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Crítica teatral: El coloquio de los perros, en el Teatre Poliorama.

cartell-coloquio512-437Hablar de Joglars es hablar de teatro, pero también lo es de crítica social y política, de la puesta en escena de proyectos teatrales arriesgados y de polémicas que dejan impasibles a muy pocos. El efecto Joglars acostumbra a poner en movimiento las vísceras teatrales tanto de los que van a ver sus obras como de los que no, pero que temen lo que se dice en ellas y sobre todo como se dice. Unos impedimentos que, sin embargo, no han evitado que la compañía, fundada en el año 1962 y recordada (a veces con ira) por obras polémicas como La torna (1977), Teledeum (1983), El Nacional (1993), Ubú president (1995), La increíble historia del Dr. Floit y Mr.Pla (1997) y Daaalí (1999) sea una de las más longevas a nivel nacional.

Els Joglars regresan a los escenarios con El coloquio de los perros, la adaptación libre de una de las novelas ejemplares de Miguel de Cervantes, autor adaptado ya por la compañía en dos ocasiones, la primera con El retablo de las Maravillas (2004) y la segunda con En un lugar de Manhattan (2005). El juego en este caso está en la visualización de la condición humana a través de los ojos limpios y sencillos de los animales de compañía, testigos y sufridores en muchas ocasiones de las consciencias y los actos de los hombres.

La acción arranca en una perrera en la que un vigilante nocturno se ve sorprendido por dos perros, Cipión y Berganza, que durante la noche son bendecidos con el don del habla. Los sabios canes, tras la sorpresa inicial del vigilante, le narrarán su historia, la cual siempre ha estado ligada a los humanos. Una extraña noche en la que el hombre calla, por una vez, para darle voz a los perros y aprender, si es posible, de ellos.

Comencemos por el principio. La propuesta representa «una adaptación libre a partir de la novela de Cervantes«, y eso en manos de Joglars quiere decir mucho. Ténganlo en cuenta, por tanto, aquellos que quieran deleitarse con la pureza del texto cervantino, aunque esta aflore, también, en determinados momentos de la representación en la locuaz conversación de los perros, ya que lo que encontrarán es un Cervantes deglutido por Joglars con el que la compañía fabrica una nueva obra.

_dra4294jpg-12058Y de nuevo Joglars arremete con los usos y las costumbres de la sociedad, al menos de una parte de ella, utilizando a los canes como testigos mudos de toda una serie de comportamientos humanos que van desde la incapacidad de crear vínculos afectivos positivos con otras personas y su substitución por los más fáciles y agradecidos proporcionados por los animales; el maltrato que sufren muchos de estos a manos de propietarios crueles; la devoción por toda clase de placeres estéticos y materiales fáciles de conseguir con dinero; la obsesión por el cuerpo; o lo cotizada que a veces tenemos en Occidente la libertad y que los perros, sabios o no, ceden a cambio de la seguridad y el fácil sustento.

La propuesta creada de las cenizas cervantinas por Albert Boadella, Martina Cabanas y Ramón Fontserè, apunta con tino si bien lo hace con un ritmo a veces aquejado de poca fluidez y de un tufo a humor genital y popular propio de la compañía, que aunque arranca diversas carcajadas de la concurrencia puede provocar y provoca el rechazo de una parte del público, aquella que aspira a señuelos escénicos más elevados. La voluntad de Joglars es también actualizar contextos antiguos con los que poder criticar los desvaríos de los tiempos en los que vivimos.

A la obra le cuesta arrancar y ponerse en marcha aunque va ganado enteros a medida que avanza la representación. Y su mejora la encontramos tanto en la actuación de los actores y actrices, Ramon Fontserè y Pilar Sáenz como los dos canes, que nos proveen de una caracterización resolutiva, Xevi Vilá que encarna al vigilante nocturno de la perrera desconcertado por la capacidad parlanchina de los animales (personaje ajeno al genio creativo literario de Cervantes) y Dolors Tuneu y Xavi Sais que interpretan al resto de personajes relacionados con la vida de los perros con un juego de máscaras y un estilo muy próximo a la Comedia del Arte. Otro de los aciertos de la obra es la escenografía reducida casi a la nada, constituida por una especie de cajón alargado sobre el cual se representa parte de la acción y que hace las veces de bambalinas para la transformación de los actores, lo que les fuerza a realizar un importante esfuerzo escénico y de contextualización.

Cabe decir también que la adaptación de Boadella, Cabanas y Fontseré (este último dirige también la obra) resulta decepcionantemente facilona tanto en la creación de situaciones como en alguna parte del texto, como la que critica la subida del IVA cultural al 21%, y que arranca, como no podía ser de otra forma, los aplausos del público, aunque no de forma masiva.

El coloquio de los perros es una obra más dentro del repertorio de Joglars que no se distingue del resto en exceso y que mantiene elementos de producción propios de la compañía. Aunque nos propone temas a discutir que pueden ser interesantes como el mundo que hemos creado los humanos y que afecta de pleno a los animales y a las mascotas que nos hacen compañía o el valor que el hombre y la mujer dan a valores como la libertad en una época que nos oprime con fuerzas y estrategias mucho más sutiles y efectivas.

«El coloquio de los perros» se representa en el Teatre Poliorama del 16 de abril al 18 de mayo de 2014.

Dirección: Ramon Fontserè
Adaptación: Albert Boadella, Martina Cabanas y Ramon Fontserè
Reparto: Ramon Fontserè, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu, Xavi Sais y Xevi Vilà
Producción: Joglars
Espacio escénico: Albert Boadella y Ramon Fontserè
Diseño de iluminación: Bernat Jansà
Diseño de Sonido: Xavi Sáenz
Música: Carles Cases

Horarios: miércoles, jueves y viernes a las 21:00 horas; sábados a las 18 y a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas.

Funciones con variación de horario:
El lunes 21/04 la función será a las 18:00 horas
El miércoles 30/04 la función será a las 21:15 horas
El jueves 01/05 la función será a las 18:00 horas (festivo)
El viernes 25/04 la función será a las 21:15 horas
Precio: de 18 a 27 euros

Idioma: castellano
Duración: 85 minutos
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Jorge Pisa Sánchez

Crítica: Constantino el Grande, David Potter, ed. Crítica.

constantino-el-grande_9788498926231Si tuviéramos que decidir qué emperador romano ha dejado una mayor huella en la historia, tendríamos que tener en cuenta a Augusto, a Constantino o incluso al hispano Teodosio. Si bien muchos dirigirían rápidamente su mirada hacia la figura de Constantino el Grande, por ser entre otras cosas, el emperador que puso fin a la persecución de los cristianos y el que con su acción de gobierno dio forma, en parte, al mundo medieval que seguiría tras la caída del Imperio romano. De esta forma la larga sombra del gran emperador no solo se cernió sobre las épocas venideras sino también sobre la bibliografía que desde entonces habló de él, tanto a favor como en contra. Es por ello que en castellano se echaba en falta una actualización de la historia de la época en general y del gobierno del emperador Constantino en particular, con la intención de clarificar y actualizar conceptos de un periodo y un personaje mitificados por la historia.

Constantino el Grande de David Potter es una biografía académica del emperador romano que arranca, sin embargo, bastantes años antes, como es preceptivo, para permitirnos entender la época en la que Constantino se hizo con las riendas del imperio. Así, pues, el estudio comienza en el año 260, en plena época de la Anarquía militar, para enlazar con el periodo de la Tetrarquía diocleciana, época en la que Constancio, el padre de Constantino llegó al poder como miembro del sistema de gobierno compartido instituido por Diocleciano. Potter intenta explicarnos la juventud de Constantino, de la que se sabe bastante poco, rehaciéndola a través de los datos históricos conocidos del periodo, y estudia a partir de aquí la ascensión a la cúspide del poder de Constantino desde su nombramiento como Augusto tras la muerte de su padre en Britania, pasando por la batalla del puente Milvio (312) y su lucha contra sistema dioclecianeo.

Tras ello el autor analiza la acción de gobierno de Constantino, ya sea en relación a la vida familiar del emperador, que en aquellos tiempos era inseparable de la política; la administración imperial; o su relación con la religión cristiana y la Iglesia, el gran hito de su reinado. Potter se esfuerza por explicarnos la oficialización del cristianismo por parte de Constantino, su aceptación como una religión más permitida en el imperio, y la utilización que de ella hizo el emperador para alcanzar la la paz dentro de las fronteras imperiales. La monografía también analiza la vinculación del propio Constantino con la religión pagana, que también respetó, no siendo hasta la época de Teodosio e incluso más adelante cuando el paganismo vio prohibida oficialmente su existencia. El autor analiza, asimismo, la extraña muerte de su hijo Crispo, uno de los capítulos más oscuros de su reinado y un asunto que difícilmente, como el mismo autor indica, podremos llegar a esclarecer nunca; o la construcción de la ciudad de Constantinopla sobre el solar de la antigua Bizancio, urbe que con el tiempo se convertiría en una nueva Roma.

Potter elabora su trabajo a partir de las fuentes coetáneas y utiliza en gran medida los documentos legislativos dictados por el propio Constantino y su cancillería, con los que puede estudiar su acción de gobierno con mayor profundidad y autenticidad. El autor avanza en el reinado y en el legado de Constantino aunque en su recorrido el apartado histórico no es el primordial, esto es, el libro no se centra especialmente en la evolución de los hechos políticos para crear un filum histórico, sino que más bien cada uno de los aspectos que trata el autor se estructuran a partir del índice de materias, que es el verdadero vertebrador de la obra. De esta forma Constantino el Grande puede ser un libro que decepcione a aquellos interesados sobre todo en la historia política, ya que el autor no se centra especialmente en ella, si no que más bien utiliza el lógico pasar del tiempo para avanzar en su análisis sin profundizar demasiado sobre los hechos. Así que la obra requiere algunos conocimientos previos de la época, al menos en algunos apartados, para poder contextualizar la lectura. La monografía se estructura, además, en capítulos cortos, algo no muy acostumbrado en obras de este estilo, aunque es un formato que posibilita de mejor forma las lecturas posteriores.

Por otra parte, el libro no está todo lo bien traducido y corregido que debiera, una pena en el caso de la obra, del autor y de la editorial, que acostumbra a hacer trabajos brillantes al respecto. Un déficit este que a veces no permite seguir adecuadamente la evolución de los hechos y de los pensamientos del autor. Sin embargo, Constantino el Grande de David Potter se convierte en una herramienta de primera para conocer de una forma realista y veraz la figura de un emperador que ayudó a dar forma al Occidente medieval y moderno. Como alguien dijo «La vida de todo hombre está llena de luces y sombras, pero la historia conserva las luces y olvida las sombras«. En este caso Potter y Crítica nos ayudan a atenuar el deslumbre de la figura del emperador Constantino y a perfilar las sombras que planean sobre él.

Título: Constantino el Grande
Autor: David Potter
Editorial: Crítica
Colección: Tiempo de Historia
Traductores: Rosa Salleras Puig | David León
Fecha de publicación: 29/10/2013
Páginas: 464
Idioma: Español
ISBN: 978-84-9892-623-1
Formato: Rústica con solapas, 15,5 x 23 cm

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La restauración de Roma. Bárbaros, papas y pretendientes al trono, Peter Heather, ed. Crítica.

la-restauracion-de-roma_9788498926293Editorial Crítica publica este mes de noviembre La restauración de Roma, de Peter Heather una monografía que analiza la historia de Europa tras la caída de Roma y la formación del mundo medieval, de la mano de la lucidez divulgativa propia del historiador irlandés.

Peter Heather, autor de esas dos obras maestras que son La caída del Imperio Romano y Emperadores y bárbaros, nos cuenta ahora lo que sucedió después, a partir de la caída del Imperio de Occidente en el año 476, en un mundo en que, pese a la desaparición del estado romano, la vieja civilización persistía en muchas partes sin grandes cambios. Hubo en los siglos siguientes tres grandes intentos de restaurar el Imperio, protagonizados por Teodorico, Justiniano y Carlomagno. Cada uno de ellos consiguió restablecer el viejo poder en un grado suficiente como para proclamarse legítimo heredero del título imperial, pero ninguno logró afianzar una estructura capaz de perdurar, como lo había hecho el viejo Imperio. Hasta que, a partir de la reinvención del Papado en el siglo XI, gentes nuevas, de sangre bárbara, utilizaron las herramientas imperiales romanas para crear una nueva estructura, el Imperio papal, “mucho más poderoso y opresivo que el que los primeros romanos administraron”, que ha seguido en activo desde hace mil años.

Peter Heather nació en Irlanda del Norte en 1960 y estudió en el Maidstone Grammar School y en el New College de Oxford. Ha impartido clases en el University College de Londres y en la Universidad de Yale. Actualmente es profesor del departamento de Historia medieval del Worcester College de Oxford. Es autor de Goths and Romans (1992), The Goths (1996), del epílogo de The Huns de E. A. Thompson (1999), Emperadores y bárbaros (Crítica, 2010) y La caída del imperio romano (Crítica, 2011).

Título: La restauración de Roma
Autor: Peter Heather
Editorial: Crítica
Colección: Serie Mayor
Traductor: Silvia Furió
Fecha de publicación: 19/11/2013
Páginas: 424
Idioma: Español
ISBN: 978-84-9892-629-3
Formato: Rústica con solapas, 15,5 x 23 cm.

Crítica teatral: Daian&Giggy Live Sex, en el Inusual Project.

305804_186597431423531_1472720746_nDos prostitutas inician, como cada noche, su espectáculo de baile en un Peep Show. Actúan cada 20 minutos y para que se inicie su exhibición las chicas reclaman al público presente que introduzcan el dinero en la cabina.

Una vez que da inicio el espectáculo nos introducimos como simples voyeurs en el mundo interior de Diana y Georgina. Una cansada y asqueada de su trabajo que se ha convertido en pura rutina y que ha destrozado su vida y sus aspiraciones; la otra, más joven, con estudios de interpretación y con ganas de «ascender» en su trabajo. Esta noche, además, es posible que esté presente el jefe… Las necesidades y las desilusiones de ambas romperán la magia del espectáculo, llevando al límite la exhibición de música, baile y sexo.

DAIAN&GIGGY LIVE SEX es un mini-espectáculo en el que Daniel J. Meyer analiza de forma ágil diversos de los dramas y carencias que afectan a nuestra sociedad, como la fragilidad y la dependencia laboral; la devaluación de nuestras vidas subyugadas por el propio sistema; la invasión de la intimidad, el precio mercantilista que se extiende sobre casi todo; la influencia de la televisión y de la telebasura; la omnipresencia del sexo… todo ello desde un punto de vista crítico que el director nos muestra en forma de una tragicomedia de corta duración.

6413659237_9c494e80b4_zLa propuesta es, así, un micro-espectáculo en todos los sentidos: por su composición; su duración, más o menos unos 20 minutos; y por su puesta en escena, ideal para ser representado en cualquier espacio, como fue el caso del Inusual Project, local cultural ecléctico, donde se representó el pasado jueves 7 de febrero. La representación requiere, además, de la vida y de las emociones que le aportan sus dos protagonistas, Laia Pellejà y Sonia López, que construyen un espectáculo casi de la nada, en un ejercicio de puro y desnudo teatro, y del aire que le proporciona la interacción con el público, que además, lo vive desde muy cerca, casi tanto como si estuviera en la estrecha cabina de un sex-shop.

DAIAN&GIGGY LIVE SEX es, pues, una oportunidad para introducirse en el mundo pop, moderno y responsable de su director, acostumbrado a la dirección de obras de alto voltaje reflexivo y de apurada crítica social.

Dramaturgia y dirección: Daniel J. Meyer
Reparto: Sonia López y Laia Pellejà
Diseño gráfico: Jordi Martínez Piñol
Producción: Descartable Teatre
Duración del espectáculo: 18-20 minutos (aprox.)

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: No estoy muerto estoy en el Apolo, en el Teatro Apolo.

bb67795d385feeb8f28d8201980a4546El pasado 16 de enero aterrizó en el teatro Apolo de Barcelona el nuevo espectáculo producido e interpretado por Pedro Ruiz No estoy muerto estoy en el Apolo, una crítica arrolladora a la sociedad hiperconsumista en la que vivimos con el sello de realización característico del polifacético showman.

No estoy muerto estoy en el Apolo nos permite ser testigos del regreso, si es que alguna vez se había ausentado, de la personalidad artística más combativa, canalla y crítica de Pedro Ruiz, en la que el presentador, actor, escritor y cantante, entre otras muchas facetas, vuelve a fusionarse con un escenario teatral para hacernos ver la realidad a través de sus ojos, una mirada crítica hacia un mundo desolado por la crisis tanto económica como de valores, de la que ya avisaba Ruiz en sus inicios en la televisión española.

El espectáculo se estructura como un carrusel de escenas o sketches en los que Ruiz repasa diversos de los males que han afectado y afectan a la sociedad española: los efectos de la publicidad malsana; el consumismo cada vez más feroz; la falta de valores sociales y personales; la importancia del sexo en nuestra vidas; la actuación de los políticos y la crisis económica en la que vivimos; lo irrealmente absurdo, muchas veces, del futbol profesional y sus grandes estrellas, y la repercusión que tiene en la sociedad; el genio de las mujeres; el mundo creativo de los artistas…

Ruiz crea e interpreta su espectáculo al estilo Pedro Ruiz, dando a la representación un calado que solo él le puede dar: crítica directa, palabras malsonantes, verdades políticamente incorrectas, y una personalísima forma de actuar e improvisar que hacen que el espectáculo se renueve cada noche y que sea bastante difícil de clasificar. Ruiz canta, actúa, se retuerce por el escenario con el objetivo de hacernos pensar, aquello que no le gusta que hagamos a los políticos, a los publicistas o a los banqueros, y nos presenta la realidad tiznada de un espíritu crítico y desvergonzado, impropio de los tiempos de falsos lujos y excesos en los que vivimos. Y para ello no está solo, sino que se hace acompañar por el pianista Antoni Olaf y la actriz Laura Bascuñana, el impacto de cuyas curvas es, si bien breve, considerable sobre el escenario.

Imagen-promocional-del-especta_54360761037_53389389549_600_396No estoy muerto estoy en el Apolo es un espectáculo a veces duro, a veces tierno y reactivo en todo momento. Es una de esas propuestas que convierten al teatro en una herramienta social y política en la que el objetivo es hacer reflexionar sobre los tumores que carcomen desde dentro a la sociedad y que, muchas veces son fomentados por los mismos afectados, de ahí el acierto de una de las máximas de la obra: «Primero nos dan cocaína, después nos llaman cocainómanos y ahora nos cobran la metadona«. Un análisis simple y claro de por dónde van los tiros, de lo «tontos» que podemos ser los ciudadanos de cualquier país y de lo vendidos que estamos ante los poderes financieros que dominan el meollo económico mundial.

El espectáculo de Ruiz es un retorno a los principios más televisivos del actor en el que el componente audiovisual es importante, y se manifiesta a través de una gran pantalla que interactúa con el showman de forma constante, y nos recuerda la década de los años 80 donde Ruiz se hizo con un espacio en la programación televisiva de un país que abandonaba la dictadura política para introducirse cada vez más en la dictadura de los mercados, cuyas consecuencias estamos viviendo ahora.

Así, pues, No estoy muerto estoy en el Apolo es una propuesta en nada desdibujada por la voluntad de crear un espectáculo magnífico y sublime, sino que su producción y su representación se vincula más a la cotidianidad del día a día, de cualquier conversación a la hora del almuerzo en cualquier empresa, de cualquier reunión familiar o de cualquier encuentro de amigos, situaciones todas ellas afectadas por el contexto de crisis en el que vivimos.

No quiero finalizar esta reseña sin destacar una propuesta claramente innovadora y que conecta el espectáculo y a su autor e intérprete con la actualidad más funesta. Tal como anunciaba en la nota de prensa de la obra «Pedro Ruiz ha anunciado que, al igual que viene haciendo con una gran acogida y satisfacción en Madrid, las personas desempleadas pueden entrar gratis a ver la obra«. Una invitación que nos muestra la voluntad de Ruiz de democratizar en la práctica (no tan solo en la teoría) el acceso a la cultura (y a la reflexión tan necesaria en estos momentos) y de posibilitar a aquellos que no se lo pueden permitir debido a las lamentables circunstancias en las que nos obligan a vivir (el que estas líneas escribe también sufre las consecuencias del desempleo desde agosto del 2011, gracias a lo des-acertado e injusto de los recortes públicos) disfrutar de un espectáculo teatral y no morir en el intento. Algo que va más allá de la validez ideológica o artística de Pedro Ruiz y que nos habla de su implicación personal en el asunto.

«No estoy muerto estoy en el Apolo» se representa en el Teatro Apolo del 16 al 27 de enero de 2013.

REESTRENO:No estoy muerto estoy en el Apolo” se representa en el teatro Apolo del 9 al 27 de octubre de 2013.

Autor: Pedro Ruiz
Director: Pedro Ruiz
Dirección musical: Antoni Olaf Sabater
Reparto: Pedro Ruiz, Laura Bascuñana y Antoni Olaf Sabater

Horarios: miércoles a las 18:30 horas; jueves a las 20:00 horas; viernes y sábado a las 21:00 horas y domingos a las 18:30 horas.
Precio: 20-30 €

Horarios: miércoles a las 18:30 horas; jueves y viernes a las 20:00 horas; sábado a las 21:00 horas y domingo a las 18:30 horas.
Precio: de 25 a 35 €
Género: Comedia, crítica, sátira
Idioma: Castellano
Duración del espectáculo: 120 minutos

Más información:
http://pedro-ruiz.com/
http://www.teatreapolo.com/obras/no_estoy_muerto/index.html

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crítica: El Giro, de Stephen Greenblatt, editorial Crítica.

el-giro_9788498924121No es muy habitual que un libro, ya sea de historia o de cualquier otra temática, nos hable de otro libro, de su contenido o de las peripecias editoriales e históricas que este padeció. Una circunstancia que llamó poderosamente mi atención al ver El Giro en la sección de novedades de las librerías. La publicidad exhibida en su portada indicaba, además, que el libro había sido galardonado con los premios National Book Award 2011 y el Pulitzer 2012, hecho que acentuó aún más mi curiosidad, y que me llevó a iniciar su lectura de inmediato, priorizándola sobre otras pendientes (y que por desgracia aún lo están). Una decisión que resultó ser todo un acierto.

El Giro, de Stephen Greenblatt, es una pequeña joya entre los libros de historia, y un gustazo para aquellos que disfrutan leyendo sobre los libros y su lectura. Pero la propuesta de Crítica no se queda en eso. De la mano de Greenblatt y del De Rerum natura de Lucrecio, poema didáctico escrito en el siglo I a.C. que recreaba en verso los principios atomistas y agnósticos elaborados por el filósofo griego Epicuro, el autor realiza un recorrido por las épocas antigua, medieval y renacentista, para permitirnos conocer la historia de los libros considerados no solo como contenedores de ideas sino también como artículos físicos.

300px-Lucretius_De_Rerum_Natura_1675_page_1Pero comencemos por el principio. Greenblatt basa su historia en la vida de Poggio Bracciolini, un humanista buscador de libros que vivió en el siglo XV, aquella centuria que comenzó a ver en los clásicos griegos y romanos los pilares del conocimiento que aspiraban a alcanzar. Así pues, el autor nos sitúa en la época del Renacimiento en la que el ardor anticuario impulsó a muchos humanistas a recorrer bibliotecas y monasterios en busca de las obras de autores antiguos atesoradas en ellos (y muchas veces olvidadas) con la voluntad de copiarlas. Las andanzas de Bracciolini y su empeño de carácter cuasi-arqueológico, permiten al autor relatarnos el momento del gran hallazgo del De Rerum Natura, una obra de la que se conocía su existencia en la Antigüedad, pero que se daba por perdida en el siglo XV. A través de su re-descubrimiento, de su copia y de su puesta en circulación Greenblatt nos muestra como las ideas contenidas en un libro consiguieron hacer cambiar las formas de pensar y de entender el mundo a los espíritus renacentistas, subyugados hasta entonces por siglos de oscurantismo y supersticiones.

La narración de las aventuras librarias de Poggio y de los avatares sufridos por el manuscrito del De Rerum Natura de Lucrecio a lo largo del tiempo, permiten a Greenblatt realizar un viaje a través de la historia de los libros: de su escritura y publicación en época antigua; de las bibliotecas que los contenían, entre ellas la Biblioteca de Alejandría, una de las más famosas de la historia, o las bibliotecas privadas excavadas en Pompeya; del traspaso del mundo antiguo al medieval y del cambio de paradigma cultural y religioso que llevó a los libros a refugiarse primero y a malograrse después en las bibliotecas y scriptoriums monásticos y, finalmente, de su re-descubriendo siglos más tarde en la Europa renacentista, que volvió a valorar las grandes hazañas culturales y científicas llevadas a cabo por sus antepasados antiguos.

La lectura del libro de Greenblatt es una auténtica delicia. El autor nos embelesa con un texto fruto de su extenso conocimiento de las épocas y las temáticas que analiza y que le da pie, incluso, a perfilar un lienzo histórico de la Italia humanista del siglo XV, en el que además de tratar de los grandes hallazgos de los cazadores de libros y del alcance de los mismos, nos narra, con cierta sorna, las rivalidades existentes entre los intelectuales del momento, hecho este que humaniza a las grandes figuras del Renacimiento a las que acostumbramos a honrar en mayestáticas aureolas de celebridad faltas, muchas veces, de calidez humana y cotidiana.

En su periplo literario Greenblatt nos habla, sobre todo, de la devoción por los libros, por la lectura y por el conocimiento, y del esfuerzo de los hombres y mujeres de todos los tiempos por mantener y enriquecer el patrimonio cultural humano, si bien en este caso, y por razones obvias, el autor se centra en el mundo Occidental.

Swerve
Stephen Greenblatt

Uno de los puntos fuertes de El Giro es el análisis que Greenblatt hace del atomismo en época antigua, y de la contienda intelectual que los partidarios de este sistema filosófico tuvieron que llevar a cabo para defenderse de todos aquellos que los acusaron de ateísmo y de sostener ideas contrarias a la naturaleza. Pero más revelador, aún, es el relato del impacto que los principios filosóficos atomistas tuvieron en época moderna, traídos de nuevo a la luz gracias al hallazgo de Poggio, y sus efectos estimulantes en las mentes del momento que ayudarían, con el tiempo, a acabar con el dominio intelectual detentado por la Iglesia cristiana, enemiga de todo aquello que se atreviera a desafiar su concepción del mundo. No olvidemos que, al menos en sus conceptos fundamentales, la ciencia actual es heredera de las ideas defendidas por los filósofos atomistas antiguos, desarrolladas gracias a un formidable ingenio aunque lastradas por el nivel tecnológico de la época en que se originaron.

Greenblatt nos cautiva y nos habla del mundo de la cultura y de su construcción a través del tiempo. Demuestra, asimismo, una gran originalidad que sin duda es uno de los elementos que le han granjeado los premios que su libro ha recibido. Y no se piensen que El giro es una obra de lectura compleja y pesada. Muy al contrario las 318 páginas que lo constituyen son poseedoras de un texto fácil, ameno e incluso cómico en varios momentos, sobre todo en aquellos pasajes en los que nos relata las vicisitudes de un buscador de libros como Poggio o su relación, a veces exaltada, a veces tosca, con otros humanistas.

Crítica nos regala, de nuevo, con una obra magnífica, traducida y editada también de forma magnífica. Como ya he dicho en algún otro lugar, un sello distintivo de la editorial. Y acompaña el texto con un amplio aparato de notas, de índices y de bibliografía, como no podía faltar en una editorial que mima las obras que publica.

El Giro es una oportunidad para sumergirse en la historia de la búsqueda del conocimiento y de ser testigos literarios de uno de los re-descubrimientos culturales que, seguramente, más afectaron a las mentes de aquellos espíritus renacentistas que miraban al pasado como fuente de inspiración. Un fantástico alegato de todo lo bello y todo lo bueno que puede llegar a contener un libro a través de las páginas de otro gran libro, el escrito por Greenblatt.

Título: El giro. De cómo un manuscrito olvidado contribuyó a crear el mundo moderno
Autor: Stephen Greenblatt
Editorial: Crítica
Colección: Serie Mayor
Fecha de publicación: 06/09/2012
Páginas: 328
ISBN: 978-84-9892-412-1
Formato: 15,5 x 23 cm / Tapa dura con sobrecubierta
Traductores: Joan Rabasseda y Teófilo de Lozoya
Precio (Tapa dura con sobrecubierta): 25,90 €
Precio: (Libro Electrónico ePub): 15,99 €
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Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crítica: La otra Navidad de Papá Noel, de Yann Fastier y Valery Dayre.

Es curioso pero cualquier reseña de esta obra ocupará más palabras que el propio libro en sí, porque La otra Navidad de Papá Noel, de la editorial Libros del Zorro Rojo, es un cuento corto, no por ello exento de interés.

Siendo sinceros, las primeras impresiones que te vienen a la mente al leerlo y observar sus dibujos son ¿pero esto qué es lo qué es? y menuda tomadura de pelo. Es al releerlo, algo que no te lleva más de cinco minutos, que empiezas a captar la idea y a sentir las sensaciones que te provoca. Si pasamos la barrera de los citados primeros pensamientos negativos nos encontramos con una delicatesen de cuento no apto para todos los paladares.

La escritora francesa Valérie Dayre narra en cortas y sintéticas frases un cuento que deja más a la imaginación que a lo escrito. Las Navidades actuales, la crisis que nos atenaza a todos, el desamparo, el buscarse la vida día a día, las deudas, el consumismo, la tristeza… pero siempre hay esperanza, la magia de la Navidad esta ahí aunque sea en muy pequeñas dosis y la creemos nosotros mismos.

Yann Fastier usa la técnica de la serigrafía creando unos dibujos que no son vistosos ni atrayentes y con muy pocos detalles. Predominan los colores rojo, verde y blanco jugando con sus contrastes. Son dibujos fríos con raspaduras como la Navidad rasgada que le toca vivir al protagonista.

La editorial Libros del Zorro Rojo publica estos libros poco comerciales a los que hay que descubrir y darles una pequeña oportunidad. Este lo tiene difícil ya que esta muy bien editado con papel de gran gramaje y en tapa dura. Su precio no es equivalente a lo que tardamos en consumirlo y cuesta entrar en él. No es apto para el gran público. Un cuento cotidiano para adultos y jóvenes que resulta extraño y real a la vez.


Título: La otra Navidad de Papá Noel
Autores: Yann Fastier y Valery Dayre
Editorial: Libros del Zorro Rojo
Precio: 10,90 €
Páginas: 36
Fecha de publicación: noviembre 2010
Colección: Edición especial-navidad
ISBN: 9788492412761
Formato: 17.5 x 24,5 cm, Cartoné

Información editorial: http://librosdelzorrorojo2.blogspot.com/2010/11/la-otra-navidad-de-papa-noel.html

Escrito por: Taradete

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Estreno teatral: McBeth amb formatge, en el Teatre del Raval

El Teatre del Raval estrena el nuevo espectáculo de La guapa Teatre, McBeth amb formatge, una tragicomedia negra, gamberra y shakesperiana de pequeño formado. Un espectáculo con trasfondo social y vocación «universal».
La acción central tiene lugar en el vestuario de un restaurante de comida rápido. Hoy, último viernes de mes, la actual «empleada del mes» tiene que escribir un informe para «proclamar» su sucesor en el cargo. Dentro de este prisma vemos y vivimos las diferentes situaciones que viven los personajes, sobre todo a nivel emocional, económico, familiar y social. Lo que en principio parece ser una cuestión sin demasiada importancia acaba convirtiéndose en fuente de los más inesperados conflictos y lleva a nuestros protagonistas a todo tipo de actos y comportamientos para alcanzar este dudoso honor. Drogas, sexo, karaokes, hamburguesas y patatas fritas se mezclan con bufones shakespearianos, traiciones, luchas de poder, venganzas, fantasmas y batallas con ketchup… Mucho ketchup!

McBeth amb formatge es otro proyecto de LA GUAPA Teatre que nace con el objetivo de captar nuevos públicos, buscando a un espectador joven, neófito y ofreciéndole unas tramas y unos diálogos próximos a su realidad. La compañía ya tuvo éxito con Call Center – un espectáculo de similares características- que estuvo dos temporadas y más de 14 semanas en cartel en Barcelona. Ahora quiere repetir la experiencia, buscando aquellos sectores de la población poco propensos a consumir espectáculos teatrales y ofrecerles un montaje que a buen seguro les gustará.

McBeth amb formatge es un espectáculo ágil, trepidante, políticamente incorrecto que habla de las aspiraciones vitales y profesionales de una generación que se enfrenta a su primer reto profesional.

McBeth amb formatge” se representa en el Teatre del Raval del 8 de octubre al 21 de noviembre de 2010.

Dramaturgia: Marc Angelet
Dirección: Marc Angelet
Producción: LA GUAPA Teatre
Intérpretes: Gerard Flores, Aina Gomis, Carla Ricart, Carla Sala, Rosa Serra y Marina Tarrats
Iluminación: Joan Gil
Vestuario: Iztok Hrga

Horarios:
Del 8 de octubre al 7 de noviembre:
viernes y sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:30 horas.

Del 11 al 21 de noviembre:
de jueves a sábado a las 21:0 horas y domingos a las 19:30 horas.

Los días 29, 30 y 31 de octubre no hay función.

Precio: De 16 a 18 €.

Espectáculo en catalán

¿Crónica de una muerte anunciada?

Siempre que pensamos en un libro dirigimos nuestro pensamiento al aspecto físico y cultural del mismo, a su forma, a las historias y conocimientos que atesora, a los miles de palabras impresas en tinta oscura que contiene. En el caso que conozcamos al autor recordamos su aspecto, otros libros que haya escrito, si nos cae bien o no nos es simpático…
En general pensamos en la vida útil de un libro, en el momento en que existe y está en relación e interacciona con nosotros. Pero nunca nos paramos a pensar en el final de un libro, en su muerte, físicamente hablando, ni tampoco en su nacimiento. ¿Qué pasa con un libro, por ejemplo, cuando no se vende, cuando todo el esfuerzo realizado por el autor al escribirlo muere antes de llegar a su destino deseable, al lector? ¿Qué pasa cuando un libro fracasa en la venta?
En la actualidad se habla mucho de la sobre-publicación de las editoriales. Si no recuerdo mal leí en algún lugar que el año pasado se publicaron unos 68.000 libros diferentes en España, cada uno de ellos con una tirada propia de ejemplares. Hay que pensar que muchos de estos libros tienen una vida comercial y educativa normal. Pero también entre ellos debe de haber otros con una “experiencia vital” más accidentada ya que muchos de sus ejemplares no se llegarán a vender nunca y entonces … ¿qué pasa entonces?
Hemos de pensar, primero, que las librerías no pagan al contado los libros a las editoriales, sino que adquieren en depósito una cantidad de ejemplares de los cuales solo pagan por los que venden. Podríamos pensar que este es un sistema lógico, ya que de esta forma las librerías solo pagan por lo que les ha generado, a su vez, beneficio.
Pero claro, todas las librerías tienen un espacio de venta limitado (si, todas, incluso las más grandes!!) y con la avalancha de novedades, (recordemos, unas 68.000 al año) es normal que dediquen más lugar y más recursos a los libros que venden, y menos “cariño” a los que no. Al final de este proceso, como es obvio, los libros que no se han vendido acaban ocupando demasiado espacio, necesario, seguramente, para la próxima novedad o para el libro que si que vende. ¿Qué pasa entonces?
Como es normal, la librería devuelve los ejemplares no vendidos a la editorial. Se podría decir, que se deshace del muerto y se lo pasa a otro. La editorial almacenará los ejemplares durante un tiempo aunque para ella el espacio también es importante. Los libros estarán tres, cuatro o cinco años en el almacén, y se irán vendiendo poco a poco, pero como es lógico la editorial necesita espacio para almacenar libros más recientes que, culpables también, no se han vendido como se esperaba.
Los ejemplares condenados aún pueden salvarse, pueden ser indultados, ser reetiquetados, y pueden pasar a los canales de distribución y venta económicos, como saldos o a precio rebajado, como es el caso de muchos que llegan a las librerías del tipo Happy Books. Esa es la última posibilidad de salvación (que no todos tienen claro!!).
Si no es así, y los libros no tienen la suerte de ser escogidos y comprados por un lector compasivo, son finalmente condenados, y enviados a la GUILLOTINA. Solo esta visión puede llegar a ser dantesca.
¿Cómo y por qué se puede llegar a destruir un libro con todo el conocimiento que posee? ¿Cómo se puede desintegrar algo que posee cultura, que es cultura en sí mismo?
Me imagino ya la cinta de transporte que, irremisiblemente, conduce a millares de libros hacia la hoja afilada de la guillotina que impasiblemente convertirá todas sus hojas en tiras de papel escrito sin sentido que más tarde formarán parte de una bala enorme de papel incomprensible. ¿Hay algo que se pueda considerar peor para un libro? ¿Es este el infierno de los libros que se han portado mal, perdón, que se han vendido mal?
¿No existe ninguna fórmula para que esos libros que no se venden puedan pasar a algún circuito de ayuda humanitaria, de ayuda a las clases más pobres en cada país? No podemos olvidar que un libro es cultura y educación para el futuro. ¿No hay ninguna forma de proteger a esos libros de la barbarie final? A mí, personalmente, se me hace muy difícil pensar en la destrucción de los libros, de permitir que la Inquisición de nuestros días, que no es más que la económica, pueda decidir que libros deben existir y cuales han de desaparecer.
Hace años vi como se vendían libros a peso, e incluso me han informado de que se venden también libros por metros, con un carácter meramente decorativo. Y pensé entonces que era de las peores cosas que le podía pasar a un libro. Pero he de confirmar que esto es peor.
Queda así patente que las leyes del Capitalismo y del Consumismo han invadido totalmente el campo de la creación y de la cultura. No hay nada, cosa totalmente evidente, que se escape a sus pestilentes tentáculos. El libro es considerado en nuestra sociedad superior como un bien de consumo, de ocio, por tanto si funciona perfecto y si no, es cuestión de quitárselo de encima. El Consumismo no ha respetado ni a la cultura, pero bueno, esto ya era algo de esperar, ya que tampoco respeta a las personas.
Parece que las leyes que afectan a la publicación editorial tampoco ayudan demasiado a salvar esta situación. En España cuando se pone precio a un libro se ha de vender obligatoriamente a ese precio, y solo se le puede aplicar un descuento de hasta el 5%, que es el que ofrecen las grandes superficies y grandes librerías. Este hecho, como es obvio, no permite el libre juego de la oferta y la demanda, fenómeno que podría abaratar el precio de los libros que a su vez seguramente permitiría que se vendieran más ejemplares (y se destruyeran menos).
Por otra parte, en algunos países el almacenaje de libros comporta una carga tributaria para la editorial, elemento que incentiva aún más a éstas a deshacerse de los ejemplares con menos capacidad de venta.
Dicen que el número de libros editados en un país es un índice de su desarrollo cultural, pero ¿alguien se ha detenido a contabilizar también el numero de libros que destruimos, o lo que es lo mismo, el número real de libros que se venden? Posiblemente el número de libros que se editan en un país solo nos informe de la cantidad de intelectuales y de escritores que pueden publicar su obra. Es así muy fácil generalizar y simplificarlo todo para conseguir los datos que buscamos.
Por último, ¿alguien se ha parado a pensar en los árboles que se talan indiscriminadamente para conseguir las hojas blancas de papel en las que se imprimen los textos de los libros? ¿Se podría contabilizar que porcentaje de árboles talados se “guillotinan” más tarde por falta de venta?
Quien sabe si en el futuro algunos de estos problemas se podrán solucionar gracias a la  informática y la utilización de soportes para la e-lectura, evitando publicar, así, todos los libros en papel, aunque seguramente si este proceso fuese gratuito como lo es en la actualidad (a través de internet!!), las editoriales lo criticarán, justamente además, ya que sus ingresos se verán afectados por ello..
Para variar parece que la cultura y los libros también pueden entrar en contradicción y perjudicar al mundo en que vivimos y que el sistema comercial que existe hoy en día, no es, ni mucho menos, el mejor posible.
Como mínimo me alegra saber que los hombres no son los únicos que contaminan y destruyen el medio ambiente, sino que los egoístas y perjudiciales libros, y algunos sin motivo alguno, también son culpables de la continua devastación del planeta.

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Escrito por Jorge Pisa Sánchez.

Publicado originalmente en Magazine Diario Siglo XXI.

Crítica teatral: Fashion.Feeling.Music

Fashion.Feeling.Music es una obra difícil de calificar y sobretodo difícil de etiquetar. Lo que nos presenta el espectáculo es una visión de la actualidad, de la modernidad (incluso de la posmodernidad) a través de una serie de sketches que nos diseccionan el comportamiento de los hombres y de las mujeres en la era y la sociedad actual. Unos hombres y unas mujeres presionados, influenciados e incluso atormentados por situaciones tan corrientes y actuales como el éxito profesional, las drogas, el sexo, la insatisfacción, los sentimientos o el fracaso.

Es así que la obra no se presenta con un hilo argumental lineal, con un inicio, un argumento y un desenlace, sino que se organiza como una suma de sketches o historias más pequeñas que se irán sucediendo, a veces incluso abalanzándose, una detrás de otra. Es a través de estas mini-historias que iremos conociendo cada una de las situaciones que no se apartan demasiado de lo que, seguro, rodea a cada uno de los espectadores en su vida cotidiana: El precio del éxito en el mundo de la música (como en cualquier otra faceta laboral); Las terribles consecuencias que puede comportar al individuo y a su ambiente familiar la adicción a las drogas; los problemas de satisfacción y el propio reconocimiento sexual; la pesada carga sentimental que arrastramos a lo largo de la vida; el drama vital y existencial que puede unir los destinos de un paralítico y una prostituta; la incomprensión; la incomunicación; la inmensa e irracional influencia de la televisión, de las marcas y del mundo del marketing en la vida de las personas de a pie…

Es así que la obra de una forma fresca, joven y, gamberra, como ellos mismos se autoconsideran, avanza no tanto centrándose en un texto (aunque también existe) sino en la fuerza de las imágenes y de las situaciones. El público tampoco necesita mucho más ya que las diversas historias presentadas son fácilmente reconocibles y asumidas por el espectador, que en parte se puede reconocer en lo que pasa en el escenario y puede, y lo hace, acabar de matizar los aspectos que no han quedado fijados.

Las historias o sketches se adaptan de esta forma a la perfección a lo que la televisión y la cultura de masas ofrece al público en general: historias cortas que no obliguen al receptor, al hombre o a la mujer de ahora, a memorizar o prestar demasiada atención (nunca más de 10 minutos entre sketch y sketch), hecho que convierte a la obra de forma perfecta en un producto totalmente adaptado a la actualidad y a la modernidad.

Las actuaciones siguen también este modelo. Marc Barbena, Roger Cantos, Adriana Feito, David Masqueda, Alex Mitjà, Marina Mulet y Brisa Ronda interpretan a diferentes personajes en cada una de las historias. Podríamos decir que se metamorfosean encima del escenario, adaptando sus interpretaciones, sus voces, y sus actitudes a cada una de las historias que poco a poco avanzan a través del tiempo escénico.

A destacar la escena del programa de televisión al estilo “El Diario de Patricia” donde de una forma cómica al mismo tiempo que dramática, se nos muestra la dureza de los tiempos en que vivimos y de cómo el espectáculo y las audiencias marcan el paso no tan solo de los programadores televisivos sino también de la vida de algunas personas.

Otro aspecto a destacar es la interacción con la trama teatral de las pantallas y de diversas escenas de video en diferentes momentos de la obra, en las cuales aparecen algunos rostros conocidos afianzando la configuración de la obra. Pantallas, que por otra parte, se convierten en la única escenografía presente encima del escenario.

A tener en cuenta, también, en el caso de Fashion.Feeling.Music, la extensión del escenario a otros lugares del teatro, principalmente el patio de butacas, hecho que acerca y nivela la interpretación de los actores en relación con el público. Aún así se recomienda no escoger las primeras filas de asientos, ya que si no la visualización del conjunto puede salir perjudicada.

Fashion.Feeling.Music
no aporta más de lo que puede aportar (y eso es mucho!!!). Una obra sin complejos que nos habla del hoy, de nosotros y de la sociedad en que vivimos, y de los derroteros por los que parece que todo ello está, cada día más, condenado a dirigirse. Una ocasión perfecta para divertirse y disfrutar con la propuesta teatral y para poder reflexionar, en su debido momento, sobre qué somos ahora y hacia donde nos dirigimos.

«Fashion.Feeling.Music» se representa en la Sala Muntaner del 27 de mayo al 1 de agosto de 2010.

Dirección: Ivan Labanda
Autores: Lluís Hansen y Josep Mª Mestres
Intérpretes: Roger Cantos, Marc Barbena, Brisa Ronda, Adriana Feito, Marina Mulet, Âlex Mitjà i David Maqueda
Escenografía: Mònica Gálvez
Vestuario: Ariadna Pons
Iluminación: Ganecha Gil
Diseño de sonido: Òscar Villar
Video: Marc Barbena
Producción: Narinanti y Perricierdo

Horarios: De miércoles a sábado a las 22:45 horas y domingos a las 20:30 horas.
Precio: miércoles y jueves 14 €; viernes, sábado y domingo 16 €.

Duración del espectáculo:
75 minutos

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Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en http://www.indienauta.com