Estreno teatral: Cicle Complicitats en Xarxa en el Teatre Tantarantana

El Teatre Tantarantana inicia la temporada 2010/2011 con la programación del 19 de agosto al 12 de septiembre de la primera edición del Ciclo Complicitats en Xarxa que viene a sellar la complicidad de las salas de pequeño formato de fuera de Cataluña:
– Teatre del Mar de Palma de Mallorca,
– Teatro de la Estación de Zaragoza,
– La Fundición de Sevilla y
– La Sala Guirigai de Santos de Maimona (Badajoz).

Complicitats en Xarxa es un ciclo que nace con la intención de seguir en futuras temporadas para convertirse en una ventana abierta al teatro que se esta realizando en el resto del estado Español. También significa la voluntad entre estos espacios de sumar sinergias que faciliten la circulación de los creadores entre ellos.

Artísticamente hablando en este primer ciclo presentamos una mirada contemporánea sobre dos de nuestros grandes poetas: Federico García Lorca y Miguel Hernández. Una visión desde el sur, Andalucía y Extremadura, un teatro poco visible en nuestra ciudad. Desde Baleares, El Teatre del Mar con su Camarada K nos permite descubrir la obra literaria delirante de Daniil Kharms, un autor ruso vanguardista, cuya vida fue marcada por su enfrentamiento al régimen estalinista. Finalmente Rafael Campos desde su Días sin nada, nos acerca a la vida de una mujer en las circunstancias extremas creadas por la guerra.

PROGRAMACIÓN:

Produccions del Mar (Islas Baleares)
CAMARADA K
Del 19 al 22 de agosto 2010

Autor / Dirección: Joan Carles Bellviure. A partir de textos de Daniil Kharms
Intérpretes: Sergi Baos, Margalida Grimalt y Joan Manel Vadell
Iluminación: Miquel Fullana
Diseño y realización de vestuario: Antònia Fuster
Construcción títere: Juliette Prillard
Construcción escenografía: Bernat Damians
Producción: Aina Salom

Horario: De jueves a sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precio: jueves 15 €; resto de días 18 €

Con el nombre de Camarada K, el autor y director Joan Carles Bellviure recrea algunos de los textos del autor ruso vanguardista Daniil Karhms (1905-1942), en un espectáculo que nos expone el contraste entre la dura vida del autor en la época estalinista y su delirante obra literaria.

El espectáculo se configura a partir de los diarios, la correspondencia, la producción literaria y la vida del autor ruso Daniïl Kharms marcada por la II Guerra Mundial, cuando la represión estalinista arremetió contra él y contra sus amistades.

Los textos muestran a Kharms como a un gran observador, asustado de la realidad monstruosa que le rodea. Sus miniaturas literarias son a menudo divertidas, pero siempre trágicas; narran escenas de la pobreza y la opresión a través de símbolos fantásticos y satíricos, y esto genera un mundo imprevisible y desordenado; con situaciones absurdas e inexplicables.

Daniil Kharms se incluye en la corriente del surrealismo y el absurdo. Autor sobre todo de poesía y relatos breves, sobrevivió gracias a la literatura infantil. Aun así acabaría sus días en un sanatorio, tachado de enemigo del pueblo, a los 37 años de edad. Sus escritos se salvaron de la desaparición gracias a sus amigos y familiares que los recogieron y publicaran años después.

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Tranvía Teatro – Compañía Titular del Teatro de la Estación (Aragón)
DÍAS SIN NADA
Del 26 al 29 de agosto 2010

Autor: Rafael Campos
Dirección: Santiago Meléndez
Intérpretes: Cristina Yáñez, Pilar Molinero y Santiago Meléndez
Composición musical: Miguel Ángel Remiro
Espacio escénico: Tranvía Teatro
Iluminación: Carlos Seral
Vestuario: José Carlos Marín
Maquillaje: Ana Bruned

Horario sesiones: De jueves a sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: jueves 15 €; resto de días 18 €.

Una mujer, acusada de crímenes de guerra, recibe la visita de la reportera de una revista médica. En el curso de la visita, enhebrados entre la conversación, la mujer evoca algunos episodios de su vida. A través de ellos, en el diálogo con la periodista, asistimos a una serie de episodios que indagan en asuntos como la vida de una persona en condiciones extremas: una guerra, por ejemplo.

La indagación en una peripecia humana es la manera de abordar desde la escena, a través de la ficción propuesta, una reflexión que arroje alguna nueva luz sobre las posibilidades del comportamiento humano en situaciones límite, cuando la línea regular de una vida se trunca por decisiones que toman otras personas.

Antes que el enésimo alegato contra la guerra, de facilísima redacción, propone la obra un intento de acercamiento a la vida, a la vida que a pesar de todo se empeña en serlo frente a todos los imposibles lógicos. A la vida que se atreve a dictar su propio código moral, en medio de la desolación, y que además trata de producirse dentro de esa precariedad con un mínimo de cordura.

Y el contraste y la quiebra, por último, entre la visión de ciertas cosas derivada del mundo exterior, del mundo normalizado, y la visión de las mismas cosas desde dentro del huracán. Imposible coincidir en la mirada.

El solipsismo de la mujer acusada de crímenes de guerra, originado por su situación, es vivido precisamente como una consecuencia natural y lógica de esta situación, pero no puede ser comprendido por la otra persona, la que asiste a la rememoración de unos hechos que por fuerza le resultan espeluznantes.

Nada que hacer, por tanto. El daño comenzó antes, en otra parte. ¿Pero nada que hacer? La responsabilidad de cada uno respecto de sus actos no termina ni en medio del Apocalipsis.

Esa es una de las ideas, la otra es el nihilismo de quien ha perdido ya toda relación con su propia humanidad, y trata de restaurarla inventando un camino que nunca será comprendido. Sabiendo, por cierto, que nunca será comprendido.

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Guirigai Teatro (Extremadura)
UN ENCUENTRO CON MIGUEL HERNÁNDEZ
Del 2 al 5 de septiembre 2010

Dramaturgia y dirección: Agustín Iglesias
Intérpretes: Magda García-Arenal, Pedro Luís Cortés y Raúl Rodríguez
Espacio escénico: Jean Helbing
Espacio plástico: Luís Pablo Gómez Vidales y Maite Álvarez
Iluminación: Jordi Alvarado
Música: Granados, Gershwin, Shostakovich, Nino Rota, John Cage y Penderecki
Creación y Producción: Guirigai Teatro

Horario: De jueves a sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precio: jueves 15 €; resto de días 18 €.

Un espacio escénico circular invita al espectador a un encuentro vital, a una experiencia única con la poesía de Miguel Hernández. A partir de una sugerente instalación plástica una actriz y dos actores desarrollan un universo de emociones compartidas. Un intenso trabajo actoral donde las voces dibujan poemas y los cuerpo rememoran instantes y ráfagas de una vida cuya sonoridad recobramos en un eterno retorno.

Cuarenta poemas para crear un espacio escénico diferente, para romper los moldes del juego teatral al uso, reviviendo otra ceremonia: la de un encuentro vital con el poeta. La poesía de Miguel Hernández es la de un luchador contra un destino ingrato, la de un inquieto provinciano que no se conforma con la mediocridad reinante, la de un entusiasta que se nutre con la euforia de una esperanzada República y la efervescencia de una revolución liberadora. También la de un derrotado que sufre la humillación de la cárcel hasta su muerte.

Amarga y frustrante muerte de un talentoso joven de 31 años.

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La Fundición de Sevilla
(Andalucía)
PERLIMPLÍN
Del 9 al 12 de septiembre 2010

Dramaturgia y dirección: Pedro Álvarez-Ossorio
Intérpretes: Juan Carlos Sánchez, Emilio Alonso, Carmen Troncoso, Ana G. Morales, Guillermo Weickert y Isa Ramírez
Escenografía: Vicente Palacios
Vestuario: Margarita Ruesga
Iluminación: Ada Bonadei
Coreografía: Guillermo Weickert
Diseño Musical: Isa Ramírez y Santi Martínez

Horario: De jueves a sábados a las 21:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: jueves 15 €; resto de días 18 €

El universo lorquiano se define por un palpable sistematismo: la poesía, el drama, la prosa se alimentan de obsesiones y claves estilísticas constantes. La variedad de formas y tonalidades nunca atenta contra esa unidad cuya cuestión central es la frustración. En ese mundo, Perlimplín viene a ser el rito de iniciación desde el amor a la muerte de una joven, todo deseo, y un adulto, todo espíritu, en un rito cargado de símbolos de acuerdo con su gusto por los elementos tradicionales. No olvidemos que Lorca utiliza frecuentemente símbolos, entre los que la muerte ocupa un lugar dominante. Nuestra propuesta, pues, quiere ser un rito cargado de símbolos y metáforas.

Perlimplín es un soltero ya mayor al que le apasionan los libros y tiene miedo a las mujeres. Vive con su fiel criada Marcolfa. La sirvienta, que se mueve entre los pucheros y controla toda la casa, por miedo a que su patrón muera dejándola sin casa ni empleo, urde un plan para que se case con una joven vecina. Aturdida ante la proposición, la chica ni lo acepta ni se rebela, pero su madre toma la decisión de emparentar a Belisa con el anciano. El enlace se celebra y llega la noche de bodas, que le sirve a Belisa para despertar al sexo, sin que su marido sea capaz de satisfacerla, porque a Perlimplín se le despierta el miedo. Para apagar sus fuertes deseos, y para que su esposa no se eche en los brazos de sus pretendientes, Perlimplín idea con la cizañera sirvienta una trama de engaños a lo Cyrano de Bergerac, que tendrá trágicas consecuencias pero que le servirá para que la chica se dé cuenta de su amor. Son testigos del drama dos invisibles duendes que constantemente persiguen a una rata.

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Publicado originalmente en http://www.indienauta.com

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Estrenos teatrales: Barcino’10, 4to Festival Romano de Barcelona

El Almeria Teatre prosigue hasta final de mes con la programación del Barcino’10, el Cuarto Festival Romano de Barcelona con la programación de tres espectáculos: Sopar per a dos (si pot ser!), Informe para una Academia y The Vinegar Dances.

Sopar per a dos (si pot ser!)
Juguete comicolírico en un acto
Zarzuela.

Música: Joan Rius
Letra: Narcís Campmany i Pahissa
Investigación, adaptación y dirección: Viviana Salisi y Artur Arrannz
Iluminación: Roger Egea
Vestuario: Dress Art, Sastreria teatral
Producción: Teatre Joventut de l’Hospitalet
Intérpretes:
Mª Teresa Vert, Marta Valero, Ferran Campabadal y Josep Jarque

Sopar per a dos (si pot ser!) es una adaptación de una zarzuela corta que tiene como título original Dorm!, que cuenta con un libreto divertidamente vodevilesco del prolífico libretista y comediógrafo Narcís Campmany i Pahissa (1837-1886) y una delicada música de un injustamente desconocido Joan Rius (1845-1915). Denominada como juguete cómicolírico por sus autores, fue estrenada en el antiguo Teatro Novedades de Barcelona en 1876. Se ha titulado Sopar per a dos (si pot ser!) para destacar su divertida condición de vodevil lírico en el que tres de sus cuatro personajes intentan infructuosamente durante toda la obra hacer una cena para dos.

Representaciones: Del 22 al 25 de julio de 2010.
Horarios: Del 22 al 24 de julio a las 21:00 horas; el día 25 de julio a las 19:00 horas

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Informe para una Academia, de
Franz Kafka
Teatro.

Intérprete: Xavier Capdet
Versión de: Santiago Sans
Dirección: Pep Molina

La criatura se presenta delante de los académico, que la han requerido en un acto solemne y protocolario para que les informe de su curiosa -¿ejemplar?- evolución: la que va de un pasado simiesco a su actual condición humana. Pero, ¿tiene verdaderamente un pasado simiesco, la criatura?, ¿había sido un simio? No lo recuerda lo bastante, aunque lo digan unos papeles. Y por otra parte, ¿qué dicen los papeles de su condición actual?, ¿es una condición humana? No lo acaba de ver claro, nuestro personaje, ya que tampoco tiene de los humanos una opinión demasiado buena. Esto le hace pensar que puede que sí, que su pasado no es humano, y por lo tanto- por que no? simiesco. De hecho, en su recuerdo hay una escena especialmente violenta, como una batida en la que recibió dos tiros, una en la mejilla y otro en el culo, que lo han marcado para siempre con dos grandes cicatrices. Un recuerdo anterior es imposible para él, ya que este recuerdo hubiera sido borrado con su condición simiesca.

Representaciones:
26 y 27 de julio de 2010.
Horario: 21:00 horas.

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The Vinegar Dances, Tribute to Edward Gorey.
Danza.

Creación y Dirección:
Víctor Alvaro
Creación y coreografía: Bealia Guerra
Canciones: Marta Robelló
Intérpretes: Xevi Casals, Numil Guerra, Òscar Martínez Gil, Ariadna Peya y Anna Rosell
Escenografía, vestuario e iluminación: Victor AlGo
Producción: Gataro

The Vinegar Dances
es un homenaje visual que utiliza la danza como lenguaje para rendir homenaje a Edward Gorey, un artista que crea un mundo con un imaginario muy personal, que es, al mismo tiempo, atractivo y universal. Su tratamiento de lo truculento y de las partes oscuras del alma humana lo proyectan como un creador capaz de conectar con un público muy extenso, más allá de fronteras y de lenguajes. Es un artista difícil de clasificar: ¿escritor que dibuja o ilustrador que escribe? En una librería sus libros se pueden encontrar en estanterías de viñetas gráficas y en la sección de surrealismo. ¿Hacía escritura infantil o para adultos? Él autoclasificaba su trabajo como la literatura del sinsentido.

Representaciones:
Del 29 de julio al 1de agosto de 2010.
Horario: 29, 30 y 31 de julio a las 21:00 horas y 1 de agosto a las 19:00 horas.

Celebración de La Verbena de las Lenguas en la antigua fábrica de Can Ricart

Linguamón-Casa de las Lenguas celebrará el próximo domingo 25 de julio la Verbena de las Lenguas, una fiesta de entrada libre, dirigida y presentada por Joan Ollé en la antigua fábrica de Can Ricart (Poblenou, Barcelona), futura sede de Linguamón-Casa de las Lenguas.

Bajo el lema Soy rico, hablo lenguas y en un escenario especialmente construido para la ocasión en Can Ricart, el World Youth Choir (WYC) encabezará una velada que también contará con la performance “300 lenguas a escena“, dirigida por Joan Ollé, en la cual se podrán escuchar muchas de las 300 lenguas que se hablan en Cataluña.

Durante la verbena se hará un llamamiento al intercambio lingüístico y cultural entre todos los asistentes, con la intención de hacer de la velada un espacio dinámico de intercambio cultural, participación y tolerancia. La verbena acabará con coca y cava para los asistentes.

El World Youth Choir es uno de los proyectos corales más significativos a escala global, no sólo por su singular formación y la alta calidad de sus apuestas artísticas, sino por ser un proyecto que promueve el diálogo intercultural con la construcción de puentes entre cantantes jóvenes de culturas muy diversas. El coro está formado por voces de diferentes culturas del mundo (de entre 17 y 26 años) y fue nombrado ‘Artista por la paz’ de la UNESCO como reconocimiento a la difusión de la paz internacional a través de la música, por eso se les considera una de las corales juveniles más importante del mundo.

El World Youth Choir cerrará su gira 2010 por España con este recital en Barcelona. Trabajará dos repertorios marcadamente contrastados: el del Maestro Rasmussen, basado en la música del norte de Europa del siglo XX y con compositores como Jennefelt, Nystedt y Sandström. Por su parte, Josep Vila trabajará un repertorio básicamente mediterráneo, que recoge piezas de la Península Ibérica, el norte de África y las Islas Baleares.

El coro también estrenará la obra Després, una pieza especialmente encargada al compositor y guitarrista Feliu Gasull para la gira 2010, con letra del poeta Enric Casasses.

Con la performance “300 lenguas a escena“, Linguamón-Casa de las Lenguas quiere poner el acento sobre el patrimonio lingüístico existente en la actualidad en Cataluña. El director de teatro Joan Ollé será el encargado de dirigir este recital multilingüe que quiere convertirse en un llamamiento al diálogo entre los pueblos, y en el cual participarán un centenar de personas procedentes de todo el mundo.

“La Verbena de las Lenguas” se celebrará el próximo domingo 25 de julio a las 19:00 horas en la Fábrica de can Ricart (C/ Marroc (Poblenou, entre c/ Bilbao i c/ Espronceda)

COMO LLEGAR:

Poblenou (L4) / Bac de Roda (L2).
7 / 40 / 42 / 71.
Línia T4 – Parada Fluvià

ENTRADA LLIURE

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En 2012, la sede definitiva de Linguamón – Casa de las Lenguas se ubicará en el barrio barcelonés de Poblenou, en el emergente distrito 22@, polo de atracción de empresas de innovación tecnológica, comunicación, investigación biomédica y energía.

Esta zona de la ciudad se encuentra inmersa en un intenso proceso de transformación y regeneración urbana. La concentración de empresas y centros de investigación y la creación de una nueva red de centros culturales convertirán este distrito de Barcelona en uno de los polos de actividad y desarrollo más importantes del Mediterráneo.

La Casa de las Lenguas ocupará los edificios de la antigua fábrica de Can Ricart: una de las primeras fábricas de estampación mecánica de tejidos de algodón en Cataluña y referente histórico de la industrialización en la ciudad condal.

La Casa de las Lenguas será un centro cultural único y singular, cuya actividad se centrará en la promoción, el uso y el desarrollo de las lenguas. Será un nuevo centro programador de actividades culturales para todos los públicos y una factoría de conocimiento y nuevos servicios dirigidos a una gran diversidad de profesionales que, cada vez más, solicitan formación especializada sobre la gestión de una sociedad diversa y más multilingüe.

Serán 7.000 m2 dedicados a las lenguas, en pleno distrito de la sociedad del conocimiento, y un nuevo motor cultural, conectado a las comunidades lingüísticas, el público en general, los especialistas y los organismos que trabajan por el multilingüismo y la promoción de los valores de la diversidad lingüística. El emplazamiento de la Casa de las Lenguas en el distrito tecnológico 22@ potenciará asimismo su papel como polo de innovación en torno a las nuevas tecnologías aplicadas a las lenguas.

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Publicado originalmente en http://www.indienauta.com

Crítica literaria: Barcelona ciudad, de José María Sanz, Loquillo

Barcelona ciudad es el título de una de las canciones emblemáticas dentro de la discografía de José María Sanz, Loquillo, y quizás por ello, el rocker del Clot la haya escogido para dar título a su segundo libro; de esta manera, Barcelona ciudad. Una crónica urbana de rock en tiempos revueltos recoge el testigo del que fuera su debut en el mundo literario, El chico de la bomba.

El autor no pretende engañar a nadie, y eso lo comprobamos ya desde la nota que precede al relato: “Ésta es una crónica personal, mi crónica, mi historia, la de mi adolescencia personal e intransferible“. Así, pues, Barcelona ciudad nos muestra al José María Sanz adolescente, aquel chico tímido, de fácil sonrojo, que encontraba en el cine su válvula de escape, y que con el tiempo se convirtió en uno de esos tipos duros que tanto admiraba cuando hacían su aparición en la gran pantalla.

Barcelona ciudad comienza en el año 1975, cuando José María Sanz tenía unos 15 años, y se alarga hasta el golpe de estado de 1981. La adolescencia es un período que a todos nos deja huella, y aquel muchacho del Clot no iba a ser la excepción: todo apuntaba hacia un magnífico futuro como jugador de baloncesto hasta que Buddy Holly primero y el rebelde James Dean después se cruzaron en su camino cambiando su destino, con ellos descubrió un nuevo estilo de vida que pronto asumió para, de esta manera, convertirse en la leyenda que es hoy día.

Las páginas de esta crónica nos sirven para comprobar que Loquillo es toda una enciclopedia cinematográfica, algo que ya intuíamos repasando con atención su extensa discografía: su pasión por el cine está presente en todo momento, películas como American Graffitti o Easy Rider fascinaron al muchacho, quien encontró en las salas de arte y ensayo un refugio ideal donde dar rienda suelta a su imaginación. Además, en Barcelona ciudad se nos presentan lugares que, más tarde, poblarían algunas de sus canciones; de esta manera, por ejemplo, conoceremos Marienbad, un refugio para los jóvenes del colegio Alpe.

Por supuesto, en un relato sobre su adolescencia no podían faltar aquellos amigos del barrio y sus primeros cómplices en el mundo del r’n’r: algunos son totalmente desconocidos para el gran público, como Jaime Bi, Juan Blasi, Dani Rojo o Caníbal; pero también podremos saber cómo estableció contacto con gente que, años más tarde, serían sobradamente conocidos, como Carlos Segarra, Sabino Méndez o Gay Mercader. Además, Loquillo utiliza estas páginas para ofrecer un merecido homenaje a dos personas muy importantes en su vida: sus padres, quienes sufrieron en primera persona las consecuencias de la derrota del 36, algo que los dejó marcados para el resto de sus vidas, y que, siempre temerosos, le recomendaban, infructuosamente, no meterse en líos.

Barcelona ciudad es una recopilación de historias y anécdotas con trasfondo de r’n’r, algunas algo rocambolescas. Uno llega a dudar de si son ciertas o forman parte de las “leyendas infundadas, patrañas juveniles” que Sanz anuncia en su nota de autor; sea como sea, lo cierto es que estas historias se non è vero, è ben trovato, o lo que es lo mismo, a Loquillo le sientan como un guante, y engrandecen aún más su personaje. Todas estas historias nos conducen al momento cumbre de Barcelona ciudad: la singular grabación del primer disco de Loquillo, quien aceptó esa grabación sin tener ni grupo ni repertorio alguno.

Barcelona ciudad tiene un estilo directo, cinematográfico, Sanz golpea desde las hojas de su libro utilizando frases cortas, para qué perderse en excesos prosaicos, consiguiendo atrapar desde la primera página al lector, quien devora cada una de sus páginas, quedándose con ganas de más r’n’r, una continuación que sin duda llegará.

En conclusión, Barcelona ciudad es un homenaje a un tiempo y a una ciudad, esa Barcelona canalla que ya no existe, oculta bajo unas capas de pintura de modernidad, pero es también una obra imprescindible para todo aquel rocker que se precie de serlo, por supuesto para todos los fieles de Loquillo, e incluso para aquellas personas que quieran tener una visión de una época algo convulsa en el país, los momentos finales y posteriores al franquismo, desde el punto de vista de un chico de barrio.
[Fundido en negro]

Título: Barcelona ciudad
Autor: José María Sanz, Loquillo
Editorial: Ediciones B
Páginas: 264
Precio: 18,00 €
ISBN: 9788466623520

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Robert Martínez Colomé

Nueva Publicación: Matar a un periodista. El peligroso oficio de informar

En septiembre de 2010 la editorial Los Libros del Lince publicará en España Matar a un periodista. El peligroso oficio de informar. El libro es fruto de cuatro años de intensa investigación de campo en los que Terry Gould visitó los países que, según estadísticas oficiales, más peligrosos resultan para el ejercicio de esta profesión (Filipinas, Rusia, Colombia, Irak y Bangladesh) y las ciudades natales de las víctimas, reconstruyendo sobre el terreno la vida y la muerte de siete periodistas que desafiaron al poder y a la corrupción. En su intento de entender las motivaciones que les llevaron a sacrificar sus vidas, Gould retrata su enorme valor y recuerda algunas de las historias que ellos no pudieron terminar de publicar.

No solo mueren periodistas en el fuego cruzado de las guerras. También mueren por informar, por denunciar la corrupción de los políticos, la delincuencia de las mafias, los abusos de los poderosos. El asesinato de Anna Politkovskaya fue noticia de portada en todo el mundo. Pero hay muchísimos más profesionales de la información que han sido víctimas de quienes quisieron hacerles callar para siempre.

Matar a un periodista. El peligroso oficio de informar reconstruye las historias de unos periodistas cuyo único crimen fue contar lo que sabían. Las historias de Politkovskaya y de otros seis periodistas de Colombia, Rusia, Filipinas, Bangladesh e Irak fueron investigadas donde ocurrieron durante cuatro años por Terry Gould, que en este libro las cuenta en un ejercicio excepcional de periodismo narrativo.

Terry Gould nació en 1949 en el barrio de Brooklyn, Nueva York. Hizo sus estudios de periodismo en Canadá y en 1984 publicó una colección de narraciones breves y se trasladó a Vancouver, donde inició una brillante carrera como periodista y donde aún reside. Sus libros y artículos han sido avalados con una cincuentena de premios internacionales. En 1999 publicó The Lifestyle. A Look at the Erotic Rites of Swingers, un ensayo antropológico en el que contextualiza el auge del intercambio de parejas entre los pilotos de la fuerza aérea de Estados Unidos y sus esposas durante la Segunda Guerra Mundial. Su segundo libro, Paper Fan. The Hunt for the Triad Gangster Steven Wong, le permitió demostrar que policías de seis países, dedicados supuestamente a perseguir a Wong, estaban en realidad conchabados con este delincuente internacional, líder de una mafia de origen chino.

«El libro de Gould nos recuerda que el periodismo puede ser un oficio bello y cargado de significado, que su capacidad de combatir la injusticia es enorme, y que en todo el mundo sigue habiendo periodistas dispuestos a dar sus vidas por contar la verdad.»
Joel Simon
Director ejecutivo del Comité para la Protección de los Periodistas

Título: Matar a un periodista. El peligroso oficio de informar
Autor: Terry Gould
Editorial: Los Libros del Lince
Colección: Sin fronteras.

Publicación: septiembre de 2010

* Premio Tara al Mejor Libro en Defensa de la Libertad de Expresión, 2009
(Asociación de la Prensa Canadiense)
* Premio al Mejor Libro de No Ficción, 2009
(Asociación Canadiense de Escritores de Novela Policíaca)

Crítica en CULTURALIA: https://cinelatura.wordpress.com/2010/12/28/critica-literaria-matar-a-un-periodista-el-peligroso-oficio-de-informar-de-terry-gould/

Estreno teatral: Salvem les balenes… i el meu matrimoni què?

El Versus Teatre estrena el próximo 5 de agosto Salvem les balenes… i el meu matrimoni què? La última comedia de la compañía Apunta Teatre inspirada en los grandes maestros del género como Dario Fo o Woody Allen que explora el universo de la pareja desde la ironía y la crítica cáustica.
¿La pareja está en vías de extinción? ¡”Salvamos laso ballenas!, ¡salvamos el planeta!, ¡salvamos los pronombres débiles…! Hoy todo se pierde, todo tiene que ser salvado. ¿Y qué pasa con los matrimonios? Cada vez hay más matrimonios que se pierden. Es cierto, los matrimonios, ahora mismo están en peligro de extinción. ¿Por qué nadie hace alguna cosa”?

Los protagonistas de esta historia (Lluís y Anna) son una pareja convencional. Se conocieron, se casaron y fueron a vivir en pareja… Pero no tuvieron hijos. Han pasado los años y ahora su matrimonio se tambalea. ¿El problema es no haber tenido hijos? O, dicho de otra manera: ¿tener un hijo será la solución?

Este planteamiento nos permite exponer el problema de la pervivencia del matrimonio convencional: el marido trabaja, la mujer está en casa, los dos se respetan y llevan una convivencia plácida y sin tropiezos. Todo está en su lugar y todo es como tiene que ser. Este mundo, aparentemente perfecto, crea una situación de apatía y desencanto en Anna que es el desencadenante de toda la trama.

Anna tendrá que buscar una solución. ¿Pero dónde? ¿Dentro de la pareja teniendo un hijo o fuera de la pareja teniendo un amante? Y aquí está donde se hace más actual que nunca la frase del Oscar Wilde: “Las cadenas del matrimonio son tan pesadas que para llevarlas hacen falta dos personas… y, a veces, tres.”

La compañía Apunta Teatre nace en abril del año 2003 con el nombre de Agraits de Aguantar-nos. Apuesta por la comedia y por un teatro que llegue al gran público.

“Salvem les balenes… i el meu matrimoni què?” se representará en el Versus Teatre del 5 al 29 de agosto de 2010.

Dramaturgia y dirección: Ivan Campillo
Intérpretes: Carme Contreras, Ramon Godino, Laura Sancho y Joan Sureda
Regiduría: Àngels Clos
Diseño de escenografía: Apunta Teatre SCCL
Diseño de iluminación: Roger Blasco
Vestuario: Apunta Teatre SCCL
Atrezzo: Apunta Teatre SCCL

Horarios: De jueves a sábado a las 21:00 horas y domingos a las 18:00 horas. Jueves 26 de agosto no hay función.
Precio: 16 €.

Espectáculo en catalán.

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Publicado originalmente en http://www.indienauta.com

Crítica Teatral: L’Expedient

Cuatro trabajadores afectados por un Expediente de regulación de trabajo se reúnen secretamente en una sala de almacén de la empresa para decidir que medidas han tomar para evitar su inminente despido. Las diferencias en los caracteres, las dudas y extraños descubrimientos llevarán la situación al límite laboral y de la comedia.
El Versus Teatre estrenó el pasado 6 de julio L’Expedient, una obra ambientada en la actual situación de crisis económica y “moral” que nos narra las vicisitudes de cuatro trabajadores a punto de ser despedidos por su empresa.

Aunque parezca que una situación de este tipo en los momentos en los que vivimos solo se puede abordar desde el punto de vista informativo y trágico, el Versus Teatre y Àngel Amazares nos proponen una obra que combina dos géneros, la comedia y el thriller. No todo está tan claro en los almacenes de la empresa de la cual se quiere despedir, por razones de racionalización y supervivencia industrial, a cuatro de sus trabajadores.

Los afectados por este ERO (Expedient de Regulació d’Ocupació), Daniel Valentín, Alba Florejachs, Eduard Gibert y Emili Corral deciden reunirse para tomar algunas decisiones importantes y poder mantener sus puestos de trabajo. Este será el inicio para que sobre el escenario se muestren a las claras las relaciones laborales que les unen a todos ellos; los cotilleos y la “envidias” que les vinculan laboralmente y las medidas que están dispuestos a llevar a cabo. Sin embargo el descubrimiento de que el jefe de la empresa está amordazado en los lavabos de la misma provocará un giro inesperado de la reunión, en las decisiones de los trabajadores y en el nivel de las carcajadas del público.

¿Qué ha pasado? ¿Quién ha amordazado al jefe? ¿Por qué lo ha hecho? Estas dudas son las que harán avanzar la trama de L’Expedient. Àngel Amazares ubica la obra en la cotidianeidad, en el día a día, en lo que vemos y leemos cada día en la televisión y en los periódicos. ¿Cómo afecta a los trabajadores un documento laboral trascendental en su futuro más inmediato?. ¿Qué podrían estar dispuestos a hacer para no sumar sus nombres a la lista de parados que tan minuciosamente nos recuerdan los medios mes a mes?.

Los personajes dibujados en L’Expedient son claros y concisos: Sam (Daniel Valentín) un trabajador con las ideas claras y activista al que le llaman el Bolchevique; Rat (Alba Florejachs) del departamento de oficina y demasiado obsesionada por el orden y la limpieza; Riki, un técnico que ha pasado ya de los 40 años pero que aún vive con su madre; y Jon (Emili Corral) un trabajador separado, seco, directo y amenazante, al que rechazaron durante el último mes de las pruebas para acceder a Mosso d’esquadra por incompatibilidades en su carácter. Algo más tarde se sumará al cotarro el hombre de la limpieza (Àngel Amazares), un limpiador esforzado e integrado en la sociedad catalana, como demostrarán sus avances en el conocimiento del idioma.

Una situación, pues, alarmante, aunque tratada con un alto grado de comedia y bien planteada y plasmada en el escenario. Las diferencias de carácter y en la forma de ver y de asimilar el despido crearán las primeras chispas de humor entre los personajes, que aumentarán con el avance de la trama y la radicalización de las posturas. El descubrimiento del amordazamiento del jefe y la llegada de un elemento externo en la persona del señor de la limpieza provocarán, sin embargo, un estallido de las carcajadas del público, que no finalizarán hasta el final de la obra y el descubrimiento del “per què de tot plegat”. Todo un acierto no tan solo para darle un punto de azúcar a la situación real de crisis que todos vivimos fuera del escenario sino también para alegrar un poco más la cartelera teatral barcelonesa, dominada durante este mes de julio y el próximo de agosto por la programación del festival Grec y por las altas temperaturas que sufre la ciudad por estas épocas.

Una buena oportunidad, sin duda alguna, para reír y disfrutar durante 1 hora y 15 minutos de una situación de comedia tensa aderezada por un ingrediente de trhiller cinematográfico y descubrir que es lo que en realidad está pasando en el almacén de una empresa cualquiera antes del despido de unos trabajadores cualquiera.

“L’Expedient” se representa en el Versus Teatre del 6 al 28 de julio de 2010.

Dirección, dramaturgia y espacio escénico: Àngel Amazares
Intérpretes: Daniel Valentín, Alba Florejachs, Eduard Gibert, Àngel Amazares, Emili Corral y Manel Solàs (voz en off)
Diseño de luces y sonido: Roger Blasco
Música original, Dirección y piano: Domènec Gonzàlez de la Rubia

Horarios: Martes y miércoles a las 21:00 horas.
Precio: 9 euros.

Duración del espectáculo: 1 hora y 15 minutos.

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Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en http://www.indienauta.com

Presentación disco: Deixa, de Araceli Aiguaviva

Araceli Aiguaviva presenta Deixa su tercer disco el próximo lunes 19 de julio en la Sala Luz de Gas, una obra que fusiona la Bossa Nova y el Jazz del Brasil más clásico.

Deixa tal vez es el trabajo más arriesgado de Araceli. Escoger algunas de las melodías más inspiradas de la época dorada de la Bossa Nova, respetar su esencia harmónica y melódica y trasladarlas al mundo del jazz y la improvisación, es un viaje difícil pero siempre alentador y saludable.

Con su cuarteto de jazz y algunos músicos brasileños invitados (Danilo Pinheiro, Paulinho Lemos y William Nunes), Araceli hace un repaso de su repertorio más querido, canciones que ya tenía en la memoria o que ha redescubierto. Tom Jobim, Carlos Lyra, Roberto Menescal, Badel Powell, etc. siempre serán los grandes autores de la Bossa Nova y a la vez grandes creadores de estándars de Jazz, como lo siguen siendo George Gershwin, Cole Porter o Victor Young.

La Bossa Nova tiene un encanto maravilloso a causa del mestizaje, el encuentro amoroso entre su madre, la música tradicional brasileña, y su padre, el armonioso jazz. En este disco, Deixa, el siempre presente acariciar de la madre Brasil se ve enaltecido por el sabio padre jazz. Los puntales creativos de la Bossa Nova: João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y otros, se ven potenciado por la armonía, el swing, el bebop y la voz jazzera de Araceli Aiguaviva.

Deixa nos invita a dar un paseo que no nos podemos perder por un Rio de Janeiro musical: brisa, forma, luz, olor y cadencia de la Bossa Nova, uno de los estilos musicales que ha tenido más influencia en la música del siglo XX.

El disco cuenta con la colaboración de los músicos:

Jaume Vilaseca: piano, teclados y arreglos
Ramon Díaz: batería
Josep Mª “Curro” Galvez: contrabajo y bajo eléctrico
Jeppe Rasmussen: saxos tenor y soprano
Danilo Pinheiro: voz, guitarra española y eléctrica
Paulinho Lemos: guitarra española y voz
William Nunes: percusión

“Deixa” se presentará el próximo lunes 19 de julio a las 21:30 en la Sala Luz de Gas (Muntaner, 246). El precio de la entrada es de 8 €. Entrada + cd 15 €.

Para más información: www.araceliaiguaviva.com

Crítica teatral: Danny i Roberta

El Versus Teatre mantiene en cartelera hasta el 1 de agosto Danny i Roberta, un auténtico drama social y existencial creado por Patrick Shanley, dirigida por David Pintó e interpretada por Xavi Álvarez i Anna Moliner.

Como mucha gente sabe, yo creo que casi todos, uno puede ir al teatro por diversos y variados motivos: para alegrarse y reír con una comedia; para sufrir y afligirse con un drama; para disfrutar con las diversas canciones de un musical; para apreciar las nuevas vías de experimentación del teatro independiente…

Cada espectador busca una cosa diferente en la obra que va a ver y, como no podría ser de otra forma, también obtiene algo diferente y personal. Danny i Roberta nos presenta una historia dura, casi podríamos decir que social (social por lo despiadada y real de la trama) que analiza la situación de dos personas marginadas por la sociedad, aunque seguramente y sobre todo marginadas por ellas mismas.

Danny y Roberta son dos personas anónimas y desconocidas que se encuentran en un triste y solitario bar. Cada uno arrastra una vida de fracasos, frustraciones y descontentos que los ha hecho ser tal como son: Roberta una madre joven que no soporta vivir con sus padres, a los que le ata una relación enfermiza y malsana. Danny es una persona violenta que resuelve los constantes problemas de su vida con los puños, lo que le ha llevado a ser temido por todo aquel que le conoce, a haber matado, seguramente, a un desconocido en una de sus constantes peleas y a convertirse en un cascajo de la sociedad.

Ambos torrentes de vida se hallan una noche, y este encuentro les permite conocerse y hablar el uno con el otro, algo que, seguro, no acostumbran a hacer. A través de las horas que pasarán juntos conoceremos cual es la vida de ambos y como han llegado a convertirse en ellos mismos.

Danny y Roberta demuestra, de nuevo, lo poco necesarios que son los grandes escenarios y atrezzos, las grandes composiciones musicales y las enormes construcciones teatrales cuando se tiene una interesante historia que contar. Danny y Roberta analiza a través de un texto firme y seguro, la realidad que podemos contemplar cada día en la calle, en nuestros trabajos e incluso en nuestras casas. El proceso a través del cual la vida transforma y afecta la vida de las personas, y como en su trayecto, algunas de estas se desvían y se pierden en caminos de violencia y de desintegración familiar, dando como resultado personas sin caminos a seguir, sin sueños, afectados de pleno por su vida consumida y consumible.

Como no podía ser de otra forma la historia nos es narrada también desde la dureza de un escenario casi vacío, el cual con unas pocas mesas o un triste camastro se convierte en un bar o en una sórdida habitación familiar. Xavi Álvarez y Anna Moliner encarnan a Danny y a Roberta, a sus sueños irreales que se mostraran irrealmente alcanzables durante una noche tan solo, una noche que ambos compartirán, una noche mágica para ellos donde se podrán mostrar el uno al otro tal y como son, sin escudos y sin defensas. Podrán ser ellos mismos y de esta forma mostrarán al público lo injusto e inmerecido de su situación, como seguro la de otros muchos que conocemos y vemos a diario.

El texto de Danny i Roberta está acorde con la dureza extrema de la historia que nos muestra. Una dureza textual que emerge de las bocas de los protagonistas a veces como cuchillos afilados y a veces, cuando pueden, como rosas algodonadas. Una violencia que lejos de ser informe y afísica, la podremos ver también sobre el escenario marcando en diversos momentos la relación entre los dos personajes.

Danny y Roberta se convierte en una oración, en casi una demanda de perdón y en una petición de una segunda oportunidad, una segunda oportunidad que nos merecemos todos, aunque muchas veces no nos es concedida. El público, sin embargo, tendrá que asistir al Versus Teatre para descubrir si la vida perdona o no a Danny y a Roberta.

“Danny i Roberta” se representa en el Versus Teatre del 1 de julio al 1 de agosto de 2010.

Intérpretes: Xavi Álvarez y Anna Moliner
Dirección y adaptación: David Pintó
Ayudante de dirección y apoyo producción: Ota Vallès
Caracterización: Joan Marín
Fotografías: Alba Lajarín
Compañía: Cia Zerega

Horarios: De jueves a sábado a las 21:00; horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: 16 €
Duración del espectáculo: 1 hora

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Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en http://www.indienauta.com

Crítica teatral: Educador social en Alaska

El pasado 27 de junio finalizaron en el Teatre Tantarantana las representaciones de la obra Educador social en Alaska, de Sera Sánchez y dirigida por Núria Inglada y Rafa Sánchez, un largo recorrido por los parajes más inhóspitos de la existencia humana.
Nada más y nada menos que los casos más tragi-cómicos que ha de atender e intentar solucionar en su día a día un educador social cualquiera. Con el inicio de la representación nos introducimos en el despacho/oficina virtual por el que Quique, el educador social, nos hará de anfritión. Asistimos y participamos en la inauguración del espacio/blog a través del cual iremos conociendo cual es el trabajo al que se enfrenta Quique cada día, y sobre todo quienes son los usuarios a los que parece que más que atender se enfrenta.

A través de un constante despliegue de sentido del humor e ironía Quique nos presenta las situaciones que apabullan a cualquier trabajador del dignísimo cuerpo de educadores sociales. El periplo es arduo y duro, ya que las situaciones que nos plantean no son las más felices: un hijo que no quiere trabajar, alumnos que no asisten al colegio por no tener beca de comedor, madres apuradas que se desnudan por la calles para enseñar cicatrices o que preguntan por “lo suyo”, hijas conflictivas y enfadadas con la familia y con el mundo…

Todo un alarde de situaciones críticas y explosivas, aunque Educador social en Alaska las presenta y analiza a través de la comicidad y del humor. Con un escenario vacío pero lleno de cosas, lleno de cajas que hacen de sillas y personas, de megáfonos, de expedientes y de millares de entrevistas invisibles, la mejor de las herramientas de las que dispone un educador social para conocer y actuar en casos como los que nos muestra.

Rafa Sánchez es el único actor de Educador social en Alaska y también parte de su dirección, junto a Núria Inglada. Y se mueve como pez en el agua entre el montón de “cosas”, abalorios y cachivaches diversos que demarcan la escenografía. Con ellos y con un micrófono nos presenta e interpreta a todos los protagonistas de cada una de las historias que nos muestra de una forma mesurada y sobria, algo de esperar de un educador social, no??

La idea general de la obra está extraída de un blog http://educadorsocialenalaska.blogspot.com que ha proporcionado la materia prima a los hermanos Sánchez para crear su tercer espectáculo, después de El hombre que intentó cruzar el Titicaca y El candidato, y que ha ganado el Premi Retines 2008, del CEESC, Col·legi d’Educadors i Educadores Socials de Catalunya, un galardón que sin duda alguna garantiza la calidad y la veracidad del texto.

Sin embargo Educador social en Alaska desarrolla este tema, según el gusto muy personal del que escribe esta crítica, desde un punto de vista demasiado humorístico, una perspectiva que desgrana y desmaterializa el propio problema que analiza la obra, y que no es otro que la discriminación, a veces voluntaria, de una parte de la población que, viviendo en un rincón considerado como rico del planeta, sufre de la pobreza y de situaciones de exclusión social y vital. La obra nos acaba proporcionando, así, una visión cómica de unos problemas que no los son tanto.

No es esta última una valoración negativa de la obra, sino una consideración para aquellos a los que les pueda interesar el tema desde un punto profesional y analítico. Para todos los demás Educador social en Alaska es una oportunidad para conocer un poco más de cerca el mundo de los educadores sociales y la actividad anónima que llevan a cabo, muchas veces de forma invisible para los medios de comunicación, y para conocer un poco más la realidad múltiple y diversa de la población que habita las ciudades y los pueblos cerca, muy cerca de nosotros, pero a veces lejos, muy lejos de nuestra vista.

“Educador social en Alaska” se representó en el Teatre Tantarantana del 9 al 27 de junio de 2010.

Autor: Sera Sánchez
Dirección: Núria Inglada y Rafa Sánchez
Intérprete: Rafa Sánchez
Asesor trabajo textual: Ermer Morales
Escenografía: Rafa Sánchez y Fede Sánchez
Iluminación: Jaraba
Producción: Factoría Los Sánchez

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Jorge Pisa Sánchez

Publicado originalmente en http://www.indienauta.com

Un Blog sobre la literatura, el teatro, el cine, la televisión, la historia…

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