estrenará en nuestros cines el 27 de enero de 2012.

Título: Arrugas
Género: Animación, Drama
Nacionalidad: España
Año: 2011
Duración: 80 minutos
Director: Ignacio Ferreras
Guión: Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca, Rosanna Cecchini
Voces: Álvaro Cervantes, Tacho González, Álvaro Guevara, Mabel Rivera

Programación teatral y musical del Casino de l’Aliança del Poble Nou: enero, febrero y marzo de 2012.


El Casino de l’Aliança del Poble Nou continúa este año 2012 con su programación estable de espectáculos musicales y teatrales. Aquí os dejamos con un avance de las actividades de los próximos meses de enero, febrero y marzo.

SIN PALABRAS presenta la programación de los primeros meses del 2012 que combina calidad y variedad de formatos escénicos siguiendo la misma línea establecida el año pasado.

PROGRAMACIÓN DE LOS MESES DE ENERO, FEBRERO Y MARZO DE 2012:

28 de enero, Xuriguera i Faixedas, “LIVE” (ex-Teatre Guerrilla)
29 de enero, Èxits de Viladomat, con Núria Feliu
3 de febrero, Pi de la Serra
4 y 5 de febrero, Sergi López, Non solum
10 de febrero, Marley, 30 anys, con Natxo Tarrés
12 de febrero, Mercedes Sampietro, Sensualitats
17 de febrero, Vuit, Quinze diez i una nit
18 de febrero, José Sacristán, “Antonio Machado, De los días azules al sol de la infancia”
23 de febrero, Please U2 Experience, Tributo a U2
24 de febrero, Reugenio, Hablamos
25 de febrero, BrodasBros, Snippet
26 de febrero, Pinocho, Un cuento musical
27 de febrero, Recordant a Pepe RubianesACTO ANULADO!!
2 de marzo, Beatriz Rico, Mejor viuda que mal casada
3 y 4 de marzo, 100% Tricicle
8 de marzo, Hotel Dulce Hotel, Cia. Hotel Cochambre, Espectáculo musical basado en la obra de Joaquin Sabina
9, 10 y 11 de marzo, Los Modernos
15 de marzo, Manu Guix
16 de marzo, Reugenio, Hablamos
18 de marzo, Yllana, Pagagnini
23 de marzo, Angelina i els Moderns, Col·labora Òscar Dalmau
24 de marzo, Brodas Bros, Snippet
25 de marzo, Pep Bou, Rebufaplanetes
30 de marzo, Paco Ibáñez
31de marzo, Yllana, 666
1 de abril, Ventafocs, El musical amb ritme dels 50

Venta de entradas: Telentrada

CASINO ALIANÇA POBLE NOU – Rambla Poble Nou, 42.

Más información:
Web: http://www.casinoalianca.com/
Facebook: http://es-es.facebook.com/pages/CASINO-LALIAN%C3%87A-DEL-POBLENOU-ESPECT%C3%80CLES/307621432584960

Crítica teatral: CONCHA (Yo lo que quiero es bailar), en el teatro Goya.


La megafonía del teatro anuncia el inminente inicio de la función. El murmullo de los espectadores asistentes disminuye, los nervios se acrecientan… Se ilumina el escenario, la música comienza… y al poco tiempo, una figura aparece, una silueta que va delimitando unas formas femeninas, una textura experimentada y un dominio de la interpretación construido tras muchos años de ejercicio… Es Concha Velasco y el espectáculo es Concha (Yo lo que quiero es bailar), una obra que recorre la vida y la obra interpretativa de una de las figuras más conocidas y populares del cine y del teatro español.

Podríamos decir que el espectáculo que el teatro Goya estrenó el pasado 15 de octubre es algo así como un monólogo, cocido y enriquecido con recuerdos, con experiencias, con música en directo, pero sobre todo con la constancia y el trabajo de una actriz con más de 50 años de carrera profesional.

Concha, permítanme que la llame así, como si fuera de la familia, ya que la dinámica del espectáculo nos acerca a la Concha Velasco de verdad, a la mujer que ha interpretado a todo un sinfín de mujeres, nos narra, de viva voz, su vida, sus primeros pasos en el mundo del espectáculo a través de su pasión por el baile que la llevaría, debido a su especial atractivo y simpatía, a introducirse en el teatro y más tarde en el cine.

De la mano de Concha recordaremos sus primeras andanzas profesionales, pero también su desarrollo y aprendizaje vital, y seremos conscientes de la mujer que estuvo y está detrás de personajes como la chica de la Cruz Roja, la joven Susana de La Verbena de la Paloma, la Dolly Levi de Hello Dolly, o de Teresa de Jesús.

Para ello Concha no necesita nada más que un escenario y un patio de butacas. Todo lo demás parece excesivo, parece sobrante. Solo precisa de la ligazón que la ha mantenido unida con su público desde su debut. Es descriptivo de todo esto que les digo la apariencia del patio de butacas: los cabellos teñidos de blanco son los que destacan sobre los respaldos de las butacas. Y no solo eso, solo hace falta observar el trato y el vínculo que Concha establece con el público que la ha ido a ver. La Velasco solo necesita un foco de luz y una silla elevada donde sentarse de tanto en tanto. Y una historia, o mejor dicho, la historia de su vida. Solo ella, sin artilugios, sin un vestuario despampanante, sin efectos de luz deslumbrantes, tan solo ella y los recuerdos de una vida dedicada a la interpretación.

Bueno, esto no es del todo cierto. La Velasco no está totalmente sola. Un cuarteto de músicos (Xavier Mestres, Tomàs Alcaide, Roger Conesa y Xavi Sánchez) la acompaña durante las interpretaciones musicales que jalonan el espectáculo. Porque como usted ya sabe, la de La Velasco también es una carrera musical. Y son dos de estos momentos los que voy a escoger para profundizar un poco más en la obra: el primero la interpretación del tema central del Hello Dolly!!, obra musical que Concha interpretó en el teatro en el año 2001, y que aúna la magia de Broadway y el aroma de la gran Barbra Streisand con la veteranía y el savoir-faire de La Velasco; y el segundo, la interpretación que la actriz realiza al final de la actuación de su famosa Chica ye-ye, todo un ejemplo de la energía y el vigor que Concha Velasco sigue manteniendo a sus …ejem…ejem... años de edad.

Como les decía, éste es un espectáculo 100% Concha Velasco, y una biografía teatral con la que la actriz premia a un público fiel y entusiasmado. Por que no todo son nuevas tecnologías; por que no todo son nuevos lenguajes escénicos; por que no todo es innovación y diseño, el espectáculo que nos presenta Concha Velasco, dirigido por Josep Maria Pou, vale mucho la pena, sobre todo si usted vio crecer vital y profesionalmente a una mujer por la que parece que no pasan los años, aunque si que parece que pase la experiencia, el dominio y el control de la interpretación sobre el escenario.

Si todavía no ha visto CONCHA (Yo lo que quiero es bailar) aún tiene la posibilidad, hasta el 5 de febrero, de disfrutar de algunos retazos de la vida y de la obra de la actriz, y de un poco de la forma de hacer y de vivir el teatro de “antes”. No lo dude, aunque la oferta teatral es amplia, una oportunidad como ésta no se tiene cada día, aunque bien mirado, desde el mes de octubre si que la tiene cada noche en el Teatro Goya.


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CONCHA (Yo lo que quiero es bailar)” se representa en el Teatre Goya del 15 de octubre de 2011 al 5 de febrero de 2012.

Dirección y dramaturgia: Josep Maria Pou
Texto: Juan Carlos Rubio (Sobre biografía y relato oral de Concha Velasco)
Intérprete: Concha Velasco
Dirección musical y arreglos: Xavier Mestres
Piano y vocal: Xavier Mestres
Violín, teclado y vocal: Tomàs Alcaide
Saxo, batería y vocal: Roger Conesa
Contrabajo y vocal: Xavi Sánchez
Colaboración especial: Salvador Vidal (Voz en off)
Escenografía y diseño de video: Eugenio Szwarcer
Iluminación: Juanjo Beloqui
Sonido: Jordi Ballbé
Vestuario: Nina Pawlowsky
Producción: Focus

Horarios: Miércoles a las 20:00 horas; jueves a las 17:00 y a las 20:00 horas; viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: miércoles y jueves, 25 €; viernes, sábado, domingos y festivos, 30 €.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Nova exposició: Penélopes, a la Casa Amèrica Catalunya

 

Quan ja no hi ha esperança per tenir un present favorable al país de naixement, l’única solució és buscar un futur millor fora d’aquestes fronteres. Així molts homes prenen la decisió de fer les maletes i iniciar una aventura que els permeti enviar diners a la família que s’ha quedat al lloc d’origen. El fotògraf Héctor Mediavilla va voler documentar aquest fenomen, i es va centrar en Mèxic, on molts homes deixen les seves dones per començar una nova vida en un altre país; d’aquesta experiència –dos anys en convivència amb les famílies que esperen, pacientment, el retorn del pare–, i amb la intenció de donar veu a les dones abandonades, neix Penélopes, l’exposició que es pot veure a la Casa Amèrica Catalunya des del passat 17 de gener.

Fotografia d'Héctor Mediavilla

Per què estudiar el cas de Mèxic? Es calcula que cada any són més de 800.000 homes els que decideixen abandonar el seu país –per anar majoritàriament a EUA, on els anomenaran norteños– i buscar una feina amb què mantenir la família, que es queda al seu lloc d’origen; un 60 % d’aquests emigrants no torna mai, i altres només ho fan en moments puntuals; així aquest fenomen provoca la fragmentació de la família sense remei.

Héctor Mediavilla agafa el mite grec de Penélope –la dona que va esperar vint anys el retorn del seu espòs, Ulisses– per titular aquesta exposició; Penélopes parla d’aquelles dones que, abandonades a la seva sort amb els seus fills, es veuen obligades a lluitar contra les adversitats per treballar, portar la casa i educar elles soles les seves criatures, i tot això en una societat patriarcal que no els facilita gens la feina. Mediavilla retrata, amb gran sensibilitat, la solitud d’aquestes heroïnes mexicanes, de diferents edats i condicions, unides per l’esperança que el marit retorni algun dia.

L’exposició consta de 40 fotografies i quatre pantalles de vídeo que mostren els testimonis de les protagonistes, a més d’un espai obert a la participació de tots aquells que un dia van arribar a Catalunya des de la seva terra per intentar trobar un futur millor, una instal·lació que, sota el lema Qui has deixat enrere?, proposa als visitants a deixar-hi una foto que respongui a aquesta pregunta i que els responsables de la Casa Amèrica Catalunya en faran una còpia per a integrar-les a l’exposició.

L’exposició es podrà veure a la Casa Amèrica Catalunya fins al 3 de maig, de dilluns a divendres, de 10:00 hores a 14:00 hores i de 17:00 hores a 20:00 hores, amb entrada gratuïta.

Més informació: www.americat.cat
                               www.penelopesmexicanas.org
                               www.hectormediavilla.com

Estrena teatral: Oxigen, al Teatre Gaudí de Barcelona

 

El proper 27 de gener el Teatre Gaudí de Barcelona estrenarà Oxigen, la seva nova proposta pels primers mesos del 2012 que pren com a argument els canvis experimentats per qualsevol parella quan decideix tenir un fill, un tema molt seriós presentat aquí en forma de tragicomèdia.

Imatge de l'obra

Quan neix una criatura la parella es converteix en una família, i això significa que des d’aquest mateix instant viuran moments de grans canvis: la parella es trobarà un ser indefens que dependrà absolutament d’ells, hauran de canviar-li els bolquers, banyar-lo, posar-lo a dormir,…, en definitiva, una sèrie de rutines que els pares hauran de tenir present dia rere dia. A més seran moments de contrastos, ja que la felicitat i l’alegria de ser pares compensaran el cansament i les nits sense poder dormir, novetats a les quals s’hauran d’adaptar ràpidament si no volen entrar en crisi com a parella.

Mar Monegal dirigeix Oxigen, una obra que planteja els dubtes de qualsevol parella en el moment de tenir una criatura –Serem uns bons pares? El nen ens unirà com a parella o ens separarà? Podrem mantenir la calma en els moments de tensió?– per a la qual ha comptat amb Helena Bagué, Francesc Ferrer, Albert Mèlich i Betsy Túrnez.

Oxigen es representarà al Teatre Gaudí de Barcelona del 27 de gener al 25 de març de 2012.

Dramatúrgia i direcció: Mar Monegal
Intèrprets: Helena Bagué, Francesc Ferrer, Albert Mèlich i Betsy Túrnez
Companyia: Teatre Gaudí
Espai sonor: Javi Gamazo
Disseny de llums: Dani Gener
Espai escènic: Mar Monegal
Fotografies: Josep Aznar

Horaris: de dijous a dissabte a les 20:45 hores i diumenge a les 18:00 hores
Preu: 18 €
Idioma: català
Durada: Una hora i vint minuts 

Estreno cinematográfico: Silencio en la Nieve, de Gerardo Herrero

El próximo 20 de enero llega a las pantallas de nuestro país Silencio en la Nieve, un film que recrea la fría Rusia en tiempos de la Segunda Guerra Mundial y que adapta la novela de Ignacio del Valle El tiempo de los emperadores extraños, una historia bélica dirigida por Gerardo Herrero y protagonizada por Juan Diego Botto y Carmelo Gómez.

Fotograma de la película

En invierno de 1943 un batallón de la División Azul encuentra una serie de cabezas de caballos esparcidas sobre la superficie congelada de un lago; sus cuerpos están sumergidos bajo el hielo, y sobre uno de ellos hay un soldado español muerto y con una inscripción gravada a cuchillo: “Mira que te mira Dios”. Los altos mandos encargan la investigación del caso al soldado Arturo Andrade quien, con la ayuda del sargento Estrada, miembro de las tropas fascistas, deberá esclarecer los hechos y encontrar al culpable de la masacre.

Gerardo Herrero (El corredor nocturno) dirige Silencio en la Nieve, un thriller rodado en condiciones extremas en Lituania (con temperaturas de hasta 30 grados bajo cero) para el que Herrero ha contado con dos actores de reconocido prestigio en los papeles protagonistas: Juan Diego Botto (Todo lo que tú quieras) y Carmelo Gómez (La carta esférica), a quienes acompañan Jordi Aguilar (Cinco minutos para medianoche), Víctor Clavijo (Verbo), Francesc Orella (Los ojos de Julia) y Sergi Calleja (Siempre hay tiempo), entre otros.

Silencio en la Nieve se estrenará en nuestros cines el 20 de enero de 2012.

Título: Silencio en la Nieve
Género: Thriller
Nacionalidad: España, Lituania
Año: 2011
Duración: 114 minutos
Director: Gerardo Herrero
Guión: Nicolás Saad
Intérpretes: Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Jordi Aguilar, Víctor Clavijo, Francesc Orella, Sergi Calleja, Adolfo Fernández, Andrés Gertrúdix, Manu Hernández, Toni Hernández, Javier Mejía