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Teatro

Crítica teatral: 2 caraduras en crisis, en el Teatre Borràs.

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InvisCAST_2CaraDuras1A veces un obra teatral nace de la simbiosis de los intereses de los artistas que la llevan a cabo. Este es el caso de 2 caraduras en crisis, la comedia socarrona que Bertín Osborne y Arévalo representan en el Teatre Borràs, un espectáculo cómico basado en la experiencia compartida y en la profunda amistad existente entre el showman-cantante y el cómico que comparten de una forma cordial y cercana con el público barcelonés.

El espectáculo está diseñado a la medida de ambos artistas, por lo que, como es evidente, su formato (y su tamaño!) varía para dar cabida tanto a Osborne como a Arévalo, mostrándonos una obra creada, como guante a la mano, entre los dos y en el que llevan a cabo un repaso de su trayectoria artística y de sus puntos de vista sobre la actualidad. De esta manera el espectáculo se divide en tres grandes partes. En la primera ambos artistas comparten con el público su opinión sobre la realidad desvergonzada y caradura que nos rodea. Sin pelos en la lengua Arévalo y Bertín reflexionan sobre la crisis económica; sobre los políticos y la corrupción; de los escándalos que empañan la imagen de la monarquía, de sus experiencias en la televisión… Tras ello Arévalo se queda solo sobre el escenario para ofrecernos en forma de monólogo una degustación del humor made in Arévalo, aquel que le hizo popular, aunque eso sí, enlucido para el nuevo espectáculo. Por último es Bertín el que repasa su trayectoria musical y televisiva, en esta ocasión al estilo Osborne, esto es, mostrando su característica desenvoltura y su personal desparpajo con el que consigue conectar fácilmente con la concurrencia.

Un público, este, que conocen desde hace ya bastante años la trayectoria de ambos artistas, ya fuera viéndolos en programas televisivos, en películas de los 80 y de los 90 u oyendo los discos de Bertín, compuestos por hits musicales que alteraban las hormonas de las féminas de aquel entonces.

33450728_11El espectáculo cómico compuesto por Bertín y Arévalo no posee otra pretensión que conectar y hacer reír al público, eso sí, con un humor algo ya caduco a las alturas de siglo en el que estamos y en una época en la que se impone, demasiado a veces, lo políticamente correcto. Aún así, Bertín y Arévalo consiguen su propósito: hacer pasar un buen rato al público que reconoce sus figuras y se engancha rápidamente al humor que nace de ellos. Un espectáculo, en definitiva, en el que la cuarta pared desaparece y Bertín y Arévalo se ríen de la vida y, esto es lo más importante, de ellos mismos cuando hace falta, con un relato que habla de tú a tú al público. Los dos artistas están acompañados además en su aventura escénica por Franco Castellani al piano, que le da un toque de color musical al asunto.

2 caraduras en crisis se convierte, así, en una oportunidad para acompañar durante 1 hora y 45 minutos a dos artistas que comparten una muy grata amistad, de ahí que se consideren en varias ocasiones «hermanos mellizos», siguiendo la broma de los contrarios desarrollada en el film Los gemelos golpean dos veces (Ivan Reitman, 1988), y de gozar de un tipo de espectáculo, de marcado cuño madrileño, que le habla al público con franqueza y humor, algo que siempre ha caracterizado a ambos artistas.

«2 caraduras en crisis» se representa en el Teatre Borràs del 20 de noviembre de 2013 al 19 de enero de 2014.

«2 caraduras en crisis» regresa del 29 de enero al 8 de marzo de 2015 al Teatre Borràs con un espectáculo renovado.

Consultar horarios y precios en: Web Grup Balaña

Dirección: Arévalo y Bertín
Guión: Bertín y Arévalo
Dirección musical: Franco Castellani
Regiduría y Escenografía: Arévalo Jr.
Sonido: Álvaro Villacieros
Luminotecnia: casa de los técnicos

Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 45 minutos
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Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: Manicomio. El circo de los horrores.

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manicomio-circo-de-los-horroresEs curioso que durante este día de conmemoración y recuerdo de Todos los Santos, me dedique a escribir la crítica de Manicomio, el segundo espectáculo presentado por Circo de los Horrores, que ya visitó la ciudad condal por primera vez en octubre de 2009 con la producción Psicosis. Una curiosidad debida a la coincidencia de temáticas existente entre el espectáculo y las fechas en las que vivimos, en las que el terror y las apariciones de espíritus y almas en pena se materializan por las calles de la Barcelona. Este año, además, el espacio que acoge al espectáculo en cuestión es una carpa situada en el Port Vell, un hecho que le da al evento un toque vetusto y tradicional, gótico si me permiten decirlo, que ayuda y mucho a la imagen global del espectáculo.

Manicomio, el nuevo espectáculo de Circo de los Horrores ha mejorado, además, con respecto a su predecesor en lo relativo a la calidad y la espectacularidad de sus números. Si bien la estructura es la misma, la sucesión de actuaciones de carácter circense amenizadas por el humor del anfitrión de la función, Suso Silva en el papel de Nosferatu y de Bitelchus, y de algunos de sus desquiciados asistentes, que consiguen arrancar las carcajadas del público.

CapturaAsí, pues, el espectáculo da inicio desde el momento en el que el público accede al recinto, en el que los diversos actores y acróbatas interactúan con los espectadores creando una atmósfera adecuada y perversa para que todo se ponga en marcha. A lo que da paso la llegada de Nosferatu, el rey de los vampiros, que parece que también gobierna, de alguna forma, sobre psicóticos, anormales y demás especies ocultas y demenciales. Tras una presentación formal y humorística dan inicio las actuaciones de carácter circense entre las que hallamos acrobacias aéreas de carácter cabelludo; equilibrios y saltos inimaginables sobre patines, objetos y neumáticos; portentosos ejercicios de barras atléticas; composiciones musicales generadas a partir de la percusión de pelotas sobre baterías; majestuosos equilibrios acrobáticos de clave erótico…

Manicomio, Circo de los Horrores es un espectáculo en donde, además, se potencia la interacción, ya sea entre los actores y el público como también en el escenario, donde los afortunados (o desafortunadas) pueden participar en el desarrollo de la representación. Algo que está muy relacionado con el tipo de público que acude a ver el espectáculo gótico-circense humorístico que nos han cocinado los miembros de Circo de los horrores: por el tipo de espectadores que ocupan las butacas de la carpa podríamos inferir que esta es una obra dirigida a un púbico joven, decidido a interactuar y a hablarle de tú a tú a los integrantes de la compañía y dispuestos a disfrutar y a deslumbrarse con cada una de las actuaciones.

1233979_640999035932289_1795898419_nUn resultado que se consigue pues como les decía, el espectáculo ha mejorado en espectacularidad con respeto a su anterior versión, reforzando su barniz de goticismo, que ya poseía, y potenciando acertadamente sus componentes artísticos albergados, en esta ocasión, en la carpa al estilo «circo tradicional» que le da un toque de terror antiguo.

Así que ya lo saben, si quieren pasar un poco de medio, tan solo un poco, esmaltado con un humor fresco y a veces improvisado, y quieren sorprenderse y disfrutar con las artes escénicas que poseen los internos mentalmente afectados del sanatorio, les recomiendo que aprovechen la llegada del frío y que adquieran su entrada (si pueden es mejor ir acompañado o en grupo) para gozar de una visita a una institución artístico-psiquiátrica que les hará reír, y mucho, y asombrarse de lo que son capaces de hacer los internos del manicomio. Y no esperen demasiado, ya que las funciones finalizan el próximo 10 de noviembre!!

«Manicomio, Circo de los Horrores» se representa en el Port Vell del 18 de octubre al 10 de noviembre de 2013.

Calendario Gira:
Tarragona – Parque Francolí, del 21 al 24 de noviembre de 2013.

Idea original y dirección artística: Suso Silva
Reparto: Suso Silva, Damian Pranay, Andrey Aversuskyn, Ganna Stepavova, Chris Lemon, Morian Hambright, Trío Essence, Barto, Graziella, Troupe Ceban, Carolina Coria y Carlos Pérez
Producción: Suma y Sigue Espectáculos
Producto ejecutivo: Manuel González Villanueva
Dirección de montaje: Circo Hermanos Rossi S.L.
Escenografía: Miguel Brayda
Diseño de luces: Juanjo Llorens
Coreografía: Lola González
Vestuario: Menkes

Más información:
http://www.circodeloshorrores.com/intro/manicomio/manicomiohtml/index.html
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Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: La banqueta, en el Teatre Poliorama.

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cartell882.384Si bien parece que este año no han predominado en la programación del Festival Grec las comedias, el teatre Poliorama ha concentrado sobre su escenario dos de las más destacadas. Si a principios de esta semana reseñábamos en Culturalia Tots fem comèdia, ahora le toca el turno a La banqueta, la obra que completa la programación humorística del teatro situado en la acera derecha de las Ramblas de Barcelona (si nuestro punto de referencia es, claro está, plaza Cataluña y dirigimos nuestra mirada hacia el mar).

La banqueta, escrita por Gérald Sibleyras, dirigida por Paco Mir (uno de los tres miembros de Tricicle) e interpretada por Ricard Borràs y Pep Ferrer nos introduce en el mundo de la cultura y más concretamente en el día a día de dos afamados concertistas de piano que están preparando su gira internacional por Japón en una idílica y tranquila localidad de los Alpes italianos. Lo que en un principio parece ser el lugar perfecto para que ambos alcancen lo mejor de sí mismos se convertirá, con el paso de los días, en una estancia desastrosa en la que la crisis de confianza y de creatividad que viven los dos artistas se verá materializada en la continua y misteriosa disminución de la banqueta compartida que utilizan para dar los conciertos, un síntoma claro de que la relación creativa entre ambos se está deteriorando.

La comedia, estrenada en el Poliorama el pasado 25 de junio, nos presenta la relación personal y profesional de dos artistas centrándose en los ingredientes más esnobs y afectados de sus respectivas personalidades: la de Pau (Pep Ferrer) centrada en su inseguridad como integrante del dúo interpretativo y sus ansias de abandonarlo todo por una vida más sencilla, y la de Vladimir (Ricard Borràs) una mentalidad perfeccionista e individualista que necesita un amplio espacio propio para respirar.

Por el camino la comedia de Sibleyras nos habla del mundo de la cultura y de los profesionales que se dedican a crearla y hacérnosla disfrutar a través de sus dotes, en este caso frente al piano, y de las personalidades que se edifican alrededor de los artistas, muchas veces artificiales y arrogantes, de aquellas que a las personas de a pie les gusta contemplar mecidas en el alma de sus artistas preferidos y mitificados.

labanqueta-43-9771La banqueta es un continuo de risas y carcajadas que nacen de la confrontación entre las contradictorias personalidades y las fobias respectivas de los dos pianistas, que aunque constituyen «el cemento y las piedras» del arte que interpretan intentan imponerse el uno al otro y demostrar continuamente quién de los dos es el mejor. En definitiva un humor basado en la chispa, en la ironía y en el cinismo de dos artistas que se creen mejores de lo que en verdad son.

Un humor que nace, también, de un texto magistralmente cómico, de la interpretación «solista» de ambos actores, un acertado Pep Ferrer y un magnífico Ricard Borràs, y de la maña de un director, Paco Mir, que permite brillar tanto al texto como a los actores que lo interpretan, dando de nuevo muestras de su concepción del humor actoral y gestual, propia de uno de los integrantes de Tricicle.

De esta forma el Poliorama nos ofrece durante este mes de julio una sesión doble de humor (Tots fem comèdia y La banqueta) que nos permite olvidarnos de los problemas que nos acucian en nuestra existencia diaria, y distribuye dosis a discreción de risas e ingenio cómico. Si escogen esta última propuesta, La banqueta, les aseguro que no se arrepentirán!!

«La banqueta» se representa en el Teatre Poliorama del 25 de junio al 31 de julio de 2013.

Autor: Gérald Sibleyras
Traducción: Ricard Borràs
Adaptación y dirección: Paco Mir
Reparto: Ricard Borràs y Pep Ferrer
Diseño de escenografía: Paula Bosch
Vestuario: Anna Güell
Diseño de iluminación: Justo Gallego
Producción: BOTARGA y VANIA

Horario: martes a las 21:00 horas; jueves, viernes y sábado a las 22:45 horas y domingo a las 20:00 horas.
Martes 16 y 23 de lulio la función es a las 22:45 horas
Miércoles 31 de julio la función será a las 21:00 horas
Precio: 19 €
Duración: 75 minutos
Idioma: catalán

Teatro

Crítica teatral: Don Juan Tenorio, en el Teatre Condal.

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13673218097477-0-468x351Es propio de los tiempos más actuales el revisitar a los clásicos de la literatura y el teatro nacional y universal y cocinarlos de nuevo, no solo con un toque más actual sino con una voluntad de desmitificar personajes, obras y contextos, un hacer muy apto para los públicos del siglo XXI. Y es posiblemente Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, una de las obras más sacralizadas del teatro patrio que no tan solo se ha convertido en un referente teatral y coloquial, sino que es la obra más representada y versionada del teatro español y sin duda la que admite mejor este tipo de cocción/adaptación.

Así, pues, esta primavera algo extraña en lo que a tiempo y temperaturas se refiere, el Teatro Condal se propone refrescarnos un poco con una versión «muy zorrilla» de Don Juan Tenorio, que ha «sufrido» un tuneado capitaneado por Joan Pera, que comparte escenario con Lloll Bertran.

La adaptación en clave de comedia del clásico de Zorrilla es una versión hecha al milímetro para Pera, que además dirige la obra, con ese humor tan típicamente suyo, y que reivindica aquel feísmo, del que a veces he hablado con mi compañero de blog, esto es, una representación que le pierde todo el respeto, artísticamente hablando, al clásico a través de una humor cotidiano y común, a veces incluso grueso. Algo muy típico de Pera que nos tiene acostumbrados a una práctica humorística muy cercana a los espectadores.

En el Don Juan Tenorio Pera está acompañado por Lloll Bertrán, una de sus compañeras teatrales más habituales, y lo más curioso es que entre ellos dos, y gracias a la ayuda del apuntador Velasco, encarnan, aunque parezca mentira, a todos y cada uno de los personajes de la obra. Un esfuerzo ciclópeo que se culmina con una continua avalancha de risas y risotadas por parte del público, que desde el principio otorga su beneplácito al dúo de cómicos.

don-juan-tenorio-condalEl transcurso de la obra ya se lo pueden imaginar: la solemnidad de la texto «ultrajado» humorísticamente hablando por dos magos de la comedia teatral catalana, que le dan su toque muy pero que muy zorrilla a la obra de Zorrilla, siguiendo la estela de la versión que ya a mediados de los años 70 interpretaron otros dos cómicos de referencia como fueron Joan Capri y Mari Santpere, al primero de los cuales ya homenajeó Pera en su obra Joan Pera Capri, representada en agosto del año pasado. Una actualización que, como no podía ser de otra forma, contiene además continuas referencias al presente más actual, ya sea en su vertiente política, económica o social.

La representación se organiza a partir de los actos originales resumidos y comprimidos de la obra de Zorrila, aquellos a los que se les puede sacar más miga, enlazados entre sí por las breves y a veces no tan breves presentaciones que Pera realiza delante del telón, en la que nos introduce las escenas y aprovecha para mantener una tranquila conversación con su «falso» apuntador y con el público. Por su parte, y como algo necesario en una comedia de este tipo, la escenografía y la sastrería están compuestas por elementos que potencian la comicidad del producto final, y al que harán continuas referencias los actores.

Como ven, estamos frente a un producto made in Focus y made in Pera (&Lloll) en el que no falta ninguno de los ingredientes que el público espera devorar. Una propuesta cómica que vale la pena reivindicar en un momento como el que vivimos en el que el humor y la risa valen su precio en oro, y disfrutar de una burbuja de buenas intenciones es un alivio vital.

«Don Juan tenorio» se representa en el Teatre Condal del 14 de mayo al 27 de julio de 2013.

Dirección: Joan Pera
Reparto: Joan Pera y Lloll Bertran
Espacio escénico: Miguel Montes
Iluminación: Raul Martínez
Caracterización: Toni Santos
Escenografía: Focus y Germans Salvador
Vestuario: Època

Horarios: de martes a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 18:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 19:00 horas.
Precio: 22 € – 26 €

Idioma: castellano
Duración: 1 hora y 40 minutos aprox.
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Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: Els feréstecs, en el Teatre Lliure Montjuïc.

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els_ferestecs_20En alguna que otra reseña he afirmado que a nivel de programación teatral anual tanto el Lliure como el TNC se llevan la palma en Barcelona por la calidad y el acierto de sus propuestas, diferentes, claro está, pero que consiguen ambas desparramar un fulgor de calidad y pedigrí teatral que ilumina sus respectivos escenarios.

Y la programación de Els feréstecs es una prueba indiscutible de lo que digo, tanto por la filigrana creativa de su autor, Carlo Goldoni; por la finura de la comedia por él escrita; por el trabajo de los actores y actrices que intervienen en ella; y por su sencilla y discreta puesta en escena.

A ver, lo intentaré explicar comenzando por el principio. Els feréstecs es una comedia escrita por Carlo Goldoni en el año 1760 que analiza los cambios en las formas de pensar que se vislumbraban ya por aquella época (recuerden que en 1789 estalló la Revolución Francesa) y la perenne guerra entre sexos que tiene su origen en el alba de los tiempos.

La acción se desarrolla, en esta ocasión, en tierras catalanas, en un pueblo de comarcas. Allí no todos sus habitantes ven con buenos ojos las diversas novedades que en las costumbres sociales y en el comportamiento ha promovido el nuevo régimen político, la I República española (1873-1874), fruto prematuro del desarrollo político del siglo XIX basado en el liberalismo político y fallido reformador de todas las desigualdades propias del Antiguo Régimen.

En concreto, dos cabezas de familia, intolerantes y bravíos, están intentando concluir un acuerdo de matrimonio para enlazar a sus respectivos hijos, en Quimet (Pol López) y la Llucieta (Laura Aubert). Aquellos, chapados a la antigua, no solo rechazan cualquier innovación en cualquier ámbito sino que actúan siempre en base a las normas y costumbres de sus antepasados. Así, a los implicados en el matrimonio se les niega, incluso, el derecho a conocerse antes de la boda y mucho menos se les permite decidir con quién quieren casarse.

Por su parte las mujeres de ambas familias (Rosa Renom y Rosa Vila) poseen unos espíritus más abiertos y rebeldes, y ayudadas por Victòria (Laura Conejero) pretenden al menos permitir a los jóvenes casaderos verse antes de tan crucial acontecimiento. Las continuas riñas y trifulcas entre hombres y mujeres generarán un sinfín de situaciones hilarantes, que dan forma a la trama de la obra.

els_ferestecs_5La puesta en escena de esta versión de Els feréstecs es extremadamente sencilla, hiper-minimalista (a veces incluso demasiado) y me bastará con decirles que a nivel de escenografía tan solo hallaremos la propia decoración de la sala Fabià Puigserver y un reducido juego de sillas, que junto a la existencia de diversas puertas crearán metafóricamente los espacios interiores de las viviendas en las que se desarrolla la acción.

Lluís Pascual, el director, ha optado por ambientar la pieza, como les decía, en un pueblo del interior de Cataluña, un espacio ideal para situar la numantina resistencia ideológica de los feréstecs, y por trocar el veneciano del texto original de Goldoni por una suma de dialectos (mallorquín, valenciano, leridano y gerundense), a veces algo costoso de seguir, sobre todo a aquellos con reducida sensibilidad auditiva, como el que estas líneas escribe, pero que generan toda una serie de giros y chanzas que potencian la comicidad de la obra.

La dirección de Pascual ha favorecido, además, una interpretación extremada de sus actores y actrices que resalta con mucho la hilaridad de la representación, acompañada de una serie de ademanes y dichos que aderezan el imponente resultado final. De esta forma destaca, como siempre, Jordi Bosch, que desarrolla un carácter estúpido y bonachón, si bien riguroso, con una solvencia como la que ya vimos en La Bête. En el bando agreste le siguen Boris Ruiz, Xicu Masó, magnífico en su composición aunque bastante secundario y Andreu Benito, al que le falla en algo, a veces, la partitura de su personaje. Por su parte Pol López encarna al hijo casadero en cuestión.

Del bando femenino, en el que hallamos a Rosa Vila, Laura Conejero, Rosa Renom y Laura Aubert, no se puede más que destacar, también, el trabajo coral de todas ellas, cuyas contradicciones entre sus ideas más domesticas y liberales y su situación y anclaje en unas familias y una sociedad ampliamente machistas, generan las circunstancias idóneas para fabricar humor y del bueno.

El resultado, aunque superando unas fallas técnicas importantes que provocaron el parón por unos días en las representaciones, es una pieza con toques de «obra maestra» sobre el escenario, uno de esos momentos en los que el teatro, el arte y la cultura se unen para dar un respiro al alma, en este caso en forma de comedia, con el que descubrimos que lo actual y lo contemporáneo acostumbra a tener su raíz en los clásicos, y que es la suma de tradición, innovación y adaptación lo que muchas veces permite alcanzar la palma del triunfo.

Parece, pues, que el Teatre Lliure ha tocado el cielo, alcanzando, de nuevo, un enorme acierto a la hora de programar su temporada teatral.

Un hurra por el Lliure!!

«Els feréstecs» se representa en el Teatre Lliure del 16 de abril al 19 de junio de 2013.

Autor: Carlo Goldoni
Dirección: Lluís Pasqual
Reparto: Laura Aubert, Andreu Benito, Jordi Bosch, Laura Conejero, Pol López, Carles Martínez, Xicu Masó, Rosa Renom, Boris Ruiz y Rosa Vila
Traducción del veneciano: Lluís Pasqual
Escenografía: Paco Azorín
Vestuario: Alejandro Andújar y Luis Espinosa
Caracterización: Eva Fernández
Iluminación: Rai Garcia y Lluís Pasqual
Producción: Teatre Lliure

Horario: de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:30 y a las 21 horas y domingos a las 18 horas.
Precios: 30,25 €; 21,30 € (miércoles, día del espectador) / 25,75€ con descuento Idioma: catalán y castellano
Duración: 1 hora y 30 minutos sin pausa
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Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Teatro

Crítica teatral: I ara què?, en el Club Capitol.

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393«Pep Plaza viurà cada nit una funció diferent, marcada pel diàleg en viu i en directe i la seva manera tan inconfusible d’interactuar amb el seu públic en el qual presenta més de 60 personatges i mostra una vintena de cantants d’ahir i d’avui.

I ara què? neix de la pregunta del públic sobre què passa a la seva vida com a imitador després de la marxa de Pep Guardiola, una de les seves imitacions més conegudes a Crackòvia «.

En Pep Plaza té un do. I es que en Pep Plaza, és únic en l’art de fer riure i en la capacitat d’extreure el millor i el pitjor d’un ampli repertori de la fauna catalana que imita al seu espectacle I ara què? durant una hora i mitja amb ritme, elegància i afecte.

I ara què? és una exhibició del savoir faire de l’humor català en el que en Pep aconsegueix mutar extraordinàriament en els personatges més estimats i esperats de la seva àmplia col·lecció: Pep Guardiola, Eugenio, Santi Millan, Jordi Pujol, Tomeu Penya, Quim Monzó, etc. I també ens descobreix personatges nous i divertits que connecten amb el públic a l’instant.

Un producte de marca catalana, i especialment dirigit al col·lectiu  Polònia/Crackòvia alternat amb alguna pinzellada dels més apreciats i immortals personatges espanyols com en Machín, Matias Prats o el rei, entre d’altres.

Un espectacle totalment recomanable on el riure està assegurat!

«I ara què» es representa al Club Capitol des del 15 de març de 2013.

Director: Pep Plaza
Repartiment: Pep Plaza
Direcció musical: Miquel Tejada

Horaris: divendres i dissabte a les 23:00 hores i diumenges a les 20:00 hores.
Preu: 23 €

Idioma: català
Duració de l’espectacle: 90 minuts
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Escrit per Marilà Lucas Serra

Teatro

Crítica teatral: «Smiley», de Guillem Clua: Lo que el Iphone une no lo separa ni Dios.

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SMILEYbaja(1)Llamo para que me digas que me quieres.

Tres son multitud para gozo y alborozo del espectador. Y cuando los vértices son “chico deseoso”, “hombrecito descreído” y “teléfono móvil alcahuete”, el público siente que la cosa va en serio.

Guillem Clua ofrece orgulloso una nueva puesta al día del eterno conflicto amatorio cotidiano valiéndose de “Smiley”, vehículo resultón y eficaz. Y el producto se confirma como un ejemplar “revientataquillas” pues después de su pistoletazo de salida en la Sala Flyhard de Barcelona, fue apadrinado por el sacrosanto Teatre Lliure para convertirse ahora en delicioso manjar popular del Club Capitol.

“Smiley” es un nuevo soplo de aire fresco en la cartelera teatral y un vendaval para la taquilla. Porque Clua sabe plantear la historia que siempre hemos pedido ver revistiéndola de una rabiosa actualidad gracias a su hábil contextualización. En ella, se desenvuelven con irresistible encanto sus dos protagonistas, que responden a los más reconocibles arquetipos. Por un lado, una “musculoca” con un corazón más grande aún que sus bíceps (emotivo Ramon Pujol). Por otro, una “marica” cretina intelectual (carismático Albert Triola). Condenados a conocerse. Impacientes por cumplir su condena: amarse eternamente.

SMILEY_2A partir de ahí, y lo que al principio se nos muestra como una prometedora propuesta urbana romántica y costumbrista (el monólogo inicial de Ramon es absolutamente conmovedor), se transforma sin pudor en una historia previsible, de simpáticos equívocos (que bebe y come de la comedia de enredos o “screwball comedy” clásica americana) pasando por una abierta parodia que entronca descaradamente con la “stand-up comedy” (lo que aquí conocemos como monólogos del “Club de la comedia”). Todo ello perfectamente calculado, medido y articulado para que la amargura inicialmente apuntada vaya sedimentándose discretamente bajo una superficie de alegre entretenimiento.

Los diferentes elementos que “Smiley” utiliza para seducir al público son tan oportunamente manejados por Clua que su conquista es envidiable: una música efectista; el recurso a detener la acción para adiestrar al aplicado espectador en el intrincado mundo de las relaciones afectivas del mundo homosexual “oficial”; la utilización directa esporádica del “respetable” como parte de la puesta en escena.

Y si osamos ir más allá de la lectura vodevilesca, también saldremos parcialmente satisfechos: el dibujo de los dos personajes centrales es al principio certero (ni el “cachas” es un frívolo ni el “culto” es inteligente) y el tratamiento de los lugares comunes por los que viajan a lo largo del espectáculo arranca a más de uno la lagrimita de la emoción que tan difícil resulta soltar en el escenario habitualmente llamado “de la vida real” invadido por emoticonos ladrones de almas.

«Smiley – Una història de amor» se representa en la Sala 2 del Club Capitol del 14 de marzo al 28 de abril de 2013.

Dirección y dramaturgia: Guillem Clua
Reparto: Albert Triola y Ramon Pujol
Escenografía y vestuario: Albert Pascual
Diseño de sonido y luz: Xavi Gardés y Fernando Portillo
Producción: FlyHard Produccions

Horarios: jueves y viernes a las 20:30 horas; sábado a las 18:00 y a las 20:30 horas y domingo a las 17:30 horas.
Precio: 20 €
Idioma: catalán
Duración: 90 minutos

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Escrito por Juan Marea

Teatro

Crítica teatral: La signatura 400, al Círcol Maldà

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Signatura_400

Què hi ha darrere d’una bibliotecària? Què li passa pel cap? ¿Què opina de la seva feina? I dels usuaris que cada dia circulen pel seu “territori”? L’escriptora Sophie Divry es va plantejar totes aquestes qüestions, i d’aquest treball imaginari en va sortir La signatura 400, el text que estrena el Círcol Maldà amb Lluïsa Mallol –realment esplèndida– en la pell d’una dona que ha convertit el soterrani de la biblioteca municipal en què treballa en el seu refugi particular, un lloc on gairebé no hi entra la llum exterior i amb el qual manté una estranya relació, entre l’amor i l’odi, un espectacle de petit format molt ben rebut pel públic que ja ha vist aquesta delicada declaració d’amor als llibres que ens envolten a la sala del barri Gòtic barceloní.

Un dia més, la nostra soferta protagonista arriba ben d’hora a la biblioteca per a endreçar els llibres que van quedar damunt les taules la tarda abans. Avui, però, no serà un dia qualsevol: en encendre els llums descobrirà un lector que es va quedar adormit en la seva secció, la de geografia, un inesperat convidat que ella no deixarà escapar sense que l’ajudi en la seva tasca. Així, i mentre posen ordre al seu departament –la seva obsessió per l’ordre és malaltissa–, la dona compartirà les seves reflexions més íntimes amb aquell home silenciós, qui descobrirà una dona que parla amb passió de la seva feina, a la qual ha dedicat els millors anys de la seva vida, una lectora habitual de Maupassant i de Simone de Beauvoir que odia especialment els arquitectes, observadora silenciosa dels flirtejos que succeeixen en aquell soterrani, desencantada per no poder fer-se càrrec de les seves seccions preferides –la d’història i la de literatura– per enveges de les companyes, etc.

En el seu discurs, la bibliotecària assegura que “aquell qui està envoltat de llibres no està mai sol”, una afirmació que ella mateixa s’encarrega de desmuntar al mostrar la seva frustració en l’amor –va arribar a aquesta ciutat per un home que la va deixar per una enginyera nuclear, mentre que en l’actualitat està enamorada platònicament d’un historiador amb qui només ha parlat una vegada–, el seu desencís en sentir-se invisible a ulls dels altres, el dolor per haver dedicat els seus esforços als llibres i haver descuidat les seves relacions personals, la ràbia en veure com se li escapa la vida sense poder fer res per a evitar-ho i la sensació de ser només una presonera entaforada en aquell racó obscur.

Sota la direcció de Joan Peris, La signatura 400 es presenta com un monòleg atípic, més aviat podem definir-lo com un diàleg amb un interlocutor que no parla en cap moment –el lector, tot i ser sempre present–, un discurs que permet brillar, un cop més, Lluïsa Mallol, una magnífica actriu que aquí es transforma en una bibliotecària veterana amb certs impulsos obsessius-compulsius respecte a la correcta disposició de les coses, transitant amb desimboltura en estats d’ànim contradictoris: tan bon punt escridassa l’home com li prega que es quedi, tan aviat riu i s’il·lusiona amb el clatell del seu estimat Martin com plora en comprovar que mai podrà estar amb ell, aconseguint que l’espectador s’identifiqui amb el seu patiment. En escena, però, Mallol no està sola: Joan Gibert és l’usuari que ha passat la nit a la biblioteca, i té el difícil paper de donar la rèplica a la seva companya sense paraules; els seus gestos, les seves reaccions, esdevenen una feina silenciosa que ell realitza amb gran habilitat.

Enamorada de la literatura, Lluïsa Mallol va començar la carrera de Biblioteconomia i Documentació; anys més tard, l’actriu va descobrir aquest text de Sophie Divry sobre una bibliotecària que comparteix les seves frustracions amb el públic, un relat en què s’unien dues de les seves grans passions, els llibres i el teatre, i va decidir fer-ne l’adaptació i buscar un lloc on representar-la. El Círcol Maldà ha estat l’escollit per a instal·lar La signatura 400, un notable espectacle, entre l’humor, el drama i l’erudició, que no només reflexiona encertadament sobre el paper de la cultura en la societat actual –tan necessària malgrat els esforços d’alguns per a arraconar-la–: també parla de la solitud, de l’amor, del desamor, de la frustració pels somnis no aconseguits,… De la vida, en definitiva.

La signatura 400 es representarà al Círcol Maldà del 20 de febrer al 10 de març de 2013.

Autora: Sophie Divry
Traducció i adaptació: Lluïsa Mallol
Direcció: Joan Peris
Intèrprets: Lluïsa Mallol, Joan Gibert
Escenografia: Herminia Carulla
Vestuari: Antonio Belart
Perruqueria: Toni Santos
Disseny de llums: Daniel Gener
Disseny de so: Aurélie Raoût
Producció executiva: Cristina Raventós

Horaris: dimecres, dijous, divendres i dissabte a les 21:00 hores, i diumenge a les 19:00 hores
Preu: de 17 € a 22 €
Idioma: català
Durada: Una hora i deu minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Teatro

Crítica teatral: Nadie sabe nada, a l’Artèria Paral·lel

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“Nadie sabe nada” va ser la conclusió que Andreu Buenafuente va compartir amb els espectadors en la darrera emissió de Buenas noches y Buenafuente, una frase que li va servir per a finalitzar la seva darrera etapa televisiva i començar, així, un exili forçat que avui dia encara dura. Aquest reusenc inquiet, però, és incapaç d’estar sense fer res, i per això s’ha tret de la màniga un projecte a mig camí entre la televisió i el teatre: en companyia del seu “nebot” catòdic, Berto Romero, l’Andreu ha decidit prendre aquelles llunyanes paraules per a batejar la seva nova aventura, Nadie sabe nada, una xerrada amb tocs surrealistes entre aquests dos grans còmics basada en la improvisació, un muntatge que es podrà veure al teatre Artèria Paral·lel de Barcelona fins al 6 de gener de 2013 i que és, sens dubte, la millor manera d’acabar i començar l’any amb l’humor per bandera.

Si els títols dels espectacles sovint juguen a despistar o no són prou clarificadors, en aquesta ocasió no podria estar millor escollit: en aquest cas ningú sap absolutament res, ni l’Andreu, ni el Berto, ni tan sols el públic; bé, potser el públic sí sap alguna cosa: abans d’entrar ja està al corrent que assistirà a una representació única i irrepetible, amb dues talentoses figures que s’enfrontaran al difícil repte de fer riure la gent sense un guió treballat amb anterioritat, un desafiament que, no cal dir, tots dos superen amb escreix. Així, i vestits de negre rigorós, Buenafuente i Romero reben els seus seguidors des d’un escenari ben acollidor, transformat per a l’ocasió en una mena de sala d’estar en què destaquen dues còmodes butaques d’orelles. Des del primer instant, els espectadors podran comprovar que aquesta no serà una funció teatral convencional: un audiovisual amb imatges dels protagonistes a mode de careta introductòria emparenta l’espectacle amb un programa de televisió, presentat en aquesta ocasió per un tàndem de còmics sense egos ni recels vers l’altre.

Nadie sabe nada es vertebra en tres parts clarament diferenciades: en la primera, Buenafuente i Romero pretendran saber més coses l’un de l’altre, i per això sotmetran el seu contendent a les preguntes més insòlites –la principal obsessió del Berto serà esbrinar si l’Andreu sap del cert que no és homosexual–, sempre intentant sorprendre’l i deixar-lo sense paraules; la segona part estarà lligada a les notícies més interessants del dia, que els dos comentaran de forma descarada i sense embuts –molts de vostès es preguntaran si es pot fer humor amb la situació actual; doncs sí, és possible, tot i que no faltarà alguna petita dosi de mala llet disfressada amb ironia, que així tot resulta més fàcil–, i on, encara que sembli impossible, Silvio Berlusconi o Benet XVI podran compartir protagonisme amb la desconeguda figura del panda català, i és que l’actualitat pot donar molt joc, fins i tot per a inventar una cançó amb només quatre paraules suggerides des de la platea i en companyia del guitarrista Iván Lagarto; finalment, l’espectacle acabarà amb les preguntes del públic, un joc interactiu en què el secret rau en l’enginy de les qüestions, potser massa interessades en la destresa de l’Andreu amb la seva acabada d’estrenar faceta com a pare.

No hi ha dubte que aquest és un projecte fet a mida per a lluïment d’aquests dos referents de l’humor català: Buenafuente reconeix que té “incontinència improvisadora” i el que realment el posa nerviós és enfrontar-se a un text fix, mentre que Romero li ha agafat gust a dir el primer que li passa pel cap sense pensar en les conseqüències posteriors; d’aquesta manera demostren que entre ells hi ha una enorme química i complicitat, forjades en tots els anys en què han compartit platós televisius. I el públic agraït: per primera vegada tindrà la sensació d’assistir a una conversa privada entre aquests dos còmics que, relaxats i amb molta habilitat, són els primers en divertir-se amb les seves ocurrències, se’n riuen de tot i de tothom amb elegància i sense excepció, ni tan sols les mares dels artistes se’n salvaran.

Nadie sabe nada és l’espectacle que els seguidors d’aquests dos showmans estàvem esperant, una brillant proposta basada en la improvisació en què no hi ha regles preconcebudes i on tot està permès, i que provocarà grans riallades entre el públic, totalment entregat a la manera de fer humor amb el segell característic d’El Terrat. Fa massa temps que no tenen un programa a la televisió, però és evident que mantenen intactes els reflexos que els va consolidar entre els millors humoristes del país. Ah, i permetin-me un darrer consell: no se’ls passi pel cap arribar tard a la funció; i si ho fan, no s’espantin si els dos protagonistes els demanen explicacions des de l’escenari, en aquest espectacle pot passar qualsevol cosa. Estan avisats.

Nadie sabe nada es representarà a l’Artèria Paral·lel del 12 de desembre de 2012 al 6 de gener de 2013.

Direcció: Andreu Buenafuente
Intèrprets: Andreu Buenafuente, Berto Romero
Guitarrista: Iván Lagarto
Veu en off: Fermí Fernàndez
Adaptació guió: Rafel Barceló
Escenografia i atrezzo: Rafel Vives
Vestuari: Laia Cambrils
Il·luminació: Eudald Gili
Muntatge musical: Ramon Juncosa
Audiovisual: Frankie de Leonardis

Horaris: dimarts, dimecres, dijous, divendres i dissabte a les 21:00 hores, i diumenge a les 19:00 hores
Preu: 12,00 €
Durada: Una hora i trenta minuts

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Escrit per: Robert Martínez Colomé