Estreno cinematográfico: La redada, de Roselyne Bosch

El próximo 13 de enero llega a las pantallas de nuestro país La redada, una película basada en hechos reales ambientada en la Segunda Guerra Mundial, un drama dirigido por Roselyne Bosch y protagonizado por Jean Reno, Mélanie Laurent y Gad Elmaleh.

Fotograma de la película

En el París ocupado por los nazis Joseph, un niño de once años, es obligado a acudir al colegio con una estrella de David cosida al pecho para mostrar su condición judía, una situación que el pequeño, igual que el resto de su comunidad, sobrelleva de la mejor manera. Sin embargo todo cambia la mañana del 16 de julio de 1942, cuando los gendarmes franceses irrumpen en las casas judías para llevárselos al Velódromo de Invierno, convertido en un improvisado campo de detención en el que se confinarán más de 13.000 judíos como paso previo a su posterior deportación a Auschwitz.

Dirigida por Roselyne Bosch (Animal), La redada narra la lucha real del pueblo judío por sobrevivir en la Francia tomada por los nazis, un film que se afianzó en el puesto número uno de la taquilla francesa cuando se estrenó (marzo del 2010), y que cuenta con un extenso reparto encabezado por Jean Reno (El imperio de los lobos) y Mélanie Laurent (Malditos Bastardos), a quienes acompañan Gad Elmaleh (Midnight in Paris), Raphaëlle Agoghé (Modern Love), Rebecca Marder (Lost in Love) y el pequeño Hugo Leverdez, entre otros.

La redada se estrenará en nuestros cines el 13 de enero de 2012.

Título: La redada
Título original: La Rafle
Género: Drama Histórico
Nacionalidad: Francia, Alemania
Año: 2010
Duración: 115 minutos
Director: Roselyne Bosch
Guión: Roselyne Bosch
Intérpretes: Jean Reno, Mélanie Laurent, Gad Elmaleh, Raphaëlle Agoghé, Hugo Leverdez, Rebecca Marder, Joseph Weismann, Oliver Cywie, Mathieu Di Concerto, Romain Di Concerto, Sylvie Testud, Anne Brochet, Roland Copé, Jean-Michel Noirey, Adèle Exarchopoulos, Catherine Allégret, Thierry Frémont, Jean Pierre Lorit, Isabelle Gélinas

Novedad editorial: Bruce Springsteen en España, de Mar Cortés y Jordi Bianciotto

El próximo mes de mayo Bruce Springsteen volverá a actuar en nuestro país, una tradición que lleva décadas repitiéndose en cada gira que el músico estadounidense realiza, para regocijo de sus fans incondicionales, los mismos que no dudan en hacer horas y horas de paciente cola para conseguir una entrada –mucho más que un simple trozo de papel: un divino tesoro– para asistir a uno de sus conciertos. Pero aún estamos en enero, así que, para empezar a calentar motores, sus más fervientes seguidores pueden hacerse con el libro Bruce Springsteen en España (editorial Quarentena), un repaso de todas las visitas que el Boss ha hecho a este país, una compilación realizada a cuatro manos entre Mar Cortés y Jordi Bianciotto que intenta explicar la fascinación mutua entre Springsteen y sus seguidores españoles.

Bruce Springsteen en uno de sus conciertos

El idilio se remonta a un lejano 21 de abril de 1981. España intentaba recuperar el tiempo perdido en aquellos cuarenta grises años, no solo en el aspecto político –la democracia daba sus primeros pasos, titubeante, con algún amago de desmoronarse ante la presión de algunos nostálgicos–: la juventud también quería abrazar unos ritmos que hasta entonces se consideraban poco menos que satánicos. Así en esa convulsa sociedad actuó un joven de Nueva Jersey, acompañado por su inseparable E Street Band, que muy pronto se puso al público en el bolsillo con su Rock and Roll, en un concierto celebrado en el Palacio Municipal de los Deportes de Barcelona.

Después de esa actuación han venido muchas más, y todas ellas quedan documentadas en este libro, un volumen, imprescindible para todo fan que se precie de serlo, que repasa cada uno de los conciertos que el Boss ha realizado en nuestro país desde ese 1981 hasta la reciente gira de Working on a Dream (2009). En Bruce Springsteen en España el seguidor del rocker encontrará crónicas de los conciertos, recortes de prensa, documentación inédita relacionada con su figura, entrevistas a las personas que fueron decisivas para lograr que actuara en nuestro país –el publicista de CBS Adrian Vogel o Salvador Trepat, todo un experto en cualquier aspecto relacionado con el músico–, un extenso capítulo con los artículos publicados sobre él en España desde 1973 a 1981, y todo ello aderezado por más de cien fotografías, tanto de fans como de algunos de los más prestigiosos fotógrafos musicales.

Prologado por el director de cine Manuel Huerga –para quien el Boss “es una estrella típicamente americana que se moja cuando hay que mojarse, lo que le convierte en una estrella americana muy poco típica”–, Bruce Springsteen en España es la segunda ocasión en que Cortés y Bianciotto ahondan en la relación de Bruce Springsteen con sus seguidores peninsulares: si bien el anterior libro (El fenomen Springsteen, de la editorial Ara Llibres) se centraba exclusivamente en los testimonios de sus fans catalanes, el volumen publicado el mes de noviembre de 2011 amplía sus miras a todos los incondicionales españoles.

Título: Bruce Springsteen en España
Autores: Mar Cortés y Jordi Bianciotto
Editorial: Quarentena
Páginas: 264 páginas
Fecha de publicación: Noviembre 2011
ISBN: 9788415191087
Precio: 35,00 €

Estrena teatral: Yo, sola, a la sala PORTA4

 

 

La sala PORTA4 estrena Yo, sola, un original monòleg interpretat per Verónica Pallini en què l’actriu ironitza sobre uns temes tan seriosos com són la solitud i les relacions de parella a partir d’algunes històries biogràfiques i d’altres inventades, uns textos que ens ofereixen casos estereotipats per tal de realitzar un divertit exercici terapèutic.

Verónica Pallini, en un moment de la funció

A Yo, sola l’actriu Verónica Pallini, qui des del primer instant assumeix amb naturalitat el seu estat civil, es planteja sotmetre’s a una experiència terapèutica, l’anomenada Teràpia Disney, en què s’utilitzen els clàssics contes infantils que han deixat més empremta en tots nosaltres per ironitzar sobre uns personatges femenins –com poden ser Wendy Pan, Blancaneus o la seva terrible Madrastra– que esdevenen un model de dona que, en ple segle XXI, sembla ja superat: una dona fràgil que viu amb l’esperança de trobar algun dia un príncep blau amb qui compartir la vida.

Resultat d’un treball de recerca realitzat per l’equip de PORTA4, Yo, sola és una biografia escènica que exposa un drama tan actual com és la dificultat de trobar algú amb qui deixar d’estar sols, un divertit monòleg terapèutic que interpreta Verónica Pallini, una actriu amb un currículum gens habitual (és Doctora en Antropologia Social i Cultural, especialitzada en Antropologia del Fet Teatral per la Universitat de Barcelona) que també dirigeix PORTA4, un nou centre artístic-cultural de Barcelona nascut amb la intenció de crear propostes de petit format i de qualitat, ja siguin espectacles propis o de noves companyies que no troben un lloc on mostrar les seves produccions. A més PORTA4 serveix també com a espai de formació, creació i investigació teatral a Barcelona, un lloc especialitzat en la preparació d’actors i la realització de produccions teatrals.

Yo, sola es representarà a la sala PORTA4 cada dissabte, del 14 de gener al 25 de febrer de 2012.

Performer/actriu: Verónica Pallini
Col·laboracions: Mon Costa, Montse Valentí, Tuni Montserrat i Gautam Rao
Idea original: Verónica Pallini
Textos i dramatúrgia: Fernanda Metilli, Patricia Suárez i Verónica Pallini
Realització audiovisual: Josep Maria Grifeu, Laia San Juan, Ignacio Rodó i Gerard Masalias
Disseny Gràfic: Andrea Cardinali
Producció: Porta 4
Assistència tècnica: Marc Muntañés
Direcció i posada en escena: Juan Urraco

Horaris: 14, 21 i 28 de gener (dissabte) a les 20:00 hores; i 4, 11, 18 i 25 de febrer (dissabte) a les 20:00 hores
Preu: 12 € (10 € amb reserva prèvia)
Idioma: castellà
Durada: Una hora i quinze minuts

Estreno teatral: La Vampira del Raval, en el Teatre del Raval.


El Teatre del Raval estrena un musical basado en la historia trágica y aterradora de Enriqueta Martí, la Vampira del Raval. Un espectáculo dirigido por Jaume Villanueva, con música de Albert Guinovart e interpretado por Pep Cruz, Roser Batalla, Roger Pera y Mingo Ràfols.

Ambientada en la Barcelona del año 1912, La vampira del Raval relata -en clave de musical burlesque tragicómico- la tenebrosa vida de Enriqueta Martí, personaje real que secuestraba, prostituía y sacrificaba a niños y niñas del barrio del Raval con objeto de satisfacer las necesidades eróticas y terapéuticas de la buena sociedad barcelonesa. El secuestro de la niña Teresita Guitart será el punto de partida del final de la Vampira y de sus actividades siniestras.

Enriqueta Martí generó, desde siempre, un gran interés. Desde que su historia siniestra saltó por primera vez a las primeras páginas de los periódicos, la tinta se agotaba propagando su mala sangre. La notoriedad de Enriqueta Martí sólo pudo apaciguarla el hundimiento del Titanic.

No obstante el recuerdo de ‘La Vampira‘ todavía perdura en la memoria de los barceloneses y de los incondicionales del crimen en general. Todo el mundo la conoce, a Enriqueta Martí; su fama es universal. En los últimos años, ‘La Vampira’ ha aparecido en una gran cantidad de publicaciones de prestigio, noticias en blogs y periódicos, televisiones, etc. que han contribuido a propagar la notoriedad del personaje. Incluso se prepara el rodaje de una película y una serie televisiva a propósito de la terrible historia de Enriqueta Martí.

El Teatre del Raval es el escenario paradigmático para volver a la vida a ‘La Vampira’ que lleva su nombre, justo cuando se cumplirán 100 años de su detención y muerte. Escenificar la historia en el mismo centro neurálgico donde se desarrolla la acción del melodrama es una posibilidad que no se puede obviar con facilidad porque resulta fascinante y única, aunque la coincidencia sea espantosa.

Esperamos que el público se sienta atraído a conocer la truculenta trayectoria de Enriqueta Martí a través de un musical, realizado por profesionales de reconocido prestigio y popularidad.

La Vampira del Raval” se representa en el Teatre del Raval desde el 16 de diciembre de 2011.

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Autor: Josep Arias Velasco
Música: Albert Guinovart
Dirección: Jaume Villanueva
Dirección Musical: Andreu Gallen
Reparto: Pep Cruz, Roser Batalla, Roger Pera, Jordi Coromina, Valentina Raposo y Mingo Ràfols
Música: Andreu Gallen, Victor Perez, Victor Mirallas y Francisco Mestre
Escenografía: Ramon de los Heros
Iluminación: Carles Valero
Marionetas: Anita Maravillas
Coreografía: Edgar Àvila
Vestuario y caracterización: Maria Araujo
Compañía: Octubre Teatral

Horarios: jueves y viernes a las 20:30 horas_; sábado a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: de 17 a 28 €.
Idioma: catalán
Duración de la obra: 120 minutos.

Crítica cinematográfica: Eva, de Kike Maíllo.


Como todos sabemos, es difícil ver en la cartelera española películas que no sean de producción estadounidense, nacionalidad ésta que acapara un gran porcentaje de las cuotas de pantalla cinematográfica. Y es mucho más difícil, aún, ver una película de producción catalana, y más si ésta es de ciencia-ficción, y de ciencia-ficción de la buena.

La excepción que confirma la regla la representó el estreno el 28 de octubre del 2011 de la película Eva, primer largometraje dirigido por Kike Maíllo, producido por Escándalo Films en colaboración con ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya) e interpretada por Daniel Brühl, Claudia Vega, Marta Etura, Alberto Ammann y Lluís Homar.

Eva nos traslada al pasado, sí, como lo leen, a lo que parece un pasado futurista y ucrónico (o a un futuro año 2041 ambientado visualmente en un pasado setentero), en el que la informática, la robótica y las nuevas tecnologías están más avanzadas que en la actualidad y permiten construir robots altamente perfeccionados y con apariencia humana. Uno de estos proyectos, desarrollado en la Facultad de Robótica de Santa Irene, pretende crear un robot-niño con un innovador software emotivo que le permita desarrollar plenamente sus emociones, para lo que es contratado Alex Garel (Daniel Brühl), un reputado ingeniero cibernético, que regresa a la institución después de varios años de ausencia. Y de un primer intento fallido.

El regreso de Alex volverá a ponerlo en contacto con el pasado que abandonó, con su hermano David (Alberto Ammann); con Lana (Marta Etura), antigua compañera de estudios con la que mantuvo una relación amorosa, y con el laboratorio familiar donde había trabajado su padre. Su trabajo de creatividad informática emotiva se verá alterado al conocer a Eva, la hija de Lana y David, con la que comenzará a trabajar en su modelo de ingeniería emocional. Una colaboración “familiar” que volverá a reabrir las heridas sentimentales abiertas en el pasado.

Eva nos propone un debate cinematográfico sobre los sentimientos y las emociones, sobre aquéllos que se quieren desarrollar en las máquinas y sobre los nuestros propios, los humanos, que presiden y conducen nuestras vidas. Un debate sugerente materializado en una película interesante y cautivadora en muchos aspectos.

¿Cuál es la naturaleza de los sentimientos? ¿Es seguro implantar emociones en nuestras máquinas? ¿Sabemos conducir nuestros propios sentimientos? Alex intentará crear un modelo de ingeniería emocional basándose en sus propias emociones y en las de Eva, aun sin saber controlar las suyas propias. ¿Alguien sabe controlar sus emociones? ¿Podemos implantar y desarrollar algo que no hemos llegado a gobernar en nosotros mismos? Como ven hablamos de ciencia-ficción emotiva aunque, como dijo alguien en algún momento, las películas de ciencia-ficción no hablan del futuro, sino del presente, de nosotros mismos.

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Para ello la historia se desarrolla en un ambiente vacío, nevado, gélido, en el que el color blanco y su contraste, los tonos oscuros, dominan la película. A lo que se suma una visión setentero-futurista que sorprende (y agrada) al espectador. Todo un alarde de creatividad fílmica bien entendida.

Una atmosfera gélida que contrasta, también, con las emociones con las que trabaja Alex y con las emociones que se desatan en torno a él y que afectarán a su familia, a su hermano; a Lana, su antigua novia y a la hija de ésta. Un ambiente emocional que dificultará el trabajo de Alex y que hará que se reencuentre con su vida anterior, la cual iremos conociendo, también, a medida que avanza el film.

En la película un elemento muy destacado es la presencia de los efectos especiales que, aunque no sean omnipresentes tienen, sin embargo, un importante papel. Es agradable ver como buenos (perdón, buenísimos) efectos especiales también se pueden crear y desarrollar fuera del mercado americano. Las escenas de creación del software son sensacionales y los prototipos robóticos muy buenos. En este aspecto cabe destacar la interpretación de Lluis Homar, que nos sorprende como androide doméstico y nos deja otra muestra de su dominio interpretativo.

En Eva son pocos los personajes principales si bien realizan un estupendo trabajo interpretativo que hace creíble la historia. Daniel Brühl, el intérprete principal, encarna a Alex, un joven y prestigioso investigador reconocido que regresa al ambiente y a las emociones que dejó atrás. Marta Etura da vida a la antigua compañera sentimental de Alex que al ser abandonada rehízo su vida con su hermano David, interpretado por Alberto Ammann; Claudia Vega nos propone una buena y primeriza interpretación en la que reina la frescura y la inmediatez, y que nos irá desgranando toda una serie de enigmas a los que tendremos que estar atentos.

Como les decía antes, Eva nos permite reflexionar sobre el futuro, la tecnología, aquella que tiene que ver con los humanos y sobre nuestras propias emociones, que queramos o no, nos imponen muchas veces la hoja de ruta que nos vemos obligados a seguir. Así, pues, siendo nuestras emociones las causantes de algunos de los mayores logros de la humanidad, pero también el origen de algunas de las catástrofes más estremecedoras de la historia ¿es positivo incorporarlas a nuestras máquinas? Eva nos proporciona argumentos para reflexionar sobre el asunto y para disfrutar de una buena historia ambientada, no se olviden, en un pasado futurista, muy parecido al futuro que los avances en la tecnología nos depara y lo más importante, desde una perspectiva catalana. Toda una joya para aquellos a los que les guste ver buen cine y para los que disfruten de un buen debate post-visionado.

A la espera de que el próximo 10 de enero se hagan públicos los finalistas a los premios Goya de este año, hoy hemos conocido las nominaciones de los Premios Gaudí 2012 concedidos por la Acadèmia del Cinema Català, que incluyen 16 nominaciones para la película Eva que comprenden las categorías de mejor película en lengua catalana, mejor director, mejor montaje, y mejor actor y actriz principal y secundarios. Una muestra del éxito y de la calidad de la película dirigida por Kike Maíllo y producida por Escándalo Films en colaboración con ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya).

Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Título: Eva
Dirección: Kike Maíllo
Reparto: Claudia Vega, Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann y Lluís Homar.
Guión: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca y Aintza Serra
Dirección de Fotografía: Arnau Valls Colomer
Diseño de Sonido: Oriol Tarragó
Sonido: Jordi Rossinyol
Supervisor Efectos Visuales: Lluís Castells y Javier García
Arte: Laia Colet
Vestuario: María Gil
Música original: Evgueni Galperine y  Sacha Galperine
Estreno en España: 28 de octubre de 2011
Distribuida en España por: Paramount Pictures

Estreno cinematográfico: Una boda de muerte, de Stephan Elliott

El próximo 5 de enero se estrena en las pantallas de nuestro país Una boda de muerte, la historia de unas nupcias que resultarán menos idílicas de lo que los ilusionados novios habían planificado, una comedia dirigida por Stephan Elliott y protagonizada por Xavier Samuel y Laura Brent

Fotograma de la película

David y Mia han tomado una decisión importante: casarse. Y lo harán en un pequeño pueblo del interior de Australia, lugar del que son originarios los padres de ella. Así David, un joven inglés, viaja hasta allí acompañado de sus tres amigos del alma, Luke, Tom y Graham, los cuatro dispuestos a que la ceremonia sea todo un éxito. Sin embargo el desmadre al que los padrinos someterán al novio en su despedida de soltero pondrá en peligro la celebración de la boda.

Dirigida por Stephan Elliott (Una familia con clase), Una boda de muerte muestra con humor los entresijos de una boda a la que acuden unos extraños invitados, una película que cuenta con Xavier Samuel (Anonymous) y Laura Brent (Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba) en los papeles principales, acompañados por Kris Marshall (Love Actually), Rebel Wilson (Small Apartments), Kevin Bishop (Irina Palm), Steve Le Marquand (Límite vertical) y Tim Draxl (A contracorriente), y que además significa el regreso a las pantallas cinematográficas de Olivia Newton-John (Grease).

Una boda de muerte se estrenará en nuestros cines el 5 de enero de 2012.

Título: Una boda de muerte
Título original: A few best men
Género: Comedia
Nacionalidad: Australia, Reino Unido
Año: 2011
Duración: 92 minutos
Director: Stephan Elliott
Guión: Dean Craig
Intérpretes: Olivia Newton-John, Xavier Samuel, Kris Marshall, Rebel Wilson, Laura Brent, Kevin Bishop, Steve Le Marquand, Tim Draxl, Margaux Harris, Matt Butcher, Geordie Robinson, Jonathan Biggins

Crítica literària: The Bluest Eye, de Toni Morrison.


Pecola
es una nena lletja de pell negre que li ha tocat la desgràcia de viure enmig d’una societat en que la bellesa queda limitada als humans de pell blanca i ulls clars. De ben petita ja serà rebutjada, depreciada, ignorada i utilitzada sense pietat per la seva comunitat i fins i tot per la seva família. La seva pròpia estima desapareix i aprèn a viure amb el maltractament psicològic i la soledat més profunda, tot un cocktail explosiu que suposa la destrucció de la infantesa d’una nena innocent.

The Bluest Eye, es un llibre de fons injust i cruel situat a Lorain, Ohio, en els anys 60. L’obra de l’escriptora Toni Morrison es una reflexió envers la estupidesa i superioritat permesa de la raça blanca al llarg de la historia de la humanitat, que ha fet tan de mal globalment però que alhora pot destruir al ser més fràgil i indefens d’un grup social, un infant. També obliga a reflexionar sobre la protecció d’aquells nens que viuen en societats marginals, de la necessitat d’una família o àmbit protector i amb un mínim d’estimació i/o acceptació per part del seu entorn. Morrison, escriptora, editora i defensora dels drets humans, evidencia que per el bon funcionament d’una societat es bàsic un procés positiu de la infantesa de les persones.

Una història que planteja infinits temes i debats sobre la marginació social i racial, la benevolència i la maldat de l’esser humà,la innocència dels infants, la pobresa, el poder i la fragilitat, les oportunitats perdudes i les frustracions, la prostitució, la bellesa, la família, els amics…en definitiva tot un llistat de tòpics típics malhauradament sempre presents.

Títol: The Bluest Eye
Autora: Toni Morrison
Editorial: Vintage International
Format: Tapa tova: 206 pàgines
Data de publicació: maig de 2007
Idioma: Anglès
ISBN-10: 0307278441
Preu: 8,05 € (Amazon Espanya)

Escrit per: Marilà Lucas Serra

Crítica literaria: La prisionera de Roma, de José Luis Corral.


Cada vez más los autores de novela histórica tienen que expandir su repertorio de épocas, personajes y contextos para hacer valer la originalidad y la creatividad en la elección y elaboración de sus obras. Queramos o no, ciertos momentos, trascendentes o no, de la historia han generado y generan un gran número de novelas, mientras que otros, considerados menos atractivos, se mantienen en la penumbra, iluminados tan solo por débiles soslayos de luz, aunque posean, a priori, tanta validez e interés como aquellos periodos y escenarios históricos más transitados por los escritores.

Si bien, de vez en cuando las mesas de novedades de las librerías nos muestran nuevos temas y, por tanto, nuevas posibilidades para realizar un viaje literario en el tiempo, en la historia, y nos ofrecen “billetes” de lectura con dirección a la Grecia Helenística, a la Roma imperial (aunque ambientada en otros momentos que no sean en los que gobernaron los emperadores de la dinastía Julio-Claudia) e incluso al periodo del Bajo Imperio, una época al parecer prohibida para muchos de los autores y de las editoriales (luce más un Julio-Claudio cualquiera que un Diocleciano, un Teodosio o un Mayoriano posteriores).

José Luis Corral

Por suerte las cosas cambian, aunque sea poco o poco, y la creatividad literaria desborda los itinerarios marcados por la tradición o el hábito. Un ejemplo de ello lo muestra la publicación de La prisionera de Roma, de José Luis Corral, editado por la editorial Planeta, una novela histórica ambientada a mediados del siglo III d.C. y que narra la vida y las ansias de poder de la reina Zenobia, la mujer que dirigió los designios de Palmira, una de las ciudades más importantes del Oriente romano y que pretendió construir un nuevo imperio independiente del romano y del de su gran enemigo, el imperio persa sasánida. Todo un soplo de aire fresco que permite revitalizar y ampliar la “base de datos” temática del género.

José Luis Corral nos traslada, como les decía, al Oriente romano, un territorio que aunque marcado por la dominación y el poder de Roma, posee un carácter exótico y oriental que lo acerca más al mundo medieval que no al propiamente romano que acostumbramos a hallar en otras novelas. El libro nos relata la vida de Zenobia, la reina más famosa de Palmira, la ciudad de las palmeras, y si me permiten, una de las soberanas más interesantes del Oriente mediterráneo después de la ilustre y famosa Cleopatra. La acción se sitúa, justamente, en los años conocidos como los de la Crisis del siglo III, en la que el poder romano parecía abocado al desastre debilitado por las constantes usurpaciones y conflictos políticos internos, por una crisis económica galopante (la historia siempre se repite), por la amenaza de los enemigos externos, principalmente bárbaros en la frontera del norte y persas en el limes oriental, y por la desestructuración interna, protagonizada por la escisión del conocido como Imperio galo y la independización del Oriente en manos de Palmira.

Corral nos transporta, así, a la ciudad caravanera y comercial de Palmira, que conoció su apogeo político a lo largo de los reinados de Odenato y su mujer Zenobia, y nos presenta a la bella e indomable reina que, tras la muerte de su marido heredó las riendas del poder. Asistiremos, pues, a la materialización de sus sueños de independencia tanto del poder romano como del persa y a la puesta en marcha de una fructífera política entre Oriente y Occidente. Si bien la osadía de Zenobia no será vista con buenos ojos desde Roma, que reclamará el dominio de sus posesiones en Oriente y luchará contra la soberana y contra su ciudad para recuperar su poderío en la zona.

Básicamente el libro se desarrolla entre estos parámetros: el Oriente antiguo, personificado en Palmira e invadido por el olor a las especias y la visión de las mercancías que llegaban del extremo Oriente y de la China, con el comercio de las cuales la ciudad se hizo rica y famosa. Aunque también seremos testigos de las intrigas políticas que la ambiciosa reina llevó a cabo para asegurar la autonomía de su ciudad situada entre los dos imperios más importantes del mundo antiguo. Es así que visitaremos la mágica y portentosa ciudad de Ctesifonte en la que los representantes de Palmira deberán negociar la paz con el Rey de reyes, seremos testigos de la conquista de Egipto por parte de las tropas palmirenas y nos veremos obligados a tener un ojo puesto en Roma, en la gran capital del mundo antiguo, que en su camino de recuperación política y con la llegada al poder de emperadores competentes como Aureliano, pretenderán recuperar su poderío en Oriente y escarmentar a la ciudad y a la reina que pretendió abandonar la égida romana.

Corral nos muestra a una Zenobia joven, hermosa (hermosísima) que anida en su corazón demasiados anhelos y sueños para su ciudad y para su descendencia. Una mujer decidida que llevó a su reino a un periodo de plenitud sin precedentes y que, según los historiadores, defendió el limes oriental romano en uno de los momentos más críticos de su existencia.

La última mirada a Palmira de la reina Zenobia, cuadro de Herbert Schmalz.

Si bien la publicación de La esclava de Roma es todo un acierto, algunos aspectos atenúan sus méritos. El principal de ellos es su extensión de 826 páginas. Sin duda un exceso que hace a la novela algo cansina y difícil de transportar. Es posiblemente un yerro del autor abarcar en la obra desde el mismo nacimiento de Zenobia hasta su cautiverio en Roma y su posterior liberación, de la que, por cierto, los historiadores no están tan seguros. Corral hubiera tenido que resumir o abreviar alguna parte de la historia para hacerla más abarcable “físicamente” al lector. Además en algunos momentos la historia deviene algo lenta, con lo que al sumiso lector le puede parecer que no avanza.

Corral, además, hace prevalecer a lo largo de la obra, y sobre todo en su parte final, los diálogos sobre las descripciones y contextualizaciones, con lo que la trama llega a desfallecer en algunos momentos, dejando al lector sin un espacio o ambiente en el que ubicarlas. Algo incomprensible estando situada la historia en una época y, sobre todo, en una región, el exótico Oriente, cuya fisicidad tendría que perfumar cada una de las páginas y las escenas del libro.

Por último el estilo de Corral nos deja claro muy pronto su dedicación como profesor de historia y su amplia experiencia en la difusión histórica, ya que su última novela, como otras escritas por él anteriormente, pecan, a veces, de una mayor voluntad de enseñar que de narrar. Si bien esto es algo positivo para aquellos de sus lectores que no conozcan demasiado bien la época en la cual se desarrolla la acción, puede afectar negativamente la lectura de aquellos que “controlan” algo más el asunto. Como no podía ser de otra forma, todo tiene elementos positivos y negativos.

Aún así, La prisionera de Roma es un buen ejemplo de la amplitud de miras y del profundo conocimiento que Corral posee sobre el tema y sobre la época, y su consagrado estilo a la hora de narrar un episodio que, aunque desconocido por muchos, constituyó un momento decisivo en la historia del Imperio romano. No sé si tengo la confianza necesaria con ustedes para solicitarles que opten esta vez por salirse de lo “conocido” por todos (al menos de aquellos habituados a leer novela histórica) y se entreguen a la lectura de una novela que, aunque extensa, tiene el atractivo y el encanto de hacernos viajar a uno de los momentos más interesantes de la historia de Roma y nos permite conocer a la reina Zenobia, un grandioso personaje histórico que tuvo el atrevimiento de enfrentarse a los dos imperios más colosales que haya conocido la humanidad y que durante algunos años convirtió a su ciudad, la comercial Palmira, en la base de un gran reino que intentó hacerles sobra.

Título: La prisionera de Roma
Autor: José Luis Corral
Editorial: Planeta
Colección: Autores Españoles e Iberoamericanos
Fecha de publicación: 10/05/2011
Páginas: 832
ISBN: 978-84-08-10203-8
Formato: 15 x 23 cm.
Encuadernación: Tapa dura con sobrecubierta
Precio: 22,90 €
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Estreno cinematográfico: Drive, de Nicolas Winding Refn

El próximo 28 de diciembre se estrena en las pantallas de nuestro país Drive, la historia de un talentoso piloto de coches, especialista en películas de acción, que se ve implicado en un asunto turbio, un film basado en una novela de James Sallis que dirige Nicolas Winding Refn y protagonizan Ryan Gosling, Carey Mulligan y Bryan Cranston.

Fotograma de la película

Driver es un especialista de cine que gana un dinero extra ofreciendo sus servicios a ladrones que precisen un vehículo para escapar de la policía. Su gran pasión es la velocidad hasta que conoce a Irene, una vecina cuyo marido se encuentra en prisión; la relación entre ambos se irá estrechando hasta que el hombre sale de la cárcel, momento en el que requerirá los servicios del conductor, y será entonces cuando la vida del joven empezará a complicarse sin remedio.

Nicolas Winding Refn (Bronson) fue galardonado con el premio al mejor director del pasado Festival de Cannes gracias a Drive, un film en el que convergen automovilismo y crimen organizado y que cuenta con un magnífico reparto, con Ryan Gosling (Crazy, Stupid, Love) y Carey Mulligan (Enseñanza de vida) en los papeles principales, y a quienes acompañan Bryan Cranston (Pequeña Miss Sunshine), Ron Perlman (Hellboy), Christina Hendricks (Mad Men), Oscar Isaac (Agora) y Albert Brooks (Un romance muy peligroso).

Drive se estrenará en nuestros cines el 28 de diciembre de 2011.

Título: Drive
Género: Thriller
Nacionalidad: USA
Año: 2011
Duración: 100 minutos
Director: Nicolas Winding Refn
Guión: Hossein Amini
Intérpretes: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Ron Perlman, Christina Hendricks, Oscar Isaac, Albert Brooks

Crítica cinematográfica: Un dios salvaje, de Roman Polanski

 

Un simple conflicto entre dos muchachos de Nueva York es el punto de partida de Un dios salvaje, la última película dirigida por Roman Polanski, una sátira sobre la hipocresía imperante entre la clase media (o media-alta) norteamericana que bien podría extenderse al resto de países occidentales.

Polanski presenta un film rodado con sencillez aparente, cuatro únicos personajes (los padres de los niños) encerrados en un piso para discutir cómo solucionar el conflicto entre sus hijos, una riña en la que el pequeño Lonstreet ha perdido dos dientes. Penelope y Michael Lonstreet deciden invitar a los Cowan para pactar qué castigo merece el agresor, y lo que empieza como una reunión afable y conciliadora en la que imperan la amabilidad y los buenos modales, poco a poco se transforma en una situación descontrolada, todos quieren imponer su punto de vista, poseedores de la verdad absoluta, y así, encerrados en un piso del que parece imposible escapar, comienza una acalorada discusión difícil de resolver.

Un dios salvaje es la adaptación cinematográfica de God of Carnage, la obra teatral de Yasmina Reza, y eso se nota en el film, ya que huye de las escenas en exteriores (solo las del principio y el final, rodadas en un parque neoyorkino) para centrar la acción en un único espacio: el salón de los Lonstreet, con apenas un par de fugas al baño o la cocina del apartamento, en el que esos cuatro personajes pretenden solventar la disputa infantil.

Sin embargo rodar en ese escenario claustrofóbico no afecta al buen ritmo de la historia ni es un problema para Polanski, ya que consigue captar la atención del espectador gracias a un brillante guión, un elaborado argumento que parte de la pelea entre los niños, pero que toma un cariz más violento a medida que los personajes abordan otros temas, como los buenos modales en la sociedad actual, la educación infantil, la solidaridad, la vida en pareja, … Esta cordialidad inicial entre los personajes deja paso a una cruenta lucha entre ellos: primero a dos bandos (Lonstreet contra Cowan), más tarde se producen alianzas inesperadas (hombres contra mujeres) para, finalmente, iniciar una descarnada guerra de todos contra todos, con diálogos encadenados de tal forma que generan un caos descontrolado y, en ocasiones, difícil de seguir para el espectador, réplicas crueles intercaladas con instantes divertidos que arrancan sonoras carcajadas del público sin que la tensión pueda afectarles.

Tan solo cuatro personajes aparecen en la película, interpretados por prestigiosos actores que realizan un trabajo extraordinario. El papel del cínico Allen Cowan recae en Christoph Waltz, un abogado impertinente y sin escrúpulos que vive permanentemente enganchado a su teléfono móvil, y que mantiene una postura despreocupada sobre la agresión. Kate Winslet es Nancy Cowan, una mujer sofisticada y en apariencia tolerante que, poco a poco, destapa su lado más despiadado gracias al alcohol. Jodie Foster interpreta a Penelope Longstreet, quien muestra una actitud de superioridad moral respecto a sus invitados. Finalmente encontramos a John C. Reilly como Michael Longstreet, probablemente el gran descubrimiento de este film, un hombre humilde con ganas de agradar a sus invitados en todo momento.

Un dios salvaje es una de las opciones cinematográficas más interesantes de estos días, su excelente guión y las magníficas interpretaciones de los cuatro actores la avalan, una película que demuestra cómo un grupo de adultos pueden comportarse de un modo más infantil que el de sus propios hijos.

Título: Un dios salvaje
Director: Roman Polanski
Intérpretes: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly
País: Alemania, Francia, Polonia
Año: 2011
Duración: 80 minutos

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Escrito por: Robert Martínez Colomé

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