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Estreno teatro: Assassinat a l’Orient Express, en el Teatre Condal

Llega al Teatro Condal Assassinat a l’Orient Express, un estreno teatral basado en las novelas de misterio de Agatha Christie en el que Eduard Farelo da vida al afamado detective Hércules Poirot.

Nos situamos en la década de los años 30 del siglo pasado, Hércules Poirot, un disciplinado y algo excéntrico belga que empieza a labrarse la reputación de ser, probablemente, el mejor detective del mundo, se encuentra en Estambul, casualmente, con un viejo amigo, Monsieur Bouc, quién le invita a viajar con él en el famoso Orient Express para regresar a Londres. Estamos en pleno invierno.

Allí se les unirá un grupo muy variopinto de viajeros, pertenecientes a todos los confines del mundo: Entre otros, la excéntrica norteamericana señora Hubbard, la princesa Dragomiroff, una anciana rusa exiliada, el disciplinado militar británico coronel Arbuthnot, o la misma Condesa Andreyi, una carismática mujer húngara que despertará en Poirot algo más que un simple interés…

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En plena noche, una tormenta de nieve detiene el tren en algún lugar perdido de Yugoslavia. Y a la mañana siguiente, uno de los pasajeros, Samuel Ratchett, un desagradable hombre de negocios algo turbios, es encontrado muerto apuñalado salvajemente en su cama. La nieve les impide entrar o salir del tren, así que el asesino solo puede ser uno de los ocho pasajeros que viajan a bordo del Orient Express. ¿Pero cuál de ellos ha sido? ¿Y por qué?

Hércules Poirot se verá empujado a solucionar uno de los casos más especiales de toda su trayectoria, un crimen cruel que sin lugar a dudas marcará un antes y un después en su vida.

Así que ya lo sabéis, tenéis un asiento reservado en este lujoso tren lleno de misterios y secretos.

“Assassinat a l’Orient Express” se representa en el Teatro Condal a partir del 14 de septiembre de 2021.

Autora: Agatha Christie
Adaptación: Ken Ludwig
Versión: Alicia Serrat e Iván Morales
Dirección: Iván Morales
Reparto: Eduard Farelo, David Bagès, Maria Ribera, Javi Vélez, Ruben Ametllé, Isabel Rocatti, Vanessa Segura, Clàudia Benito, Anna Barrachina, David Vert
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación:  David Bofarull
Vestuario: Míriam Compte
Espacio sonoro: Jordi Ballbé
Caracterización: Àngels Salinas
Movimiento: David Climent
Producción: Focus

Horarios: martes, miércoles y jueves a las 20:00 horas; viernes y sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 17:30 horas
Precio: Web Teatro Condal
Duración: 1 hora y 30 minutos
Idioma: catalán

Estreno teatro: Cantando bajo la lluvia, en el Teatro Tívoli

El próximo 15 de septiembre llega al Teatro Tívoli Cantando bajo la lluvia, la gran clásico de la comedia musical de los años 50. Un espectáculo producido por Nostromo Live, responsable de éxitos como Las tienda de los horrores y La jaula de las locas, con el tándem Àngel Llàcer en la dirección y Manu Guix en dirección musical y con coreografía de Myriam Benedited que pondrá sobre el escenario a más de 30 actores y bailarines, una escenografía espectacular, un vestuario impresionante y unas coreografías que no dejarán indiferente a nadie.

El espectáculo apuesta por una estética lujosa y detallista, increíbles números de baile, optimismo y sensibilidad. Un musical que gustará a todo el mundo que tenga ganas de pasarlo bien…

Considerada una de las mejores películas musicales de todos los tiempos, Cantando bajo la lluvia, narra una historia de amor ambientada en el periodo de irrupción del cine sonoro en Hollywood, mostrando toda la elegancia formal y estética característica de los años 20. El excelente y divertido guión narra de forma irónica la propia historia del mundo del cine estadounidense mostrando al espectador algunas de las problemáticas que se encontraron tanto los actores, productores y directores a la hora de utilizar las nuevas técnicas. Una historia llena de referencias y guiños cinéfilos que se convirtió en un clásico y que tiene como himno la famosa canción “Singin’ in the rain”.

El reparto del musical de Cantando bajo la lluvia cuenta, entre otros, con Iván Labanda, Diana Roig, Ricky Mata, Mireia Portas… y más de 30 actores y bailarines que, junto a las canciones icónicas del musical, las coreografías espectaculares y un espléndido vestuario, llenarán el Teatre Tívoli de elegancia, glamour y felicidad.

Singing in the rain, Make em’ laugh, Good Morning, All i do is dream of you… te esperan este septiembre en Cantando bajo la lluvia el musical. Una propuesta imprescindible para los amantes del género!

“Cantando bajo la lluvia” se representa en el Teatro Tívoli del 15 de septiembre al 24 de octubre de 2021.

Dirección: Àngel Llàcer
Reparto: Ivan Labanda, Diana Roig, Ricky Mata, Mireia Portas, José Luis Mosquera, Oriol Burés, Clara Altarriba, Bernat Cot, Bittor Fernández, Miguel Ángel Belotto, Júlia Bonjoch, Sylvia Parejo
Autores: Betty Comden y Adolph Green
Traducción y adaptación: Marc Artigau
Dirección musical: Manu Guix y Andreu Gallén
Bailarines: Diana Girbau, Empar Esteve, Sara Martín, Carmen Soler, Clara Casals, Adrián García, Marc Sol, Albert Escobar, Pablo López, Julia Saura Chema Zamora
Escenografía: Enric Planas
Iluminación: Albert Faura
Sonido: Roc Mateu
Vestuario: Míriam Compte
Coreografía: Myriam Benedited
Letras: Arthur Freed
Música original: Nacio Herb Brown

Horarios y precios: Página Grup Balañà
Duración: 2 horas y 30 min (intermedio incluido)

El Rey León regresa a la Gran Vía de Madrid

Todos deseamos que la normalidad vuelva a nuestras vidas tras el año y medio de afectaciones y restricciones provocadas por la pandemia de Covid-19. De ahí que cualquier noticia o acontecimiento que nos acerca a ella nos impacte de forma muy y muy positiva. Y en el mundo del teatro un signo de que la normalidad avanza poco a poco es el regreso de los grandes musicales a los escenarios.

Y si ha habido un musical de éxito en la Gran Vía madrileña pre-pandemia, este no fue otro que El Rey León, que anuncia su regreso el 23 de septiembre a la cartelera del teatro Lope de Vega. Una alegría para todos aquellos que se quedaron con las ganas de ver el espectáculo y un signo de recuperación para un sector muy afectado por las restricciones anti-covid.

De esta forma, el musical producido por Stage Entertainment que ha batido todos los records desde su estreno en el año 2011, regresa con más fuerza e ilusión que nunca. Comenzará su 10ª temporada, en la que alcanzará la cifra histórica de 5 millones de espectadores, tras más de 3.500 representaciones en el teatro Lope de Vega.

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Un musical que te dejará sin palabras gracias a su sorprendente puesta en escena. Toda una lección de vida que se ha convertido en un hito dentro del mundo del espectáculo, al fusionar las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas africanas, asiáticas y occidentales, con una banda sonora tan excepcional como inolvidable. El espectáculo adentra al espectador en un universo de valores, creatividad, ritmo y color inigualable.

En Stage Entertainment España han preparado sus instalaciones para cumplir con las medidas de protección e higiene indicadas por las autoridades sanitarias, para conseguir que tu visita sea una experiencia única, segura e irrepetible.

Adelántate, hazte ya con tus entradas y no te pierdas el musical que conmueve al mundo.

«El Rey León» se representa en el Teatro Lope de Vega a partir del 23 de septiembre de 2021.

Dirección: Julie Taymor
Adaptación y traducción: Jordi Galceran
Libreto: Roger Allers e Irene Mecchi
Dirección musical: Sergi Cuenca, Raúl Patiño y Antonio Palmer
Reparto: Agustín Argüello, Ricardo Nkosi, Angel Padilla, Pitu Manubens, Andrea Bayardo, Lindiwe Mkhize, Sally Artigas, Juan Bey, Alex Parra, Nacho Brande, Ramon Balasch, Yelena Lafargu, Dariel Ventura, Edgar Moreno, Daniel González, Diego Montejo, Izan, Fernández, Lisandro Luis Nieves, Samuel Da Silva, Daniela Angelina Socias, Jimena Martínez Monmeneu, Luna Berroa, Martina Venecia Franco y Olivia ManzanoBailarines: Allan Hernández, Jahmai Grant, Marcos Rodríguez, Justin, Poleon, Alexis Abreu, Yunior Tavarez, Miroslava Fernández, Rosa Concet, Lluvia Marchena, July Cuevas, Doraysa de Peña, Ana Francy, Yoanki Matos, Noel Contreras, Nicolo Marchionni, Raphaella de Souza, Iliuska Rodríguez y Leticia Cardoso
Voces: Subissiso Xaba, Muzikayise Khumalo-Masilela, Armando Valenzuela, Mario Alberto Hernández, Michel Jáuregui, Carlos Valdez, Víctor Manuel Nogales, María Arévalo, Nokulunga Madlala, Phindile Ndlovu, Yelina Lafargue, Samantha Strachan, Carlos Sandoval, Mlu Mthethwa, Rosana Galli, Carmen Elena Aguilera y Lieta Molinet
Escenografía: Richard Hudson
Iluminación: Donald Holder
Sonido: Steve Canyon Kennedy
Peluquería y maquillaje: Michael Ward
Vestuario: Julie Taymor
Coreografía: Garth Fagan
Música: Elton John, Lebo M, Mark Mancina, Hans Zimmer y Jay Rifkin
Producción: Disney Theatrical Productions

Público: Edad recomendada: todos los públicos
Duración: 165 minutos
Idioma: Castellano
Horarios y entradas: Web El Rey León, el musical

Crítica teatro: La función que sale mal, en el Teatro Calderón de Madrid

La magia del teatro reside en la suma de muchos elementos, y uno no menor es el correcto desarrollo de la representación, con sus tiempos, sus interpretaciones y con una realidad escénica que se integra apropiadamente con ellos. Esto es lo que no pasa en La función que sale mal, en cartelera en el Teatro Calderón de Madrid hasta el próximo 29 de agosto y que se representará en el Teatro Coliseum de Barcelona a partir del 29 de septiembre.

La función que sale mal hace honor a su nombre. Estamos, en la ficción, ante una compañía universitaria sin demasiada experiencia teatral que intenta representar un espectáculo al estilo Agatha Christie o Sherlock Holmes: se ha producido un asesinato en una mansión. Será trabajo del comisario de turno descubrir quién es el asesino y cuáles son sus motivos. Pero en la representación nada saldrá como estaba previsto. La actuación de los actores no es la que debiera ser; la representación deja mucho que desear y el escenario irá desintegrándose poco a poco a lo largo de la “función que sale mal”. Como veis, todos los ingredientes necesarios para que estalle la comedia desde el minuto uno.

El espectáculo defraudará a muy pocos. Estamos ante una comedia pura en la que los errores, las desgracias y sobre todo, el buen hacer cómico de los actores y de las actrices que integran el reparto, harán que quien más y quien menos se ría de la suma de dificultades que sufrirá el espectáculo, un continuo de pequeños y grandes desastres que progresarán a lo largo de la representación hasta la vorágine final. Una obra de metateatro al estilo Pel davant i pel darrera o Bolulevard.

En este tipo de espectáculos todo ha de estar estudiado y cronometrado para que todo lo que ha de salir mal salga mal, y para que el reparto interactúe con la desgracia de forma cómica. Y lo está, algo que se debe a una acertada dirección de Sean Turner y a la interpretación en clave serio-cómica de todo el reparto, integrado por Héctor Carballo, Carlos de Austria, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, César Camino, David Ávila, Felipe Ansola, Paula G. Lara, Ángel Saavedra y Avelino Piedad en las diferentes actuaciones, que consigue interpretar de forma creíble a unos malos actores que durante la representación sufrirán los infortunios de la musa del teatro.

Nada más y nada menos. Unos 100 minutos de representación en los que el espectador se verá afectado cómicamente por la serie de desastres escénicos que sufrirá en clave de comedia la representación. Tanto es así que al final no importará tanto quién es el asesino sino cómo el elenco sin experiencia (en la ficción) podrá hacer frente a la avalancha de calamidades que se les viene encima.

Un soplo de aire fresco cómico que ha ganado diversos premios internacionales como los Oliver, Tony, Moliere o el Broadway.com, que este mes de agosto está en Madrid y que llegará a la cartelera barcelonesa el próximo mes de septiembre y al que se le puede augurar un gran éxito, no solo por su gancho cómico sino por su capacidad de abstraernos por un breve espacio de tiempo de lo duros que han sido los últimos tiempos en Madrid, Barcelona, Cataluña, España y en el mundo entero y hacernos reír de las desgracias que, ahora sí, les pasan a otros, en este caso a actores y, sobre todo, les pasan en la ficción.

“La función que sale mal” se representa:
• Del 8 de abil al 29 de agosto de 2021 en el Teatro Calderón de Madrid
• Del 29 de septiembre al 24 de octubre de 2021 en el Teatre Coliseum de Barcelona

Director versión original: Mark Bell
Director versión española: Sean Turner
Director asociado: David Ottone
Dramaturgia: Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields
Reparto: Hector Carballo, Carla Postigo, Alejandro Vera, Noelia Marlo, David Ávila, Paula G. Lara, Ángel Saavedra, Avelino Piedad, Manuel de Andrés, Agustín Otón y Fael García
Adaptador de la función que sale mal: Zenón Recalde
Diseño escenografía: Nigel Hook
Iluminación: Ric Mountjoy
Vestuario: Roberto Surace
Diseño de sonido: Andy Johnson
Fotografía: Helen Murray
Producción: Som Produce, NEARCO, Cobre y Olympia Metropolitana

Horarios Teatro Calderón Madrid: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y a las 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas
Precio: desde 19€
Idioma: castellano
Duración: 100 minutos
NOTA CULTURALIA: 7,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Perdidos, en los Teatros Luchana (Madrid)

La obra Perdidos, escrita por Ramon Madaula, dirigida por Ignasi Riera e interpretada por Agustín Jiménez y Carlos Chamarro se representa en los Teatros Luchana del 27 de agosto al 31 de octubre de 2021.
Horarios: viernes y sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas.

El calor del verano hace que a quien más y a quien menos nos venga en gana un poco de divertimento que nos haga olvidar, como ya he dicho en otras ocasiones, las sofocantes incomodidades del periodo estival. De ahí que ir a ver una comedia sencilla y, sobre todo, bien hecha, se convierta en un refrigerio teatral. Y es justamente esto lo que nos propone Perdidos, una comedia escrita por Ramón Madaula, dirigida por Ignasi Vidal e interpretada por Agustín Jiménez y Carlos Chamarro, dos cómicos de solvencia contrastada.

Ambos interpretan a dos empleados de una empresa de recambios y reparaciones de calderas que se encuentran cada mediodía para comer juntos. Durante una de sus comidas la conversación habitualmente intrascendente les llevará a proponerse un reto: ambos se darán permiso para intentar intimar con la pareja del otro. Una sugerencia que provocará imprevisibles consecuencias que superarán sus expectativas iniciales y harán peligrar su apacible aunque estancada vida familiar

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Perdidos es, así, una comedia de pequeño formato, solo dos actores y un reducido escenario que nos muestra el local donde ambos comen a diario, pero que os hará reír en gran formato, os lo aseguro. Para ello es clave el texto de Madaula que incide en un humor de género (blanco, por otra parte), algo en lo que ya ha demostrado su desenvoltura, prueba de ello es el reciente éxito de Els Brugarol en el teatro Poliorama de Barcelona. A ello se suma la aguda dirección de Vidal y la vis cómica de los dos actores, Agustín Jiménez y Carlos Chamarro, que la tienen y de sobra, y que aportan una interpretación muy afinada en la que lo que se dice, el cómo se dice y las caras que se ponen al decirlo son las claves del pulso cómico de la obra, acrecentado por lo cotidiano del contexto, que no es otro que el de una amistad de larga duración como la que todos y todas podemos tener.

Las risas están aseguradas, os lo prometo, al contemplar lo perdidos que están los protagonista, ya sea en relación a los misterios y contratiempos de la vida en pareja como a lo relativo a sus ensueños de seducción. De esta forma, pues, la comedia navega entre los prejuicios y los estereotipos de los roles de género, enriquecida por diversos giros en la trama y por lo cómico de las situaciones que se irán produciendo y que irán superando poco a poco a los dos amigos.

Una propuesta, además, de teatro a la fresca del que el público podrá disfrutar hasta el próximo 22 de agosto en la terraza del Patio del Galileo, una inmejorable ocasión para gozar de una comedia sencilla pero profunda que seguro que os hará reír, y tal vez, reflexionar. Y una oportunidad, también, para confirmar que cuando en el teatro se suman las artes de un buen texto, una ágil dirección y el buen hacer de dos actores cómicos, el resultado no puede ser otro que el que vemos en Perdidos.

«Perdidos» se representa en el Patio del Teatro Galileo del 8 de julio al 22 de agosto de 2021.

La obra Perdidos, se representa en los Teatros Luchana del 27 de agosto al 31 de octubre de 2021.
Horarios: viernes y sábados a las 20:30 horas y domingos a las 19:30 horas.

Web Teatros Luchana

Dramaturgia: Ramón Madaula
Dirección: Ignasi Vidal
Reparto: Agustín Jiménez y Carlos Chamarro
Escenografía y vestuario: Alessio Meloni
Diseño de iluminación: Ciru Cerdeiriña
Distribución: Fran Ávila
Producción: Octubre

Horarios: de miércoles a domingo a las 22:00 horas
Precio: desde 20€
Duración: 75 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Llévame hasta el cielo, en el Teatre Apolo

El Teatro Apolo de Barcelona mantiene firme su programación durante los meses de verano, que incluyó el estreno, el pasado 9 de junio, de Llévame hasta el cielo, una comedia escrita por Nacho A. Llorente, dirigida por Juan Carlos Rubio e interpretada por Lolita Flores y Luis Mottola.

Toda la acción se desarrolla en el interior de un (gran) ascensor, en el que coinciden Ángela (Lolita Flores) y Marcelo (Luis Mottola). Tras un tropiezo inicial, ambos quedarán encerrados en el ascensor, hecho azaroso este que nos permitirá conocer los motivos que han llevado a Marcelo al edificio y quién es la verdadera Ángela.

Así, pues, estamos ante una comedia, con toques tragicómicos, basada en la interacción entre ambos personajes. Ángela es una mujer aparentemente con recursos y extrovertida que parece conocer muy bien a Marcelo. Este se muestra nervioso y algo inquieto, un estado de ánimo que se intensificará por el encierro y por las continuas intromisiones de Ángela.

Llévame hasta el cielo es una propuesta que se basa en la comedia clásica, a la que la obra hace continuas referencias explícitas, ya sea al cine de Hollywood o al italiano, e implícitas, con un contexto que nos recuerda el film Qué bello es vivir (Frank Capra, 1946). Un humor que se acentuará con el cambio de roles que propone la representación, en el que las contradicciones entre ambos personajes se intensificarán.

De la propuesta la que sale más bien parada es Lolita, que sabe proveer a su personaje de la energía y el trasfondo que requiere. Mottola parece no estar tan a gusto en su papel, sobre todo en la primera parte de la representación, donde está un poco fuera de tono.

Por lo que respecta al escenario, la obra nos sitúa en un amplio, mejor dicho, amplísimo ascensor, de esos con hilo musical de Gran Hotel, que permite deambular ampliamente a los dos personajes en una situación cómica aunque tensa. Un escenario correcto que no acabó de funcionar todo lo bien que debiera el día que asistimos a la representación.

Llévame hasta el cielo es una correcta comedia sin demasiadas pretensiones, que lo que sí pretende es alejarnos de nuestras propias tribulaciones cotidianas y estivales, y hacernos ver, en clave de comedia, que la vida es complicada, sí, que todos y todas nos enfrentamos a lo largo de la vida a acontecimientos que marcan nuestra vida, pero que todos y todas podemos hacer frente a ellos, ya sea con una pequeña ayuda celestial o poniendo en valor nuestros propios recursos. Aunque si lo piensan bien, ambas formas son un poco lo mismo. ¿No creen?

«Llévame hasta el cielo» se representa en el Teatre Apolo de Barcelona del 9 de junio al 11 de julio de 2021.

Dramaturgia: Nacho A. Llorente
Dirección: Juan Carlos Rubio
Reparto: Lolita Flores y Luis MottoIa
Producción: Lerele Produccion

Horarios y precios:
Web Teatre Apolo Barcelona
Duración: 100 minutos
Idioma: Castellano
NOTA CULTURALIA: 6,5

Ópera: Tosca, de Giacomo Puccini, en el Teatro Real de Madrid

El teatro real de Madrid estrena la ópera Tosca de Giacomo Puccini, estrenada en el Teatro Costanzi de Roma en 1900, y que se mantiene hasta hoy como una de las óperas más populares e incombustibles, un bocado apto para todos los paladares en una versión escénica de Paco Azorín estrenada en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, una lectura fresca y directa situada sobre un escenario giratorio y realzada con proyecciones.

Frente a la maquinaria represiva dirigida con mano de hierro por el siniestro Scarpia, los amantes Tosca y Cavaradossi no podrán elevar sus voces sino para expresar su desaliento y su derrota, retratándose así como víctimas y como habitantes de pleno derecho de un siglo que asistirá impotente al nacimiento del estado totalitario moderno, la destrucción masiva y el genocidio.

Que en este melodrama verista de rivalidades políticas, pasiones cruzadas y sangriento desenlace no se pronuncien jamás las palabras ‘honor’ o ‘venganza’ da una idea de las intenciones de Puccini de trascender y renovar el marco tanto del melodrama italiano como del verismo. Prueba de ello son el ritmo casi cinematográfico de la acción dramática, la profusión en el empleo del leitmotiv, o una masiva orquestación que alcanza sus picos en escenas como las del «Te Deum» o la del interrogatorio.

Ópera: Tosca, de Giacomo Puccini, en el Teatro Real de Madrid
Melodramma en tres actos

Espacio: Teatro Real de Madrid
Fechas: del 4 al 24 de julio de 2021
Música: Giacomo Puccini
Libreto: Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la obra La Tosca de Victorien Sardou (1887)
Estrenada en el Teatro Costanzi de Roma el 14 de enero de 1900

Estrenada en el Teatro Real el 15 de diciembre de 1900

Producción: Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

Equipo artístico
Director musical: Nicola Luisotti
Director de escena y escenógrafo: Paco Azorín
Figurinista: Isidre Prunés
Vestuario de Floria Tosca: Ulises Mérida
Iluminador: Pedro Yagüe
Vídeo: Alessandro Arcangeli
Coreógrafo: Carlos Martos de la Vega
Director del coro: Andrés Máspero

Reparto
Floria Tosca

| Sondra Radvanovsky,
| Maria Agresta
| Anna Netrebko

Mario Cavaradossi
| Joseph Calleja
| Michael Fabiano
| Yusif Eyvazof
| Jonas Kaufmann

Barón Scarpia
| Carlos Álvarez
| Gevorg Hakobyan
| Luca Salsi

Cesare Angelotti: Gerardo Bullón
Un sacristán: Valeriano Lanchas
Spoletta: Mikeldi Atxalandabaso
Sciarrone: David Lagares
Un pastor: Inés Ballesteros

Más información y venta de entradas:
Web del Teatro Real de Madrid

Ópera: Carmen, de Bizet, en el Palau de la Música Catalana

Hoy os recomendamos en Culturalia Carmen de Bizet, Ópera escenificada en dos actos, una propuesta de NovAria Artists que nos permitirá disfrutar este mes de julio de una de las óperas más famosas de la historia.

Carmen de Georges Bizet es una de las óperas más aclamadas y representadas a nivel mundial. Conocida en términos técnicos como ópera de repertorio, pocas llegan y emocionan al público como ella. Su maravillosa música, penetrante y seductora, es una combinación de diferentes estilos que van desde el más clásico romanticismo francés a las más bellas melodías inspiradas en el folklore español.

Esta versión escenificada tiene una duración de dos horas y media con entreacto. Orquesta sinfónica, solistas, coro, coral infantil, vestuario, iluminación… Más de 90 artistas en escena.

Programa:
Carmen, de G. Bizet. Ópera escenificada en dos actos

Ficha artística:
Orquestra Terrassa 48
Xavier Puig, dirección musical
Laureà Plà, dirección escénica
Eric Varas, dirección coro
Marta Mateu, dirección coral infantil Orfeó Badaloní
Olga Ponce, coreografía

Ballet NovAria/Coro NovAria

Anna Tobella, Carmen
Sergi Giménez, Don José
Joan G. Gomà, Escamillo
Sarah Zhai, Micaela
Laura Coll, Frasquita
Lorena Aranda, Mercedes
Alejandro Chelet, Dancairo
Carlos Enrique Ortiz, Remendado
Antonio Fajardo, Zúñiga
Programa

Carmen , de Georges Bizet
Fecha: Domingo 4 de julio de 2021 a las 19:00 horas
Ciclo: Ciclo de Ópera NovAria
Organiza: NovAria Artists
Duración: 150 minutos (aprox)
Precio: de 38 a 68 €

Crítica teatro: El coronel no tiene quien le escriba, en el Teatre Poliorama

Hablar, o escribir, de Gabriel García Márquez es siempre una gran ocasión. Su obra representa un hito en la historia de la literatura en castellano. Por eso el estreno de la adaptación teatral de una de sus obras, en este caso de la novela corta El coronel no tiene quien le escriba, publicada en el año 1961, es una dicha, sobre todo si tenemos en cuenta que el texto era una de las piezas literarias más queridas por el autor.

El coronel no tiene quien le escriba nos sitúa en Colombia en los años 50. Un coronel jubilado (Imanol Arias) y su esposa (Ana Villa) malviven a la espera, desde hace quince años, de que el gobierno apruebe la pensión debida a él como veterano de guerra. Pero la carta con la confirmación no acaba de llegar nunca, por lo que la situación económica y social de la pareja ha ido empeorando. Ambos cuidan del gallo de pelea que fue propiedad de su hijo, que murió hace años. A medida que se agrave la situación económica, el coronel y su mujer tendrán que decidir cuáles son sus prioridades, seguir alimentando al gallo hasta que llegue la temporada de peleas o venderlo para no morir de hambre.

El coronel no tiene quien le escriba_1

La obra nos sitúa en un contexto de trágica penuria en el que el coronel y su mujer verán palidecer poco a poco sus condiciones de vida. De ahí que el director, Carlos Saura, haya optado por una adaptación minimalista, en la que una decoración digitalizada y un poco de atrezo dan forma a todos los espacios en los que se desarrolla la acción. Saura prosigue, de esta forma, en su voluntad de adaptar grandes obras literarias iberoamericanas, lo que le llevó a dirigir con acierto La fiesta de Chivo, obra escrita por Mario Vargas Llosa e interpretada sobre los escenarios por Juan Echanove y que sigue dando admirables resultados con El coronel no tiene quien le escriba.

El tono de la dirección es, además, sobrio, permitiendo al personaje principal, interpretado por Imanol Arias, adueñarse del protagonismo de la pieza con una interpretación intensa y solvente en la que da vida al coronel desahuciado y maltratado por el olvido y la escasez, pero que mantiene intacta su dignidad como persona. Y de eso se trata, de la dignidad de los derrotados, aquel rescoldo que queda intacto de una persona cuando ha sido vencida, de una forma u otra, por la vida. Arias acierta, pues, en la caracterización del personaje, con la ayuda de un reparto que está a la altura de las circunstancias escénicas y que incluye a la mujer del coronel, interpretada por Ana Villa en la sesión a la que asistimos nosotros, el médico de la localidad, al que da vida Fran Calvo y Don Sabas, el potentado de la localidad, encarnado por Jorge Basanta y que simboliza los valores opuestos a los que defiende el coronel.

De esta forma El coronel no tiene quien le escriba nos permite gozar de una de las obras de referencia de García Márquez, adaptado de forma muy convincente al teatro y que nos hace reflexionar sobre la vida, ya sea sobre los recuerdos, sobre la pérdida de un hijo o sobre la defensa de la dignidad y de los principios que nos llevan a todas y a todos a avanzar en la vida, perfilando nuestro propio camino con todas y cada una de sus consecuencias.

“El coronel no tiene quien le escriba” se representa en el Teatre Poliorama de 5 al 30 de mayo de 2021.

Dirección: Carlos Saura
Reparto: Imanol Arias, Ana Villa, Cristina de Inza, Jorge Basanta, Fran Calvo y Marta Molina
Adaptación: Natalio Grueso
Diseño de escenografía: Carlos Saura
Diseño de iluminación: Paco Belda y Mario Martínez
Diseño de sonido: Enrique Mingo
Vestuario: Carlos Saura

Duración: 90 minutos
Idioma: castellano
NOTA CULTURALIA: 8,5
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Jorge Pisa

Los teatros que debes visitar en Cataluña y que no están en Barcelona

El teatro es una de las disciplinas que mejor representa lo que conocemos como cultura. Incluso es mucho más que eso. Se trata de un espacio de relación personal, de interacción, donde se ve en vivo y en directo una representación. Su importancia en nuestra sociedad ha provocado que, a lo largo de los años, se haya ido erigiendo como uno de los edificios más emblemáticos, casi imprescindibles, de muchos municipios. Permitiendo un espacio cultural a toda clase de públicos.

Sabemos que Cataluña es tierra de teatros, especialmente Barcelona, una de las capitales mundiales. Pero en el territorio catalán podemos encontrar diferentes espacios culturales de este tipo que son una auténtica obra de arte, por fuera y por dentro, por lo que se representa y por lo que son. Arte en estado puro. Los repasamos a continuación.

Edificios centenarios

Saliendo de la capital catalana, es de obligada parada el Teatro Municipal de Girona, una de las ciudades más visitadas de España. Cerca del Ayuntamiento, en pleno centro de la ciudad, encontramos este edificio de 1769. En su última remodelación, en 1860, le dejaron una imagen renacentista como si fuera un palacio, decorado de rojo y dorado. Su parte más singular es una gran escalinata que conduce a la sala principal con unos arcos dorados que no te dejarán indiferente.

También merece especial mención el Teatro Fortuny de Reus, construido en 1882. De un estilo modernista, debe su nombre a Mariano Fortuny, un pintor de la localidad. Aunque era un punto de encuentro de la burguesía de la zona, fue cayendo en el olvido hasta tener que ir reestructurando su órgano de gobierno. Una vez propiedad pública, en 1988, se restauró y volvió a primera línea con un concierto de Montserrat Caballé. Si la fachada llama la atención, el interior te deja sin palabras.

Pero los teatros de hace unos años no solamente actuaban como espacio de representación, sino también como un centro neurálgico de la propia ciudad. Uno de los ejemplos más claros que encontramos es el Teatro Ateneu de Igualada, un espacio en el centro de Cataluña que acoge hoy en día representaciones teatrales, cinematográficas e incluso cenas y celebraciones. Toda una obra de arte de estilo modernista con más de 100 años de historia (1878).

Para aquellos que desconozcan el significado de la palabra “ateneu”, es la traducción al catalán de “ateneo”, que significa algo más que un espacio cultural. Es donde se reunía la gente del municipio y se realizaban todo tipo de actividades como formación académica, almacenaje de documentos, representaciones, comidas y entretenimientos de todo tipo como, por ejemplo, juegos de cartas y otros pasatiempos. Actualmente, con el auge de internet, cada vez son más las actividades de ocio en la red, una nueva manera de socializar y pasar el tiempo distinta a la de antes y que difiere un poco de lo que hacían nuestros mayores en el bar del pueblo.

Los teatros que debes visitar en Cataluña y que no están en Barcelona_destacado

Obras recientes

Cerca de Igualada, en Manresa, encontramos uno de los edificios emblemáticos de la capital del Bages: el Teatro Kursaal. En el centro de la ciudad y construido en 1927, fue encargado por un empresario cinematográfico y elaborado por Josep Firmat i Serramalera, uno de los arquitectos novecentista con más nombre. Es todo un laberinto y una obra magnánima: más de cuatro pisos, conectados entre sí con escalinatas y patios interiores. Como sucede en otras localidades, su polivalencia y su amplia agenda son dos de sus características más destacables.

Mucho más reciente y de un estilo totalmente diferente a los comentados anteriormente encontramos La Llotja, en Lleida. Es un edificio moderno, de 2010, y multidisciplinar. De gestión pública, su uso no se limita a las representaciones teatrales, sino que también responde a funciones de gran formato como conciertos, clases de música o incluso un palacio de congresos para acoger eventos de primer nivel. Su exterior no deja indiferente, con su tonalidad marrón y sus numerosas vidrieras de colores.

También de obra nueva, de 2011, es el Teatro La Lira, en Ripoll. Es una construcción que cuenta con un puente que cruza el río Ter conectando el núcleo de la ciudad con zonas algo más apartadas. Un hecho poco habitual en la construcción de espacios culturales que tiene su simbolismo, pues quiere unir las diferentes partes del municipio. Su material de láminas de acero provoca un choque visual muy interesante en comparación con las casas del entorno. Como suele suceder en el arte, provoca todo tipo de reacciones.